Categoría: Entrevistas y Protagonistas

Fuente: Clarín – Símbolo de la vanguardia de los 60 en la Argentina, la obra de Marta Minujín se exhibe en el Copenhagen Contemporary de Dinamarca. De allí irá al Reina Sofía, a Bruselas y a la Tate Liverpool.

Comenzó la primera gira europea de La Menesunda, la mítica obra que en 1965 convirtió a Marta Minujin no en famosa –que para entonces ya lo era–, sino en popular. Uno de los primeros environments, o instalaciones inmersivas de la historia del arte que, en palabras de los artistas en esa época, de sólo ver o atravesar “intensificaba el existir”.

La gira, que arrancó en el Copenhagen Contemporary de Dinamarca, surgió por pedido de Helen Legg –directora del Tate Liverpool–, y Kasia Redzisz –actual directora artística de KANAL, el Pompidou de Bruselas–. Fue a partir del interés de ambas que se inició hace cinco años un trabajo de coproducción entre el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y la Tate Liverpool, con el objetivo de adaptar este monumental laberinto a sus distintas arquitecturas.La imponente fila para ingresar a La Menesunda.

Después de su debut en Copenhagen, con formato de fiesta gratuita y con la presencia de la reina latinoamericana del pop, La Menesunda pasará por el Reina Sofía en Madrid; KANAL en Bruselas y la Tate Liverpool en Reino Unido. Allí la obra forma parte de una muestra titulada Intensify Life que integra más de sus grandes trabajos, como el templo de colchones Soft Gallery (1973) o el universo colorido y musical ¡Implosión! (2021).

La Menesunda es un símbolo de la vanguardia de los años 60 en Argentina. La palabra menesunda buscaba evocar la sensación de inquietud, confusión y caos. Fue una pieza vital en la generación de un encuentro entre el arte y la cultura popular: quienes la visitaban, se encontraban con situaciones extrañísimas que podían ser tan incómodas como divertidas, en once habitaciones distintas.El pasillo de neón, de La Menesunda.

Un túnel de neón que emulaba el brillo y frenesí de las calles del centro; un cuarto con olor a pollo frito; una cueva con televisores –que eran entonces una absoluta novedad en el país– permitían a muchos ver aparecer su imagen por primera vez; un salón de belleza donde los espectadores podían sentarse a que los maquillen; un cuarto chiquito y oscuro con olor a consultorio de dentista potencial provocador de ataques de claustrofobia; otra con bajas temperaturas que parecía ser el interior de una heladera; o un dormitorio con una pareja en ropa interior metida adentro de una cama leyendo el diario, que hacía al visitante experimentarse como usurpador en departamento ajeno.

Lo que buscaban junto a Rubén Santantonín, según contó la artista en 2015, era estimular la sensación de sorpresa. La obra era una experiencia física, y de sólo habitarla la vida se sentía más salvaje, intensa y grande. Al cabo de dos semanas se desintegró, y su huella quedó solo en los diarios y en el cuerpo de aquellos que la transitaron.En el Copenhagen Contemporary, junto a Victoria Noorthoorn, directora del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.

Originalmente se presentó en el Di Tella y cientos de porteños se agolpaban en una cola en la calle Florida, bloqueando las entradas de las boutiques y provocando miradas y cuchicheos entre los transeúntes. Esperaban, pacientes, para ingresar de a uno. Un proyecto de una magnitud descomunal que se convertiría en el escándalo del año, pero también uno de los grandes hitos de la historia: el arte argentino avanzaba hacia una nueva era.

Fue reconstruida por el Moderno en su sede en 2015, donde la visitaron más de 65 mil personas, y luego viajó en 2019 al New Museum de Nueva York. Cuando la hizo, Marta tenía 22 años. Iba y venía entre Buenos Aires, París y Nueva York. “Di Tella era un mundo sofisticado y esnob, a mi me interesaba el gran público, no el de pequeña galería o museo. Me interesaba la calle, la señora que compraba gallina en el supermercado. Quise con ese laberinto despertar en la gente aspectos que no conocían de sí mismos”, contaba en 2003. “No ganaba plata yo con eso, ganaba eternidad”.

Fuente: La Gazeta – Sebastián Galo Maronese es un destacado artista plástico de 51 años quien creó una carrera marcada por la versatilidad y la innovación. Alumno de maestros de la talla de Ricardo Garabito y Clorindo Testa, Maronese estudió diseño en la Universidad de Palermo y realizó más de 40 exposiciones colectivas, entre las que destacan su participación en el Centro Cultural Recoleta y Puro Diseño en Palermo. Con nacionalidades argentina e italiana, reside en La Barra, Maldonado, Uruguay, donde continúa produciendo obras desde su atelier.

Además de su trayectoria artística, Maronese ha sido un firme defensor de la sustentabilidad. En Maldonado, construyó con sus propias manos una casa de 220 metros cuadrados utilizando materiales reciclados, como ladrillos cocidos y bloques, y redujo al mínimo el uso de electricidad. El diseño de la casa incluía un innovador sistema de desagües que permitía que el agua se infiltrara en la tierra, nutriendo el jardín y la huerta de manera continua.

A lo largo de su carrera, publicó tres libros, dos discos y cuatro revistas de arte de distribución gratuita. También es cocreador de los colectivos de arte contemporáneo Orgánico y Agapanto, y ganó importantes premios en diseño y arte, como el Primer Premio de la Universidad de San Luis y el Primer Premio de la Fundación Le Corbusier.

-¿Qué te inspiró a comenzar a crear arte a partir de materiales reciclados?

Estoy comprometido con el medio ambiente hace más de dos décadas y decidí que forme parte también de mi trabajo como artista. Creo que contaminar es un acto de injusticia. De nuestra especie a la Naturaleza que nos da absolutamente todo. El hombre no puede fabricar la tierra ni las semillas. Mucho menos el agua.

¿Te fijaste en lo increíble que es una semilla? Eso no es magia. Agarras una cosita ínfima, la metes en la tierra, la cuidas, la regas y crece un árbol gigante o aparece comida. No me deja de asombrar esta maravilla.

Desde mi posición como artista aporto mi humilde suspiro para reducir al máximo la huella de carbono. Reciclar, reutilizar y no consumir más plástico.

-¿Cómo eliges los materiales que utilizas en tus obras? ¿Hay algún tipo de material que prefieras trabajar?

Me gusta mucho el papel y salgo a recuperarlo a la noche por las calles de Balvanera.

Mi experimentación en la utilización de pigmentos naturales me llevo 24 meses hasta llegar al punto de entender las reacciones de los jugos, cómo adhieren al papel y la tela. Cómo envejecen y si se asocian o rechazan al momento de amalgamarlos.

Por ejemplo, lo último que estoy haciendo es que entendí como funciona el aceite de lino en el papel. Este se mete en los espacios y transparenta lo opaco. En este proceso cuando pintas con vino o yerba mate se opaca de vuelta el papel pero queda como en un segundo plano, me gusto mucho este proceso.

El jugo de la cáscara de mandarina, por ejemplo, parece transparente pero al oxidarse en el papel se transforma en casi tornasolado.

-¿De qué manera el concepto de sostenibilidad influye en el mensaje que quieres transmitir con tu arte?

Soy fanatico de la  naturaleza y de la geometría y ambos tienen una coherencia colaborativa entre sí. Para mi uno es el fiel reflejo del otro, yo solo soy un vehículo que lo tangibiliza en un formato que algunos le dicen arte.

-Aparte de la pintura, ¿qué otras obras haces?

Hago música que es otra manifestación matemática pero de manera auditiva y estoy trabajando para formar una obra integral, donde se van a unir lo musical, lo escrito y lo plástico en una especie de estofado sensorial.

-¿Qué mensaje transmiten tus obras y en qué te inspiras?

Me inspiro en Dios y en la matemática, como percibimos  su mensaje que para mí es mágico. En el antiguo testamento él dio medidas muy precisas para que construyeran el tabernáculo y el arca. Siempre venere esta sabiduría, lo armónico y bello se subordinan a la función y dan un todo perfecto. Las proporciones áureas son un fiel reflejo de esto y es un llamado muy profundo si se analiza bien.

-¿Qué importancia le das a la estética versus el mensaje en tus creaciones?

Creo que van de la mano. No me llaman la atención los artistas que quieren impactar, me gustan los artistas sinceros. Percibir la sinceridad es un ejercicio de años. Una vez Marta Minujin me dijo que ella se daba cuenta cuál artista era sincero  y cuál no lo era tanto. Clorindo y Federico Manuel opinaban lo mismo en charlas esporádicas que teníamos en torno a este tema.

-¿Cuál es el equilibrio que buscas lograr?

Es una buena palabra, porque creo que ver arte justamente lo que hace es equilibrar al receptor de la obra, una especie de lenguaje que dispara en el individuo la familiaridad de otro lugar. Uno más bello -seguramente-.

-¿Cómo crees que el arte reciclado puede transformar la manera en que las personas perciben los desechos y su potencial?

La transformación viene para mi viene de expandir todos los días la percepción de las cosas con esta idea aparecen los recursos.

-Contanos sobre el lugar que elegís para hacer tus exposiciones

Solo expongo en La Dama de Bollini hace 20 años. No me gustan las galerías de arte, parecen bóvedas de la chacarita. A muchos amigos míos los condicionaron mucho y son más un evento social que un lugar para admirar y comprar arte.

Lionel, el dueño de la Dama, es una persona que entiende realmente al artista. Tiene mucha experiencia lidiando con nosotros, con músicos y escritores hace más de 40 años -incluido, por ejemplo, al gran Jorge Luis Borges-. Te aseguro que en la Dama se respira y transpira arte.

-Un poco de la historia..

La Dama de Bollini es un refugio cultural escondido en el barrio de Recoleta, donde el tiempo parece detenerse. Este espacio, ubicado en el Pasaje Bollini, conserva el encanto de lo antiguo y la autenticidad que caracteriza a los lugares con historia. Con su ambiente bohemio, paredes tapizadas de arte y fotografías, y una luz tenue que invita a la conversación, La Dama de Bollini es un punto de encuentro para artistas, estudiantes, vecinos y todos aquellos que buscan una experiencia íntima y única.

Su esencia evoca una Buenos Aires pasada, donde figuras como Jorge Luis Borges y María Kodama compartieron momentos. La vida nocturna iba más allá de la música y las bebidas, y era un verdadero crisol de culturas y expresiones.

Este rincón especial, resistió el paso del tiempo y los cambios en la ciudad, escenario de infinidad de historias y recuerdos. A pesar de los desafíos que enfrentan muchos bares tradicionales, logró mantenerse fiel a su espíritu original, conservando ese carácter que invita a descubrir el arte, la literatura y la bohemia en cada visita.

Es un lugar donde los visitantes no solo disfrutan de una copa o una charla, sino también de la nostalgia de una Buenos Aires que sigue viva en cada rincón de este pasaje.

Fuente: Clarín by Susana Reinoso – El Centro de Arte Contemporáneo de Copenhagen le dedica la muestra Intensify Life.Hubo filas de público que se abalanzaron sobre los colchones multicolores.Además, se internaron en La Menesunda.

Tras la presentación en su mega estudio-galería de Buenos Aires, de sus novedosos overoles, foulards y pañuelos con su firma, al mejor estilo de las grandes marcas francesas, inspirados en sus obras coloridas y llenas de vida, Marta Minujin alzó vuelo hacia Copenhague, capital de Dinamarca.

En esa ciudad, una de las más caras de Europa, el Centro de Arte Contemporáneo de Copenhagen (CC), uno de los más relevantes del norte del viejo continente, se presenta una exposición monumental que bien pudo titularse “Toda Marta”, pero se llama Intensify Life.

Fue inaugurada días atrás con filas de público que se abalanzaron sobre los colchones multicolores y se internaron en «La Menesunda», además de disfrutar el color de los gigantescos cuadros. El espacio cultural danés se rindió ante la artista argentina, que no solo es una figura prominente del pop latinoamericano, sino que es una de las más destacadas artistas conceptuales.Intensify Life, la muestra que dedica a Marta Minujin el Centro de Arte Contemporáneo de Copenhagen. Foto: gentileza.

La sociedad de Dinamarca, que una puede suponer más distante que otras europeas, se atrevió a interactuar con las instalaciones montadas y llenó el Centro de Arte Contemporáneo.

«Galería blanda», «Nido de hornero» e «Implosión» fueron las tres instalaciones inmersivas que invitan al público, además de los colchones y en otra espaciosa sala, «La Menesunda», creada por primera vez en 1965.

Del happening al la performance, de la instalación al videoarte, Marta Minujin llega más de 60 años influyendo en nuevas generaciones de artistas contemporáneos.

Esta es la primera gran muestra de Marta en Europa para que los visitantes conozcan sus instalaciones efímeras y monumentales, la enorme escala de sus pinturas, sus esculturas blandas y sobre todo su amor por el arte.Intensify Life, la muestra que dedica a Marta Minujin el Centro de Arte Contemporáneo de Copenhagen. Foto: gentileza.

Hasta el último aliento

“Voy a trabajar hasta el último aliento. Si dejara, me moriría”, nos dice la artista pop en su estudio durante la presentación de sus overoles que oscilan en los 900 dólares. A no desocmpensarse: los foulards y los pañuelos tienen precios más acordes a la realidad argentina que tampoco sintoniza con los de Europa en materia de diseño de ropa .Intensify Life, la muestra que dedica a Marta Minujin el Centro de Arte Contemporáneo de Copenhagen. Foto: gentileza.

Para la directora del Centro de Arte Contemporáneo de Copenhagen, Marie Laurberg, esta gran exhibición de Minujin es una verdadera “novedad para nosotros es una auténtica novedad poder presentar a Marta Minujín en una exposición completa. Es una potencia virtual y totalmente única. Ha sido pionera toda su vida, desarrollando una práctica de artista profundamente original, que es de entera actualidad. Todo ello basado en una visión sobre “intensificar la vida”.

Luarberg agregó que “ver su arte debería simplemente hacer que la vida se sienta más salvaje, más grande y más intensa. Minujín es una de los gigantes del arte que el público europeo aún tiene que experimentar, y nosotros esperamos darle una presentación a gran escala. El arte debe intensificar la vida!”.Intensify Life, la muestra que dedica a Marta Minujin el Centro de Arte Contemporáneo de Copenhagen. Foto: gentileza.

Una artista de vida intensa

Minujin destila vida. Nada la detiene. Siempre está inventando cosas nuevas. Esta exhibición de Dinamarca permanecerá hasta abril del año próximo. Pero la agenda de la gira ya está armada. Como si ella sola fuera los Rolling Stones. En 2025 la expo llegará al Centro de Arte Reina Sofía, de España. Seguirá en Bruselas, Bélgica en 2026 y cerrará, por ahora, en el Tate Liverpool en 2027.

La participación del Museo de Arte Moderno, a cargo de Victoria Noorthoon, en el armado del andamiaje que desembarcó en Dinamarca es de destacarse.

Mientras tanto se filma el documental de esta gira itinerante, a cargo de Alvaro Rufiner como director de cámara bajo la mirada de los exitosísimos realizadores Mariano Cohn y Gastón Duprat, autores de tantos éxitos cinematográficos.

Solo un dato más para el estribo: en noviembre la infatigable Marta Minujin ya estará en Buenos Aires para comenzar el armado y montaje de una nueva instalación efímera en la puerta de Fundación PROA.

Fuente: La Nación – María Santi, que siempre se dedicó a la pintura, hoy se aboca a las instalaciones o a los grupos de pintura sin marco y aprender de los artistas del mundo.

Si la impresión al llegar era buena, el plan era quedarse cuarenta días. Pero si el lugar o la dinámica no resultaban, de inmediato torcería el rumbo hacia Europa, donde viven sus hijos, antes de pegar la vuelta a la Argentina. Ése era el acuerdo al que había llegado la artista visual María Santi con su marido cuando decidió aplicar para una residencia de artistas en China. Claro que su naturaleza aventurera no le permitió aceptar la idea de contratar un tour para que, al llegar al país desconocido y lejano, la llevara segura al destino artístico.

Fue así como, mediante señas y sin poder contactarse –allá no usan WhatsApp, Instagram o Facebook y se necesita una aplicación que funciona “como una antena que te conecta con Occidente”, pero que en un principio no le funcionó– aterrizó y pasó cuatro días de estrés hasta que llegó a la residencia para artistas y todo dio un giro de 180 grados. Egresada de la Universidad Nacional de La Plata (UNLP) con el título de licenciada en Artes Plásticas y Orientación Pintura, María Santi siempre se dedicó a la pintura. Hoy lo suyo son las instalaciones o grupos de pintura sin marco.

A sus 53 años, con tres hijos ya grandes (Estanislao, de 32 años, vive en Berlín; Delfina, de 39, en Barcelona, y Nicanor, de 27, en La Plata), hace tiempo que recorre residencias para artistas en el mundo. En otras ocasiones las elegidas fueron las de Leipzig, Berlín, Finlandia y San Petersburgo, y su próximo objetivo es Austria. Claro que lo que suma cada experiencia “depende de la residencia, porque está vinculado al contexto. En general, te permiten conocer a otros artistas y trabajar muchas veces, como en el caso de China, con todo pago. Y suma gente interesada en lo que hacés. En Buenos Aires estoy sola en mi taller, trabajo sola todo el día”. Un plus es conocer otras formas de vida y acercarse a diferentes culturas.

Respecto a la obra en sí, “en cada residencia hago una vinculada a ese lugar. Siempre hay una obra en particular que trabajo en vínculo con ese contexto”. A nivel personal, una nueva residencia implica un crecimiento: “Me transforma ver cómo me hallo sin la estructura que tengo armada acá” ¿Y por qué China? “Me interesa mucho aprender de otras culturas, y siento que esa es muy lejana a nosotros”.

Buscando opciones en China, apareció la residencia en Chengdu, donde aplicó con un proyecto sobre el pliegue: colecciones grandes de pinturas que forman una sola obra. Cada tela está cortada, sin marco ni nada que la tense. Junto con el acrílico, la tela es plegada, logrando que tenga cuerpo. “La pliego y después la estiro. Son obras geométricas, yo soy pintora abstracta. Apliqué justamente comparando el pliegue que trabajo con el pliegue del origami oriental”.

Llegar a la residencia fue encontrar la paz y un mundo totalmente nuevo e inspirador. Con parque, museo, galería y restaurante, el lugar era una especie de aldea en la que abundaban jarrones, estanques, flores y plantas. En su habitación estaba el estudio con vista a un jardín. “La gente de la residencia era muy profesional y construí un vínculo divino con ellos. Voy a volver”. El éxito de su obra fue tal que llegó a las redes sociales de influencers del lugar.

La artista se encontró con todos los materiales a su disposición. “Allá los bastidores eran gruesos, con una tela espectacular, con los pomos de pintura enormes y pinceles que eran una belleza”. La rutina de trabajo ocupaba todo el día, que se interrumpía solo a la hora de las comidas. Parte de la obra allí producida queda en la residencia –montada en el museo– y el resto pertenece a la artista. “Tendría que haber dejado tres cuadros, pero dejé seis”, señala. Con esos cuadros el proyecto es hacer allí una exhibición y la proyección de una película sobre su trabajo.

“La residencia funciona como una empresa de arte. Manejan todo el arte de la provincia, son partnerships de varias empresas y tienen convenios con las universidades de la región. Ellos son los dueños de la obra”. ¿Lo más impactante de la experiencia? “Sentí que llegaba al futuro. En la residencia me impactó todo lo que me proveían; había un montón de jarrones y de bibliotecas y eso fue lo que decantó en la obra final. Todo hizo que a la tela le diera un 3D, las pinturas son como jarrones”, describe. Por supuesto, la cultura ancestral china marcó también a la artista. “Lo cultural está inserto, mezclado con la naturaleza”.

A futuro, María Santi sabe que la experiencia tendrá impacto en su obra. “Yo estaba en la búsqueda de algo bien distinto. Me encanta el dorado y me gustaba esto del brillo y del fake. Pinté mucha tela con pinturas doradas para armar una colección que probablemente se llame Tesoros del Futuro, porque está vinculada a China, a todos los museos que visité y a lo que exponían. El dorado estará más presente en mi obra. No lo venía trabajando tanto”. En cuanto a las técnicas, antes del viaje ya había incursionado en los plegados y se había alejado del bastidor. A este trabajo previo le agregó otra mirada: “Le puse como un punch más entre el oro, el dorado, más esto del 3D de los jarrones”. Cada viaje, un crecimiento.