Apareció el busto robado de la tumba de Jim Morrison tras 37 años: lo hallaron por casualidad

Fuente: ámbito – La escultura del líder de The Doors fue encontrada durante un operativo policial en medio de una causa por fraude.

Una de las reliquias más buscadas del rock fue recuperada. El busto de Jim Morrison, robado hace 37 años de su tumba en el cementerio parisino de Père Lachaise, fue encontrado de forma inesperada por la policía francesa durante un allanamiento vinculado a una investigación por fraude.

La figura había sido colocada en 1981 como homenaje al cantante de The Doors, una década después de su muerte. La obra, esculpida por el artista croata Mladen Mikulin, fue robada en 1988 y desde entonces se convirtió en un objeto mítico para los fanáticos del rock y de la contracultura de los años 60 y 70.

El busto fue hallado por las brigadas financiera y anticorrupción de la policía judicial de París. Fuentes citadas por medios locales aseguran que el hallazgo fue completamente fortuito. Las imágenes difundidas muestran que la escultura, aunque dañada (ya le faltaban la nariz y la boca cuando fue sustraída), se mantiene en condiciones aceptables y conserva los grafitis que los fans habían dejado a lo largo de los años.

El robo del busto de Jim Morrison: un misterio de tres décadas

El busto de Morrison fue colocado sin autorización oficial por su autor, Mladen Mikulin, como tributo personal al cantante. La tumba del músico en Père Lachaise, donde también descansan figuras como Oscar Wilde, Edith Piaf y Marcel Proust, se volvió desde el principio un lugar de peregrinación.

En 1988, el busto fue robado sin dejar rastros. En ese momento, las autoridades del cementerio optaron por no reponerlo y comenzaron a implementar medidas de protección ante los constantes actos vandálicos. Con el tiempo, se colocaron barreras para evitar nuevos ataques al sitio.

Durante años circularon teorías sobre su destino: desde coleccionistas obsesionados hasta fanáticos que habrían querido llevárselo como recuerdo. Pero nunca hubo pruebas firmes. La recuperación del busto en 2025, como parte de un operativo sin conexión con el caso, cerró un capítulo histórico del mito en torno al ídolo del rock.

Jim Morrison: el poeta maldito del rock que entró al “club de los 27”

James Douglas Morrison murió en París el 3 de julio de 1971, con apenas 27 años. Ícono de la contracultura, líder carismático y poeta oscuro, dejó una huella imborrable con su banda The Doors, con la que grabó seis discos de estudio hasta su muerte.

La causa oficial de su fallecimiento fue un paro cardíaco, aunque nunca se realizó una autopsia, lo que alimentó todo tipo de teorías. Una de las versiones más difundidas sostiene que murió por una sobredosis en un club nocturno, y que su pareja, Pamela Courson, trasladó el cuerpo a su departamento y lo mantuvo durante días con hielo para evitar la descomposición antes de reportar su muerte.

Morrison fue enterrado en el Père Lachaise, y su tumba rápidamente se convirtió en lugar de culto. En su epitafio puede leerse, en griego antiguo, la frase: «Kata ton daimona eaytoy», que se traduce como «Fiel a su propio espíritu», o, según otras versiones, «Contra el demonio dentro de ti mismo».

Con nueve discos en total junto a The Doors y millones de álbumes vendidos, su figura fue llevada al cine en numerosas oportunidades, aunque sus amigos y familiares han criticado reiteradamente las representaciones exageradas y caricaturescas que se hicieron de su personalidad.

En febrero de 2025, como parte de un homenaje oficial, la ciudad de París anunció que una pasarela cercana a la Plaza de la Bastilla llevará el nombre de Jim Morrison, cerrando un ciclo que comenzó hace más de cinco décadas con su llegada a la capital francesa.

La sudafricana Marlene Dumas se convirtió en la artista mejor paga del mundo: US$13,6 millones por una pintura

Fuente: TN – En la subasta de Christie’s, en Nueva York, se pagaron 13,6 millones de dólares por una pintura suya de 1997.

Temporada alta de noticias en las principales subastas de arte del mundo, y dos que se destacan hasta ahora por su singularidad. La primera, el fracaso de la escultura de Giacometti, Gran cabeza delgada, valuada en 70 millones, que se quedó sin comprador el martes pasado en Sotheby’s.

La segunda, más feliz, tuvo lugar en el remate de Christie’s, en el Rockefeller Center de Nueva York, donde la obra Miss January, pintada al óleo en 1997 por Marlene Dumas, se vendió por 13.635.000 dólares, convirtiéndola en la artista viva más cotizada del mundo.

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En el mismo remate se pagaron más de 23 millones por un precioso tríptico de Jean-Michel Basquiat, Baby Boom, más de 47 millones por un raro Mondrian de 1922 y más de 40 por un Monet. Con Miss January, Marlene Dumas corrió del podio a Jenny Saville, la artista que había obtenido el precio más alto hasta ahora.

El tríptico "Baby Boom", de Jean-Michel Basquiat es exhibido en Christie's en New York, en la previa de la subasta. (Foto: REUTERS/Kylie Cooper)
El tríptico «Baby Boom», de Jean-Michel Basquiat es exhibido en Christie’s en New York, en la previa de la subasta. (Foto: REUTERS/Kylie Cooper)

El récord anterior de Dumas había sido de 6.3 millones por su obra The Visitor, vendida en la competidora Sotheby’s en Londres, en 2008. Miss January llegó a remate desde la colección de la familia Rubell, creada en 1964 en Nueva York. Es la colección que construyeron los hermanos de Steve Rubell, dueño de la legendaria discoteca Studio 54.

Dumas tiene 71 años y es sudafricana, aunque vive y trabaja en Ámsterdam. Desde allí construyó una obra célebre por sus retratos turbulentos, muchos inspirados en fotografías encontradas. Retratos de vivos y muertos, desnudos de cuerpo entero, embarazadas, bebés, mujeres, parejas. Su entrada en el catálogo del MoMa cuenta sobre la organización de su trabajo, en cuadernos de imágenes que guardan años de investigación. Fotos periodísticas, noticias recortadas, imágenes de amigos y familiares, fotogramas de películas. Dice que la decisión de pintar a partir de fotografías es política: quiere que sus imágenes estén arraigadas en la realidad. “La pintura trata del rastro del tacto humano”, ha dicho la artista que hoy ocupa los titulares por su sacudón en el mercado del arte.

Dumas es conocida por sus retratos psicológicamente complejos, a menudo basados en fotografías encontradas, que exploran temas como la sexualidad, raza, duelo, maternidad y el cuerpo.

Koyo Kouoh, curadora de la Bienal de Arte de Venecia 2026, falleció a los 58 años

Fuente: Cadena 3 – Koyo Kouoh falleció a los 58 años, conocida por su labor en feminismo y su enfoque en África. Su muerte genera una gran conmoción en la comunidad artística internacional.

El mundo del arte se encuentra de luto tras el fallecimiento de Koyo Kouoh, la curadora seleccionada para dirigir la Bienal de Arte de Venecia 2026. La noticia fue confirmada por el Museo Zeitz de Arte Contemporáneo de África en Ciudad del Cabo, que anunció su fallecimiento durante la noche, aunque no se revelaron las causas de su muerte.

La Bienal de Venecia expresó su profunda tristeza al enterarse de la noticia, enfatizando que su partida dejó un vacío inmenso en la comunidad artística y académica que admiraba su compromiso con el arte contemporáneo.

Kouoh, originaria de Camerún y nacida en 1967, había sido seleccionada en diciembre para curar la próxima edición del evento, convirtiéndose en la primera mujer africana en ocupar ese cargo. Era aclamada por su enfoque innovador en temas de feminismo y su dedicación hacia la escena artística en África.

Desde 2019, Kouoh se desempeñó como directora ejecutiva y curadora principal del Museo Zeitz, y se la conocía por su labor en la promoción del panafricanismo en el ámbito artístico. En un comunicado, la Bienal de Venecia destacó su pasión y rigor intelectual al trabajar en la concepción y desarrollo del evento programado para 2026.

La presentación del título y tema de la exposición estaba programada para el 20 de mayo en Venecia. La Bienal también extendió sus condolencias a familiares y amigos de Kouoh, así como a aquellos que compartieron con ella un camino de investigación y crítica en el arte.

La primera ministra de Italia, Giorgia Meloni, se sumó a las condolencias, describiendo el deceso como “prematuro y repentino”, y subrayando el vacío que Kouoh deja en el ámbito del arte contemporáneo.

Ni la Mona Lisa ni Venus: la pintura más detallada de la historia que es considerada inigualable

Fuente: Cronista – Esta obra renacentista de Van Eyck contiene un mensaje secreto que solo unos pocos han logrado descubrir en sus líneas.

Las pinturas de la antigüedad y del renacimiento destacan por su complejidad, precisión y realismo. Obras maestras como la Gioconda o Mona Lisa de Leonardo Da Vinci, las Meninas de Rembrandt y las magníficas representaciones en la Capilla Sixtina de Miguel Ángel son reconocidas como las mejores obras de arte de la historia.

No obstante, hay una pintura que se distingue por su extraordinario nivel de detalle. Se trata de la Virgen del canónigo Van der Paele, creada por Jan Van Eyck en 1436.

Ni la Mona Lisa ni Venus: la pintura más detallada de la historia que es considerada una obra inigualable.

Razones por las cuales la Madonna del canónigo Van der Paele, de Jan Van Eyck, se considera una de las obras más minuciosas

Según el análisis del usuario «Jeferson Nasa», esta pintura renacentista rebosa de detalles y precisiones que el autor incorporó en la obra, donde cada trazo parece tener un propósito y significado único.

El detalle más impactante lo representa el clérigo de la pintura, Joris van der Paele, un clérigo adinerado que, aunque parece estar bien, los «detalles empiezan a revelar lo contrario», afirma el usuario.

Ni la Mona Lisa ni Venus: la pintura más detallada de la historia que es considerada una obra inigualable

Según este análisis, su rostro está intencionalmente elaborado. El clérigo presenta las arterias temporales inflamadas, pérdida de cabello cerca de la oreja y una mirada divergente.

El trazo de Jan Van Eyck indica que este hombre sufre de «arteritis temporal, una de las pocas enfermedades que pueden causar ceguera». En su mano sostiene un libro y unos anteojos.

La escena que observa el clérigo con Jesús, la Virgen María y San Jorge parece ser una ilusión tras la falla de su vista. Más allá de esto, según el usuario, «Joris está de rodillas en oración, como si buscara perdón».

En el siglo XV, cuando se pintó esta obra, la ceguera se consideraba un castigo por inmoralidad sexual. Así que tal vez este sea su momento de confesión.

Hay otro detalle notable que se destaca. En la armadura de San Jorge se refleja tenuemente la figura de un hombre. Al parecer, se trataría del propio Van Eyck, ubicado a un metro de distancia, es decir, la distancia ideal para que el espectador se detenga.

Parece que Van Eyck desea que las personas se sumerjan en ese detalle y esa es la distancia óptima para hacerlo.

Ni la Mona Lisa ni Venus: la pintura más detallada de la historia que es considerada una obra inigualable

La Madonna de Joris van der Paele: un ejemplo de pintura religiosa flamenca

El portal especializado La Finestra Sull’Arte explicó que el cuadro «representa una estructura teológica compleja basada en diferentes niveles de interpretación y significado».

Este análisis indica que la representación artística de Van Eyck muestra en el centro a la Virgen con el Niño, sentada en un alto trono coronado por un dosel.

La «Madonna de Joris van der Paele», según La Finestra sull’Arte, es un ejemplo magistral de pintura religiosa flamenca, rica en simbolismo y detalles históricos.

A la derecha de la Virgen María se encuentra San Donaciano, patrono de la colegiata de Brujas, en un lugar destacado. Con mitra decorada y casulla bordada, sostiene una rueda de cinco velas y un relicario, elementos que subrayan su identidad y función sagrada.

En la escena, frente a él y a la izquierda de María, aparece Joris Van Der Paele, el donante, arrodillado con un libro de oraciones y anteojos, signo de reflexión tras su lectura.

San Jorge, su santo patrono, lo presenta ante la Virgen, portando una armadura dorada con la inscripción hebrea «Adonai». Este gesto de introducción resalta el vínculo espiritual entre el donante y las figuras sagradas.

Van Eyck incluye reliquias reales veneradas en la iglesia de Brujas, como las del Santo Sepulcro, la Cruz y San Jorge, integrándolas en la composición para añadir autenticidad y profundidad.

Según el portal, la obra no solo busca glorificar al donante, sino también rendir tributo al duque Felipe el Bueno, dado que la iglesia era su parroquia.

Reapareció el «Bansky del Vaticano» con un mural que homenajea al papa Francisco

Fuente: Perfil – El artista urbano Maupal, conocido como el «Banksy del Vaticano», pintó un nuevo mural en homenaje al Papa Francisco en Roma. La obra incluye símbolos de San Lorenzo, la paz, los migrantes y el cuidado del ambiente, y destaca la palabra «Valores» como legado del pontífice argentino.

Mientras el mundo católico y buena parte de quienes no profesan la fe cristiana recuerdan por estos días el impacto del papa Francisco, un nuevo mural apareció en Roma para rendirle tributo. Se trata de una obra de Maupal, el artista urbano conocido como el “Banksy del Vaticano”, que volvió a plasmar su admiración por el pontífice argentino en una de las paredes más cercanas a la Santa Sede.

La pintura fue realizada este jueves, en medio del segundo día de capilla ardiente en la Basílica de San Pedro. Esta vez, el mural apareció sobre una de las paredes de la calle Borgo Pío, una arteria popular ubicada a metros del Vaticano. Allí, Maupal, seudónimo del artista romano Mauro Pallota, retrató un maletín como el que usaba Francisco, del que asoma una bufanda azulgrana, en clara alusión a San Lorenzo de Almagro, el club del que el Papa era hincha.

Pintura del artista romano Maupal en homenaje al Papa Francisco
La obra del «Banksy del Vaticano»

Debajo del maletín se puede ver el símbolo de la paz dibujado sobre la tierra, mientras que más alejados hay dos objetos cargados de significado: un salvavidas, que representa a los migrantes y refugiados, y una regadera junto a un pequeño brote verde, símbolo del cuidado de la naturaleza. Todos temas centrales en el pontificado de Jorge Bergoglio.

Impresa en el maletín, una sola palabra: “Valores”. Y en una esquina del mural, otra más que condensa todo: “L’eredità” (La herencia).

Quién es Maupal, el Banksy del Vaticano

Aunque su apodo recuerda al mítico artista callejero británico, Maupal tiene nombre y apellido conocidos: Mauro Pallota, nacido en Roma en 1972. A diferencia del verdadero Banksy, Pallota nunca ocultó su identidad. Su obra, muchas veces efímera, se convirtió en parte del paisaje romano, especialmente por sus frecuentes homenajes a Francisco. Algunas de sus pinturas se borran rápidamente, por lo que encontrar una puede sentirse como toparse con un pequeño tesoro.

Uno de sus murales más recordados es el “Súper Papa”, realizado en 2014, donde se veía a Francisco volando con el mismo maletín que aparece ahora en su homenaje póstumo. Como en aquel entonces, el gesto vuelve a conjugar ternura, simbolismo y un profundo respeto por la figura del Papa de los pobres.

Miles de personas rindieron homenaje al Papa Francisco en el segundo día de su velatorio

Pintura del artista romano Maupal en homenaje al Papa Francisco
El «Súper Papa», pintado en 2014 por Maupal

Los vecinos del barrio Borgo Pío valoran tener entre ellos a un artista como Maupal. Emiliano, dueño de una perfumería junto a la nueva obra, contó que le entusiasma que el mural pueda atraer más gente al comercio. Incluso recordó otra obra previa, ya borrada, con animales frente a una computadora. “Me gustaba más esta porque pegaba con los productos que tenemos de color azul”, confesó entre risas, aunque reconoció que el nuevo mural “va más en concordancia con el edificio”.

Mientras Roma despide a Francisco, muchos se preguntan cuál será el próximo destino artístico de Maupal. La duda reside en si se inspirará en el nuevo Papa, o el artista seguirá rindiendo tributo a quien cambió para siempre la historia de la Iglesia desde el fin del mundo.

El sueño de todo amante del arte: cómo dormir en un museo de lujo en Zúrich

Fuente: ámbito – Ahora uno puede pasar la noche en una galería, rodeado de arte y naturaleza, en el exclusivo hotel The Dolder Grand.

Para cualquier amante del arte, la posibilidad de tener un museo a disposición, sin las habituales multitudes, representa un verdadero sueño hecho realidad. Caminar en silencio entre obras maestras, contemplando cada detalle sin apuro, es una experiencia sublime reservada para muy pocos.

Sin embargo, existen lugares donde esta fantasía no solo se vuelve posible, sino que además permite pernoctar en pleno corazón de un museo. Uno de esos espacios únicos es el extraordinario hotel The Dolder Grand, ubicado en la ciudad de Zúrich.

Experiencia única en The Dolder Grand: arte y naturaleza en la comodidad de un hotel

El Dolder Grand no es simplemente un hotel de lujo, sino una verdadera galería de arte viviente. En sus pasillos, escaleras, restaurantes y jardines se despliega una impresionante colección privada de arte contemporáneo, valorada en más de 600 millones de euros y perteneciente a Urs Schwarzenbach, su propietario. Los huéspedes pueden disfrutarla a su ritmo, mientras recorren un edificio con más de 125 años de historia, que combina el encanto de un château clásico con vistas imponentes de Zúrich y los Alpes suizos.

A comienzos de los años 2000, el renombrado arquitecto Norman Foster le dio un aire renovado al hotel, sumando dos alas modernas que integran diseño, bienestar y naturaleza. Ubicado en el tranquilo barrio de Adlisberg, The Dolder Grand se convirtió en el refugio preferido de celebridades que valoran la privacidad. Su prestigio cultural y su propuesta de lujo lo vuelven protagonista durante el Festival de Cine de Zúrich, atrayendo a figuras del cine y la cultura internacional.

Gastronomía y Lujo: una fiesta de sentidos en el corazón de Suiza

Una de las cualidades más singulares de The Dolder Grand es su espíritu lúdico, que contrasta con su elegancia y tradición. Al ingresar, una escultura hiperrealista de un viajero dormido rompe con la solemnidad del lobby neoclásico y las obras clásicas. Esta mezcla de estilos se extiende por todo el hotel, desde la escalinata alfombrada en burdeos hasta el ala moderna, donde una seta gigante de Takashi Murakami da la bienvenida con un toque contemporáneo y provocador.

La propuesta gastronómica es tan diversa como sofisticada. El hotel cultiva sus propios ingredientes en un huerto propio, utilizados en restaurantes como el vegetariano Blooms y el Saltz, reconocido por su desayuno de excelencia. En lo más alto de la oferta culinaria se encuentra The Restaurant, con dos estrellas Michelin, donde el chef Heiko Nieder ofrece un menú degustación de ocho pasos, maridado por la sommelier Lisa Bader. Para una experiencia más íntima, el exclusivo Mikuriya brinda una cena omakase para solo ocho personas, con sushi de temporada acompañado por sake seleccionado por una sommelier japonesa.

Además del arte y la cocina, The Dolder Grand invita al descanso y al ocio con un spa de 4.000 m² que incluye piscina cubierta, hot tubs con vista a los Alpes y espacios para masajes y meditación. A esto se suma el Dolder Golf Club, fundado en 1907, que ofrece un campo de nueve hoyos en plena naturaleza, ideal para quienes buscan combinar deporte, paisaje y sofisticación.

Malba en Qatar: la histórica muestra de un museo argentino es la cuarta estrella

Fuente: Clarín – De día la ciudad de Doha es un espejismo que solo a la noche se vuelve real, con sus cientos de rascacielos encendidos. Bajo un sol cegador, la primavera ha llegado oficialmente con Years of Culture, un ciclo cultural que encadena inauguraciones internacionales, este año en torno de Chile y Argentina.Y en el corazón sobresaliente del programa, “Latinoamericano”, la muestra memorable de la colección Malba en Qatar, con los clásicos conocidos en casa pero no aquí, más obras pertenecientes al acervo personal de Eduardo Costantini que han sido una sorpresa.Con cientos de invitados del Golfo y de Argentina, fue abierta personalmente por la Sheika Al Mayassa Al Thani, una figura irremplazable en el mundo árabe. Junto a ella, Teresa Bulgheroni y la curadora Ma. Amalia García.Con cientos de invitados del Golfo y de Argentina, fue abierta personalmente por la Sheika Al Mayassa Al Thani, una figura irremplazable en el mundo árabe. Junto a ella, Teresa Bulgheroni y la curadora Ma. Amalia García."Autorretrato con chango y loro", de Frida Kahlo, escoltado por los curadores Issa Al Shirawi, jefe de Exposiciones Internacionales de Museos de Qatar, y Amalia García, de Malba.«Autorretrato con chango y loro», de Frida Kahlo, escoltado por los curadores Issa Al Shirawi, jefe de Exposiciones Internacionales de Museos de Qatar, y Amalia García, de Malba.

El ambicioso programa comenzó el pasado jueves. Junto a la inauguración de murales hechos por artistas de ambos países –se recordará a Messi junto al Emir en el colosal «Noche mágica en el estado Lusail», del artista Ron–, se cuentan muestras de los videos que participaron del envío qatarí a la Bienal de Venecia 2024, de fotografía y un ciclo de charlas con figuras notables. Entre otros, participaron de ellas el artista italiano Giuseppe Penone –exponente del Arte Povera que hoy tiene una muestra de sitio específico en los jardines de la londinense Serpentine Gallery– junto a su director, el suizo Hans-Ulrich Obrist, que prolonga su atracción de rock star de la crítica incluso en Medio Oriente.

La apertura, al caer la tarde del domingo en el imponente Museo Nacional, reunió a los directores de las instituciones culturales más destacadas del país –sin obviar a altos funcionarios de otras áreas del gobierno que en 2022, según ellos mismos recordaban, cantaron los goles como si fueran argentinos–. Las figuras sobresalientes de la noche, sin embargo, fueron la Sheika Al Mayassa bint Hamad Al Thani, factótum de la cultura qatarí desde hace quince años y una figura femenina única en la esfera islámica, junto a Teresa Bulgheroni, presidenta de la Fundación Malba, sin quien esta memorable escala de internacionalización no habría sido posible. El paseo por el fabuloso museo continuó con una cena en el antiguo y austero palacio original donde comenzó la leyenda de la dinastía Al Thani, una de las familias ricas de esta península que por siglos se dedicó al comercio de perlas naturales. Unos 400 invitados disfrutaron del menú del chef Mauro Colagreco.

https://33070209619f3700f86ec1ae6607362f.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-41/html/container.htmlAl Thani en la muestra de videoarte "Your ghosts are mine", el pasado viernes en el Mathaf. Al Thani en la muestra de videoarte «Your ghosts are mine», el pasado viernes en el Mathaf.

Hermana del Emir Tamim bin Hamad Al Thani, cabeza de esta monarquía absoluta desde 2013, la Sheika detectó la necesidad de agregar capital simbólico a esta nación, surgida casi ex nihilo a partir del hallazgo de petróleo. En 2013 sacudió el ambiente de las subastas premium al comprar para su colección privada el tríptico “Tres estudios sobre Lucian Freud”, de Francis Bacon, en 89 millones de libras de la época. Al Mayassa lleva más de una década como interlocutora activa entre el gobierno qatarí y el mundo del arte y las instituciones occidentales. Sin ir más lejos, en cada inauguración se vio al artista Jeff Koons. «Soy amigo de Qatar hace décadas; los visito varias veces al año», nos dijo. "Constelaciones", de Gyula Kosice, 1972. Plexiglás pintado, madera, fotografías y fuente de luz. «Constelaciones», de Gyula Kosice, 1972. Plexiglás pintado, madera, fotografías y fuente de luz.

En sus palabras, al abrir la cena de anoche –al aire libre y sin riesgo de lluvia–, esta mujer de apenas 40 años, a quien todos se refieren como “Su Excelencia”, agradeció la generosidad de Costantini, que no viajó a Doha, y celebró con afectuosa complicidad el impulso de Teresa Bulgheroni. También tuvo palabras de gratitud para la Ministra de Cultura porteña, Gabriela Ricardes, y el diputado Hernán Lombardi, de la Comisión de Cultura en Diputados. Al Mayassa recorrió la muestra “Latinoamericano” atendiendo al relato preciso de la argentina Maria Amalia García, curadora en jefe del Malba, y de Issa Al Shirawi, jefe de Exposiciones Internacionales de Museos de Qatar, acompañada en todo momento por la ministra de Cultura de Francia, Rachida Dati, y su par egipcio, Ahmed Fouad Hano, ambos de visita a Doha. El embajador en Doha, Guillermo Nicolás, y su esposa acompañaron cada inauguración en gran estilo. Pero ha sido lo que se dice una oportunidad de oro perdida para el gobierno argentino, que no creyó necesario enviar a una autoridad nacional a forjar contactos privilegiados en uno de los países más ricos del mundo, justo ante la cuarta estrella ganada anoche por Argentina. Qatar todavía nos mima por la «noche mágica».El director del Museo Nacional de Qatar, Abdulaziz Al Thani, frente al autorretrato de Frida Kahlo.El director del Museo Nacional de Qatar, Abdulaziz Al Thani, frente al autorretrato de Frida Kahlo.

Los rumores en Doha indican que México será el país de honor para Years of Culture 2026 (ya lo ha sido Brasil), con la gran exposición de una colección privada –el primer dato mencionaba la del magnate Carlos Slim pero la colección Jumex viene trabajando fuerte en estas horas de intensa sociabilidad y alto lobby–. “El gobierno qatarí suele inclinarse por tratar con instituciones privadas antes que con los estados; eso simplifica el diálogo y resuelve los detalles”, observó un conocedor diplomático.En el Mathaf, Museo de Arte Moderno: Teresa Bulgheroni junto al artista Jeff Koons. En el Mathaf, Museo de Arte Moderno: Teresa Bulgheroni junto al artista Jeff Koons. Inauguración de "Latinoamericano", la esperada muestra en el imponente Museo Nacional de Doha, con diseño de Jean Nouvel.Inauguración de «Latinoamericano», la esperada muestra en el imponente Museo Nacional de Doha, con diseño de Jean Nouvel.

Fiesta latina

Un contingente de curadores y figuras de la crítica europea, y referentes institucionales y periodistas argentinos fueron invitados a cuerpo de rey -entre ellos, los principales diarios de Argentina-, en un viaje de inmersión en la cultura qatarí que incluyó todas las instituciones y paseos a sus desiertos de piedra. En el Museo Nacional, las siluetas de los invitados, de blanco y de negro de la cabeza a los pies, respectivamente hombres y mujeres, alternaban con el incorregible bullicio latino y el saludo entre amigos porteños, todo bajo los auspicios de diminutas delikatessen y unos misteriosos juguitos de fruta –aquí no hay atajos para la disuasión del alcohol en el ámbito oficial–."Black nation", un paisaje de Matías Duville, A la derecha, derecha, "Círculo negro", de Clorindo Testa. «Black nation», un paisaje de Matías Duville, A la derecha, derecha, «Círculo negro», de Clorindo Testa.

A pocos metros de distancia de los principales ministros qataríes y su nube de fotógrafos, las nietas de Nicolás García Uriburu, Azul y Esperanza Pereda, se tomaban selfies junto a las obras de su abuelo, expuestas en un sitio destacado. Estaban presentes en la inauguración el nuevo director del Malba, el brasilero Rodrigo Moura, los responsables de la Fundación Federico Klemm, Valeria Fiterman y Fernando Ezpeleta, y el presidente de la Academia de Bellas Artes, Sergio Baur, entre muchos otros."El pájaro amenazador". – De la serie Monstruos cósmicos, de Antonio Berni, 1965. Colección Malba.«El pájaro amenazador». – De la serie Monstruos cósmicos, de Antonio Berni, 1965. Colección Malba.

En este transcurso por las diversas «modernidades» latinoamericanas, encontramos los íconos que fundan el nombre del Malba, junto a piezas nunca vistas, ya sea porque pertenecen a Costantini o por su adquisición reciente. Entre las primeras, no faltan el «Autorretrato con chango y loro» (1942), de Frida Kahlo, y «Baile en Tehuantepec» (1928), de Diego Rivera, dos de los récords en las compras del coleccionista. De Antonio Berni, el fresco «Mercado Colla» (salió por primera vez del país), su «Juanito dormido» y «El pájaro amenazador», la gran escultura de mimbre de la serie «Monstruos cósmicos», entre otras piezas. El «Rompecabezas», de Jorge de la Vega, también está aquí. Para el coleccionista, el escalofrío de verlas partir se ve recompensado. Marta Minujín paga a Andy Warhol la deuda externa con maíz. Junto a una escultura de Marisol Escobar.Marta Minujín paga a Andy Warhol la deuda externa con maíz. Junto a una escultura de Marisol Escobar.

Entre las 170 obras, hay pintura, fotografía y escultura de Chile, Uruguay, Colombia, Venezuela, Paraguay y Cuba. También vimos «Omi Obini, de 1943, un óleo sobre tela de Wifredo Lam, y «Armonía (Autorretrato sugerente),» de la surrealista Remedios Varo, algunas de sus compras recientes. Además del Lam, dos exquisitas piezas de la extraordinaria grabadora habanera Belkis Ayón, nunca expuestas en el Malba, sobre los rituales de la religiosidad Abakuá. Belkis, como la llaman los cubanos, tuvo una vida trágica en virtud de su disidencia política y sexual, y la mitología urbana sostiene que se suicidó por un gualicho «palero»; mereció una gran retrospectiva en el Reina Sofía hace tres años.

Del italiano Victor Brecheret, emigrado a San Pablo, se incluye la escultura Tocadora de banjo, una pieza mediana hecha en Carrara en las líneas modernistas del art déco. Y de la paraguaya Lotte Schulz, Guri, tinta y técnica de burilado sobre cuero nonato con pelo, de la Colección Malba. Y se incorporaron piezas del boliviano Gil Imaná Garrón, entre las cinco donadas al Malba por la artista y ex presidente de la Academia de Bellas Artes, Matilde Marín."Laberinto de Jerusalén", 1973. Del emigrado alemán Mathias Goeritz, tras su viaje a Oriente Medio y de regreso a Latinoamérica. Procede del museo Mathaf. «Laberinto de Jerusalén», 1973. Del emigrado alemán Mathias Goeritz, tras su viaje a Oriente Medio y de regreso a Latinoamérica. Procede del museo Mathaf.

Entre las obras que ha sumado Qatar, mencionemos el retrato René, de la libanesa, emigrada a Argentina, Bibi Zogbé, recuperada por el curador Adriano Pedrosa en la última Biennale. También hay obras de la surrealista Alice Paalen Rahon –»Luna de octubre», al comienzo de la muestra–, y del escultor germano mexicano Mathias Goeritz. Todas ellas pertenecen al Mathaf, el Museo de Arte Moderno de Doha. La emigración a América Latina conforma un hilo que atraviesa la muestra.

Halcones y rascacielos de autor

La capital tiene un estilo que consiste en… mostrar todos los estilos, a partir de un planeamiento urbano que atribuye rasgos a diferentes barrios. Aquí la arquitectura de grandes firmas ha creado un catálogo y el conjunto, donde los edificios empiezan a revelarse fechados, encarna la idea del lujo edilicio como emblema del “petro-capitalismo”.La poética “Shadow travelling in the sea of the day”, del danés Olafur Eliasson, cercana al sitio arqueólogico de Al Zubarah.La poética “Shadow travelling in the sea of the day”, del danés Olafur Eliasson, cercana al sitio arqueólogico de Al Zubarah.

Mediante los oficios y amistades de la sheika Al Mayassa, Doha lleva años invirtiendo en arte público, hasta convertir las piezas, en general monumentales, en hitos cardinales. Por mencionar solo algunas, dos instalaciones del escultor Richard Serra, una faro de acero junto al Museo de Arte Islámico y otra, en el desierto-. La poética “Shadow travelling in the sea of the day”, del danés Olafur Eliasson, destinada a confundir la perspectiva, cerca del sitio arqueólogico de Al Zubarah.

No todo ha sumado, convengamos. Desconcierta «Alfa», el renglón de esculturas caligráficas del francés Jean-Michel Othoniel, hechas con perlas de metal negro (expuso en el CCK “Nudos salvajes” en 2019), y nos sobresalta “El viaje milagroso”, de Damian Hirst, con 14 fetos de bronce de tamaño colosal, extendidos en su evolución dentro del útero, instalados frente al Sidra Hospital, una maternidad y sanatorio para niños. En Occidente Hirst habría instigado brigadas vandalizadoras pero aquí desató apenas una tormenta de rechazo en las redes, por motivos de pudor y tabú iconoclasta: permaneció cinco años cubierta. Pulgares abajo para el «Pulgar», de César, un enorme dedo aprobador de bronce al costado de la plaza del zoco, un popular punto de encuentro. ¿Dónde encontrarse, al pie del pulgar?

Los edificios de autor, dijimos, compiten. El Museo Nacional fue diseñado por el francés Jean Nouvel; no es este su único proyecto. Sus volúmenes citan las “rosas del desierto”, esas formaciones minerales de piedra caliza compuestas por diagonales salientes. En el centro del gran patio, aislado de los rascacielos, se levantan los 16 cuerpos de inflables rayados de Marta Minujín: la “Escultura de los sueños” es un bienvenido arcoíris pop, en contraste con el color arena del entorno.

La gema indiscutida es el Museo de Arte Islámico, del arquitecto chino I.M. Pei, creador de la pirámide de vidrio del Museo Louvre. La construcción de cubos desplazados se levanta en una isla artificial al otro lado de la bahía, donde no recibe ninguna amenaza de sombra. Su iluminación interior, sus vitrinas de vidrio opaco y su museografía lo hacen simplemente perfecto; también se destaca la colección de piezas que el país ha ido recogiendo por todo el mundo islámico por años. Otro de los arquitectos influyentes en Doha es el neerlandés Rem Koolhaas, que diseñó la vanguardista Biblioteca Nacional.Con cientos de invitados, la muestra fue abierta por la Sheika Al Mayassa Al Thani,. Con cientos de invitados, la muestra fue abierta por la Sheika Al Mayassa Al Thani,.

Doha misma es el factor dominante, materializada a partes iguales por la prepotencia del empeño y los ríos de dinero que lo hacen triunfar. La ciudad no es una selva de cemento y cristal, por la amplitud de sus avenidas, pero dista de ser un oasis, a falta de vegetación. Su costado casi infantil se despliega en el shopping Villagio, un seudo veneciano estilo Las Vegas, completo con laguna, góndolas, un cielo pintado y prendas con logos previsibles.

Con su cuadrícula de edificios uniformes y terrazas planas –impecables, desde lo altos lucen como la maqueta de una medina–, las manzanas tradicionales y de baja densidad contrastan con un horizonte de rascacielos caprichosos al final de la Corniche, la rambla que rodea la Bahía Oeste, bella y azul, pero donde es imposible asomarse antes de las 17 horas.En el centro del patio del Museo, Nacional,  los inflables rayados de Marta Minujín. Pasaron por Roma en marzo. En el centro del patio del Museo, Nacional, los inflables rayados de Marta Minujín. Pasaron por Roma en marzo.

Todo es nuevo en Doha, todo ha sido inventado, empezando por la tradición. Dentro de la región, es un país tolerante, repiten los resignados al closet. En otras palabras, existe la vida privada pero debe ser privadísima. La linda plaza del zoco Waqif, construida al estilo árabe del Golfo, es punto de reunión de locales los fines de semana, con sus bares al aire libre donde familias y amigos conversan y se apoltronan con el narguile. A pocas cuadras de allí, la plaza de camellos, que llegan temprano a la mañana para los turistas, y el Hospital de Halcones. El arte de la cetrería sigue cultivándose en las competencias anuales de enero; una ave entrenada es el más alto signo de estatus. Los halcones tienen pasaporte -anillado a una pata- y solo pueden viajar al exterior en primera clase.

Funeral del papa Francisco: la obra de arte de la Banksy italiana que se volvió viral por criticar la lista de invitados

Fuente: ámbito – Se trata de un mural pintado por la Laika, una artista callejera a la que comparan con Banksy . La polémica artista despidió al Sumo Pontífice de una manera particular.

El mundo quedó en shock luego de que, el lunes pasado, el Vaticano diera a conocer la muerte del papa Francisco. Desde entonces, miles de figuras reconocidas, jefes de Estado y celebridades expresaron sus condolencias tras la partida del Sumo Pontífice. En línea con esto, la artista callejera Laika – bautizada como la Banksy italiana – reveló un mural a modo de despedida en donde expresa una fuerte crítica a diferentes políticos.

En detalle, la artista reveló una pintura en donde puede observarse al papa Francisco con una «lista de invitados» en su mano, a la que observa fijamente mientras se pregunta: «¿pero quién invitó a estos?».

La obra de arte viral sobre el funeral del papa Francisco

Desde el pasado miércoles, los restos del papa Francisco son expuestos al público en la basílica de San Pedro, donde miles de fieles se acercan. Mientras tanto, la Santa Sede última todos los detalles para recibir a decenas de jefes de Estado en el funeral que tendrá lugar el próximo sábado 26 de abril.

La comitiva argentina que asistirá al funeral está compuesta por el Presidente; la secretaria Karina Milei; el vocero Manuel Adorni; las ministras Sandra Pettovello y Patricia Bullrich; el canciller Gerardo Werthein y el jefe de Gabinete Guillermo Francos.

En cuanto a las figuras internacionales, dirán presentes; El secretario general de la ONU, António Guterres; el presidente de EEUU Donald Trump junto a la primera dama Melania Trump; el presidente francés Emmanuel Macron; el primer ministro británico, Keir Starmer; el presidente brasileño Luiz Inácio Lula da Silva; la titular de la Unión Europea (UE) Ursula von der Leyen; el presidente de Ucrania, Volodímir Zelenski y la primera dama, Olena Zelenska.

En este sentido, «la Banksy italiana» expresó un mensaje muy crítico sobre la lista de invitados para el funeral del papa Francisco. Es que la misma se encuentra compuesta por numerosas figuras que fueron especialmente críticas del argentino durante su papado.

En la lista que incluyó Laika se encuentran; Trump, criticado por las deportaciones masivas de migrantes a Estados Unidos; Javier Milei, el presidente argentino, Von der Leyen, partidaria del rearme europeo; el vicepresidente del Consejo de Ministros de la República Italiana; Matteo Slavini, quién nunca fue recibido por el papa Francisco durante su pontificado y Matteo Pantedosi, ministro del Interior italiano, promotor de la discusión Decreto Cutro.

Las diferentes figuras enlistadas por la italiana mantuvieron críticas – tanto públicas como internas – al papado de Francisco por su apertura de la Iglesia a los derechos LGTB, su apoyo a los migrantes y su lucha por la Justicia Social, entre otras cosas. El caso más paradigmático es lo ocurrido con el presidente argentino Milei, quién llegó a tildar al Sumo Pontífice del «representante del maligno en la tierra».

«Creo que Francisco, si pudiera, hubiera sacado esos nombres de su ‘lista de invitados’ voluntariamente», aseguró la artista quién explicó que con su obra «solo quería dar una breve reflexión sobre el ‘desfile de hipocresía’ que va a pasar este sábado».

«La Iglesia es un mundo extremadamente lejos de mi, especialmente en términos de derechos civiles. Pero no se puede negar que Francisco fue un Papa cuidadoso de los migrantes, de la masacre de palestinos en Gaza y en contra del rearme, en nombre de la paz sin armas«, sentenció la artista.

Hallazgo sin precedentes en Notre Dame: encontraron un tesoro invaluable enterrado debajo de la mítica catedral

Fuente: Cronista – Tras el incendio de 2019, los arqueólogos dieron con una increíble pieza religiosa junto a otras esculturas perdidas hace siglos.

Después de seis años del incendio de la catedral de Notre Dame de París, arqueólogos revelaron el descubrimiento de un verdadero tesoro debajo del edificio. Es una pieza religiosa que estuvo en pie por varios siglos y que estaba enterrada debajo de las baldosas.

En los últimos días de Semana Santa, en donde se conmemora la Pasión de Cristo, tomó relevancia el hallazgo en el monumento de la capital de Francia. Justamente, dieron con una escultura de la cara de Jesús, la cual pertenecía al «cancel del coro» que data del siglo XIII.

¿Cómo encontraron el tesoro que descubrieron en Notre Dame?

Luego de que Notre Dame se prendiera fuego en abril de 2019, debían comenzar los trabajos para apuntalar las paredes de piedra y bóvedas que se dañaron, a la vez que retiraban los escombros.

Sin embargo, tenían que contar con la presencia de arqueólogos, dado que la ley francesa indica que esto es obligatorio en cualquier proyecto en donde se puedan hallar artefactos o restos antiguos, según explicó National Geographic.

El equipo del Instituto Nacional de Investigación Arqueológica Preventiva a cargo de Christophe Besnier tuvo solo cinco semanas para excavar el piso. Con solo un permiso de 40 centímetros para perforar, dieron con 1.035 fragmentos de diversas obras de arte.

Debajo de las baldosas del piso y una fina capa de tierra y escombros, había una escultura gótica pintada que llamó la atención de todos: era una representación del torso y la cabeza de Jesús con los ojos cerrados que data de hace ocho siglos.

Así es el tesoro que encontraron debajo de Notre Dame

La escultura de Cristo pertenecía al «cancel del coro» que anteriormente cerraba el coro y el santuario de Notre Dame de la vista del público. Este tenía 4 metros de alto y fue desmantelado a principios del siglo XVIII.

«La escultura es realmente excepcional por su delicadeza, su atención al detalle. La representación de los párpados, las orejas, la nariz, es increíble», destacó Bernier acerca de la representación del líder religioso judío que también posee unas gotas de sangre pintadas por una herida de lanza.

Para qué servía esta escultura de Jesús

Según el historiador Dany Sandron, esta creación contaba las «escenas de la pasión de Cristo», tal como la Última Cena, la Crucifixión y la Resurrección. Además, su colega Mathieu Lours explicó que servía para dos motivos:

  • Para leer las Escrituras a los fieles que se acercaban: las escaleras iban hacia el púlpito o plataforma sobre el coro y así los sacerdotes predicaban a la comunidad.
  • Para privacidad: como estaba construida como una pantalla en la entrada, los sacerdotes podían confinarse aquí mientras realizaban los ocho servicios de oración diarios sin que el público los observara directamente.

¿Por qué retiraron esta obra de arte en Notre Dame?

Las prácticas religiosas cambiaron con el tiempo, así como lo hizo la moda artística, la cual dejó de lado lo gótico. La clase sacerdotal de Notre Dame mantuvo el coro por cinco siglos, hasta que llegó una orden de Luis XIV en la década de 1710 que cambió todo.

Justamente, el Rey Sol o el Grande, pidió por un coro más abierto con estatuas que lo retraten a él y a su padre Luis XIII. Como se las consideraba esculturas sagradas, no podían sacarla de la iglesia, por lo que las enterraron en el mismo sitio.

Este descubrimiento sirvió a los especialistas para saber cómo era el edificio en ese entonces. Sin embargo, todavía existen restos debajo de la catedral, aunque será muy difícil que las reencuentren debido a que ya no tendrán ese tiempo libre y permisos para excavar sobre los cimientos.

En la Feria de Estambul, la Generación Z se hace sentir

Fuente: Clarín – Por debajo del puente de Ortaköy, una de las mezquitas más bellas de la ciudad y a orillas del Bósforo, puede pasar un crucero a plena marcha –neones prendidos y todo el «party» adentro –, mientras el imán llama a la última de las cinco plegarias del día. Desde hace algunos años el canto ya debe ser obligatoriamente en vivo y a las 4 de la madrugada volverá a llamar. La vida sigue en Estambul, pese a las interferencias de la política. Para nosotros comienza la feria de arte, que transcurre hasta el fin de semana.

Ali Güreli, director de la feria CI Bloom –en su IV edición, su nombre refiere a las flores en primavera–, reunió a media docena de periodistas extranjeros invitados para compartir la fecha del año destinada a las galerías turcas. A diferencia de CI Contemporary, abierta a galerías internacionales y que se realiza en septiembre, Bloom reúne a 263 artistas y 520 obras de arte, en 25 galerías de Estambul, de Ankara, la capital, y de Diyarbakir, hoy una ciudad pujante con una población mayoritariamente kurda.

Varios torbellinos a la vez

Un posteo reciente ironizaba que el presidente de EE.UU. en verdad lanzó su embestida tarifaria solo para encubrir la caída el mercado del arte en 2024. Con una baja del 12 % en el volumen de ventas globales, el país más perjudicado fue China, con una caída del 31 por ciento tras años dorados gracias a Art Basel Hong Kong. El resto de los centros mundiales, encabezados por lejos por EEUU. y Gran Bretaña, concentra hoy el 82,9 % del mercado.

Y a este cuadro de incertidumbre general, Turquía agrega su propio torbellino, con el intendente estambulí, el socialdemócrata Ekrem Imamoglu, preso desde mediados de marzo y procesado hace pocos días. En Taksim, la plaza pública de la ciudad, hace pocos días manifestaron 100 mil personas; todavía quedan cientos de los más de 1000 detenidos que se negaron a evacuarla. Permanece vallada esta semana. Error de cálculo y timing para el presidente Recep Erdogan, que vio en el líder del partido CHP a su primer competidor serio en más de dos décadas. La revista Foreign Affair dio su veredicto para Erdogan: «final de juego».Ali Güreli, director de la feria CI Bloom. Foto gentileza CI.Ali Güreli, director de la feria CI Bloom. Foto gentileza CI.

Los artistas, desde luego, saben transmutar las pestes de este mundo en imágenes. Distante de Taksim, en el Salón Rumeli abrió hoy miércoles para los profesionales la feria de arte. El disenso aquí está permitido, aunque seguramente su tono sería otro si las obras hubieran sido hechas en febrero, cuando todo parecía más esperanzador.

“Queremos dar un panorama de TODO lo que se crea en Turquía, y nótese que no hablo de un arte turco. No tenemos ese enfoque”, observó Güreli. Turquía, es llamativo, sigue la tendencia de la Argentina y otros países al promover crecientemente la participación federal, como forma de ampliar el coleccionismo y diversificar los gustos. "Flower studies”, de la pakistaní Hamra Abbas. Piezas de lapizlásuli, con la técnica de “pietra dura”. Comisionada para la feria de Abu Dabhi, en Emiratos Árabes. «Flower studies”, de la pakistaní Hamra Abbas. Piezas de lapizlásuli, con la técnica de “pietra dura”. Comisionada para la feria de Abu Dabhi, en Emiratos Árabes.

Muchos de los artistas consagrados en la escena mundial se alternan aquí con emergentes y menores de 30 años. La apertura de la feria son dos masivas columnas del artista inglés Toni Cragg, de la galería Dirimart, una de las más importantes del país, con el precio más alto del salón, un millón de dólares. Hace unos años Cragg tuvo su gran expo en el viejo Museo de Arte Moderno de Estambul.

Una de las cifras mundiales aportadas por Güreli, todas ellas pertenecientes al último informe de UBS, dan que pensar: aunque el monto total de las ventas decreció en el mundo, se amplió el coleccionismo. El segmento que más creció fue el de precios más bajos, y hay un aumento de nuevos compradores (el 5% más de primeros compradores que en 2023). Bedri Baykam, en galería Piramid Sanat. Foto: Clarín.Bedri Baykam, en galería Piramid Sanat. Foto: Clarín.

“La Generación Z ha salido al ruedo, aunque compre con el dinero de su familia”, observa. Antes que explorar con espíritu de apostador aventurero, “los coleccionistas más jóvenes se enfocan en obras de valor indudable y en adquisiciones motivadas por su tema”. El mundo natural y la amenaza del cambio climático son un clamor compartido, mientras que las estéticas queer y las subjetividades sexuales tienen en esta feria una presencia atenuada o menos explícita, en comparación con otras ferias en democracias abiertas.

“El nuevo dinero trae nuevos gustos”, concluyó Güreli. “Es nuestra responsabilidad educar a esos noveles coleccionistas. El arte está yendo a las manos de jóvenes, debemos cuidar lo que les ofrecemos”. Por último, el 31 por ciento de los dealers consultados sigue identificando que las ferias son el momento privilegiado para cerrar sus ventas.

Ci Bloom, al igual que su versión Internacional de septiembre, se nutre de coleccionistas nacionales y de los países de la esfera islámica. Esto incluye los abultados “petrodólares” de Medio Oriente, cuyos jóvenes despuntan en el coleccionismo.“Tecno-past: astrónomos, drones y robots”, de Halil Altindere (2025). Foto: Clarín.“Tecno-past: astrónomos, drones y robots”, de Halil Altindere (2025). Foto: Clarín.

Muchos de los artistas ofrecidos ya tienen un presente sólido en las instituciones occidentales que siguen marcando el estándar de consagración. Nos referimos, por ejemplo, a Halil Altindere, con telas en ese neo pop a la vez global y local, entre distópico y retro-futurista.

En “Tecno-past: astrónomos, drones y robots”, las naves espaciales conviven con el tributo a las miniaturas de la tradición del libro islámico. O a los “Flower studies”, cuatro pequeñas y formidables piezas de lapizlásuli hechas con la técnica de encastre “pietra dura” –en rigor, una labor procedente de Rajastán, India, ergo, un reclamo de reapropiación por parte de la pakistaní Hamra Abbas.

Ella ya expuso en el Guggenheim de Nueva York; el rumor dice que Abu Dabhi, en Emiratos Árabes, acaba de comisionarle una obra para abrir su próxima feria. Curioso, no se trata de piezas costosas. Cada panel de la serie, en esta piedra semipreciosa, cuesta 6000 U$. Ambos artistas, en la galería Pilot.

En términos generales, las preguntas sobre la tecnología y el cuerpo cyborg recorren muchas de las obras. Otro espacio interesante y “temáticamente motivado” –esto es, con una toma de posición–- es Galeri 77, que programáticamente reparte a su elenco de representados entre artistas armenios y turcos.Sin título, de Taron Marukyan, de Galeri 77. Afincado en Armenia, ha tenido expos individuales en Italia y Alemania. Foto: ClarínSin título, de Taron Marukyan, de Galeri 77. Afincado en Armenia, ha tenido expos individuales en Italia y Alemania. Foto: Clarín

El derecho a inventar el arte

La galería Öktem Aykut, otro de los espacios destacados, ofrece obra de Renée Levi, artista turca de familia judía que actualmente expone en el Palais de Tokio de París. Su gran pieza “Angelica 1808” cuesta 25 mil euros. En junio ella tendrá su solo show en Art Basel de Suiza.

Aunque participan de esta feria numerosas mujeres, es curioso que se ofrezca poco arte textil, una de las tendencias que han traído las últimas bienales de Venecia, documenta y San Pablo y que se aprecia en ARCOmadrid, Art Basel Miami y arteBA. Y si en América Latina el arte busca recategorizar la cerámica como arte mayor, aquí se ve el mismo impulso en piezas de porcelana y mosaico, sus equivalentes regionales. Con menos preeminencia del videoarte, la fotografía tiene un lugar destacado, en ocasiones retrabajada en diversas intervenciones digitales, una suerte de video por otros medios.

Otra de las noticias de CI Bloom es el lanzamiento de la plataforma de remates digitales Artwide.com, que ofrecerá a los mismos artistas de la feria pero con diferentes obras. La iniciativa es audaz, dado que las ventas digitales bajaron un 11 por ciento en 2024, debido a la actual fatiga digital en los consumos culturales.

En Estambul, como en todo el mundo, reina el pop 2.0. y, en los artistas más jóvenes, un exhortación a tener derecho a la inocencia. Al cabo de la recorrida, nos detenemos en la pieza «Historia del arte de Bedri Baykam», (galería Piramid Sanat). Con su aire de lámina escolar, la maraña de apuntes manuscritos, digna de un panel de detective, es un bello ejercicio de ironía. En verdad, Baykram ha logrado una enciclopedia casera.Angelika 1808, de Renée Levi (2017). Foto: Clarín.Angelika 1808, de Renée Levi (2017). Foto: Clarín.

En el centro, claro, Picasso y la Torre Eiffel, y a su derecha la Bauhaus, el arte naif según el Aduanero Rousseau, y más allá el Che Guevara y León Trotski: todo el trauma cómico del artista periférico, más el santoral político. Y en medio del matete, entre patronos turcos y europeos, al sur de Frida Khalo y de Edward Hopper, digamos, un sorpresivo camafeo juvenil de Antonio Berni, en sus inicios surrealistas.