El arte argentino dice presente en Art Basel Miami Beach

Fuente: Télam ~ Siete galerías argentinas participarán de la feria internacional que cumple 20 años y se realizará del 1 al 3 de diciembre. También habrá exposiciones individuales de argentinos como Adrián Villar Rojas y Leandro Erlich.

Siete galerías argentinas participarán de la feria internacional de arte Art Basel Miami Beach que cumple 20 años y se realizará del 1 al 3 de diciembre, en el Miami Beach Convention Center (MBCC) -con días de preestreno el 29 y 30 de noviembre-, en lo que será su edición más grande hasta la fecha, por lo que extiende su programa al resto de la ciudad donde habrá también exposiciones individuales de argentinos como Adrián Villar Rojas y Leandro Erlich, en coincidencia con la Semana del Arte de Miami.

Se trata de las galerías porteñas Barro, Jorge Mara – La Ruche, Revolver, Ruth Benzacar, Isla Flotante, Herlitzka + Faria y Rolf Art, que participarán en diferentes secciones del evento que cumple 20 años y que en esta edición contará con la presencia de 282 expositores provenientes de 39 países, de los cuales la mitad proceden de América del Sur y del Norte, informaron los organizadores.

El sector central de la feria albergará la presencia de Barro, Revolver Galería y Jorge Mara – La Ruche, ésta última con obras de León Ferrari, Sarah Grilo, Rómulo Macció, Mario Pucciarelli, Ana Sacerdote y Kazuya Sakai, un grupo de artistas precursores de la Abstracción lírica en Argentina durante los años 60 y 70.

Además, la galería Jorge Mara estará presente en el sector Kabinet 2022 (junto a otras 28 galerías internacionales que presentarán instalaciones especialmente curadas dentro de sus stands), con obras sobre papel de Sarah Grilo, realizadas entre los años 1970 y 1990.

«Realizadas mayormente en óleo, tinta y grafito sobre papel, las piezas expuestas poseen la energía, espontaneidad y lirismo que distingue su obra. Al igual que en sus obras sobre tela, Sarah Grilo incorpora palabras, inscripciones tipo graffiti, stencils, flechas, símbolos, signos y números. No se trata simplemente de recursos gráficos, sino que constituyen la raíz misma de su estética personal», señalaron desde la galería.

Por otra parte, en la sección Positions de la feria, los visitantes se encontrarán con trabajos del artista argentino Carlos Herrera (Ruth Benzacar Galeria de Arte), con un solo show que transita en torno al éxtasis, lo infiel y el tormento, y de la artista brasileña Ana Prata (en la porteña galería Isla Flotante).

Foto Prensa
Foto: Prensa.

Finalmente, en la sección Survey, dedicada a galerías que destacan prácticas artísticas de relevancia histórica, Rolf Art presentará Parquedades, escenas de parque para una actriz, video y música (1987), uno de los primeros ejercicios experimentales de video-performance de larga duración en Colombia, concebido por José Alejandro Restrepo & María Teresa Hincapié, pionera en la performance en Colombia y la región. Allí también estará presente Herlitzka + Faria con obras de la artista Alicia Herrero.

Este año, la feria albergará 20 proyectos a gran escala como parte de la sección Meridians, dedicada a obras monumentales, con curaduría de Magalí Arriola, directora del Museo Tamayo de Ciudad de México. Allí, la galería Rolf, que fue seleccionada por primera vez para participar en la feria, exhibirá «Silla», performance de larga duración de María José Arjona -una de las más destacadas performers contemporáneas de Colombia y la región- y Levantamientos (2012-2022) -una instalación fílmica de gran formato de Andrés Denegri, artista visual con una importante trayectoria en el campo del audiovisual contemporáneo y cine expandido.

En celebración de los 20 años de Art Basel en Miami Beach y la próspera escena artística de la ciudad, la feria se extenderá más allá del predio general de la exposición con un dinámico programa cultural en todas las instituciones y colecciones privadas de la ciudad, donde otra vez destaca el arte argentino con la exposición de Adrián Villar Rojas con la artista invitada Mariana Telleria, «The End of Imagination», en el Bass Museum.

“El fin de la imaginación” -del 27 de noviembre al 14 de mayo de 2023- comprende instalaciones y esculturas específicas de Adrián Villar Rojas (Rosario, 1980), y presentaciones recién contextualizadas de obras de arcilla de su archivo.

La instalación incluye dos esculturas de la artista argentina Mariana Telleria que se une a él con dos obras que desafían las nociones contemporáneas de monumentos y memoriales.

Foto Prensa
Foto: Prensa.

En esta pieza, Villar Rojas se pregunta cómo afectarán la Luna, Marte o cualquier otro paisaje extraterrestre que nos traiga la conquista interplanetaria a nuestra monumentalidad pasada, presente y futura y a su memorialización. ¿Qué pasará cuando nuestras ficciones terrestres, las que cimentan naciones e identidades, viajen al espacio exterior? ¿Sobrevivirán las historias de los dioses grecolatinos, de los imperios europeos, de los conquistadores españoles, o incluso de los propios Estados Unidos, tal y como las conocemos, tal y como las plasmamos en libros, museos, himnos y monumentos, o mutarán con el cambio radical de contexto?, fue el interrogante que disparó este trabajo.

Por otra parte, en Miami tendrá lugar la primera exposición individual en Estados Unidos del artista argentino Leandro Erlich, «Liminal», que reunirá 16 obras icónicas de los últimos veinte años y que será inaugurada el próximo 29 de noviembre en el Pérez Art Museum de Miami (PAMM).

Incluida su famosa obra «Swimming Pool», construida para ser vista desde arriba pero también desde dentro, como si los visitantes estuvieran nadando pero sin mojarse, la muestra, que abarca dos décadas de la carrera del artista, permanecerá hasta el 4 de septiembre de 2023 en el museo que lleva el nombre del coleccionista argentino Jorge Pérez.

La exposición está concebida como una secuencia de espacios que uno puede encontrar a diario: un ascensor, el subte, un aula de escuela, una peluquería, una vereda, una pileta, una lavandería, incluso una ventana a través de la cual se pueden ver las ventanas de los vecinos. Cada espacio es una simulación precisa de estos escenarios ordinarios, pero el toque de Erlich fomenta experiencias extraordinarias que invitan a poner en duda el acto de la percepción.

«Liminal», el título de la exposición en el Pérez Art Museum Miami (PAMM) -antes conocido como Museo de Arte de Miami- hace referencia al umbral indeterminado entre espacios o experiencias, un estado rico en la posibilidad de cruzar o entrar en un nuevo reino, que es lo que los espectadores encuentran a menudo en la obra de Erlich.

Cada fin de año Miami florece de arte en cada rincón de la ciudad, ya que del 28 de noviembre al 4 de diciembre se desarrolla la Semana del Arte de Miami, que da impulso a la mayoría de las propuestas artísticas locales.

En ese sentido, se suman ferias como Untitled Art Miami 2022, del 29 de noviembre al 3 de diciembre, donde se lucirá la presencia de la galería argentina Pasto en la sección Nest; y la feria N.A.D.A., del 30 de noviembre al 3 de diciembre, con las porteñas Calvaresi y Piedras.

Se destaca también la feria Pinta Miami, del 29 de noviembre al 4 de diciembre, que inaugura nueva sede en The Hangar in Coconut Grove, y presentará un homenaje a la gran artista Ides Kihlen, de 105 años, así como la primera exposición en el Metaverso, sin contar las galerías argentinas como OdA, Pabellón 4, Sasha D, Selvanegra y Subsuelo, lo que garantiza una potente presencia de arte argentino en la ciudad.

Por último, la artista Paula de Solminihac (que resultó ganadora del Premio Faena a las Artes 2022) mostrará al público su obra «Morning Glory», una instalación topográfica site-specific de gran escala que se verá en Faena Beach durante la semana del arte de Miami.

Compuesta por decks de madera que se asemejan a las flores y hojas de la planta Ipomoea pes-caprae, «Morning Glory» invita a la interacción y al juego en la playa, dando la bienvenida a una diversidad de intercambios que incluyen tocar, jugar, descansar, mirar, escuchar y explorar. Por las noches, cuando la playa esté cerrada al público, la pieza «Morning Glory» se iluminará y generará una experiencia sensorial totalmente diferente a la del día.

Subastan colección de arte millonaria del cofundador de Microsoft

Fuente: BAE ~ Podría superar los 1.000 millones de dólares y convertirse en la colección privada más cara de la historia. Lo recaudado será para donación.

La colección de arte que atesoró Paul Allen, cofundador de Microsoft fallecido en 2018, con unas 150 obras de Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vicent Van Gogh o Barbara Hepworth, será rematada este 9 y 10 de noviembre por la casa de subastas Christie’s y espera superar los 1.000 millones de dólares y convertirse en la colección privada más cara de la historia, cuyo patrimonio será dedicado a la filantropía.

La subasta, en el Rockefeller Center de Nueva York, pone a la venta obras que abordan 500 años de historia del arte: desde Botticelli y Canaletto hasta Georgia O’Keefe y Louise Bourgeois, pasando por Claude Monet, Francis Bacon y Edward Hopper. 

El lote de 150 piezas pertenece a la colección de Paul Allen, cofundador de Microsoft, fallecido en 2018 a los 65 años. Junto a Bill Gates inventó el sistema operativo para computadoras que le generó una fortuna al gigante tecnológico estadounidense. Sin embargo, Allen abandonó la compañía en 1983 debido a problemas de salud y a diferencias con Gates, quien permaneció a cargo de Microsoft hasta el 2000. La pasión de Allen se ramificaba del deporte (fue propietario de equipos como Seahawks ), a la música y al arte, cuya colección solía prestar a museos antes de su muerte.

De acuerdo a la agencia de noticias AFP, en el año 2009 firmó una «promesa de donación» en la que señalaba que lo que recaude sería para proyectos sociales. Su hermana Jody Allen, única heredera y directora de la Fundación Paul Allen, no dio información sobre el destino de la venta de esta colección que se estima en 1000 millones de dólares y podría superar el récord para una colección privada. Hasta el momento, la más cara se vendió este año y por US$ 922 millones, propiedad del matrimonio estadounidense Harry y Linda Macklowe que puso a la venta su emporio artístico tras su separación.

La colección de Paul Allen, titulada «Visionario», reúne cuadros valuados en más de 100 millones de dólares, como «Les Poseuses, Ensemble» de Georges Seurat; la «Montaña Santa-Victoria» de Paul Cezanne; «Huerto con cipreses» de Vincent Van Gogh.

Artistas argentinos exponen en la Trienal de Nueva York

Fuente: Ámbito ~ Destacados artistas visuales de Latinoamérica y el Caribe serán los que representen a sus países en la próxima Trienal de Arte Latinoamericano de Nueva York.

El arte contemporáneo sigue teniendo su sede principal en la imponente ciudad de Nueva York y nada anuncia que se mude a otro lado. Esto lo confirman sus más de 400 galerías, centros culturales, museos, colecciones públicas y privadas que se pueden visitar sin que alcance un año para recorrerlas. Una ciudad que respira arte y donde los artistas buscan ser legitimados junto a su obra y vivir de su trabajo. Las oportunidades están en esta gran manzana que desarrolla grandes eventos y el arte latinoamericano sigue teniendo su lugar de privilegio entre los grandes artistas del mundo.

Cada tres años se desarrolla uno de los encuentros de arte más importante del planeta de la mano de artistas de nuestro continente de habla hispana. Argentina será representada por 25 creadores entre consagrados y emergentes, los cuales mostrarán sus obras en salas como el Bronx Art Space, Queens College Art Gallery, Pace University Art Gallery, Staten Island Museum, Lehman College Art Gallery Longwood Art Gallery entre otras y la exposición especial en las salas del Consulado Argentino en Nueva York en el marco y como homenaje a la Trienal con una invitación especial de sus directores y la curaduría a cargo del artista visual y gestor cultural Prof. Marcelo Cofone.

La representación argentina para esta trienal la componen los artistas Guido Ignatti, Lucia Fainzilber, Mariela Martin, Natacha Voliakovsky, Lucia Warck-Meister, Melanie Passardi, Mariana Saur Palmieri, Graciela Cassel, Alicia Candiani, Gustavo Amenedo, Luciano Pozo, Silvia Dolores Rocca, Julieta Warman. Por otro lado, en las salas del consulado expondrán Gabriel Alvarez, Cristina Fresca, Natalia Volpe, Jacinto Muñoz, Carto Mondes, Dardo Fabián Flores, Gabriel Mahia y Mariana Campo Lagorio, Gustavo Larsen, Gladys Rosa Pérez, Sabrina Merayo Núñez, Silvia Battistuzzi, Julieta Warman, Gustavo Amenedo y Luciano Pozo.

Libro de Los Milagros de la serie Libros del origen. Madera, enduido, acrílico, metal. 26 alto x 21 ancho x 7 espesor. 2020. Obra de Gabriel Álvarez.

Libro de Los Milagros de la serie Libros del origen. Madera, enduido, acrílico, metal. 26 alto x 21 ancho x 7 espesor. 2020. Obra de Gabriel Álvarez.

Dibujos, pinturas, esculturas, grabados, objetos, instalaciones, videos y performance son las obras que presentan con un tema en común y su mirada global con una obra realizada para la ocasión: ”Abya Yala: Orígenes Estructurales” (Tierra Madura, Tierra Viva o Tierra en Florecimiento) examina los diversos procesos y formas de creación inspirados en metodologías, materiales y conceptos tradicionales los cuales fueron implementados durante las diferentes etapas de crecimiento cultural e intelectual del continente americano. El tema propuesto explora la repercusión inevitable que tuvieron las pasadas generaciones en los valores estéticos, culturales o sociales presentes en el arte contemporáneo en Latinoamérica hoy día. También hace referencia a los procesos evolutivos en las artes los cuales han influido en las diferentes transformaciones por las que ha pasado el arte latinoamericano.

Obra de Luciano Pozo.

Obra de Luciano Pozo.

“En las exposiciones que conforman esta edición de la Trienal en Nueva York 2022 (NYLAAT por sus siglas en inglés) también tratamos de establecer el vínculo entre el arte contemporáneo en el continente y el uso premeditado de los materiales, elementos y formas de expresión autóctonos de los primeros habitantes de esta región desde las esteras, cestas, orfebrería, alfarería, tejidos, altares, rituales, pinturas en estrecha relación al tapices, esculturas en barro, piedra, metal, etc.”, detalla la dirección de la trienal.

Cofone es artista visual, diseñador gráfico (EPA) y escenógrafo (UNA); Gestor cultural y Curador independiente para producciones artísticas en Buenos Aires, Nueva York y Barcelona; co fundador de AAVRA Asociación de artistas visuales de la República Argentina; realiza exposiciones de su obra desde 1986. Profesor FADU-Universidad de Buenos Aires 2012-2020; Beca Artista internacional en residencia Proyect Space NY (2021/22).

Periodista: ¿Qué criterios utiliza para seleccionar las obras para la muestra?

Marcelo Cofone: Cuando me convocan desde la dirección de la Trienal para ser el curador de la representación argentina en homenaje a la Trienal, me detallaron el tema de esta edición: ”Abya Yala: Orígenes Estructurales” (Tierra Madura, Tierra Viva o Tierra en Florecimiento). De esa forma tenía una referencia que me guio para comenzar a ver artistas que pudieran tener afinidad estética y de contenido con dicho tema. Si bien sabía que era una tarea personal y por lo tanto subjetiva, supe que podía optar por diversas interpretaciones y encontré un buen equilibrio en una selección de diferentes generaciones de artistas y con medios muy amplios entre sí. Visité muchos talleres y contacté artistas del interior que respondieron con obras de calidad y un sentido compromiso con el rol de representar a nuestro país. Desde ahí todo fue más sencillo hasta llegar a 60 obras seleccionadas de Tucumán, Córdoba, Santa Fé, Buenos Aires y Capital Federal, para exponer en las salas del consulado argentino

Periodista: ¿Cuál es el potencial de los artistas argentinos frente a colegas de otros países?

Marcelo Cofone: Claramente responden con una enorme capacidad profesional y con obras que reflejan el actual potencial que tienen estos artistas en la región y en ciudades y mercados tan exigentes como el de Nueva York. Estamos presentes en trascendentes bienales y espacios reconocidos como el museo MoMa, la Bienal de Venecia, la Bienal de San Pablo, Documenta en Kassel y en destacados eventos donde el arte argentino no pasa desapercibido. Argentina tiene grandes posibilidades en el mundo de las artes visuales pero tenemos una limitante que es la distancia física y la compleja tarea de trasladar obras sin tener que pagar onerosos envíos. Esperemos tener más facilidades en ese aspecto.

Obra de Jacinto Muñoz.

Obra de Jacinto Muñoz.

Qué es la Trienal de Arte Latinoamericano de Nueva York

La Trienal de Arte Latinoamericano de Nueva York es producto de la necesidad evolutiva de un proyecto de arte que nació en el año 2008 con la Bienal de Arte Latinoamericano en el Bronx. Desde el comienzo y bajo el auspicio del Festival Hispano del Bronx el objetivo primordial es estimular la labor creativa con el fin de elevar el arte contemporáneo latinoamericano. El propósito de la creación de la NYLAAT fue fomentar una plataforma para la exhibición y reconocimiento de los artistas latinoamericanos dentro y fuera de los Estados Unidos. La NYLAAT favorece a una necesidad ilustrativa que refleja las preocupaciones sociales a través del arte, siendo un espacio de discusión, reconfiguración de propuestas y tendencias.

Es un evento internacional que se lleva a cabo cada tres años. Consiste en múltiples exposiciones de gran formato las mismas han contado con la participación de más de 800 artistas, conferencias e intervenciones urbanas. Se seleccionan artistas locales e internacionales que participan con muestras de producciones contemporáneas con un tema que las aglutina (pinturas, escultura, fotografía, performances, instalaciones, videos, intervenciones en vías públicas, etc.), las cuales se convierten en centros de interés; debido a que exhiben lo más avanzado y lo más representativo de cada país, para suscitar polémicas, discusiones, análisis de temas relacionados con el medio ambiente, política, sociales, inmigración, etc. y debates teóricos de arte contemporáneo, que dialogan con la temática escogida generalmente por los curadores. La Trienal de Arte Latinoamericano de Nueva York se propone continuar con la ampliación de este legado, invirtiendo su amplia experiencia en proyectos desarrollados en el contexto latinoamericano.

El objetivo de la Trienal de Arte

La Trienal de Arte Latinoamericano de Nueva York se dedica a organizar exhibiciones de arte contemporáneo y programación cultural a través de las cuales busca promover y enriquecer nuestra cultura latinoamericana.

Estas exposiciones están destinadas a proporcionar diversos programas educativos que permitan un lugar para participar con las expresiones del arte contemporáneo e investigar una comprensión más profunda de su papel en la sociedad. Creemos en el papel fundamental de la educación y la promoción a través del arte y en la preservación del legado cultural artístico e histórico de la región de América Latina y el Caribe.

La Trienal de Arte Latinoamericano de Nueva York busca galvanizar el panorama cultural de las comunidades, complementar los programas académicos y de artes visuales de las galerías e instituciones y fomentar una apreciación más amplia del arte contemporáneo y la comprensión cultural.

El sorprendente hallazgo sobre una magnífica obra de arte

Fuente: MDZ ~ Los peritos técnicos de un importante museo de los Países Bajos lograron determinar la veracidad de un cuadro del barroco.

Expertos en arte neerlandeses comprobaron que un boceto al óleo, que durante mucho tiempo fue considerado una imitación y estaba en un rincón de un museo de La Haya, fue obra del maestro barroco Rembrandt.

Se trata del esbozo «La ascensión de la cruz», de los años 1640, y sobre el que se hicieron nuevas investigaciones con técnicas innovadoras, junto a expertos del Rijksmuseum de Ámsterdam, lo que permitió determinar que la obra fue pintada por el mismo Rembrandt (1606-1669).

«La calidad de los detalles está tan bien hecha que estoy convencida de que se trata de un Rembrandt», dijo Johanneke Verhave, que restauró el esbozo, expuesto en el museo Bredius de La Haya desde su compra en 1921.

La especialista estudió la obra con Jeroen Giltaij, quien fue conservador jefe de las pinturas antiguas del museo Boijmans Van Beuningen de Róterdam, y la «redescubrió» durante una investigación para un libro sobre el artista, autor de la célebre pintura Lección de anatomía, hace un año, consignó la agencia de noticias AFP.

«Observé esta obra una y otra vez. Los golpes de pincel son brillantes», dijo Giltaij quien agregó que esos «largos golpes de pincel» lo convencieron de que el esbozo era un verdadero Rembrandt.

La obra fue adquirida en 1921 por el primer conservador del museo de La Haya, Abraham Bredius, quien no dudaba de que había comprado un Rembrandt, pero durante los años numerosos expertos dijeron que era una imitación grosera.
El boceto se asemeja a una pintura de Rembrandt en 1633, titulada también «La ascensión de la cruz» y expuesta en el museo de Arte Alte Pinakothek en Múnich.

Los investigadores realizaron reflectografías infrarrojas y exploraciones con rayos X sobre el esbozo que revelaron observaciones interesantes, según Verhave.

«Las indagaciones muestran que el boceto contiene muchas modificaciones aportadas por el mismo artista al pintar, lo que significa que su composición era un proceso creativo», añadió Verhave.

«Esto significa que el autor cambiaba de opinión mientras trabajaba. No copiaba descaradamente otro boceto», según la experta.
También demostraron que la manera en que el autor manejaba el pincel correspondía a la del gran maestro.

El nuevo video de The Beatles fue realizado con 1300 óleos pintados a mano

Fuente: Perfil ~ La legendaria banda de Liverpool continúa siendo una fuente inagotable para artistas de todas las disciplinas. El director y artista Em Cooper creó un video onírico para el relanzamiento del álbum «Revolver».

A pesar de su separación hace más de 50 años, The Beatles continúa siendo una fuente de inspiración para todas las disciplinas artísticas y así quedó demostrado luego de la publicación de la reedición de «Revolver», el séptimo álbum de estudio de los cuatro de Liverpool y uno de los más emblemáticos.

En el marco de ese relanzamiento, se estrenó un clip oficial de «I’m only sleeping», la canción escrita principalmente por John Lennon (pero firmada por Lennon- McCartney como indicaba el pacto de la banda) y que es una de las más queridas en el disco. «Hermosas armonías, métodos de grabación experimentales y una composición vanguardista se combinan para crear esta canción de ensueño, que evoca el enfoque pionero de The Beatles hacia la música de Revolver«, dice en las cuentas oficiales de los Fab Four en redes sociales.

«El artista y director Em Cooper exploró el espacio entre el sueño y la vigilia, trabajando en una tribuna de animación en hojas de celuloide«, comenta acerca de la realización del video de este tema, el único que ofrece un doble solo de guitarra por George Harrison reproducido de forma invertida.

Y además explica que el cineasta pintó cada cuadro individualmente con pintura al óleo, un proceso laborioso que tomó muchos meses. En total fue hecho con 1.300 pinturas diferentes, en una técnica similar al de la película Loving Vincent (Cartas a Van Gogh).

Get Back The Beatles
Paul McCartney, Ringo Starr, John Lennon y George Harrison.

Precisamente Lennon es el protagonista del clip, en el que se lo ve durmiendo y «saltando» a lo largo de distintas escenas junto a los demás Beatles, en una mezcla entre sueño y vigilia.

«I’m only sleeping» es recordada, al igual que el álbum entero, por sus efectos psicodélicos. Esto se logró mediante el uso de varias velocidades en los tonos, al mismo tiempo que la banda británica también añadió otros toques de ensueño. 

Aunque en el álbum «Rubber Soul» de 1965, la banda ya había empezado a experimentar tanto en la composición de sus canciones, «Revolver» -estrenado en 1966 cuatro meses después- presentó varios nuevos desarrollos estilísticos que llegarían a ser más pronunciados en álbumes posteriores.

En la reedición de «Revolver»hay 31 tomas inéditas y tres maquetas caseras del archivo de grabación de los Beatles, así como un EP de cuatro pistas con «Paperback Writer» y «Rain». Asimismo, las 14 pistas del álbum original fueron mezcladas de nuevo por Giles Martin (hijo del legendario productor de la banda, George Martin) y el ingeniero Sam Okell

El cuadro de Piet Mondrian que estuvo más de 75 años colgado al revés

Fuente: La Nación – Una curadora notó el error de larga data cuando investigaba la nueva exposición del museo sobre el artista a principios de este año.

Una obra de artista de pintura abstracta neerlandés Piet Mondrian ha estado colgada boca abajo en varias galerías durante más de 75 años.

A pesar del reciente descubrimiento, la obra, titulada “Ciudad de Nueva York I”, se seguirá mostrando al revés para evitar que se dañe.

El cuadro, de 1941, se exhibió por primera vez en el Museo de Arte Moderno (MoMA, por su acrónimo en inglés) de Nueva York en 1945.

Y ha estado colgado en la colección de arte del estado alemán de Renania del Norte-Westfalia, en Düsseldorf, desde 1980.

La curadora Susanne Meyer-Büser notó el error de larga data cuando investigaba la nueva exposición del museo sobre el artista a principios de este año, pero advirtió que podría desintegrarse si se colgaba del lado correcto ahora.

“Ciudad de Nueva York I” es una versión en cinta adhesiva de la pintura “Ciudad de Nueva York” del mismo artista.

“Era muy obvio”

“El engrosamiento de la cuadrícula debe estar en la parte superior, como un cielo oscuro”, dijo Meyer-Büser a The Guardian sobre la obra de arte de un enrejado de rayas rojas, azules y amarillas sin terminar y sin firmar.

“Una vez que se lo señalé a los otros curadores, nos dimos cuenta de que era muy obvio. Es muy probable que la imagen esté al revés”, agregó cuando la BBC la contactó.

La curadora Susanne Meyer-Büser posa frente a la pintura de Piet Mondrian "Ciudad de Nueva York I" en el museo de la colección de arte de Renania del Norte-Westfalia
La curadora Susanne Meyer-Büser posa frente a la pintura de Piet Mondrian «Ciudad de Nueva York I» en el museo de la colección de arte de Renania del Norte-WestfaliaPetra Wischgoll

La evidencia parece confirmar esta teoría, ya que la obra “Ciudad de Nueva York”, que se exhibe en el Centro Pompidou de París, muestra un engrosamiento de líneas en la parte superior, en lugar de ser en la parte inferior.

Además, una fotografía del estudio del influyente neerlandés, tomada días después de su muerte, muestra la misma imagen apoyada en un caballete al revés.

La imagen fue publicada en la revista estadounidense de estilo de vida Town and Country en junio de 1944.

El artista Piet Mondrian trabajando en 1942
El artista Piet Mondrian trabajando en 1942Ullstein Bild DTL/Getty

Mondrian, que nació en la región de Utrecht (Países Bajos) en 1872, es considerado uno de los más grandes artistas del siglo XX y un pionero del estilo abstracto moderno, el minimalismo y el expresionismo.

Como cofundador del grupo y movimiento artístico De Stijl, y en busca de la “belleza universal”, desarrolló una forma no figurativa a la que denominó neoplasticismo.

Tras mudarse a París en 1911 experimentó con el cubismo, pero su nombre es hoy en día sinónimo de modernismo.

Su trabajo tuvo una gran influencia, no solo en el mundo del arte sino también en los campos del diseño, la arquitectura y la moda.

Según la galería de Düsseldorf, su serie recientemente revisada de pinturas de la ciudad de Nueva York de 1941 y 1942, poco antes de su muerte a los 71 años, fue vista como “una revolución en el estricto concepto de Mondrian de la Gestalt” (forma).

La galería describe “Ciudad de Nueva York I” como “un ritmo vivo y dinámico de rayas de colores -rojas, azules y amarillas- [que] tomó el lugar del lenguaje pictórico radicalmente reducido con la estructura geométrica y la reducción a los colores primarios así como también el blanco y el negro”.

Just Stop Oil, el grupo de activistas arrojó sopa de tomate a una de las obras más famosas de Van Gogh

Fuente: La Nación ~ Los jóvenes también protestan en campos de juego de fútbol y hacen manifestaciones frente a organismos públicos y privados.

La sopa de tomate arrojada contra la famosa obra “Los girasoles” de Vincent Van Gogh, cuya imagen hoy recorre los portales de noticias del mundo, es una muestra más de las llamativas manifestaciones que realiza una nueva organización ecologista inglesa: los jóvenes de Just Stop Oil. Con el objetivo de reclamar por el cuidado del medio ambiente, el grupo apunta contra obras de arte, copa canchas de fútbol en pleno juego y realiza marchas en las que piden al gobierno británico dejar de producir combustible fósil.

Creado en febrero de este año, Just Stop Oil subraya la importancia de las energías renovables para frenar el calentamiento global que, aseguran, genera aún más hambre en el mundo. El objetivo de sus acciones lo informan desde su perfil en las redes sociales: “Exigir que el gobierno del Reino Unido detenga de inmediato todas las licencias futuras para la exploración, desarrollo y producción de petróleo y gas”.

¿Qué vale más, el arte o la vida? ¿Se preocupan más por la protección de un cuadro o la protección de nuestro planeta y de las personas?”, exclamó hoy uno de sus activistas luego de tirar el contenido de una lata de sopa de tomate contra la segunda obra más famosa de Vincent Van Gogh en la National Gallery de Londres.

Las familias del Reino Unido se verán obligadas a elegir entre calentar o comer este invierno, ya que las compañías de combustibles fósiles obtienen ganancias récord. Pero el costo del petróleo y el del gas no se limita a nuestras facturas. Somalia se enfrenta ahora a una hambruna apocalíptica, provocada por la sequía y alimentada por la crisis climática. Millones se ven obligados a mudarse y decenas de miles se enfrentan al hambre. Este es el futuro que elegimos para nosotros si presionamos por nuevo petróleo y gas”, dijo una de las chicas que realizó la acción.

Las imágenes fueron filmadas por otros activistas presentes en la sala pero solo fueron arrestados quienes atentaron contra la obra de arte, pintada en 1888, que resultó “ilesa”. Los daños fueron menores ya que está protegida por una lámina de vidrio.

Just Stop Oil está conformado, en su mayoría, por jóvenes: sus miembros tienen de 18 años en adelante. En el Reino Unido definen al grupo como “una organización de desobediencia civil” a causa del tipo de manifestaciones que realiza. Muchos de los activistas suelen ser arrestados en sus acciones en pos de llamar la atención de medios y del gobierno.

Siempre con ese discurso a favor del medioambiente y de fuerte crítica a quienes explotan los combustibles fósiles, una de sus primeras manifestaciones fue el 13 de marzo, cuando irrumpieron en la 75ª edición de los Premios de Cine de la Academia Británica.

Manifestantes del grupo de protesta climática "Just Stop Oil" pegan sus manos al marco de una copia de "La última cena" de Leonardo da Vinci, el martes 5 de julio de 2022, en la Real Academia de Londres. (James Manning/PA vía AP)
Manifestantes del grupo de protesta climática «Just Stop Oil» pegan sus manos al marco de una copia de «La última cena» de Leonardo da Vinci, el martes 5 de julio de 2022, en la Real Academia de Londres. (James Manning/PA vía AP)

Tras ello, en julio, un grupo de activistas de Just Stop Oil pegó sus manos a la pintura de John Constable “The Hay Wain”, también en la National Gallery de Londres. Segundos antes la había cubierto con una ilustración impresa que reinventaba la obra como una “visión apocalíptica del futuro” por la crisis climática.

Ese mismo mes, otro grupo se pegó a una copia de la pintura “La última cena” de Leonardo da Vinci en la Real Academia de las Artes. Debajo de la obra escribieron con aerosol “no más nuevo combustible”.

Otras de las manifestaciones de Just Stop Oil

  • El 20 de marzo, dos activistas intentaron interrumpir un partido de fútbol en el Emirates Stadium del Arsenal en Londres, pero fueron interceptados. Al día siguiente, otro miembro irrumpió en un partido de fútbol en Goodison Park, en Liverpool. Corrió a uno de los arcos y se ató con un cable a uno de los postes. Al ver lo fácil que era colarse, al día siguiente se realizaron actos similares en otros dos partidos.
  • En abril realizaron bloqueos de 10 instalaciones petroleras críticas, para que se pare con el suministro de gasolina al sureste de Inglaterra, algo que no ocurrió. Otra vez interceptaron un camión petrolero en Londres y lo rodearon, lo que provocó una congestión en la autopista.
  • En julio se infiltraron en el Gran Premio de Gran Bretaña de F1 de 2022 y se sentaron en el medio de la pista luego de un choque entre dos de los autos que corrían. Sus acciones fueron apoyadas por los pilotos de Fórmula Uno Fernando Alonso, Lewis Hamilton y Carlos Sainz, aunque advirtieron que los jóvenes corrieron mucho riesgo.
  • En agosto bloquearon siete estaciones de servicio en el centro de Londres y destrozaron propiedades. Debido a esto, 43 personas fueron arrestadas por vandalismo.

🚔 20 ARRESTED AT ST. GEORGE’S CIRCUS 🚔

💀 Ordinary people are stepping up into Civil Resistance because it is our only chance at preventing the biggest crisis humanity has ever faced. #FreeLouis #FreeJosh #CivilResistance #A22Network #JustStopOil #NoNewOil pic.twitter.com/1iK2pdJSTo— Just Stop Oil ⚖️💀🛢 (@JustStop_Oil) October 13, 2022

¿Viajero del tiempo?: La pintura de hace 150 años que muestra a una joven usando un celular

Fuente: Clarín ~ Es «La esperada», un cuadro de 1860. Enigmas, dudas e interpretaciones sobre este misterio del arte.

Ferdinand George Waldmüller pintó este cuadro en 1860, «Die Erwartete» (La esperada, en español) es una de sus obras más reconocidas. Pero hoy, más de un siglo y medio después, un detalle nos sorprende: ¿hay un viajero del tiempo en la imagen?

Sí, es que la actitud de uno de los personajes del lienzo llama poderosamente la atención. Imposible pero real, parece estar Whatsapeando o jugando con un teléfono celular.

Ciencia ficción o «viajero del tiempo» 

El cuadro muestra a una joven paseando por el campo con los ojos pegados a un objeto cuadrado que tiene en la mano. Una imagen que hoy no nos sorprendería; de hecho, es la postal más habitual en cualquier lugar del mundo. 

Para algunos, la joven del cuadro de Ferdinand George Waldmüller está mirando un teléfono celular. Foto: Wikipedia

¿Pero qué podía saber Waldmüller en 1860, cuando aún faltaban décadas, incluso, para que se comenzara a utilizar la electricidad en los hogares sobre teléfonos móviles, apps, wifi o paquete de datos?

Si bien los críticos especializados insisten en que lo que sea que lleva la mujer no tiene nada que ver con la tecnología, los fanáticos del arte con ojos de águila están convencidos de que parece que está mirando un teléfono inteligente, más de 100 años antes de que se inventara, indicó The Mirror al abordar el tema.

Actualmente, el cuadro se exhibe en el museo Neue Pinakothek, de Munich, Alemania, junto a cientos de pinturas de los siglos XVIII y XIX.

En la imagen, se ve a la chica caminando con la mirada congelada hacia abajo mientras un joven sostiene una flor rosa, preparado para cortejarla.

Según el Daily Star, los expertos aseguran que la razón por la que la niña mira hacia abajo no es porque esté usando un iPhone sino porque está leyendo un libro de oraciones.

¿Es un teléfono celular o no?

Peter Russell, un jubilado de Glasgow, fue la primera persona en notar el posible detalle oculto mientras visitaba la galería junto a su pareja.

¿Ferdinand Georg Waldmüller pintó un teléfono móvil en 1860? Foto: Wikipedia

«Lo que más me sorprende es cuánto un cambio en la tecnología ha modificado la interpretación de la pintura y, de alguna manera, ha aprovechado todo su contexto», comentó en diálogo con VICE hace un tiempo.

Y sumó: «El gran cambio es que en 1850 o 1860, todos los espectadores habrían identificado el elemento en el que la niña está absorta como un himnario o un libro de oraciones. Hoy, nadie podría dejar de ver el parecido con la escena de una adolescente absorta en las redes sociales en su teléfono inteligente«.

Por su parte, el director ejecutivo de la agencia de arte austrian-paintings.at, Gerald Weinpolter, explicó que la niña no está jugando con el último iPhone, sino que sostiene un libro de oraciones camino a la iglesia, detalló The Mirror.

«La carta», de Pieter de Hooch, el cuadro en el que Tim Cook, jefe de Apple, descubrió un Iphone. Foto: Web

Pero esta no es la primera vez que se ve un supuesto teléfono inteligente en una pintura antigua, muy anterior al surgimiento de esta tecnología.

Hace seis años, el jefe de Apple, Tim Cook, afirmó que vio un móvil en una pintura del siglo XVII en Ámsterdam, Países Bajos. «Siempre pensé que sabía cuándo se inventó el iPhone, pero ahora ya no estoy tan seguro», bromeó sobre el tema durante una conferencia.

Arte: 5 artistas argentinos del grabado exponen sus obras en Nueva York

Fuente: Ámbito ~ Alicia Candiani, Gustavo Amenedo, Julieta Warman, Silvia Rocca y Luciano Pozo representan al país en la muestra que cuenta con la participación de 60 artistas latinoamericanos.

5 artistas argentinos del Grabado exponen hasta el 5 de noviembre en la muestra ABYA Yala Structural Origins, Nueva York, Estados Unidos. Representan al país entre 60 artistas latinoamericanos participantes.

Alicia Candiani, de Buenos Aires; Gustavo Amenedo, de Buenos Aires; Julieta Warman, de La Plata; Silvia Rocca, de Avellaneda, Buenos Aires; y Luciano Pozo, de Junín, presentan sus obras en el evento New York latinoamerican art Trienal. La exhibición está ubicada en Bronca Art Space: 700 Manda St. Bronx.

Obra de Gustavo Amenedo.

Obra de Gustavo Amenedo.

Gustavo Amenedo

La muestra está organizada por Nylaat_org y está enfocada en mostrar producciones contemporáneas de artistas que fueron seleccionados para promover nuestra cultura latinoamericana, por el análisis en sus obras de temas ambientales, políticos sociales y migratorios.

ABYA Yala Structural Origins

«Abya Yala: orígenes estructurales» examina los diversos procesos y formas de creación inspirados en metodologías, materiales y conceptos tradicionales que se implementaron durante las diferentes etapas de crecimiento cultural e intelectual en el continente americano.

El proyecto explora la inevitable repercusión que tuvieron las generaciones pasadas en los valores estéticos, culturales o sociales presentes en el arte contemporáneo latinoamericano de hoy.

Arte digital siniestro: quemaron una obra de Frida Kahlo para valorizar las reproducciones

Fuente: Perfil ~ Martín Mobarak es un empresario mexicano que se ha propuesto transformar el mundo del arte para trasladarlo al entorno digital. Mobarak, a finales de julio, quemó un dibujo de Frida Kahlo titulado “Fantasmones siniestros” en un evento público para después desvelar un NFT de esa misma obra. La pintura original estaba valuada en 10 millones de dólares y su destrucción ha desatado una serie de críticas dirigidas al empresario.

El pasado 30 de julio, en cierta mansión de Miami, quemaron un dibujo de la artista mexicana Frida Kahlo. El suceso, conocido el lunes pasado, desató un escándalo en el mundo del arte. Las publicaciones Vice, The Art News Paper y Artnet, entre muchas otras, dieron cuenta del hecho. En síntesis, si la obra de un artista es su extensión hacia lo universal en la cultura humana, la destrucción de un fragmento no es más que el sacrificio de toda ella. Esta afirmación parece exagerada, pero convengamos que aparece un interrogante: ¿quién más que el artista tiene la autoridad para descartar algo de su producción? Exacto, nadie. Podemos colegir que este argumento motivó la desobediencia de Max Brod respecto a la destrucción de la obra de Kafka.

Pero Kahlo no tiene un Brod que la proteja. Murió hace 68 años, y el mercado del arte (el mercado en sí) convirtió fracciones de su obra en un parque temático: ropa, carteras, zapatos con su imagen y hasta una Barbie Frida en venta desde 2018. El año pasado Sotheby’s vendió en 34,9 millones de dólares el autorretrato Diego y yo. Es decir, la imagen de Frida atravesada por el sufrimiento es un activo valioso, un verdadero capital simbólico. En ese marco, Martín Mobarak (empresario mexicano y creador de la criptomoneda AGCoin) quemó el dibujo Fantasmones siniestros, fechado en 1944.

El objetivo: crear 10 mil NFT (token no fungible), ofertados en el mercado de activos digitales a 3 Ethereum cada uno, algo así como 4 mil dólares, que de venderse por completo implicarían 40 millones. Mobarak exhibió un certificado de originalidad con un valor de 10 millones. Los especialistas dudan que fuera un dibujo original ya que la obra de Frida está plagada de falsificaciones. En cuanto al valor también lo notan exagerado. Para darle un marco de beneficencia, el empresario prometió repartir donaciones en instituciones diversas, incluyendo mexicanas. Aquí es donde lo inverosímil conjetura la realidad.

En fridanft.org, el sitio web de esta “movida”, se encuentran los detalles técnicos sobre la venta en versión digital del dibujo, así como las justificaciones teóricas. Entre ellas, un reportaje al responsable y el video síntesis del acto de “inmortalización en el metaverso” de la obra de Kahlo. En este, Mobarak luce como una rara mezcla de Tony Montana, Chili Palmer, Vincent Vega y Daddy Yankee, frente a una piscina con agua límpida e iluminada, modelos en traje de baño de hace sesenta años, mariachis, una danza del fuego, agentes de seguridad y decenas de invitados que registran con sus dispositivos móviles la teatralidad hasta el incendio de Fantasmones siniestros. El montaje de las imágenes remite a los videos de ejecuciones que utilizaron los terroristas de ISIS. A su vez, tal estética instala la sospecha de lavado de dinero.

Corresponde al feminismo reflexionar sobre el martirio de la obra de una artista, de una mujer. Y también la necrofilia: se trata de una mujer muerta. ¿Acaso la desaparecen como un espectáculo? Damien Hirst quemará el mes que viene 4.581 pinturas que vendió como NFT. Hace un año, el colectivo BurntBanksy quemó un dibujo del artista que se convirtió en NFT. Pero ambos están con vida, tienen pleno derecho sobre sus obras. El arte digital, sin dudas, muestra un lado pirómano fantasma, faz perversa. ¿Acaso quemarán a un artista para que su obra adquiera valor en el mercado digital?.