Categoría: Pintura

Fuente: Página 12 – El festejo se hizo en el Museo Nacional de Bellas Artes, con su familia y muchos amigos. Luis Felipe Noé, nacido el 26 de mayo de 1933., en esta entrevista empieza contando cómo surgió su amor por el arte.

–¿Cómo empezó tu amor por el arte?

-La formación en pintura que había para los chicos en aquella época, era pésima. Directamente no se pintaba, no había la menor idea de cómo trabajar en pintura con los chicos. Se dibujaba, se hacían caricaturas, pero no se pintaba. Lo que a mí me atraía mucho era ver libros de arte, y después, ver cuadros. Me atraían las figuras. Eso me gustaba más que ponerme a leer. Tenía fascinación por la pintura. Desde chico me gustaba ir al Salón Nacional: era todo un acontecimiento, que sucedía en septiembre en el Palais de Glace. Y así como otros chicos recordaban marcas y modelos de autos, yo iba con mis padres al Salón Nacional y les iba diciendo al pasar de quién era cada cuadro. Reconocía a todos los pintores. Mi amor hacia la pintura fue por vía de la contemplación más que por el hacer.

–¿Qué artistas te marcaron de chico?

-Por esos años no era como ahora, que uno tiene acceso inmediato a cualquier información y a ver cualquier cosa. Había que recibir libros, que tardaban mucho en llegar. Y era difícil conseguir libros con buenas reproducciones en color. Así que en el terreno de la pintura, y de los libros de pintura, yo tenía un gran amor por Rembrandt y por Goya. Mi padre había comprado un busto de Goya que estaba en casa, y yo me sacaba fotos. En el catálogo de la Serie Federal estoy en una foto abrazando el busto de Goya. Y también me encantaba Picasso. No entendía por qué a la gente no le gustaba. Yo había hecho unos libritos a mano, con dibujos y pinturas, y uno se titulaba: “Yo defiendo a Picasso”.

–¿Cómo era tu juventud en comparación con el período de juventud de las generaciones que te siguieron?

-Para responder eso tengo que empezar por la juventud de mi padre que se remonta a comienzos del siglo pasado. Podría decir que mi propia juventud fue más parecida a la de él -que tenía cuarenta años más que yo-, que la de la los jóvenes de ahora en relación con mi propia juventud. Creo que en ese sentido, entre los jóvenes de mi generación y los de ahora, hay una diferencia enorme. Especialmente en la audacia para enfrentar distintos aspectos de la vida: ahora son más audaces.

–¿Y en cuanto al aspecto artístico?

-En el sentido propiamente artístico, mi generación significó una primera ruptura. Ante todo, con la normativa escolástica y de la academia. De la formación académica yo me salvé. En cambio sí pasé por un taller: el de Horacio Butler.

–¿Por qué elegiste ir a su taller?

-Lo había elegido porque me gustaba mucho su color. Me parecía que era un moderno. Pero estuve solamente un año y medio en su taller, porque yo estaba en permanente polémica. Quizás hay una constante a lo largo de la generaciones, en la manera de preguntar por parte de los adolescentes, que para los adultos suena casi como una falta de respeto o como una deseo de cuestionar todo. Como Butler había sido alumno de André Lhote y tenía formación cubista, yo no entendía aquello de que nos pusiera una naturaleza muerta adelante y luego interpretar eso haciendo rayas. Yo lo redondo lo veía redondo (risas).

–Lo cuestionabas.

-Le hacía preguntas todo el tiempo y parecía estar permanentemente polemizando. Entonces un día él me dijo: “No tengo nada más que enseñarle”. Con esa frase no me estaba dando un título, sino que me estaba señalando dónde estaba la puerta (risas). Simultáneamente yo cursaba Derecho en la facultad, pero también abandoné y entré en el periodismo, en el diario El Mundo, a los veintitrés años. Como vi que no había crítica de arte, tuve la audacia de pedir esa sección. E hice incluso el comentario de alguna exposición de Butler.

–¿Te lo volviste a encontrar?

-Cuando llegó el momento de la inauguración de mi primera exposición individual, el 5 de octubre de 1959, iba con un miedo bárbaro a la galería y me sorprendí al encontrármelo en la puerta. Me dice: “Vine más temprano por si no me gustaba, y entonces podía irme sin encontrarme con usted. Pero me quedé para poder decirle que me ha dado una lección, porque haciendo exactamente lo contrario de lo que yo le enseñé, ha hecho una serie de pinturas que le dieron buen resultado”. Lo que me dijo me impresionó mucho, me puso muy contento, para mí fue como recibir el premio Nobel. Eso demuestra lo honesto que era Butler, porque no era fácil decir algo así: tenía grandeza de espíritu. A partir de entonces sentí que yo ya era pintor.

–¿Y cómo siguió la cosa?

-Cuando entro a la sala de mi exposición me encuentro a Alberto Greco, Rómulo Maccio -sobre quien yo ya había hecho un comentario en el diario- y De la Vega, a quienes apenas conocía. De la Vega, por ejemplo, había sido compañero de mi hermana en la facultad. Por entonces coincidió que mi padre me dijo si quería tener como espacio de taller la fábrica de sombreros de mi abuelo, porque la estaban liquidando. Ahí había espacio de sobra. Y ahí empezó la cosa.

– Retomo esta idea del Noé cuestionador. A lo largo de las décadas, con tu obra siempre has ido discutiendo y buscando superar ciertas cuestiones que parecían más o menos fijas. Por eso tu producción puede verse como una síntesis o superación entre la figuración y la abstracción; entre la pintura y el dibujo; entre el plano y el volumen; entre lo estático y lo dinámico.

– A partir de ese razonamiento surge una pregunta que nunca me hecho a mí mismo. Diría que hay en mi un afán por la polémica que no sé de dónde viene. Porque si tengo que pensarlo en términos familiares, mi padre era un hombre muy medido, discreto. Es decir que lo mío no venía por contagio de una actitud paterna. Tampoco era que yo hiciera algo en contra de mi padre. Aunque años después llegué a polemizar con mi padre, sobre todo en lo político. Y eso me dolió porque yo lo adoraba. Hay una cantidad de cosas que no entiendo de mí mismo. Tal vez como yo era enormemente tímido, necesitaba ser lo contrario.

–Para mí tus mejores obras son las de los últimos veinte años. Y en la historia del arte hay pintores longevos que pintaron sus obras más interesantes en la vejez.

-Se ha escrito que en la pintura sucede algo que no sucede, por ejemplo, en la música. Suele pasar que los compositores no hacen su mejor obra en la vejez, sino en la juventud. En la pintura, en cambio, están, por ejemplo, los casos de Tiziano, Monet, Matisse o Hokusai. No me comparo con ellos, pero son un ejemplo de haber realizado su mejor pintura en la vejez.

–¿Qué desafíos colectivos y personales te tocan en este momento?

-Respecto de lo colectivo y lo social, veo muy mal el mundo, muy loco. No hablo de la Argentina, sino del mundo entero. Y Europa, que siempre ha tenido experiencia y memoria de la guerra, lamentablemente es el escenario de otra guerra. Esto en parte es una gran canallada de Estados Unidos: porque resulta que lo peligroso está fuera de su propio territorio.

En lo personal, no le tengo miedo a la muerte, pero le tengo pánico a la muerte en vida. Por eso me pone contento saber que estoy lúcido. En el caso de la escritura, creo que el libro que acabo de terminar es un ejemplo de lucidez. Y pienso que lo mismo me pasa respecto de la pintura. Me gustó que dijeras que mi mejor obra es la que hago ahora. En este sentido deseo poder continuar. Lo que más me alienta es tener proyectos. Si no los tuviera, como me siento un poco cansado, diría que la experiencia de haber vivido ya la tuve.

Festejos

La Fundación Luis Felipe Noé inicia los festejos por los noventa años del artista, co con actividades que van desde mayo de 2023 a mayo de 2024.

El día viernes 26 de mayo se hizo un homenaje en la vía pública, en la fachada del Centro Cultural Kirchner y en las pantallas de los teatros de la avenida Corrientes.

Por su parte, el Museo Nacional de Bellas Artes realizó un festejo con el artista la noche del 26 y puso en valor las obras de Noé en su colección.

Al mismo tiempo, la Colección Fortabat también se unió a la propuesta exhibiendo las obras del artista.

Se preparan agendas con distintas instituciones culturales del país, que se irán anunciando oportunamente.

Fuente: Página12 – Tres series de escenas pictóricas con recorrido narrativo, que invitan a los espectadoras a sumergirse en un clima de misterios y enigmas. Entrevista.

En los cuadros de Carlos Masoch (Buenos Aires, 1953) se rescata una mirada modernista y por lo tanto anacrónica, de narrar a través de lo pictórico. En tales narraciones pintadas flotan misterios y enigmas.

Su exposición, que lleva por título “50/70”, se compone fundamentalmente de tres series de pinturas, desplegadas en tres de las paredes de la sala Colectivo Periferia, en La Boca.

La primera serie se compone de un conjunto de pinturas apaisadas sobre la naturaleza, donde se evocan bosques y agua, en un clima inquietante, recorrido por personajes con linterna

En la segunda serie, en telas también apaisadas, el artista pinta interiores espaciosos, similares entre sí, desde cuya amplitud y luminosidad, a través de grandes ventanales, se observa el cielo y la vegetación.

La tercera serie está conformada por un amplio conjunto de pinturas sobre papel, de pequeño formato, en los que se ve una serie de personajes en medio de paisajes diurnos y crepusculares, reunidos en lo que parecen ser ensoñaciones, o tal vez rituales religiosos, donde aparecen varios libros y se repiten escenas de lectura.

“Hace unos siete u ocho años que no exponía mis trabajos -cuenta Masoch- y las que muestro acá son obras que vengo haciendo desde 2010 y que, alternativamente, fui abandonando y recuperando. No insisto siempre en un mismo cuadro. Me gusta saltar de un cuadro a otro. La idea general es la de ‘Hechos memorables’.”

–¿Cómo surgió la serie de los bosques?

– El tema de esa serie es la amenaza. Voy seguido a San Pedro, a la casa de Lalo Mir, que es mi amigo y él tiene una lanchita con la que salimos a navegar a las islas de las Lechiguanas, que tienen mucha vegetación. Ahí surgió esta serie.

–En la serie de los interiores el formato muy apaisado acentúa, como en la de los bosques, cierta idea narrativa.

-Los interiores los vengo pintando desde hace mucho. Primero fueron interiores menemistas; después fueron interiores macristas. Son las casas que nunca voy a tener. A mí me gusta trabajar la idea de la cocina del pintor. Yo, por ejemplo, pinto en a cocina de mi casa. Vivo en un departamento muy chico y entonces con esta serie pinto una casa con un taller, que es la casa que nunca tendré.

–La tercera serie parece evocar situaciones religiosas.

-A esa serie la llamo “La inmaculada concepción” y tiene que ver con el trabajo de la creación pictórica y con poder decir algo a través de eso. Para mí la creación es inmaculada. Y siempre intento pintar cierta repetición. Como si estuviera haciendo el mismo cuadro. Investigo las mismas obsesiones: el rito, la religión, el conflicto espiritual, el preguntarse “para qué”.

–¿Para qué todo lo demás, excepto pintar?

– Yo tuve mucha vida social: viví haciendo radio, televisión, trabajé en cine. Y la pandemia me cambió la vida, me permitió dedicarme plenamente a la pintura. Porque ya no quería todo esa vida social, ese estar siempre adelante, hablando mucho. Entonces desde 2020 me enfoqué en pintar, que es lo mejor que sé hacer.

–La pandemia funcionó como un repliegue.

-Me permitió “retrotraerme”. El título de la muestra “50/70” tiene que ver con el paso del tiempo. Hace cincuenta años que hice mi primera exposición y tengo setenta años. Fuera de la pintura me retiré de casi todo lo demás. No hago más que pintar. A todo lo que me proponen por fuera de esto, digo que no. Ya no me interesa. Ya no participo de esa runfla.

–Hay un clima inquietante en todas las pinturas.

-Mi vida estuvo siempre en la incertidumbre. En mi militancia cuando era adolescente. En los años de la dictadura, en toda la historia que tenemos como argentinos, que te deja un poco en la incertidumbre. Y a eso hay que sumarle la edad. Ya quedan pocos caramelos en el frasco. Además no me gustan las redes sociales, y busco trabajar matando mi ego. Por supuesto siempre está la problemática con el dinero y las cosas materiales, a las que no le doy tanto valor. Finalmente el cajón de madera no tiene bolsillos.

–En el texto presentación de la muestra Julio Sánchez asocia algunos aspectos de tu obra con la de ejemplos de la historia del arte: la soledad de Edward Hopper, las narraciones apaisadas de Cándido López y el erotismo de Balthus.

-De Hopper no solo me interesa la soledad sino también para mí es un modelo de artista. Antes de ser un artista soy un hombre y Hopper era un tipo común, sin veleidades. Yo quise ser pintor desde chico, cuando me llevaron al Museo Nacional de Bellas Artes y me impactó mucho la pintura de Cándido López sobre la guerra de la Triple Alianza contra el Paraguay. Entonces llegaba a mi casa y jugaba con los soldaditos como si fueran los cuadros de Cándido López. Empecé a intentar pintar así y todavía lo sigo haciendo.

–En la obra de Cándido López la guerra se compone de escenas en miniatur inscripta en el paisaje natural, de la vegetación.

-Mi obra es escenográfica. Durante cuatro años de mi adolescencia fui figurante de escena del Teatro Colón y después hice diez años de teatro. Esa idea escénica se ve en mis cuadros. Lo teatral y lo fílmico tienen que ver con mi obra.

–Los cuadros apaisados tienen que ver con el desplazamiento.

-Generalmente cuando uno se acerca a un cuadro de proporciones usuales, lo ve todo de una mirada, no lo recorre. En cambio para poder ver los cuadros de Cándido López hay que recorrerlos. El era manco y a mí me falta un ojo. Y con un solo ojo, el tema de acercarme y recorrer los cuadros me permite trabajar en detalles y cosas muy pequeñas. No tengo que alejarme mucho del cuadro porque no veo.

-¿Y la relación con Balthus?

-Me gusta también, tiene un erotismo raro. Y otro pintor que siempre me gustó mucho es Roberto Aizenberg: siempre me fascinó su obra. Quise estudiar con él pero en mi adolescencia yo era muy pobre y no me podía costear el aprendizaje con él. Entonces ingresé becado al taller de Néstor Cruz.

* En Colectivo Periferia, Villafañe 101, La Boca; diariamente, de 14 a 20 hs, hasta el sábado 27 de mayo inclusive. Acordar citas en el whatsapp 1159512419.