Fuente: La Capital ~ La artista Agostina Mauro inmortalizó la imagen del rosarino besando la Copa América en Brasil en una pintura que le llevó personalmente al predio de la AFA.
Una pintura. «Para mí esa imagen no es sólo Messi besando la Copa, sino el reflejo de un sentimiento colectivo de alegría y felicidad», graficó Agostina Mauro.
El capitán del seleccionado argentino, Lionel Messi, fue homenajeado por una artista con un cuadro hiperrealista realizado en óleo sobre lino, entregado por la autora en el predio de la AFA en Ezeiza, durante la previa del clásico rioplatense con Uruguay por las Eliminatorias Sudamericanas del Mundial Qatar 2022.
La obra, en la que se retrata casi como en una fotografía el momento en que la Pulga levantó la Copa América este año en Brasil, fue realizada por Agostina Mauro, de 26 años, la misma artista que le entregó en mano una de sus pinturas al papa Francisco en Roma y que llevó a cabo el mural más grande del país en San Vicente como homenaje a los héroes de la pandemia.
«Hacía mucho que soñaba con pintar a Messi y darle una obra, pero no sabía cómo llegar a él. Todo se fue dando en el último tiempo, cuando tuve la posibilidad de pintar para una persona allegada al mundo del fútbol, que me contactó con la AFA», contó la joven.
Horas antes de que la selección parta rumbo a Montevideo, donde este viernes jugará ante Uruguay, la mujer entregó su trabajo a las autoridades de la AFA.
«Como Messi está en una burbuja sanitaria estricta, el presidente de la AFA, Claudio Tapia, se lo entregó en mano a Lio», dijo Agostina. A la vez, reconoció que el rosarino es su ídolo «desde siempre» y apuntó que «más allá de lo que representa futbolísticamente, creo es un ejemplo de que se pueden lograr grandes sueños».
Agostina –icenciada y profesora en artes visuales con orientación en pintura (Facultad de Bellas Artes de la UNLP)– se especializa en la técnica hiperrealista y llevó a cabo el cuadro en menos de un mes.PUBLICIDAD
«Fue en tiempo récord, ya que suelo tardar más tiempo en pintar un cuadro hiperrealista. Hubo semanas en las que trabajé como 15 horas por día para llegar a tiempo a concluirlo», señaló a esta agencia.
La obra representa el momento de la premiación tras el triunfo de la Copa América, lo que la artista describió como «un momento de suma felicidad para todos en medio de la oscura pandemia».
«Para mí esa imagen no es sólo Messi besando la Copa, sino el reflejo de un sentimiento colectivo de alegría y felicidad», graficó Mauro e indicó que ama «ver los partidos de la selección y sentir esa emoción de que estamos todos unidos jugando juntos».
Sostuvo, en ese sentido, que le emociona ver al jugador de PSG en la cancha porque «es un ídolo mundial» y añadió que la llena de felicidad «que hoy tenga en sus manos una de mis obras».
En ese marco, la arista plástica aseguró que cuando la pintura estaba casi concluida, publicó en sus redes sociales que estaba terminando una obra para Messi e invitó a los vecinos de San Vicente a despedir el cuadro en la plaza central de ese municipio del Gran Buenos Aires.
«A pesar del frío fueron un montón de personas con banderas argentinas que aman a Messi como yo», explicó la joven y destacó que «una multitud despidió la obra con banderas argentinas al grito de Messi Messi Messi».
Son las mismas personas que se ilusionan con que el ídolo sume en Qatar 2022 el único título que le falta a su vitrina.
Fuente: La Nación ~ El sector de la feria, que abrió ayer al público, destinado a las nuevas propuestas se caracteriza por la indistinción entre artistas y galeristas y por una vuelta a la pintura.
No hubo largas colas desde el primer minuto, como ocurría en La Rural. La pandemia impuso su protocolo para celebrar los 30 años de arteba: el primer día de apertura al público de la feria alojada en Arenas Studios, en La Boca, tuvo una asistencia gradual ordenada por turnos, estipulados al comprar las entradas online, y varias visitas guiadas grupales.
La Porkería Mala, performer representada por la galería NN en Factor Studio
Todo muy prolijo, excepto el cuarto de la Porkería Mala en Factor Studio, el sector de los espacios emergentes que hay que encontrar subiendo una rampa, atrás de la Isla de Ediciones. El espacio de la artista es el único cerrado y participa del programa de performance diseñado por Diego Bianchi. Es parte de la propuesta de la galería NN, reconocida anteayer con 400.000 pesos delPremio En Obra. Hay un aire perfumado y denso, y es preciso esquivar en el piso los restos de la fiesta de la noche anterior: copas usadas, latas de cerveza vacías e incluso un balde destinado a quienes se hayan pasado de alcohol. Del picaporte cuelga un corpiño. La artista es una aparición imponente que pasea por la feria con máscara, y aquel es el ámbito de su fantasía. Su obra comprende pinturas, esculturas, dibujos, collage y un emprendimiento de zapatos. Su videoperformance Perdidas en Recoleta se ve dentro de esa habitación, entre percheros de ropa y un sofá siempre ocupado, y también está en YouTube. Más performance y estética drag, en la galería mendocina Valerie, de Mendoza.
Interior del cuarto de la Porkería MalaAlejandro Guyot
El sector Factor Studio en arteba hace tiempo que dejó de ser sólo un barrio de gente joven. Nuclea espacios innovadores y alternativos. El clima es emergente, plural, diverso, autogestivo, territorialmente expandido y con una madurez en las obras que no responde a categorías etarias. Se observa frescura, pero a la vez una vuelta amorosa a la pintura. Los galeristas son artistas y viceversa. Sobrevuela una idea comunitaria. “Hay mucho deseo de trabajar colectivamente, de reunir energías. Se vuelve a ver con fuerza el poder de autogestión que tienen los artistas”, observa Alejandra Aguado, integrante del comité de selección.
Elisa O´Farrell, una de las artistas premiadas, con sus obras en AtochaAlejandro Guyot
Es raro ver al artista internacionalGabriel Chaile con una tablet con precios de obra bajo el brazo. El artista, que fue furor de ventas en la sede suiza de Art Basel como artista de la galería Barro, estrena su rol de galerista en NVS, una agrupación de amigos con sede en Lisboa que busca mostrar el trabajo de los que no llegaron aún a descollar. “Estoy un poco nervioso porque es otro papel. Pero me gusta representar a los amigos”, cuenta. Laura Ojeda Bär también oficia ahí de galerista, y del otro lado del panel es artista premiada de la galería Moria.
La galería NN, una de las reconocidas con el Premio En ObraAlejandro Guyot
Los roles están mezclados. En Selvanegra, Silvia Sicoli es pintora y galerista. En La Arte, de Salta, donde fue distinguida la obra de Soledad Sánchez Goldar con un Premio en Obra, la galerista Soledad Dahbar también expone como artista. “Yo creo que no hay una intención de ser galerista sino re artista, son las múltiples aristas de ser artista. Nos manejarnos con modos amables, nos apoyamos entre todos para que los proyectos salgan”, señala.
Lucia Evangelista, directora de la galería Moria, con obra de Laura Ojeda Bär, una de las artistas premiadasAlejandro Guyot
Los galeristas de Grasa, Carolina Martínez Pedemonte y Torcuato González Agote, están repetidos en la pared, en un retrato hecho por ella. Los dos son artistas y su stand de quince metros repite las dimensiones de la galería que abrieron en pandemia en el garage de su casa (Santos Dumont 3703). No se achicaron, y trajeron obras grandes como Los Mareados, muñecos de Dana Ferrari que también están ahora en el museo Moderno y unos tótems de piedra pómez de Valeria Maggi. “La curadora fue Violeta Mollo. Estamos nosotros porque este es un proyecto gestionado por artistas”, cuenta González Agote.
Elisa O´Farrell, otra de las artistas reconocidas con el Premio En Obra, exhibe en AtochaAlejandro Guyot
La pintura figurativa tiene un protagonismo inusual en esta nave, que se corresponde con buenas ventas. Hay una oda al pincel en muchas artistas mujeres: se destacan las pinturas en páginas abiertas de libros de Elisa O’Farrell, una de las artistas premiadas, exhibida en la galería Atocha. También, las heroínas de gran tamaño de Ornella Pocetti en El Mirador, las pinturas de escenas de pueblo de la artista Sonia Ruiz, tucumana, en NVS, y la individual de Vico Bueno, Fuera de servicio, en la rosarina Estudio G. En Moria sólo hay pintura: “Buscamos repensar las tradiciones, del retrato, el paisaje y el mundo interior. El autorretrato es uno de los grandes géneros. Acá no creemos en eso de separar la obra del artista”, dice Ojeda Bär.
Los galeristas de la mendocina galería ValerieAlejandro Guyot
En El Mirador, galería que mereció el gran premio 30 años de arteba, hay también experimentación: es impactante la obra de Trinidad Metz Brea, joven artista que ya vendió todas sus piezas modeladas de forma digital y realizadas con impresión 3D. Una especie de Jardín de las Delicias en alto y bajo relieve, con un nivel de preciosismo que da ganas de estirar la mano y tocar. Salen de repertorio también la pieza de Evi Tártari en Fulana, un telón tejido de chala de maíz, y un mural de cerámicas con engobes de Eugenia Bracony que la galería Sputnik vendió en las primeras horas de feria, el miércoles. Isla Flotante apostó por un artista brasileño, Luiz Roque, con video llamado Zero. “Estamos anunciando así su representación. Hemos vendido piezas también en trastienda. Hay una sensación general de buenas ventas y propuestas nuevas. El premio en obra dio un impulso muy grande a todo el pabellón”, dice el galerista Leopol Mones Cazón.
Obras de Ornella Pocetti y Trinidad Metz Brea en la galería El Mirador, espacio premiado con el gran premio arteba del Premio En ObraAlejandro Guyot
El stand más vistoso es PM, un domo de papel metalizado. Está piloteado por el artista Nicolás Nacif, pero todo es colaborativo. La galería tiene dos años y ya hizo 20 muestras en tiempos pandémicos. “Nos une la reivindicación de la espiritualidad en el arte, por eso hicimos este templo. Somos 25 artistas y pagamos todo entre todos”, cuenta. La galería es joven, pero muestra artistas de trayectoria como Lorena Ventimiglia, Miguel Harte, Felipe Pino, Gustavo Marrone yNushi Muntaabski, autora de una escultura que ocupa el centro del espacio, con la que ganó el primer premio del Salón Nacional de Escultura: “ElPlurente es un guerrero que está decapitado y llora el dolor universal, pero ganó la batalla. Un guerrero triunfal y bello, y un poco me identifico. ¿Tengo que estar en barrio joven? No sé, pero me encanta estar adentro de ese stand que es como un casco intergaláctico. Estoy agradecida con la invitación”, dice.
Sonia Ruiz con sus obras y Gabriel Chaile; ambos se cuentan entre los galeristas de NVSAlejandro Guyot
Hay espacios líquidos, se podría decir, sin sede fija. Por ejemplo, La Copia, organizado por Alejandro Montaldo y Nicolás Pontón, es itinerante, y se materializa por proyectos especiales. Ohno es itinerante e intermitente, y siempre está buscando nuevos formatos para mostrar artistas de distintas provincias, con la dirección del artista tucumano Benjamín Felice. Intemperie tampoco es física, sino que se expande a cielo abierto con instalaciones en espacios públicos. “Nos ha ido muy bien con la obra de Alejandra Mizrahi, que fue nominada en la feria para el premio ArtNexus. Mucha gente circulando, muchas consultas y ventas”, dice Coty Chiappini, artista y galerista junto con Gonzalo Maggi.
Obra de Miguel Harte en el stand de PMAlejandro Guyot
“Nos interesó la representación territorial y que sus propuestas fueran frescas”, dice Diego Obligado, galerista radicado en Rosario e integrante del comité de selección. De 18 espacios, once son de Buenos Aires, dos internacionales y cinco de provincias. Por ejemplo, resulta una hazaña que exista una galería como Fulana, con una propuesta tan contemporánea, en Tafí Viejo, Tucumán, primera y única en su tipo en ese destino, y que logre además estar en arteba. “Es difícil sostener el espacio. Para nosotros no sólo es el costo del stand, sino los pasajes, la estadía, las comidas –cuenta Pamela González, la galerista–. Estamos felices y con mucha ilusión”. Ese parece ser el clima de Factor Studio: alegría y esperanza.
Obra de Carla Florencia Juárez comprada por Sofía Weil de Speroni en la galería FulanaAlejandro Guyot
Para agendar:
arteba, hasta el 7 de noviembre en Arenas Studios (Av. Don Pedro de Mendoza 965, La Boca). Compra de entradas únicamente online, en www.arteba.org. General: $600, estudiantes y jubilados: $300
Fuente: Clarín ~ Son cinco jornadas con formato híbrido. Participan 300 artistas y 59 galerías de todo el país, y tendrá nueva sede La Boca y autoridades. Las actividades virtuales apuntan a un público diverso.
Desde este miércoles, con más de 59 galerías participantes y exponiendo las obras de más de 300 artistas,arteBA festeja ahora su 30° aniversario con una vuelta a la presencialidad, luego de un año 2020 histórico, pandémico, en el que se vio obligada a suspender la feria presencial y tomar lugar y desarrollo en internet y en las redes: la presencia de arteBA el año pasado fue digital. Cuenta con el auspicio de Clarín y Revista Ñ.
Esta vez, la feria de galerías se realizará en La Boca, en Arenas Studios, entre miércoles y domingo. Las primeras dos jornadas será para coleccionistas, curadores, artistas y sponsors; mientras que desde el viernes podrá asistir el público en general con reserva de entrada ($600, horario fijo y aforo limitado).
Dos son los ejes principales a través de los cuales arteBA se articulará en los espacios físicos, presenciales, este año: por un lado, los stands de las galerías (en los espacios Arenas) y las exposiciones con proyectos emergentes (estos últimos en la sección Factor Studio y Audiovisuales Zurich, también dentro de los Arenas Studios). La programación artística, en cambio, se extenderá hacia el Paseo de las Artes Pedro de Mendoza.
En la actualidad, proponiendo que además de los stands que ocupa cada galería con las obras de sus artistas, ocurran también eventos gratis al aire libre (como por ejemplo, recitales de música en vivo), más una selección online de galerías de otras ciudades argentinas o de galerías internacionales (ya que esta vez la mayoría de las galerías extranjeras no viajarán de forma presencial con sus piezas), la feria retorna estrenando directorio: Larisa Andreani, como presidenta; Eduardo Mallea, su vice-presidente; y Lucrecia Palacios, directora artística, dirigirán diversas acciones.
Lanzamiento de arteBA 2021, en el Malba. / Fotos Prensa arteBA / Gentileza
Como parte de las actividades complementarias de la feria habrá charlas con artistas, curadores y especialistas (Charlas Santander, organizadas por la artista Marcela Sinclair); se desarrollará el Programa para coleccionistas y profesionales (con visitas presenciales a galerías y museos y charlas virtuales.
Se realizará Isla de Ediciones-Proa –el espacio con las novedades editoriales dedicadas al arte contemporáneo, auspiciado por Fundación Proa– y habrá una Tienda de objetos de autor. También tendrán lugar el ciclo DJ-IRSA y un ciclo de música en vivo, más una serie de performances, entre otros eventos.
También habrá programaciones complementarias con los artistas de las galerías participantes en el Arenas Studios que tendrán presencia online y que se extenderán hasta el 20 de noviembre (a diferencia del resto de las actividades de la feria, que terminarán el 7).
La plataforma virtual busca garantizar el acceso a un público más amplio y extender el territorio de circulación de la producción artística, donde cada galería tendrá un perfil con una serie de artistas y obras, e incluirá una serie de actividades virtuales pensadas para un público diverso.
Larisa Andreani, Presidenta de ArteBA. Será una feria para todo el arco Contemporaneo. / Foto: Clarín
Premio estímulo
Vale la pena señalar que se festejará el 15° aniversario del Premio en Obra, un premio estímulo para los espacios emergentes y los artistas: los candidatos al premio se elegirán entre los participantes del Factor Studio (la nueva sección de la feria que reunirá espacios alternativos, desconocidos).
Y además arteBA llevará a cabo el Programa de Adquisición de Museos, que busca apoyar a diversas instituciones para que compren arte argentino.
La Fundación Klemm, MALBA, el Museo de Arte Moderno de Medellín, el LACMA de Los Angeles, el Museo de Bellas Artes de Houston y el Museo de Arte Moderno de Chicago son algunas de las entidades que participarán este año del Programa.
Armado arteBA 2021.
Acéfala, ATOCHA, Calvaresi, Cosmocosa, Del Infinito, Rubbers, Hache, Jorge Mara-La Ruche, OHNO, Palatina, Ruth Benzacar, Rolf, Vasari, Walden, Mite, Miranda Bosch, Moria, son algunas de las galerías de la ciudad de Buenos Aires cuyos artistas podrán verse en arteBA en breve, al igual que los artistas de las galerías Valerie (Mendoza), The White Lodge (Córdoba), Fulana (Tafí viejo), Crudo (Rosario), NN (La Plata) y La arte (Salta), entre otras muchas más.
Como se hacía en épocas pre-pandémicas, hay que calzarse zapatillas e ir entrando en calor: la feria promete ser grande y con muchas actividades a lo largo de los días, así que un pequeño entrenamiento (luego de épocas quietas de cuarentena) no vendría nada mal. Puede consultarse la programación 2021 de la feria acá.
Ficha
La feria arteBA 2021 mostrará lo mejor del arte contemporáneo y moderno argentino, del 3 al 7 de noviembre de 12 a 20, en Arenas Studio, en La Boca (avenida Don Pedro de Mendoza 965).
El miércoles y el jueves abre para invitados especiales: coleccionistas, curadores, artistas y sponsors.
Entre el viernes y el domingo, podrá asistir el público en general con compra de entradas online acá. Con horario dijo y aforo limitado. Precio: $600.
Fuente: La Nación ~ Cerca de mil manuscritos, fotos y documentos en papeles amarillentos resistieron el paso del tiempo; hallados en la casa museo que lleva su nombre, tras una investigación se reúnen en el libro “Poetas de Quinquela” que se presenta en La Noche de los Museos
Benito Quinquela Martín, el más emblemático pintor de La Boca, era en su tiempo una institución. Por su casa pasaban artistas, poetas, dramaturgos, músicos, periodistas, políticos, diplomáticos, presidentes y vecinos, y encontraban la puerta siempre abierta. A este ciudadano ilustre, afable y generoso, le dejaban como ofrendas poesías, dibujos y canciones. Él los guardaba como tesoros.
El poeta y periodista Rodolfo Edwards revisó aquellos papeles, ya frágiles y amarillentos, guardados en biblioratos prolijamente indizados por el pintor, y les dio forma de libro: Archivos Quinquelianos. Los poetas de Quinquela. Este sábado, a las 20, en La Noche de los Museos, se presenta en la terraza del museo de La Boca, donde el artista vivió y pintó.
Quinquela en su taller de La Boca
Marta Sacco, poeta y comunicadora, descubrió estos tesoros hace casi diez años, cuando trabajaba en el museo. “Investigué lo que pude en el archivo y supe que ese material merecía una lectura profunda y ser publicado”, cuenta. Llevó un tiempo, pero finalmente esta semana el libro salió de imprenta. “Supo llenar de sentido la palabra comunidad”, dice Víctor Fernández, director del museo y pintor boquense, que destaca lo convocante de la figura de Quinquela y lo variopinto de quienes lo rodeaban. “Los poemas parecen inspirados en un símbolo más que en una persona. Era el espejo de los mejores sueños compartidos”, agrega.
Edwards cuenta en sus páginas que Quinquela fundó una peña en el Café Tortoni, Agrupación de Gente de Artes y Letras, que funcionó en la bodega del bar de Avenida Mayo entre 1926 y 1943. “Después llegaría el tiempo de los banquetes en el taller de La Boca, donde se otorgaba la Orden del Tornillo, galardón que distinguía a los que se salían de la norma, a los que le faltaba un tornillo”, escribe Edwards. Seguía a la ceremonia un convite de fideos de colores.
Quinquela y su navío de colores / cruza el agua febril, dice en «Apunte en gris» la poeta chilena Stella Corvalán, 1948Archivo
Sonetos, cuartetas, coplas, letras de tango. Cerca de mil manuscritos en pedazos de papel, en servilletas, mecanografiados o recortados de diarios, resistieron el paso del tiempo, y hoy están digitalizados. De ese montón, se rescataron unos sesenta para el libro. En todos se lee la adoración que provocaba esta figura que fue legendaria en su tiempo.
“Hay libros enteros dedicados a él”, dice Edwards. Su casa devenida museo, la escuela que funciona en planta baja, el Teatro de la Ribera que está al lado, una escuela industrial y un consultorio de dentista de la misma cuadra fueron donaciones suyas a su comunidad. “El vivía modestamente, como se puede ver todavía en el museo –conserva intactos la cocina, cuarto, baño, comedor–. Su cuarto se parece al de Van Gogh. Todo lo que ganó en la pintura lo invirtió en su barrio”, dice. En La Boca, que aún hoy se dice república y tiene su propio presidente, Quinquela es un santo. Todos los años se reparte la estampita de San Benito, que tiene en el frente al pintor empuñando pinceles y en el reverso, una oración en su honor, iniciativa del grupo Arrojas Poesía al Sur, que integran Sacco y Zulma Ducca.
Una página del libro: «Paisaje ribereño», partitura con letra y música de Alberto CosentinoArchivo
“Los poemas incluidos en Los Poetas de Quinquela son piezas de un rompecabezas, nos permiten reponer fragmentos de la rica historia del barrio de La Boca; en todos ellos hay un permanente diálogo con las herramientas de Quinquela, como si el pintor fuese un testigo permanente, un ángel custodio, un comodín que subsana las carencias, siempre presto a oficiar el milagro”, se lee en el prólogo. “Incluye poemas de Celedonio Flores, Julia Prilutzky Farny o Héctor Pedro Blomberg, pero también hay versos de poetas no conocidos, personajes del barrio que le dejaban su homenaje a esa especie de santo benefactor que fue Quinquela”, continúa. Quinquela atesoraba meticulosamente esas demostraciones de cariño. En sus tertulias dejaba siempre el micrófono abierto para quien quisiera tomar la palabra.
Edwards, que es poeta y periodista, sabe de qué habla. Nació en el barrio, a cien metros del Riachuelo. Hijo de un marino mercante, cursó toda la primaria en la escuela de Quinquela, Escuela Museo don Pedro de Mendoza. En cada aula hay un mural del maestro, donde Edwards creía ver los barcos en los que viajaba su papá. Por eso, de la antología el poema que más lo conmueve es el de Roberto Cerrudo, La muerte del marino. “De chico era amigo del hijo del portero, así que los fines de semana jugaba en la escuela y subíamos al piso de arriba a espiar a Quinquela. Él aparecía en todos los actos”, recuerda. En uno de esos, Edwards se sentó al lado del pintor y quedaron retratados en el diario La Gaceta de Barracas.
Florencio Sturla, Benito Quinquela Martín y un amigo, en Mar del Plata, 1927Archivo
Hay versos que cuentan hechos concretos como el derrumbe de la cúpula de la iglesia San Juan Evangelista, en 1951. Hubo 9 muertos y 30 heridos y Roberto Cerrudo escribió́ Triste desgracia en la iglesia.
El incendio del San Blas, de Raquel M. Gansier, se ocupa de la explosión de un tanque de combustible en el buque petrolero San Blas, en 1944, que dejó 17 muertos. Quinquela lo pintó.
También hay partituras, que ya han sido puestas en valor por la Orquesta Sciammarella Tango. La agrupación femenina se dedica a la arqueología tanguera, y rescata piezas inéditas u olvidadas. En marzo de 2020, llegaron a dar un concierto en la terraza del museo antes del cierre por cuarentena.
De Archivos Quinquelanos, el libro «Los Poetas de Quinquela» se consigue a partir de este sábado en el museo, a $ 800Maqueta
Entre las curiosidades hay un poema escrito en “crefundeo” (crear + fundar), un idioma creado por el poeta y pintor Adolfo Ollavaca que distorsiona las palabras. Edwards tradujo otro, escrito en francés por el embajador de Haití́ en Argentina, Jean-Fernand Brierre, en 1954. El diplomático era poeta, dramaturgo y periodista, y es considerado una de las voces más relevantes de la literatura haitiana.
Quinquela y su navío de colores / cruza el agua febril, escribe a mano la poeta chilena Stella Corvalán en 1948. Es difícil encontrar otro pintor que haya sido tan querido en su lugar y su tiempo, al punto de desencadenar toda una lírica en torno de su trabajo. En sus versos, Bartolomé Botto, poeta emblemático de La Boca, lo llama “poeta de la espátula”. En vez de pluma, haces con pinceles / versos en colores, cual si fueras Poeta, escribe Roque Sumiza. Una oda al pintor, firmada por Pedro Herreros, dice: Quinquela, has domado, / con garra y espíritu, tormentas y vientos, / por gracia del Arte, vas a ser nombrado / Señor de los Barcos y los Elementos. Pedro Juan Vignale lo despide así ante un viaje a Europa: ¡Adiós señor de los brochazos / que dan su fiebre sin piedad! / Iremos solos, con tu espíritu / surcando aguas por tu mar.
Fuente: Perfil ~ El presidente francés encabeza un acto en el que restituirán estas piezas que fueron robadas del palacio del rey de Abomey en 1892.
El Presidente de Francia, Emmanuel Macron, encabeza un acto histórico: la restitución de 26 obras de arte a Benín, África, que habían sido saqueadas por las tropas de la colonia francesa en 1892. Estas piezas fueron robadas del palacio del rey de Abomey y, desde entonces, permanecían en el país europeo.
Estas obras estaban exhibidas en el museo del Quai Branly, en París, y allí el mandatario francés recibirá al canciller de Benín para devolver ese patrimonio cultural. Este avance es producto de una ley aprobada el año pasado que la restitución de otras miles de obras de arte africanas y latinoamericanas que fueron apropiadas por Francia.
Según expertos, el patrimonio africano fue duramente saqueado, entre un 85 a 90% de él estaría fuera del continente. Mientras que un reciente inventario reveló que en Francia hay decenas de miles de piezas cuyo origen merece ser verificado, por lo que se propuso un calendario de restitución, que con la ceremonia de hoy comienza a concretarse.
“El ejemplo que tenemos es la posición del presidente Macron y la voluntad política de Francia, del estado francés, de iniciar este proceso de devolución, de entrega de estas piezas a quien corresponde; en este caso a Benín, al país y su comunidad», dijo a RFI el embajador de Guatemala en Francia, Francisco Gross Hernández Kramer.
El museo del Quai Branly encabeza la minuciosa tarea de determinar el origen de las 300.000 obras del fondo Oceanía, Asia y América que alberga en sus depósitos para identificar aquellas que habrían sido recuperadas por manera violenta, sin el consentimiento de los legítimos propietarios o por coerción administrativa colonial.
Fuente: Ámbito ~ «Se mantiene muy cerca del original», aseguraron desde la casa de subastas Artcurial. Además consideraron que «no pierde el sentido de su propio estilo».
Una de las réplicas más fieles de la Mona Lisa, el célebre cuadro de Leonardo Da Vinci cuyo original presume de ser la obra más famosa y cotizada del Museo del Louvre de París, se expone desde hoy y durante tres días en Bruselas, en la casa de subastas Artcurial, que el próximo 9 de noviembre la subastará en un valor que podría oscilar entre 150.000 y 200.000 euros (entre u$s174.000 y u$s231.000), aunque los pronósticos apuntan a que esta cantidad será inflada por los oferentes.
Datada del siglo XVII, la pintura tiene un valor agregado, ya que fue pintada sobre un panel de roble en vez de sobre lienzo. Además, esconde particularidades que la diferencian de la original, aunque a simple vista, sean inapreciables.
«Hay algunas pequeñas diferencias que no son realmente importantes. Pero es muy parecido y por eso es tan impresionante porque se mantiene muy cerca del original», aseguró Vinciane de Traux, directora de Artcurial, quien detalló según el diario español La Vanguardia que, aunque no se conozca al pintor, es sabido que fue pintada en la ciudad francesa de Fontainebleau, donde falleció Da Vinci, y fue adquirida por el rey François I.
«Es una de las copias más fieles. Siempre vemos muchas porque (La Gioconda) ha sido siempre un icono, ya en la época de Da Vinci. Pero algunas de estas son algo naif, no están muy bien pintadas y esta nos asombró realmente cuando la vimos por primera vez», acotó la especialista.
«La Gioconda» o Mona Lisa es la obra más famosa, más visitada, más estudiada y más parodiada del mundo: ha alcanzado la valoración más alta de la historia por parte de las aseguradoras -u$s100 millones en 1962 que equivalen a unos u$s870 en 2021- y hasta la cantante Beyoncé se tomó una selfie con ella en 2014 y la incluyó en su video tour por el museo parisino, que difundió junto a la canción «Apeshit» en 2018.
La réplica que saldrá asubasta ahora es tan fidedigna que conserva también la característica sonrisa y la mirada, que persigue al espectador por los cuatro rincones al igual que la pintada por el creador italiano.
«El pintor ha tenido especial cuidado de representar los tonos de piel de las manos y el rostro con gran delicadeza, sin perder el sentido de su propio estilo. Los trazos son aparentes con sutiles toques que acentúan la forma del rostro, alrededor de los ojos, resaltando el mentón, el escote y las articulaciones de los dedos», indican los expertos.
El hecho de que una reproducción fuera pintada tan tempranamente -mucho antes de que esta obra se convirtiera en la más celebre de Da Vinci- ejemplifica la admiración que despertaba el artista y su producción en el mundo de las artes de la época.
«La réplica es mucho más que un cuadro, es una destilación del arte occidental. Hermosa y suave, la Mona Lisa es también la encarnación de la felicidad», indicó Matthieu Fournier, encargado de su subasta.
Existen muchas copias de la obra, de las cuales dos están colgadas en las salas de museos nacionales: una figura en la colección del Hermitage de San Petersburgo y otra en la del Museo del Prado de Madrid. Esta la que ha sido sometida a un intenso escrutinio del que por estos días se exponen los hallazgos en la muestra «Leonardo y la copia de la Mona Lisa», que tiene lugar en el museo español.
Fuente: Clarín ~ Sana Ashraf Sharif Muhsin tiene 21 años y es una de las dos únicas pintoras en todo el país. “A veces temo por mí.”
Entre las profesiones antes tabú que emergen de las décadas de conflicto y extremismo islámico de Somalia se encuentra el mundo del arte, y una pintora de 21 años ha tenido que enfrentar más oposición que la mayoría.
Sana Ashraf Sharif Muhsin, una artista poco común en esta nación tan conservadora del Cuerno de África, vive y trabaja entre los escombros del edificio de su tío, parcialmente destruido en los años de guerra de Mogadiscio.
A pesar de desafíos como la creencia de algunos musulmanes de que el islam prohíbe toda representación de personas y la dificultad para encontrar pinceles y otros materiales para su obra, ella es optimista.
A pesar de desafíos como la dificultad para encontrar pinceles, la artista es optimista. Foto: AP
«Me encanta mi trabajo y creo que puedo contribuir a la reconstrucción y pacificación de mi país», afirma.
Sana se destaca por haber roto la barrera de género para dedicarse a una profesión dominada por los hombres, según Abdi Mohamed Shu’ayb, profesor de arte de la Universidad Nacional de Somalia. Es sólo una de las dos artistas mujeres que conoce en Somalia. La otra se encuentra en la región separatista de Somalilandia.
Sin embargo, Sana es única «porque sus obras de arte captan la vida contemporánea de forma positiva y buscan la reconciliación», dijo, calificándola de héroe nacional.
Sana, estudiante de ingeniería civil, empezó a dibujar a los 8 años, siguiendo los pasos de su tío materno, Abdikarim Osman Addow, un conocido artista.
«Usaba carbón en todas las paredes de la casa para dibujar mi visión del mundo», dijo Sana, riendo. Luego, recibió una educación más formal y llegó a armar un libro con sus bocetos de objetos domésticos como un zapato o una jarra de agua.
Pero, con el paso de los años, conforme su trabajo atraía la atención del público, surgieron algunas tensiones.
Sana, estudiante de ingeniería civil, empezó a dibujar a los 8 años. Foto: AP
«A veces temo por mí»
«A veces temo por mí», dijo, y recordó un enfrentamiento durante una exposición reciente en la Universidad de la Ciudad de Mogadiscio. Un estudiante empezó a gritar «¡Esto está mal!» y los profesores trataron de calmarlo, explicándole que el arte es una parte importante del mundo.
Muchas personas en Somalia no entienden el arte, dijo Sana, y algunos incluso lo critican como algo repugnante. En las exposiciones, ella trata de hacerles entender que el arte es útil y «un arma que puede usarse para muchas cosas».
«Nuestras pinturas le hablan a la gente», dice Sana Ashraf Sharif Muhsin. Foto: AP
En una ocasión, un profesor puso a prueba sus aptitudes haciéndole preguntas y exigiéndole respuestas en forma de dibujo, dijo.
«Todo lo que se hace se dibuja primero, y lo que hacemos no es ropa sino algo que cambia nuestras emociones internas», dijo Sana. «Nuestras pinturas le hablan a la gente».
Su obra a veces explora los problemas sociales que sacuden a Somalia, como la pintura de un soldado que mira las ruinas del primer edificio del parlamento del país. Refleja el actual enfrentamiento político entre el gobierno federal y la oposición, dijo, mientras se aplazan las elecciones nacionales.
Su obra a veces explora los problemas sociales que sacuden a Somalia. Foto: AP
Otra pintura representa los abusos contra mujeres jóvenes vulnerables «que estas ni siquiera pueden expresar». Una tercera muestra a una mujer con el vestido de hombros desnudos que era popular en Somalia hace décadas, antes de que se impusiera una interpretación más estricta del islam y los eruditos instaran a las mujeres a llevar el hijab.
Pero Sana también busca la belleza en su obra, consciente de que «hemos atravesado treinta años de destrucción y la gente sólo ve cosas malas y tiene en su mente sangre y destrucción y explosiones. … Si se busca en Google, en Somalia no hay imágenes bonitas sino feas, así que me gustaría cambiar todo eso con mis cuadros».
Sana dijo que espera ganar más confianza en su obra exponiéndola en más lugares, fuera de los eventos de Somalia y la vecina Kenia.
Pero encontrar modelos en su país para su profesión no es fácil.
Sana nombró a varios artistas somalíes cuya obra admira, pero no conoce a ninguna otra mujer como ella.
Fuente: 0223 ~ Adriana Zaefferer, la artista argentina que retrató los caballos de Isabel II. La artista ganó la atención de Sir Noel Murless, que la recomendó para realizar los retratos de los animales que se encuentran en los establos de la realeza británica.
El hallazgo de una obra robada hace una década en Sierra de los Padres valuada en 4 millones de pesos en el Barrio Libertad conmocionó al ambiente artístico nacional. Es que la obra en cuestión es una obra original de Adriana Zaefferer, la artista argentina que realizó retratos de los establos de la reina Isabel II.
Zaefferer nació en 1952 y desde pequeña manifestó interés por el arte plástico, en especial por la pintura y el dibujo centrándose en temáticas campestres y equinas, que son el eje de su producción.
Los primeros bocetos son paisajes de campo a orillas del lago Lacar. Tras su breve paso por la universidad para iniciar estudios en veterinaria, abandonó la carera y se dedicó de lleno a las artes plásticas.
La artista nunca recibió una educación formal en las artes plásticas, pero maneja a la perfección las técnicas de pintura al óleo, el dibujo con pastel, la tipografía y la escultura y sus estudios le otorgaron un importante conocimiento sobre la anatomía animal que plasmaría en su obra.
Durante un viaje a Inglaterra, a través del Embajador Argentino, Zaefferer es presentada a la sociedad de criadores de caballos y gana la atención del entrenador Sir Noel Murless.
Así es como comienza a repartir su tiempo entre Europa y sus bosquejos en establos, pistas de carreras y campos de polo la llevan a retratar los establos de Isabel II, gran aficionada a la cría de caballos.
Durante su carrera, Zaefferer realizó exposiciones en las galerías Arroyo, Zurbarán, El Socorro, Wildenstein London, Wildenstein New York y en The Tryon and Moorland Gallery, entre otras
Fuente: Hoy Día ~ La obra artística es furor en las redes sociales.
Sergio Guillermo Díaz es un artista salteño que decidió usar como lienzo la moneda nacional y de este modo consiguió unir con talento a próceres nacionales con superhéroes, personajes de cómics e íconos del cine del siglo pasado.
“Dibujo desde que soy chico, una pasión que me acompañó después durante mi secundario y que me hizo decidirme a la hora de pensar una carrera”, cuenta Díaz, quien en la actualidad trabaja en el Museo de Arte Contemporáneo salteño.
Este hombre de 37 años nació en General Güemes, una ciudad a 50 kilómetros de la capital de la provincia, donde se mudó hace dos décadas para estudiar profesorado de artes visuales y la carrera de diseño gráfico.
Así, mientras avanzaba en su formación, nunca dejó de dibujar como hobbie y como forma de expresión. “Si bien no estudié específicamente ilustración, todo lo que aprendí me sirvió para especializarme en el dibujo y en la pintura. Aunque he hecho escultura, lo mío son los formatos medianos y pequeños. En un comienzo, mi camino artístico estaba vinculado con la naturaleza y los animales, pero también con las temáticas sociales y de protesta”, aseguró.
Díaz sintió que “podía existir un valor artístico en revalorizar ese papel y volverlo más valioso que la moneda”.
Sin embargo, con el paso de los años, Díaz comenzó a explorar formas más personales de expresarse. Fue justo en ese momento que vivió un acontecimiento que cambiaría su vida en su sentido muy profundo: ser padre.
“El nacimiento de mi hija me trajo muchos cambios. Con su llegada yo pierdo mi taller, que era el espacio en donde yo trabajaba y quedaban mis obras, y tuve que adaptarme a nuevas formas de trabajo. Y a eso se sumó que pasaba muchas tardes cuidándola y ya no podía dedicarme varias jornadas a una misma obra. Sentí, entonces, una necesidad de cambiar, pero no sabía cómo. Fue en ese momento en el que vi que mi mujer desechó un billete porque estaba roto…”, recordó.
Los garabatos en ese billete original pronto fueron un boceto y luego una obra terminada: con lápiz y lapicera logró su primera intervención.
Fue en un billete de dos pesos, tal como era una suerte de tendencia en algunos tuits y posteos de Instagram: “Esos billetes aún estaban en circulación pero solo te alcanzaban para dos caramelos. Sentí que podía existir un valor artístico en revalorizar ese papel y volverlo más valioso que la moneda”.
Interesado por las posibilidades del formato, Díaz se puso a investigar y descubrió que existe una comunidad mundial de personas que trabajan con el dinero como formato para crear, que suele ser conocida como #MoneyArt.
“Yo quería ir un poco más allá de eso: si bien respeto la figura que está en el billete quiero llevarlo a lo pictórico. Y por eso retomé los pinceles, la búsqueda de color y mi propia capacidad para dibujar. El soporte es una excusa. Para mí son pinturas en pequeños formatos, pero claro, entiendo que no hubiesen tenido la repercusión que tienen si eran en meros papeles”, confesó.
Si bien en un comienzo cada billete le llevaba al menos tres horas de trabajo, con un especial cuidado en la mezcla de color, pronto comenzó a dedicarle más tiempo a cada pieza y hoy puede estar hasta cuatro días trabajando en una obra. La calidad lograda pronto lo hizo destacar dentro de Instagram y sus posteos fueron creciendo en repercusión.
“Mi cuenta me dio la posibilidad de hablar e interactuar con actores y actrices que participan de algunas de las ficciones que retrato o tener el like de Andy Muschietti en el billete sobre el payaso de IT. Pero mi mayor orgullo es cuando otros colegas artistas o del mundo del arte comparten lo que hago”, explicó.
Díaz nunca planeó vender sus obras, pero los pedidos eran tan insistentes que terminó accediendo. Cada pieza es única y, si bien le suelen pedir sus creaciones más populares, jamás repite un motivo y no le molesta que muchas veces se compartan sus creaciones sin citar su autoría: “Entendí que cuando subís algo a Internet es de dominio público, que si incluso ponés marca de agua habrá quien la quite o quien no le preste atención. Sé que, incluso, hay gente que imprime los billetes y los vende. No lo considero un robo, sino las reglas del juego”.
Fuente: Ámbito ~ Se exhibirá desde el 22 de octubre hasta el 15 de diciembre en la ciudad de Buenos Aires, los días jueves viernes y sábados, entre las 15:00 y 19:00 horas en Tagle esquina Avenida del Libertador (ingreso plaza República de Chile).
El Centro Cultural Matta de la Embajada de Chile, reabrió sus puertas para exponer las obras de Roberto Matta, uno de los artistas más representativos de la pintura surrealista del siglo XX.
Nicolás Monckeberg, embajador en Argentina de la nación trasandina, inauguró junto a destacadas autoridades del Gobierno Nacional y de la Ciudad de Buenos Aires, representantes diplomáticos, autoridades de Institutos y Organismos Culturales, una visión completa del trabajo gráfico de MATTA, perteneciente justamente a su etapa más fértil y creativa.
“La muestra que exhibiremos a partir de esta semana expresó el Embajador, abre con la serie The New School que toma su nombre del movimiento artístico gestado en Estados Unidos vinculado al surrealismo y luego al expresionismo abstracto. Su aporte a la historia de la pintura es absolutamente trascendente”, dijo el diplomático al inaugurar la exposición.
“Esta importante exposición de su obra gráfica, se presenta por primera vez en Argentina y explora su faceta menos conocida: la de grabador. Se sabe poco sobre la producción del período más fértil y creativo de su trayectoria, de los años 40 a 60, y sobre todo, la génesis y evolución de su creación como grabador”, agregó.
Matta ha dejado su impronta por su estilo, forjando una profunda influencia en la mayoría de los pintores contemporáneos. En 1937 se dedicó a la pintura y sus obras vistieron la Exposición Internacional de Surrealismo en París, donde compartió la muestra con Magritte, Picasso y Miró. En 1943 realizó en Nueva York sus primeros grabados en el mítico taller 17 de Stanley William Hayter.
“Para MATTA señaló el embajador- la pintura y el grabado constituyen dos formas de expresión diferentes y paralelas a la vez, que las utiliza para denunciar las mismas tensiones del hombre contemporáneo y su mundo interior: lo humano, el significado de la vida, lo cósmico, lo trascendental, lo onírico, temas que reflejan en toda su obra”.
Entre sus cuadros más destacados figuran “Eros precipitado”, de 1944, expuesto en el Museo de Arte Moderno de Nueva York; “La Tierra es un hombre” (1941), “La cuestión Djamila” (1962) y “Sobre el Estado de la Unión” (1965), entre otras creaciones.
Si bien Roberto Matta vivió y elaboró gran parte de su producción artística fuera de nuestro continente, siempre tuvo un interés por América lo que se manifestó especialmente a partir de los años 50, mostrando su inquietud y compromiso político por sus raíces y su origen natal.
Los grabados exhibidos pertenecen a una colección privada chilena, y visibilizarla representa un compromiso con el arte y con Matta”, comentó la Curadora Inés Ortega-Márquez.
La muestra incluye 108 obras, entre litografías, aguafuertes, aguatintas, puntas secas, ilustraciones, libros y otros objetos.
Esta muestra celebra también los 110 años del nacimiento del artista, el cual nace en medio de grandes transformaciones e importantes cambios, las revoluciones y los movimientos sociales.
Sus vivencias en sus viajes, especialmente por Europa y Estados Unidos, lo hacen ser un referente de una nueva y distinta visión del mundo. Su célebre frase ”Yo no soy pintor de paisajes ni de flores y para eso hay otros pintores que lo hacen muy bien, a mí lo que me interesa es lo que hay en el interior del ser humano”.
Esta exposición muestra una faceta desconocida del autor, para Matta el grabado y la pintura constituyen dos formas de expresión diferentes, pero paralelas al mismo tiempo que permiten evidenciar y denunciar las mismas presiones del hombre y su medio.
La exposición se exhibirá desde el 22 de octubre hasta el 15 de diciembre en la ciudad de Buenos Aires, los días jueves viernes y sábados, entre las 15:00 y 19:00 horas en Tagle esquina Avenida del Libertador (ingreso plaza República de Chile).
/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/WBJKRVIKFVGI5NP3CVVYNJETQE.jpg)
/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/PZQDC2RHZFF4DBKQMIE2SEEODE.JPG)
/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/KFJYETZNN5AW5GHPMOO6VBSJ54.JPG)
/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/PTPNR3AFYFEYRIROUMSY2ZGDXM.JPG)
/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/2CPPSAGWBVHLNAZYMPXUTEQKXM.JPG)
/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/5BGI6EC5XBBVVNP53FXA27MUPM.JPG)
/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/GCA723Z3JFAZVDINSZC3CTAFXE.JPG)
/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/7MZ3OQAJ6JGX7GG5WFAQQGFKOY.JPG)
/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/ZDJFBV26LNG2RCRMHCFOULX2G4.JPG)
/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/OP2JGYEQBFCNVACKG4XA3KCVZ4.JPG)
/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/IC44ERWFZJCINL5AVGYJVF4D74.jpg)
/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/AYOOM64Y3FFT3MD5NJXLVYBYKU.JPG)
/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/IFBFV5QZRJAZ5INB3AQKZFADQU.JPG)
/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/ZDQTV3EWT5A5PCLQARVV3IMR5E.JPG)
/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/lanacionar/WUV2I6L3KBGS3DMZFPI5TUGZV4.JPG)
