¿Cuánto valen las obras de Picasso?

Fuente: Perfil ~ Una revista de Management, Dinero, recopiló los precios alcanzados en subastas por las obras más representativas de Pablo Picasso. Las Señoritas de Avignon, por ejemplo, alcanzó un costo 106.5 millones de dólares. Otra pintura de Picasso que vale millones de dólares es Femme Assise Bleu, cuadro que fue subastado el 15 de mayo de 2017 por Christie’s en Nueva York. El cuadro es un retrato de su amante, Dora Maar, fotógrafa y pintora y alcanzó un costo de 45 millones de dólares.

El sueño es un cuadro donde Picasso plasmó a su esposa, Marie-Thérèse, cuando dormía. Esta obra que pertenece a su colección surrealista fue vendida en 1997 por 48 millones de dólares. Una de las obras más importantes de Picasso es la que está inspirada por el maestro francés Eugène Delacroix. La pintura titulada como Mujeres de Argel alcanzó un costo de 181 millones de dólares.

Por su parte, Acróbata y joven arlequín fue pintado en 1905 y fue vendido en 1988 por 70 millones de dólares. En la actualidad esta obra pertenece al dominio público en Estados Unidos. Finalmente, otra de las pinturas más valiosas de Picasso es Muchacho con Pipa: ese cuadro fue vendido por un particular a 104 millones de dólares.

La belleza de la semana: “La Torre de Babel”, de Pieter Brueghel el Viejo

Fuente: Infobae ~ Según el Génesis, los descendientes de Noé quisieron alcanzar el cielo y Dios, para evitarlo, les dio diversas lenguas para que no se puedan comunicar. En el siglo XVI, el famoso pintor flamenco ilustró esta historia como nadie.

El mito de la Torre de Babel es muy concreto: su función, durante siglos, fue explicar porqué la humanidad habla distintas lenguas. Todo está narrado en el libro del Génesis cuya autoría se atribuye tradicionalmente a Moisés. Pero antes de la torre hay que ir a otro mito: el diluvio universal. Según el Genésis, la humanidad quedó casi extinta después del diluvio. Quienes se salvaron de aquel apocalipsis fueron los que se subieron al Arca de Noé: Noé y siete integrantes de su familia.

Los descendientes de Noé se instalaron en la llanura de Senar (Babel) y decidieron construir una torre “tan alta que llegara al cielo”. Querían llegar a Dios. Pero para Dios esto era una osadía, una rebeldía, entonces hizo que todos los que estaban construyendo aquella edificación no se pudieron comunicar. Así, todos empezaron a hablar lenguas diferentes. Confundidos, abandonaron la construcción, se separaron y se esparcieron por toda la Tierra.

Hay argumentos extrabíblicos que sostienen que la verdadera razón por la cual esos hombres estaban construyendo la Torre de Babel era para salvarse por si ocurría otro diluvio. Pero los tradicionalistas toman el relato al pie de la letra. Lo cierto es que la idea de alcanzar a Dios mediante una construcción colectiva, el castigo divino y la proliferación de idiomas es un mito poderoso. Pieter Brueghel el Viejo lo plasmó en un óleo de 1563 y desde entonces es la imagen icónico del relato.

El extremo más alto de la Torre de BabelEl extremo más alto de la Torre de Babel

Este gran óleo sobre madera de roble se encuentra en el Museo de Historia del Arte Kunsthistorisches, en Viena, Austria. Cuenta con unas dimensiones de 114 centímetros de alto y 154 de ancho. “Se supone que esta Babel de la que habla la Biblia era en realidad la antigua Babilonia, y la torre sería el zigurat dedicado al dios Marduk”, explica la historiadora del arte Marga Fernández-Villaverde.

“Brueghel pinta —continúa Fernández-Villaverde— una descomunal torre escalonada de planta circular. La ciudad también es inmensa, aunque de mesopotámica tiene más bien poco. La torre ya toca las nubes, pero aún está a medio construir. El artista la ha pintado un poco torcida, en equilibrio precario, para que nos quede claro que, por mucho que se esfuercen, los habitantes de Babel no conseguirán acabarla”.

El crítico Delfín Rodríguez Ruíz escribió que “una ulterior lectura arquitectónica del mito y de su representación figurativa es aquella que convierte a la Torre de Babel en metáfora de lo inacabado, de lo que está en permanente construcción, como atributo de lo arquitectónico o en metáfora de la confusión de lenguajes, asumiendo con resignación el castigo divino como condición misma del construir”.

El rey Nimrod, que llega para controlar cómo van las obrasEl rey Nimrod, que llega para controlar cómo van las obras

Por su parte, Verónica Gómez sostiene que “es posible distinguir, gracias a la minuciosidad del artista, todos los detalles de su construcción; desde grúas y andamios hasta el detalle de la estructura interna, resaltada en una tonalidad diferente que dota de belleza al conjunto”, y que “una de las cosas que más destaca es el agradable colorido de la composición, dominando sobre todo, el tono amarillento de la piedra y su contraste con la parte superior”.

La pintura de Brueghel —también realizó, hacia ese mismo año, La pequeña Torre de Babel, la cual se encuentra en el Museo Boymans-van Beuningen en Rótterdam— tiene en el centro, en total protagonismo, a la torre misma. El paisaje es amplio y panorámico, y el punto de vista, muy alto. Arriba, en la parte superior, vemos nubes: simbolizan la pretensión del cielo. La arquitectura elegida nos llevan directamente al Coliseo, que representaba para los cristianos de la época a la desmesura.

Abajo, en el extremo de la pintura, llega un rey con su séquito. Es el rey Nimrod, que llega para controlar cómo van las obras. Descendiente de Noé y, según se lee en el Génesis, fue “un vigoroso cazador delante de Jehová” que se consagró rey de la tierra de Sinnar en Mesopotamia. Su imagen es la del arquetipo del monarca rebelde a los mandatos divinos y modelo de despotismo. A sus pies, los trabajadores le hacen reverencias, alabanzas y piden misericordia.

Detalles de “La torre de Babel”Detalles de “La torre de Babel”

La Torre de Babel de Brueghel recuerda, en realidad, al Etemenanki, un templo piramidal dedicado al dios Marduk en la ciudad de Babilonia del siglo VI a. C. El especialista Stephen L. Harris, fallecido hace tres años, sostuvo la teoría que la historia bíblica está influenciada por esta construcción durante el cautiverio babilónico de los hebreos. La historia se llama Enmerkar y el Señor de Aratta, un legendario relato sumerio sobre “llegar hasta el cielo” y la maldición de las múltiples lenguas.

Pero como la historia es un encadenamiento —a veces azaroso, otras determinado— de mitos y relatos, fue Pieter Brueghel el Viejo quien creó la imagen que hoy, casi cinco siglos después, ilustra esta simbólica narración. Con su estilo tan característico, con sus detalles, con sus colores, con sus tamaños, simbolizó el destino fatal de la creciente sed de poder del ser humano, más allá de si el castigo es divino o no.

Este artista, el principal pintor flamenco del siglo XVI, nació en Breughel entre 1526 y 1530, y murió en Bruselas en 1569. “No fue siempre El viejo —explica el periodista Juan Gabriel Batalla—, eso vino un poco después, ya que fue el padre de dos grandes artistas como Pieter Brueghel el Joven o del Infierno y de Jan Brueghel el Viejo, también conocido como de Velours (de Terciopelo), aunque ninguno fue su discípulo ya que lo vieron morir siendo niños aún”.

Johnny Depp vendió todas sus obras de arte por más de 3,5 millones de euros

Fuente: Notife ~ Las 780 piezas del actor fueron vendidas por medio de la galería británica Castle Fine Art.

“Siempre he usado el arte para expresar mis sentimientos y reflexionar sobre las personas que más me importan, como mi familia, amigos y la gente que admiro”, afirmó el actor, de 59 años.

El actor estadounidense Johnny Depp ha obtenido más de 3,5 millones de euros en la primera venta de sus creaciones artísticas, a través de la galería británica Castle Fine Art, informan los medios británicos.

El intérprete de películas como Piratas del Caribe, de 59 años, anunció este jueves la venta de sus litografías de edición limitada firmadas mediante su cuenta de Instagram, lo que provocó una frenética actividad en el portal de la galería, que llegó a bloquearse.

Las 780 piezas ofrecidas por internet, dentro de su colección de debut “Amigos y Héroes”, representan a cuatro personas que, según ha explicado el propio artista, le han inspirado: el Rolling Stone Keith Richards; el actor Al Pacino; la leyenda del “folk” Bob Dylan y la actriz Elizabeth Taylor.

Las obras individuales enmarcadas se vendían a un precio de 4.700 euros y el conjunto completo de las cuatro imágenes por 17.850 euros.

Arte pop y callejero
“Siempre he usado el arte para expresar mis sentimientos y reflexionar sobre las personas que más me importan, como mi familia, amigos y la gente que admiro”, declara en la web el actor, que confiesa que hasta entonces había guardado su arte para sí mismo.

En un comunicado, la galería ha descrito su trabajo como “situado en la intersección entre el arte pop y el callejero”, y destaca sus trazos libres y fluidos.

“A partir de referencias fotográficas, cada imagen se ha reducido a una representación más simple e icónica del sujeto, que luego Johnny ha desarrollado y energizado con sus característicos trazos a mano alzada”, describe la galería.

Castle Fine Art, que previamente ha vendido obras del propio Dylan y Ronnie Wood, entre otros, explica que llevaba tiempo en conversaciones para mostrar el trabajo de Depp y espera volver a hacerlo en el futuro.

Destrucción: el polémico Damien Hirst, autor del famoso tiburón en formol y el cráneo cubierto de diamantes, programa incendiar sus obras

Fuente: La Nación ~ El millonario artista inglés promete quemar en septiembre unas seis mil pinturas suyas convertidas en NFT.

Autor de obras de arte famosas por su excentricidad y por la polémica que despiertan, como un tiburón sumergido en formol o el cráneo humano cubierto de diamantes, el artista inglés Damien Hirst está a punto de materializar un nuevo acto disruptivo: promete quemar unas 6.000 obras propias el próximo mes en el marco de un proyecto centrado en el arte como moneda.

Damien Hirst
Damien Hirst

Hirst (1965), creador, empresario y coleccionista británico, que está considerado como el artista vivo más rico de su país, destruirá en su galería de Londres parte de un lote de 10.000 pinturas realizadas en 2016 y convertidas paralelamente al formato NFT.

Las obras fueron vendidas a razón de 2000 libras cada una -unos 2.400 dólares- y a los compradores se les concedió la chance de quedarse con los NFT o cambiarlos por la obra de arte física. “El coleccionista no puede quedarse con ambos. Este intercambio es un proceso unidireccional, así que elija con cuidado”, había advertido a los interesados.

Veinticuatro horas antes de la fecha límite, ayer, 4180 personas ya habían optado por cambiar su NFT por una obra de arte física, en tanto que 5820 optaron por mantener sus NFT, según consignó el diario The Guardian. La versión alternativa será destruida, y las obras de arte físicas (óleo sobre papel) se incendiarán a diario a partir del 9 de septiembre en el marco de un proyecto titulado The Currency, al que Hirst define como “el más emocionante”.

”Las obras de arte se quemarán a una hora específica cada día durante la ejecución del espectáculo”, se lee en un comunicado del artista. En los próximos meses, durante la semana de Frieze, la galería organizará un evento de clausura para quemar las obras de arte restantes, con la presencia de Hirst.

El artista realizó las obras en 2016 usando pintura de esmalte sobre papel. Cada obra está numerada, titulada, sellada y firmada en el reverso. Las características de autenticidad adicionales incluyen una marca de agua, un micropunto y un holograma que contiene un retrato del artista. Ningún color se repite dos veces en ninguna obra de arte.

Damien Hirst, brillante: calavera de platino con diamantes, con dientes reales
Damien Hirst, brillante: calavera de platino con diamantes, con dientes reales

El año pasado, Hirst se codeó nada menos que con Caravaggio y Rafael en una muestra desprejuiciada que descolocó y cautivó a Roma: Archaeology Now. En la Galleria Borghese más de 80 obras suyas se entremezclaron con pinturas y esculturas de los grandes genios de la antigüedad y el Rancimiento italiano.

Entre las obras icónicas de Hirst están “La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo” (1991), un tiburón tigre de cuatro metros de largo conservado en una vitrina con formol que se vendió en 12 millones de dólares. Otra pieza emblemática es Por el amor de Dios, una calavera de platino con 8.601 diamantes puros y dientes humanos, inspirada en el cómic 2000 AD. Es creador desde fines de la década de 1980 de una amplia serie de instalaciones, esculturas, pinturas y dibujos que exploran las complejas relaciones entre arte, belleza, religión, ciencia, la vida y la muerte.

Hace unos días, Hirst había protagonizado otra polémica cuando el museo de Wolfsburg, Alemania, se vio obligado a retirar una obra que incluía una cámara para matar moscas tras las críticas de los activistas por los derechos de los animales y una denuncia formal de la Oficina Veterinaria de la ciudad. La obra, titulada Mil años, se incluyó en una exposición colectiva denominada ¡Poder! ¡Luz!? que exploró el uso de la luz artificial en el arte. La obra -que ya tiene una década- consistía en un cubo de cristal dividido en dos. En una parte del cubo eclosionaban las moscas, pero si pasaban por un agujero a la otra parte para llegar a la luz artificial, morían. El objetivo del trabajo fue llamar la atención sobre el hecho de que millones de insectos mueren cada noche debido al alumbrado público en las ciudades.

Encuentran un autorretrato de Vincent van Gogh escondido en un lienzo de 1885

Fuente: Perfil ~ El hallazgo fue gracias al uso de rayos X aplicados a una obra conservada en la Galería Nacional de Escocia.

Vincent van Gogh, el artista nacido en 1853 en los Países Bajos, solía pintar sobre todo lienzo que encontraba: trapos, manteles, telas usadas, por eso no resultó extraño descubrir que detrás de una pintura suya de 1885 había un autorretrato que no había sido descubierto hasta la actualidad. Gracias al uso de rayos X se pudo constatar la existencia de esta obra detrás del Retrato de una campesina con cofia blanca, que pertenece a la colección de la Galería Nacional de Escocia.

Los encargados de hacer la evaluación fueron los expertos de esa galería que tiene el cuadro en su poder desde 1960, pero el hallazgo fue absolutamente casual. La razón por la que dieron con el autorretrato fue que estaban analizando el cuadro de la campesina para una exposición titulada A Taste of Impressionism (El gusto del impresionismo).

Van Gogh 5
Exhibición inmersiva “Imagine Van Gogh”

La exposición se llevará adelante y se sumarán las imágenes captadas en rayos X, para que el público pueda observar el autorretrato y, una vez finalizada la muestra, avanzarán en la restauración del cuadro del rostro del pintor. Frances Fowle, conservadora de la sala escocesa declaró a The Guardian que el proceso “debe hacerse con mucho cuidado y no queremos apresurarnos”.

“Este período en el que comenzó a producir autorretratos fue clave en el desarrollo de su estilo maduro, cuando comenzó a experimentar con su propia pincelada distintiva. Van Gogh fue un pensador muy independiente y desarrolló su nuevo estilo radical muy rápido”, destacó la especialista.

Louis van Tilborgh, desde el museo que lleva el nombre del artista en Ámsterdam, aseguró a El País de España que se trata de un autorretrato auténtico y que “encaja en una especie de serie, porque Van Gogh tiene al menos ocho cuadros en los que se pintó a sí mismo por detrás del lienzo”. 

Van Gogh camuflado y olvidado

Según se pudo reconstruir el cuadro de la campesina fue adquirido en 1923 por Evelyn Saint Croix Fleming, la madre de Ian, el autor de los libros del espía James Bond y en 1960 llegó al museo.

La campesina retratada pudo haber sido Gordina de Groot, apodada Sien, que también aparece entre los comensales de la tela Familia comiendo patatas de 1885. 

Europa parece ignorar la guerra y se vuelca a la compra de arte

Fuente: Cronista ~ Fuerte suba de precios en las ventas en París y Londres. Las mayores ventas han sido de obras de Claude Monet y de Francis Bacon. Crece la valoración de las artistas mujeres y de la escultura.

Este es el momento más difícil en el continente europeo. Con una inflación promedio del 10% anual y la incertidumbre por el suministro de petróleo y gas, y eventualmente de alimentos para algunos países, y los elevados aumentos en los commodities alimentarios.

Las mayores ventas han sido de obras de Claude Monet y de Francis Bacon. Tanto en Londres como en París el éxito de ventas y precios fue arrollador. Más tímida fue la venta en Milán, de arte contemporáneo italiano, que recaudó 8 millones de dólares, siendo como siempre el mayor precio un Lucio Fontana pequeño (33×24 cm), con un sólo tajo y fondo rojo, que superó el millón de dólares.

Phillips hizo una venta de modernos que recaudó 25 millones.

Sotheby’s colocó un autorretrato de Andy Warhol en 17 millones de dólares y duplicó la estimación de un bellísimo elefante de Rembrandt Bugatti, realizado en el zoológico de Amberes, que se vendió en 2,4 millones de dólares.

Espectacular vista del puente de Waterloo, obra de Claude Monet

Hizo también un remate titulado «4 siglos de esculturas» y sorprendió un pequeño bronce, de 30 cm de alto, que cuadriplicó su base y era de un escultor alemán: Leonhard Kern (1588-1662), el tema era «Adán y Eva». También duplicó la base un estudio de nubes del alemán Gerhard Richter (92), de su época hiperrealista de 80×100 cm, que llegó a los 14 millones.

En otra subasta un soberbio estudio de nubes de John Constable, arrancó en 100 mil y se vendió en un millón de dólares; son pequeños estos óleos del ingles (24×30 cm) y sólo se pueden ver en el Victoria & Albert Museum de Londres.

En Christie’s superaron todas sus expectativas. Una escultura de Jeff Koons, titulada «Mono Globo», se pagó 13 millones y el dinero será una donación para las necesidades de los ucranianos. Una importante pintura, con su característico azul, de Yves Klein trepó hasta 35 millones. Una lindísima, y típica, escultura de Barbara Hepworth se pagó 7,5 millones de dólares y es una de las artistas con mayor valoración.

Elefante de Bugatti, vendido en 2,4 millones de dólares

Varias obras se Monet superaron los 10 millones y dos de ellas se vendieron en 40 millones de dólares. Una eran unos no muy atractivos nenúfares y la otra era una espectacular vista del Puente de Waterloo, que posiblemente pintó más de 20 veces. En esta pintura captó aquello que adoraba de Londres: su niebla. Lindo tamaño, de 65×107 cm, y en manos de la familia Bulova (la de los relojes) desde hace 70 años.

Fuerte valoración de las artistas mujeres y de la escultura en general. También hubo venta importante de arte africano y varios remates récord de vino.

¡Después de la pandemia muchos se dan cuenta que hay que darse los gustos en vida!

Marcelo Brodsky: “El arte ha tenido y tiene potencial de transformación del pensamiento”

Fuente: Clarín ~ El argentino, que expone en el MET de Nueva York, y el peruano Fernando Bryce, que está en el MoMa, trabajaron juntos en una obra que denuncia las “violencias ecológicas, sexuales y raciales que atraviesan la vida en Latinoamérica”.

​El artista argentino Marcelo Brodsky apela a la fotografía como herramienta para la búsqueda de la identidad, recogiendo el efecto del tiempo y de los sucesos acaecidos en su entorno personal y social. Muchos lo recordarán por su obra La clase, en la que sintetizó, sobre una fotografía tomada en 1966, el destino –tras la última dictadura militar argentina– de sus 32 compañeros de la sexta división de primer año en el Colegio Nacional de Buenos Aires, y fue posteriormente adquirida por el Museo Metropolitano de Arte (MET) de Nueva York, donde se exhibe como parte de su colección estable.

Ahora, Brodsky –representado por la galería porteña Rolf Art y que participa de la muestra Bienalsur– viene de trabajar a cuatro manos con el peruano Fernando Bryce: juntos trabajaron en el mes de junio en una residencia en Miami para crear Territorios, una obra de denuncia sobre «las violencias de las que es víctima Latinoamérica», y en la que retratan los casos de 10 activistas muertos en nueve países del continente, desde el histórico exguerrillero sandinista Hugo Torres, que se encontraba detenido en Nicaragua cuando murió en febrero pasado, a Berta Cáceres, asesinada en 2016 por oponerse a la construcción de una hidroeléctrica en Honduras.

Están también el activista ambiental brasileño Chico Mendes, asesinado en 1988 por parte de madereros y criadores de ganado, y la activista brasileña asesinada en 2018 Marielle Franco, «emblema de la resistencia contra (el presidente brasileño Jair) Bolsonaro», en palabras del artista. Hay otros.Marcelo Brodsky Fernando Bryce. "En América Latina, sufrimos la matanza de gente, la degradación de la democracia. Es como un despedazamiento", dicen. / Foto: gentileza

Marcelo Brodsky Fernando Bryce. «En América Latina, sufrimos la matanza de gente, la degradación de la democracia. Es como un despedazamiento», dicen. / Foto: gentileza

Por el momento, la pieza permanece en el Espacio 23 de Miami, donde se hizo: «Será enmarcada y se le construirá una caja de madera para su transporte. Estamos conversando con distintas instituciones museísticas para decidir donde se exhibirá primero», explica él a Clarín Cultura. «Es una obra fundamental para mí, un turning point en mi carrera, como lo fue La Clase hace 25 años.»

En su primera obra en conjunto, Bryce y Brodsky apuestan, entonces, por una composición de grandes dimensiones (3 x 1,62 metros) en la que mezclan el arte de denuncia y el fotoperiodismo.

En esta ocasión, el artista argentino pintó sobre fotografías de heridas que el ser humano infringe al medio ambiente, de deforestación, de vertidos de petróleo, en su mayoría del fotoperiodista Rodrigo Abd, mientras que Bryce –que expone actualmente en el Centro de Arte Reina Sofía y con obras en colecciones de todo el mundo incluyendo el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA)– se centró en los retratos de los activistas.Un fragmento de la obra "Territorios", que denuncia violencias. / Foto: gentileza prensa

Un fragmento de la obra «Territorios», que denuncia violencias. / Foto: gentileza prensa

Y, en conjunto, aportaron su visión personal al adaptar el cuadro El martirio de San Hipólito, del pintor flamenco Dirk Bouts (1410/1420-1475), en el que se ve cómo cuatro hombres a caballo desmiembran a un hombre, imagen que ocupa el centro de su obra y que refleja, apuntaron, la actual situación de ataques a los activistas y defensores de los derechos civiles en la región.

«En el caso de América Latina, sufrimos la matanza de gente, la degradación de la democracia, es como un despedazamiento. Asistimos a la destrucción de la naturaleza, de nuestro territorio», explica Brodsky desde Miami.

Si inicialmente querían abordar la invasión de Ucrania por parte de Rusia pasaron a tratar sobre las «problemáticas ecológicas, sexuales, raciales, de la naturaleza, etc., que atraviesan en este momento la vida de todos nosotros», explicaron.El artista peruano Fernando Bryce y el argentino Marcelo Brodsky se unieron este mes de junio en una residencia en Miami para crear “Territorios”. / Foto: gentileza

El artista peruano Fernando Bryce y el argentino Marcelo Brodsky se unieron este mes de junio en una residencia en Miami para crear “Territorios”. / Foto: gentileza

–Más allá de los casos que documenta la obra, ¿qué potencial creés que tiene el arte en el mundo contemporáneo a la hora de visibilizar las violencias múltiples con las que convivimos, sobre todo en países subdesarrollados o en vías de desarrollo?

El arte ha tenido y tiene potencial de transformación del pensamiento en todas las épocas, desde la caverna al tiempo de hoy. Nosotros llamamos a esta obra arte en tiempo real: hemos pasado de trabajar sobre la historia, sobre nuestro pasado en un sentido amplio, desde los inicios del siglo XX en el caso de Fernando hasta las movilizaciones de 1968 en el mundo en el caso mío, y decidimos trasladarnos al presente.

Habíamos venido a Miami con la idea de trabajar sobre la guerra en Ucrania, pero cuando empezamos a conversar en esas largas charlas compartiendo un espacio de trabajo creativo, volvimos al pago. Queremos hablar de lo que pasa por casa, y ¿qué pasa? Se está destruyendo nuestro ecosistema, se está avanzando sobre la naturaleza, la lógica de la acumulación sin fin destruye el planeta.

“Queremos hablar de lo que pasa por casa: se está destruyendo nuestro ecosistema, se está avanzando sobre la naturaleza, la lógica de la acumulación sin fin destruye el planeta.”

Explica: «Pensamos entonces que si bien la lucha por enfrentar esta lógica es central, ser ecologista, ser feminista, luchar por la memoria, por la verdad y por la justicia no es una paseo, no se trata de comer lechuguita y listo. Defender el planeta y todo lo demás que necesitamos defender cuesta vidas, la gente que está en la primera linea de esa defensa, en los territorios en disputa, es asesinada. Justamente cuando estabamos discutiendo en la residencia cómo hablar de la ecología en América Latina recibimos la noticia del asesinado de Jesusita Moreno, una dirigente social afroamericana de la región del Chocó en la costa pacífica colombiana.

En ese momento decidimos que la mejor manera de abordar esta cuestión era combinar las imágenes de la destrucción de la selva, de la minería ilegal, de los derrames de petroleo y del fuego en el verde con los retratos de los que han dado la vida por defender esos espacios y los derechos asociados a ellos. Los derechos de las mujeres, de los indígenas, de los afroamericanos, de los marginados de nuestra América. Los que dieron la vida por ello. Por eso incluimos a Marisel Escobedo, de Ciudad Juarez, que enfrentó el feminicidio de su hija hasta que fue asesinada ella misma en la plaza de Chihuahua, México.

También a Hugo Torres, un comandante de la revolución sandinista encarcelado por la dictadura de Ortega hasta que murió en la cárcel en febrero de este año. Incluimos también a Marielle Franco, emblema de la resistencia a Bolsonaro, asesinada en Rio de Janeiro por sicarios relacionados con el poder ultraderechista que asola ese país. A dirigentes indigenistas, ecologistas, a Jorge Julio López, un representante cabal de la coherencia del testigo y de su misión. Todos estas violencias superpuestas que vivimos son tomadas aquí y sus víctimas son reivindicadas como ejemplo, y como precio de cumplir con un compromiso con los territorios, de la naturaleza y de las ideas.

–¿Qué puede hacer el arte por ellos?

–Poner en valor ese compromiso, rescatándolos e indicando los costos que tiene esa coherencia. Lo hacemos en el marco del circuito cultural, con la misión de extender la discusión, abrir interrogantes, proponer un camino.

–¿Cómo surgió, puntualmente, la idea y por dónde arrancaron?

–Dibujamos el Tupac Amaru en un metro y medio a cuatro manos y lo pusimos en el centro de la mesa es decir en el centro de la composición. A partir de ese momento ubicamos las fotografías de la naturaleza, que licenciamos a Rodrigo Abd, e intervenimos con color y acuarela y los dibujos de los dirigentes sociales. Todo sobre la base de una conversación permanente sobre la fragmentación del territorio y del cuerpo, la degradación de la democracia, la destrucción del entorno, la resistencia, los asesinatos.

El blanco y negro de los retratos a tinta se complementó bien con el color de las fotos intervenidas potenciándose mutuamente. Todas las decisiones se tomaron de común acuerdo, el diseño, la selección de imagenes, la composición, los textos.

–El «artivismo» parece demostrar que es cada vez más frecuente el cruce entre arte, actualidad y política, ¿cuáles son los artistas que te inspiran? ¿Reconocés en este sentido una tendencia?  

–Actualidad, arte y política siempre estuvieron entrecruzados, pero cada artista aborda este cruce con sus propias prioridades e instrumentos, con sus propios conceptos y con sus objetivos. En primer lugar, me inspiran los artistas con los que dialogo, a través de la obra o personalmente.

Todo artista está en permanente conversación con los que lo precedieron. con la historia del arte: visitamos museos, exposiciones, participamos de iniciativas colectivas, y en ese movimiento se va conociendo a los artistas presentes, los distintos períodos, la acción a través del arte. Toda obra se refiere de alguna manera a alguna obra anterior, a todas las obras anteriores.  

En concreto, los artistas que nos inspiraron para realizar Territorios son aquellos cuya obra era arte del presente, arte de su presente, arte en tiempo real. Podemos mencionar a Pablo Picasso, a Francisco de Goya, por centrarnos en el ámbito cultural de nuestra lengua, y para no pretender abarcar un mundo de referencias infinitas. Ambos trabajaron transformando en arte la experiencia de su vida, y contribuyeron con su obra a entender mejor el mundo.

Ficha

  • Territorios es el fruto de su residencia este mes de junio en El Espacio 23, el espacio de arte contemporáneo de Jorge M. Pérez en Miami.

Incluye información de EFE 

El mundo del arte suspira aliviado: la justicia dice que el autor de una obra es el que la concibe y no el que la ejecuta

Fuente: La Nación ~ Así lo consideraron los tribunales franceses en el resonante caso contra Maurizio Cattelan: el superstar había sido demandado por un asistente que le reclamaba la autoría de sus obras.

Maurizio Cattelan es un reconocido -y muy cotizado- artista conceptual italiano. Su fama se disparó cuando, en diciembre de 2019, presentó en Arte Basel Miami una banana pegada con cinta adhesiva a una de las paredes de la reputada feria, una obra valorada en 120.000 dólares que terminó devorada por un performer antes de que acabara el evento, sin dar siquiera tiempo a que la fruta se pudriera. Otras obras suyas, no menos controvertidas, son más duraderas. Y son las que podrían haber abierto una caja de truenos que amenazaba con sacudir todo el mundo del arte: el escultor francés Daniel Druet, que elaboró, bajo instrucciones de Cattelan, las figuras de cera que formaban parte esencial de varias de sus obras más reputadas, reclamaba que se reconocieran sus derechos de autor.

Una de las obras en litigio era "Him" que representa a un Hitler orando, de rodillas
Una de las obras en litigio era «Him» que representa a un Hitler orando, de rodillasChesnot – Getty Images Europe

La tercera cámara del Tribunal Judicial de París ha desestimado ayer en una sentencia recurrible, la demanda de Druet, quien pedía cinco millones de euros. De atenderse, su reclamo habría “abierto la puerta a la descalificación del arte conceptual”, como advirtieron en una nota publicada en Le Monde en mayo pasado más de sesenta galeristas, directores de museos, comisarios o coleccionistas. “Si Druet gana, todos los artistas serán denunciados y será el fin del arte conceptual en Francia”, había alertado también Emmanuel Perrotin, galerista de Cattelan desde los años noventa y uno de los demandados por el escultor francés, muy reputado entre los expertos por sus figuras hiperrealistas de cera y otros materiales, pero ampliamente desconocido más allá de su círculo.

La sentencia es contundente. No solo declara inadmisibles las demandas de Druet, sino que lo condena además a pagar 20.000 euros como compensación por gastos del juicio a dos de las partes demandadas: la Galería Perrotin, que le encargó las figuras en nombre de Cattelan, y el Museo de la Moneda de París, que expuso en 2016 una retrospectiva de Cattelan sin incluir el nombre de Druet en la muestra.

Pero para el defensor de Perrotin, Pierre-Olivier Sur, la sentencia tiene una importancia mayor aún porque, según ha explicado a periodistas en su bufete en París tras recibir el fallo del tribunal, hace jurisprudencia, por primera vez, sobre lo que es arte conceptual, sus autores y sus límites. Y este tipo de arte, indican los jueces de la sección especializada en propiedad intelectual que asumió el caso, no se limita a las figuras en sí —que son las que elaboró Druet para Cattelan—, sino a la “puesta en escena” de la obra, la instalación en todo su conjunto y no elementos individuales del mismo.

“No se discute que las directivas precisas de puesta en escena de las figuras de cera en una configuración específica, sobre todo en lo que se refiere a su posicionamiento en el seno de los espacios de exposición con la intención de jugar con las emociones del público (sorpresa, empatía, diversión, repulsión, etc.) solo emanan de él [Cattelan]”, destaca el fallo. “Daniel Druet no es capaz, ni buscaba hacerlo, de arrogarse la menor participación en las decisiones relativas al dispositivo escénico de puesta en situación de dichas efigies (elección del edificio y de la dimensión de las salas que acogen a un determinado personaje, dirección de la mirada, iluminación, incluso destrucción de una ventana o del parqué para hacer más realista la puesta en escena y más llamativa), o sobre el contenido del eventual mensaje que se busca transmitir con dicha puesta en escena”, agregan los jueces en su argumentación.

“Hemos ganado en derecho y en fondo”, celebró el abogado Sur. “Por primera vez, los jueces han definido en derecho lo que es el arte conceptual y han sacado las consecuencias jurídicas sobre quién es el autor, etc.”, explicó a periodistas. A su juicio, esta sentencia es “determinante” porque “puede constituir jurisprudencia para definir el arte conceptual, que jamás había sido jurídicamente definido”, al menos en Francia, precisó. “Más allá de esta decisión, es todo el arte conceptual el que queda protegido”, valoró también el profesor de Derecho Pierre-Yves Gaultier. Un extremo que niega el abogado de Druet, Jean-Baptiste Bourgeois, quien, sin embargo, indicó por teléfono que no ha decidido aún con su cliente si apelarán.

Instalación artística del italiano Maurizio Cattelan, "La Nona Ora" en la que aparece la figura del papa Juan Pablo II abatido por un meteorito, en en París, en octubre de 2017
Instalación artística del italiano Maurizio Cattelan, «La Nona Ora» en la que aparece la figura del papa Juan Pablo II abatido por un meteorito, en en París, en octubre de 2017Chesnot – Getty Images Europe

Druet reivindicaba que fue el que hizo realidad muchas de las visiones del italiano, quien en numerosas ocasiones ha reconocido que no sabe ni pintar ni esculpir. “Soy artista porque no era bueno como falsificador”, ironizaba en una entrevista con este diario en 2018. El francés, que colaboró con el italiano entre 1999 y 2006, es la mano (¿de obra, más que eso?) detrás de hasta nueve piezas encargadas por Cattelan, dos de ellas clave en la consolidación de la fama, y la cuenta bancaria, del italiano: La Nona Ora, que muestra al Papa Juan Pablo II aplastado por un meteorito y fue vendida por tres millones de dólares (unos 2,7 millones de euros), y Him, que representa a Hitler arrodillado y rezando y que tenía también un jugoso precio: 17 millones (15,8 millones de euros).

Aunque el pontífice y el tirano genocida —del que el escultor francés guarda aún una réplica en su taller en Saint-Ouen, en las afueras de París— fueron realizadas por Druet, es Cattelan el que ideó las obras y le dio al francés las instrucciones para fabricar las figuras. La precisión de esas instrucciones, que el abogado del francés calificó de vagas durante el juicio, fue una de las claves del proceso y de la decisión final de los jueces. “He dado una patada en el hormiguero”, decía Druet en una entrevista en mayo, en referencia a lo que califica de “sistema” en vigor: el de los artistas conceptuales que se atribuyen toda la autoría cuando una parte del trabajo se la hacen otros artistas o artesanos como el propio Druet. Los jueces sin embargo, han vuelto a tapar ese “hormiguero”. Y el mundo del arte suspira aliviado.

Roban a mazazos joyas de una prestigiosa feria de arte en Países Bajos

Fuente: La Nación ~ Ocurrió durante el martes en una feria que se realiza en la ciudad de Maastricht, a plena luz del día.

A plena luz del día, un grupo de delincuentes asaltaron este martes en los Países Bajos, una prestigiosa feria de arte en la ciudad de Maastricht. Un video que registró el hecho muestra como hombres utilizan un mazo para romper una vitrina.

Un poco después, la policía dijo que había detenido a dos personas y había cerrado calles aledañas a la feria y uno de los principales túneles de la ciudad.

“La policía investiga un posible robo armado en la TEFAF [la Feria Europea de Bellas Artes] en Maastricht. Se cree que cuatro sospechosos están involucrados. Varias unidades los buscan actualmente”, afirmó en Twitter la policía de la provincia de Limburgo, la región del país que incluye a Maastricht.

También difundió las imágenes que muestran el momento en el que los hombres rompen la vitrina con un mazo. Según los medios de comunicación holandeses, la vitrina contenía artículos de un joyero de Londres.

Una importante feria

Maastricht desarrolla desde el 24 de junio, y hasta el día 30, la 35° edición de su aclamada feria. En esta ocasión hay 240 galeristas que pertenecen a más de 20 países y representan a sectores tan diversos como el diseño o los anticuarios. La feria llegó a atraer a 70.000 visitantes en ediciones anteriores.

Según consignó el diario español El Mundo, el local asaltado corresponde a la joyería londinense, Symbolic & Chase, que ofrecía joyas antiguas. El asalto se produjo mientras había visitantes en los alrededores. Al menos uno de los dos que atacaron la vitrina usó un arma de fuego.

La policía neerlandesa informó que, tras el hecho, fueron detenidos un joven de 22 años, y otro de 26, ambos de Bélgica. Los dos sujetos conducían un un automóvil gris con matrícula de ese país. Sin embargo, su posible participación con el hecho “aún está bajo investigación”, informaron. Añadieron, además, que “otros sospechosos aún están siendo investigados”.El asalto ocurrió en la ciudad de Maastricht este martes, a plena luz del día

Las autoridades confirmaron que los delincuentes lograron hacerse de algunas joyas, aunque no brindaron detalles sobre los objetos concretamente sustraídos.

Operativo

Una vez que se registró el robo, las fuerzas de seguridad cerraron la autovía y el túnel más cercano, desplegaron un helicóptero policial, así como también perros rastreadores.

Asimismo, se inició una exhaustiva revisión de las cámaras de seguridad del complejo, que acoge la feria de arte desde el viernes. También se llevó adelante una toma de declaración a los testigos.

Otras imágenes que circulan del robo exponen cómo uno de los ladrones golpea el vidrio con el mazo, toma un puñado de elementos, los introduce en una bolsa y luego sale corriendo, acompañado de otros tres cómplices. Actuaron a cara descubierta.

Desde las primeras horas del hecho, permanece como una incógnita cómo fue posible que los sujetos ingresaran con un significativo mazo al evento, teniendo en cuenta que hay fuertes medidas de seguridad en la entrada, que incluye el chequeo de bolsos y elementos personales.

“TEFAF cuenta con sólidos procedimientos en caso de una brecha de seguridad. Estos se siguieron con precisión y todos los visitantes, expositores y personal fueron evacuados de forma segura. La feria ya ha reabierto sus puertas”, indicaron desde la organización de la feria.

El MECC, el complejo en el que se desarrolla la feria, estuvo cerrado temporalmente por unas horas luego de una evacuación ordenada por razones de seguridad. Sin embargo, el sitio fue reabierto poco después. “La policía neerlandesa llegó al lugar al cabo de unos minutos, nadie resultó herido”, informaron.

Con información de AFP

Cuál es la obra de arte más cara del mundo

Fuente: MDZ ~ La obra data del año 1500 y fue creada por Leonardo da Vinci. Fue subastada por la casa Christie’s por $400 millones de dólares.

Leonardo da Vinci es uno de los artistas más reconocidos de la historia por trabajos como La Gioconda (1503-1519) y La Última Cena (1495-1498). No obstante, únicamente se conocen alrededor de 20 obras suyas siendo una de ellas la más cara del mundo, la cual se subastó en 2017 por un exorbitante precio.

Se trata de Salvator Mundi, que fue pintada con la técnica de óleo sobre nogal y data del año 1500. La imagen muestra a Cristo con un vestido renacentista, impartiendo la bendición con la mano derecha mientras sostiene una esfera de roca cristalina en su mano izquierda, imagen de la esfera celestial con la que era simbolizado su papel como salvador del mundo y maestro del cosmos.

Salvator Mundi fue pintada con la técnica de óleo sobre nogal. Fuente: Wikipedia.

Algunos investigadores creen que se trata de una copia del original perdido y que fue redescubierta en 2005, restaurada e incluida en una importante exposición de Leonardo Da Vinci en la National Gallery de Londres, en 2011-2012. Hasta hoy, muchos especialistas no la consideran como la obra original pese a que se vendió por millones de dólares.

Leonardo da Vinci: el precio de Salvator Mundi

Actualmente Salvator Mundi se encuentra en manos privadas: lo tiene el príncipe heredero de Arabia Saudita, Mohamed bin Salmán, en su yate. Es conocido por ser un hombre muy excéntrico, ya que también compró la vivienda más costosa del mundo, el Chateau Louis XIV, además de tener otras propiedades en varios países.

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Fue un consorcio de distribuidores de arte que la redescubrió en 2005 y creyendo simplemente una obra muy sobrepintada, por lo que parecía una copia. Pasaron los años siguientes haciendo restaurar la pintura por Dianne Dwyer Modestini en la Universidad de Nueva York y autenticarla como una pintura de Leonardo da Vinci.

Luego de pasar por la National Gallery de Londres, en 2013 la compró el suizo Yves Bouvier por un poco más de $75 millones de dólares en una venta privada en Nueva York. Más tarde la adquirió el ruso Dmitry Rybolovlev por $127 millones, pero generó una pelea con Bouvier quien fue acusado de inflar el precio.

Tras exhibirse en Hong Kong, Londres, San Francisco y Nueva York en 2017, la casa de subastas Christie’s la puso en su catálogo, pero en la categoría de arte contemporáneo y no de viejos maestros. Finalmente se vendió de manera anónima por un precio de $450 millones de dólares, de los cuales, $50 millones fueron destinados a honorarios.

¿Te imaginabas el estratosférico precio de esta pintura de Leonardo Da Vinci?