Fue promesa de la Selección argentina, jugó en Europa y ahora se dedica a la pintura

Fuente: Ámbito – Quién es este jugador que abandonó el fútbol y encontró otra pasión que lo mantiene ligado al deporte rey: los detalles en la nota.

Una gambeta, un taco, un caño, un gol… todas acciones que dentro del mundo del fútbol muchas veces son interpretadas por un artista. No tiene sentido hacer una lista de los grandes artífices que pasaron por una cancha porque esta nota no tendría fin si tuviésemos que enumerar a todos ellos. Sin embargo, dentro del mismo mundo hay otro tipo de artistas; hoy te contamos la historia de uno de ellos.

Quizás el nombre de Matías Fondato no te suene tan familiar. El nacido el 19 de septiembre de 1984 en General Gerli, Santa Fe, es un exjugador que no tuvo una carrera destacada dentro del campo de juego, pero sin embargo es un artista del fútbol.

Radicado en Inglaterra, el que supo vestir la camiseta de la Selección argentina se dedica a hacer retratos de diferentes estrellas de la pelota. ¿Te acordás dónde jugó?

Cómo fue la carrera futbolística de Matías Fondato

La carrera futbolística de Matías Fondato comenzó de manera prometedora. Formó parte de la Selección Argentina Sub-17 bajo la dirección de José Pekerman que participó del Sudamericano 1999 en Uruguay. En dicho torneo compartió plantel con otros cracks como por ejemplo Fabricio Coloccini y Germán Lux.

En su etapa en clubes, Matías debutó en la primera división con Newell’s Old Boys de Rosario. Su talento en el campo lo llevó a jugar en varios equipos de América y Europa, incluyendo el Guaraní de Paraguay, América de Cali en Colombia, Ionikos en Grecia y Antwerp en Bélgica.

Sin embargo, su carrera se vio truncada por una lesión que lo obligó a retirarse del fútbol profesional. Este fue un momento difícil para él, pero no permitió que la adversidad lo detuviera. Decidió redirigir su energía y pasión hacia otra de sus grandes aficiones: el arte.

La vida de Matías Fondato tras su retiro del fútbol

Pese a haberse alejado de su gran pasión por una lesión, su camino en el mundo del fútbol le dio a Fondato grandes amistades que ayudaron al exmediocampista a hacer el camino recorrido como artista. Desde la sub 17 que Matías tiene una gran relación de amistad con Coloccini que jugó en Newcastle mucho tiempo y que lo incitó a mudarse a la ciudad inglesa. A partir de allí comenzó una historia de éxito en el mundo del arte. «Lo mejor para mí es mezclar mis dos grandes pasiones», dijo el exjugador en una entrevista con Uno Santa Fe.

Su entrada al mundo del arte fue casi accidental. Comenzó pintando un retrato para un amigo jugador del Newcastle United (DeAndre Yedlin), lo que llamó la atención en las redes sociales y le abrió puertas en la comunidad artística. “Cuando lo fui a visitar y vi un par de pinturas en su casa, le pregunté si le gustaba el arte, y me respondió que le encantaba. Entonces le dije que le iba hacer un retrato y lo tomó en joda. Cuando le llevé el dibujo se volvió loco. Lo posteo en Instagram y explotó. Empecé a tener pedidos por encargo. Eso fue en el 2017, y a partir de eso es como que comencé a evaluar lo de dedicarme al arte.”, comentó Fondato para TyC Sports.

Hoy en día, sus obras incluyen retratos de iconos del fútbol como Lionel Messi, Raheem Sterling, Eric «Coco» Lamela, N’Golo Kante Ronaldinho, Maradona entre otros. Luego de publicar sus grandes obras por redes a Fondato le preguntaban si hacía encargos de otras celebridades que no tengan que ver con el fútbol. Fue así como empezó a vender obras de jugadores de básquet, músicos, famosos, entre otros.

Asimismo, el mediocampista contó que la pintura es algo que le gustó desde siempre y que por suerte fue lo que lo ayudó a mezclar ambas pasiones. “Es una situación un rara, es un hobby que tengo de toda la vida, sobre todo el dibujo, y siempre había tenido curiosidad por la pintura…obviamente soy consciente de que soy un privilegiado, de que mi pasado como jugador me ha ayudado, me ha abierto puertas por una cuestión de que a lo mejor excompañeros o exentrenadores siempre te dan una mano».

Fondato utiliza principalmente acrílico sobre lienzo, aunque también ha experimentado con otras técnicas como óleo, acuarela y pintura sobre prendas de vestir. «Soy una persona muy curiosa y muy autoexigente», comenta, subrayando su compromiso con la mejora continua. «hago una pintura y la próxima quiero que esté 10 veces mejor que la anterior, entonces miro muchos videos, pregunto, hablo mucho con artistas, voy a galerías para después darle un toquecito y hacerla mía”, agregó el exfutbolista.

Matías Fondato es un claro ejemplo de cómo las pasiones pueden abrir nuevos caminos. Desde su carrera en el fútbol profesional hasta su éxito como pintor, Fondato ha demostrado que es posible reinventarse y encontrar nuevas formas de expresión.

La Angostura: desde lo alto de una montaña, Guido Ferrari pinta la Patagonia como pocos

Fuente: Rio Negro – El artista nacido en Villa Angostura, que pinta la Patagonia desde su atril, al aire libre, en una cumbre o en pleno bosque, acaba de exponer en Buenos Aires su obra “Mahuida”. De eso, de su estilo y de su visión del arte y del mundo habló con RÍO NEGRO.

En la quietud de la cordillera a Guido Ferrari (29) le parece oír hasta el sonido de cómo avanza el tiempo, del paso de la vida. Es un sentimiento que vive con total intensidad, que luego desaparecerá para pasar a otro.
En el mientras tanto, él lo pinta, ahí parado donde sea -en una pendiente, en una cumbre- en esta Patagonia infinita.
Su arte está ligado a la práctica impresionista del “plein air”, la pintura al aire libre.
Sea con sol pleno, llueva o truene, nieve o corra muchísimo viento, él toma su atril y su valija para internarse en la naturaleza y hacer lo que más le apasiona en la vida. Esa valija con pinceles y pinturas es también una buena metáfora de lo que se pierde, encuentra, mezcla, desaparece y reencuentra. “Es mi vida misma”, comenta este hijo y nieto de patagónicos, nacido en Bariloche y criado en La Angostura, donde vive desde hace años.
Días atrás llevó un poco de nuestra cordillera a Buenos Aires. Allá, en el Banco Ciudad en Buenos Aires inauguró su exposición Mahuida. El tamaño de la obra principal es de 18 x 1 metros. Deslumbró a los asistentes y a quienes pasan por el lugar. Él está feliz con este logro más que suma a su trayectoria. ¿Por qué lo hizo? ¿Cuál es su intención? De esto hablamos horas atrás.


-¿Qué te llevó a la pintura?
-Desde que tengo memoria que me interesan las artes, la música la pintura, el dibujo, la escultura, la ilustración, la danza y el cine.
Nos conforma un cuerpo, mente y espíritu (o emociones). El cuerpo va al gimnasio; la mente lee o estudia y el espíritu se alimenta de las artes, del bienestar social, el amor, la expresión.

Obra de Guido Ferrari.


Sobre su método de trabajar al aire libre dijo tiempo atrás a este diario: “pintar al aire libre tiene un término específico en francés que es ‘plein air’ y que significa al aire libre. Viene del impresionismo, en la segunda mitad del siglo XIX, durante la segunda revolución industrial, que es cuando los artistas pudieron llevar sus instrumentos y pomos de pintura, que antes no se podían transportar al aire libre, y terminar la obra al natural. De esa época y de ese movimiento impresionista yo rescato la vida conectada a la naturaleza y llevo mi oficio hacia allí, a una comunión, un estilo de vida donde no me aleje de lo que considero el mejor alimento. Nos podemos alimentar de otras cosas como fama, poder, likes, pero no hay alimento como la naturaleza, el sol, el agua”.


-¿Cómo se entrena la mirada y la observación?
-Siempre cito a Atahualpa cuando dijo “para el que mira sin ver, la tierra es tierra nomás”.
El ojo se entrena simplemente entrenando lo que hay dentro, pues por consecuencia damos el foco en lo que queremos ver, es decir vemos afuera lo que esta adentro.
Y el artista es entonces el que te muestra con su visión lo que estaba allí pero quizás no podías ver.
Aquí debo acentuar quizás un rol muy importante de las artes, muchas personas con roles políticos, sociales, médicos, terapéuticos, etc, podrían usar a favor las artes por el simple hecho de que revela un inconsciente colectivo, si se analiza ese inconsciente se pueden prever acontecimientos. Las artes son la expresión de lo que viene, es la expresión del futuro.

Este es solo una de las razones por las cuales el arte tiene importancia, podría nombrar varias historias del arte como terapia por ejemplo, o como concientización, no solo del planeta tierra que estamos descuidando, si no también de la importancia del tiempo, del afecto, de la bondad y la empatía por los demás seres.


-¿Tu arte le suma a la naturaleza que pintás?
-A la naturaleza no le sumo nada, simplemente me detengo a oírla, a admirarla, a aprender del cosmos en cada rincón.
Cuanto más tiempo paso contemplando, más descubro. Eso es para mí la pintura, ver los detalles y acentuar rincones y momentos de luz irrepetibles. Pero sí es cierto que pintar en el lugar es una interacción, los sonidos te traspasan, te envuelven, en un momento sos parte de la naturaleza, los animales se te acercan, ya no te huelen como algo ajeno.


-¿Cómo es tu proceso creativo?
-Mi proceso es estar meditativo previo a la pintura, por eso las caminatas en la naturaleza ayudan mucho, todo el proceso de horas de caminata por el bosque y la montaña hacen que uno llegue a tiempos naturales así es mas fácil ser lo que pinto.
En atelier es el mismo proceso, busco en qué sintonía estoy, todo lo que se pinta tiene un simbolismo oculto; si es montaña: de día, de noche, nublado, atardecer, con niebla, todas ellas te cuentan una historia diferente, cada búsqueda tiene un propósito.
No nos atrae un horizonte torcido porque sí, o uno desenfocado o un horizonte poco visible o completamente derecho.
El horizonte es hacia dónde vamos, por ende si lo vemos nublado, tenemos un futuro incierto, por ejemplo.
Esto tiene que ver con esa teoría de la belleza que sostiene que hay un sentido primitivo de atracción hacia la belleza, desde que somos agricultores desarrollamos un lenguaje con los ciclos de cultivo. Entonces podemos decir intuitivamente que mañana va a ser un buen día para plantar, cosechar, para que crezca nuestra siembra.
Por estos días, por ejemplo, el atardecer es de buenos colores rojizos, por eso nos atraen los atardeceres, y cuanto más rojo, más atractivo.
-O como dicen en Italia “Rosso di sera, buon tempo si spera”.
-No estoy diciendo con esto qué es lo bello y qué no lo es, sí estoy diciendo que los que nos atrae tiene un motivo y personalmente me gusta descubrirlo en la naturaleza.

Un poco de nuestra cordillera en Buenos Aires

Tres fotos que ayudan a imaginar parte de la exposición Mahuida que inauguró días atrás Guido Ferrari en el Banco Ciudad, en Buenos Aires.


-¿Cuál fue tu propósito con tu última obra?
-La Expo Mahuida, en el Banco Ciudad tenía como objetivo llevar un poquito de cordillera. Quería que la gente entre y se vea envuelto en los lugares donde pinto y sin preguntarlo la gente me respondió que así fue: así que cumplió el objetivo.
El tamaño de la obra principal (Mahuida) es de 18 x 1metros. Tuvimos que adaptarla al lugar así que se le restó finalmente un metro. Son 6 bastidores de 3×1 que juntos forman un pedacito de la cordillera andino patagónica. El tamaño puede sonar enorme y fue todo un desafío pintarlo pero no es nada a comparación de nuestra gigante Patagonia y cordillera, obviamente.


-¿Cómo respirás esta Patagonia que vivís en La Angostura?
-Siempre me gustó haber nacido acá, es como si lo hubiese elegido de antes.
Viajé por Europa, Estados Unidos, Latinoamérica pero es acá donde encuentro mi carga, la Patagonia tiene esa rusticidad que me alimenta. Viajé por Europa, Estados Unidos, Latinoamérica pero es acá donde encuentro mi carga, la Patagonia tiene esa rusticidad que me alimenta, protegidos, a donde quizás el humano nunca llegó…
Es un lugar donde la vida se renueva por sí misma. Me gusta también el lenguaje que dejaron nuestros ancestros, mapuches tehuelches, selknam, y onas, entre otros.

Guido Ferrari.


-Hablemos de los colores de este sur argentino.
-Si bien el color de la Patagonia es bien contrastante, tiene mucha claridad la atmósfera. A diferencia de otros lugares donde el polvo y humedad flota en el aire y el sol refleja en esas partículas, en la Patagonia tenemos un aire claro, transparente, que hace que tengamos por un lado colores, sombras y luces y por otro un azul profundo, sombras de los bosques con casi oscuridad total, sin incidencia de la luz en la sombras y distancias.
También tenemos nuestro distinguido otoño con sus colores y variaciones únicas en el mundo. Por supuesto que también están las mesetas “doradas” que son como desiertos de oro, donde los guanacos se camuflan con la tierra y los cielos nocturnos de otoño e invierno, que cuando se despejan las nubes se ve el cosmos completo.


-¿Qué historias querés contar desde tus pinturas?
-El cuidado de la tierra, el respeto hacia la naturaleza y el cosmos, la empatía por los seres, los tiempos de la naturaleza, la contemplación del todo.


-¿Para que te parece que sirven tus pinturas?
-Para sensibilizarnos sobre el entorno en que vivimos.


-¿Qué le sumás vos con tu arte a la Patagonia?
-Visibilización. La Patagonia no es un lugar donde el humano pueda exprimir la tierra y abandonarla, no es ese negocio del que tanto se habla, particionar la tierra, usarla, pudrirla, estropearla.
Por el contrario, es una tierra rica por su gente, sus tradiciones, su flora y fauna, sus distancias, el agua y el aire, su misterio, la diversidad. Estamos en una tierra que nos dio todo, sembrás algo y crece, tenemos energías de todo tipo, atracciones y turismo, aguas de todo tipo, extensión de sobra, minerales, mares, bosques. Si no empezamos a darle algo a cambio, o por lo menos cuidar “el negocio” no hace falta que yo aclare donde termina todo lo que no se cuida.

@guidofrancoferrari

El impresionismo copa Europa

Fuente: Clarín – Ni el mal clima ni las bajas temperaturas desalientan. ¿Qué atrae tanto del impresionismo? Quizá sea la época: como ahora, hace 150 años el suelo se movía debajo de los pies de aquellos artistas impresionistas. Atrás quedaba la guerra franco alemana, pero París se sumergía en una violenta insurrección civil que dejaba a una sociedad traumatizada. Todo estaba por inventarse y los impresionistas lo hicieron.

En Italia, en Alemania y en Francia, por contar algunos países, el impresionismo copa la parada. Las muestras se llenan de un público entusiasta de todas las edades. Y las exhibiciones no defraudan.

Allí están, para disfrutarse a pleno, la belleza, la imaginación, los paisajes bucólicos, los colores pasteles, las escenas de la vida, la energía de las pinceladas en las pinturas que, a pesar de las pasiones que levanta el arte contemporáneo, siguen subastándose a precios “impresionantes”.

Paul Cézanne, Edgar Degas, Claude Monet, Berthe Morisot, Edouard Manet, Pierre Bonnard, Auguste Renoir y Camille Pissarro encabezan el seleccionado “impresionista”, que no recibió ese nombre como un reconocimiento al movimiento, sino como una crítica –prejuiciosa por cierto– en sus orígenes, en 1874. Fue el crítico Louis Leroy quien atacó en particular el cuadro de Claude Monet, “Impression, soleil levant” (conocido más como “Amanecer”), hoy en el Museo Marmottan Monet, de París.“Impression, Sunrise” (1872) es la pintura de Claude Monet que debutó  en París, en 1874. “Impression, Sunrise” (1872) es la pintura de Claude Monet que debutó en París, en 1874.

La prensa de finales del siglo XIX temía que los artistas impresionistas “impusieran un arte de puro disfrute, en detrimento de una pintura más seria sobre acontecimientos históricos típicamente seleccionados para las exposiciones oficiales”. Así lo explica un ensayo del historiador del arte, Bertrand Tillier, en el catálogo del Museo d’Orsay de París, que presenta una exposición temporaria monumental, junto con una experiencia inmersiva exquisita por sus contenidos, su producción, su guión y su perspectiva pedagógica, en la planta baja del Museo.

Si hubiera que sugerir un itinerario para recorrer las muestras impresionistas en Italia, Alemania y Francia, habría que comenzar por la de Roma y los 150 años de la revolución impresionista que se exhibe hasta el 28 de julio en el Museo Histórico de Infantería de la capital italiana (MIDA). Empezando por Italia nos preparamos para la apoteosis del impresionismo en París.

Roma y un foco original

El MIDA presenta una muestra antológica con 160 obras de 66 artistas, procedentes de colecciones privadas de Francia e Italia, reunidas bajo el título de Impresionistas – Los albores de la modernidad, con un enfoque diferente a las muestras de Berlín y de París. En la exhibición italiana se pone de relieve el caldo social y cultural que, a fines del siglo XIX, alumbró en París una revolución artística tan original. De allí que las piezas son presentadas como “experimentos con nuevas técnicas”.

En la exhibición romana no solo hay pinturas, también hay dibujos y grabados de artistas que, con su experimentación con nuevos estilos y técnicas, contribuyeron a hacer del impresionismo una corriente única que influyó en la contemporaneidad.

Junto a las obras menos conocidas de los grandes impresionistas como Pissarro, Degas, Cézanne, Sisley, Monet, Morisot y Renoir, también pueden disfrutarse las pinturas de Bracquemond, Forain, Lepic, Millet, Firmin-Girad y el “Bateau sur la riviere”, de Paul Lecomte, elegido como imagen de la exposición.Una velada con los impresionistas, muy lograda experiencia inmersiva sobre los orígenes.Una velada con los impresionistas, muy lograda experiencia inmersiva sobre los orígenes.

El recorrido está dividido en tres partes y entre las joyas expuestas se cuentan “La casa del doctor Gachet en Auvers”, de Cézanne; “El retrato de Berthe Morisot” (la gran artista del impresionismo), de Manet y “La loge”, de Renoir, además de las reconocidas bailarinas de Degas.

Según han señalado el crítico Vittorio Sgarbi, presidente del Comité Científico que impulsó esta exhibición en Roma, y Vincenzo Saffo, director del MIDA, los impresionistas son “perpetuamente contemporáneos porque tratan con nuestras emociones y porque quitaron la razón a la pintura”. Y aún más, recorrer el arte impresionista permite “recuperar el sentido de una época única e irrepetible”.

Berlín, del romanticismo al impresionismo

Seguimos viaje hacia Berlín. Si la exposición romana, basada en experiencias diversas, se enfoca en el poco conocido derrotero impresionista en el dibujo, el grabado y otras técnicas, el segmento alemán del impresionismo, más conservador, acompaña la deslumbrante exposición antológica Paisajes infinitos, de Caspar David Friedrich, exquisito pintor conocido como el padre del romanticismo alemán, en el 250 aniversario de su nacimiento.

Largas y entusiastas filas de público aguardan en la berlinesa Isla de los Museos un día excepcional de sol en primavera. La mayoría de los asistentes son jóvenes, una gran noticia para la cultura.150 años de Impresionismo: varias muestras recorren Europa. 150 años de Impresionismo: varias muestras recorren Europa.

La Europa del siglo XIX se abre a los visitantes en la Alte National Galerie de Berlín. Y Friedrich dialoga con Cézanne y Renoir como si no los separara un siglo. La Antigua Galería Nacional de Berlín es patrimonio de la humanidad, así declarada por la Unesco. Al estilo del clasicismo prusiano, el edificio que asemeja un templo antiguo, presenta en tres pisos una exhibición temporaria inolvidable. Bombardeado durante la Segunda Guerra Mundial, dividido durante la Guerra Fría, y rehabilitado en los años 90 tras la unificación alemana, desde 2001 exhibe su esplendor arquitectónico con muestras antológicas.

En el segundo piso de ese extraordinario exponente arquitectónico están las pinturas impresionistas. Hay obras bellísimas de Monet, Renoir y Manet. En una sala amplia, sin apretujamientos, pueden disfrutarse “Children’s Afternoon at Wargemont” (1884), de Renoir, junto a “The family of the composer Claude Terrasse” (1899), de Pierre Bonnard. También está la pintoresca “St. Germain l’Auxerrois à Paris”, de Monet (1867) junto al post impresionista Van Gogh y “Le Moulin de la Galette”, una de las varias obras realizada por el artista holandés en 1886, cuando vivía en Montmartre junto a su hermano Theo.

Monet y Manet completan el repertorio de la sala con obras reconocidas tanto por su técnica como sus colores, junto a una impresionante escultura de Rodin, “Man and his thought”, de 1899, donde un hombre a medio esculpir besa el pecho de una joven.

Conviven con los impresionistas franceses algunos pintores alemanes de su época, como Arnold Bôcklin y su obra “The hermit” (1884) y hasta una pintura de Fritz von Uhde, que parece más de arte sacro y sin embargo crea una armonía sin interrupciones en la sala, con “Grace before the meal”, de 1885.“Verger en fleurs” (1874) de Camille Pissarro. “Verger en fleurs” (1874) de Camille Pissarro.

Dejamos Berlín, rumbo a París, donde se vive hoy la apoteosis del impresionismo en el Museo d’Orsay.

La invención impresionista en París

Ha salido el sol en la capital francesa y el Museo d’ Orsay explota de gente. En la mega muestra París 1874: Inventer l’impressionnisme (Inventar el impresionismo) apenas se puede caminar y respirar. Allí están, agrupadas las joyas pictóricas en diez postas temáticas. Una sucesión de pinturas que tuvo su germen en el célebre Salón de Viardot en 1870. Como en Buenos Aires, el himno nacional nació en el salón de la dama patricia Mariquita Sánchez de Thompson.

Pese a la fascinación de miles de visitantes, algunos críticos siguen siendo bastante ácidos con relación a esta celebración de los 150 años de la corriente artística. Y puede que por estos días se lea o se escuche que hay una “sobreexposición” impresionista, o que se trata de “pinturas bonitas” para “museos elegantes”.

Críticas al margen, la exhibición permite aproximarse a las claves de un arte que, en subastas sofisticadas, sigue cotizando con excelente salud. La gran muestra del Orsay cerrará sus puertas el 14 de julio próximo, cuando Francia celebre su fiesta nacional.

La exposición central es parte de un ambicioso programa del Museo que sumerge a los visitantes en el contexto histórico del movimiento tan reconocido en el mundo como incomprendido en su época. Hay conciertos, podcasts con las curadoras de la exposición, Anne Robbins y Sylvie Patry, conservadora de pintura del Museo y conservadora general del patrimonio respectivamente, visitas guiadas, documentales, videos y la asombrosa exposición inmersiva, siempre sold out, a la que pudimos acceder invocando nuestra lejanía geográfica.

El Museo d’Orsay co-organizó la exhibición principal con el Museo de Orangerie y la Galería Nacional de Arte (NGA) en Washington, Estados Unidos, hacia donde viajará en septiembre próximo con el título París 1874: El momento impresionista.

El texto curatorial de apertura nos sumerge en la época: “Hace 150 años, el 15 de abril de 1874 se inauguró en París la primera exposición impresionista. Hambrientos de independencia, Monet, Renoir, Degas, Morisot, Pissarro, Sisley e incluso Cézanne decidieron liberarse de las reglas organizando su propia exposición, fuera de los canales oficiales: así nació el impresionismo. Para celebrar este aniversario, el Museo de Orsay ofrece una nueva mirada a esta fecha clave, considerada el punto de partida de las vanguardias”.

Son más de 130 obras magníficas que recorren lo que ocurrió aquella primavera del siglo XIX en París y por qué el movimiento se ha vuelto una leyenda en el arte, al tiempo que rastrea su irrupción en la escena artística en aquel mundo que cambiaba vertiginosamente.

París 1874. La invención del impresionismo ofrece una cartografía de 31 artistas – entre los cuales sólo siete son universalmente reconocidos –que se reunieron para exponer juntos. El clima de la época era el de una posguerra, según dan cuenta los textos curatoriales. Había transcurrido la guerra franco-alemana de 1870 y tras aquella, la insurrección revolucionaria de la Comuna de París.

En aquel escenario de decadencia y postración, y a su vez de cambios tan vibrantes, los artistas comenzaron a repensar su arte y a buscar nuevas formas de expresión. “Un pequeño clan de rebeldes pinta escenas de la vida moderna, o paisajes en tonos claros y con un toque alegre, esbozados al aire libre”, dice uno de los textos de sala.

La luz, la combinación de colores, las pinceladas difusas, los pigmentos puros para crear nuevos tonos, la búsqueda de profundidad en las pinturas, son algunas de las características de la nueva corriente que introducen los impresionistas. La obra germinal de aquella época fue sin duda la de Monet, “Impression, soleil levant” (conocida como “Amanecer”), pintada en 1872 –central en la primera exposición impresionista– y retrata en tonos brumosos el sol naciendo en el puerto de Le Havre.

La exposición confronta la selección de obras impresionistas con las pinturas y esculturas expuestas en aquella misma época en el Salón Oficial, que era el consagratorio del canon artístico. De esa confrontación se extraen conclusiones muy atractivas. No solo por el impacto que las obras impresionistas tienen que haber provocado en su tiempo, sino por las superposiciones inesperadas que surgen. Se aprecia mejor aquella modernidad radical de los rebeldes artistas y la riqueza creativa que los iluminó. Las curadoras han puesto, como diríamos en lenguaje gauchesco, “toda la carne en el asador”, por eso se mezclan los artistas en una selección más ecléctica.

La exposición de 1874 presentó sólo una minoría de obras impresionistas. Solo siete de los 31 artistas y 51 de las 215 obras de la exposición de su tiempo, organizada por un grupo de la llamada Société Anonyme des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs, fueron posteriormente denominados impresionistas.

El contexto en la muestra del Museo d’Orsay es clave. Algunos de los artistas respondieron a una sociedad traumatizada por los violentos conflictos de 1870 y 1871, pero otros quisieron seguir adelante, forjar un nuevo camino sin quedar atrapados en el pasado, según algunos críticos.

Hay obras asombrosas y nuevas. Por ejemplo, la “Olimpia moderna, boceto” (1873), de Cézanne, que retrata a una prostituta desnuda observada por un hombre vestido, al lado de “La cuna” (1872), bellísima pintura de Berthe Morisot, en la que una madre observa amorosamente a su bebé dormido. Morisot fue la única pintora impresionista en la Exposición de 1874.

Una inmersión sorprendente

Hasta agosto próximo continuará Una velada con los impresionistas. París 1874, con la que los visitantes coronarán un paseo inolvidable por el Museo d’Orsay.

Quienes se hayan sumergido en las experiencias inmersivas de Van Gogh o Frida Kahlo en Buenos Aires no han visto lo mejor de la realidad virtual en 3D.

Tras visitar la muestra central no estamos abrumados y decidimos quedarnos en el siglo XIX. Pertrechados con el casco de realidad aumentada accedemos, una tarde de primavera de 1874 a las 20, al antiguo estudio del célebre fotógrafo Nadar, en el Boulevard des Capucines. En las plantas 2ª y 3ª del edificio, unos 30 artistas se reúnen para presentar al público una selección de unas 165 obras. En la noche inaugural, una joven mademoiselle Rose, nos acompaña durante más de una hora para que compartamos la velada inaugural del impresionismo.

A escala real, los personajes se suceden ante nuestra mirada asombrada. Los visionarios artistas que tendremos muy cerca (virtual, claro), siempre guiados por Mme Rose, son Claude Monet, Auguste Renoir, Berthe Morisot, Paul Cézanne, Camille Pissarro y Edgar Degas.

Avanzamos por el Salón de 1874 y pasamos luego luego al estudio del pintor Frédéric Bazille, donde surgió la idea de la exposición, a la Île de la Grenouillère, donde Monet y Renoir pintaron juntos, y finalmente a Le Havre, donde Monet pintó su famosa “Impression, Soleil Levant”. Los paseos permiten entender mejor los vínculos entre los miembros del grupo y la esencia de su búsqueda.

La experiencia se basa en una profunda investigación de los equipos del Museo d’Orsay, así como de expertos en reconstrucción 3D y realidad virtual. En inglés y en francés la visita es un viaje en tiempo. “Vivimos” en el siglo XIX por un rato, estamos rodeados de artistas, hay voces, risas, intercambios. Cada tanto, unas figuras fantasmagóricas se nos cruzan y ahí chocamos con otros visitantes que viven la experiencia.

Bajamos escaleras con Mme. Rose y salimos a los paisajes que pintaron los impresionistas, cruzamos puentes, asistimos al work in progress de las obras que ya hemos visto colgadas en la muestra central. Y, sobre todo, aprendemos más de las motivaciones y los anhelos que acompañaron el surgimiento de una vanguardia que, al día de hoy, sigue atrayendo multitudes en todo el planeta.

Se inauguró la muestra «Martín Fierro en Alpargatas. Ilustraciones de Mario Zavattaro»

Fuente: Argentina.gob – En la Biblioteca Nacional hasta el 17 de julio.

Días atrás se inauguró, en la Biblioteca Nacional, Martín Fierro en Alpargatas. Ilustraciones de Mario Zavattaro, una muestra que ofrece un recorrido por la obra del dibujante difundida en los Almanaques de Alpargatas en 1935 y 1936.

José María Gutiérrez, del Centro de Historieta y Humor Gráfico Argentinos, abrió el acto inaugural: “Esta muestra es un homenaje doble. Por un lado, a este artista que formó parte de esta pleya, que conformó esta camada brillante de artistas gráficos e ilustradores que tuvimos en la Argentina al inicio del siglo XX. Artistas que colaboraron en Caras y Caretas y varias publicaciones extraordinarias, que nos enriquecieron; una gran mayoría de ellos inmigrantes. Y por otro lado, a Francisco Montesanto, que se merece también un homenaje por la dedicación, por el amor. Hay un tipo de investigador, un estudioso, que existe por suerte en nuestro país, que por afición, cariño e interés se da enteramente a investigar, estudiar y tratar de exhumar de la neblina del olvido a las figuras realmente importantes y que si no fuera por estas personas, estarían totalmente olvidadas, no serían ni fantasmas”.

Susana Soto, directora de la Biblioteca Nacional, leyó unas palabras en nombre de Guillermo David, director de Cultura y curador de la exposición: “Pocas veces en la historia de un país un libro se vuelve central para la constitución de su identidad. Sería difícil imaginar la Argentina sin el Martín Fierro. No solo las innumerables ediciones de sus textos sino también las visiones que lo interpretaron son una expresión clara de su vigencia. En la línea de las representaciones visuales, podemos recordar las estampas de Adolfo Bellocq, de Luis Seoane o de Carlos Alonso; la versión cinematográfica de Torre Nilsson y todas las ilustraciones que acompañaron decenas de ediciones de su primera publicación. Pero en ese conjunto, las ilustraciones de Mario Zavattaro para los Almanaques de Alpargatas ocupan un lugar especial. Sus 36 acuarelas de tinte realista y corte neoclásico dramatizan el relato escrito de una manera única. Su publicación en los Almanaques de Alpargatas llevó el arte a los hogares populares de nuestro país, que por primera vez tenían una obra de autor en sus casas. El poema gauchesco, las acuarelas realistas y la alpargata, el calzado del pueblo trabajador, se alinearon para llevar la creación artística a sectores de la población que en los años 30 estaban en los márgenes más distantes de la cultura. La Biblioteca Nacional recaptura ese momento iluminador de nuestra historia cultural al recibir la colección de Francisco Montesanto para esta muestra”.

Por su parte, Francisco Montesanto, expresó: “Hoy, el Martín Fierro, ha venido con un acompañante, que es Mario Zavattaro. La historia a veces se olvida de figuras representativas. A veces, porque esos seres singulares no poseen la dimensión superlativa de los grandes creadores. Es el caso de Zavattaro, un inmigrante genovés, que llegó en 1899 a nuestra tierra, con 23 años y se adaptó en poco tiempo a la Argentina, que se convirtió en su patria de adopción. Se inició en 1901 en la mítica revista Caras y Caretas como ilustrador, caricaturista y pintor. Allí colaboró durante 30 años, desarrollando más de mil imágenes en toda la prensa gráfica argentina, considerado ya con los años como uno de los mejores ilustradores de su época. Su obra de mayor aliento fue su Martín Fierro, encargada por la Fábrica Argentina de Alpargatas, que la distribuyó por todo el país entre 1937 y 1939”.

Martín Fierro en Alpargatas. Ilustraciones de Mario Zavattaro se puede visitar hasta el 17 de julio de lunes a viernes de 9 a 21 h y sábados y domingos de 12 a 19 h en el hall del tercer piso de la Biblioteca Nacional.

Reconocimiento: la artista visual Sara Rosales ya es parte de «Guaymallén cuna del arte»

Fuente: Municipalidad de Guaymallén – El programa impulsado por la Municipalidad de Guaymallén y el Gobierno provincial, sigue homenajeando a artistas del departamento. Esta vez fue el turno de la prolífica pintora vecina del distrito de Belgrano.

La Municipalidad de Guaymallén y la Subsecretaría de Cultura de la Provincia siguen sumando hitos al programa “Guaymallén, cuna del arte”. Esta vez fue incluida en el rescate de guaymallinos trascendentes en las artes de Mendoza, la artista visual Sara Rosales.

“Guaymallén, cuna del arte” arrancó el 22 de abril con la colocación de una placa en la que fuera la casa del poeta y compositor Armando Tejada Gómez, a 95 años de su natalicio; el 16 de mayo fue el turno de la escritora Rosa Pereyra en su cumpleaños 89; ahora le tocó a Rosales, quien cumplió años el 25 de mayo pasado. La actividad estaba prevista para ese día, pero la persistente lluvia hizo que se suspendiera el homenaje a la artista visual que vive en el distrito Belgrano de Guaymallén.

El ciclo busca rescatar y señalizar los lugares emblemáticos de artistas del departamento, para que los guaymallinos conozcan obra y relevancia de sus vecinos y, de paso, crear un circuito cultural vinculado a figuras que trascendieron los límites de Guaymallén.

El intendente Marcos Calvente, la directora de Cultura de Guaymallén, Carolina Vico, la artista Sara Rosales y el subsecretario de Cultura Diego Gareca. Detrás, la placa inaugurada para reconocer a la artista guaymallina.

En el acto estuvieron presentes el intendente de Guaymallén, Marcos Calvente, y el subsecretario de Cultura de la Provincia, Diego Gareca, la directora de Cultura del Departamento, Carolina Vico y familiares, amigos y vecinos de la artista.

El jefe comunal destacó la humildad de la artista. “Conozco a Sara a partir de sus obras y e intervenciones, pero acabo de conocer a la persona, la dimensión humana. Rescato eso, que artistas tan prolíferos del departamento y de la provincia nos entreguen tanto y conserven la humildad y sigan respondiendo a las necesidades de esta sociedad. Te agradezco Sara por todo el aporte que has hecho al departamento, a la provincia y orgulloso de que sigas siendo una vecina nuestra. Muchas gracias y feliz cumpleaños atrasado”.

A su turno, Gareca explicó los motivos detrás del programa Guaymallén cuna del arte. “Está señalización que tiene que ver un poco con el trabajo de identificar, dónde viven nuestros hacedores culturales. ¿Dónde vive un artista? ¿Cuál es su entorno? Una de las características que tienen estas señalizaciones, es que nuestros artistas viven en los barrios, donde transitan nuestras vidas, donde nos desarrollamos y crecemos”.

El nieto de Rosales, Pablo Fernández, con su hijo en brazos, bailando un gatito cuyano con la bailarina del ballet Raíz del alma.

Luego, el subsecretario agradeció a la artista: “queremos agradecerte por tantos años de compromiso de trabajo y sobre todo por ayudar a otros artistas, porque no todos los artistas son generosos y la generosidad y la solidaridad también debe ser una práctica política para una construcción de una sociedad más justa e igualitaria para todos. Así que agradecido de estar en la puerta de tu casa y conmemorando tu cumpleaños, pero también celebrando tu obra”.

La artista agradeció el homenaje. “Gracias. Es un honor para mí que estén acá”. Rosales recordó que llegó al distrito Belgrano hace 50 años. “Mis niños eran chicos; no había rejas, tampoco llaves, simplemente se anunciaba, ‘soy fulano tal’ y entrábamos a las casas. Mis hijos han compartido momentos maravillosos. El tiempo fue pasando y mi casa siempre estuvo llena de chicos que ahora también son papás y muchos también son abuelos”.

Rosales manifestó que “no me considero ni artista, ni maestra, soy una persona apasionada por pintar, soy una trabajadora de la cultura y el tiempo dirá si realmente mi trabajo es importante o no, pero mientras tanto lo disfruto”.

Sara Rosales agradeció el homenaje y dejo fluir los recuerdos vividos durante 50 años en su casa del distrito Belgrano.

“Quiero agradecer especialmente la contención enorme de mi familia, de mis hijos. Cuando eran muy chiquitos ellos me preguntaban por qué pintaba tanto, porque otras mamás a lo mejor tejían. Con el tiempo fueron mis grandes compinches y ahora se va sumando este chiquitito, mi bisnieto”, dijo la artista.

El acto constó del descubrimiento de la placa que incluye un código QR para escanear con celulares y que abre un video sobre la artista guaymallina, que incluye palabras, anécdotas y un pantallazo por su obra.

Al cierre del acto, hubo dos cuadros de baile, a cargo de miembros del ballet Raíz del Alma. Incluso bailó el nieto de Sara Rosales, Pablo Fernández, junto al bisnieto de la artista.

Artista multifacética

Sara Rosales nació en Mendoza, el 23 de mayo de 1939. Se formó artísticamente en la Academia Provincial de Bellas Artes, donde obtuvo el título de profesora de dibujo y pintura. Vive en Guaymallén desde 1970 y es una referente de las artes visuales en la provincia, el país y el mundo.

En sus obras se reconoce su gusto por la anatomía humana, especialmente manos y rostros. Mujeres, pájaros e instrumentos musicales pueblan muchas de sus telas. El óleo como materia prima la acompañó desde el inicio, pero a medida que pasó el tiempo fue alejándose de los preceptos académicos y le dio lugar a técnicas mixtas: collage, cera, tintas y –particularmente- dorado y plateado a la hoja.

A lo largo de su trayectoria se ha nutrido intelectualmente de grandes referentes de la cultura mendocina como Américo Calí, Luis Ricardo Casnati, Fernando Lorenzo, Ana Villalba, Edgardo Robert, Marcelo Santángelo, Armando Tejada Gómez, Carlos Alonso, Juan Draghi Lucero, Hernán Abal, Sergio Sergi y Roberto Azzoni.

Sara ha sabido aplicar su talento y conocimiento en diversas tareas y emprendimientos, haciendo un gran aporte a la cultura provincial. También ha sido reconocida y cosechado innumerables logros en el plano internacional.

Participó de exposiciones de arte en Cuba, Brasil, Chile, Estados Unidos y Uruguay. Sus obras se encuentran en colecciones privadas, museos y embajadas de Argentina, Israel, España, Venezuela, Italia, Estados Unidos, Chile, Grecia y Cuba (UNEAC y Casa de las Américas, de La Habana).

Es, sin dudas, una artista incansable que con su talento y capacidad conquistó el mundo del arte y se convirtió en orgullo para el departamento de Guaymallén.

El cuadro de Caravaggio rescatado de un remate se puede ver ahora en el Museo del Prado

Fuente: Clarín – El «Ecce Homo» de Caravaggio, que casi fue vendido por 1.500 euros en una subasta porque se pensaba que era de un pintor menor, ya se exhibe desde esta semana en el madrileño Museo del Prado.

El Museo del Prado detectó hace tres años que iba a ser subastado y rápidamente el Ministerio de Cultura lo declaró inexportable. Su nuevo dueño, un coleccionista británico anónimo, lo adquirió por entre 35 y 40 millones de euros, según la prensa española, y llegó a un acuerdo con la pinacoteca española para mostrar la tela de forma temporal.

El cuadro fue restaurado por un equipo liderado por el experto italiano Andrea Cipriani. Por su parte, Maria Cristina Terzaghi, una de las mayores expertas en el mundo en Caravaggio, quien dirigió las investigaciones sobre la historia de la obra, habló en la rueda de prensa de presentación del «asombro que el Ecce Homo suscitó en el mundo. Caravaggio nos sorprendió una vez mas yendo más allá de las expectativas», comentó.

Se trata de un cuadro de «valor extraordinario», perdido durante años y que representó «uno de los mayores descubrimientos de la historia del arte» al ser certificado como obra del maestro italiano.El Museo Nacional del Prado presenta el 'Ecce Homo' de Caravaggio, un día antes de abrir la exhibición al público de la obra considerada "uno de los mayores descubrimientos de la historia del arte" desde que apareció en una subasta en 2021 falsamente atribuida al círculo de José de Ribera.El Museo Nacional del Prado presenta el ‘Ecce Homo’ de Caravaggio, un día antes de abrir la exhibición al público de la obra considerada «uno de los mayores descubrimientos de la historia del arte» desde que apareció en una subasta en 2021 falsamente atribuida al círculo de José de Ribera.

Hasta octubre

Así describe la obra de 400 años el Museo del Prado, que lo mantendrá expuesto hasta octubre, gracias a la «generosidad» de su nuevo propietario, que aceptó prestar la pintura temporalmente, según explicó el lunes –sin desvelar la identidad de esta persona– el director del Museo del Prado, Miguel Falomir, durante una conferencia de prensa.

Pintado entre 1605 y 1609, el «Ecce Homo» («He aquí el hombre» en latín) representa a Cristo de manos atadas y corona de espinas en la cabeza, cuando fue presentado por el gobernador romano Poncio Pilato al pueblo con esas palabras.

Es apenas uno de los sesenta cuadros en el mundo atribuidos al gran artista italiano Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610), quien también tuvo una vida tumultuosa y fue un personaje olvidado durante siglos antes de volver a ser reconocido como un genio a partir de los años 1950.

El redescubrimiento de esta pintura es un «acontecimiento realmente importante», ya que «hace más de 45 años que no aparecía en ninguna obra del Caravaggio», resaltó David García Cueto, responsable del departamento de pintura italiana del Prado.

Según los expertos, este óleo sobre lienzo de tamaño reducido formó parte de la colección privada del rey Felipe IV de España, antes de ser expuesto en los aposentos de su hijo Carlos II.Un cuadro del maestro italiano Caravaggio titulado 'Ecce Homo' en una imagen en el Museo del Prado de Madrid, el 27 de mayo de 2024. (Foto de PIERRE-PHILIPPE MARCOU / AFP)Un cuadro del maestro italiano Caravaggio titulado ‘Ecce Homo’ en una imagen en el Museo del Prado de Madrid, el 27 de mayo de 2024. (Foto de PIERRE-PHILIPPE MARCOU / AFP)

Legado a la Real Academia de San Fernando, en Madrid, fue recuperado en 1823 por el diplomático español Evaristo Pérez de Castro Méndez, quien lo intercambió por otra obra. A partir de entonces, perteneció a su familia.

Tasado en 1500 euros

En 2021, una casa de remates madrileña lo tasó en 1.500 euros (1.630 dólares) al pensar que el autor era un miembro de la escuela de José de Ribera, pintor español de la primera mitad del siglo XVII conocido por sus composiciones religiosas.

Alertado por expertos, el Museo del Prado dio la voz de alarma ante las «evidencias documentales y estilísticas suficientes» que hacían sospechar que era de Caravaggio.

Preventivamente, el Ministerio de Cultura español bloqueó la subasta, una medida tomada en el último minuto que rescató del olvido al cuadro, posteriormente certificado por especialistas como obra del maestro italiano.

La comunidad de historiadores del arte celebra ahora esta intervención, ya que «todos los especialistas» que se pronunciaron sobre la obra establecieron de «manera absolutamente unánime» que se trataba de una pintura del maestro italiano, insistió David Garcia Cueto.

Entre los expertos que participaron en su autentificación figuraba Terzaghi, profesora de Historia del Arte en la Universidad de Roma III. El cuadro fue sometido «a imágenes radiográficas» y a un «examen» minucioso, especialmente durante su restauración, contó el lunes la especialista, quien ya se había desplazado a Madrid para examinar la obra cuando se bloqueo su venta.

Todos sus elementos mostraban que «se trataba de una obra de Caravaggio», añadió haciendo referencia a la composición del lienzo, la expresividad de los personajes o el trazo de la pintura, todos característicos del especialista italiano del claroscuro.

Según medios españoles, la pintura fue comprada por 36 millones de euros (39 millones de dólares) por su nuevo propietario, un ciudadano británico residente en España, y podría permanecer expuesta al público tras su paso por el Prado."Ecce Homo" de Michelangelo Merisi da Caravaggio se presenta al público por primera vez en el Museo del Prado de Madrid el lunes 27 de mayo de 2024. El cuadro, cuya subasta en España fue paralizada en 2021 ante la sospecha de que pudiera tratarse de un Caravaggio, ha sido confirmado como obra del maestro barroco italiano. (AP Photo/Bernat Armangue)«Ecce Homo» de Michelangelo Merisi da Caravaggio se presenta al público por primera vez en el Museo del Prado de Madrid el lunes 27 de mayo de 2024. El cuadro, cuya subasta en España fue paralizada en 2021 ante la sospecha de que pudiera tratarse de un Caravaggio, ha sido confirmado como obra del maestro barroco italiano. (AP Photo/Bernat Armangue)

«El cuadro no va a acabar en casa del comprador», porque este quiere que «esté en colecciones públicas, de momento, en forma de préstamo», explicó Jorge Coll, responsable de la galería a cargo de su venta.

En el Prado son, sin embargo, prudentes. «Es una obra privada, así que su propietario tiene la última palabra», recordó Miguel Falomir.

Con información de agencias.

El mural gigante de Messi quedó terminado, nace un nuevo ícono de Santa Fe

Fuente: El Litoral – La gran pintura luce completa en la pared oeste del edificio CAM 100, en Alem y Las Heras. Las principales características.

75 metros de alto por 40 mts, donde está la parte más ancha. Esas son las medidas del mural gigante de Lionel Messi que la ciudad de Santa Fe estrena por estos días.

Los trabajos quedaron finiquitados luego de un proceso de pintura en detalle y terminaciones puntuales. Ahora sí, santafesinos y turistas podrán apreciar uno de los homenajes más grandes del mundo para el 10 argentino.Los trabajos quedaron finiquitados luego de un proceso de pintura en detalle y terminaciones puntuales. Crédito: Fernando Nicola

El concepto utilizado es el “Hiperrealismo”, lo más parecido con mayor definición de una fotografía pintada a mano. Crédito: Fernando Nicola


El gran mural está en el edificio CAM 100, ubicado en la esquina que conforman la avenida Leandro L. Alem y calle Alvear, a pocos metros del microcentro y la zona portuaria. Difícil será no verlo.

Para lograr semejante proyecto se usó trigonometría de color con los primarios, rojo amarillo y azul. Por su tamaño se utilizaron unos 600 litros de pintura (20 latas de 30 litros) para la base y unos 1000 aerosoles.El gran mural está en el edificio CAM 100, ubicado en la esquina que conforman la avenida Leandro L. Alem y calle Alvear, a pocos metros del microcentro y la zona portuaria. Crédito: Fernando Nicola

La gran pintura luce completa en la pared oeste del edificio CAM 100, en Alem y Las Heras. Crédito: Fernando Nicola


El concepto utilizado es el “Hiperrealismo”, lo más parecido con mayor definición de una fotografía pintada a mano. Los trabajos comenzaron en marzo del 2023 y culminaron por estos días.

La imagen

La foto elegida es una de las más representativas del campeonato del mundo conquistado por Argentina en la Copa disputada en Qatar en 2022.El concepto utilizado es el “Hiperrealismo”, lo más parecido con mayor definición de una fotografía pintada a mano. Crédito: Fernando Nicola

Los trabajos quedaron finiquitados luego de un proceso de pintura en detalle y terminaciones puntuales. Crédito: Fernando Nicola


Messi comienza a levantar el ansiado trofeo y busca la complicidad de sus compañeros para festejar el gran logro argentino. En el muro, un pequeño con la camiseta de la Selección aprecia a su ídolo, junto a un reloj que marca la hora señalada, en el momento preciso de la conquista de la “scaloneta” en tierras árabes.

Ya es un ícono

Santafesinos y visitantes de la capital provincial no esperaron a la finalización de la obra. Rápidamente se apropiaron del mural y de inmediato comenzaron a divulgar sus fotos y videos.

Tal fue el furor por los primeros esbozos del mural, que usuarios de redes sociales con millones de seguidores y alcance mundial se hicieron eco.

A mediados de 2003, El Litoral dio cuenta de los avances del diseño y su viralización mundial.

La cuenta oficial de la UEFA Champions League publicó este viernes una galería en su Instagram encabezada por la gran pintura santafesina. Con el correr de las horas, el posteo recolectó millones de me gusta y cientos de comentarios.Mural Messi Mundo

El posteo de la cuenta de la Champions League.


Un perfil de Twitter de origen árabe que comparte toda información referida a Messi, posteó tres fotos del mural de Santa Fe. Con el pequeño error que lo ubicaron en Rosario. “Nuevo mural del rey”, se puede leer en la traducción al español.Mural Messi Mundo

En Twitter unos fanático árabes comparten a diario imágenes e información vinculada a Lio.


Como el Puente Colgante, los lisos y el alfajor bañado de merengue, el Messi gigante pintado en la avenida Alem pasó a ser un ícono referencial de la ciudad de Santa Fe.

Tras 9 años, recuperan una obra robada de Francis Bacon valuada en más de USD 5 millones

Fuente: Infobae – El cuadro había sido robado de la casa de un empresario español, en Madrid, junto a otras cuatro piezas del gran pintor británico.

La policía española anunció que recuperó un cuadro de Francis Bacon valorado en 5 millones de euros (5,4 millones de dólares) que fue robado junto a otras cuatro obras del pintor británico del domicilio de un particular en Madrid hace nueve años.

La pintura formaba parte de un conjunto de retratos realizados por el artista, que pertenecían al banquero español José Capelo. Las obras, que estaban en su apartamento de Madrid, habían sido sustraídas en 2015, cuando Capelo se encontraba en Londres.

En aquel momento se presentó como uno de los robos más importantes de arte contemporáneo en España, ya que el valor total de los cinco cuadros se estimaba en 25 millones de euros (unos 27,1 millones de dólares). Los ladrones también se llevaron una caja fuerte y joyas.

Francis Bacon (ITV/Shutterstock)
Francis Bacon (ITV/Shutterstock)

La policía española recuperó tres de las cinco obras en 2017. Los agentes informaron entonces de que habían realizado varias detenciones durante sus investigaciones, y precisaron que la operación seguía en curso para encontrar las otras dos.

Las investigaciones permitieron detener el pasado febrero en Madrid a otras dos personas, sospechosas de estar implicadas en lo ocurrido. “A raíz de estos arrestos, y como consecuencia de diferentes gestiones policiales, una de las dos obras robadas que faltaban por recuperar fue localizada en un inmueble de Madrid”, informó la Policía Nacional este jueves en un comunicado.

Desde que arrancó la investigación en 2015, los agentes detuvieron en total a “dieciséis personas presuntamente implicadas en el robo, entre los que se encontrarían tanto los autores intelectuales como materiales del mismo”, agregaron, sin dar más detalles sobre sus identidades.

La investigación continúa abierta hasta que se localice la quinta y última obra robada, así como a quien la tiene en su poder, añadió la Policía Nacional.

Nacido en 1909, Francis Bacon se hizo muy conocido en especial por sus trípticos. Uno de ellos, “Tres estudios de Lucian Freud”, se vendió por 142,4 millones de dólares en 2013 en Christie’s de Nueva York, convirtiéndose en aquel momento en la obra de arte más cara vendida en el mundo.

El pintor británico, apasionado por los grandes maestros españoles Goya y Velázquez, falleció en la capital española en 1992.

Próximas exposiciones en el MBQM

Fuente: Gobierno de Buenos Aires – Se viene junio y estas son las nuevas muestras temporarias que estarán expuestas en las salas del museo.

Como resultado del trabajo entre el Programa Huellas de la Escuela y el Museo Benito Quinquela Martín, coordinados por el área de Gestión Cultural del Ministerio de Educación de la Ciudad de Buenos Aires y articulando con la Supervisión de Educación Plástica de Nivel Primario, esta exhibición es el corolario de la puesta en valor del patrimonio de esta emblemática escuela del barrio de Flores, que desde 1963 conserva  459 piezas artísticas que enriquecen el trayecto de las infancias por las aulas y subrayan el valor pedagógico del arte.


Se trata de una breve selección de esta colección, que condensa los felices esfuerzos del Área de Gestión Cultural del Ministerio de Educación del GCBA por enlazar instituciones afines y enriquecer sus diálogos profesionales. Es a través de la vocación inquebrantable de los equipos involucrados que se puede desandar un sendero de compromiso con la labor diaria y profundo amor por el arte, siempre caminando tras las huellas de Quinquela.

En esta misma ocasión se inauguran las exposiciones “La orilla opuesta” de Estanislao Florido donde el artista explora el imaginario artístico de La Boca y lo desarticula en clave contemporánea  y «Variaciones de color” de Gladys Abitante,  en que la artista emprende un sendero interminable de exploración cromática que abre un mapa de intensa poesía.
Estas exposiciones podrán visitarse desde el 1º de junio hasta el 14 de julio, de martes a domingo de 11.15 a 18 hs en las sala Miguel C. Victorica, Eduardo Sívori y Santiago Stagnaro respectivamente.

Hito en el mundo del arte: logran «dar vida» a una mítica pintura de Vincent Van Gogh que tiene más de 130 años

Fuente: Cronista – Un diseñador y especialista en motion graphics animó un conocido cuadro realizado por Van Gogh en 1888. Mira cómo quedó la pintura inmersiva.

Una mítica pintura de Vincent Van Gogh «cobró vida» gracias a una plataforma de inteligencia artificial. Se trata de una animación que logró darle movimiento al cuadro «Seascape near Les Saintes-Maries de la Mer«.

La animación del cuadro estuvo a cargo del artista, director y animador checo Andrey Zakirzyanov. Este proyecto tuvo como fin reinterpretar digitalmente la obra que muestra la costa mediterránea francesa.

Seascape near Les Saintes-Maries de la Mer, de Vincent Van Gogh.

Van Gogh: ¿cómo es la animación de Seascape near Les Saintes-Maries de la Mer?

El museo Van Gogh publicó la maravillosa animación que logró darle una experiencia visual y auditiva dinámica a los espectadores interesados en conocer más del arte llevado a cabo por el pintor neerlandés en 1888.

Con el trabajo de Zakirzyanov se busca la reivindicación y popularización de las obras clásicas y más relevantes de la historia del arte mundial en nuestro tiempos.

¡Mira como el increíble Andrey Surotdinov da vida a la obra maestra de Van Gogh en este fascinante carrete! Ahora imagina experimentar este encantamiento en persona…», publicaron en la cuenta de Instagram Van Gogh Experience sobre el trabajo del animador y del reconocido músico que que le puso sonido a la pintura.

Por su parte, el propio diseñador checo agradeció la difusión que hizo el museo y dijo al respecto de su obra: «una cámara ligeramente diferente y un movimiento de olas del mar».

Las demás obras de Van Gogh que Zakirzyanov le dio vida

Otra de las obras que animó este artista checo es Café Terrace at Night, un café de la ciudad de Arlés situado específicamente en el Place du Forum, lugar en donde residió algunos años.

También recreó The Yellow House, la pintura realizada por el postimpresionista en 1888, la cual retrata una casa que amarilla que había alquilado Van Gogh en Arlés.

¿Quién es Andrey Zakirzyanov, el artista que revive a Van Gogh?

Andrey Zakirzyanov es un artista, director, diseñador, animador, director creativo y consultor independiente especializado en animaciones de Motion graphic, que trabajó para Currenttime Tv – Czech Republic y en documentales de HBO.

Autorretrato de Vincent Van Gogh.

Seascape near Les Saintes-Maries-de-la-Mer es un óleo sobre lienzo, 50,5 cm x 64,3 cm realizado por Van Gogh en 1888, en su estancia en Arlés, cerca del mediterráneo francés.

Según el Van Gogh Museum, el artista neerlandés pintó esta vista del mar cuando visitó el pesquero de Les Saintes-Maries-de-la-Mer, durante un viaje que realizó desde Arles, en el sur de Francia. Se estima que el pintor realizó su obra sobre la playa, ya que se encontraron granos de arena en las capas de pintura.

Terraza de Café por la Noche, de Vincent Van Gogh.

Sobre la pintura, desde le museo señalaron que se destaca el azul y el blanco, que aplicó sobre el lienzo con trazos atrevidos y utilizó el verde y el amarillo para las olas.

«Aplicó estos colores con una espátula, capturando cuidadosamente el efecto de la luz a través de las ondas. Van Gogh estaba entusiasmado con los colores del mar Mediterráneo», explicaron desde el museo.

Además, Van Gogh escribió que el mar mediterráneo le encantaba porque este «tiene un color como la caballa, en otras palabras, cambiante – no siempre se sabe si es verde o morado – no siempre se sabe si es azul – porque un segundo después, su reflejo cambiante ha adquirido un tono rosado o gris».