Categoría: Exterior

Fuente: Este cuadro renacentista de Van Eyck tiene un mensaje oculto que sólo pocos pudieron encontrar en sus trazos.

Las pinturas de la antigüedad y del renacimiento son las más complejas, precisas y realistas de todo los tiempos. Cuadros como la Gioconda o Mona Lisa de Leonardo Da Vinci, las Meninas de Rembrandt y las representaciones en la Capilla Sixtina de Miguel Ángel son consideradas las mejores obras de arte de la historia.

Sin embargo, existe una pintura en particular que está catalogada como una de las más detalladas. Se trata de la Virgen del canónigo Van der Paele, de Jan Van Eyck, pintada en 1436.

Por qué Madonna del canónigo Van der Paele, de Jan Van Eyck. es una de las pinturas más detalladas

Según el análisis del usuario «Jeferson Nasa», esta pintura renacentista está llena de detalles y precisiones que aportó el autor en la obra, en la que cada uno de los trazos parece tener un propósito y sentido único.

El detalle más impresionante lo compone el clérigo de la pintura, Joris van der Paele, un clérigo rico que, si bien puede que uno piense que no le pasa nada malo, los «detalles empiezan a revelar lo contrario», dice el usuario.

Según este análisis, su rostro está intencionalmente detallado. El clérigo tiene las arterias temporales hinchadas, pérdida de cabello delante de la oreja y una mirada divergente. 

El trazo de Jan Van Eyck muestra que este hombre tiene «arteritis temporal, una de las pocas enfermedades que pueden provocar ceguera». El hombre tiene en su mano un libro y unos anteojos. 

La escena que ve el clérigo con Jesús, la Virgen María y San Jorge parece ser una ilusión luego de que su vista fallara. Más allá de esto, según el usuario, «Joris está de rodillas en oración, como si estuviera buscando perdón»

En el siglo XV, cuando se pintó este cuadro, la ceguera se consideraba un castigo por inmoralidad sexual. Así que tal vez este sea su momento de confesión.

Hay otro detalle impresionante que destacan. En la armadura de San Jorge hay un reflejo tenue de un hombre. Al parecer se trataría del propio Van Eyck, que estaría ubicado a un metro de distancia, es decir, la distancia a la que querría él que se pare el espectador el espectador.

Al parecer, van Eyck tiene la intención de que las personas se sumerjan vean ese detalle y esa es la distancia óptima desde para hacerlo.

De qué trata la Madonna del canónigo Van der Paele, de Jan Van Eyck

Por su parte, el portal especializado La Finestra Sull’Arte, explicó el cuadro «representa una compleja estructura teológica basada en diferentes niveles de interpretación y significado».

Según este análisis, la representación artística de Van Eyck muestra en el centro a la Virgen con el Niño, sentada en un alto trono coronado por un dosel. 

La Madonna de Joris van der Paele», según La Finestra sull’Arte es un ejemplo magistral de pintura religiosa flamenca, rica en simbolismo y detalles históricos. 

A la derecha de la Virgen María está San Donaciano, patrono de la colegiata de Brujas, ocupa un lugar destacado. Con mitra decorada y casulla bordada, sostiene una rueda de cinco velas y un relicario, elementos que subrayan su identidad y función sagrada. 

En la escena, frente a él y a la izquierda de María, aparece Joris Van Der Paele, el donante, arrodillado con un libro de oraciones y anteojos, signo de reflexión tras su lectura. 

San Jorge, su santo patrono, lo presenta ante la Virgen, portando una armadura dorada con la inscripción hebrea «Adonai». Este gesto de introducción destaca el vínculo espiritual entre el donante y las figuras sagradas. 

Van Eyck incluye reliquias reales veneradas en la iglesia de Brujas, como las del Santo Sepulcro, la Cruz y San Jorge, integrándolas en la composición para añadir autenticidad y profundidad. 

Según el portal, la obra no solo busca glorificar al donante, sino también rendir tributo al duque Felipe el Bueno, dado que la iglesia era su parroquia. 

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Fuente: Clarín – Uno de los cuadros que René Magritte ideó como parte de la serie El imperio de la luz se subastó ayer martes en la casa Christie’s, en Nueva York, por 121 millones de dólares, un precio récord de venta a nivel mundial para cualquier obra del artista y cualquier pieza del movimiento surrealista.

Tras una puja de 10 minutos, la pintura que juega con luces y sombras hasta confundir el día con la noche fue rematada por 121.160.000 dólares, «un récord mundial», afirmó la casa Christie’s.

En esta obra, que pertenece a una serie de 27 óleos del mismo tema, el pintor representa un paisaje de naturaleza oscuro con una casa en el centro, iluminada de manera tenue una farola y un cielo soleado. La tela integraba la colección privada de la diseñadora y mecenas de origen rumano Mica Ertegun, fallecida a los 97 años en diciembre pasado.

Este imperio de la luz es una de las 19 piezas de la colección de la empresaria de interiores Mica Ertegun, enfocada en obras del siglo XX, que se subastaron en Nueva York.

Los ‘Magritte‘ eran recurrentes en el repertorio de Ertegun: así, ‘La cour d’amour’, un cuadro en el que el belga pinta dos puertas -una que da a un cielo soleado y otra a una cortina roja- se vendió hoy por 10,5 millones de dólares, mientras que ‘La Memóire’, en la que dibuja un busto femenino con un ojo sangrando, se vendió por 3,6 millones.

La venta del Magritte, que coincide con el centenario del movimiento surrealista, era uno de los destaques de la actual temporada de subastas en Nueva York, cuyo mercado espera recuperarse del retroceso sufrido el año pasado.

Otros récords

También, batió un récord hoy un cuadro del francés Amedee Ozenfant, que se vendió por 1 millón de dólares, convirtiéndose así en la obra del artista más cara hasta ahora.L’empire des lumières, de René Magritte. Foto: Christie’s.

El resto de obras que se subastaron no alcanzaron precios ni remotamente cercanos al preciado Magritte: ‘Still Life on a Glass Table’, un cuadro en el que David Hockney pinta con tonos azules y anaranjados una mesa de cristal repleta de objetos, se coronó como la segunda pieza más cara con un precio de 19 millones de dólares.

De Hockney también se vendió una pintura en la que el artista hace un homenaje a Pablo Picasso representando parte del mural que pintó el español en un castillo de Provenza (en Francia), por un precio de 9 millones de dólares.

Los coleccionistas también le echaron el ojo al cuadro ‘Peinture’ de Joan Miró, vendido por 4,8 millones de dólares, y a una escultura de David Smith, ‘Tanktotem X’, subastada por 2,4 millones de dólares.

Además, una pintura de Ed Ruscha se vendió por 2,7 millones, superando el precio estimado, mientras que un cuadro hecho por Picasso en Cannes apenas superó el precio de salida y se vendió por 403.200 dólares.

“El exorcista”

Hace dos años, otro de los cuadro de la misma serie El imperio de la luz de Magritte ya había sido vendido en casi 80 millones de dólares en una subasta en Londres, un récord en ese momento para el artista surrealista belga. La casa Sotheby’s estimaba entonces que la pieza podría valer más de 60 millones de dólares.FOTO DE ARCHIVO: Un empleado de Sotheby’s posa con la obra de arte ‘L’empire des lumieres, 1961’ de Rene Magritte, expuesta antes de su subasta en Sotheby’s en Londres, Gran Bretaña, 22 de febrero de 2022. REUTERS/Tom Nicholson

Sotheby’s consideraba entonces que este cuadro es «sin duda el más cinemático de toda la obra de Magritte» y destacó que inspiró escenas del filme de horror El Exorcista salido en 1973 ​y del afiche de la película en la que se ven puntos de contacto con los toques surrealistas de Magritte.

Fuente: Clarín – ¿Quién escribió en el famoso cuadro de Edvard Munch la frase: ¡Sólo podría haber sido pintado por un loco!?. Un misterio que nadie podía resolver desde 1893.

El propio Edvard Munch fue el autor de la misteriosa frase oculta en el fondo de la primera versión de su famosa pintura El grito, de 1893: «¡Sólo podría haber sido pintado por un loco!».

Las primeras imágenes de Munch crearon indignación y debate en su época, hace unos 120 años. La primera vez que se menciona la inscripción fue en relación con una exposición en Copenhague en 1904, once años después de que Munch pintara El grito.

En ese momento, un crítico de arte danés pensó que lo había escrito un miembro del público. Es fácil imaginar a un espectador indignado, frente a El grito, tomando un lápiz y expresando su opinión tanto sobre la obra de arte como sobre su creador. Pero ese no fue el caso.Inscripción oculta en El Grito de Munch (Nasjonal Museet/Borre Hostland).

Una investigación en el Museo Nacional de Noruega en 2021 reveló que la escritura pertenecía al propio Edvard Munch.

Mai Britt Guleng, curador del Museo, trabajó extensamente en las obras de Edvard Munch. El Grito es una de varias obras que se han conservado y examinado desde que cerró la antigua Galería Nacional noruega.

Entre otras cosas, la pintura se fotografió con una cámara de infrarrojos, lo que hizo que la escritura se destacara claramente del fondo pintado y, por lo tanto, agregara un nuevo giro a la historia.La pintura se fotografió con una cámara de infrarrojos, lo que hizo que la escritura se destacara claramente (AFP).

No hay duda de que la inscripción es de Munch. La escritura en sí y los eventos que ocurrieron cuando Munch exhibió la pintura por primera vez en Noruega apoyan esta conclusión, dice Guleng en un comunicado.

«Tienes que acercarte bastante para ver la inscripción. Rara vez encontramos tales inscripciones en pinturas, particularmente en una de las más famosas del mundo. Dado que se trata de una obra tan importante en la historia del arte internacional, la inscripción ha recibido una notable pequeña atención».

Versión desechada detrás del lienzo

La versión del Museo Nacional de Noruega de El Grito es la primera. En la parte posterior del cuadro hay una versión parcial con una composición ligeramente diferente. Munch la desechó, dio la vuelta al lienzo y pintó El grito como lo conocemos hoy. El Grito es uno de los cuadros más famosos de la historia (AFP).

La fotografía infrarroja de la pintura no reveló bocetos o sobrepinturas desconocidos, pero la inscripción apenas visible se hizo mucho más clara.

«La escritura siempre ha sido visible a simple vista, pero ha sido muy difícil de interpretar. A través de un microscopio, se puede ver que las líneas de lápiz están físicamente encima de la pintura y se han aplicado después de que se terminó la pintura», dice Thierry Ford, conservador de pinturas en el Museo Nacional.

«Elegimos fotografiarlo con una cámara de infrarrojos para obtener una imagen más clara de la inscripción. En una foto de infrarrojos, el carbón del lápiz se destaca con mayor claridad y facilita el análisis de la escritura a mano. Y no tienes que impactar la pintura en sí», explicó.

Agencia Europa Press.

Fuente: TN – Científicos señalan que la escena que muestra “La noche estrellada” no es tan irreal como parece en un primer acercamiento. ¿Los remolinos que pintó el artista neerlandés pueden verse en el cielo real?

“El cielo nocturno de Vincent van Gogh es un campo de energía turbulenta. Debajo de las estrellas que explotan, el pueblo es un lugar de orden tranquilo. Conectando la tierra y el cielo está el ciprés con forma de llama, un árbol tradicionalmente asociado con los cementerios y el luto”. Tal es la descripción de La noche estrelladaen el sitio oficial del MoMA, el museo que actualmente exhibe esta pintura, una de las más famosas del artista neerlandés, que a más de un siglo de su creación es el eje de un nuevo y singular estudio científico.

Una investigación liderada por Yongxiang Huang, científico de la Universidad de Xiamen, en China, la representación del cielo nocturno en la pintura de van Gogh respeta “sorprendentemente” las leyes de la física. Esta conclusión revela datos inesperados acerca de aquellos trazos que, en un primer acercamiento, podríamos considerar más propios de la imaginación que “basados en hechos reales”.

La noche estrellada de Vincent van Gogh y su respeto a las leyes de la física

Los remolinos que vemos en esta obra de 1889, ahora exhibida en Nueva York, cautivan con sus colores vibrantes y sus “pinceladas dramáticas”, tal como observa la publicación Space. Ahora bien, detrás de ese carácter poético hay un basamento científico, asegura Huang.

En su estudio, el investigador señaló que los remolinos en La noche estrellada se ajustan a lo que se conoce como las “leyes del flujo turbulento”. En concreto, se alinea con la ley de Kolmogorov, una teoría de la turbulencia que predice el movimiento atmosférico y la escala en función de la energía inercial, explica Space. “La pintura también exhibe lo que se conoce como ‘escalamiento de Batchelor’, en referencia a las leyes de energía en la turbulencia escalar pasiva a pequeña escala que sigue al movimiento atmosférico”, agrega.

Para el estudio, los científicos de la universidad china analizaron las pinceladas de van Gogh a través de un escaneo de alta resolución. Siguiendo a la fuente, Huang manifestó su intención de seguir buscando evidencias científicas en obras de arte. “Es posible que lo abordemos de manera sistemática en el futuro si conseguimos financiación y tenemos estudiantes disponibles”, comentó el investigador.

Los hallazgos se publicaron recientemente en la revista Physics of Fluid.