Categoría: Pintura

Página 12 – La muestra curada por Guillermo Fantoni da cuenta de la transmisión de saberes entre artistas. Puede verse hasta el 26 de junio en la Fundación San Cristóbal.

El aniversario 120 del nacimiento de Antonio Berni dio pie a múltiples exposiciones en su homenaje, algunas muy vistas y otras que merecen ser descubiertas. Tal es el caso de Travesías: Berni, Gambartes, Grela en la colección Neuman. Con curaduría de Guillermo Fantoni, la muestra puede visitarse hasta el 26 de junio, de lunes a viernes de 11 a 19 en el Espacio Multicultural de la Fundación San Cristóbal (Italia 646, Rosario). 

Doctor en Humanidades y Artes  por la UNR, investigador y profesor titular de Arte Argentino, autor de libros sobre Berni y otros artistas de su tiempo, Fantoni cuenta con una reconocida e impecable trayectoria como historiador del arte, curador y editor, y es especialista en la obra del pintor y grabador rosarino. Cada producción que lleva la firma de Fantoni garantiza un recorrido de lectura sobre cómo lo sensible artístico de la obra se articula con las condiciones culturales de su época. Esto se plasma una vez más en su nuevo y excelente texto de catálogo. 

La decisión curatorial de acompañar las obras de Berni con producciones datadas en períodos cercanos por dos pares jóvenes muy destacados, Juan Grela y Leónidas Gambartes, da cuenta de una sociabilidad entre pintores y de una transmisión de saberes entre tres artistas modernos. El curador cita en su texto de catálogo una entrevista a Berni por José Viñals publicada por una galería de arte porteña en 1975. Ante la pregunta por sus pares pintores, Berni menciona a dos de sus colegas en el mural de Siqueiros de 1933; luego, a los dos que lo acompañan aquí. «Spilimbergo, [Juan Carlos] Castagnino, han sido buenos amigos; muchachos jóvenes también, como Grela y Gambartes en Rosario, gente con la que nos veíamos cotidianamente y compartíamos los mismos o parecidos intereses», responde a sus 70 años; el «muchacho» Grela tenía 61. 

Son, no obstante, ricamente diversas estas «Travesías». Si algo tienen en común los tres artistas es la decisión de emprender cada cual un camino propio, novedoso, fiel a una búsqueda personal. De esta diversidad, de esta «tradición de ruptura» (término de Fantoni) se nutre el arte rosarino, que en el tercer cuarto del siglo XX albergó personalidades poderosas y singulares como estas. Las obras reunidas en las salas de la exposición, seleccionadas por el curador, pertenecen todas a la colección del médico psiquiatra Mauricio Isaac Neuman, quien logró reunir más de 3000 piezas en Buenos Aires, de cuya escena cultural y artística fue un actor clave. A raíz del encuentro de Fantoni con Eliseo Neuman, hijo del coleccionista, surgió la posibilidad de esta muestra, lograda con el vital apoyo de Alfredo Cherara, gestor de las salas de la Fundación San Cristóbal.

En la sala que da a la calle, ocho grabados de Berni, realizados en una original técnica mixta gráfica de gofrado combinado con xilocollage, lo revelan en un aspecto excéntrico, muy poco visitado: no como el creador de Juanito Laguna o Ramona Montiel (personajes situados en escenas urbanas cuyas matrices hechas con desechos se pueden apreciar como parte de la muestra en su homenaje en el Museo Castagnino de Rosario) sino como un viajero que juega con un tema ibérico: la tauromaquia. Del Mediterráneo se trae a Buenos Aires unos exóticos toreros, obispos y damiselas, figuras de ojos hieráticos que sirven de excusa para desplegar una sensual pasión por exhibir lo real del volumen de la materia del papel. También se pueden ver retratos de precisión realista, combinados con diversas materias con las que experimentaba. Estas obras están fechadas a fines de la década de 1960 o a comienzos de la de 1970.

Si Berni, para lograr unos trajes de luces recargados de ornamentos, toma como punto de partida unos materiales encontrados y se pone a jugar con ellos resignificándolos (son estas unas obras muy lúdicas, alejadas del tono grave y hasta trágico de la muestra municipal), Grela por su parte geometriza la figura humana haciendo un uso único de la técnica de la témpera, mientras que Gambartes inventa la fórmula del cromo al yeso para lograr sus «Mitoformas», inspiradas en mitologías de los pueblos aborígenes del territorio. Sus figuras fantásticas, visiones de leyenda, recrean en una técnica experimental y en un lenguaje moderno un acervo precolombino en peligro. Los colores mate evocan la tierra, y las figuras zoomorfas aluden a las que aparecen en el antiguo arte de la cerámica que esas culturas practicaban. Se incluyen en la primera sala, junto a unas tres pinturas en cromo al yeso, dos tintas sígnicas: formas firmes dibujadas a pincel que remiten al arte de su tiempo y a las raíces.

Por su parte, Juan Grela explora los arrabales de la zona sur de la ciudad para conocer a sus habitantes, cuyos rostros mestizos representa con la dignidad humana y la síntesis plástica lograda luego de formarse como autodidacta en el «universalismo constructivo» de Joaquín Torres García. Pero no se queda en el cómodo lugar de discípulo del maestro moderno uruguayo, sino que elabora su propio lenguaje visual y poético, en el que deviene maestro de maestros a su vez. La geometrización, en las cuatro pinturas de Grela que se exponen en la antesala, parte de una imagen figurativa reconocible pero no la enfría ni la diluye, sino que intensifica su carácter y expresión, llevándolo a un nuevo mundo de fantasía. La boina de un personaje de perfil semeja un pájaro echado en su cabeza; una mujer menuda parece comprimirse en un rectángulo. Un caballo junto a un árbol irradian una gracia cercana a lo «ingenuo», como si Grela tratara de desandar el camino académico. Es bajo una especie de llovizna de colores quebrados (tierras o violetas oscuros, penumbrosos verdes) como condensa la vida en los barrios del sur de Rosario allá por 1958. 

«Esta exposición homenajea al artista, pero también es un tributo a Rosario, a la ciudad que albergó, entre 1920 y 1936, su primer ciclo creativo», afirma el curador en referencia a Antonio Berni. Adentrarse en las otras salas de la muestra permite acceder a tesoros pictóricos de aquella época, a sus vistas metafísicas de los arrabales que serían luego eclipsadas por el surrealismo del viaje a Europa. Lo que vemos aquí es un Berni joven, antes del giro copernicano europeo; al Berni paisajista por quien expresó admiración (H)Erminio Blotta en su artículo de 1925. El rosa de un rancho, la materia de la maleza, prefiguran gestos posteriores y contrastan con la mirada tan distinta de Juan Grela sobre los confines, plasmada en un biombo casi abstracto con una paleta reducida a tres colores. Grela condensa rostros en una témpera de 1968 con una línea que es casi una escritura. Y hay otro Grela más, surrealista y casi final, como si los caminos de él y de Berni se cruzaran en las travesías por su siglo. Es fascinante seguir a Gambartes, quien pasa de retratar en un registro realista el suburbio de Rosario a zambullirse en un mundo rural y aborigen. Se asemejan el color y la composición, pero él es otro. De nuevo el exquisito trazo a tinta deja huella genuina de su exploración. Son tres aventuras, tres hombres de su tiempo. Y son de acá.  

Fuente: Clarín – La historia del colombiano Jorman Gutiérrez es un ejemplo de superación. El reconocido artista argentino Guillermo Roux impulsó su carrera. Hoy el pintor, de 30 años, exhibe sus obras en la Casa del Bicentenario.

El día que la tierra tembló, él agarró un lápiz. El 25 de enero de 1999, un terremoto de 6.2 grados sacudió Armenia, en el corazón del eje cafetero colombiano. Tenía apenas cinco años, pero ese día algo se movió también por dentro. Mientras afuera se contaban muertos y se levantaban escombros, Jorman Gutiérrez (30) agarró un ladrillo y comenzó a dibujar en el suelo de lo que antes era su casa. “Era mi forma de entender lo que pasaba”, diría años después. Hoy, sus obras cuelgan en la Casa del Bicentenario, en Buenos Aires. En ellas, aún vibra el eco de ese primer temblor.

A los tres años, Jorman y su hermano menor tuvieron que vivir su primer temblor: fueron abandonados por su madre en un basurero. “Yo abrazaba una mochila celeste con la carita del Pato Donald. Era donde tenía mis cosas. Mi abuela nos encuentra. Y ve a mi hermano comiendo de la basura. Nos lleva a su casa y llama a mi papá, que vivía en otro lugar porque iba a trabajar para poder darnos de comer”, recuerda. Un año después, en 1999, el terremoto de Armenia, Colombia, sacudió su vida para siempre.

“El terremoto vino cuando tenía cuatro años. En un minuto se destruyó por completo toda la ciudad. No hubo tiempo de reacción, ni ayuda, ni hospitales, nada. Quedamos completamente solos. Mi abuela sobrevivió muy golpeada. Mi hermanito perdió los dedos de la mano. Mi papá se entera de casualidad. Vivía en otro pueblo para poder mandarnos comida. Cuando se entera, viene corriendo y se lo lleva. Se suben al primer helicóptero que llega, que estaba cubriendo un partido de fútbol”, revive.

Jorman quedó con su abuela, a la intemperie. Vivían en la calle. Estuvo varios días ciego: “El polvo me invadió los ojos. Mi abuela me vendaba con una tela y me ponía gotas de agua de panela, un té muy común con caña de azúcar que se suele hacer en Colombia. Así me fue limpiando los ojos de a poco”.

Ese polvo, que le impidió ver durante días, también lo protegió. “Creo que tuve suerte porque no vi el dolor, la sangre. Recuerdo que lo vi borrosamente a mi hermano cuando mi padre lo levanta. Incluso hice una reconstrucción de eso en Buenos Aires”.Jorman con los retratos de Alicia en el País de Las Maravillas, en los que plasmó el rostro de sus sobrinas. Foto Juano Tesone

En medio del caos, apareció el dibujo. “Cuando me recupero, empiezo a dibujar en el suelo con pedazos de ladrillo rojo. Dibujaba con lo que quedara. Así me supe meter en un mundo propio. No sé si era para ignorar el drama, pero nació algo intuitivo en mí”, dice. No recuerda qué fue lo primero que dibujó. “Mi abuela decía que me la pasaba rayando. No lo sé. Monigotes, tal vez”, agrega.

Cuando la ciudad se fue reconstruyendo, las casas que quedaban en pie se usaban como escuelas. “Iba con muy poco a tomar clases alrededor de todas las ruinas. Tiempo después, mi papá nos lleva a la ciudad de Ibagué. Ahí crecí un poco más. Todo ese tiempo del terremoto vivimos en la calle”, remarca.Las mujeres de la vida de Jorman aparecen en su obra. Foto Juano Tesone

En Ibagué, Jorman y su padre trabajaban. “Mi papá empieza vendiendo limones, después mangueras a crédito. Me llevaba con él. Más adelante, mi abuela me regala unos lápices. Empiezo a dibujar. Tengo muchos recuerdos de eso. Una anécdota que me marcó fue que en la escuela le pidieron óleo para pintar. Pero yo no tenía nada porque no teníamos plata, entonces todos mis compañeros me dieron un poco de sus colores. Así armé una paleta y pinté unos loros muy coloridos. Se perdieron, pero los hice gracias a ellos”, explica a Clarín.

El entorno de su infancia fue clave: “Crecí en un lugar completamente mágico. Colombia es selvática, con montañas, orquídeas, flores, animales por todas partes. Eso me marcó. De ahí viene el color de mis pinturas».Su padre y su hermano, en una obra que recuerda el terremoto.

A los 19 años llegó a Buenos Aires. El reconocido artista plástico Guillermo Roux vio sus acuarelas y lo invitó. “Fue un cambio de universo. De un pueblo con una iglesia, un museo y un hospital, a una ciudad con millones de personas. Roux tenía un taller. Me decía que dibuje, que use modelo vivo, y que le muestre lo que hacía. Y eso hice. Iba a los museos. Conozco casi todo el patrimonio nacional”, afirma.

Nunca dejó de estudiar. “Siempre fue intuitivo. Me iba a la biblioteca. Leía sobre Rembrandt, Rubens, Caravaggio. Me di cuenta de que pintar era un trabajo, y me lo tomé en serio. Nunca descansé. Todos los días dibujo. Hago sesiones de 16, 18 horas. Siempre tengo una libreta a mano. Lo que veo, lo que me inspira”, explica intentando buscar la libreta que había dejado en un banco durante la charla con este diario.Desbordante de color. La obra del artista. Foto Juano Tesone

Cuando le dijo a su padre que quería ser pintor, José Gutiérrez García, un hombre del campo, le respondió: “Yo apoyo lo que hace y que sea lo que usted quiera”. Ese sostén fue todo. “Mi papá confió en mí. Se sorprendía con lo que hacía. Y así, de a poco, ocurrió todo y terminé aquí”, se enorgullece.

Y también conoció el amor. Cristina. “Cuando la vi por primera vez, me di cuenta de que sus ojos eran muy grandes y su cabello muy ondulado. Me hablaba y yo solo miraba sus ojos y su cabello. En un momento me dice: ‘¿Me estás escuchando?’. Y le digo: ‘No, es que tu cabello es para pintar como un cuadro de Boldini’”.El entorno exuberante en que creció se refleja en su colorida obra. Foto Juano Tesone

Desde entonces, no se separaron. “Tenemos muchas cosas en común. Amamos el arte. Tenemos una parte filantrópica donde ayudamos a instituciones, becamos muchos niños en nuestra academia. Cuando tuvimos la posibilidad, decidimos ayudar”, cuenta.

Las figuras femeninas que habitan los cuadros de Jorman Gutiérrez miran al espectador con una intensidad que interrumpe cualquier distracción. Son personajes históricos, mitológicos o literarios, pero también son presencias transformadas: no son retratos, son ficciones donde pone los rostros de las mujeres de su vida.

“No me encargo de retratar como algo copiado, sino de transformar en un personaje, como que trascienda, que sea alguien más”, dice Jorman. En su exposición actual, Pandora es uno de los rostros que más lo representa. “Pandora fue creada por Zeus como una especie de venganza para la Tierra… cuando abre la caja, salen los males: la enfermedad, el odio, la vejez. Lo último que había era la esperanza. Este cuadro lo terminé a fines de 2019, justo cuando comienza la pandemia”, rememora.Gutiérrez llegó a la Argentina a los 19 años. Foto Juano Tesone

Su última exposición, «Eternas: Rostros del Mito, la Historia y la Imaginación», seguirá en la Casa del Bicentenario hasta el 15 de junio. En la muestra también se exhiben Ophelia, pintada en 2018, y Madame Butterfly, de 2021. Cada una representa una figura del imaginario colectivo, ficcionalizada por Jorman.

“Parte de la importancia del arte es comunicar, enseñar. Todas tienen miradas distintas. Algunas están perdidas. Ophelia, por ejemplo, está suspendida entre las flores, en el momento en el que la posee una locura serena. Ella se va al bosque, canta, recoge flores, cae a un río y muere. Es el drama de Shakespeare. Pero yo creo que ese dramatismo también se puede tornar hermoso”.

La mirada, para él, es clave. “Yo tengo en mi mente cómo quiero que la figura mire al espectador. Hoy el tiempo frente a una obra de arte es muy valioso. Nuestro tiempo de atención es cada vez más corto. Pero si te interceptan estas miradas, vas a querer dedicarles más tiempo. Por eso me interesa”, reflexiona. Cuando se le menciona si esta obsesión puede tener que ver con una vivencia infantil, responde: “Es fuerte. Mirá, yo creo que es un buen paralelismo”.

Hoy, en cada mirada de sus cuadros, hay algo más que belleza o dramatismo. Hay memoria. Hay infancia. Hay polvo, esperanza, y ese instante fugaz en el que el dolor también puede transformarse en arte. Pasaron más de dos décadas desde aquel dibujo hecho tras el terremoto. Y sin embargo, algo late igual en cada obra de Jorman: la necesidad de narrarse para no perderse. Porque hay historias que vale la pena contarlas otra vez.

Fuente: Clarín – Luis Felipe “Yuyo” Noé, el gran pintor argentino, murió el 9 de abril a los 91 años. Apenas supe la noticia, me acordé de una entrevista que le hice hace casi dos décadas. No es que no hubiera otras notas. Yuyo siempre estaba creando cuadros y libros sobre arte y se hacía un hueco para contarlo.

Pero recordé a Yuyo Noé en 2006, en su taller de San Telmo, con un chaleco negro que había decidido usar para las fotos, trayendo una pila de catálogos a la charla.Yuyo Noé. Foto archivo

Yuyo Noé ya me había regalado el primer párrafo de la entrevista. «Me molesta cuando me preguntan por mis influencias pictóricas. Es como si me dijeran: ‘A ver, usted que es medio idiota, ¿de dónde sacó una idea?’, lanzó.

«Claro que hay pintores que me inspiraron. Por algo, en el catálogo de la muestra de mi Serie federal, de 1961 –la primera exposición que realizó–. salgo abrazando un busto de Goya. Pero yo digo que el pintor que más me influyó fue Juan Domingo Perón”, agregó Yuyo y se rió.

Cada tanto, Noélanzaba una frase así, taxativa, en general, irónica. Pero se tomaba al arte en serio y era muy generoso la hora de compartir lo que pensaba.

El buen caos

El gran legado de Yuyo Noé suele resumirse en dos hitos.

Pintor de la historia, los mitos y la naturaleza, Yuyo Noé fue un emblema de la Nueva Figuración, grupo que fundó en 1961 con Jorge de la Vega, Rómulo Macció y Ernesto Deira para conciliar figuración y abstracción.

El otro hito aparece en su libro Antiestética de 1965: son las indagaciones de Noé sobre el caos,que ayudaron a que, finalmente, a los 75 años, representara al país en la Bienal de Venecia.

“Ojo, para mí caos no es una mala palabra (…) El concepto de orden es estático y el de caos, dinámico. El asunto es asumir el caos, es decir, la estructura latente en los procesos de cambio”, explicó.

Estallados de imágenes

Entre 1964 y 1968, Yuyo Noé vivió en Estados Unidos y cuando volvió al país echó a rodar la leyenda de que había tirado toda su obra de aquellos años al río Hudson, a tono con la idea reinante sobre que el arte se disolvería en la vida o nada.

Yuyo Noé se puso un bar y hasta mitad de aquella década no volvió a pintar. Pero siguió pensando en la pintura. Después de retomar, apoyaría además la valoración del dibujo, tantas veces considerado un arte menor.

Ya en este siglo señalaba que su desafío era encontrar una imagen integral en un mundo estallado de imágenes.

Antiformalismos

¿Qué lugar le daba Yuyo Noé a esos hitos? Ya en 2006 estaba cansado de que lo definieran sólo así. Siempra andaba investigando para hacer algo más. Luego llegó a decir: “Me tratan como a la viuda de un pintor de los 60”.Los de la Neofiguración, por Saamer Makarius. Archivo

Igual le pregunté a Yuyo por el legado de la Neofiguración. “Que hablen los otros, porque mi visión no corresponde, qué sé yo qué les dejó a los demás”, respondió y, por eso, fue a buscar los catálogos.

Entonces leyó a Jorge Romero Brest, ex director del Museo Nacional de Bellas Artes y del semillero de Artes Visuales del Instituto Di Tella, 1966: “El despertar se produjo abruptamente hace unos 5 años… Y no sólo porque estos neofigurativos aparecieron al mismo tiempo que los demás … Ni porque tuvieron más calidad que otros aquí. Sino porque se expresaron con más libertad”.

Después, leyó a Aldo Pellegrini, 1965: “Este grupo ha llegado a la máxima libertad creadora”.

“Ese es el punto –subrayó Noé-. Y hay que destacar la actitud de Alberto Greco, que más que informalista era antiformalismos. Ahí comenzó a desarrollarse otro espíritu… Bueno, por esto empezaron a darnos pelota”. Y se la seguiremos dando.