«Noche de Museos Abiertos»: vuelve la convocante propuesta con una edición para enamorarse de la ciudad

Fuente: Rosario Noticias – Será el viernes 14 y se suma a las actividades de la Municipalidad para celebrar el tricentenario de Rosario y propone circuitos nocturnos para recorrer museos y espacios culturales.

El viernes 14 de febrero, desde las 19 y hasta la medianoche, tendrá lugar la edición verano de «Noche de Museos Abiertos». La iniciativa, que se suma este año a las actividades que la Municipalidad lleva adelante para celebrar el tricentenario de la ciudad, ofrece circuitos nocturnos para recorrer museos y espacios culturales, con una amplia variedad de propuestas y la oportunidad de disfrutar de muestras, música, gastronomía e inauguraciones que, en el marco de San Valentín, invitan a enamorarse de Rosario.

«Noche de Museos Abiertos» propone redescubrir la ciudad invitando a ciudadanas y ciudadanos a explorar el patrimonio cultural bajo una nueva luz, brindando una experiencia especial a las y los visitantes.

‘El amor en sus múltiples formas’ será el eje de esta edición, que busca inspirar miradas y abrir caminos para que cada persona que participe encuentre su propia forma de expresarlo y vivirlo. También para que cada espacio elabore, exponga, produzca y convoque a pensar el amor desde su patrimonio o líneas de investigación y acción.

Rosario es un lugar que enamora en cada rincón, por lo que será una noche para contar lo que se ama, compartirlo y enamorarse más de sus calles, sus parques, sus museos, sus artistas, así como de sus historias, gestos, símbolos y costumbres que conectan generaciones. Esa noche, la ciudad se convertirá en un espacio para habitar el amor desde el arte, la cultura y el cuerpo y disfrutar todo eso que la hace única.

La programación se puede consultar en rosario.gob.ar

‘Te llevo en la piel’

Un tatuaje puede ser un homenaje a lo que se ama, un símbolo a la identidad, a los recuerdos y deseos o una declaración de lo que se quiere preservar y llevar para siempre. Como parte de la experiencia de esta «Noche de Museos Abiertos», Mel Romero y Natalia Díaz, dos profesionales del ‘Ciclo de tatuadoras’, harán tatuajes en vivo en el Museo Castagnino.

Asimismo, y para que nadie se quede con las ganas, también se podrán hacer tatuajes temporales en todos los museos participantes.

Circuitos

En esta edición participan museos y espacios culturales municipales, provinciales y privados de la ciudad que se distribuyen en tres circuitos:

Circuito del Parque

  • Museo Municipal Juan B. Castagnino (Av. Pellegrini 2202),
  • Casa Vanzo Wernicke (Cochabamba 2010),
  • Museo Cementerio El Salvador (Ovidio Lagos 1840),
  • Museo de la Ciudad Wladimir Mikielievich (Bv. Oroño 2300),
  • Museo Histórico Provincial de Rosario Dr. Julio Marc (Av. del Museo S/N),
  • Museo del Deporte Santafesino (Ayacucho 4800).

Circuito del río

  • Complejo Astronómico Municipal (Av. Diario La Capital 1602),
  • Monumento Histórico Nacional a la Bandera (Santa Fe 581),
  • Casa del artista plástico (Av. Belgrano y Sargento Cabral),
  • Centro de Expresiones Contemporáneas (Paseo de las Artes y el río Paraná),
  • Centro Cultural Parque de España (Sarmiento y el río Paraná),
  • Casa del Tango (Av. Illia 1750),
  • Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (macro, Estanislao Lopez 2250),
  • Estación Embarcaderos (Vélez Sársfield 164),
  • Acuario del Río Paraná (Av. Eduardo Carrasco S/N)

Circuito del centro

  • Museo de Arte Decorativo Firma y Odilo Estévez (Santa Fe 748),
  • Cultural Fontanarrosa (San Martín 1080),
  • Museo de la Memoria (Córdoba 2019),
  • Sociedad Filantrópica Unión (Laprida 1027),
  • Museo de la Democracia (Sarmiento 702),
  • Espacio Cultural Universitario (San Martín 750),
  • Museo Diario La Capital (Sarmiento 763),
  • Bolsa de Comercio (Córdoba 1402),
  • Biblioteca Argentina (Pasaje Álvarez 1550),
  • Espacio Multicultural San Cristóbal (Italia 646),
  • Museo Provincial de Ciencias Naturales Dr. Ángel Gallardo (San Lorenzo 1949),
  • Casa de Gobierno Provincia de Santa Fe (Santa Fe 1950),
  • La Favorita (Córdoba 1101).

Cada uno de las y los interesados podrá armar su propio recorrido y descubrir las propuestas de los museos y espacios de arte usando el sistema Mi bici, tu bici, que será sin costo para quienes participen en esta actividad.

Quienes recorran los diferentes espacios recibirán el mapa-pasaporte para sellar y recordar los espacios visitados en «Noche de Museos Abiertos» que en esta edición será producido por la ilustradora Ligia Rossi.

Verdaderas e inventadas: ¿qué obras de arte integran el museo de Bellas Artes de la serie de Cohn y Duprat?

Fuente: La Nación – “No tenemos esa mirada negativa y prejuiciosa que está expandida sobre el arte contemporáneo, pero eso no nos impide detectar a los chantas”, dice uno de los directores de esta sátira contada desde adentro.

La ácida serie Bellas Artes (Disney +), de Gastón Duprat y Mariano Cohn, en la que el historiador del arte Antonio Dumas (interpretado por Oscar Martínez) resulta electo director del Museo Iberoamericano de Arte Moderno (el ficcional Midam), en Madrid, tiene entre su público a un selecto grupo de directores de museos, galeristas, coleccionistas, artistas y amateurs. El “museo” es en verdad la suma de dos centros de convenciones situados en las afueras de Madrid, y las escenas filmadas en las “oficinas” del director y el personal fueron grabadas en una tercera locación madrileña.

La serie, que satiriza y además rinde tributo al mundo del arte contemporáneo (en toda parodia se oculta un homenaje), aborda en sus dos temporadas las fricciones de artistas y gestores en instituciones culturales en tiempos de política, “antiwokismo” y escasez de recursos. Por si fuera poco, presenta una cuidada colección de obras de arte verdaderas y otras creadas ad hoc por Gastón y Andrés Duprat, guionista de la serie y director del Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA), además de actor de reparto en la sofisticada película Queer, del director Luca Guadagnino.

"Bocanada", de Garciela Sacco
«Bocanada», de Garciela SaccoGentileza Andrés Duprat

En diálogo con LA NACION, Gastón Duprat cuenta que estaban seguros de que el mundo del arte les daría material suficiente para la serie. Y agrega: “Además de que sabíamos que el ecosistema de un museo puede simbolizar al de toda una sociedad de modo concentrado, la serie no trata exclusivamente sobre arte -dice-. En general lo utilizamos como disparador para tratar temas mucho más generales que trascienden al mundo del arte y nos atraviesan a todos, seamos artistas o no, nos interese el arte o no. Digamos que el arte y el museo fueron excusas para tocar temas muy candentes que nos interesan”.

"Vernissage", obra de arte inventada por el director del Museo Nacional de Bellas Artes para la serie "Bellas Artes"
«Vernissage», obra de arte inventada por el director del Museo Nacional de Bellas Artes para la serie «Bellas Artes»Gentileza Andrés Duprat

“Es una sátira desde adentro, tanto por el rol de Andrés como especialista en el tema, como curador de arte y director del MNBA, como por el nuestro. Con Mariano empezamos haciendo cine y video experimental, videoarte, para museos, galerías y salas de arte de todo el mundo. Todos conocemos ese mundo de primera mano, valoramos muchísimo a muchos artistas conceptuales, y no tenemos esa mirada negativa y prejuiciosa que está expandida sobre el arte contemporáneo, pero eso no nos impide detectar a los que bajo el paraguas del arte conceptual son unos chantas”, concluye.

La “colección” del museo inventado

En el Midam se exhiben obras de arte verdaderas y otras inventadas (aunque no por eso menos verdaderas). Entre las de los artistas reales, aparece la videoperformance Blanco suspendido y la pieza lumínica y conceptual de Mariana Bellotto, en la que se lee “Nacer Comprar Morir”. También hay cuatro fotografías de Alejandro Kuropatwa (la boca y la pastilla de la serie Cóctel, sobre el VIH; un cactus fálico verde con fondo negro, un retrato fuera de foco en blanco y negro y un retrato de un perro con un pulpo encima).

Una agresiva performance de una artista encarnada por Milena Smit; detrás, el "Quijote" completo para leer en el museo
Una agresiva performance de una artista encarnada por Milena Smit; detrás, el «Quijote» completo para leer en el museoGentileza Andrés Duprat

En una de las salas del museo ficcional, se ve una serie de una veintena de pinturas de pequeño formato de Marcelo Torretta, los reconocibles afiches de Graciela Sacco, de las series Bocanada y ¿Quién fue?,y la famosa obra del Cristo que cae en picada sobre un avión militar de León Ferrari, La civilización occidental y cristiana, que alteró los ánimos del cardenal Jorge Bergoglio a inicios del milenio.

"La civilización occidental y cristiana", de León Ferrari, forma parte de la colección de un museo de ficción televisiva
«La civilización occidental y cristiana», de León Ferrari, forma parte de la colección de un museo de ficción televisivaGentileza Andrés Duprat

A modo de tributo, se exhiben cuatro dibujos digitales de Alejandro Cohn (hermano de Mariano Cohn que falleció en julio de 2015 en el Hospital Municipal Melchor Posse, de San Isidro) y una serie de pinturas de hormigas martilladas, obra de Gastón Duprat, que en su juventud estudió bellas artes.

La serie "Bellas Artes", de Cohn y Duprat, parodia y a la vez rinde tributo al arte contemporáneo
La serie «Bellas Artes», de Cohn y Duprat, parodia y a la vez rinde tributo al arte contemporáneoGentileza Andrés Duprat

Se sumaron dos pinturas de Alejandro De Ilzarbe, una serie de nueve fotografías de elementos verticales de arquitectura industrial de Guido Chouela, una pintura de unos hielos resquebrajados de Sofía Wiñazkyy dos pinturas de gran formato del artista catalán Agustí Puig.

Una foto de la serie "Cóctel", de Alejandro Kuropatwa, integra la colección del MNBA, donada por el artista en el año 2000
Una foto de la serie «Cóctel», de Alejandro Kuropatwa, integra la colección del MNBA, donada por el artista en el año 2000Gentileza Andrés Duprat

En los banners del exterior del museo se anuncian muestras temporarias de artistas realmente existentes como Leandro Erlich (con su “falsa” piscina), el neerlandés Rob Verf, radicado en la Argentina, y del maestro César Paternosto, entre otros.

Retratos de Marcelo Torretta en la serie de Cohn y Duprat
Retratos de Marcelo Torretta en la serie de Cohn y DupratGentileza Andrés Duprat

En los episodios de Bellas Artes, el arte de la performance es parodiado con frecuencia. La gélida artista apócrifa Ula Groh (interpretada por la gran actriz española Milena Smit) recuerda las creaciones de la serbia Marina Abramović. Con su papel de artista “ecofeminista” y alejada del ámbito artístico, el personaje de Ángela Molina (Mariel Bernabé, expareja de Dumas) guarda semejanzas con la artista chilena Cecilia Vicuña.

Nacer,comprar, morir obra de Mariana Bellotto
Nacer,comprar, morir obra de Mariana BellottoGentileza Andrés Duprat

Para la serie, Andrés Duprat inventó obras con la ayuda de Cohn y Duprat, Bellotto, Martín Bustos, Alain Bainée y Laura Martínez, todas inspiradas en diferentes movimientos y momentos del arte del siglo XX y XXI, como el retrato cubista al que los jóvenes le tiran pintura (en el sueño o la pesadilla del director), las grandes pinturas monocromas (con los colores de la bandera LGBT+), en referencia a artistas abstractos y geométricos como Joseph Albers, Ellsworth Kelly, Blinky Palermo y Donald Judd. La obra del siglo XIX, semiabstracta y pintada por una artista “rescatada” del olvido, y que dona un extirano latinoamericano (que encarna Miguel Ángel Solá), se asemeja a las del estadounidense Cy Twombly.

Vista general dela sala del Midam
Vista general dela sala del MidamGentileza Andrés Duprat

La obra conceptual Cold War –un aire acondicionado enfrentado a un calefactor, con un lugar en el medio para que los espectadores pueden sentarse- es otra obra “falsa” que funciona como una metáfora de la Guerra Fría. Otra pieza de la colección del Midam, Ciclo de vida, refiere al arte conceptual: un auto de los años 90 tiene arriba una moto (de los 80) y arriba de esta, un triciclo (de los 60), representando así las distintas etapas de la movilidad mecánica de una persona nacida en esas tres décadas (que recuerda una obra del italiano Maurizio Cattelan hecha con esqueletos).

En la serie, la obra con el cadáver de una beluga y la intransigencia del artista traen complicaciones al museo
En la serie, la obra con el cadáver de una beluga y la intransigencia del artista traen complicaciones al museoGentileza Andrés Duprat

A la manera de una obra de la estadounidense Jenny Holzer, una fila de pantallas reproduce un texto negro sobre fondo blanco con la tipografía de las máquinas de escribir, que es nada menos que el Quijote de Miguel de Cervantes completo (imposible de leer en una sola visita). La instalación hecha con copas de cristal con champagne, Vernissage, roza el tema de la frivolidad que rodea al arte y da pie a una instructiva escena sobre lo costosa que puede resultar la imprudencia de algunos visitantes. También hay una “cita” a la obra Mierda de artista de Piero Manzoni (con una explicación sobreconceptualizada y política a través de la audioguía).

El "arte povera" encuentra su espacio en "Bellas Artes"
El «arte povera» encuentra su espacio en «Bellas Artes»Gentileza Andrés Duprat

Artistas como Franz Kline, Pierre Soulages, Jackson Pollock, Richard Long y Jannis Kounellis son homenajeados con la ambigüedad que plante la serie. Así como la obra con calamares que se iban pudriendo con la que Carlos Herrera ganó el Premio ArteBA Petrobras en 2011 (el artista de la ficción usa el cadáver de una beluga en vez de calamares), el “arte pobre” y las experiencias inmersivas de la japonesa Yayoi Kusama encuentran su correspondencia, algo deformada por la lente de Bellas Artes. La obra con babosas vivas de la artista inventada Ruth Kachanovsky, que sufre un intento de censura, recuerda episodios ocurridos en dos museos argentinos: una vez con la obra La justicia de León Ferrari, en que una gallina en una jaula defecaba sobre una balanza (1991), y otra con una instalación del artista paraguayo Joaquín Sánchez que utilizaba una araña “bordadora” (2022).

El episodio del velatorio del artista Julián Martínez Sánchez (que interpreta el actor español José Sacristán) recuerda al velatorio del artista Rómulo Macció que tuvo lugar en el Museo Nacional de Bellas Artes, en 2016.

Por Daniel Gigena

Cómo es el museo de Piolín, el perro coleccionista que acumuló más de 120 obras de arte argentino

Fuente: La Nación – La mascota de Leo Chiachio y Daniel Giannone, fallecida en marzo último, inició su acervo hace poco más de dos décadas; se exhibe ahora en Colección Amalita, y coincide hasta el domingo con la antológica del dúo creativo.

Todo comenzó con un regalo de cumpleaños. Hace poco más de dos décadas celebraba sus primeros doce meses Piolín, el perro salchicha de Leo Chiachio y Daniel Giannone. Y al día siguiente, el 13 de diciembre, cumplía este último. Así que su amigo Juanjo Velandia decidió sorprender a ambos con un regalo que simbolizaba ese vínculo: un alter ego de la mascota, tejido con totora color naranja.

“Nosotros justo estábamos preparando una muestra para el Macro de Rosario, y habíamos hecho muchas piezas que tenían que ver con Piolín. Le dijimos: ‘¿Che, Juanjo, te podemos pedir permiso para exponer esta pieza en junto con nuestra obra? Y él dijo: ¡Obvio!’”, recuerda ahora Giannone en diálogo con LA NACION, en Colección Amalita. Esta institución de Puerto Madero no sólo exhibe hasta el domingo una antológica del dúo creativo sino que acaba de inaugurar otra que sigue hasta mayo dedicada al acervo del Museo Piolín (MUPI), integrado por piezas de más de 120 artistas.

Daniel Giannone y Leo Chiachio, custodios del acervo; en el centro, la obra en la que se los ve a ellos como mascotas de Piolín
Daniel Giannone y Leo Chiachio, custodios del acervo; en el centro, la obra en la que se los ve a ellos como mascotas de PiolínHernan Zenteno – La Nacion

Entre ellos se cuentan muchos nombres consagrados de la escena nacional, como Jorge Gumier Maier, Cristina Schiavi, Fernanda Laguna, Marcelo Pombo y Marina De Caro. Pero incluso hay piezas ofrecidas de forma espontánea por quienes no los conocían hasta que se conmovieron con la idea. Como una mujer que los conoció en la playa y tejió a crochet para Piolín varias mantitas de colores, que Leo y Daniel usaron para crear la instalación Tertulia Brillantina, o un sodero con vocación artística que creó con lana un retrato en el que ambos son alzados en brazos por Piolín, cual niños pequeños o mascotas.

En primer plano, la obra que inició la colección
En primer plano, la obra que inició la colecciónHernan Zenteno – La Nacion

¿Cómo se llegó a esto? Otro de los invitados al mencionado cumpleaños y escucharon la conversación con Velandia, dijo: “¡Ah no! Si ponen una pieza de él también tienen que poner una mía”. Y así sucesivamente, hasta conformar una colección itinerante que sigue abierta a donaciones. Un importante aporte fue realizado por Leticia Kabusacki, coleccionista y abogada, quien se ocupó de redactar el “Memorándum de Entendimiento” del proyecto.

El Piolín inflable "a lo Koons", por Érica Bohm
El Piolín inflable «a lo Koons», por Érica BohmHernan Zenteno – La Nacion

En este documento, que establece las condiciones de la creación y el desarrollo del acervo, se especifica por ejemplo que “Piolín, por sí o a través de sus representantes, cualquier obra que lo tenga como referencia, objeto, sujeto, idea, concepto, relación con el medio, relación con el hombre, etc., realizada en cualquier soporte”. Se excluyen expresamente, claro está, materiales que provengan de animales. Por su parte, Chiachio&Ginannone se comprometen entre otras cosas a no mostrar la colección “en ningún lugar donde no sea bienvenida la presencia de Piolín”.

Los artistas posan con la obra de Gumier Maier; detrás se puede ver cómo la muestra fue colgada a la altura de la perspectiva de Piolín
Los artistas posan con la obra de Gumier Maier; detrás se puede ver cómo la muestra fue colgada a la altura de la perspectiva de Piolín Hernan Zenteno – La Nacion

Si bien este adorado integrante de la familia Chiachio&Giannone falleció en marzo último, queda claro que Colección Amalita le da la bienvenida en sus múltiples formas: el cuerpo creado con materiales descartados por Gumier Maier, el inflable “a lo Koons” con sus instrucciones de Érica Bohm, la silueta rockera retratada con púas de guitarra por Ama Amoedoo su versión warholiana en El sueño de Piolín, un film realizado en Súper 8 por Diego Lerman que emula Sleep (1964), aquel que registró al amante del rey del pop durmiendo durante más de cinco horas.

Las reglas establecen que las obras deben ser "tamaño Piolín"; aquí, las realizadas por Tamara Stuby, Jimena Lascano, Nushi Muntaabski, Laura Molina y Verónica Di Toro y Chiachio&Giannone, más una bufanda que aportó Marula Di Como desde Berlín
Las reglas establecen que las obras deben ser «tamaño Piolín»; aquí, las realizadas por Tamara Stuby, Jimena Lascano, Nushi Muntaabski, Laura Molina y Verónica Di Toro y Chiachio&Giannone, más una bufanda que aportó Marula Di Como desde Berlín Hernan Zenteno – La Nacion

Piolín también tiene un rol protagónico en la muestra de sus “padres”, titulada Vivir sus vidas. A tal punto que aparece pintado a modo de Kiss como integrante de la banda, y posa en el mural textil más reciente junto a su pareja, Chicha Betina, y la hija de ambos, La Dorado. El museo incluso organizará un día “Pet Friendly” para que puedan ingresar mascotas, como sucedió en septiembre en la muestra de Mercedes Larreta en la Casa Nacional del Bicentenario.

"Las cosas de Piolín", por Luis Terán
«Las cosas de Piolín», por Luis TeránHernan Zenteno – La Nacion

Allí, los animales podrán ver la muestra a una altura acorde a su perspectiva. Esa fue una de las condiciones establecidas desde el principio para formar parte del MUPI, cuando se resolvió también que las obras deben hacer referencia a Piolín o a su mundo y que las piezas deben ser “tamaño Piolín”.

Piolín retratado por Alberto Passolini, Valeria Valente y Gabriela Fernández
Piolín retratado por Alberto Passolini, Valeria Valente y Gabriela FernándezHernan Zenteno – La Nacion

“En Asia oriental existe la leyenda del hilo rojo del destino o del amor: los dioses atan en nuestros dedos meñiques un hilo rojo que nos une inexorablemente con aquellos con los que debemos compartir nuestras vidas. No hay un tiempo estipulado. El hilo puede estirarse, enredarse, contraerse, pero nunca cortarse. Piolín, el hijo/mascota de Chiachio & Giannone fue en sí mismo un ‘Piolín rojo’. Un hilo de amor para Leo y Dani, pero también para quienes los rodean”, recuerda Patricia Caramés, curadora de esta muestra que tuvo antecedentes en el Museo Macro + Castagnino de Rosario (2005), en el Centro Cultural Recoleta (2007) y en Belleza y Felicidad Fiorito (2021).

Piolín posa en el Tigre, en el verano 2007, con el traje diseñado por Román Vitali
Piolín posa en el Tigre, en el verano 2007, con el traje diseñado por Román VitaliHernan Zenteno – La Nacion

“A nosotros nos interesaba mucho impulsar proyectos que generen vínculos de otro tipo entre nosotros, los artistas –dice Giannone- y eso es lo que sucedió con Piolín”. Siempre a su lado, Chiachio agrega: “Hoy, en el mundo y en la Argentina, cuando todo es tan violento, es súper necesario encontrar un momento de afecto”.

Una escultura que representa a Piolín forma parte de una instalación realizada con mantas donadas
Una escultura que representa a Piolín forma parte de una instalación realizada con mantas donadasHernán Zenteno

Para agendar:

MUPI en Colección Amalita (Olga Cossettini 141), hasta mayo. Jueves a domingos de 12 a 20. Entrada general: $4000.

De París a Nueva York, los grandes museos ante el reto de una gran mutación

Fuente: La Nación – El Museo del Louvre prepara una nueva ampliación para acabar con las aglomeraciones de turistas frente a la Mona Lisa, mientras que otros grandes museos del mundo estudian reformas para responder al reto del exceso de turismo o el cambio climático.

Ante la «explosión del turismo, los problemas de seguridad, la urgencia climática y la revolución digital, nuestro modelo está cuestionado. En todas partes, nuestros socios internacionales están repensando sus espacios», resume Laurence Des Cars, que preside el museo del Louvre.

Es el museo más visitado del mundo, con cerca de 9 millones de personas en 2024, de las cuales el 80% son turistas extranjeros, por delante del Museo Británico, los museos del Vaticano y el Met en Nueva York.

El plan de renovación prevé para 2031 una nueva entrada para descongestionar la pirámide de cristal y una sala de exposición dedicada exclusivamente a la Mona Lisa, con un boleto de entrada adicional.

El 80% de los 30.000 visitantes diarios (limitados por un aforo) vienen a ver la obra maestra de Leonardo da Vinci y… tomarse selfies.

En Madrid, el Prado (3,5 millones de visitantes en 2024) ha encontrado una solución abriendo todos los días para «repartir mejor la carga de visitantes»… y prohibiendo tomar fotos.

«Si 8.500 personas vienen al Prado cada día, eso significa 8.500 fotos en el mismo lugar, probablemente frente a ‘Las Meninas’ de Velázquez o ‘El Jardín de las Delicias’ de Hieronymus Bosch», justifica su dirección.

– «Materiales sostenibles» –

En el Louvre, que dispone de 70.000 m2 de superficie de exposición, también se ha anunciado un plan de circulación completamente repensado, en un edificio saneado y dotado de nuevas salas por un costo total estimado entre 700 y 800 millones de euros en diez años, o incluso «mil millones», según los sindicatos.

El Estado ya ha anunciado que su participación será mínima, «160 millones de euros en 15 años», según el Ministerio de Cultura.

En consecuencia el museo tendrá que sacar recursos propios (taquilla, mecenazgo, licencia de marca Abu Dhabi) e innovar también con una entrada más cara para los visitantes fuera de la UE (30 euros) a partir de 2026.

En Londres, donde el acceso a las colecciones permanentes de los museos es gratuito pero las exposiciones temporales son de pago, la Galería Nacional ha emprendido importantes obras en el marco de su 200 aniversario.

¿Objetivo? La revisión total de su entrada para acoger mejor a sus visitantes (más de 6 millones al año antes del covid y 4,2 millones en 2023) y la creación de un espacio dedicado a la investigación así como un centro educativo.

Este programa, con un presupuesto de 85 millones de libras (101,6 millones de euros), pretende hacer el museo más eficiente en términos de consumo de energía y más «resiliente a los impactos del cambio climático», según su dirección.

Se están haciendo esfuerzos para aportar más luz natural así como ventilación natural «donde sea posible» y para encontrar materiales «sostenibles».

– Nueva estrategia –

En Nueva York, el Museo Metropolitano ha estado perdiendo visitantes desde 2019.

Para remediarlo, ha renovado por completo su ala dedicada a los maestros del siglo XIV al XIX, una de las mayores colecciones del mundo de pinturas europeas.

Las claraboyas del techo databan de 1939 y la última vez que fueron renovadas fue en los años 1950.

Las obras, con un costo total de 150 millones de dólares, han durado cinco años. Se han reorganizado cronológicamente las colecciones, que cuentan con una nueva iluminación gracias a las claraboyas y las luces LED en el techo, en salas completamente repintadas, según su director, Max Hollein.

Al igual que sus homólogos que desean atraer a un público más joven y diverso, el Met ha adoptado un enfoque «menos centrado en Occidente» para sus colecciones, según Hollein.

Después de varias obras adicionales de varios millones de dólares, reabrirá en primavera un ala que alberga desde 1932 todas las artes de África así como de Oceanía y América antes de las colonizaciones europeas.

El año pasado dedicó una exposición inédita al «Renacimiento de Harlem», el primer movimiento internacional de arte moderno fundado por artistas afroamericanos.

El Met también se ha abierto en 2023 a lo inmersivo, presentando una colección de vestidos de su departamento de moda con imágenes de síntesis, apadrinada por la red social TikTok, para su exposición de primavera que coincide con su gala donde se congregan las estrellas.

Bellas Artes inauguró su temporada con imperdible muestra

Fuente: Ámbito – “Museo secreto – De la reserva a la sala” está compuesta por cerca de 300 obras, desde el siglo XIX a la actualidad, muchas de ellas en la reserva de la institución y expuestas por primera vez al público.

“Museo secreto – De la reserva a la sala” es el título de la primera muestra con cerca de 300 obras que inaugura la temporada artística 2025 en el pabellón de exposiciones temporarias del Museo Nacional de Bellas Artes. Obras históricas, algunas, exhibidas por primera vez.

Pinturas, dibujos, grabados, fotografías, esculturas de artistas argentinos y extranjeros desde el siglo XIX hasta la actualidad. Su director, Andrés Duprat, en el discurso de apertura, se refirió al que pronunciara en 1926 el primer director, Eduardo Schiaffino (1858-1935) acerca de la necesidad de ampliar el espacio y poder mostrar el patrimonio que actualmente asciende a casi 13.000 obras, tarea compleja la de mostrarlo en su totalidad.

En palabras de Duprat, “lo que se exhibe es un panorama de artistas, períodos, géneros y temas representativos de un corpus que permanece en las reservas». El montaje se realizó a la manera de los siglos XIVIII y XIX, la Sala Guerrico, situada antes del Pabellón, es un buen ejemplo: desde el techo hasta el suelo, la selección a cargo de un trabajo colectivo del equipo curatorial y las obras están distribuidas en grandes núcleos a modo de constelaciones que habilitan diálogos históricos y estéticos.

Abre la muestra “La emperatriz Theodora” (1887) del artista francés Jean Joseph Constant (1845-1902), orientalista, uno de los grandes retratistas preferidos por la alta sociedad británica.

A propósito de esta muestra es muy importante recurrir a la lectura del apasionante libro de María Isabel Baldasarre “Los Dueños del Arte- Coleccionismo y Consumo Cultural en Buenos Aires» , editado por Edhasa en 2006, libro sobre lo que acontecía entre 1880 y 1920 que, aparte de la explosión arquitectónica, proliferaban las mansiones reveladoras de sus prósperos propietarios y la adquisición de obras de arte. Se inicia así un incipiente mercado de arte, por lo que la burguesía local combinaba la actividad cultural y la distinción social. Señala Baldasarre (Buenos Aires, 1972), historiadora del arte, que muchas colecciones fueron donadas al Estado y constituirán la base del Museo Nacional de Bellas Artes, creado bajo la firma del Presidente Uriburu en 1895, cuya primera sede estaba en el Bon Marché, hoy, Galerías Pacífico.

Se encuentran obras maestras como “El Baño” (1865) de Prilidiano Pueyrredón, obra audaz para la época y cuyos desnudos se supone eran creados para la exhibición privada en un círculo de hombres de clase alta, relacionadas con el daguerrotipo erótico que circulaba en París a mediados del siglo XIX, obra alejada de todo contexto histórico o literario. Recordamos la obra realizada por el gran escultor Juan Carlos Distéfano en resina poliéster a la manera de Pueyrredón en 1975. Otras obras maestras como la trágica escena “La muerte de Pizarro” (ca.1884) de Graciano Mendilaharz, Martín Boneo “Agencia de colocaciones” (1900), Ignacio Manzoni, pintor italiano afincado en Buenos Aires, de temas religiosos, históricos, paisajes, retratos, naturalezas muertas.

En cuanto al paisaje, entre los argentinos hay obra de Malharro, Pío Collivadino, fray Guillermo Butler, el recientemente fallecido Fermín Eguía, que se mezclan con nombres europeos, entre ellos, Jean Baptiste Corot, muy requerido por los coleccionistas ya que sus paisajes de carácter bucólico no ofrecían conflictos, Camille Pissarro, Maurice Utrillo, De Chirico, Vlaminck, Joaquín Sorolla y Bastida.

En el género de la naturaleza muerta se destacan obras de Ernesto de la Cárcova, Miguel Diomede, Horacio Butler, Emilio Pettoruti y el del retrato incluye obras de Monvoisin, Victorica, Henry Fantin-Latour, Ferfinand Roybet, Emilia Bertolé, Ramón Gómez Cornet, Pierre Puvis de Chavannes, Juan Pablo Renzi, Garabito.

No pueden dejar de mencionarse los dibujos antiguos de grandes maestros italianos, algunos pertenecientes a la Colección Bayley adquirida por Schiaffino en Roma en 1906 y que bajo la curaduría del experto Angel Navarro se exhibieron 112 dibujos en 2023 bajo el título “Papeles Antiguos. Dibujos italianos del Museo Nacional de Bellas Artes”.

Entre los escultores figuran Leonora Carrington, Martha Minujin, Liliana Maresca, Elba Bairon, Norberto Gómez, Víctor Grippo, Pablo Suárez, Juan Carlos Distéfano, el italiano Pietro Consagra, Bastet, escultora francesa del XIX, Alberto Lagos, Noemí Gerstein, Jesús Rafael Soto, Antoine Bourdelle y también importantes fotógrafos como Anatole Saderman, Alejandro Kuropatwa, Marcos López, Robert Mapplethorpe.

Tampoco el grabado ni las corrientes más contemporáneas están ausentes en esta muestra que desde el día de la inauguración está colmada de visitantes, ávidos , quizás de encontrar obras con gran contenido, se encuentran verdaderas perlas pertenecientes a distintas disciplinas, y también saber qué estilo pictórico prefirieron los compradores argentinos, cuál fue el rol y la influencia del coleccionismo, cómo y cuándo ingresó el arte moderno en la Argentina, qué lugar ocuparon y ocupan actualmente los artistas argentinos. Una muestra vastísima y bienvenida que requiere más de una visita.

Hasta el 4 de mayo. De martes a viernes de 11 a 19.30, sábados y domingos de 10 a 19.30

22 artistas y 50 años de arte argentino en ‘Lo que la noche le cuenta al día’, ahora en Mardel

Fuente: Clarín Lo que la noche le cuenta al día es el sugerente título de la muestra de artistas argentinos que viene itinerando desde el PAC de Milán, luego Fundación Proa y, actualmente en el Museo MAR de Mar del Plata, en curaduría conjunta entre Andrés Duprat, director del Museo Nacional de Bellas Artes, y Diego Sileo curador del Padiglione d’Arte Contemporanea.

Es el título de la novela publicada en 1992 del escritor argentino Héctor Bianciotti, que aborda el tema de una familia de piamonteses radicada en la llanura argentina y un adolescente sensible que se encamina al seminario como forma de evolución social en los años de esplendor del peronismo.

Ese mismo trasfondo cultural donde los contextos se tiñen de la política o, cuanto menos, se ven rozados por situaciones donde para salir de ciertos momentos oscuros, y tal como ejemplifica la gacetilla que ‘como a la noche le sucede el día, esas contingencias suscitaron respuestas que, desde el arte, exhiben una sociedad incómoda pero movilizada, contestataria y osada, que nunca, ni siquiera en sus momentos más trágicos, ha perdido la inventiva, la capacidad crítica y la ironía’.

Los 22 artistas que participan pertenecen a generaciones distintas con obras de los últimos cincuenta años. En conversación con Duprat, contó que ‘todos tienen un cuerpo de obra consistente, con una imagen reconocible, y nos parecía que, si bien son poéticas distintas, cada uno tiene la contundencia necesaria para mostrar un panorama absolutamente poderoso del arte argentino’.

Formas de violencia

A través de esculturas, instalaciones, fotografías, vídeos y performances, el proyecto curatorial se desarrolla en tres ejes: ironía, literalidad y citación, diferentes maneras de abordar la representación de una cultura a menudo caracterizada, tanto en el pasado como en la actualidad, por formas de violencia.

La relocalización de la muestra a lo largo de dos años implicó atender no sólo las características arquitectónicas de los diferentes espacios para estimular los diálogos entre artistas y obras, también contó la facilidad de cercanía para acceder a préstamos de obra por parte de coleccionistas o artistas participantes.Obra de Ana Gallardo en Lo que la noche le cuenta al día en el Museo Mar. Foto: gentileza.Obra de Ana Gallardo en Lo que la noche le cuenta al día en el Museo Mar. Foto: gentileza.

La recepción por parte de públicos tan heterogéneos también es un dato que surgió en la conversación con Duprat: ‘en Milán, Marta Minujín, Alberto Greco, León Ferrari o Liliana Porter han adquirido notoriedad en bienales o colecciones institucionales, pero al pasar a Fundación Proa, el visitante generalmente tiene una gimnasia en relación a recorrer obras y curadurías complejas.

Finalizar en Mar del Plata, con un público que mayoritariamente accede por curiosidad, sin preocuparse por el conocimiento o no que tengan sobre los artistas. Para el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires y el Museo Provincial de Arte Contemporáneo MAR, la muestra forma parte de la agenda de conmemoración de los 10 años de existencia del Museo y la celebración por los 150 años de Mar del Plata por lo que tendrá un catálogo actualmente en edición.’

La versión actual tiene obras que repiten, otras que son site especific, y claro, algunas con seguros muy altos, se sustituyeron por otras tan profundas y contundentes. Los espacios de algunos de los artistas marplatenses, se destacan.

Matías Duville (Bs. As. 1974) y Nicolás Robbio (Mar del Plata, 1975), el primero con un mural de la serie Picadero que presentó en la Bienal de Sídney del 2020, junto a una gran instalación de piso con su colección de anzuelos gigantes esparcidos sobre sal gruesa para favorecer la descarga de óxido a medida que pase el tiempo de exhibición.

Robbio utilizó la gran pared de la otra sala para desplegar una trama hecha con tramos de líneas de alambre, cada una reproduciendo fronteras del mundo en conflicto. La levedad de las formas en la intervención en pared, obliga al visitante a acercarse para entender lo que de lejos apenas se percibe.

Los tres espacios de videos aquí se han segmentado aislados con paredes y cortinas negras para facilitar la conexión que implican por su diversidad temática. Tomás Saraceno (Tucumán, 1973) con la película Vuela con Pacha, hacia el Aeroceno, proyecto colaborativo iniciado en 2017 por el artista y las comunidades locales en Salinas Grandes, Jujuy, donde realizó el primer vuelo tripulado impulsado solo por el sol y el aire, en pos de imaginar una era libre de combustibles.

La historia que descubre la artista Adriana Bustos (Bahía Blanca, 1965) en Ceremonia nacional combina fragmentos del documental de Leni Riefensthal de 1938 durante los Juegos Olímpicos de Berlín de 1936 y la ceremonia inaugural del Mundial de Futbol de 1978, percibiendo las similitudes de la propaganda dictatorial de ambos períodos y la utilización del deporte como plataforma de popularidad.

El tercer espacio muestra la videoperformance Trilogía pandémica 2021, en realización conjunta de la coreógrafa Mariana Bellotto & Grupo Performático Sur que revela un universo degradado y contaminado mediante ensamblados de carne, piel, plásticos, pantallas, pelos y máscaras que dan cuenta irónicamente de la problemática global de la sociedad de consumo.

Interesante contrapunto entre las obras de Juan Sorrentino (Chaco, 1978), en diálogo con Liliana Porter (Bs. As., 1941), Jorge Macchi (Bs. As., 1963) y Miguel Rotschild (Bs. As., 1963) porque dan cuenta de algunas inquietudes.Obra de Sorrentino y Duvillei en Lo que la noche le cuenta al día en el Museo Mar. Foto: gentileza.Obra de Sorrentino y Duvillei en Lo que la noche le cuenta al día en el Museo Mar. Foto: gentileza.

Descascaramientos progresivos

Sorrentino con su pared conectada a parlantes que emiten una frecuencia especial produciéndole descascaramientos progresivos, Macchi con Confesión (Samsung), 2021, un embalaje de obra que reproduce los calados de un confesionario y una pieza gráfica ploteada con formas de juguetes infantiles que combina noticias donde niños están involucrados en un acto criminal.

Porter con su zaga de Trabajos forzados, 2024 un plano donde el hombrecito tiene que culminar una tarea titánica superior a sus esfuerzos y Rotschild con sus fotografías de la serie Espectro, 2019-2021, paisajes que son perforados con círculos que producen una vibración especial.

La mirada social encarnada en varias artistas mujeres muy relevantes como la serie Bocanada de Graciela Sacco (Rosario, 1956-2017) especial señalamiento de la degradación del hambre de finales de los 90, Cristina Piffer (Bs. As., 1953) con la serie Las marcas del dinero que reproducen partes de los billetes de 1869 impresos serigráficamente con sangre de vaca disecada, Liliana Maresca (Bs.As. 1951, 1994) con su cartel publicitario donde se ofrece todo destino, Ana Gallardo (Rosario, 1958) con la impresionante pieza monumental Retén, 2018, tres planos negros que apenas deja leer unas declaraciones lacónicas de mujeres abusadas.

Alessandra Sanguinetti(NY, 1968) con la serie El sexto día, 1996 – 2004 revela la crueldad normalizada de la vida de campo. Marta Minujín (Bs. A.s, 1941) performance del 63 en pantalla de TV y el despliegue del Partenón de libros montado en Alemania. Mariela Scafatti (Bs.As., 1973) cuelga las piezas del techo creando un sistema donde la pintura ocupa un plano no reclamado, Adrián Villar Rojas (Santa Fe, 1980) con una serie de fotos de sus primeras épocas y Leandro Erlich (Bs. As., 1973) con la eficacia de sus trucos espaciales, Alberto Greco con su performance del 63 en Roma.

La contraposición del panel de acceso de León Ferrari con su colección de recortes de diarios que cuentan el contexto de tiempos oscuros de nuestro país y Eduardo Basualdo con sugerentes metáforas, intervenciones apenas perceptibles sobre vidrio y la lámpara que da sombra. Imperdible y con recorridos asistidos por el museo.

Lo que la noche le cuenta al día, hasta marzo en el Museo Provincial de Arte Contemporáneo de la Provincia de Buenos Aires (MAR), de martes a jueves de 10 a 16; sábados y domingos de 14 a 20, con entrada gratis en Av. Felix U Camet y López de Gomara, Mar del Plata.

Bajo el lema “300 años de amor”, febrero tendrá su Noche de museos abiertos

Fuente: Rosario3 – La actividad se desarrollará el sábado 14, desde las 19, como parte de la celebración del tricentenario de Rosario.

Bajo el lema “300 años de amor”, el sábado 14 de febrero se realizará una nueva edición de la Noche de los museos abiertos en Rosario.

La actividad es parte de la celebración del tricentenario de la ciudad que lleva adelante la Municipalidad de Rosario.

Desde las 19, se invita a participar del circuito de visitas nocturnas con actividades especiales, muestras estables y múltiples propuestas culturales.

Un millón de pesos por día: los “tótems” del Bellas Artes recaudan en beneficio del museo

Fuente: La Nación – A dos meses de la instalación de los dispositivos para hacer donaciones voluntarias, la mitad de los visitantes hace su aporte sin chistar y de buena gana.

Las “donaciones voluntarias”, que los visitantes del Museo Nacional de Bellas Artes (Avda. del Libertador 1473, MNBA) realizan desde finales de 2024 en los dos dispositivos de autogestión ubicados en el hall de acceso, aumentan de manera significativa día a día. Los dispositivos conocidos como “tótems” y diseñados para admitir medios de pago digitales sugieren un valor de contribución, cuyo monto los visitantes pueden ajustar a sus posibilidades. Los fondos que recauda la Asociación Amigos del Bellas Artes se destinan a proyectos orientados a mejorar la infraestructura del museo más importante del país, la restauración y conservación de obras de su patrimonio y el desarrollo de actividades y exposiciones.

Desde la llegada al poder de La Libertad Avanza, con su divisa “No hay plata”, los museos nacionales (donde no se cobra entrada) carecen de una “caja chica” que les permita resolver problemas de urgencia. Los “tótems” recaudan un millón de pesos por día, aproximadamente.

"Tu contribución hace crecer el museo" o, en jerga libertaria, "con la tuya", en la entrada del MNBA
«Tu contribución hace crecer el museo» o, en jerga libertaria, «con la tuya», en la entrada del MNBA

“Desde la Asociación Amigos del Museo Nacional Bellas Artes (Aamnba) estamos muy satisfechos con la respuesta del público que visita el museo y que ahora también puede colaborar con una microdonación gracias al sistema implementado en los últimos meses”, dice a LA NACION el director ejecutivo de la Aamnba, Andrés Gribnicow, que revela que poco más del 50% de los visitantes hace su aporte sin chistar y de buena gana.

Los fondos recaudados hasta el momento fueron invertidos en la compra de nuevos equipos de aire acondicionado para las salas. “Esto permite mejorar la experiencia de la visita y conservar las obras debidamente -agrega el gestor cultural-. Mediante un acuerdo establecido entre la dirección del museo [a cargo de Andrés Duprat] y la Comisión Directiva de la Asociación [que preside Julio César Crivelli], los fondos de esta actividad serán destinados en su mayor parte a la mejora de la infraestructura del museo y a gastos especiales ocasionados por el montaje de las exposiciones temporarias, compra de obras y otras actividades culturales de la institución”.

Los visitantes extranjeros se muestran predispuestos a hacer "microdonaciones" al MNBA
Los visitantes extranjeros se muestran predispuestos a hacer «microdonaciones» al MNBA

Tanto Duprat como Gribnicow contaron a este diario que, si bien los tótems no piden pasaporte a la hora de recibir contribuciones, los extranjeros se muestran “más dispuestos a pagar”. “Pero nadie está obligado a hacerlo”, recuerdan. Sin embargo, un fantasma recorre la avenida del Libertador al 1400. Si el Estado, entusiasmado por el éxito de la iniciativa, quisiera apoderarse del sistema de contribuciones voluntarias y, por ende, de la recaudación, demoraría la circulación de fondos y la concreción de objetivos.

Esta iniciativa se suma a otras fuentes de recaudación que organiza la Aamnba con apoyo del museo, como el programa de membresía para socios, los cursos y talleres, las dos tiendas para la venta de libros, suvenires y objetos de diseño, el programa de empresas patrocinantes y la tradicional comida anual de recaudación. “La Asociación es una herramienta institucional con la que cuenta el MNBA para gestionar esta actividad, que permite ampliar el financiamiento que el museo ya recibe desde el Estado nacional a través de la Secretaría de Cultura. En este caso virtuoso, y gracias al apoyo del publico visitante, el Bellas Artes puede mejorar su infraestructura y cumplir con un ambicioso programa de actividades que incluyen exposiciones temporarias de alta calidad”, remarca Gribnicow, que se desempeñó como secretario de Cultura y Creatividad en el Ministerio de Cultura durante el Gobierno de Mauricio Macri.

En marzo, la Asociación publicará un informe con el detalle de las inversiones realizadas con los fondos recaudados gracias al apoyo del público.

“Fin de ciclo” para el Louvre: el proyecto de “renacimiento” incluye obras en la pirámide y la mudanza de “La Gioconda”

Fuente: La Nación – El presidente Emmanuel Macron anunció hoy que se realizarán cambios “fundamentales” en el museo más visitado del mundo, luego de que su directora denunciara una crisis edilicia y de obsolescencia; la obra maestra de Da Vinci, que convoca veinte mil personas por días, tendrá finalmente su cuarto propio.


PARIS.– El Museo del Louvre necesita enormes trabajos de restauración y el presidente Emmanuel Macron prometió hoy que se harán, sin que los mismos “pesen” en el bolsillo de los contribuyentes. Nueva entrada, nuevos espacios de recepción, nueva sala para la célebre GiocondaEl proyecto de restauración será sometido a concurso internacional de arquitectura a fines de 2025 para una inauguración en 2031.

“El museo más grande del mundo vive un fin de ciclo (…) Se necesitan cambios fundamentales e inversiones a largo plazo para un nuevo renacimiento del Louvre”, aseguró Macron, con la obra maestra de Leonardo da Vinci como telón de fondo, después de visitar este martes la institución.

El museo cristaliza la atención de los medios desde que su presidenta-directora, Laurence des Cars, lanzó el 13 de enero un mensaje de alarma en una nota dirigida a la ministra de Cultura, Rachida Dati. El documento lista los problemas de ese palacio que se extiende sobre 24 hectáreas de terreno en el corazón de la capital: “Multiplicación de averías en espacios a veces muy degradados”, “obsolescencia” de “equipamientos técnicos”, “inquietantes variaciones de temperatura que ponen en peligro la conservación de las obras”, “filtraciones, ascensores y escaleras mecánicas defectuosas…”.

La célebre pirámide inaugurada en 1988 fue calificada por la directora del Museo como “estructuralmente inadaptada” para recibir nueve millones de personas al año, cifra que marcó el Louvre en 2024
La célebre pirámide inaugurada en 1988 fue calificada por la directora del Museo como “estructuralmente inadaptada” para recibir nueve millones de personas al año, cifra que marcó el Louvre en 2024Thibault Camus – AP

La célebre pirámide que sirve de entrada al museo, majestuosa obra de vidrio y acero inaugurada en 1988, encargada por el presidente François Mitterrand y concebida por el arquitecto Ioeh Ming Pei, fue calificada por Des Cars como “estructuralmente inadaptada”. Prevista para recibir cuatro millones de visitantes anuales, el museo recibió en 2024 cerca de nueve millones (80% de ellos extranjeros) y diez millones antes de la pandemia de Covid-10. Al término de los trabajos anunciados, el museo debería ser capaz de acoger alrededor de 12 millones de personas por año.

Macron Visitó El Museo Del Louvre
Macron Visitó El Museo Del Louvre

Tras reconocer hoy que la inadecuación de la actual entrada era “un punto central” del problema, Emmanuel Macron anunció la “creación de una nueva entrada” para 2031 “a más tardar”. Ese espacio, ubicado en la fachada este, al pie de la columna de Perrault, “permitirá volver a colocar el Louvre en el corazón de la ciudad”, precisó el presidente, que agradeció la colaboración de la alcaldesa de París, Anne Hidalgo.

A esa primera etapa se agregará un conjunto de nuevas salas de recepción y de orientación del público, de mediación y de exposición en los espacios subterráneos, construidos debajo de la Cour Carrée y en los fosos excavados por André Malraux delante de la fachada. Esa nueva circulación impondrá modificar las instalaciones de varios departamentos, y sobre todo el de antigüedades orientales y egipcias.

El equipo presidencial también reflexionó sobre la futura ubicación de La Gioconda pues “la fascinación de los visitantes, que suman unos 20.000 por día, “complica las condiciones de circulación en los espacios adyacentes”. Para resolver ese problema, la Mona Lisa contará con un nuevo espacio “accesible en forma autónoma”, independiente del resto del museo y “con su propio billete de acceso”.

Pero, en momentos en que Francia se encuentra en plena crisis parlamentaria debido a un presupuesto que no termina de ser adoptado, Macron es consciente de que ya no puede dictar sus decisiones al gobierno como lo hizo durante los pasados siete años. Por otra parte, la complicada situación de las finanzas públicas hace inimaginables masivas inversiones por parte del Estado para realizar las obras que necesita el Louvre que, según la dirección del museo, se elevarían a “centenares de millones de euros”. Última cifra que circula en los medios culturales: 500 millones de euros.

Sophie Primas, portavoz del primer ministro François Bayrou, había advertido la semana pasada que era impensable “agregar una línea de gastos de ese orden, en momentos en que construimos un presupuesto centrado en el control del gasto público”.

¿Habría que entender, entonces, que el gobierno no se sentiría obligado por la palabra del presidente?

Macron se refirió a la necesidad de un "nuevo renacimiento" para el museo que atesora la obra maestra de Leonardo da Vinci
Macron se refirió a la necesidad de un «nuevo renacimiento» para el museo que atesora la obra maestra de Leonardo da VinciBERTRAND GUAY – POOL

“La Constitución es bastante clara: el presidente preside, el gobierno gobierna y prepara el presupuesto, el parlamento lo vota. Efectivamente, la decisión solo comprometería al presidente”, aseguró Primas, agregando que el Estado entrega 100 millones de euros por año al Louvre, por un presupuesto total de funcionamiento de 323 millones. Macron disipó este martes esos temores. “Todas las obras de la nueva entrada se financiarán con recursos propios del museo, la venta de entradas, el mecenazgo y la licencia del Louvre Abu Dhabi, sin gravar al contribuyente”, aseguró el mandatario.

Con respecto a las entradas, el presidente sugirió que los turistas no pertenecientes a alguno de los 27 países de la Unión Europea (UE) paguen más por acceder al museo a partir de 2026. Actualmente, la entrada es de 22 euros, aunque gratis para los menores de 18 años y para los menores de 26 residentes en el bloque.

Esa idea coincide con la propuesta de la ministra Dati, quien hace pocos días señaló que las tarifas del Louvre se sitúan “en lo más bajo de la escala” en comparación con los “grandes museos equivalentes”. Dati había evocado asimismo “las posibilidades de progresión en materia de mecenazgo”.

Según fuentes gubernamentales, el ejecutivo busca la forma de “movilizar otras fuentes de financiamiento” contactando donantes privados y grandes empresas, como sucedió con los 846 millones de euros que permitieron reconstruir la catedral de Notre-Dame de París. Ese proyecto, que permitió volver a inaugurar en diciembre la catedral cinco años después del incendio, es una de las principales acciones culturales de Emmanuel Macron.

Gran tradición francesa, numerosos presidentes de la V República suelen dejar en París un gran proyecto arquitectónico. Así, Georges Pompidou hizo construir el Centro Pompidou, generalmente conocido como “Beaubourg”, François Mitterrand dejó la pirámide del Louvre y la Gran Biblioteca, y Jacques Chirac el Museo de Artes Primitivas. Macron podrá vanagloriarse de la reconstrucción de Notre-Dame aunque —según fuentes del Elíseo— su otro “gran proyecto” es la Ciudad Internacional de la Lengua Francesa, que será instalada en el castillo restaurado de Villers-Cotterêts en la región del Aisne, en el norte del país.

Según esa bella tradición, si hoy el presidente se preocupa por el bienestar del Louvre es porque, como sus antecesores, se considera “el garante del futuro”, encargado de “proteger todo lo que hace al patrimonio, el orgullo y la grandeza del país”, afirman sus allegados.

“Es así aunque no se trate de su terreno específico en su calidad de presidente francés”, insisten.

Abrió la primera muestra en el Louvre con diseños de Versace, Balenciaga y otros grandes de la moda

Fuente: TN – Chanel, Dior y Louboutin también aportaron piezas de sus colecciones: se pueden ver hasta el 21 de julio.

Entre tapices medievales, cruces bizantinas y sillones de María Antonieta, el Louvre expone hasta este verano modelos de Dior, trabajos con volúmenes de Balenciaga, botas Louboutin y vestidos de Chanel, entre muchos otros nombres que protagonizan la primera muestra de moda en el museo más visitado del mundo.

Un diseño de John Galliano para Dior. (Foto: EFE)
Un diseño de John Galliano para Dior. (Foto: EFE)

Bautizada ‘Louvre couture. Objets d’art, objets de mode’ (‘Louvre costura. Objetos de arte, objetos de moda’), la extensa exposición pone en relación un centenar de piezas icónicas, sacadas de los archivos de las grandes casas de moda de todo el mundo a partir de la Segunda Guerra Mundial, con la colección de uno de sus departamentos más amplios y menos visitados: el de Objetos de Arte.

Allí se guardan miles de elementos históricos y artísticos que van desde la era bizantina hasta el siglo XIX y que habitualmente quedan eclipsados por la atención que los visitantes deben dedicar a las vastas galerías de escultura y pintura, donde se encuentran obras tan conocidas como La Gioconda o la Venus de Milo.

Diseños de Thierry Mugler en el Lovre. (Foto: Reuter)
Diseños de Thierry Mugler en el Lovre. (Foto: Reuter)

“En todos los creadores, en un momento dado, hay una pasión por el arte y por los objetos artísticos”, indicó este jueves en una presentación a la prensa el comisario de esta exposición, Olivier Gabet, director también del departamento de Objetos de Arte del Louvre.

La semilla de esta muestra fue, de hecho, una visita de Gabet, en 2008, junto a la ahora directora del Louvre, Laurence des Cars, a la casa que ocuparon Yves Saint Laurent y su pareja Pierre Bergé, antes de la venta de la inmensa colección de arte que amasaron y que inspiró el universo creador del diseñador francés.

Esos lazos entre moda y arte a veces aparecen en forma de citación, como las cruces bizantinas que adornan un vestido dorado de Versace, exhibido entre los primeros modelos de la muestra junto a auténticos relicarios de Bizancio del siglo XI.

Un vestido de Giambattista Vali en el Louvre. (Foto: Reuter)
Un vestido de Giambattista Vali en el Louvre. (Foto: Reuter)

Más adelante, también es muy obvia la relación entre las creaciones de Paco Rabanne, apodado ‘el metalúrgico’ de la moda, y las armaduras medievales de la colección del Louvre.

Otras son más sutiles, como las que se pueden leer en el trabajo de volúmenes de Balenciaga al ubicarlo entre las curvas del mobiliario del gran salón del palacio de Abondant, de mediados del siglo XVII, o los vestidos escultóricos de la casa Alaïa junto a bronces renacentistas y barrocos.

El objetivo no es hacer una lectura completa de la historia de la moda y sus hitos, precisó Gabet, sino poner en valor todos estos objetos más desapercibidos del Louvre al resaltar sus vínculos con un sector “apasionante”, “universal”, muy creativo y también apreciado por la gente joven.

La alta costura de Iris Van Herpen en el Louvre. (Foto: Reuters)
La alta costura de Iris Van Herpen en el Louvre. (Foto: Reuters)

“La pieza de moda es una capa más de conocimiento y de belleza”, sostuvo el comisario sobre la filosofía de ‘Louvre couture’.

La moda no entrará en las colecciones del Louvre

Pese a esta inédita incursión de la moda en el museo parisino por excelencia, Gabet se mostró tajante en que el Louvre “no tendrá jamás” en sus fondos piezas de costura, por muy evidente que sea su valor artístico.

El motivo es práctico: en Francia la misión de recopilar para la historia las piezas de moda más relevantes corresponde a otra institución pública, el Museo de las Artes Decorativas, vecino del Louvre en la calle Rivoli.

Diseños de Hermes en el Louvre. (Foto: Reuter)
Diseños de Hermes en el Louvre. (Foto: Reuter)

Como vestimentas en sí, el Louvre solo guarda en sus colecciones unas suntuosas capas confeccionadas para los caballeros de la orden francesa del Espíritu Santo, creada en 1578 por Enrique III y abolida en el siglo XIX.

Esas prendas, como no podía ser de otra manera, ocupan un lugar destacado en el corazón de esta exposición, que se extiende a lo largo de 9.000 metros cuadrados.

Sus motivos en forma de fuegos dorados sobre fondo negro resaltan al mostrarse junto a un espectacular vestido dorado de la colección primavera-verano 2022 de Schiaparelli, con una estructura metálica en forma de llama, y junto a creaciones de Balmain, Chanel y Dolce & Gabbana con adornos y tonos similares.

La moda entra al Museo del Louvre por primera vez. (Foto: Reuter)
La moda entra al Museo del Louvre por primera vez. (Foto: Reuter)

Y otro que brilla con nombre propio es el vestido blanco y negro bautizado “Museo del Louvre”, de la colección primavera-verano de 1949 de Christian Dior, que sirve para dar la bienvenida a los visitantes.

La exposición va a estar abierta hasta el 21 de julio: comenzó el último día de la Semana de la Moda de hombre con las colecciones del otoño-invierno 2025-26, y en la antesala de la de alta costura, que comienza este lunes.

En marzo, la muestra volverá a cobrar protagonismo con la organización de una cena de gala para recaudar fondos que la prensa local anuncia ya como la ‘Met Gala’ de París.

Vestido de Jean Paul Gaultier en el Louvre. (Foto: Reuter)
Vestido de Jean Paul Gaultier en el Louvre. (Foto: Reuter)