Categoría: Entrevistas y Protagonistas

Fuente: La Nación – “Golosina emocional” y la “Escultura de los deseos”, que pudo verse en Lollapalooza, se presentarán el martes en un espacio público del Design District.

“Me encanta hacer algo en Miami porque es totalmente pop”, dice Marta Minujín a LA NACION sobre Dreamscape, su primer proyecto público en Miami, que consistirá en la instalación de dos de sus esculturas inflables en Jungle Plaza, en el Design District, desde el martes próximo hasta fin de mes. También se presentará allí el documental sobre su vida que se proyectó semanas atrás en el Malba y su reciente libro, Mis años en Nueva York.

Minujín conversará además en público con el visionarioCraig Robins, desarrollador de este barrio que combina tiendas de lujo, galerías, museos, tiendas de diseño, restaurantes e importantes instalaciones de arte y diseño. Junto con el Instituto de Arte Contemporáneo Miami (ICA Miami) y apoyo de la Fundación Ama Amoedo y Clarice O. Tavares, el Design District organizó la exposición de Golosina emocional y la Escultura de los deseos.

Esta última ya se pudo ver en Buenos Aires durante el festival Lollapalooza en 2019 y 2022, y en la Pinacoteca de San Pablo en 2023. Son similares a La escultura de los sueños, también de nueve metros de alto, que ya pasó por Times Square y la explanada del Palacio Libertad; hasta el 30 de marzo se exhibe en el Roma Convention Center y seguirá camino a Qatar. Otra se instalará en París, en junio.

“Esta nueva idea que tuve está fantástica, porque de pronto se está moviendo por todos lados –dice Minujín-. Por el hecho de ser esculturas inflables, son estructuras gigantescas que podés transportar en una caja no demasiado grande, que pesa entre 120 y 180 kilos, mientras que una de mis esculturas chicas de bronce pesa 120 o 140. Aparte la gente participa, entra y sale, oye cantos de pájaros, la pasa bien adentro, puede soñar, pedir deseos. Después atraviesan golosina emocional, para comerla con los ojos, con colores de caramelos. Todo súper pop, es la esencia del chicle globo. Todas estas esculturas son como si yo agarro, llego a Miami y soplo, y las esculturas aparecen. Es un soplido alegría y de vida. Bueno, todo mi arte es así: es la ideología que tengo yo, de que la gente la pase bien. Antes era el drama, pero voy cambiando.”

Las esculturas inflables de Minujín llevan a otra dimensión y materialidad, lo que permite al público vivir experiencias inmersivas, las obras con colchones reales pintados de colores que comenzó a realizar en la década de 1960. Con ellos realizó por ejemplo ¡Revuélquese y viva! Y Eróticos en technicolor, instalaciones con la que ganó el Premio Premio Nacional del Instituto Torcuato Di Tella en 1964.

Por Celina Chatruc

Fuente: Infobae – En la feria ARCOmadrid, la coleccionista y filántropa venezolana reflexionó sobre el desarrollo del arte de la región en la escena global durante las últimas décadas.

“El arte latinoamericano ya no es una moda pasajera; está integrado plenamente en el circuito”, afirma la coleccionista y filántropa venezolana Patricia Phelps de Cisneros, quien ha dedicado su vida a impulsarlo a nivel mundial, un trabajo por el que ha sido reconocida en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Madrid, ARCO.

“Ya hace tiempo que los museos, las universidades, las colecciones, las ferias, las bienales, incluyen el arte latinoamericano como algo natural, como parte fundamental de la historia del arte y del arte actual”, señala Phelps de Cisneros (Caracas, 1947), considerada una de las principales mecenas internacionales, y galardonada con el premio “A” Honorífico en la 44 edición de la Feria que cierra sus puertas este domingo.

Creadora en la década de los setenta junto a su esposo, el empresario Gustavo Cisneros, de la Fundación Cisneros (FC), con sede en la capital venezolana y Nueva York, es también referencia cuando se habla de descolonización en el arte y en los museos.

“En las últimas décadas, ha surgido un deseo natural de ampliar las referencias de la historia del arte para ser más inclusivo con otras culturas y otras geografías. He podido poner mi grano de arena para que se reconozcan los aportes de América Latina a la cultura global, así como otros lo han hecho para otras regiones del planeta”, dice.Fue galardonada con el premio “A” Honorífico en la 44 edición de ARCOmadrid (Photo by Matthew Lloyd/Getty Images)

La educación ha sido la base de la trayectoria de la coleccionista venezolana y del programa (La Fundación Cisneros) que levantó con el “apoyo incondicional de su marido”, fallecido en 2023, y encabezado ahora por su hija Adriana.

“No se podía tratar solo de una colección – remarca -, debía ser también un proyecto educativo, que pudiera organizar exposiciones en diferentes museos del mundo, prestar obras, publicar libros, organizar eventos y alianzas académicas, “todo para poder fomentar la curiosidad y la investigación sobre nuestro arte”.

“Fueron muchos años de esfuerzo que han llevado a un cambio de panorama sobre el arte latinoamericano. Hoy es parte intrínseca de la historia del arte universal”, valora.

En ese camino, considera “absolutamente fundamentales” a las instituciones, donde “se forman las personas y la historia”. Por eso, donó más de 400 obras a 12 museos y creó el Instituto Cisneros de Investigación en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), “para fortalecer y garantizar la presencia del arte latinoamericano a largo plazo”.

Para la venezolana lo más importante del arte es “la libertad de expresión y el apoyo a los valores democráticos”: “Sin eso no hay arte, y de allí viene su gran valor educativo para la sociedad. No es suficiente simplemente mostrar la obra de arte, es importante entender y apoyar la libertad espiritual e intelectual que tienen los artistas”.La coleccionista de arte y filántropa venezolana Patricia Phelps de Cisneros (EFE/Timothy Greenfield-Sanders)

Es consciente de que la irrupción de las nuevas tecnologías hace que la información fluya de manera más rápida también en este sector, pero le preocupa la preservación a largo plazo de materiales y archivos digitales, por lo que la Fundación Cisneros ha colaborado con el MoMA en un proyecto de ayuda que ya está disponible en la web del museo.

De ese futuro formarán parte los jóvenes coleccionistas de hoy, a quienes la filántropa recomienda que “se lo piensen muy bien”, que tengan claro un objetivo a largo plazo, y que consideren toda la responsabilidad que significa cuidar bien de las obras y de los legados intelectuales que representan.

“Es relativamente fácil adquirir una obra, pero luego hay que cuidarla, documentarla, compartirla, y eventualmente encontrarle un destino adecuado. Además siempre recomiendo que sean cercanos y apoyen a los museos de sus ciudades”, indica.

Muchos de los nuevos coleccionistas han elegido Madrid como base para sus proyectos, lo que parece estar convirtiendo “sin duda” a la capital española en foco para el arte latinoamericano, según Phelps de Cisneros.

“A todos les recomiendo que pasen muchas horas en el Museo de América que tiene una de las grandes colecciones hispanoamericanas y prehispánicas del mundo, y donde se puede aprender muchísimo”, concluye la venezolana.

Fuente: Ámbito – Tras un silencio de años, el destacado artistas inaugurará el jueves 13 en el Malba la muestra «Kuitca 86». Su obra siempre estuvo vinculada al cine, la literatura, la música y, sobre todo, al teatro.

La muestra que inauguró hace 22 años Guillermo Kuitca (1961) en el Malba convocó 15.000 visitantes durante la primera semana de exhibición. El jueves 13, el Malba presentará “Kuitca 86”. La muestra se inicia con la serie “Nadie olvida nada”, la camita que es un mundo además de la imagen más reconocible del repertorio del artista. A partir de allí, el acento estará puesto en la connotación espectacular -en el sentido más genuino del término- a través de sus recurrentes pinturas de los teatros. El arte de Kuitca está ligado al cine, la literatura, la música y, sobre todo, al teatro. Su pintura es arte escénico y arte de los escenarios también. Con la muestra “Siete últimas canciones” de 1986, conquistó un primer puesto en la escena global.

Hace exactamente 30 años, en 1995, cuando ya era una estrella, habló con la revista “Cultura” sobre su trayectoria, su vida y la felicidad que le procuraba durante su juventud integrar el mundo del arte porteño. Y así lo dijo: “Muy tímidamente comencé a frecuentar las galerías. Como mis padres me enviaban a la Asociación Cristiana de Jóvenes a hacer gimnasia, cosa que yo odiaba, iba a recorrer las galerías de la calle Florida y de la Galería del Este. Tenía trece años. A esa edad vi por primera vez una muestra de Rómulo Macció y me impresionó enormemente. El exponía simultáneamente en una galería que se llamaba Chagall y en Víctor Najmías. Hasta ese entonces yo no había tenido un encuentro importante y revelador con el arte argentino.»

«Uno cree que el mundo del arte es inaccesible y después se da cuenta de que es un mundo tan chico y tan vulnerable… Tuve amigos muy queridos. Nunca voy a olvidar mi amistad con Diana Aizenberg, Martín Reyna, Prior, Pablo Suárez, Marcia Schvartz, Wells… Después, Josefina Robirosa, fue una de las personas mejor dispuestas hacia el nuevo grupo que se había formado en 1982. Cuando más tarde me fui afirmando en el medio, aquí y allá, nunca dejé de sentir que me recibían con la mejor predisposición. Fueron años buenísimos, del mayor esplendor. El Buenos Aires que descubrí en ese entonces era fascinante, a pesar de que fueron años muy revueltos: la guerra de las Malvinas, el fin de la dictadura. Los agujeros negros de su propio lugar uno los comienza a sentir con el correr del tiempo. Sin embargo, en ese momento parecía un mundo perfecto. Era perfecto. Jorge Glusberg siempre organizaba muestras y del CAYC surgieron en los años 80 las famosas agrupaciones que él hacía. A mí me tocó estar en ‘La nueva imagen’”. Kuitca señala que, como siempre, tenía diez años menos que los artistas del grupo.

Durante esos distendidos encuentros, el episodio con el Museo Nacional de Bellas Artes ocupó un lugar importante (un caso para analizar, con curiosas derivaciones). Kuitca habló libremente sobre su relación con el mundillo del arte, sobre su infancia, la precocidad y todo lo que llegó con el éxito: los años locos, los viajes y la relación con el dinero. Entre estos temas, figura la génesis de las becas y sus propósitos educativos, el genuino interés por la formación de los artistas argentinos.

Hoy, su público, los artistas y conocedores en especial, esperan la muestra con verdadera ilusión, quieren ver arte, reencontrar la ansiedad y la belleza de la obra, el conceptualismo, la poesía y las cualidades que él mismo describe. “A mí me gusta la pintura, lo pobre de la pintura, lo restringido y la dificultad”.

Por lo demás, Kuitca expresó hace 30 años sus ideas y estableció diferencias entre el arte por el arte o el arte con contenido. “Mi obra se fue haciendo con preguntas muy pero muy elementales. ¿Quién soy? ¿Qué hago? ¿Adónde voy? Son preguntas que tienen un tufo existencial muy grande, pero que a mí me resultan muy actuales”. Señaló entonces la supremacía del “enorme grupo que quiere reinsertarse en lo que sería el discurso sociopolítico del arte. O sea, volver a recuperar las artes visuales como un lugar de cuestionamiento y crítica a todo lo que son identidades políticas, raciales, sexuales”. Las expresiones del ayer retratan el mundo de hoy.

Finalmente, el diálogo parecía llegar a su fin con una afirmación tajante: “Me gusta la emoción en el arte, quiero que mis obras causen emoción. Todo lo demás me parece poco”. Por cierto, los temas de entonces, la desolación, la búsqueda frustrada de la felicidad y la vulnerabilidad del hombre, suscitaban emoción. “No niego que a esta altura soy consciente de esa especie de poesía del dolor que me sigue desde chico”, sobre esta circunstancia observó que no tuvo experiencias dramáticas que lo justifiquen. Pero afirmó que siente la pulsión de hacerse cargo del dolor humano. “Creo que cuando comencé a pintar los mapas y las plantas de los departamentos tenía la intención de abandonar ese planteo tan literal del dolor. Con la mayor ingenuidad comencé a trabajar con ese material supuestamente frío, pero sucedió que automáticamente se convirtió en un producto mucho más dramático. Al abandonar la anécdota, el dolor queda más expuesto”.

La conversación culminó con un regalo inesperado: algo así como una clase para comprender el sentido de su obra. “Mi verdadero trabajo es manipular elementos. Sucede que para realizar una obra de arte uno tiene demasiadas herramientas, y creo haber encontrado, a veces, la herramienta precisa, la que “ese” clavo necesita. Por otra parte, manipular también significa encontrar la medida, el punto exacto para que el espectador no se sature. Por eso hay cuadros que pegan”. Y puso como ejemplo una imagen elegida al azar que afianzó y facilitó la comprensión: un rastro de rouge en una copa. Kuitca es sumamente habilidoso para dejar rastros que movilizan la percepción. “Hay que trabajar duro para que se encuentre la magia de uno con la magia de los demás”, concluyó.

Fuente: Clarín – Mirándola a los ojos, Eduardo Costantini, el fundador del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), le dijo a la reina emérita Sofía de España: “Es un gran honor para mí haber recibido este diploma de sus manos”.

Fue luego de que doña Sofía, este lunes lluvioso, le entregara el X Premio Iberoamericano de Mecenazgo en la categoría de Mecenazgo Latinoamericano 2025 durante una ceremonia en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, sobre la calle Alcalá de Madrid.Eduardo Costantini recibió el Premio Iberoamericano de Mecenazgo 2025.

Aquí, a las seis de la tarde, la reina emérita, vestida de turquesa, entregó la distinción a Costantini y a los otros dos galardonados: el curador Simon De Pury, quien recibió el Premio de Mecenazgo Español, y la Fundación Pollock-Krasner, que obtuvo el Premio de Mecenazgo Internacional.

Estas distinciones son la principal iniciativa de la Fundación Callia, una institución española que nació hace doce años con la intención de “difundir la actividad de los grandes mecenas de nuestro tiempo y que sean un espejo en el que mirarse”.

Conmovido

Costantini reconoció sentirse conmovido “porque es darle más visibilidad al arte latinoamericano.Recibir este diploma me conmueve -admitió-. Recibo este diploma en representación de todo el equipo Malba, de la institución, y quiero agradecer a mi gran familia, a mi gran familia, que somos muchos, a mi esposa, Elina, y a Kahlo Milagro, que tiene solo 40 días.”La reina Sofía posa con los galardonados Eduardo Constantini (2d), Simón de Pury (i) y Caroline Black (d), de la Fundación Pollock-Krasner (d) durante su asistencia a la entrega de los ‘Premios Iberoamericanos de Mecenazgo’, este lunes en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid. EFE/ Borja Sanchez-trillo

“Gracias por crear un espacio que se ha convertido en un referente en el mundo y un pilar para el arte latinoamericano”, fueron las palabras que le dedicaron a Costantini en el salón de la Real Academia de Bellas Artes, que fue fundada a mediados del siglo XVIII durante el reinado de Fernando VI.

Sonaba de fondo la Toccata y fuga de Bach cuando la sala, con capacidad para poco más de cien personas, se fue poblando.

Asistieron la secretaria de Estado para Iberoamérica y el Caribe y el Español en el Mundo, Susana Sumelzo, y el secretario de Cultura de la Argentina, Leonardo Cifelli, quien anunció que Eduardo Costantini será distinguido también en Buenos Aires, a mediados de año, por su contribución a la cultura.

“Está en la naturaleza del mecenas la interacción personal. Uno es uno porque existen los demás. En los otros me veo y me reconozco. Es la naturaleza del ser humano y el mecenazgo nos lo pone ante los ojos”, dijo a su turno la presidenta de la Fundación Callia, Carmen Reviriego.Premios Iberoamericanos de Mecenazgo en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid. EFE/ Borja Sanchez-trillo

Una declaración de amor

“Los Premios Internacionales de Mecenazgo son una declaración de amor a nuestros mecenas, que a través de su compromiso con el arte contribuyen a construir una sociedad más sensible y humana, y por lo tanto, más fraternal”, fue su definición de los premios.

Costantini fue homenajeado porque así lo resolvió un jurado integrado por Max Hollein, director del Metropolitan Museum of Art de Nueva York; Pilar Lladó, presidenta de Fundación Amigos del Museo Reina Sofía; Tomás Marco, director de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando; Charo Izquierdo, patrona de Fundación Callia, y su presidenta, Carmen Reviriego.

La ceremonia, que duró menos de media hora, cerró con la cantaora andaluza Estrella Morente que, en honor al premiado argentino, entonó estrofas de Volver. Con un mantón en tonos violáceos que, según la cantaora, es el favorito de la reina emérita Sofía, Morente interpretó el tango de Gardel en una versión con toques de flamenco.La reina Sofía aplaude tras entregar el galardón a Eduardo Constantini en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid. EFE/ Borja Sanchez-trillo

Confesiones de un coleccionista

El domingo, un día antes de la premiación, en el auditorio del Ayuntamiento de Madrid, Eduardo Costantini dialogó con Carmen Reviriego sobre su pasión por el coleccionismo.

“Vi en el coleccionismo una función social -dijo Costantini-. La obra de arte tiene que ser compartida con la gente.”

Contó luego que el 21 de septiembre de 2001, meses antes de la peor crisis que desangró a la Argentina, nació MALBA y que hace unos meses, también un 21 de septiembre, pero de 2024, abrió sus puertas MALBA Puertos, a unos 50 kilómetros del museo matriz.

Confesó que su relación con el arte fue “espontánea y nació cuando yo tenía veinte y poquitos, hace más de 50 años. Cuando tampoco tenía dinero. Compré en cuotas”. Y luego repasó las peripecias detrás de algunas de sus adquisiciones más notables.Eduardo Costantini con el Abaporú de Tarsila do Amaral.

Sobre cómo logró comprar «Abaporu», la pintura de la brasileña Tarsila Do Amaral, de 1928, contó: “Su propietario, un agente de bolsa, quebró e intentó venderla en Brasil. Nadie se la compró durante seis meses. Apareció en Christie’s. Mi amigo Ricardo Estevez, que fue mi mentor, me dijo que tenía que comprarla. Peleé con un grupo brasileño que había alquilado una suite para festejar. Pude comprar la obra. En el año 95, costó 1.300.000 dólares. Fue un escándalo en Brasil”.

Sobre «Autorretrato con chango y loro», la obra que Frida Kahlo pintó en 1942, agregó: “Fue récord en el arte latinoamericano durante siete años. En ese momento me salió 3.200.000 dólares”.

Y le dedicó unas palabras a uno de los últimos gustos que se dio: Las distracciones de Dagoberto, de Leonora Carrington, de 1945. “Fui a comprarla Nueva York en la década del 90. Tenía una base, no recuerdo bien, pero de unos 150.000 dólares. Empezó a subir y llegó a un valor de unos 400.000. La dejé pasar. La perdí y toda mi vida me arrepentí. Pasaron los años y apareció el año pasado en un remate. Fui pensando que la iba a comprar mucho más barata pero me salió 28 millones de dólares”.