Fuente: Clarin – El exterior de un edificio nuevo lucirá una obra de arte público de la reconocida artista. Es la primera edición del certamen organizado junto a Meridiano.
No hay como encontrarse con una obra de arte público al caminar la ciudad. Sumándose a la tendencia de concebir proyectos de real estate desde el inicio con obras de arte, como aporte de valor y contribución a la comunidad, una gran escultura de la artista Elba Bairon se lucirá en el exterior de un nuevo edificio de La Lucila, en Vicente López. Con su proyecto Geometría afectiva, la reconocida artista fue elegida ganadora de la primera edición del Premio Grupo Chomer, que la empresa desarrolladora organizó junto a Meridiano, la Cámara de Galerías de Arte de la Argentina. Bairon presentó su propuesta, una escultura de composición curva que evoca a un nudo infinito, junto a W-Galería, el espacio que la representa.
Emplazada en el frente del edificio de líneas sinuosas, la pieza de Bairon fue concebida como un abrazo de bienvenida, considerando sus formas como una continuidad. “Las curvas de la arquitectura se amoldan, tienen un cierto parentesco con una sensación física dinámica, tomando su forma”, analiza la artista, que recibirá un premio de 7 mil dólares y otros 10 mil para el desarrollo del proyecto.El Grupo Chomer levó a cabo la primera edición de su premio en asociación con Meridiano. Elba Bairon resultó ganadora.
“También pensé en el nombre del edificio, Selene, que es como los antiguos griegos llamaban a la Diosa de la Luna y en cómo mi búsqueda formal vinculada a las formas curvas puede conectar de alguna manera la silueta del edificio, la intemperie, la luna y el círculo como figura”, agrega la artista, cuyo proyecto fue seleccionado por un jurado conformado por los curadores Florencia Battiti y Sebastián Vidal, además del arquitecto Damián Vinsón, del estudio MSGSSV, e Iván Chomer, CEO del grupo desarrollador.
El bellísimo Punto y linea sobre el plano de Vassily Kandinsky –quien le dedica buena parte de sus reflexiones a la relación entre las líneas rectas y las líneas curvas–, fue texto de referencia para las ideas de Bairon alrededor de esta nueva obra. “La línea recta va en una sola dirección, es agresiva, filosa y se comporta como límite que limita, como borde que corta; mientras que la curva, con las tensiones que la componen, genera recovecos, movimientos suaves, cobijo, abrazo y protección en el camino que emprende para reencontrarse con su punto de partida, en el camino a volverse círculo”, señala Bairon.
https://dbb4bf648334e5e846b102bb0b08e960.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-40/html/container.htmlAsí se verá la explanada del edificio Selene, en Vicente López.
“En cierta medida Geometría afectiva es una escultura que busca rendirle homenaje al poder de la curva a través de una composición formal que pareciera no tener ni principio ni fin, un nudo infinito que es también un abrazo, una continuidad, un encuentro, que no tiene un derecho y un revés”, agrega. Diseñada especialmente para la explanada del edificio Selene, “la obra está pensada para ser vista desde todos lados, desde todas sus facetas, desde todas sus fases, según la ilumine Selene. Las curvas que componen la Geometría afectiva tienen la oportunidad de generar concavidades, espacios y formas que contienen y protegen, formas del afecto y del cuidado”.
En una acción para fortalecer el arte contemporáneo local, además de la selección de la ganadora, el jurado destacó con una mención especial a las artistas Marcolina Dipierro de Pasto Galería y María Torcello de Oda Galería, que presentaron las obras Guía circular y Banda de Moebius respectivamente.
La obra realizada en cemento tipo Grout, de dos metros por uno y medio de ancho y altura, será fijada en el hormigón del edificio de 45 viviendas sobre Av. del Libertador, con vista al río. “Unir arte y arquitectura desafía convenciones –define la curadora Florencia Battiti–, alentando perspectivas diversas y creando experiencias únicas que inspiran, cuestionan y emocionan”.
Fuente: Perfil – Los artistas presentaron sus obras en Casa FOA, la exposición anual de arte, diseño, arquitectura y paisajismo, que abrió sus puertas en Buenos Aires con un espacio dedicado a Udaondo, el proyecto inmobiliario más vanguardista de América Latina.
Marta Minujín y Daniel Joglar, artistas argentinos de reconocimiento internacional, expusieron en Casa FOA las obras a escala que emplazarán en UDAONDO, el proyecto inmobiliario más innovador de la Ciudad de Buenos Aires y en la vanguardia regional.
Rodeados de personalidades del arte y la cultura, coleccionistas e invitados especiales brindaron detalles de sus obras. Minujín narró cómo llegó en 1994 a crear “Los doce meses del año” en bronce patinado, tras un viaje a Grecia que le cambió la forma de interpretar la relatividad del tiempo.
“El tiempo es desde mis comienzos un tema central. ‘Los doce meses del año’ representa las figuras surgidas en las Islas Cícladas hace 6.500 años, en las que se representaba por primera vez el cuerpo humano. Hice doce figuras y cada una de ellas me dijo que mes del año era”, expresó.
Minujin se mostró expectante porque su creación estará para siempre al alcance de todo el público al ser emplazada en la plaza central de Udaondo. “Esta obra estará emplazada ahora en el proyecto Udaondo, en tamaño monumental”, comentó la reconocida artista del pop.
En el mismo evento, Daniel Joglar presentó su obra “Las Olas”, un conjunto escultórico metálico que estará en la base de las torres en el límite entre el espacio público y el privado y que podrá ser admirada por todos quienes pasen por la esquina de Udaondo y Libertador.
“Estoy contento y emocionado que hayan seleccionado “Las Olas” para un proyecto de tamaña envergadura. Soy de Mar del Plata y el haber nacido frente al mar es algo que me atravesó. Fue la base de mi inspiración para crear esta obra que podrá ser vista y visitada por el público cuando el proyecto Udaondo esté concluido”, comentó Joglar.
La desarrolladora Landmark Developments, una empresa con más de 500 mil metros cuadrados construidos anunció recientemente Udaondo, un proyecto de residencias y un hotel cinco estrellas, en lo que se configura como unas de las inversiones más grandes de los últimos años en el real estate en la Argentina.
La empresa encomendó a Colección Pampa la selección de los dos sitios específicos para la disposición de las obras de arte en el proyecto inmobiliario. Y fueron seleccionadas ya las creaciones de Minujín y Joglar, que estructuran en el proyecto un guión que reúne un seleccionado de artistas argentinos que exponen obras que dialogan entre sí. Diferentes materialidades y soportes exhiben un prólogo de lo que será el universo creativo de Udaondo.
Estuvieron presentes los artistas Marcela Cabutti, Eduardo Basualdo, Gachi Hasper, Cristián Mohaded, Jorge Miño y Hernán Marina, cuyas obras fueron preseleccionadas para el proyecto, curado por el emprendedor cultural, curador y networker Álvaro Rufiner. El espacio Udaondo en Casa FOA se complementa con la maqueta de las tres torres y renders audiovisuales del proyecto inmobiliario que incluirá un conjunto de servicios de primer nivel mundial, una colección de obras de arte y una filosofía basada en la sostenibilidad, lo que permitirá a residentes y turistas habitar lo extraordinario en Buenos Aires.
Cada elemento del espacio refleja la visión integral del proyecto que abarcará una superficie total de 165.826 m2 construidos en tres torres concebidas y diseñadas por el estudio Aisenson, que fusionan el diseño arquitectónico con conceptos innovadores y vanguardistas.
La iniciativa incluirá amenities y servicios de calidad hotelera y una colección exclusiva de obras de arte que aportan belleza y mejoran la calidad de vida conjugando estética, confort, funcionalidad y construcción sustentable.
El espacio Udaondo también expone el enfoque ambiental del proyecto, integrando soluciones renovables: está equipado con paneles solares y un aerogenerador en busca de la eficiencia energética. Estos elementos, respaldados por baterías internas, capturan y almacenan la energía solar y eólica, asegurando un suministro constante.
Fuente: diario Mendoza – El galardón que otorga el Salón Nacional de Artes Visuales lo recibieron además la riojana Martha Cortés Álvarez, la tucumana Carlota Beltrame, el cordobés Fernando Allievi, y de la Ciudad de Buenos Aires Mónica Millán, Rosana Fuertes, Alberto Goldenstein y Pedro Roth.
Con una leve demora según el cronograma, el Palais de Glace anunció a los ocho artistas ganadores del Premio a la Trayectoria que otorga anualmente el Salón Nacional de Artes Visuales, entre los que se encuentran Martha Cortés Álvarez, Mónica Millán, Alberto Goldenstein y Edgardo Murillo. El premio es entregado por el Ministerio de Cultura de la Nación.
Murillo es el segundo artista visual mendocino en lograr este importante galardón luego de que Carlos Alonso lo alcanzara en 2018. El premio en si mismo consta de una pensión vitalicia y el ingreso de una obra al Museo Nacional de Bellas Artes.
El che y el Papa, obra realizada con tapitas de gaseosas por el genial Edgardo Murillo
Según se informó, el Premio Nacional a la Trayectoria Artística del 111 Salón Nacional de Artes Visuales lo recibieron la riojana Martha Cortés Álvarez, la tucumana Carlota Beltrame, el cordobés Fernando Allievi, el mendocino Edgardo Murillo, y de la Ciudad de Buenos Aires Mónica Millán, Rosana Fuertes, Alberto Goldenstein y Pedro Roth.
El certamen es organizado por el Palais de Glace-Palacio Nacional de las Artes y la Secretaría de Patrimonio Cultural dependientes del Ministerio de Cultura.
El premio reconoce a artistas de relevante trayectoria, mayores de 60 que hayan contribuido con aportes decisivos al arte del país y otorga a los galardonados una pensión vitalicia equivalente a cinco jubilaciones mínimas. Por su parte, los artistas donan al Estado nacional una obra significativa de su producción que a su vez será donada al Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA).
El premio reconoce a artistas de relevante trayectoria, mayores de 60, que hayan contribuido con aportes decisivos al arte del país y les otorga una pensión vitalicia equivalente a cinco jubilaciones mínimas
En esta oportunidad el jurado estuvo integrado por Adrián Cangi, la artista y docente rosarina Claudia del Río, el director del Museo Nacional de Bellas Artes Andrés Duprat, el periodista Fernando Farina, Lía Gómez, Mariana Marchesi e Isabel Plante.
Cortés Álvarez donará «Mutuamente II» (2006), Beltrame «Los años de plomo» (2017), Millán «Su ser de cielo» (2021/2022), Fuertes «Los sesenta no son los noventa» (1994).
Su ser de cielo, de Mónica Millán. / Foto: Prensa.
La artista Allievi donará una serie de dibujos sobre el Cordobazo (2017/2023), Goldenstein la serie fotográfica «En museos» (2011/2018), Murillo «El misterio del capitalismo» (2018) y Roth la serie de fotografías sobre la exposición «Mito del dorado y de los trece» (1978), obras que serán exhibidas en el transcurso de este año.
Quiénes son los ganadores
Martha Cortés Álvarez (La Rioja, 1946) es artista plástica y visual, diseñadora, ilustradora y docente egresada de la Universidad Nacional de Cuyo y graduada en el Instituto Privado de Diseño Contemporáneo Buenos Aires, especializada en escultura.
Carlota Beltrame (Tucumán, 1960) es artista, docente e investigadora, licenciada y doctora en artes además de gestora cultural y curadora.
Mónica Millán (Misiones, 1960) vive y trabaja en la ciudad de Buenos Aires, su trabajo se centra en el dibujo y el arte textil del bordado, y ha realizado un trabajo de recuperación de las técnicas textiles.
Rosana Fuertes (Mar del Plata, 1962) estudió en la Escuela de Artes Visuales «Martín A. Malharro», y su obra ha sido definida como «pictogramas de la contingencia», donde el género y la política se mezclan con la vida doméstica.
Fernando Allievi (Chubut, 1954) estudió dibujo con Leopoldo Garrone, en la Escuela Provincial de Bellas Artes «José Figueroa Alcorta» de la ciudad de Córdoba egresando como Maestro de Artes Plásticas y Técnico Superior de Pintura y Dibujo.
Alberto Goldenstein (Buenos Aires, 1951) estudió fotografía en Boston (Estados Unidos) y fue parte de la movida del Centro Cultural Rojas de los años 1990, donde dictó talleres y luego dirigió la Fotogalería; Edgardo Murillo (Jujuy, 1957) estudió en la Facultad de Arte y Diseño de la Universidad de Cuyo.
Pedro Roth (Hungría, 1938) es licenciado en Cinematografía por la Universidad de La Plata, comenzó su carrera como fotógrafo en 1960 y su trayectoria plástica en 1973, en su trabajo registró los movimientos artísticos más relevantes desde la década de 1960.
El Salón Nacional de Artes Visuales que se realiza de manera ininterrumpida desde 1911 se compone del Premio Nacional a la Trayectoria Artística y del Premio Salón Nacional de Artes Visuales, compuesto por tres premios adquisición y 43 premios no adquisición, repartiendo en la edición 111 más de 13.000.000
Fuente: Buenosaires.gob.ar – Dirigida a artistas y/o colectivos de artistas visuales de todo el país para presentar obras de arte inéditas o ya producidas para que sean exhibidas durante Semana del Arte 2023. En esta edición habrá dos premios económicos de seiscientos mil pesos ($600.000) y seis premios de cuatrocientos mil ($400.000). Podés aplicar hasta el 12 de mayo, 16h
Semana del Arte es un evento anual que se realiza en colaboración con la Fundación Medifé, en donde el espacio público de la Ciudad de Buenos Aires se transforma en una vibrante plataforma de arte contemporáneo. Este gran evento tendrá su cuarta edición desde el domingo 27 de agosto hasta el domingo 3 de septiembre.
Bajo la premisa de crear una convivencia entre espacios, expresiones artísticas y públicos diversos, la Ciudad propone una programación interdisciplinar en la que se puede disfrutar de exhibiciones, charlas, performances, y actividades para disfrutar en espacios de acceso público como plazas, galerías, veredas y espacios verdes, estaciones de subte, instituciones culturales, entre otros.
En el año 2023, Semana del Arte lanza nuevamente una convocatoria para que artistas y/o colectivos de artistas visuales presenten obras de arte inéditas o ya producidas para ser emplazadas en el espacio público de la Ciudad de Buenos Aires. En esta ocasión, por primera vez, la convocatoria tendrá un alcance federal, promoviendo un compromiso con las artes visuales a lo largo de todo el país. La temática curatorial para la selección de obras de esta edición es “El espacio público como bien común, lugar de encuentro y de creación.” Se dará prioridad a aquellas propuestas que contemplen acciones de mediación y participación tanto en la instancia de producción como de exhibición del proyecto que fomenten el acercamiento a comunidades y audiencias socio-culturales y etarias heterogéneas. Un jurado especializado seleccionará diferentes obras de arte con el propósito de ser exhibidas en el marco de Semana del Arte y en una articulación crucial con los entornos comunitarios de cada locación, para así formar una exposición abierta y gratuita de arte contemporáneo en diferentes barrios de la Ciudad.
Las piezas ganadoras recibirán un reconocimiento económico en dos categorías: dos primeros premios de seiscientos mil pesos ($600.000) y seis segundos premios de cuatrocientos mil ($400.000). En el marco de la premiación, se presenta por primera vez una distinción especial “Apoyo CCEBA 35 años a la producción de obra de arte» que será otorgada a uno de los ocho proyectos ganadores. El criterio de selección del proyecto que reciba dicha distinción estará en línea con los valores que el CCEBA promueve; es decir, aquel que incentive la acción cultural como herramienta para alcanzar el bienestar y dignidad social, la gobernabilidad democrática y promoción de derechos humanos, la equidad de género, la sostenibilidad medioambiental, y el respecto a la diversidad.
Ingresá y conocé las locaciones donde tu obra podría ser exhibida! Encontrarás mayor información de las locaciones seleccionadas para este año como imágenes, planos, fotografías y textos ampliatorios
Descargá las bases y condiciones para saber cómo participar y presentar tu obra a través de Tramitación a Distancia (TAD). TAD es el sistema online que permite realizar trámites a distancia desde cualquier dispositivo con internet. Mediante el uso de esta plataforma podrás aplicar a «Convocatoria Semana del Arte 2023» y además, podrás consultar el estado actual de tu postulación en todo momento. Para acceder al sistema TAD es necesario contar con Clave Ciudad. Podes ingresar a TAD desde su página web o consultar el Manual de usuario.
Semana del Arte es una plataforma del Ministerio de Cultura, en colaboración con la Fundación Medifé, que busca difundir a los artistas contemporáneos y fomentar el arte público como una manera de redescubrir la Ciudad; con el objetivo también de amplificar la programación de las instituciones del sector de las artes visuales. Los proyectos ganadores tendrán una articulación crucial con las instituciones artísticas y entornos comunitarios de cada locación con el fin de profundizar su rol en el espacio público.
Fuente: El Ojo Del Arte ~ Ideada y diseñada por el artista español Jaume Plensa, es desde hace dos décadas una de las instalaciones urbanas protagonistas en el espacio público de la ciudad de los vientos.
La Fuente Crown ha logrado hacerse de cierto reconocimiento en los Estados Unidos, a pesar del rechazo que produjo inicialmente debido a que algunas personas consideraban que su altura era desmesurada en relación a los edificios circundantes. Ubicada en el Parque del Milenio de la ciudad de Chicago, la obra interactiva está compuesta por dos torres de ladrillo de vidrio de quince metros de altura cada una, enfrentadas en los extremos de una pileta de granito negro de escasa profundidad, cubierta por una fina capa de agua que refleja la luz.
Las dos torres rectangulares, hechas de acero inoxidable, están recubiertas de pantallas LED encapsuladas en ladrillos de vidrio (un total de 22500), ubicados en las caras que dan hacia la pileta de granito. Estas pantallas reproducen videos en simultáneo y de forma coordinada, para dar vida a cabezas digitales enormes que miran, sonríen, fruncen los labios y escupen agua a través de una apertura a la altura de la boca de cada una de los rostros gigantes. La gran particularidad es que los protagonistas son los mismos habitantes de la ciudad, cerca de mil personas que fueron filmadas para aparecer rotativamente durante cinco minutos cada una.
Para lograr esto, el diseñador de laFuente Crown, el artista plástico español Jaume Plensa, dialogó con setenta y cinco organizaciones civiles, sociales y religiosas locales para que presentaran a los y las candidatas a quedar registradas para transmitir en las torres. Las grabaciones comenzaron en el 2001 y la obra fue inaugurada a mediados del 2004. Así, los dos rostros elegidos aleatoriamente dialogan entre sí y con el público, que puede interactuar con la instalación debido a su diseño universal que permite el fácil acceso a la fuente, lo que la vuelve un lugar ideal para los niños durante los meses de más calor.
La fuente gasta alrededor de cincuenta mil litros de agua por hora, aunque la gran mayoría se recicla (cerca del 97%) a través de un sistema incorporado en la misma escultura, que drena, filtra y bombea el agua para volver a utilizarla. Cuando las pantallas no están proyectando los rostros que largan el agua por la boca, ésta cae por los cuatro costados de las torres, en forma de cascada.
El desarrollo de las torres y la fuente estuvieron mayoritariamente financiadas por Lester Crown (de ahí el nombre de la obra), un empresario norteamericano que tiene acciones de franquicias y compañías multimillonarias como los Chicago Bulls, la cadena de hoteles Hilton y el equipo de béisbol de los New York Yankees. La construcción de la Fuente Crown costó cerca de diecisiete millones de dólares y estuvo a cargo del estudio de arquitectura Krueck and Sexton.
El Parque del Milenio, donde se encuentra emplazada esta enorme instalación de videoarte, es un desarrollo urbano y artístico de diez hectáreas que está ubicado en un área conocida como The Loop, centro comercial y financiero de la urbe donde se concentran buena parte de sus principales atracciones turísticas. El terreno donde se fundó el parque solía ser propiedad de la compañía ferroviaria de Illinois y recién para finales de la década del noventa comenzó su desarrollo, siendo inaugurado en julio de 2004, por lo que la Fuente Crown estuvo desde los inicios. El parque cuenta con otras piezas destacadas, como la Puerta de nube, de Anish Kapoor, o el Pabellón Jay Pritzker, diseñado por Frank Gehry.
La concepción de esta instalación urbana se inscribe dentro de una línea de exploraciones artísticas que ya venía desarrollando su ideólogo Plensa. La idea del “dualismo” siempre le interesó, así como el uso de la escultura en el espacio público y el involucramiento con la obra por parte del espectador. Ejemplos de esto son las cabezas gigantes llamadas Amor (2017), emplazadas en Leeuwarden, Países Bajos; o los torsos blancos de acero inoxidable que componen Espejo (2011), ubicados en el campus de la Universidad Rice, en Houston.
Fuente: Telam – El agua y el fuego se funden en esta obra para construir sentidos potentes sobre la vida, el dolor y el amor, a través de piezas que dialogan entre la opacidad y la transparencia. En el espacio del Colectivo Periferia, hasta medidados de enero.
La exposición «Ritual» de la artista Nora Barenghi reúne en el espacio del Colectivo Periferia, en El Barrio porteño de La Boca, impactantes obras en vidrio en las que el agua y el fuego se funden para construir sentidos potentes sobre la vida, el dolor y el amor, a través de piezas que dialogan entre la opacidad y la transparencia.
El vidrio es la materia que eligió la artista para esta muestra que tiene también la energía de un ritual: el fuego transmuta a través de sus llamas las heridas como lanzas y las repliega en vitrofusión, ese material rico en en sus transparencias, con su capacidad de transformación de los colores según desde donde se los mire.
La exposición que Barenghi presenta en el barrio de La Boca es un diálogo de soportes y experiencias, donde lo que media es la materia pero también la emoción: porque mientras tres grandes obras de más de dos metros acuareladas convocan la atención por su magnitud y su juego de colores como vitreaux decó en clave artística, una frase -también hecha en vidrio- atraviesa el silencio «Mi herida no prescribe», mientras una instalación de lanzas como proas de barco filosas congela el aire para devolverle otro espesor, renacido, como los efectos que generar una práctica de ritual.
Como describe su curador Miguel Ronsino: «Acá, en estos vidrios, se funden la madre, la herida y el abrazo que sostiene. Acá, se quema todo en un fuego donde todo renace. Opacidad y transparencia de lo que se va y opacidad y transparencia de lo que renace se entrelazan en este ritual. La luz, el abrazo, la madre y la herida original sostienen nuestra mirada en el filo de una lanza de vidrio que desgarra la nochecita del conurbano y se funde en un crisol poético en la boca del riachuelo».
Barenghi (Bragado, 1965) es docente, licenciada en Artes Visuales y es creadora de una abundante y significativa obra que incluye gráfica, pintura en diversos soportes y collages, entre otros. Participó de numerosas muestras individuales y colectivas y ganó entre otros, el primer Premio de Pintura en el Salón Anual de la Asociación Latinoamericana de Artistas Plásticos y el de Pintura de la Bienal de la Universidad de Morón, en el oeste de Buenos Aires, cerca de donde reside actualmente, en la localidad bonaerense de San Antonio de Padua.
La producción artística en vidrio es una de sus últimas indagaciones y en diálogo con Télam explica la elección de este soporte: «En pintura yo venía trabajando lo acuarelado, lo chorreado, con mucha agua, porque había mucha transparencia entre capa y capa de color. Y esta vez busqué algo que me permita el trasluz y los contrastes con la opacidad y la temperatura. El vidrio tiene la transparencia y la temperatura», cuenta y ejemplifica: «la temperatura del volcán es más o menos los 800 grados y es lo mismo a lo que yo horneé cada pieza de esto».
La artista empezó a trabajar en esta producción en el año 2020 y desde entonces cada día horneó una pieza, pintó y volvió a encender el fuego del horno una y otra vez y en ese fuego quemó también las marcas indelebles de la vida, el «dolor que no prescribe», «la mala madre», para dar espacio a la creación artística: esta vez el vidrio, como acuarelas, con toda su belleza.
Al igual que en toda su producción, Barenghi da lugar al azar: si en el lienzo el agua que vierte y transforma con sus chorros en la pintura, ahora el fuego transforma los movimientos de los colores a su antojo. «Yo siempre trabajo con el azar porque la vida es así, no puedo controlar todo. Una puede disponer de algunas cosas pero no de todas y el arte lo concibo igual», dice la docente.
Para agendar
«Ritual» se puede visitar hasta mediados de enero en Villafañe 101, barrio de La Boca, distrito de las artes de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Para pautar la visita se debe contactar a través de las redes sociales al Colectivo Periferia o a la propia artista @norabarenghi.
Fuente: Ámbito ~ Alicia Candiani, Gustavo Amenedo, Julieta Warman, Silvia Rocca y Luciano Pozo representan al país en la muestra que cuenta con la participación de 60 artistas latinoamericanos.
5 artistas argentinos del Grabado exponen hasta el 5 de noviembre en la muestra ABYA Yala Structural Origins, Nueva York, Estados Unidos. Representan al país entre 60 artistas latinoamericanos participantes.
Alicia Candiani, de Buenos Aires; Gustavo Amenedo, de Buenos Aires; Julieta Warman, de La Plata; Silvia Rocca, de Avellaneda, Buenos Aires; y Luciano Pozo, de Junín, presentan sus obras en el evento New York latinoamerican art Trienal. La exhibición está ubicada en Bronca Art Space: 700 Manda St. Bronx.
Obra de Gustavo Amenedo.
Gustavo Amenedo
La muestra está organizada por Nylaat_org y está enfocada en mostrar producciones contemporáneas de artistas que fueron seleccionados para promover nuestra cultura latinoamericana, por el análisis en sus obras de temas ambientales, políticos sociales y migratorios.
ABYA Yala Structural Origins
«Abya Yala: orígenes estructurales» examina los diversos procesos y formas de creación inspirados en metodologías, materiales y conceptos tradicionales que se implementaron durante las diferentes etapas de crecimiento cultural e intelectual en el continente americano.
El proyecto explora la inevitable repercusión que tuvieron las generaciones pasadas en los valores estéticos, culturales o sociales presentes en el arte contemporáneo latinoamericano de hoy.
Fuente: El Ciudadano Web ~ Formado en los campos clásicos de las artes urbanas: el diseño gráfico, la ilustración, el mural, el collage y el tatuaje, Mauricio Dinelli ofrece un ajustado y prolífico imaginario estético del presente que parece, cada vez más, destinado a permanecer y multiplicarse. A la fecha, su obra más relevante titulada Próceres viajó de Instagram al Castagnino, de las redes sociales al Museo expandiendo en sentido inverso la pregunta por el lugar de las artes digitales en el porvenir institucional de las artes plásticas. Ese traslado de soportes, el pasaje de lo digital a lo analógico es un claro ejemplo de que las artes digitales, los artistas urbanos y las estéticas de masas se abren camino en los circuitos tradicionales de las Bellas Artes. ¿Si está impreso y expuesto sigue siendo arte digital? ¿Si es digital sólo puede proyectarse? ¿Cómo se digitaliza un museo? ¿En qué lugares se alcanza el status de arte o artista? ¿cuáles son las relaciones entre copia, reproducción técnica y obra original en los campos de la digitalidad? Con todas estas preguntas, Dinelli abre su arte al siglo XXI asumiendo el desafío de montar Vibrant, una Muestra de arte digital y NFT , la primera de la ciudad, en la que participaron más de 25 artistas rosarinos y de la región. Así aparece como la cara visible de una nueva comunidad de productores estéticos cuya potencia cultural conviene comenzar a tomar en cuenta.
Retratos de clase
Compuesto por una serie de máximas figuras populares de Argentina (Maradona, Charly, Spinetta, el Indio Solari, Fito Paez, Gilda, Sandro, pero también Lali, Duki, Cazzu, Dillom, Bizarrap, L-Gante y Trueno) el hábil magnetismo técnico de Dinelli explora los actuales entornos digitales de la representación contemporánea. Múltiples capas de tiempo se acumulan en su propuesta para devolvernos preguntas sobre nuestros modos de representar. Se muestra atento a las ilusiones épicas de la cultura popular – quizás la idea de pintar rostros y emblemas venga dada del tatuaje, uno de sus grandes oficios- y compone imágenes paradójicas que vehiculizan con humor, pero también con arreglo, las posibilidades éticas de una ficción que se masivizó e internacionalizó vía internet en la pandemia: la escena urbana de la música argentina contemporánea. Dinelli dibuja, primero, a los pioneros de un mercado popular y, cuando se deja arrastrar por la lógica de su arte, incorpora a los íconos del rock nacional, armando un circuito de las figuras artísticas del tiempo reciente montando escenarios y ambientes clásicos. ¿Quiénes están en condiciones de ser los próceres musicales de hoy y mañana? ¿cómo se institucionaliza a un grupo de figuras? Ordena una pregunta preciosista, caprichosa – en el sentido en que combina la arquitectura de una realidad fantaseada como en el capricho italiano- y para responderse va a los archivos del arte europeo de galerías. Por lo tanto, sus imágenes si bien resultan accesibles al espectador, no son obvias. Las referencias anudan y tensionan distintas capas de la cultura: lo alto y lo bajo, lo clásico y lo contemporáneo, lo masivo y lo popular. Así, nos encontramos con una apuesta que se asimila fácilmente, pero que atiende técnicamente a aquello que del pasado nos permite hacer futuro, Dinelli enmarca sus cuadros reinscribiendo del porvenir de una disciplina. Compone imágenes-tiempo lanzadas al porvenir de un campo artístico que está aún por hacerse y desliza su apuesta en el marco de una vanguardia cultural. Cuando le preguntamos acerca de ella, responde divertido: “con las artes digitales hago museo”. Y nos muestra una serie de artistas gráficos de distintas partes del mundo que también trabajan en lo que comienza a definir como una suerte de “Capricho digital”.
Imágenes profanas
Dinelli dixit “Me gusta recrear antiguos cuadros, emulando próceres o doncellas de época. Me interesa explorar en esos cruces estéticos y crear nuevas imágenes y atmósferas vinculadas al arte clásico, pero también a los iconos de nuestra cultura popular. Un cruce entre las figuras populares de la música y la cultura con el arte tradicional de la galería. Ese arte qué estaba sólo reservado para las clases altas. La idea es poner en tensión con este cruce estético esas dos ideas qué son bastante opuestas, pero qué crean algo nuevo. Muchas veces es tomado lo popular cómo provocación, al profanar los retratos de próceres, aristócratas o santos buscando poner en contacto el arte clásico con la vanguardia cultural de nuestros días.
Fuente: Arte-Online ~ Premio Franklin Rawson a las Artes Visuales 2022
05/09/2022 – 06/09/2022
Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson Av. Libertador Gral. San Martín 862 oeste
El Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson y Fundación Banco San Juan, lanzan la 3° convocatoria del Premio Franklin Rawson a las Artes Visuales 2022 con el fin de promover y difundir la producción artística local.
El MPBA|FR, el Ministerio de Turismo y Cultura de San Juan y Fundación Banco San Juan, invitan a todos los artistas SANJUANINOS o extranjeros residentes en la provincia a participar del concurso de selección y premiación de obras que integrarán la muestra central del Premio Franklin Rawson a las Artes Visuales 2022 y la adquisición de obra patrimonial a cargo de un prestigioso jurado.
PREMIOS ADQUISICIÓN
• 1er premio $ 250.000
• 2do premio $ 200.000
MENCIONES ESPECIALES (Sin adquisición)
• 1ra mención $ 30.000
• 2da mención $ 30.000
• 3ra mención $ 30.000
• 4ta mención $ 30.000
El Premio Franklin Rawson a las Artes Visuales tiene por objetivo seleccionar y premiar dos (2) obras adquisición que formarán parte de la colección permanente del MPBA|FR, y 4 (cuatro) menciones especiales -sin adquisición- como premio estímulo a las artes visuales de la provincia de San Juan. De esta manera se pretende reconocer, fomentar y difundir la producción artística local, como así también estimular la puesta en valor y sustento del trabajo de artistas de la provincia.
El primer premio será otorgado por Fundación Banco San Juan; el segundo premio y menciones por el Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson a través del Ministerio de Turismo y Cultura, la Secretaría de Cultura de la provincia y Agencia San Juan del Bicentenario. Para postular a la 2° convocatoria del Premio Franklin Rawson a las Artes Visuales 2022, se deberá completar el Formulario de Inscripción de manera virtual. Las consultas podrán hacerse a través del e-mail: premiofranklinrawson@gmail.com a partir del lunes 5 de septiembre, hasta el jueves 6 de octubre del 2022. Los/las artistas participantes deberán cumplir con los requerimientos establecidos para la convocatoria, respetando fechas del Cronograma y Ficha de Inscripción, disponibles en: www.museofranklinrawson.org
Fuente: Telam – La feria celebró sus 10 años desde este jueves en el pabellón verde del predio ferial de La Rural con la presencia de 300 artistas consagrados y emergentes que ofrecerán obras a precios accesibles.
Bajo la consigna de democratizar el arte y diluir las mediaciones entre artistas y coleccionistas, la feria BADA celebra sus 10 años desde este jueves y hasta el domingo en el pabellón verde del predio ferial de La Rural con la presencia de 300 artistas consagrados y emergentes que ofrecerán obras a precios accesibles, además de una oferta de actividades educativas que intentarán explicar algunas de las nuevas dinámicas que empujan este mercado, como el caso de los NFT.
«Tenemos en la entrada el caballo de Troya gigante hecho por Santi López«, cuenta Ana Spinetto, directora de BADA en Argentina, México y Madrid, sobre una novedad que se puede encontrar en esta nueva edición de la feria.
«Es su primera obra en formato gigante y la empezó a hacer durante la pandemia con maderas y se mandó un caballo de cinco metros espectacular que tiene espacio para que la gente entre y lo visite», detalla con emoción Spinetto en diálogo con Télam durante las primeras horas del evento en La Rural.
Foto: Pablo Añeli
El recorrido inaugural comienza con una invitación de la directora a repensar «el arte y la manera de comunicarnos». En la entrada, cerca del Caballo de Troya, una escultura de una niña azul, de Pablo Salvador Rocha, le da la bienvenida al público.
Luego de cortar un lienzo con los colores de la bandera argentina y de los aplausos sostenidos, los primeros visitantes accedieron al predio a través de un túnel de hierro elaborado por Fernanda Díaz, que constituyen una obra llamada «Portales».
Participan 300 artistas
La Feria BADA despliega una gran variedad de stands en las que conviven diferentes tipos de técnicas artísticas, soportes y propuestas, desde materiales clásicos hasta la incorporación de las nuevas tecnologías en los procesos artísticos. «Parte del trabajo que hacemos es que todas las propuestas sean súper variadas, entonces nunca se pierde la atención, de un stand al otro, todo es diferente», relata Spinetto.
Entre los primeros stands, se encuentra la exposición de Fabiana Barreda, artista y psicoanalista, que se distingue principalmente por una fuerte articulación entre el campo de la tecnología y las artes. Además, la artista acompaña sus obras con videos explicativos que sube a su cuenta de Instagram @fabianabarreadatheory.
«Gran parte de mi obra trabaja sobre la noción de cuerpo y hogar. Estoy trabajando proyectos multimedia, como collage digital y haciendo una arqueología de los sistemas decorativos de la década del ’50», explica.
Foto: Pablo Añeli
Por ejemplo, un cuadro de su autoría llamado «La señorita mantel» que es «un homenaje a Doña Petrona desde una reversión contemporánea» porque la relaciona «con la feminista Martha Rosler» y desarrolla «la perspectiva género y una reapropiación de lo que sería hoy ser mujer».
«Me interesa la unión entre arte y tecnología como estrategia política. A partir de las nuevas generaciones que ya trabajan sobre desarrollo de programas, hago una versión femenina para desarrollar objetos en 3D», explica la artista.
El arte digital y los recursos que surgen a partir de las nuevas tecnologías atraviesan toda la propuesta artística de BADA. «El Mercado de los NFT se está consolidando y creemos que va a ser un mercado de autenticidad de las obras. También, cuando se vende un NFT, el artista sigue cobrando un porcentaje cada vez que se venda una obra, cosa que no pasaba antes», explica la directora de BADA a propósito de la inclusión de esta temática en la feria.
Ya desde el primer pasillo, donde se pueden apreciar instalaciones hechas con materiales reciclados, como plástico y vidrio, hay códigos QR que invitan a acceder a las redes sociales de los expositores y a material teórico sobre las obras. Pero también, como es el caso de la ilustradora Carolina V. Garber, la tecnología se complejiza al punto de jugar con la realidad virtual. En este caso, la artista desplegó sus obras de manera digital en una galería ubicada en una playa que las personas pueden visitar colocándose los anteojos y manejando un control remoto. «Ahí ves todos los retratos digitales», adelanta Garber.
Carolina V. Garber, además de artista, es astróloga y tarotista. Sus obras, pintadas en óleo, juegan con estas temáticas y muestran criaturas que representan los distintos signos del zodiaco. «Me inspiro en los saberes y simbologías de la astrología y del tarot para crear. Y también, creo cartas inspiradas en los objetivos de desarrollo sostenible de la ONU. Todos los cuadros están hechos en NFT», explica sobre los distintos abordajes de su exposición.
Foto: Pablo Añeli
«Cuando alguien compra el NFT está donando para organizaciones y comedores. En este caso, para niños que padecen desnutrición infantil», cuenta y agrega que su vinculación con el mundo digital surgió «por curiosidad».
«Me encanta pintar con óleo y lo clásico pero también todo lo que tiene que ver con el meta verso. No podemos no mirarlo porque es lo que viene», advierte Garber.
Durante las primeras horas de la feria, algunos artistas todavía se encuentran terminando el armado de los stands. Tal es el caso del muralista Alfredo Segatori, quien sitúa un living intervenido en el espacio de exposición.
«‘Exabruptear’ es una serie que vengo trabajando hace varios años, al margen de la figuración con aerosol y murales con reciclaje, que tiene que ver con el ‘action painting’, como revalorización de un expresionismo abstracto que antes se hacía con el bastidor sobre el piso, que viene de Pollock o Siqueiros, si se quiere», explica Segatori.
Por un lado, abordar lo que está más relacionado con «lo espontáneo», permite que el artista plástico pueda plasmar su obra en diferentes soportes, muchas veces de grandes tamaños, como areneros. Por otro lado, para él, el término de exabrupto de color, está relacionado con su situación actual: «Pasando la quinta década, necesité una cuestión de libertad total. Quería sacarme el gusto de trabajar con la premisa de los colores, con unas máquinas que me armé como escopetas que tiran pintura para todos lados. Es una suerte de catarsis», cuenta Segatori quien, en esta oportunidad, no estará haciendo murales sino intervenciones sobre diferentes elementos que traigan los visitantes.
La feria BADA celebra sus 10 años desde este jueves y hasta el domingo en el pabellón verde del predio ferial de La Rural con la presencia de 300 artistas
Como parte de los nuevos y nuevas artistas invitadas que aterrizan por primera vez en BADA se encuentra Proyecto Calle, una propuesta fotográfica por personas que estuvieron en situación de calle. En el stand, participan Emilio Donato del Río, Damián Martín Génova, Roberto Palermo y Guillermo Galina.
«Jorge Mazzinghi comenzó con esta iniciativa solidaria hace como 17 años porque veía a gente en situación de calle y les dio una cámara. Así, a través de estas pequeñas y simples cámaras, nos hizo continuar una vida interrumpida», recuerda el fotógrafo Donato del Río y agrega: «A todos nosotros por A o por B, se nos cortó el sentido de la vida y gracias a la foto y a Jorge, pudimos encontrarle otro».
«Si vos no le das sentido a la vida en la vida no hay nada», reflexiona Donato del Río mientras saluda a las diferentes personas que se acercan a ver el stand. «A través del ánimo de Jorge, pudimos empezar a jugar. Alguno con más técnica, otros con menos pero lo importante era qué mirábamos en una situación de auxilio. No pensábamos en el que dirán», acota el expositor.
Damián Martín Génova, por su parte, explica que para fotografiar, «hay que captar el momento». «Salir a la calle y no pensar qué foto vas a sacar, sino dejar que sorprenda. Uno trata de mejorar la visión y que a la gente le guste lo que uno presente, más que hoy es el primer día en BADA», señala.
Antonella Aiassa también aterriza en BADA por primera vez, luego de vivir en Barcelona donde tiene una muestra fija en Casa Olea. «Uno de los propósitos de mi obra es generar paz», cuenta la artista y diseñadora.
Para ella, su obra «se integra muy fácil y muy bien» en cualquier tipo de espacio porque al tener una presencia sutil, trabajada con paletas neutras, «hace fácil apropiarse de la obra», cuenta sobre sus pinturas minimalistas que las personas pueden llevarse en formato lámina o en cuadros.
«Todos los artistas tienen por lo menos 10 a 15 mil pesos (además de los precios que cada artista coloca) y las modalidades de pago pueden ser en efectivo, tres cuotas sin interés con el Banco Francés y 12 cuotas con todas las tarjetas, por lo que se incentiva la compra de obras a partir de estas facilidades. Es súper accesible la propuesta», según detalla la directora de la feria y agrega que este año esperan «muchísima gente».
«El año pasado fue la primera feria post pandemia y nos visitaron 80 mil personas, fue una locura. La gente ahora se anima más y valoramos mucho el encuentro. Venir acá, hablar con los artistas, que cuenten que los inspiro a hacer la obra, como fue el proceso, es muy lindo», señala Spinetto en el marco del primer día de la feria BADA.
El Grupo Chomer levó a cabo la primera edición de su premio en asociación con Meridiano. Elba Bairon resultó ganadora.
Así se verá la explanada del edificio Selene, en Vicente López.
