Categoría: Pintura

Una de las obras de Frida Kahlo podría convertirse en la más cara del arte latinoamericano

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Fuente: Ámbito ~ La obra de arte, conocida como «Diego y yo», es un autorretrato con su esposo Diego Rivera, pintado en 1949

Un autoretrato de Frida Kahlo con lagrimas en los ojos y la cara de Diego Rivera en la frente se ofrecerá en noviembre en una subasta con un precio de venta valuado en 30 millones de dólares.

La pieza titulada «Diego y yo», de venderse, se convertirá en la obra de arte más cara de Latinoamérica, actualmente la obra más cara vendida en subasta fue la de Diego Rivera «Los Rivales», cuyo valor fue en 2019 de 9.8 millones de dólares.

Para mayor referencia, la marca para una artista mujer en subasta es de 44,4 millones de dólares, establecida en 2014 con “Jimson Weed/White Flower No. 1” de Georgia O’Keeffe.

Sotheby’s anunció el miércoles que “Diego y yo” (1949), el último autorretrato de “busto” completado por Kahlo antes de su muerte en 1954, encabezará su venta de arte moderno en Nueva York la semana del 15 de noviembre. Siendo el 16 del mismo mes el día de su subasta.

La obra se vendió por última vez en Sotheby’s por 1,4 millones de dólares en 1990 y ahora podría ser vendida nuevamente por más de 30 millones en una exhibición que se realizará el 16 de noviembre.

Quien la compre, advirtió Sotheby’s, deberá ajustarse a las estrictas leyes de patrimonio nacional de México, que prohíben la exportación de sus obras de arte más famosas.

En diálogo con la agencia Télam, la directora de Arte Latinoamericano de Sotheby’s, Anna Di Stasi, refiere que el fenómeno de Frida Kahlo lleva varias décadas y que desde los 80 se comenzó a divulgar «su figura, el mito», y aunque su producción no es demasiado grande tuvo gran influencia en otros artistas mexicanos o latinoamericanos y en «la manera en que el arte surrealista latinoamericano ha sido interpretado», indica.

«La artista se ha mantenido como una gran imagen posmodernista, feminista, independiente de las tradiciones culturales y artísticas de su país, pero al mismo tiempo muy basadas en una interpretación personal de ellas. Todo esto siendo mujer, siendo parte de ese triángulo perfecto de mujeres surrealistas: Frida Kahlo, Leonora Carrington y Remedios Varo. Ellas tres juntas también pertenecen a este momento de interés, institucional y de coleccionistas sobre este movimiento en Latinoamérica», explica Di Stasi.

Todos los Berni: a 40 años de su muerte, un recorrido por sus obras exhibidas en Buenos Aires

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Fuente: Télam ~ El itinerario imaginario recorre las obras del artista en sus diferentes períodos, soportes y fechas, desde la pintura «Pesadilla de los injustos» en el Museo Nacional de Bellas Artes hasta la emblemática «Manifestación» en Malba o «Domingo en la chacra» en Colección Fortabat, entre otros espacios culturales.

Un itinerario imaginario cuyas coordenadas se trazan en el mapa de la ciudad de Buenos Aires alberga una inmensa cantidad de obras del artista rosarino Antonio Berni (1905-1981), que a 40 años de su muerte demuestran su vigencia y recorren sus diferentes períodos, soportes y fechas, desde la pintura «Pesadilla de los injustos» en el Museo Nacional de Bellas Artes hasta la emblemática «Manifestación» en Malba o «Domingo en la chacra» en Colección Fortabat, entre otros espacios culturales.

El circuito quimérico pero tangible podría comenzar en el Malba (Figueroa Alcorta 3415), que exhibe tal vez una de las emblemáticas obras del artista, “Manifestación (1934), fundacional del Nuevo Realismo, un temple sobre arpillera que el propio Berni llamaba familiarmente como “La huelga” y que resume las múltiples búsquedas artísticas, una suerte de pintura mural “transportable” con un grupo de inmigrantes, pobres y desocupados, entre la rabia y la melancolía, que reclaman pan y trabajo, siempre de estremecedora actualidad.

“’Manifestación’ -al igual que ‘Desocupados’ y ‘Chacareros’- muestra su compromiso y su militancia diaria, especialmente agitado por la llegada de David Alfaro Siqueiros a la Argentina, en esos años 30 tan agitados y conflictivos a nivel mundial. Y presenta muy bien a este Berni que viene de experimentar con el surrealismo hasta que asume ese compromiso, expresado en esos rostros que generó inspirado en fotografías de indigentes que aparecían en la prensa. Y desde el lenguaje moderno, la pieza se enmarca en estos grandes murales portátiles”, explica a Télam María Amalia García, curadora en jefe del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires.

Justamente, en su 20 aniversario, el museo fundado por Eduardo Costantini se prepara para lanzar el próximo 21 de octubre la plataforma online “Manifestación en foco”, que propone un diálogo entre presente y pasado a través de una investigación profunda sobre los aspectos materiales, históricos y culturales de la obra que da título al sitio digital, para analizar su impacto en la cultura argentina, a través de testimonios, fotografías de época, correspondencias y publicaciones.

“Yo no concibo el arte sino como acción y testimonio», decía en vida este artista de un permanente compromiso con las problemáticas sociales y políticas de su tiempo, creador además de personajes emblemáticos como Juanito Laguna y Ramona Montiel, dos icónicos personajes -el niño de la villa y la muchachita corrompida al llegar a la ciudad- convertidos en leyendas populares y a quienes les han dedicado canciones compositores como Astor Piazzola, Mercedes Sosa y Atahualpa Yupanqui.

“Antonio Berni tiene una sala entera prácticamente dedicada a él. Y es el artista mejor representado en la colección, en cantidad de obras y porque están todas sus etapas, desde el surrealismo en ‘Susana y el viejo’, el Nuevo Realismo en ‘Manifestación’, el quiebre que genera con la incorporación de nuevos materiales en la pintura, en ‘La gran tentación’, la serie de los monstruos como ‘El pájaro amenazador’, de los años 70, y el mural Americanista, el único fresco buono de temática indigenista que se conserva”, añade la curadora.

Todos los Berni: a 40 años de su muerte, un recorrido por sus obras exhibidas en Buenos Aires Foto: Camila GodoyTodos los Berni: a 40 años de su muerte, un recorrido por sus obras exhibidas en Buenos Aires Foto: Camila Godoy

Si bien hay más obras guardadas en trastienda, actualmente se pueden visitar en el Malba -además de “Manifestación”- “La gran tentación” (1962), “La mujer del sweater rojo” (1935) (un retrato melancólico de Nina Terré, entrañable amiga del artista y de su esposa, Paule Cazenave, durante los años transcurridos en Rosario), “Juanito dormido” – de la serie «Juanito Laguna» (1978), “Padre y madre de Ramona” y el “Mercado del altiplano” (1931) o mural americanista, realizado luego de diversos viajes al Noroeste Argentino, para estudiar las tipologías de las culturas coloniales y precolombinas en Latinoamérica.

También llamado “Mercado colla”, el inmenso trabajo exalta la etnia americana y mestiza colla como arquetipo del Norte Argentino, pero también del norte chileno, Perú y Bolivia, a la vez que rescata su cultura, su forma de vida, sus vestimentas coloridas, sus labores y su forma de comercio en su entorno geográfico: el paisaje árido de montañas del altiplano de la Puna y el poblado de arquitectura colonial-española.

Si bien el Museo Nacional de Bellas Artes (en Avenida del Libertador 1473) posee destacadísimas obras de Berni, actualmente solo dos se encuentran desplegadas en sala: la monumental “Pesadilla de los injustos. La conspiración del mundo de Juanito Laguna trastorna el sueño de los injustos” (1961) una pieza de 3 x 4 metros, alineada en el Realismo, realizada en acrílico y esmalte sintético; y “Juanito Laguna aprende a leer”. Esta última es una gran pintura-collage del año 1961 de dos x tres metros, y está colgada en el hall de doble altura del museo, mientras que “La pesadilla de los injustos” puede verse en la sala 36 del primer piso del museo.

“Las dos obras abordan aspectos diferentes del personaje icónico creado por el artista: Juanito Laguna, un niño pobre que vive en la periferia de la ciudad. Y ambas obras formaron parte del envío argentino a la Bienal de Venecia de 1962 en el que Antonio Berni obtuvo el Gran premio de grabado y dibujo por sus xilocollages. La colección del museo posee numerosas obras de diferentes momentos de su producción, como dibujos, grabados, objetos escultóricos, collages y pinturas. Pero estas dos forman parte del guión permanente del museo”, explica a Télam Andrés Duprat, director de la institución.


Foto: Camila GodoyFoto: Camila Godoy
Berni dedicó gran parte de su carrera a narrar a este icónico personaje, Juanito, el niño pobre que vive en la villa miseria del bajo Flores, elaborado en sus pinturas a partir de materiales domésticos, descartados y basura industrial, una imaginería increíble establecida a partir de objetos y chatarra. Además, lo mostró en escenas de su vida cotidiana en la villa: celebrando la Navidad, aprendiendo a leer, jugando con canicas, volando una cometa, nadando en un lago con su perro y compartiendo una comida con su padre en la fábrica de trabajo pero también viendo cómo se inunda su barrio, entre otras situaciones.

“Juanito Laguna aprende a leer (1961) representa, en un paisaje sucinto sobre trozos irregulares de arpillera unidos con costuras gruesas, a tres niños sentados y una niña de pie, todos con lápices y cuadernos abiertos en sus manos. En el cielo blancuzco cuelga un sol cuadrado hecho de piezas metálicas y cordones tensados que parecen sujetarlo con la misma precariedad de la vivienda en la que -sabemos- vive Juanito”, escribió la historiadora Isabel Plante para la web del MNBA.

Además de los increíbles retratos de la familia Fortabat (que actualmente no están en exhibición), el museo homónimo con sede en Puerto Madero acumula una inmensa y bellísima cantidad de obras del genial creador rosarino, como “Juanito remontando un barrilete” (1962), “Niña con zapallo” (1947), “Domingo en la chacra” o “El almuerzo”; “Zamba” (1956), “La escuelita”, “La Difunta Correa” y “Ramona espera” (1964).

“Actualmente, la Colección Amalita tiene exhibidas, en el recorrido de la colección permanente, un gran conjunto de piezas de Antonio Berni, por su número y calidad. Un conjunto que se impone y que permite apreciar distintas épocas del artista. Lo que hace que esté muy bien representado en nuestro acervo”, detalla en diálogo con Télam Germán Barraza, director artístico del museo.

Con guion a cargo del historiador Marcelo Pacheco, las obras de Berni han sido dispuestos en sala según su año de ejecución: “Lo que permite ponerlas en relación con sus contemporáneos, y marca además la vigencia y peso del artista en cada momento. Desde ‘Niña con Zapallo’ y ‘El Almuerzo’ hasta ‘Ramona espera’, obra que exhibimos desde 2018, después de mucho tiempo que estuvo fuera del país, y que es uno de los primeros ensambles de la serie”, destaca Barraza.

La obra “Ramona espera” forma parte de aquella figura creada por Berni -la muchachita que se corrompe al llegar a la gran ciudad-, que comenzó a aparecer en sus trabajo cuando el artista vivía en París, en la década de 1960, y le dio vida en base a pedazos de encaje, botones, piezas de maquinaria industrial, cajas de cartón de huevo, prendas de vestir y otros adornos y objetos.

Foto: Camila GodoyFoto: Camila Godoy

Sin dudas, otro clásico en la historiografía local se emplaza en el Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori (Avenida Infanta de Isabel 555), “Chacareros”, inmenso óleo sobre tela de 1935, de dos metros por tres, y que ocupa un destacado lugar en el guion curatorial del museo que dirige Teresa Riccardi, donde comparte espacio junto a otras dos piezas: las pequeñas “Niño” (estudio para Desocupados), de 1934 y “Paisaje de suburbio”, una témpera sobre cartón. Las tres conforman la muestra “Museo sin tiempo. Camaradería, talleres y otras modernidades”.

Finalmente, en el barrio porteño de San Telmo, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires posee en su colección 16 obras de Berni: dos collage (actualmente expuestos), seis dibujos (de los cuales dos se encuentran expuestos), siete serigrafías y un xilocollage de Ramona, de 1963, donado por el Fondo Nacional de las Artes en 1969.

Las obras que sí se podrán recorrer en sala forman parte a su vez de la mega exposición “Una llamarada pertinaz: la intrépida marcha de la colección del Moderno”, donde destacan “Tragedia del tercer mundo” un collage y tinta sobre cartón de 1972 y “Juanito Laguna lleva la comida a su padre peón metalúrgico”, una lámina de aluminio, restos metálicos y papel sobre madera terciada realizada en 1961 por el artista nacido en 1905 en un hogar de inmigrantes italianos y que a lo largo de su carrera creó más de 250 obras sobre Juanito y Ramona.

Van Gogh creía que era su mejor cuadro, nadie le creyó y hoy vale U$S 100 millones

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Fuente: Clarín ~ Para Vincent van Gogh, Los comedores de patatas era su obra maestra, pero su hermano Theo la dejó llenarse de polvo sobre la repisa de su chimenea.

Para Vincent van Gogh, Los comedores de patatas (1885) era su obra maestra con un mensaje realista, y la preparó con dedicación, pero su hermano Theo creía que estaba llena de errores y nadie la tomaría en serio en el mercado de arte en París, así que la dejó llenarse de polvo sobre la repisa de su chimenea.

Más de un siglo después, este lienzo es el centro de la exposición presentada este jueves por el Museo Van Gogh de Ámsterdam, que permitirá a los admiradores del maestro juzgar por sí mismos esta pieza, colocada en contexto, con la génesis de cómo se creó, lo que significó para el artista y las críticas que recibió.

Los comedores de patatas hoy vale U$S 100 millones (Museo Van Gogh).
Los comedores de patatas hoy vale U$S 100 millones (Museo Van Gogh).

Medio centenar de pinturas, dibujos, bocetos y cartas de la colección de esta pinacoteca neerlandesa, junto a dos préstamos, ponen en perspectiva un retrato de un grupo, que empezó a dibujar en marzo de 1885 en Nuenen, un pueblo de campesinos en Brabante, en el sur de Países Bajos, según desgrana Bregje Gerritse, comisaria de la exhibición.

Van Gogh había vivido ahí con sus padres y usó ese mismo escenario para el cuadro con el que buscaba venderse al mundo como pintor de figuras, pero, dada su poca experiencia retratando gente de pie, escogió una familia sentada a la mesa, o lo que él mismo llamó esa cosa con los campesinos alrededor de un plato de patatas por la noche.

Pasó meses practicando el dibujo​

Pasó meses practicando cómo dibujar cabezas, y elaboró decenas de bocetos previos que muestran los avances de la técnica de su pintura, hasta llegar a la versión final: un cuadro con tonos oscuros y cinco personas: dos comiendo de un plato de patatas calientes, dos sirviendo y tomando café, y una niña de espaldas sentada a la mesa.

Detrás, un reloj revela la hora neerlandesa de cenar: acaban de dar las 19.00 horas. Sobre sus cabezas, cuelga una lámpara de aceite que toma el relevo al sol e ilumina el cuarto donde están, un espacio que acogía toda la casa: comedor, cocina y dormitorio.

La idea de Van Gogh era mostrar la pobreza y la dura realidad de la vida campesina, lo que resaltó con rostros toscos y manos huesudas que han labrado la tierra para obtener los alimentos que están ahora poniendo en el plato. se han ganado honestamente su comida, escribió el artista.

Los bocetos del cuadro que pintó Van Gogh (Museo Van Gogh).
Los bocetos del cuadro que pintó Van Gogh (Museo Van Gogh).

Él no buscaba la perfección técnica con su cuadro, sino el mensaje que quería transmitir sobre la vida campesina, sobre la cruda honestidad de la vida dura en el campo. Para él, el cuadro era un éxito, y aunque no usó el término obra maestra, la consideró similar a los Girasoles, su Habitación o La Berceuse, explica Gerritse.

Su gran amigo y artista Anthon van Rappard (1858-1892) no quedó nada entusiasmado con la obra. ¡Venga ya! Creo que el arte es demasiado relevante como para tratarlo con tanta arrogancia, le dijo Van Rappard, en una crítica que marcó el final de su amistad.

Nadie creyó que su cuadro era bueno 

Pero Van Gogh, que quiso retratar la cruda realidad, siguió creyendo en su pieza y el mensaje transmitido era más importante que los errores que habría podido cometer en la pintura, analiza Gerritse. Su hermano la colocó sobre la chimenea, ni se molestó en ofrecerla a la venta, a pesar de que Van Gogh la quería de tarjeta de presentación.

Era un pintor idealista, un hombre de la gente, que no disfrutaba de la ciudad, y estaba convencido del mensaje que quería trasladar, pero esta famosa pintura (cree la comisaria) tampoco habría impresionado en París en esos tiempos debido a su oscuridad en medio del nuevo arte moderno de la época, que Van Gogh desconocía en ese momento.

En 1887, escribió a su hermana Guillermina: «Este es mi mejor trabajo». Eso es muy interesante porque por ese entonces él ya había ido a París, había cambiado sus métodos de trabajo y su estilo, más hacia los colores brillantes, pero aún tenía en mente el cuadro oscuro de Nuenen, dice la conservadora.

La casa que usó Van Gogh para pintar el cuadro (Museo Van Gogh).
La casa que usó Van Gogh para pintar el cuadro (Museo Van Gogh).

En 1890, unos cinco años después, empezó de nuevo a hacer dibujos de comedores de patatas. Estaba ingresado en un psiquiátrico en Saint-Rémy-de-Provence, sur de Francia, y la nostalgia al norte le hizo querer visitar su trabajo más importante de sus primeros años.

El museo de Ámsterdam alberga también una reconstrucción a escala real del interior de la casa de esos campesinos, como la dibujó Van Gogh, y los visitantes pueden sentarse a la mesa de aquella familia, posar, fotografiarse, o pararse en la esquina donde el artista pasó horas preparando su cuadro favorito. Algunos tasadores creen que ese cuadro, hoy, vale 1000 millones de dólares.

Subastan obras de arte de artistas locales y extranjeros desde $6.000

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Fuente: Ámbito ~ El remate tendrá más de 11 de lotes. La participación solo está disponible a personas mayores de edad. Y además se permitirá una sola inscripción por persona.

Llega un nuevo remate online de obras de arte del Banco Ciudad de Buenos Aires. Se realizará el próximo 25 de octubre de 13 a 14:30 en el sitio web de la entidad bancaria.

La subasta 2.569 tendrá obras de artistas argentinos como también de artistas italianos. Por ejemplo, habrá algunas obras de Bruno Venier, pintor italiano radicado en el país.

'Figura Femenina' de Leopoldo Torres Agüero.
‘Figura Femenina’ de Leopoldo Torres Agüero. Banco Ciudad

La participación en la subasta solo está disponible a personas mayores de edad. Y se permitirá una sola inscripción por persona, por lo que en el importe de caución, al momento de inscripción, se debe ingresar la suma total de cauciones realizadas (transferencias, pólizas de caución, entre otros). El comprador deberá transferir desde cuentas a su nombre.

Entre los 16 lotes, se rematará la ‘Figura Femenina’ de Leopoldo Torres Agüero. Es original y además está firmada y fechada en el 86′. Y tiene una técnica mixta sobre papel. Su precio base es de $20.000 y el depósito de garantía está alrededor de $2.000.

De Bruno Venier, se subastará «La niña rubia», un oleo original sobre tela firmada y fechada 72′. El precio base es $45.000 y el depósito de garantía ronda en $4.500. Además, el oleo sobre tela, «Naturaleza muerta», es otra obra original que se encuentra firmada y fechada 56′. Su precio base es $18.000 mientras que el depósito es $1.800.

«La niña rubia» de Bruno Venier. Banco Ciudad

«Sombrilla, Gesell en tiempo gris» es otro de los acrílicos sobre hardboard original de Venier. Firmada y fechada 93′. Y con un precio base de $12.000 y un depósito de $1.200.

Por otro lado, la obra «El caballero del arenal de Sevilla» es una acuarela sobre papel original de Jorge Larco. $15.000 es el precio base, acompañado del depósito de garantía de $1.500.

La “Torre”, una escultura tallada en madera original de Fabián Galdámez, tiene un precio base de $6.000 y un depósito de $600. Se encuentra firmada y fechada 02′.

La “Torre” de Fabián Galdámez.
La “Torre” de Fabián Galdámez. Banco Ciudad

El lugar de exhibición como también el retiro de los bienes está ubicado en Esmeralda 660 PB, CABA. Para ver las obras, se debe solicitar turno a subastasonline@bancociudad.com.ar.

El retiro de la mercadería se deberá realizar dentro de los cinco días hábiles posteriores a la cancelación del Pago Total mediante turno previo. Dicho turno será informado por el Banco Ciudad al mail que figura registrado en la Suscripción de la Subasta. Si por motivos ajenos al Banco, el cliente no puede cumplir con el plazo de retiro comenzarán a regir los intereses por Retiro de Lote Atrasado vigentes.

Si el comprador no realiza los pagos en el plazo establecido, perderá los importes abonados en concepto de garantía de caución, como así también todo derecho sobre aquello que le fuera adjudicado en el curso del remate. En cambio, si el pago se integra en tiempo y forma pero el retiro de los bienes no se efectúa en el plazo estipulado, los mismos serán incluidos en el Régimen de Sobrantes y Rezagos, comenzando a regir el derecho de depósito vigente.

«El caballero del arenal de Sevilla» de Jorge Larco. Banco Ciudad

En ningún caso, una vez retirado el lote, el comprador tiene derecho a reclamos sobre sus desperfectos, deterioros o cualquier otro concepto. Ni el Banco ni el vendedor, en su caso, se responsabilizan por falta o falla de piezas o accesorios cuya apreciación requiera desarmes. En caso de corresponder, se aplicará lo dispuesto en las resoluciones de la UIF Y BCRA.

Quien haya sido comprador del bien y no efectúe el Pago pertinente, el Banco podrá iniciar las acciones correspondientes tendientes a obtener la reparación de los perjuicios.

Las pinturas de Lula Mari: deja que el río hable

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Fuente: Ámbito ~ El mundo interior de la vegetación en el Tigre se manifiesta con un matiz de inquietante presencia.

Al entrar en la exposición de Lula Mari “El despertar de los insectos” se tiene la sensación de que, entre sus obras, se colaba la de Fermín Eguía, un gran artista argentino que le dio una vuelta de tuerca al paisaje tigrense convirtiéndolo en fantástico y amenazador. El texto de Renata Cervetto que acompaña la muestra menciona a Eguía, pero en Lula Mari no hay “peces gigantes que devoran embarcaciones ni grandes fuegos que ardan en los matorrales del Paraná”. En cambio sus obras, que también son inquietantes, exhiben una imagen más moderada y lo que inquieta no está tan a la vista.

El río está siempre presente, tiene que ver con su historia personal ya que su tatarabuelo llegó desde Niza y fue uno de los pioneros en instalar el servicio de lanchas de pasajeros en el Tigre. Pero también está presente el poeta Juan L. Ortiz “De pronto sentí el río en mí/corría en mí, me atravesaba un río, me atravesaba un río!” (“El ángel inclinado”, 1938). Hay lluvia, hay viento, hay fuego, hay animales-bichos, entre ellos tortugas que tienen diversos sentidos simbólicos y que inician una fantasiosa y lenta excursión hacia un montículo que podría ser una montaña, pero ya se sabe que en Tigre no hay montañas; hay una mesa con una lámpara y una planta contra una cortina de crochet, simple como eso, hay una luz conseguida a través de capas de pintura, los colores que a veces salen directamente del pomo, por ejemplo, los violetas.

Su técnica es extraordinaria, el manejo del óleo y la atmósfera que es capaz de crear, originada quizás en su admiración por los maestros del Renacimiento, un Rembrandt y sus objetos y mucho más adelante, la levedad de las botellas de un Morandi. Pero no todo queda en las paredes de la galería. Hay un diálogo con la artista que ha creado “recitales de pintura” que también podrían ser un registro de su tarea frente a la tela. La artista lee, por ejemplo, 17 de julio: “Esta semana empiezo un cuadro”, “a veces es casi urgente empezar”. “Iba al delta en la lancha, una rama caía sobre el agua” pues ahí está la pintura de la rama con un pico, como un ave que se abalanza sobre el agua. La artista se hace preguntas: ¿cuál es el origen de un cuadro?, hay tantos obstáculos hasta llegar a la tela, como señala John Berger que en “El cuaderno de Bento”, al pie de dos plumas escribe: “¿Cómo nace el impulso de dibujar?”

20 de julio: “Pienso en las tortugas, tengo una embalsamada, hago veinte al borde de un río, ¿cómo sube una tortuga a una montaña?”

23 de julio: “no me convence lo que pinté hoy, no le puedo pedir más a mi cuerpo ni a los pinceles, la pintura sacude”.

Durante este trágico período vivido, esta artista a quien le gusta la pintura y busca una pintura posible, ha encontrado la forma de establecer un diálogo consigo misma y también compartir sus vivencias, más allá de mostrar su quehacer en las paredes de una sala de exposiciones. Lula Mari (San Fernando, 1977), ha sido discípula de Alejandro Boim, le fueron otorgados el Segundo Premio Banco Provincia (2011) y la Mención de Honor Banco Provincia (2017), ha realizado muestras en Zavaleta Lab, Museo Sívori, Museo Castagnino (Rosario), y participó en la Bienal Paloma Alonso. (Gachi Prieto. Arte Contemporáneo Latinoamericano. Uriarte 1373).

De Pollock a Van Gogh: científicos identificaron la fórmula mágica del éxito creativo de los artistas

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Fuente: Infobae ~ Un nuevo estudio de la Universidad de Northwestern advirtió sobre los beneficios de la exploración creativa seguida de la práctica. Cuál es el ejemplo de los grandes pintores

Antes de desarrollar su famosa “técnica de goteo”, el artista abstracto Jackson Pollock incursionó en el dibujo, la impresión y las pinturas surrealistas de humanos, animales y la naturaleza.

Según un nuevo estudio de Kellogg School of Management de la Northwestern University, este período de exploración seguido de la explotación de su nueva técnica de goteo preparó a Pollock para una “racha caliente”, o una explosión de trabajos de alto impacto agrupados en estrecha sucesión.PUBLICIDAD

En el caso de Pollock, este fue un período de tres años desde 1947 hasta 1950, durante el cual creó todas sus obras maestras chorreantes y salpicadas por las que todavía es famoso en la actualidad.

Mediante el uso de inteligencia artificial para extraer grandes cantidades de datos relacionados con artistas, directores de cine y científicos, los investigadores de Northwestern descubrieron que este patrón no es infrecuente sino, en cambio, una fórmula mágica.

Descubrieron que las rachas calientes son el resultado directo de años de exploración (estudiando diversos estilos o temas) seguidos inmediatamente por años de explotación (centrándose en un área estrecha para desarrollar una experiencia profunda).

La investigación se publicó recientemente en la revista Nature Communications.La exploración seguida de la explotación parece mostrar asociaciones consistentes con la aparición de "rachas calientes" (Getty Images)La exploración seguida de la explotación parece mostrar asociaciones consistentes con la aparición de «rachas calientes» (Getty Images)

Los investigadores utilizaron algoritmos para el reconocimiento de imágenes para extraer datos de 800.000 imágenes de artes visuales recopiladas de museos y galerías, que cubren las historias profesionales de 2.128 artistas, incluido Vincent Van Gogh.

Con esta nueva comprensión sobre lo que desencadena una racha caliente, las instituciones pueden crear intencionalmente entornos que apoyen y faciliten las rachas calientes para ayudar a sus miembros a prosperar.

“Ni la exploración ni la explotación por sí solas se asocian con una racha caliente. Es la secuencia de ellos juntos”, dijo Dashun Wang, quien dirigió el estudio. “Aunque la exploración se considera un riesgo porque podría no conducir a ninguna parte, aumenta la probabilidad de toparse con una gran idea. Por el contrario, la explotación se suele considerar una estrategia conservadora. Si explota el mismo tipo de trabajo una y otra vez durante un largo período de tiempo, puede sofocar la creatividad. Pero, curiosamente, la exploración seguida de la explotación parece mostrar asociaciones consistentes con la aparición de rachas calientes”.

Wang es profesor de administración y organizaciones Kellogg School y de ingeniería industrial y ciencias de la administración en la McCormick School of Engineering de Northwestern . También es director del Center for Science of Science Innovation y miembro principal del Northwestern Institute for Complex Systems .Científicos descubrieron una fórmula mágica para fomentar la creatividad de los artistas (Getty Images)Científicos descubrieron una fórmula mágica para fomentar la creatividad de los artistas (Getty Images)

Inspirados por Van Gogh

En 2018, Wang y sus colegas publicaron un artículo en Nature , caracterizando las rachas calientes en las carreras artísticas, culturales y científicas. Después de establecer que estas rachas calientes ocurren, Wang se sintió motivado a descubrir qué las desencadena. Encontró una pista mientras visitaba el Museo Van Gogh en Amsterdam.

Van Gogh experimentó un gran avance artístico entre 1888 y 1890, durante el cual pintó sus obras más famosas, como La noche estrellada, Girasoles y Dormitorio en Arles. Antes de eso, sin embargo, su trabajo era menos impresionista y más realista. También tendía a usar tonos tierra sombríos en lugar de los colores brillantes y arrolladores, por los que es más conocido en la actualidad.

“Si miras su producción antes de 1888, estaba por todos lados”, dijo Wang. “Estaba lleno de pinturas de naturaleza muerta, dibujos a lápiz y retratos que son muy diferentes en carácter del trabajo que creó durante su buena racha”.Van Gogh experimentó un gran avance artístico entre 1888 y 1890, durante el cual pintó sus obras más famosas, como La noche estrellada, Girasoles y Dormitorio en Arles (Van Gogh Alive)Van Gogh experimentó un gran avance artístico entre 1888 y 1890, durante el cual pintó sus obras más famosas, como La noche estrellada, Girasoles y Dormitorio en Arles (Van Gogh Alive)

Extracción de datos de artistas, científicos

En el nuevo estudio, el equipo de Wang desarrolló métodos computacionales utilizando algoritmos de aprendizaje profundo y ciencia de redes y luego aplicó estos métodos a conjuntos de datos a gran escala que rastrean los resultados profesionales de artistas, directores de cine y científicos.

Para los artistas, el equipo de Wang utilizó algoritmos de reconocimiento de imágenes para extraer datos de 800.000 imágenes de artes visuales recopiladas de museos y galerías, que cubren las historias profesionales de 2.128 artistas, incluidos Pollock y Van Gogh. Para los directores de cine, el equipo recopiló conjuntos de datos de Internet Movie Database (IMDb), que incluía 79.000 películas de 4.337 directores. Para los científicos, el equipo analizó las historias profesionales de 20.040 científicos combinando conjuntos de datos de publicaciones y citas de Web of Science y Google Scholar.

Wang y sus colaboradores cuantificaron una racha caliente dentro de cada carrera en función del impacto de los trabajos producidos, medido por el precio de la subasta, las calificaciones de IMDB y las citas de trabajos académicos. Luego, correlacionaron el momento de las rachas calientes con las trayectorias creativas de cada individuo. Al observar las carreras cuatro años antes y después de la buena racha, los investigadores examinaron cómo cambió el trabajo de cada individuo al comienzo de una buena racha.El equipo de Wang desarrolló métodos computacionales utilizando algoritmos de aprendizaje profundo y ciencia de redes (Europa Press)El equipo de Wang desarrolló métodos computacionales utilizando algoritmos de aprendizaje profundo y ciencia de redes (Europa Press)

Poderosa combinación

El equipo descubrió que cuando un episodio de exploración no iba seguido de explotación, la posibilidad de una buena racha se reducía significativamente. Del mismo modo, la explotación por sí sola, que no fue precedida por la exploración, tampoco garantizó una buena racha. Pero cuando la exploración fue seguida de cerca por la explotación, los investigadores notaron que la probabilidad de una racha caliente aumentaba de manera constante y significativa.

“Pudimos identificar entre las primeras regularidades subyacentes al inicio de las rachas calientes, que parece universal en diversos dominios creativos”, dijo Wang. “Nuestros hallazgos sugieren que las estrategias creativas que equilibran la experimentación con la implementación pueden ser especialmente poderosas”.

“Este conocimiento puede ayudar a las personas y las organizaciones a comprender los diferentes tipos de actividades en las que participar, como explorar nuevos dominios o explotar los conocimientos y las competencias existentes, y la secuencia óptima a utilizar para lograr el impacto más significativo”, agregó la co- la autora Jillian Chown , profesora asociada de administración y organizaciones en Kellogg School.

En promedio, una buena racha dura unos cinco años. Después de eso, encontraron los investigadores, los individuos vuelven a la “normalidad” y ya no siguen ningún patrón de exploración o explotación.

Muestra: “Buenos Aires: ¿Eterna o globalizada? Gloria Audo: “su pintura y el compromiso con el paisaje urbano”

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Fuente: Argentina ~ Desde el 4 de octubre hasta el 4 de noviembre del corriente año, se podrá observar en el espacio cultural del 5° piso del Palacio de Hacienda –corredor cultural microcine- la muestra de la artista plástica Gloria Audo, cuyo título es: “Buenos Aires, ¿eterna o globalizada?”, en donde uno puede apreciar el espíritu del paisaje urbano que le imprime la artista, además de la memoria e identidad de sus habitantes en medio de la globalización, como herramienta para conservar nuestro patrimonio tangible e intangible.


Obra “Buenos Aires de noche

La muestra está comprendida por 15 obras, con diversos abordajes por parte del artista acerca de lugares emblemáticos de nuestro querido Buenos Aires. Artista visual argentina, Socióloga y Docente en Reeducación por el Arte. Discípula de los Maestros Ponciano Cárdenas y Carlos Cañas. Docente en Historia del Arte en la UCA. Colaboró con artículos sobre Arte en la revista de Posgrado “Conceptos” de la UMSA.

Dictó conferencias en universidades y museos. Ilustró libros de cuentos y poesía. Desde 1978 realizó más de treinta exhibiciones individuales en el país y en el extranjero: en Argentina: Congreso Nacional; OEA en Bs. As; Museo de Bellas Artes de Tandil; Museo Perlotti; Galería de Santi; Espacio Giesso Reich; Galería Bohnenkamp & Revale; Galería Lagard; Colegio de Abogados de San Isidro, ICANA en el Bicentenario, Semana del Arte; UCES, Centro de Capitanes de Ultramar y la Marina Mercante; y Noche de los Museos en esta Institución, Museo Histórico Nacional, Central Park.

En Estados Unidos: realizó más de 12 exposiciones individuales en Galerías de Nueva Inglaterra, California y Florida.


Obra “Riachuelo

La artista plástica Gloria Audo, posee una capitalización del sentido de la empatía que promueve y establece con el otro de una manera natural y enriquecedora, por todo el arte que rodea a esta persona y su calidez en la gestión y difusión de su querido “San Telmo Group”. Su producción también abraza el paso del tiempo en objetos personales, recuerdos de su infancia, la casa paterna y su relación con gente que amo.


Obra “Ciudad de Cúpulas

Participó en más de 55 exposiciones grupales y recibió premios en salones nacionales y municipales. Distinguida como Maestra Inolvidable por la UCES (2017). La Comuna Uno de Buenos Aires la designó Mujer Destacada del año 2017 por su aporte cultural y solidario.


Gloria Audo en su atellier

Desde hace 25 años enseña pintura en su Taller de San Telmo. Sus obras figuran en colecciones privadas de U.S.A., México, Perú, Brasil, Suecia y Francia. Fundadora de “San Telmo Art Group” en el año 2014 (Agrupación de Artistas Plásticos sin fines de lucro) creada para humanizar el mundo a través del Arte.
La muestra se podrá visitar desde las 11,00 hs hasta las 16,00 previa coordinación con el área de patrimonio cultural y protocolos de rigor.

La galería Ruth Benzacar se reinventa y presenta muestra colectiva mutante con obras de 30 artistas

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Fuente : Télam ~ La nueva exposición irá intercambiando el orden de las obras y los nombres de los artistas que tendrán en paralelo su solo-show, por estos días dedicados a Jorge Macchi y Tomás Maglione.

La galería Ruth Benzacar inaugura mañana la exposición colectiva «Reunión», que alberga treinta obras de treinta artistas como Roberto Aizenberg, Leandro Erlich, Fabio Kacero, Eduardo Basualdo, Marie Orensanz, Liliana Porter o Tomás Saraceno, a lo que sumará dos muestras breves, pop-up, que irán rotando cada semana, en dos nuevas salas.

Con el estreno de dos flamantes salas, que funcionan en paralelo a la central, la nueva exposición irá intercambiando el orden de las obras y los nombres de los artistas que tendrán en paralelo su solo-show, por estos días dedicados a Jorge Macchi y Tomás Maglione, un movimiento constante por lo que la muestra que el público visitará «nunca será la misma», explica a Télam la curadora Lara Marmor.

Esta dinámica de rotación satélite, que hará que las obras vayan alternando su ubicación durante los cuatro meses que dure la exposición, busca dar cuenta ya «no de una temática, sino más bien de un sistema» -aclara Marmor-, donde haya tensión, movimiento, algo orgánico y vital, donde el gran desafío fue «cómo generar un relato sin aplanar las diferencias y cómo escapar al pastiche».

«Tratar de identificar un denominador común para un grupo tan heterogéneo aparentaba ser un contrasentido», afirma la curadora sobre este conjunto que abarca pinturas, dibujos, esculturas, objetos, instalaciones, videos y fotografías, y que suma nombres como Ernesto Ballesteros, Chiachio & Giannone, Flavia Da Rin, Marina De Caro, Sofía Durrieu, Ana Gallardo, Max Gómez Canle o Sebastián Gordín.

Hay algo de feria -ese lugar por excelencia sin un tema definido sino más bien obras yuxtapuestas- en el despliegue en la sala de esta gran cantidad de obras que forman una amalgama de distintas generaciones, poéticas, lenguajes, intereses, prácticas y expectativas.

El visitante se encontrará en el ingreso con alimentos en descomposición dentro de una heladera vidriada (a la que se puede ver hacia adentro), de la serie Rinascimento del artista Adrián Villar Rojas, una advertencia de que todo muta, incluso lo que ocurre puertas adentro de la galería, ubicada muy cerca de la escultura «Estatua N 4» (1964) de Roberto Aizenberg (1922-1996), el único fallecido de los que conforman la exhibición, y uno de los más destacados surrealistas de la Argentina.

Está allí también la escultura colgante «Floresta» de Eduardo Basualdo, una pieza que simula ser una piedra suspendida que anuncia un desastre inminente, la posibilidad de un desenlace fatal, así como la instalación de Liliana Porter «The task» (La tarea), que muestra a una diminuta mujer bordando una creación que la excede de manera desmesurada, alusión al tiempo pero también a la memoria.

Según la curadora, si bien estos artistas están «emparentados por hitos históricos, materialidades, afinidades afectivas o zonas conceptuales entre tantos recortes factibles», los treinta «moldean un paisaje con un horizonte desbordante de posibilidades de interpretación; un territorio fértil donde las conexiones son tantas que llegan hasta el punto de transformarse en pura potencia».

Otras obras que integran este itinerario son «Zonal Harmonic» de Tomás Saraceno, una escultura, como un cuerpo celeste, compuestas de órbitas sostenidas puramente por su tensión mutua, cuyos filamentos -inspirados en las telas de araña- condensan universos minúsculos; y «The cloud», o la imposibilidad de atrapar una nube dentro de una vitrina, de Leandro Erlich, el artista constructor de ilusiones o paradojas visuales, en base a elementos de lo cotidiano, acostumbrado con sus trabajos a cuestionar aquello que tiene impronta de real.

«Son 30 artistas que claramente no tienen un punto en común. Hay obras de distintos momentos de la carrera de cada uno de ellos», explica Marmor y añade que «aunque comparten el mismo techo son más las disidencias que otras cosas. El punto de contacto es la diferencia».

Por su parte, el artista Fabio Kacero presenta su obra «Nieve outdoor», una batería tamaño real, recubierto de espuma, como si una nevada recién hubiera arreciado, junto a un ecosistema variado que completan obras de los artistas Julio Grinblatt, Carlos Herrera, Carlos Huffmann, Guillermo Iuso, Daniel Joglar, Luciana Lamothe, Catalina León, Jazmín López, Florencia Rodríguez Giles, Miguel Rothschild, Pablo Siquier y Mariana Telleria.

El desafío, asegura Marmor, fue cómo trasladar al espacio «un recorrido que no debía ser estático ni lineal, sino un planteo espacial donde las obras estuviesen en movimiento» y fue así como se sumó al diseño expositivo de la muestra Nicolás Fernández Sanz, el arquitecto que en el año 2015 remodeló este antiguo depósito industrial para transformarlo en la actual sede de la galería, luego de su mudanza desde la calle Florida.

Según Fernández Sanz, esta disposición de las obras que acentúa tanto al colectivo como a las individualidades «te deja parado en el centro de una situación espacial, y no te indican en qué orden leerlas, ni dónde es la salida o la entrada. Cada uno elige cómo recorrerla», afirma.

Para las directoras de la galería, Mora Bacal y Orly Benzacar, «Reunión es una experiencia vital y coreografiada. Es la manifestación viva del deseo de pensar a la comunidad de artistas que conforma Ruth Benzacar y a cada uno en el presente de la galería», luego de un año pandémico.

Las treinta presentaciones individuales, ideadas a propósito de este proyecto, son diferentes entre sí: «Algunas son de carácter antológico, otras ofrecen producciones recientes u obras emblemáticas que quisimos volver a exhibir», especifican las directoras del espacio.

De este modo, el calendario de presentaciones individuales continúa con Luciana Lamothe y Carlos Herrera del 12 al 16 de octubre; Jazmín López y Daniel Joglar del 19 al 23 de octubre; Sebastián Gordín y Miguel Rothschild del 26 al 30 del mismo mes y Chiachio & Giannone y Max Gomez Canle del 2 al 6 de noviembre, y más.

La muestra «Reunión» permanecerá hasta enero de 2022 en Ruth Benzacar Galería de Arte, J. Ramírez de Velasco 1287, en el barrio porteño de Villa Crespo, de martes a sábados de 14 a 19, respetando el protocolo Covid-19.

Subastan dibujos inéditos de Pablo Picasso que pertenecen a la icónica etapa azul de su carrera

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Fuente: BAE ~ Se trata de un boceto perteneciente a su período azul, uno de los más conocidos por el público y aclamado en su carrera. Se estima que será vendido a 100 mil euros. Los mismos dibujos nunca antes vistos fueron pintados en 1903 mientras el famoso residía en Barcelona

El próximo 7 de octubre la casa de subastas «Surbana» oriunda de España pondrá a disposición del público algunos bocetos de «La comida del ciego«, una de las obras más aclamadas del pintor Pablo Picasso, la cual actualmente se exhibe en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.

El dibujo pertenece a la etapa azul del famoso artista y se encuentra a la venta con un piso mínimo de 40.000 EUR y se estima que la subasta oficial sería alrededor de 100.000 EUR,  ya que el artículo se encuentra firmado entre el icónico periodo de 1900 y 1903.

La misma obra de arte inédita muestra la figura de un hombre sentado y pintado con distintas tonalidades del celeste y el azul. La casa que posee la pintura afirmó que antes le pertenecía a una persona que aseguraba tener otra obra original de Picasso y ahora puede ser comprada tanto por instituciones públicas como privadas.

El experto Juan Carlos Bejarano contó al medio Europa Press más detalles sobre la pieza de colección en manos de «Surbana» e indicó que existen muy pocas pinturas de ese periodo del artista, por lo que toma mucho más valor al respecto.  

«Se trata de una obra trascendental en la trayectoria del pintor malagueño», consideró sobre la pintura que fue hecha en agosto de 1903 en Tiana, Barcelona, lugar donde se alojaba en ese momento, según investigaciones hechas sobre el tema.

«El soporte era una tarjeta portal, un material reutilizado y humilde, muy acorde con la pobreza en la que se hallaba sumergio por aquellos años Picasso: solo quedaba verificar si la obra aparecia reproducida en el famoso y enciclopédico catálogo razonado de Zervos, y así fue», comentó Bejarano.

«La comida del ciego» de Pablo Picasso actualmente se exhive en el Museo Metropolitano de Nueva York

Jorge Daniel Campos, lápiz y pincel para las costumbres gauchas

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Fuente: La Nación ~ Quienes sean lectores de literatura gauchesca del siglo XX se habrán cruzado más de una vez con las ilustraciones, dibujos y viñetas (lápiz, tinta china, acuarelas y témperas) de Jorge Daniel Campos en tapas e interiores de libros. Fue un artista autodidacta y unos de los grandes de la cultura gaucha argentina, además de primo y amigo de Florencio Molina Campos (llegaron a firmar obras en conjunto).

Nació el 26 de marzo de 1900 en Buenos Aires, hijo de María Luisa Almagro y de Manuel Isidro Campos. Estudió en el Colegio El Salvador y en los campos familiares de General Madariaga se empapó de chico de las costumbres criollas. En 1940 se casó con Aixa Quiroga Pacheco.

Artista de gran observación y ojo clínico, fruto de su vida en el campo, desarrolló una técnica puntillosa de dibujo del estilo llamado “línea clara” (contornos muy delineados, rigurosos y precisos). Casi siempre retrataba motivos camperos con caballos criollos overos, pelaje de manchas negras y blancas que fue de su predilección. Sus trabajos los mostró muchas veces con su marca “JC” en el anca y también con la marca de su padre, conocida como “el huevo”.

Según el poeta, escritor y divulgador criollo platense Carlos Raúl Risso, el estilo de Jorge Campos se ubica en una línea intermedia entre el fino grotesco de Molina Campos y el detalle realista de Eleodoro Marenco, ambos contemporáneos.

Siendo autodidacta, la gran mayoría de sus trabajos tratan sobre hombres y animales vistos de perfil. Sus numerosos dibujos y viñetas son auténticos estudios morfológicos, llenos de detalles rigurosos de ropas, recados, aperos, paisajes y varios detalles criollos. Sus obras ilustraron el trabajo de escritores como: Godofredo Darieaux, Roberto Cunningham Graham, Gualberto Márquez (Charrúa), Justo P. Sáenz, Emilio Solanet.

Fue además (y como no podía ser de otra forma) un apasionado criador de caballos criollos overos negros en campos de Brandsen, Pedro Luro y de Vedia, siendo el primero a través de cruzas y estudios genéticos, en lograr el pedigree definitivo del overo negro, reconocido por la Asociación Argentina de Criadores de Caballo Criollos. Hombre de campo, supo enlazar (perdió un ojo al cortársele un lazo) y trabajar de a caballo. En esa actividad fue donde siguió desarrollando esa particular visión del cuerpo equino. Frecuentemente dibujaba sus propios pingos y hacía observaciones de los tipos físicos de cada uno.

Como ilustrador tuvo su época de reconocimiento, con una gran cantidad de exposiciones en diferentes galerías, pero parecería ser que siempre dibujó más para él que para forjar una carrera artística en sí misma. En 1965 ilustró el almanaque de Bayer Argentina, mientras su primo había hecho lo mismo con el de Alpargatas. Su última exposición fue el 22 de agosto de 1987 en el Museo Molina Campos de la localidad de Moreno, lugar que fuera el hogar de Florencio y de su mujer Elvira. Jorge Daniel Campos falleció en 1988.

En 2013, el museo “Las Lilas”, de San Antonio de Areco, hizo una muestra y catálogo sobre su obra llamado “Jorge Campos, parientes y amigos”. Curada por Marcos Bledel y con prólogo en el catálogo del pintor Rodolfo Ramos, esta muestra supuso una justa reivindicación y difusión hacia uno de los más grandes conocedores de la anatomía del caballo y fiel representante de la fisonomía del gaucho.

El museo “Las Lilas” cuenta asimismo con una excelente exposición permanente de pintura criolla, una sala de carruajes y muestras de artistas locales. Vaya mi reconocimiento a estas instituciones que rescatan y difunden el acervo cultural criollo. Jorge Daniel Campos, ocupa hoy, merecidamente, un lugar importante en el Olimpo de los grandes pintores y dibujantes costumbristas argentinos.