Tras el ataque de activistas, “La Venus del espejo” vuelve a exhibirse en Londres

Fuente: Infobae – La emblemática pintura de Diego Velázquez, atacada el mes pasado por ecologistas, fue sometida a un tratamiento de conservación y volvió a ser colocada con un nuevo cristal

A un mes de ser levemente dañada por una organización ambientalista que utilizó la metodología de ataque como forma de denuncia contra los abusos al planeta, La Venus del espejo, la pintura icónica pintada entre 1650 y 1651 por Diego Velázquez, vuelve a exhibirse en la National Gallery de Londres.

El equipo de restauración estuvo trabajando sobre “los daños menores” que sufrió la pintura, luego de que el último 6 de noviembre dos activistas de la organización Just Stop Oil atacaron a martillazos el vidrio que protegía a la emblemática pintura y cometieron daños menores al emblemático y antiquísimo lienzo.

En un comunicado, el museo londinense explicó que la obra fue sometida a “un tratamiento de conservación por los daños menores sufridos en la superficie de la pintura” y que se le colocó un nuevo cristal. “Estamos encantados de tenerla nuevamente en exhibición”, agregó el texto citado por el diario español ABC.
Dos ecologistas del grupo «Just Stop Oil» rompen el cristal que cubre la pintura «La Venus del espejo», pintada por Diego Velázquez en el siglo XVII, el mes pasado en la National Gallery de Londres. Los manifestantes, que han sido detenidos, utilizaron martillos de seguridad para romper el cristal. EFE/JUST STOP OIL/
Dos ecologistas del grupo «Just Stop Oil» rompen el cristal que cubre la pintura «La Venus del espejo», pintada por Diego Velázquez en el siglo XVII, el mes pasado en la National Gallery de Londres. Los manifestantes, que han sido detenidos, utilizaron martillos de seguridad para romper el cristal. EFE/JUST STOP OIL/

La Venus del espejo fue pintado por Diego Velázquez entre 1650 y 1651. Se trata de la única representación de un desnudo femenino conservado hasta la actualidad del artista y tiene una gran importancia para la Historia del Arte porque la figura mitológica de Venus es revelada de forma muy realista.

El del 6 de noviembre pasado no fue el primer ataque del que fue blanco la obra del maestro sevillano: hace casi 110 años atrás, en 1914, Mary Richardson ejecutó siete cuchilladas al lienzo de Velázquez en demanda de la liberación de Emmeline Pankhurst, líder del movimiento sufragista británico, detenida por reclamar su derecho al voto. Richardson se plantó frente al cuadro, tomó el cuchillo que llevaba camuflado en su abrigo y cortó la tela siete veces con él.

“He tratado de destruir la imagen de la mujer más bella de la historia mitológica como protesta contra el Gobierno por destruir a la señora Pankhurst, que es el personaje más bello de la historia moderna”, había explicado en su momento la mujer que resultó condenada a seis meses de prisión, a raíz del atentado que causó un daño notablemente a la tela de Velázquez, restaurada finalmente tras años de trabajo.

Un siglo después de aquel episodio, la pintura volvió a ser la elegida para denunciar, ésta vez ya no por las mujeres sino por el medio ambiente. “Las mujeres no consiguieron el derecho al voto votando. Es la hora de la acción, no de las palabras. Es el momento de abandonar el petróleo. Si amamos la historia, si amamos el arte, si amamos a nuestras familias, debemos abandonar el petróleo”, manifestó en las redes el grupo ecologista nacido en febrero de 2022, cuando demandó al gobierno británico el fin de la producción de combustibles fósiles.

Liliana Maresca, la irreverente artista argentina, será homenajeada en Art Basel Miami Beach

Fuente: Infobae – Con una muestra histórica en el sector Survey, la obra de esta creadora será expuesta por primera vez en una muestra individual internacional durante Miami Art Week. Un recorrido por las obras en exhibición y por su carrera singular

Liliana Maresca fue una artista voraz, irreverente, con una carrera en la que le puso el cuerpo a su obra, a su pensamiento, y que marcó a toda una generación de creadores.

La creadora argentina, que nació en Buenos Aires en 1951 y murió en 1994, por complicaciones derivadas del virus HIV, tendrá en la nueva edición del Art Basel Miami Beach, del 8 al 10 de diciembre, un homenaje en Survey, espacio en el que se reúne a 17 galerías internacionales que destacan prácticas artísticas de relevancia histórica, con obras creadas antes del año 2000.

Así, a poco de cumplirse el 30 aniversario de su muerte, el legado de Maresca se presenta por primera vez en la feria internacional en un solo show, a través de la galería argentina Rolf Art, durante Miami Art Week.

Survey es un sector especial de la feria. Además de los proyectos comerciales que hay en la sección general, Galleries, la feria cuenta con un área que es curada y que solamente presenta proyectos de artistas o propuestas históricas de gran relevancia”, explicó Florencia Giordano, directora de Rolf Art.

La artista argentina en una imagen de la serie "Liliana Maresca con su obra", con fotografía de Marcos López.La artista argentina en una imagen de la serie «Liliana Maresca con su obra», con fotografía de Marcos López.

Maresca fue una artista con una activa participación en galerías y museos, aunque luego de su muerte, como suele suceder, su estela comenzó a apagarse. No obstante, jamás desapareció de la escena a partir de una obra potente, que varias décadas después de haber sido realizada continúa siendo vigente.

Te puede interesar: 24 galerías del mundo llegan por primera vez a Art Basel Miami Beach

Maresca es una artista fundamental de nuestra historia que tardó mucho tiempo en tener un reconocimiento, producto de una obra que es muy fuerte y no tan fácil de digerir para muchos”, dice Giordano. La obra de Maresca se encuentra en los principales museos de su país, así como en el acervo del Reina Sofía de España y en el de Tate Modern de Reino Unidos, entre otros.

Un ejemplo de la mirada Maresca del arte como campo ideológico-social podrá atisbarse en las piezas que se presentan en Miami, con una selección de imágenes en las que posó para el destacado fotógrafo-artista argentino Marcos López de las series Liliana Maresca con su obra (1983) e Imagen Pública – Altas Esferas (1993), el último trabajo que pudo presentar en vida.

Con una diversidad de soportes, Liliana Maresca trabajó su obra en el periodo posterior a la última dictadura argentina, en los 80 y los 90. (Fotografía de Marcos López)Con una diversidad de soportes, Liliana Maresca trabajó su obra en el periodo posterior a la última dictadura argentina, en los 80 y los 90. (Fotografía de Marcos López)

Maresca se movió en una amplia zona creativa: fue poeta y realizó esculturas, objetos, instalaciones, dibujos, pinturas y montajes gráficos, que se presentaron en más de 40 exposiciones individuales y colectivas. Su legado, explica la galerista, “está ligado a sus convicciones”, ya que “no era una artista que tuviera los medios para producir grandes obras, sino que con los elementos que tenía a mano, con su cuerpo y con sus ideas, tenía una posición muy contestataria”.

Te puede interesar: Miami Art Week: la guía completa para disfrutar desde Art Basel hasta las instalaciones en la playa

Las imágenes de Liliana Maresca con su obra se presentaron, por primera vez, en una muestra en el Centro Cultura Recoleta de Buenos Aires (1993), para luego participar de Perder la forma humana (2012/13), en el Reina Sofía de España, exhibición que en 2014 volvió a Argentina, al Centro de Arte Contemporáneo-Muntref.

En 2017, además, formaron parte de la exposición Radical Women (Mujeres radicales: arte latinoamericano, 1960-1985) en el Hammer Museum, Los Ángeles, donde también hubo obras de otras artistas icónicas de la región: otra argentina, Marta Minujín; las brasileñas Lygia Clark y Leticia Parente, las cubanas Ana Mendieta y Zilia Sánchez, y la colombiana Feliza Bursztyn. Esta exposición fue presentada luego en el Brooklyn Museum de Nueva York y la Pinacoteca de San Pablo, Brasil.

“Son las fotos de la artista con el torso, con sus bustos y varias de ella interactuando con sus propios objetos, siempre poniendo el cuerpo”, comenta Giordano.

Estas imágenes son puestas en diálogo con el último trabajo que realizó junto a Marcos López: Imagen pública-Altas esferas, la serie en la que posó desnuda sobre gigantografías seleccionadas de imágenes de los medios de comunicación de masas, en las que aparecen personajes de distintos ámbitos en un cuestionamiento social y político.

“Vamos a presentar una gigantografía de Maresca como la que había realizado para la exposición original del Centro Cultural Recoleta, en la que yace desnuda frente al Crossroad 80-90, donde hay imágenes de políticos norteamericanos, como George Bush (padre) y Bill Clinton”. En otras de estas piezas también aparecen, entre otros, las figuras de Carlos Menem, ex presidente argentino, y el dictador Rafael Videla, marcando así un posicionamiento sobre la continuidad de las políticas en su país, en dictadura como en democracia.

“La libertad, los derechos civiles y humanos fueron algunos de sus temas principales. Como muchos artistas de su generación, vivió la transición de estar siete años en dictadura para pasar a un liberalismo; pasar por (el ex presidente argentino Raúl) Alfonsín para llegar a Menem. Y después las privatizaciones (de las empresas estatales argentinas), de ahí la figura de Clinton. Ese crossroad que está en la espalda de ella, es la foto icónica de Imagen Pública. Esas experiencias sin dudas influenciaron mucho en sus pensamientos, en su poética, ya que creo que para ella la belleza era muy importante”, sostiene Giordano.

Y agrega: “Su obra sigue siendo completamente actual. Impresiona como reverbera al día de hoy. Hay muchos artistas que fueron visionarios y que siempre hablaron de estos conflictos. De hecho, cuando ella hace Imagen Pública-Altas Esferas es cuando se entera que tiene sida. Y fue en un acto de enojo porque estaba enferma y porque tenía muchos problemas para moverse, y decidió hacer una obra que fuera con archivo. Toda Imagen Pública está realizada a partir de tapas de diarios, se metió en el archivo e investigó para hacer el empapelado que hizo en el Recoleta. Incluso las intervino manualmente”.

Maresca en la Costanera Sur con los paneles de la exposición "Imagen pública-Altas esferas", poco antes de su muerte. (Ludmila. Archivo Liliana Maresca)Maresca en la Costanera Sur con los paneles de la exposición «Imagen pública-Altas esferas», poco antes de su muerte. (Ludmila. Archivo Liliana Maresca)

Maresca comenzó su carrera en los primeros años del regreso de la democracia al país sudamericano, para ya en 1984 tener su primera muestra individual en un museo, cuando presenta Kriptonita verde, en el Juan Carlos Castagnino de Mar del Plata, de la provincia de Buenos Aires.

Antes de ser artista, había ingresado a un noviciado, pero en la efervescencia de la primavera democrática abandonó el convento para convertirse en una figura clave del under artístico de aquellos años. Así, desde sus inicios, eligió el camino de romper con lo convencional, mostrando un amplio abanico de lenguajes desde la pintura a las instalaciones, los objetos y las performances y las fotoperformances.

Por ejemplo, entre sus trabajos iniciáticos, realizó un diálogo con el espíritu neo-dadaísta de los ‘60 cuando desplegó Una bufanda para la ciudad de Buenos Aires, en una performance en la céntrica peatonal Florida, calle que unas décadas antes había hospedado al Instituto Di Tella, espacio emblemático que reunió a las vanguardias del teatro, la música y la pintura con un espíritu pop y eje de los happenings de la época.

Una obra de la serie “Liliana Maresca en el edificio Marconetti, Parque Lezama”, fotoperformance de la artista registrada por Marcos López.
Una obra de la serie “Liliana Maresca en el edificio Marconetti, Parque Lezama”, fotoperformance de la artista registrada por Marcos López.

Pero la presencia de Maresca no solo se producía en las calles, las galerías y museos, ya que su casa en el barrio de San Telmo era el centro de reunión de artistas. “Era un meeting point del arte. Ella sobrevivía de alquilar habitaciones en su casa, porque no había un mercado que consumiera su trabajo en aquel momento, y aparte tampoco le interesaba. Hacía banquetes, hacía reuniones en los que sin duda diseminaba sus ideas. Ella, Marcia Schwartz y Elsa Bailón fueron un grupo muy importante del under de Buenos Aires de los 80 y 90″.

Sus relaciones no fueron solo sociales, ya que se convirtió en una destacada gestora de exposiciones en las cuales articuló a distintas generaciones de artistas, con propuestas que rompían con el ethos de los tiempos, generando tensiones que marcaban una clara ruptura entre los discursos oficiales del artes, como sucedió con Lavarte (1985), una colectiva en un lavadero automático en la que combinó artes visuales, teatro y música, o La Kermesse (1986), una propuesta con artistas plásticos, actores, músicos, vestuaristas, sonidistas, escenógrafos, directores, que a modo de feria barrial, incluyó, por ejemplo, una rueda de la fortuna, un túnel del amor y un tren fantasma.

En La Conquista (1991) puso el foco en la mirada colonialista a partir de la participación de 40 artistas, consagrados y noveles, que presentaron de manera crítica el concepto del “descubrimiento” de América, en una puesta coral que unió pintura, escultura, fotografía, video, dibujo, instalaciones, ambientaciones, teatro, danza y música.

De "La Conquista". (Marcos López, Res, Adriana Miranda & Archivo Liliana Maresca / Rolf Art)De «La Conquista». (Marcos López, Res, Adriana Miranda & Archivo Liliana Maresca / Rolf Art)

En 1993, realizó Maresca se entrega, todo destino, catorce imágenes de una mujer en poses sensuales, provocativas, publicadas en una revista El libertino. Y al costado, un número de teléfono, en una fotoperformance en la que se confundía el límite entre lo artístico a través de un anuncio de una persona que parecía vender algún tipo de servicio sexual. Luego del anuncio en la revista, la artista recibió más de 300 llamados telefónicos: contestó cuatro, al azar, y les contó sobre su obra.

“En Imagen Pública-Altas Esferas ella estaba también denunciando. Siempre tuvo algo también con los medios de comunicación, porque tanto esta serie como la de El libertino hizo un uso temprano de ellos para su obra, un gesto muy avant-gard para su generación. No había tantos artistas que utilizaran la comunicación y los medios como una herramienta para crear. Hay una manipulación, si se quiere, artística de esto, para también hacer una denuncia o dar un mensaje”.

Y agrega: “En su obra hay una cuestión muy contestataria, hay mucha ironía y mucha bronca en algún punto, su descontento con las realidades que le tocó atravesar y con lo difícil que fue su vida. Porque tuvo muchas complicaciones. Me da la sensación de que para ella fue muy difícil ser mujer, ser artista, ser madre también. No se las vio fácil en una sociedad tan tradicional, a la que ella era muy contestataria”.

“Esta es otra parte clave de su producción. Ella nunca estuvo contra el mercado, pero no le importaba. Estaba completamente off, estaba más en pos de defender sus ideales. Me parece que no perseguía la comercialización de su trabajo y de hecho en vida vendió casi nada”, sostiene la galerista.

También en el evento de Miami, se presenta un registro de video de la pintora y artista digital estadounidense Adriana Miranda, en el que Maresca va a la Costanera Sur y con esos paneles, que constituían los muros con los armó la instalación en el Recoleta, enfrenta a los dictadores y políticos a sus víctimas, que yacen en el Río de la Plata.

“Entonces se va a dar cuenta de estos dos cuerpos de obra de ella: una obra más temprana y una ya casi final, porque es la última obra que hace antes de Frenesí (muestra retrospectiva presentada en el Recoleta en 1994, poco antes de su muerte). La idea es mostrar ese panorama de una artista tan radical, tan política, que utilizó su cuerpo para expresar sus ideas”.

24 galerías del mundo llegan por primera vez a Art Basel Miami Beach

Fuente: infobae – Algunas estaban en lista de espera hace tiempo, otras accedieron directamente a la sección principal, Galleries, y otras más irán a Nova, Positions y Survey. De Nueva York a El Cairo, de Zurich a São Paulo y de Shangai a Buenos Aires, estas son ls debutantes en Miami Art Week 2023

La edición 2023 de Art Basel Miami Beach, uno de los eventos más prestigiosos en el mundo del arte contemporáneo, se prepara para recibir a visitantes y expositores del6 al 10 de diciembre en Miami Beach Convention Center. Este año la feria contará con 277 galerías, entre las cuales 24 harán su debut en la feria, aportando una nueva dimensión de frescura y diversidad.

Te puede interesar: Cómo moverse en Miami durante Art Basel: una guía para evitar los problemas de tránsito

Algunas de ellas, como Freight+Volume, de Nueva York, han pasado por otras ferias de Miami Art Week mientras estaban en lista de espera para Basel. Tres de las primerizas, Galerie Minsky de París, Ortuzar Projects de Nueva York y Weinstein Gallery de San Francisco, fueron seleccionadas para participar directamente en el sector principal, Galleries; Minsky y Weinstein compartirán stand para presentar una muestra de la surrealista argentino-italiana Leonor Fini.

Otras galerías, que han hecho el camino habitual de presentarse primero en sectores como Nova, Positions o Survey de Art Basel Miami Beach, irán también a Galleries: Fitzpatrick Gallery (París), Larkin Erdmann Gallery (Zurich), Night Gallery (Los Ángeles), Ruth Benzacar (Buenos Aires), Company Gallery (Nueva York), Antenna Space (Shanghai), Nicola Vassell (Nueva York) y Anat Ebgi (Los Angeles).

En el resto de los sectores se destacan como novedades Château Shatto (Los Angeles), Silverlens (Manila/Nueva York), Gypsum Gallery (El Cairo), The Ranch (Nueva York), Galatea (São Paulo), Dawid Radziszewski (Varsovia), Llano (México) y Bradley Ertaskiran (Montreal), entre otras.

“Con nuevos participantes, desde México a Polonia y Egipto, y un programa tanto dentro como fuera de la feria como nunca antes, esto trae una inyección de frescura en la feria”, dijo la organización de Art Basel, en un comunicado. Esta es la lista completa de las galerías que por primera vez exhiben en el Miami Beach Convention Center:

Te puede interesar: La nueva edición de Art Basel Miami Beach tendrá un diseño renovado y albergará a 277 galerías internacionales

Sector Galleries:

Galerie Minsky (París), Ortuzar Projects (Nueva York), Weinstein Gallery (San Francisco)

Sector Nova:

Château Shatto (Los Angeles), Luis De Jesus Los Angeles (Los Angeles), Gypsum Gallery (El Cairo), Lyles and King (Nueva York), Silverlens (Manila y Nueva York), The Ranch (Nueva York)

Te puede interesar: El paisaje humano de Art Basel Miami Beach: coleccionistas, expertos, locales, influencers y artistas

Sector Positions:

56 Henry (Nueva York), Bradley Ertaskiran (Montreal), Deli Gallery (Nueva York y México), Galatea (São Paulo), Llano (México), Lomex (Nueva York), Mrs. (Nueva York), Galeria Dawid Radziszewski (Varsovia)

Sector Survey:

Freight+Volume (Nueva York), Elizabeth Leach Gallery (Portland), Ryan Lee (Nueva York), Stars (Los Angeles), Vito Schnabel Gallery (Nueva York), Duane Thomas Gallery (Nueva York), Klaus Von Nichtssagend Gallery (Nueva York)

La edición 2023 de Art Basel Miami Beach se prepara para ser un escaparate de tendencias artísticas globales, con una representación significativa de galerías de diversas regiones. (Arturo Holmes/Getty)La edición 2023 de Art Basel Miami Beach se prepara para ser un escaparate de tendencias artísticas globales, con una representación significativa de galerías de diversas regiones. (Arturo Holmes/Getty)

Además de los nuevos expositores, la feria contará con la presencia de galerías de renombre mundial, como White Cube, Lisson, Lehmann Maupin, Perrotin o Thaddaeus Ropac. Y, por supuesto, los cuatro grandes del arte global: Gagosian, Hauser & Wirth, Pace y David Zwirner.

Este año, la feria presenta un diseño renovado, estructurado alrededor de cinco plazas que buscan mejorar la experiencia de los visitantes, ofreciendo un flujo más cómodo y áreas de descanso. Este cambio en la disposición del espacio es una de las novedades más significativas de la edición 2023.

La dirección del evento está a cargo de Noah Horowitz, quien asumió como director global de Art Basel en noviembre del año pasado. Horowitz regresa a un territorio familiar, ya que supervisó la feria como director de Art Basel en las Américas desde 2015 hasta 2021. La galerista de Detroit Bridget Finn, que será directora de Art Basel Miami Beach en 2024, estará presente en esta edición.

Art Basel Miami Beach

Dónde: Miami Beach Convention Center, 1901 Convention Center Drive, Miami Beach, FL 33139

Cuándo: los días 6 y 7 están reservados a invitados y tickets VIP, y desde el 8 hasta el 10 la feria abre al público general de 11am a 6pm

Cuánto: entradas para ingresar a las 11am, USD 95; para ingresar desde las 12pm, USD 75; estudiantes, residentes y adultos mayores, USD 58; ticket para Art Basel y Design, su feria hermana, USD 110

La otra colonización: artistas latinoamericanos exponen en España sus miradas sobre la conquista

Fuente: Telam – El Archivo General de Indias situado en la ciudad de Sevilla abre sus puertas por primera vez a una singular experiencia en la que el arte llega tanto para torcer la antigua relación de dominación entre España y América. La muestra permite desarmar viejas concepciones en torno a la inmanencia de los archivos.

Ahora que crujen las narrativas históricas y se complejizan las nociones de raza o género, el Archivo General de Indias situado en la ciudad de Sevilla abre sus puertas por primera vez a una singular experiencia en la que el arte llega tanto para torcer la antigua relación de dominación entre España y América como para cuestionar la rigidez de los saberes, a través de la obra de siete artistas –entre ellos los argentinos Luis Felipe Noé y Adriana Bustos– que desde estéticas coloridas o multiformes interceptan la geometría monocroma del edificio que aloja más de 40.000 documentos sobre la historia de la colonización española.

Cinco siglos pasaron para que por fin sean los enviados del continente americano, colonizadores ya no de territorios remotos sino del color y la proporción, quienes sacudan con sus indagaciones uno de los centros documentales más importantes del mundo. Y no lo hacen en persona sino a través de una selección de obras que no fueron confeccionadas para este momento y este lugar, pero que por la potencia de sus lecturas se empoderan en la traza cuadrada del edifico sevillano para interpelar primero a sus vitrinas repletas de documentos y luego a sus visitantes.

Foto Ariel Rivero
Foto: Ariel Rivero.

En la curaduría propuesta por Diana Wechsler nada fue simple, desde la selección de artistas -surgidos a partir de la premisa de la curadora de «pensar con imágenes»- hasta el montaje de las obras, un tema que debió ser resuelto con astucia dado el sagrado valor patrimonial que reviste la construcción: los rígidos protocolos determinan que hasta un orificio en un muro con el objetivo de colgar un cuadro sea evaluado por un comité de restauradores como si se debatiera un delicado asunto de Estado.

Con ventanales regados por un torrente de luz que le da al espacio un efecto escenográfico, a veces tan intenso que las mediciones diarias con el luxómetro -el dispositivo que mide el caudal luminoso- llevan a cerrar los postigos para que no se alteren las condiciones de conservación, la sala ubicada en el primer piso fue la elegida para alojar las obras que dialogan con los documentos sobre la política expansionista que le permitió al reino de Castilla convertirse en una de las potencias hegemónicas a fines del siglo XV.

«Esta exposición busca desactivar las inercias de sentido instaladas en los relatos históricos y el las lógicas patrimoniales. Situar arte contemporáneo ‘como si formara parte del lugar’ en un sitio patrimonial como el Archivo General de Indias es justamente uno de esos gestos críticos que contribuyen a desactivar las lógicas instituidas y abren otras vías para volver a pensar la lógica colonial, los relatos históricos y las maneras en que se construyen los archivos, los lugares de los ‘documentos’ y aquellos de los ‘monumentos'», explica Wechsler a Télam.

Foto Ariel Rivero
Foto: Ariel Rivero.

La muestra permite desarmar viejas concepciones en torno a la inmanencia de los archivos. Hoy todo es maleable, cambiante: la inteligencia artificial quiebra cada vez más las fronteras entre la realidad y la ficción, al tiempo que avanzan procesos en los que se cuestiona lo instituido, desde las lógicas patriarcales hasta las miradas colonialistas. «Todo lo sólido se desvanece en el aire», diría Marx, una idea que en esta ocasión se materializa como un movimiento que avanza desjerarquizando los relatos que el poder -de los estados, de las instituciones- monta como irrefutables.

A la curadora de la iniciativa concretada por la Universidad de Tres de Febrero (Untref) le interesó también que el centro documental fundado hace más de 200 años para centralizar documentación hasta entonces dispersa sobre la relación entre España y los territorios de ultramar, funcionara como receptáculo de una paradoja: «Si hasta hace no mucho la idea de archivo suponía la posibilidad de fijar, a partir de los documentos almacenados, informaciones precisas que pudieran contribuir al control de un relato histórico, hoy esa noción de archivo aparece expandida con los recursos digitales y se hace a su vez más inestable, provisoria, volátil», explica Wechsler, directora artística de Bienalsur, la iniciativa que arrancó el mes pasado con una secuencia de seis inauguraciones en España.

La exposición que inauguró recientemente ofrece hasta el 25 de enero un conjunto de obras de seis artistas hispanoamericanos -Luis Felipe Noé, Iván Argote, Adriana Bustos, Claudia Casarino, Claudia Coca y Óscar Muñoz- y del español Rafael Canogar. Así se combina la cronografía que documenta el descubrimiento y colonización de los territorios americanos con las nuevas miradas que buscan deconstruir las narrativas tradicionales desde las que se leyeron las relaciones e intercambios con España.

Foto Ariel Rivero
Foto: Ariel Rivero.
Foto Ariel Rivero
Foto: Ariel Rivero.

El recorrido arranca con la potencia cromática de dos obras de la serie «La naturaleza y los mitos», con la que en 1975 Noé regresó a la pintura tras nueve años lejos de los bastidores. Eran los años donde se proclamaba «la muerte de la pintura» y el artista estuvo embebido de ese signo de los tiempos que instaba a abandonar los formatos tradicionales del arte para ir en busca de nuevas formas porque se creía que el cuadro había perdido su potencia interpelativa.

«Las dos obras elegidas para esta exposición no tienen ninguna relación con la conquista de América – aclara el artista argentino desde Buenos Aires en diálogo con Télam-. Pertenecen a una serie de quince cuadros que integraron la exposición que hice en 1975 en la Galería Carmen Waugh. Fue mi primera exposición después de nueve años de estar retirado de la pintura. Se llama así porque en ese momento, por un lado, estaba ‘descubriendo’ mi relación con el paisaje del Tigre, donde alquilaba una casa y, por el otro, había vuelto a dibujar consecuencia de una terapia psicoanalítica».

«Estos dibujos que comencé espontáneamente en las sesiones estaban cargados de mi propia mitología. Tanto es así que tuvieron dos consecuencias: mi regreso a la pintura y la escritura de un libro muy fantástico llamado ‘Recontrapoder’, que fue publicado en 1974», apunta.

Noé relata que en aquella muestra se encontraba otra serie que sí tiene relación con la conquista de América y que se denominó «Conquista y violación de la naturaleza». Y acota: «En 1992, hice una carpeta sobre este mismo tema, editada en Colombia, donde tomo como eje las cartas de Colón a los reyes sobre su primer viaje y otras a Santangel, financista de su proyecto, además de ser tesorero del rey. Esta carpeta lamentablemente no integró el conjunto enviado al Archivo de Indias».

«Los colores nunca vienen mal. Creo que por ello eligieron esos cuadros», dice el artista a propósito del contrapunto visual que se genera entra los tonos beige y amarronados de la sala y la vibrante paleta de sus obras. Y acota sobre la temática de los cuadros: «Uno de ellos es más ‘místico-subjetivo’ y el otro tiene una referencia a los asesinatos de la Triple A. Un padre le está llevando comida a su hijo que yace muerto con los ojos vendados a orillas del río».

Foto Ariel Rivero
Foto: Ariel Rivero.

Contigua a estas obras se emplaza el mural «Planisferio celeste. Constelación Venus», en el que Adriana Bustos reproduce en una figura ovoide de color azul el formato de los mapas antiguos que se usaban para identificar estrellas y constelaciones. Esta geometría está incrustada en un círculo de gran tamaño que agrupa rostros de mujeres de distintas regiones del mundo que han llevado adelanto desde grandes gestas a pequeñas rebeliones, entre ellas Juana Azurduy, Indira Gandhi, Micaela Bastidasla -prócer de la independencia de Perú-, Encarnación Ezcurra o la escritora Aurora Venturini.

La artista argentina presenta también una serie llamada «Híbrido», integrada por unas figuras moldeadas en barro que portan cuerpos de fantasía de animales con rostros humanos, una representación del imaginario que los colonizadores tejieron sobre el territorio latinoamericano: «Esta muestra pone de manifiesto una voluntad de una parte de la sociedad para revisar, repensar y reformular los hechos sucedidos durante el proceso de colonización. Proponer un otro relato de esta parte de nuestra historia significa también arrojar luz sobre siglos de encubrimiento de lo que fuera una auténtica masacre», explica Bustos a Télam desde Hong Kong, donde presenta algunas de sus obras.

«Real y simbólicamente hablando el Archivo de Indias es el lugar físico que acumula desde el principio de esta Historia los documentos que dan testimonio de los sucesos y deformaciones de la percepción propias de lo fue y sigue siendo la mirada eurocéntrica», indica. Para Bustos, «exhibir la serie de los bestiarios en el lugar en donde se encuentran las mismísimas crónicas de estos primeros viajeros advenidos a tierras americanas es de algún modo devolver una imagen especular. Así nos vieron y así creímos vernos pero ahora tenemos la posibilidad de mirar por detrás ese espejo y justamente los gestos de re-escrituras los que lo habilitan».

Foto Ariel Rivero
Foto: Ariel Rivero.

«Quiero aclarar que para mí es muy evidente que estos intentos de reparación histórica no son totales. Basta con mirar el contexto contemporáneo para saber que las fuerzas coloniales siguen operando con idéntica modalidad», alerta.

¿Se podría decir que al mismo tiempo que interpela al pasado la serie está dialogando con el presente? «La Historia y sus enunciados configuran modelos de sentido que van anclando nuestro presente por su efecto de verdad, pero a pesar de ello la Historia no es un discurso totalizador. Contiene en su estructura espacios vacíos, contradicciones, quimeras, lugares de ensoñación, territorios inconscientes y alucinaciones», destaca Bustos.

«Toda práctica artística que tome como materia a la historia supone el trabajo de cortar, unir y diseñar. Un poco el trabajo de una costurera. Algo similar a la costumización. Una manera gráfica de ‘historiografiar’ consiste en empalmar contexto con contexto y ellos con nosotros. El contextualizar implica nuestra presencia, nuestra mirada, nuestro desconcierto y nuestra confusa comprensión de la historia. La operación quizás provoque nuevos efectos de verdad, es decir, la posibilidad de pensar en múltiples historias», explica.

Foto Ariel Rivero
Foto: Ariel Rivero.

Resignificadas en este nuevo contexto, ¿las obras ahora expuestas alientan un espíritu dialoguista o toman la forma de una tensión entre perspectivas antagónicas? «Diría que ambas posiciones conviven: cambio de ideas», señala Noé. Para Bustos, en tanto, «dialogan desde el momento en el que están en el mismo espacio y porque además el arte dialoga siempre aun cuando ponga en tensión discursos tan opuestos como estos».

Revelan la verdadera identidad de Banksy en una entrevista perdida de la BBC

Fuente: Durante años, se especuló sobre si el nombre del artista era «Robin», «Robert» o «Robbie». Una cinta de 2003 develó el misterio.

Una entrevista radiofónica pérdida de la BBC a Banksy hace 20 años fue desenterrada por la cadena de televisión británica y permitió conocer el nombre de pila del misterioso artista callejero que se hizo mundialmente conocido por sus pintadas callejeras y precisamente por mantener a rajatabla la incógnita sobre su identidad.

Durante años, se especuló sobre si el nombre del artista era «Robin», «Robert» o «Robbie», hasta que una cinta de 2003 comprobó que es el último. En ese entonces, el periodista Nigel Wrench le preguntó si se llamaba Robert Banks, a lo que él respondió: «Es Robbie».

La entrevista completa ahora está disponible en una colección de podcast de la BBC que está online, llamado «The Banksy Story» y, tras el descubrimiento, grabó un episodio adicional.

El dato del nombre recién sale la luz ahora porque la entrevista al artista no se emitió entera en el momento, en julio de 2003, cuando Banksy tenía 20 años y la cadena no utilizó todo el material y prescindió de ese pasaje.

Muchos años después, Wrench, el periodista a cargo de la entrevista, escuchó el podcast «The Banksy Story» y decidió recuperar la entrevista completa de un minidisc que tenía en casa. Fue entonces cuando se percató de que el grafitero decía su nombre.

Arte y vandalismo, según Bansky

En la entrevista, Bansky también defendía el vandalismo como arte: «No me voy a disculpar por ello. Es una forma más rápida de expresar tus ideas, ¿no?».

La obra de Banksy que será subastada.

La obra de Banksy que será subastada.

¿Cuál es la similitud entre el arte y cocinar con microondas? esto dice Bansky

En la entrevista, también compara su forma de hacer arte, que consiste en hacer grafitis a toda velocidad, con cocinar en el microondas. «Es rápido. Quiero hacerlo y acabar», dice.

«Mi madre solía cocinar asado todos los domingos y siempre decía: ‘Se tarda horas en hacerlo y minutos en comerlo’. Ahora come platos para uno calentados en el microondas y parece mucho más feliz. En realidad, estoy adoptando ese enfoque respecto al arte«, afirmaba.

El Museo del Prado muestra la cara oculta de obras maestras de la pintura

Fuente: BAE – El Museo del Prado inauguró ‘Reversos’, una muestra que busca un rol activo por parte de sus espectadores, para develar lo que hay detrás de 105 famosas pinturas

Detrás de cada pintura hay una historia, pero cada cuadro también tiene una parte de atrás. En muchas de las obras más famosas, esa cara oculta también tiene su propia historia. Eso es lo que cuenta el Museo del Prado en la exposición ‘Reversos‘, que inauguró este 7 de noviembre en las salas A y B del edificio de los Jerónimos. Allí, buscan ir «más allá de la simple acción de girar los cuadros» y mostrar la cara B de algunas de las obras más famosas.

Comisariada por el artista Miguel Ángel Blanco y patrocinada por la Fundación AXA, la muestra permanecerá abierta al público hasta el 3 de marzo del 2024

El ámbito temporal de la exposición va desde la Edad Media hasta artistas tan contemporáneos como José María Sicilia, Sophie Calle o el propio Miguel Ángel Blanco. En medio hay todo un mundo de reversos cargados de información que no mantienen orden cronológico.

Todo parece ser insólito y novedoso en una muestra que Miguel Falomir, director del museo, compara con los episodios de Alicia en el País de las Maravillas. Al igual que en la obra de Lewis Carroll, allí el espectador puede atravesar madrigueras y barreras de espejos que desembocan en extraños destinos.

Autorretrato de un pintor, Van Gogh

No es la primera vez que se hace un proyecto de este estilo, pero sí es el de mayor envergadura. Blanco consiguió préstamos de unas 30 colecciones públicas y privadas de todo el mundo. Contó asimismo con la pinacoteca anfitriona, el Prado, de cuyos almacenes emergieron piezas anónimas que no se suelen exponer al público.

La lista de obras es extensa y dentro de las joyas del catálogo se encuentran, entre otras, un Autorretrato de Van Gogh prestado por el museo del artista en Ámsterdam y La máscara vacía, de Magritte, procedente del Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen de Düsseldorf.

Obras destacadas

Los hitos de la exposición son muchos. El primero sirve de arranque del recorrido y es una reproducción exacta de la trasera de Las Meninas. La obra forma parte de la serie Verso, del artista brasileño Vik Muniz (São Paulo, 62 años). Las medidas son idénticas (320,5 x 281,5 cm) y lo mismo ocurre con los materiales y tejidos. También reproduce de forma exacta los remaches, manchas y vetas de la madera.

Nuestra obra más icónica está en la sala XII, Las Meninas, y una quinta parte ocupa el reverso sobre el que trabaja Velázquez”, explica Falomir. “Es un ardid que nos recuerda que la pintura es mucho más que simple imagen. Tienen tres dimensiones. Cuando vemos una pintura y su reverso, contemplamos también la completa estratigrafía de un yacimiento arqueológico”, agrega.

Verso, Vik Muniz (2018)

Muy cerca del reverso de Las Meninas deslumbra otra de las joyas de la exposición: Artista en su estudio (1628), de Rembrandt, un óleo sobre tabla (24,8 x 31,7 cm) en el que se ve al artista ensimismado frente al caballete, una escena en la estela de Las Meninas. Los dos artistas coincidieron en el tiempo, pero no llegaron a conocerse, de manera que las aproximaciones en las composiciones son más producto de la casualidad que de las influencias.

Artista en su estudio, Rembrandt (1628)

Una de las traseras más destacadas procede del bastidor original del Guernica. Propiedad de la Reina Sofía, es la primera vez que se exhiben al público los travesaños de madera que dieron soporte al mural hasta enfermar de tanto viaje. Expuestos como los dioses de una capilla pagana, las maderas de conífera que formaron el armazón original muestran decenas de pequeños agujeros y de golpes producidos por martillos en su superficie, pruebas documentales de una larga historia de viaje y sufrimiento.

Uno de los ámbitos más importantes la exposición es el dedicado a la cara B de las obras. Cuenta el comisario que se trata de cuadros también llamados bifaces.

En ellas, el reverso tiene también entidad artística y complementa la imagen principal en diversas modalidades. Puede tener que ver con el proceso de creación, un juego del pintor o con un capricho del coleccionista que encargó la obra.

Este último parece ser el caso de Monja arrodillada (1731), de Martin van Meytens. En el anverso se ve a la mujer arrodillada frente al espectador. En el reverso se ve a la monja con el hábito levantado hasta el cuello. Cuando se ejecutó este óleo sobre bronce, la corte sueca tenía prohibidos los desnudos. Se jugaba la vida el artista y también el coleccionista, pero se siguieron haciendo y adornando los espacios más interiores y secretos de los palacios.

La gran estafa: falsificadores que lograron “engañar” hasta al Louvre de Abu Dabi

Fuente: Perfil – Serop Simonian, alemán de origen egipcio, acaba de ser extraditado desde Alemania a Francia, donde quedó detenido, acusado de tráfico, blanqueo de dinero y falsificación de certificados de las piezas arqueológicas vendidas a la sede del Louvre en la capital de los Emiratos Árabes. Simonian también vendió a la Compañía San Pablo de Turín el denominado “papiro de Artemidoro”, fechado en el siglo II a.C., por 2,75 millones de euros: resultó ser falso.

A fines de mayo del año pasado, en esta página, nos ocupamos del llamado a indagatoria judicial en Francia de Jean-Luc Martínez (director del Museo del Louvre entre 2013 y 2021), que en ese momento era embajador del Ministerio de Asuntos Exteriores, ocupado en la cooperación internacional del patrimonio cultural. A partir de esto fue procesado y debió renunciar al cargo.

La investigación se inició a raíz del tráfico de piezas arqueológicas en perjuicio tanto del Louvre Abu Dabi como del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, por un valor que hoy se estima en más de 64 millones de dólares. Otros involucrados fueron Roben Dib, comerciante de arte germano-libanés; el francés Christophe Kunicki, experto en arte; y un comerciante de arte egipcio, Habib Tawadros.

Un año y medio después, la investigación de la Office Central de Lutte Contre le Trafic de Biens Culturels (Oficina Central de Lucha contra el Tráfico de Bienes Culturales) ofrece resultados llamativos: estos personajes tienen vínculos (o pertenecen) a una extensa red de tráfico de antigüedades. Y el sindicado como jefe de la organización, Serop Simonian, ciudadano alemán de origen egipcio, acaba de ser extraditado desde Alemania al territorio francés, donde quedó detenido, acusado de tráfico y blanqueo de dinero. El octogenario utilizó como fachada su negocio como coleccionista ubicado en Hamburgo, Dionysos Antike Münzen und Antiquitäten (Monedas y Antigüedades Dionisio). Se estima que tendría almacenadas más de 25 mil piezas de colección en distintos puntos de Europa y Oriente Medio.

Es que Roben Dib, capturado desde el principio, era el “director” de la galería de Dionysos. Atenta al vínculo, la publicación The Art Newspaper entrevistó a Simonian el año pasado, en ella adujo que las antigüedades procedían de la colección de su familia, marchante en El Cairo. Y que la mayoría de los objetos habían sido exportados en la década de 1970, época en que tal comercio era legal y que las piezas estuvieron depositadas durante décadas en varios museos alemanes. Pero este argumento duró poco. Un nuevo detenido, también especialista en arte radicado en París, Richard Semper, confesó –al igual que Roben Dib– que había falsificado los certificados de procedencia de las piezas arqueológicas vendidas.

No obstante, el pedido de captura francés a Simonian se remonta al 2020, e implicaba a dos de sus hijos. Se estima que el mayor, Abraham Simonian, ganó 3,7 millones de dólares con la venta del sarcófago de la princesa Henouttaouy que el Louvre Abu Dhabi compró en 2014 por 4,5 millones. Otro objeto cuestionado por su origen es un retrato de un hombre del 225 al 50 a. C. La investigación demostró que ambos tienen la misma procedencia que el sarcófago de Nedjemankh vendido a la Met y devuelto a Egipto por Estados Unidos. Con dilaciones legales en tribunales de Hamburgo, los hijos permanecen allí por razones entre humanitarias y familiares, o para no atizar la raíz del escándalo.

Es que la estrategia de depositar objetos arqueológicos en museos alemanes no solo daba institucionalidad a la procedencia de los mismos, sino que aumentaban su valor de mercado. Los implicados son el Museo Roemer & Pelizaeus de Hildesheim; el Museo Egipcio de la Universidad de Bonn; el Instituto Universitario de Trier; y durante un breve período, de 2012 a 2013, el Museo Reiss Engelhorn en Mannheim. La mayor parte de las piezas sospechosas las almacenaba el Roemer & Pelizaeus por un acuerdo de Simonian con el director, ya fallecido, Arne Eggebrecht. Relación que se remonta a los años 1980-90, a raíz de la cual los objetos no adquiridos por el Museo también se exhibieron con objetos del mismo en exposiciones itinerantes en Estados Unidos, España y Taiwán. Ni el Museo ni sus antiguos empleados son objeto de investigaciones policiales.

Mientras tanto, el Louvre busca la designación como demandante en la parte civil del caso contra su exdirector. Y aquí aparece en escena otro procesado en la estafa millonaria: Jean-François Charnier, exdirector científico de la Agencia de Museos de Francia, quien asesoró a los Emiratos Árabes sobre el desarrollo del Louvre Abu Dabi. A través de su gestión, el marchante neoyorquino Hicham Aboutaam, dueño de la galería Phoenix Ancient Art, vendió ocho obras al Louvre Abu Dabi entre 2008 y 2015, “agradeciendo” a Charnier y otras personas de su círculo con pasajes aéreos y estadías, incluyendo unas vacaciones familiares en Maldivas. Charnier, por ahora en libertad, insiste con que nunca dudó de la procedencia de las antigüedades egipcias adquiridas por Abu Dabi y que los pasajes nada tienen que ver con ello.

Sin dudas la sagacidad y capacidad simuladora de Simonian remiten a un personaje entrañable de la película La gran estafa (Ocean Eleven, 2001, remake del film de 1960 de Lewis Milestone, dirigido por Steven Soderbergh): Saul Bloom, interpretado por Carl Reiner, fallecido en 2020. Prueba de ello es una operación que realizó en Italia en 2004 y que, por suerte para él, no continuó su curso legal por vencimiento de plazos.

En ese año, Simonian vendió en 2004 a la Fundación para el Arte de la Compañía San Pablo de Turín el denominado “papiro de Artemidoro”, fechado en el siglo II a.C., por 2,75 millones de euros, objeto que resultó falso. Así lo certificaron los peritos judiciales italianos en 2018. Una estafa que quedará sin castigo: prescribió. Antes de Turín, había ofrecido el papiro al Museo Getty de Los Ángeles, quien sospechó que era una falsificación. Los Ángeles se encuentra a 430 kilómetros de Las Vegas, donde transcurre La gran estafa.

Andrea Giunta y su crónica de viaje del Guernica, de Pablo Picasso, por América Latina

Fuente: Clarín – La historiadora del arte se refirió a cómo los viajes del Guernica por Latinoamérica reconfiguraron el sentido de esta obra fundamental de Pablo Picasso.Fue una proyección simultánea, en Librería La Fábrica, de Madrid, y ArtHaus Central, en el Microcentro porteño.Forma parte del ciclo de entrevistas en video realizado por Revista Ñ en el festejo de sus 20 años.

Mientras el mundo entero homenajea la obra de Pablo Picasso en este 2023, considerado “año Picasso” por conmemorar el medio siglo de la muerte del artista malagueño, la historiadora del arte argentina Andrea Giunta, la latinoamericana que más estudió el Guernica de Picasso, dialogó este lunes desde Buenos Aires con el público que asiste en Madrid al Festival Eñe, la fiesta literaria de cada otoño en la capital española.

“Es una pintura que se estudia, pero no necesariamente que se debata”, dijo Giunta sobre la obra que mejor representa las violencias del siglo XX.

Su charla estuvo precedida por un documental en el que Giunta, curadora y académica, comparte su mirada sobre el Guernica desde el presente.

El video integra el ciclo de Conversaciones del otro lado con el que la Revista Ñ, la publicación cultural de Clarín, celebra sus primeros 20 años en los kioscos de Argentina, sábado tras sábado, y en web del diario.

Dentro del Festival Eñe de Madrid, Revista Ñ proyecta el ciclo de diálogos con mujeres argentinas referentes de las artes y las letras y propone luego una conversación con las protagonistas.

La charla de este lunes con Andrea Giunta, realizada en colaboración con Arthaus Central de Buenos Aires, se suma a las que Revista Ñ ya organizó con Mariana Enriquez y con María Negroni, dos autoras argentinas de culto en España que ya pasaron por el Festival Eñe.Andrea Giunta dialogó, en videoconferencia desde Buenos Aires, con el público de Madrid. Foto: Cézaro De LucaAndrea Giunta dialogó, en videoconferencia desde Buenos Aires, con el público de Madrid. Foto: Cézaro De Luca

El programa culmina el martes 31 de octubre, cuando la autora y editora general de Ñ, Matilde Sánchez, dialogará con Ariana Harwicz en la librería de La Fábrica, organizadora del festival literario de Madrid.

En el documental que se proyectó este lunes, Giunta conversa con March Mazzei, editora de Arte de Revista Ñ, en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, donde actualmente hay una sala dedicada a las obras de Picasso que integran la colección del museo.

Allí, delante de «Mujer acostada», una obra de Picasso de 1931, Andrea Giunta cuenta que investigó sobre cómo el Guernica se convirtió en la obra más importante del siglo XX y de qué modo ese lienzo resolvía la relación entre el arte y la política.Andrea Giunta en el Museo Nacional de Bellas Artes. Detrás, "Naturaleza muerta", obra de Dora Maar, quien soportó una turbulenta relación con Picasso..
Foto: Maxi FaillaAndrea Giunta en el Museo Nacional de Bellas Artes. Detrás, «Naturaleza muerta», obra de Dora Maar, quien soportó una turbulenta relación con Picasso.. Foto: Maxi Failla

“Cuando escribía mi tesis de doctorado sobre el arte en América latina en los 60 en el contexto de la revolución cubana y de la guerra de Vietnam, en el debate intenso y eterno entre arte y política, una y otra vez Guernica era la pintura que resolvía esta relación -cuenta Giunta-. Para mí era extraño que, en ese contexto revolucionario, el ejemplo fuera una pintura al óleo sobre tela realizada 30 años antes, en un momento en el que arte estaba inmerso en un en proceso de desmaterialización del objeto artístico.”

La historiadora del arte repasa cómo se pintó el Guernica: “La pintura se hace cuando ya había estallado la Guerra Civil española -aclara-. Si bien no es una pintura que está representando lo que pasó en abril del’37, cuando se bombardea Guernica, no vemos a la aviación alemana, no vemos las imágenes de bombardeo sino que es una pintura que representa los temas típicos de Picasso: una corrida de toros, con mujeres y con escenas dramáticas, pero no literales”.

“Estrictamente, es una obra de propaganda”, la define Giunta. “Fue encargada por el Estado español de la república y a Picasso le fue pagada. Eso le permitió a España recuperarla cuando estaba en el Museo de Arte Moderno de Nueva York”, agrega.

Itinerario de un lienzo

“Desde 1937, en el pabellón de la república española en París, Picasso la descuelga del bastidor, la enrolla y se lleva. Y ahí comienza un viaje político de la pintura que es vigente hasta el presente”, subraya Giunta.

“En un sentido político, era una trayectoria en la que la pintura se exponía con el propósito de juntar dinero para los republicanos, luego para los exiliados. En 1939 Alfred Barr -director del Museo de Arte Moderno de Nueva York– la incorpora a una gran exposición sobre Picasso en el el MoMA”, señala.

El Guernica comienza a echar raíces en América latina cuando Picasso recibe una invitación para exponerlo en la bienal de San Pablo, en 1953.Andrea Giunta es una especialista en los ecos y apropiaciones americanas de la obra de Pablo Picasso. 
Foto: Maxi FaillaAndrea Giunta es una especialista en los ecos y apropiaciones americanas de la obra de Pablo Picasso. Foto: Maxi Failla

Giunta repasa, a partir de allí, los viajes del «Guernica» por Latinoamérica y cómo despertó interés en varios artistas: en el brasileño Candido Portinari, en el cubano Wilfredo Lam y en el mexicano David Alfaro Siqueiros.

“Es interesante el concepto de movilidad de los artistas que van a Nueva York y cómo toman, no sólo el lenguaje, sino también la dimensión del Guernica y tratan de emular o reproducir el éxito que tuvo esta pintura”, dice Giunta.

La historiadora y curadora rescata los ecos de la obra de Picasso en el argentino Antonio Berni.

“Me interesa pensar las contraposiciones -dice Giunta-. Si Guernica es la representación de la gran violencia universal, qué pasa con un artista como Berni, que introduce en sus series narrativas, como Ramona, que es la vida de una prostituta, citas directas a Picasso como la lámpara que aparece en los grabados de Ramona.”

En el video, Giunta recuerda también que en 1981, la artista colombiana Beatriz González realizó su propia versión del Guernica: un mural de baldosas de 12 metros, inclusive más largo que el original.

Mirada actual

“¿Cómo puede verse desde el presente el Guernica?”, se planteó Giunta desde Buenos Aires ya en la charla con el público de Madrid por videoconferencia.

La historiadora del arte tiene una hipótesis de trabajo: “Investigué las relaciones entre el arte y los proceso de la memoria en América latina en relación con las dictaduras y los memoriales -contó-. Empecé a analizar las arquitecturas de la memoria: la arquitectura del ‘Guernica’ está basada en diagonales, en zig-zag.”

“Por ejemplo, en el Parque de la Memoria de Buenos Aires, la estructura es el zig-zag que es, por otra parte, lo que caracteriza el recuerdo, que no es unidireccional. Así como recordar significa volver a pasar por el corazón, por las emociones”, definió.

Desde Madrid, Matilde Sánchez, editora general de Revista Ñ, le preguntó si la universalidad del Guernica, como representante de todas las matanzas, podría ser espejo de las matanzas de hoy en Ucrania y en Oriente Medio.

“Desconozco si en las manifestaciones que se están haciendo sobre esta dolorosa guerra en Medio Oriente se están llevando las imágenes de Guernica. No las he encontrado todavía”, admitió Giunta.

“En Bagdad, cuando Estados Unidos llevó adelante el bombardeo, ahí sí se levantaron las imágenes del Guernica en las manifestaciones -recordó-. Y no sólo eso. El tapiz que reproduce el Guernica, que pertenece a la familia Rockefeller y que estaba en las Naciones Unidas, cuando se anunció la decisión de Estados Unidos de intervenir militarmente, se tapó.”

Una muestra de los últimos 50 años de arte argentino llegará a Milán

Fuente: Mejor Informado – A partir del 21 de noviembre en el museo PAC, la ciudad italiana será testigo de «Argentina. Lo que la noche le cuenta al día», una muestra que recorre lo mejor de nuestros artistas.

Milán se prepara para recibir A partir del 21 de noviembre, el prestigioso museo PAC (Padiglione d’Arte Contemporanea) abrirá sus puertas para dar lugar a un evento trascendental para el mundo del arte. Se trata de la exposición «Argentina. Lo que la noche le cuenta al día».

Esta exposición monumental, curada por Andrés Duprat, director del Museo Nacional de Bellas Artes, y Diego Sileo, director artístico del PAC, promete llevar a los visitantes en un viaje a través de las últimas cinco décadas del arte argentino.

La muestra, que aborda temas de violencia, represión y censura tanto en la vida cotidiana como en las obras de arte, contará con la participación de más de 20 destacados artistas argentinos. Entre ellos se encuentran figuras emblemáticas como León Ferrari, Marta Minujín, Liliana Maresca, Leandro Erlich, Lucio Fontana, Ana Gallardo, Alberto Greco y Graciela Sacco. Estos artistas han dejado una huella imborrable en el panorama artístico argentino, utilizando su creatividad para abordar cuestiones sociales y políticas apremiantes.

Una de las piezas más destacadas que se exhibirán es la controvertida obra de León Ferrari, «La civilización occidental y cristiana» (1965), que representa un avión de la Fuerza Aérea estadounidense con una imagen de Cristo crucificado sobre él. Esta obra ha suscitado intensos debates y reflexiones a lo largo de los años, encapsulando la habilidad de Ferrari para provocar la reflexión profunda a través de su arte.

Una muestra de los últimos 50 años de arte argentino llegará a Milán
La civilización occidental y cristiana de León Ferrari. Crédito: Télam. 

La artista Marta Minujín estará representada en la exposición con registros fotográficos y videos de su famoso «Partenón de libros prohibidos», una obra participativa de 1983 que fue recreada en 2017 para una exposición en Alemania. Además, Liliana Maresca será recordada a través de su serie de fotografías «Maresca se entrega todo destino» (1993), publicada en la revista El libertino. Esta serie desafía las nociones tradicionales de la obra de arte al poner el cuerpo en primer plano como un objeto para ser consumido y cuestiona los formatos habituales de circulación artística.

La exposición también incluirá la obra impactante de Graciela Sacco, «Bocanada», una serie de afiches diseñados como interferencias en el espacio público, representando bocas abiertas que expresan emociones como el grito, la bronca y el hambre. Cada pieza de esta serie sirve como un poderoso recordatorio de las complejidades de la experiencia humana y la urgencia de abordar las injusticias sociales.

Una muestra de los últimos 50 años de arte argentino llegará a Milán
«Bocanada» de Graciela Sacco. Crédito: Télam.

El nombre de la exposición, «Argentina. Lo que la noche le cuenta al día», está inspirado en la novela homónima de Héctor Bianciotti, que narra la historia de una familia de piamonteses radicados en la pampa argentina y su lucha por superar la pobreza que los alejó de Italia. La exposición busca resaltar obras que exploran la idea de la violencia, ya sea de manera sutil o explícita, ofreciendo a los espectadores una oportunidad única para reflexionar sobre estas cuestiones cruciales.

El museo PAC de Milán, ha sido un pilar en el mundo del arte contemporáneo desde 1954 y será el anfitrión de esta exposición en su totalidad. «Argentina. Lo que la noche le cuenta al día» no solo será una oportunidad única para que visitantes de todo el mundo puedan explorar el arte argentino contemporáneo, sino también una ocasión para reflexionar sobre las complejidades de la violencia y la represión en el contexto del arte.

De esta forma, el arte argentino dejará una marca indeleble en el mundo del arte contemporáneo.

Récord histórico: un cuadro de Miró superó los 20 millones de euros en una subasta

Fuente: Infobae – “Mujeres, Luna, Estrellas” creada en 1949 y conservada en una posada del sudeste francés, fue vendida en un remate de Christie’s de París. Así se convirtió en la obra más cara del artista catalán

En un hito sin precedentes, la obra maestra de Joan Miró, titulada Mujeres, luna, estrellas, creada en 1949, fue subastada en París por la asombrosa cifra de 20,7 millones de euros (21,95 millones de dólares), incluyendo honorarios. Este precio establece un récord en Francia para el renombrado pintor español, según anunció la casa de subastas Christie’s.

Simultáneamente, otra obra de arte de considerable importancia también alcanzó cifras extraordinarias. La escultura “Le Rhinocrétaire I” (1964) del reconocido escultor francés François-Xavier Lalanne, fue adquirida por 18,3 millones de euros con honorarios, marcando un récord mundial para este artista. Este logro excepcional tuvo lugar durante una subasta nocturna exclusivamente dedicada a Lalanne, como informó la casa de subastas en un comunicado.Ambas piezas ostentan el título de las obras de arte más caras vendidas en Francia durante el año 2023, de acuerdo con los registros de Christie’s.

Desde su adquisición en la galería Maeght en 1950, el icónico cuadro de Miró (1893-1983) ha permanecido en la Colombe d’Or, una legendaria posada situada cerca de Saint-Paul-de-Vence, en el sudeste de Francia. Esta obra ha sido un tesoro resguardado por décadas en un entorno que ha añadido a su mística y valor.

"Mujeres, luna, estrellas", de Joan Miró, marcó un récord en la obra del artista «Mujeres, luna, estrellas», de Joan Miró, marcó un récord en la obra del artista

El éxito de la subasta no se limitó a estas dos piezas destacadas. En total, las ventas nocturnas de obras vanguardistas europeas, donde el cuadro de Miró figuraba como la pieza central, alcanzaron la asombrosa cifra de 62,1 millones de euros. El evento no solo marcó un hito en términos de precios alcanzados, sino que también subrayó la continua influencia y relevancia del arte vanguardista en el mercado actual. Estos resultados ofrecen un testimonio elocuente de la apreciación y admiración que perduran por obras de arte de tal calibre.

Te puede interesar: Tras el escándalo, el Museo Británico recupera cientos de objetos de los 2.000 robados

El cuadro de Miró, con su combinación de colores y formas, encarna la genialidad y la visión artística del maestro español. Su venta por una cifra récord en Francia representa un reconocimiento a la magnitud de su legado y su impacto en el mundo del arte a nivel internacional.

El éxito de la subasta también destaca la importancia de preservar y celebrar obras de arte que han definido y enriquecido la historia del arte moderno y contemporáneo. La Colombe d’Or, que ha sido custodia de esta obra maestra, continuará siendo un lugar donde el arte y la historia convergen de manera única.

Joan Miró es uno de los artístas más emblemáticos de EspañaJoan Miró es uno de los artístas más emblemáticos de España

Joan Miró fue un destacado pintor, escultor y ceramista catalán nacido el 20 de abril de 1893 en Montroig del Camp, España. Fue uno de los principales exponentes del surrealismo y se le considera uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

Desde joven, Miró demostró un interés innato por el arte, lo que lo llevó a estudiar en la Escuela de Arte de la Llotja en Barcelona y la Academia de Galí. Su estilo artístico evolucionó a lo largo de su carrera, pasando por distintas etapas que incluyeron el cubismo y el fauvismo.

Te puede interesar: Alemania recupera un cuadro de 300 años robado por un soldado estadounidense durante la Segunda Guerra MundialEn la década de 1920, Miró se trasladó a París, donde se unió al movimiento surrealista, liderado por André Breton. Sus obras se caracterizaron por una combinación única de elementos abstractos y figurativos, creando un universo visual imaginativo y lleno de símbolos. Empleó colores vivos y formas orgánicas que desafiaban las convenciones artísticas de la época. Su obra continúa inspirando a generaciones de artistas y amantes del arte, y su contribución al mundo del arte lo consagra como uno de los grandes maestros del siglo XX.