Mercado del arte: el valor de la escultura

Fuente: MDZ ~ Créase o no: originales que son múltiples y valen millones.

La nota referida al récord de “El Pensador” de August Rodin trajo una serie de consultas referidas a la originalidad de esculturas de las que existen numerosas copias, y el valor de las mismas.

“El Pensador” de August Rodin.

A diferencia de las tallas directas (en mármol u otros materiales) en el caso del bronce, el creador modela un material maleable (arcilla por ejemplo) para lograr una obra que luego, a fin de que perdure en el tiempo, se lleva al bronce. Este proceso es artesanal y complejo, con distintas variantes de la que la “fundición a la cera perdida” es la más perfecta. Este proceso es muy oneroso pero como contrapartida tiene la ventaja de permitir obtener más de un “original” de la obra. Convencionalmente hoy se acepta como originales todos los ejemplares (casts) elaborados a partir de un mismo molde dentro de una tirada de hasta doce.

No siempre fue así: Alexis Rudier, el fundidor de Rodin, hizo en vida de éste 17 copias de “El Pensador” en el tamaño original. Más tarde su hijo (Eugène Rudier) quien hereda la fundición y los derechos de reproducción que Rodin le había cedido al padre, hace 17 bronces más de la misma escultura. En 1954 el Museo Rodin se convierte en derecho-habiente de las obras del maestro y ordena fundir seis Pensadores más, completando los cuarenta que convencionalmente se consideran originales.

En 1982, a los 75 años de la muerte del artista su obra pasó a ser de “dominio público”. Esto significa que desaparece el impedimento legal a que se hagan copias, (que ya se hacían clandestinamente) y proliferan Pensadores en bronce, yeso o resina, de todos los tamaños. Obviamente valen muy poco.

De la cuarentena de originales a que nos referíamos antes, la mayoría se exhiben en museos de prestigio, y solo una decena de estos bronces siguen en manos privadas, lo que explica el entusiasmo del mercado secundario cada vez que uno de ellos sale a subasta. Entre 2010 y 2022, se remataron cinco ejemplares de El Pensador. En 2013 Sotheby’s martilla uno en Nueva York en algo más de 15 millones de dólares. Es de la serie de los 17 fundidos en vida del artista. El que vendió recientemente Christie’s en París, que comentamos la semana pasada, en alrededor de 11 millones (el segundo plus-valor para la obra) es de la segunda tirada, esto es un casting póstumo, lo que justificaría que se pagara algo menos que el anterior.

Ya contamos que Rodin había “agrandado” su obra de los 71 centímetros originales al metro noventa, a pedido de la Comuna de París, para ser emplazado en la explanada del Panteón. Hizo luego dos casts más, una de ellas para la ciudad de Buenos Aires. De la versión grande no hay registro que se hubiesen hecho más ejemplares y nunca ninguno salió a la venta. O sea: nuestro Pensador vale mucho más no solo por ser mucho más grande sino por que es un “original” de sólo tres.

Otra obra cumbre de la escultura occidental: “La pequeña bailarina de 14 años” de Edgard Degas (1834-1917) tiene también una historia inflacionaria. Modelada en cera en 1881 el artista la presentó, sin demasiado éxito, en la VI exposición de los impresionistas. Tanto el tutú como el moño de la niña eran de algodón. Solo después de muerto el artista, sus herederos encomiendan a otro fundidor famoso de la época (Hébrard) llevar al bronce la obra en una tirada de (se estima) 27 ejemplares. En los últimos 20 años, salieron a remate ocho de ellos. El récord se fijó en mayo pasado en algo más de 40 millones. Otro ejemplar se había vendido en 22 millones en Londres en 2015.

“La Pequeña bailarina de 14 años” de Edgard Degas

Para ir a un caso más cercano, enfoquemos el escultor más valorizado del arte universal. Alberto Giacometti (1901-1966) es claramente el escultor más caro del mercado de subastas con tres obras que obtuvieron resultados de más de 100 millones de dólares. El récord fue en 2015 cuando su «L’Homme au doigt» (1947) cambió de mano por algo más de 126 millones de dólares marcando también el valor más alto de la historia para una escultura. Este esbelto bronce de dos metros de altura existe en seis copias fundidas todas por Rudier. Una de ellas se encuentra en la Tate Gallery de Londres y otra en el MoMA de Nueva York. El récord lleva el número 6/6.

“El hombre del dedo” de Alberto Giacometti

Para concluir diremos entonces que, más allá de consideraciones semánticas, en el caso de esculturas en bronce, el mercado acepta como originales los casts que reúnan ciertas características:

  • En primer lugar deben ser legítimos, esto es fundidos por el propio artista o quien detente los derechos de autor (por herencia o cesión).
  • Deben ser limitados en el número: Vimos que esta convención se ha modificado a lo largo del tiempo, pero está claro, que a más larga una tirada, menor es el valor de cada ejemplar. Pese a que, paradójicamente la multiplicación de una obra facilita su difusión y el renombre del artista. Tradicionalmente las distintas fundiciones estampaban su sello identificando el taller de procedencia. Desde que en el SXIX empezó la tendencia a acotar las tiradas, también se inició la costumbre de numerar cada pieza y consignar el largo de la misma.
  • Finalmente, la calidad de la fundición, la pátina, y el estado de conservación pesan a la hora de bajar el martillo, como también lo hace el pedigree y antecedentes del cast que sube a la tarima.

*Carlos María Pinasco es consultor de arte.

Cerámica contemporánea y performance de la artista Marisa Núñez Caminos en el Museo de Provincial de Bellas Artess

Fuente: Gobierno de Entre Ríos ~ Se presenta «Barrial. Proyecto cerámico y performático en el territorio» de la reconocida artista Marisa Núñez Caminos en el Museo Provincial de Bellas Artes Dr. Pedro E. Martínez, dependiente de la Secretaría de Cultura de Entre Ríos.

La inauguración será el próximo viernes 29 de julio a las 20 en la sala Auditorio del Museo, calle Buenos Aires 355, con acceso libre y gratuito.

Esta nueva propuesta de Núñez Caminos -oriunda de Nogoyá y residente en la ciudad de Victoria- tiene sus antecedentes en el profundo trabajo de investigación y producción en el territorio que la artista viene desarrollando desde hace algunos años junto a las comunidades de su ciudad. Su obra se nutre del espacio, del cuerpo y la naturaleza, con preferencia por la Tierra indígena y primitiva desde la práctica feminista, en un acercamiento morfológico y simbólico a los cerámicos propios de la cultura Chaná que influyen notablemente en su producción.

«Barrial. Proyecto cerámico y performático en el territorio» se define -según las palabras de la destacada investigadora, curadora y activista Kekena Corvalán- a través de «peces de barro, algunos frágiles, otros fuertes, algunos cocidos, otros crudos, algunos claros como el sol de la mañana, otros oscuros como la negra noche, pero todos andando en colectiva. Una instalación escultórica y performática, hecha a mano y sobre la tierra, a flor del fuego, da pie a esta exposición de Marisa Núñez Caminos y la sala del Museo se transforma en un lugar de fuga para que una vez más, como es ya un modo de ser de este espacio, el territorio ingrese y no haya muros y todo se transforme».

La puesta se entreteje a partir de varios lenguajes propios del arte contemporáneo, conjugando más de 300 piezas cerámicas, con video, sonidos, fotografía y una performance de apertura a cargo de la artista.


La inauguración será el viernes 29 de julio a partir de las 20 hs., con acceso libre y gratuito.

La muestra podrá visitarse hasta el domingo 28 de agosto inclusive.

Sobre Marisa Núñez Caminos

Imparte talleres barriales de mosaiquismo y cerámica Chaná para mujeres en el territorio donde habita, interviniendo los barrios con mosaicos, murales colectivos, etc.

Ha participado en numerosas muestras individuales y colectivas, así como talleres y seminarios de formación artística.

Con su obra “Tensión en la naturaleza”, un artista rumano se consagró ganador de la Bienal de Esculturas del Chaco

Fuente: Infobae ~ Petre Virgiliu Mogosanu obtuvo el mayor premio en el tradicional evento cultural argentino que reúne a talentosos escultores de todo el mundo. También fue distinguido el bonaerense Juan Pablo Marturano.

Con su obra “Tensión en la naturaleza”, el artista rumano Petre Virgiliu Mogosanu se consagró ganador de la Bienal Internacional de Escultura 2022 en Chaco, el tradicional evento cultural argentino que tiene como centro la competencia de una decena de escultores que llegaron desde distintas partes del mundo y exhibieron al aire libre su talento para la talla en mármol.

Mogosanu obtuvo el premio mayor tras la evaluación del prestigioso jurado integrado por León Saavedra Geuer, de Bolivia; Francisco Gazitúa Costabal, de Chile; y Todor Todorov, de Bulgaria. El surcoreano Sodong Choe, con su obra “Permanencia 2.150”, fue galardonado con el segundo puesto. El podio lo completó la alemana Verena Mayer-Tasch, con “Vestido”.

Además, a lo largo de la jornada se otorgaron otras distinciones que se definieron por votaciones entre escultores —en este caso, el premio lo ganó Sodong Choe—; el público, que eligió al argentino Juan Pablo Marturano; y las infancias, en el que nuevamente se impuso Mogosanu. En tanto, el premio designado por el Poder Legislativo chaqueño fue para Ihor Tkachivskyi, de Ucrania.

El surcoreano Sodong Choe, con su obra “Permanencia 2.150”El surcoreano Sodong Choe, con su obra “Permanencia 2.150”

El concurso escultórico es organizado, desde 1988, por la Fundación Urunday y el Gobierno de la provincia del Chaco. En esta edición del certamen participaron, además de los mencionados, Genti Tavanxhiu (Albania), Arijel Strukelj (Eslovenia), Jhon Gogaberishvili (Georgia), David Bucio (México) y Ebru Akinci (Turquía).

Todos ellos fueron seleccionados entre 224 postulantes procedentes de 70 países de Asia, América Latina y Europa que presentaron proyectos. Durante seis días, los 10 artistas trabajaron al aire libre con bloques de mármol travertino extraído de las canteras de San Juan en el predio del Parque 2 de Febrero de la ciudad de Resistencia.

Previo a la ceremonia de premiación, Mogosanu describió lo que transmitió a través de su obra “Tensions in the nature”: “Partiendo de la idea de que, en la naturaleza, todo se mueve y toda la materia cambia en el tiempo, el ser humano también cambia, piensa diferente cada día. En todas estas transformaciones, hay un impulso que se inicia dentro de nosotros. Las acciones de los cuerpos en la naturaleza ocurren debido a que dentro de cada volumen hay una fuerza, una energía, una tensión y un equilibrio que junto con la voluntad actuarán hacia el exterior y crearán un movimiento que es el equivalente a la vida”.

El podio lo completó la alemana Verena Mayer-Tasch, con “Vestido”El podio lo completó la alemana Verena Mayer-Tasch, con “Vestido”

Sodong Choe fue el primero que finalizó su escultura en los seis días de trabajo. “El ser humano debe convivir con la naturaleza. Si no respetamos la naturaleza, la supervivencia de la humanidad se verá amenazada. Pretendo contar en la obra la infinita esperanza de la civilización humana en la naturaleza. El prototipo de la célula básica de la vida está estructuralmente enumerado y compuesto. Expresa la eternidad de nuestra humanidad que nunca terminará. En contraste con el color de la piedra, expresa la composición cromática y la eternidad y esperanza de la humanidad. Simboliza avanzar hacia una visión de la eternidad que nunca terminara en un círculo blanco”, dijo.

Por su parte, Mayer-Tasch expresó: “Se supone que mi escultura Vestido representa un vestido de origami, doblando la piedra como una hoja de papel, en forma de una figura de origami tradicional. Al esculpir alguna textura en la piedra, quiero evocar la impresión de que la piedra se transforma en papel, el papel en tela, creando una metamorfosis material. Mi interés es dar un material pesado dado por la naturaleza como la piedra, ligereza y levedad debido a una abstracción lúdica del lenguaje formal”.

En representación de Argentina, Juan Pablo Marturano esculpió “Más allá de las nubes”, que homenajea al cerro Mercedario localizado en la provincia de San Juan. “Escalo montañas y, a su vez, las retrato en escultura. En este caso se trata de la montaña más alta de la provincia de San Juan”, contó y dijo que su escultura le rinde un homenaje al cerro, “como metáfora que simboliza aquello que actúa de puente entre el cielo y la tierra”.

Juan Pablo Marturano representó a ArgentinaJuan Pablo Marturano representó a Argentina

El ucraniano Tkachivskyi, que realizó el proyecto de “New energy” o “Nueva Energía”, explicó a su turno: “Mi escultura es la energía que es constante. Está en constante movimiento y su dinamismo da el movimiento de la tierra, de nuestro planeta y del universo entero. Simboliza el movimiento de los elementos de su relación, coexisten entre sí”.

Tal como es característico de esta bienal, todas las obras de arte se añadirán a las más de 650 esculturas que posee la capital chaqueña, emplazadas a lo largo de 34 años en sus veredas, bulevares y parques.

Las otras obras que participaron de la competencia

El ucraniano Tkachivskyi y su escultura “Nueva Energía”El ucraniano Tkachivskyi y su escultura “Nueva Energía”

John Gogaberishvili, de Georgia, denominó a su obra “Transformación emocional”, mediante la cual transmitió “visión, éxtasis, exceso emocional, nuevas formas innovadoras de alcanzar el horizonte del futuro y nuevas oportunidades para el futuro”John Gogaberishvili, de Georgia, denominó a su obra “Transformación emocional”, mediante la cual transmitió “visión, éxtasis, exceso emocional, nuevas formas innovadoras de alcanzar el horizonte del futuro y nuevas oportunidades para el futuro”

Ebru Akinci señaló sobre su trabajo, al que llamó “Crisálida”: "La capa externa cúbica es destruida por la formación interna y esa forma cúbica comienza a transformarse en otra estructura suave y sensible. Se refiere a la transformación de la materia de lo material a lo espiritual. El proyecto simboliza la eterna continuidad"Ebru Akinci señaló sobre su trabajo, al que llamó “Crisálida”: «La capa externa cúbica es destruida por la formación interna y esa forma cúbica comienza a transformarse en otra estructura suave y sensible. Se refiere a la transformación de la materia de lo material a lo espiritual. El proyecto simboliza la eterna continuidad»

“Equinoccio” fue el nombre que eligió David Bucio para su escultura: “He tomado como referencia la cosmovisión maya de los equinoccios. Esta propuesta escultórica es un voto de fe en la renovación como especia, una invitación a mirar a nuestro pasado, a encontrar en nuestras raíces la conexión con nuestro entorno y con nuestros semejantes, es la confianza en mi especie”“Equinoccio” fue el nombre que eligió David Bucio para su escultura: “He tomado como referencia la cosmovisión maya de los equinoccios. Esta propuesta escultórica es un voto de fe en la renovación como especia, una invitación a mirar a nuestro pasado, a encontrar en nuestras raíces la conexión con nuestro entorno y con nuestros semejantes, es la confianza en mi especie”

Arijel Strukelj realizó la obra “Tensiones de la vida”. “Mi proyecto está mostrando cómo el sistema está tratando de angustiarnos, pero aún continuamos con la vida que queremos vivir. Las tensiones son un problema que está teniendo un gran impacto en nuestras vidas a diario, y los puntos de tensión están apretando el elemento y creando la forma abstracta”Arijel Strukelj realizó la obra “Tensiones de la vida”. “Mi proyecto está mostrando cómo el sistema está tratando de angustiarnos, pero aún continuamos con la vida que queremos vivir. Las tensiones son un problema que está teniendo un gran impacto en nuestras vidas a diario, y los puntos de tensión están apretando el elemento y creando la forma abstracta”

El albanés Genti Tavanxhiu presentó su obra “Señorita” y la describió: “Es una forma vertical, luminosa que emerge del bloque de mármol que se despliega en su parte alta como una composición orgánica. En su eje central, una silueta elegante. En todas sus direcciones posee una belleza que, como una flor, aparece el espectador y lo ilumina”El albanés Genti Tavanxhiu presentó su obra “Señorita” y la describió: “Es una forma vertical, luminosa que emerge del bloque de mármol que se despliega en su parte alta como una composición orgánica. En su eje central, una silueta elegante. En todas sus direcciones posee una belleza que, como una flor, aparece el espectador y lo ilumina”

Bienal 2022: inauguraron una escultura en homenaje a Fabriciano Gómez

Fuente: Diario Chaco ~ El intendente de Resistencia Gustavo Martínez y autoridades municipales participaron de la inauguración y descubrimiento de una escultura en homenaje a Fabriciano Gómez por parte del Poder Legislativo del Chaco. Esta propuesta se desarrolló en el marco de la nueva edición de la Bienal Internacional de Escultura.about:blank

La escultura «El Legado» fue realizada por el artista chaqueño Santiago Guarnieri y fue exhibida en el Museum del Domo del Centenario. La inauguración estuvo a cargo de la presidenta de la Cámara de Diputados, Elida Cuesta, y el presidente de la Fundación Urunday, José Eidman.

Cuesta sostuvo que «cuando surgió la idea de honrar el legado de Fabriciano Gómez, que fue el impulsor de esta Bienal, fue unánime el apoyo y se pudo plasmar esta obra que quedará para las futuras generaciones», y agregó que «el realismo que tienen estas obras es impresionante».about:blank

Homenaje a Fabriciano Gómez

En una misma sintonía, indicó que «el legado de Fabriciano posiciona al Chaco en el mundo y demuestra todo lo que los chaqueños y chaqueñas pueden lograr».

Por su parte, Eidman expresó que «Santiago Guarnieri haya venido a dejar su tributo a Fabriciano Gómez fue un acto de amor», y finalizó diciendo que «la escultura es una reafirmación de la belleza, también un recordatorio y una metáfora, ya que estos bustos escultóricos hablan de un hombre y de sus sueños que fueron apropiados por la comunidad y refieren a la identidad».

Arranca la Bienal en Chaco: artistas de todo el mundo esculpirán sus obras a cielo abierto

Fuente: Cultural Cava ~ Con un amplio programa y el desafío de continuar el legado de su fundador, Fabriciano Gómez, a partir de este sábado tendrá lugar en el Parque 2 de Febrero de la ciudad de Resistencia la Bienal Internacional de Escultura de Chaco, un hito que tiene como centro la competencia de escultura en mármol travertino procedente de San Juan y que reunirá a 10 escultores de distintas nacionalidades entre los que se encuentra el argentino Juan Pablo Marturano, en paralelo a una variada agenda que hasta el 24 de julio sumará congresos académicos, ferias y exposiciones.

Organizada por la Fundación Urunday (1989) y el Gobierno de la provincia del Chaco, la XII Bienal Internacional de Escultura 2022 -que fue postergada por primera vez en su historia por la pandemia en 2020-, se afirma como parte del ecosistema de las industrias culturales en proyección regional e internacional y propone un diálogo entre artistas y público, en un mismo espacio que tiene como escenario la declarada “Ciudad de las esculturas”.

La Bienal, que fusiona el carácter de hito artístico y fiesta popular, es considerada una de las tres más importantes del mundo por sus características en el marco de las competencias escultóricas a cielo abierto. En esta ocasión vuelve a convocar a 10 escultores, seleccionados entre 224 artistas procedentes de 70 países de Asia, América Latina y Europa. que presentaron proyectos.

Durante seis días estos artistas estarán trabajando al aire libre con bloques de mármol travertino procedentes de San Juan que, una vez convertidos en obra de arte, se añadirán a las más de 650 esculturas que posee la ciudad, emplazadas a lo largo de 34 años en sus veredas, bulevares y parques.

 Foto Prensa Bienal
/ Foto Prensa Bienal

“Si imaginamos a la Bienal como una rueda, el buje es la competencia internacional con 10 artistas que vienen a ejecutar su escultura a cielo abierto. Obras que pasarán al espacio público, democratizando la belleza y el arte y jerarquizando a la ciudad de Resistencia”, señala José Sebastián Eidman, presidente de la Fundación, a Télam. Y agrega: “Alrededor de la competencia internacional, como rayos de esta rueda, se dispara una oferta extraordinaria de eventos, propuestas, actividades, de todo tipo y carácter que la hacen única”.

“Poner en marcha una experiencia con un programa de actividades tan amplio y diverso es realmente un desafío, pero son muchas las manos que se unen para llevar adelante esto. El esfuerzo es enorme pero no es un sacrificio, porque quienes lo hacemos disfrutamos esto porque nos apasiona y nos sentimos retribuidos al ver que el arte tiene ese poder transformador”, indica.

Con expectativas muy altas se busca “recuperar ese tiempo perdido”, manifiesta el presidente de la Fundación a escasos dos días para el inicio de la edición que honra la memoria y legado del “alma mater” de la Bienal, Fabriciano Gómez, fallecido en septiembre de 2021. La edición tiene una “connotación especial, porque es la Bienal de Fabriciano sin Fabriciano”, afirma Eidman.

“Para aquellos que tuvimos la oportunidad de compartir su vida, sentimos que esta (Bienal) es un desafío y la necesidad de honrar su legado. Fabriciano fue una persona que no solo modelaba la materia, sino que modelaba el alma de las personas que tenía cerca. Un gran motivador, un gran maestro”, porque destaca, “un maestro es aquel que enseña con el ejemplo y Fabriciano siempre puso toda su pasión y energía en lograr que este proyecto que inició en 1988 en la Plaza 25 de Mayo como un concurso nacional de esculturas, una iniciativa inédita en la Argentina, a cielo abierto y en vivo”.

“Aquella iniciativa hoy es el certamen internacional más importante en la escena escultórica mundial, y alrededor de éste se ha desarrollado la mayor experiencia de arte público en Iberoamérica”, apunta.

 Foto Prensa Bienal
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En torno a esta competencia internacional entendida como reflejo de una expresión cultural plural y diversa tendrán lugar espacios de debate académico sobre arte, derecho y patrimonio, y muestras como “Los 4.000 años de historia” de la Cárcova -un hito histórico para la provincia- ya que por primera vez el Museo de la Cárcova saca su muestra fuera de Buenos Aires y la trae al interior para celebrar su centenario con la exhibición de unas 40 obras y la réplica de la cabeza del David de Miguel Ángel-, así como el tradicional segmento “Escultores del mundo”, que permite un acercamiento al panorama escultórico mundial.

Por otro lado, la Bienal también acogerá el encuentro con 85 maestros artesanos del país, así como invitados de otros países y artesanos de pueblos originarios. El público asistente podrá disfrutar del trabajo de los siete argentinos que participan como escultores invitados: Norma Siguelboim, Juan Sorrentino, Fabiana Larrea, Alejandro Arce, Mónica Souza, Gerardo Suter y Máximo Vargas Gómez.

Los artistas que en estos días participarán en la sección competitiva ante la mirada atenta del público -que también aporta su voto- son Genti Tavanxhiu (Albania), Verena Mayer-Tasch (Alemania), Juan Pablo Marturano (Argentina), David Bucio (México), Sodong Choe (Corea del Sur), Arijel Strukelj (Eslovenia), Jhon Gogaberishvili (Georgia), Petre Virgiliu Mogosanu (Rumania), Ebru Akinci (Turquía) e Ihor Tkachivskyi (Ucrania).

Para Eidman, “la propuesta es poderosa y hoy nos posiciona en el mapa de la cultura y del turismo de la Argentina”, al tiempo que señala la amplia reserva hotelera y medios de transporte saturados, una hotelería que “empieza también a completarse” en la ciudad vecina de Corrientes, lo que “valida la visión que tuvo Fabriciano desde el primer momento: el arte además de ser un medio de elevación espiritual es un poderoso agente transformador de la realidad, que permite mejorar la calidad de vida de las personas”.

“En nuestra experiencia la Bienal es un transformador social y económico además de ser una manifestación artística y cultural”. Y agrega: “Esta construcción colectiva que ha convertido a un concurso de escultura en una fiesta del arte y del pueblo tiene esa otra dimensión, es hoy la industria cultural más grande que tiene la provincia, también es un potente y cautivador destino turístico que se posiciona entre los 20 principales del país para estas vacaciones de invierno”, aclara.

 Foto Prensa Bienal
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El organizador señala el cambio producido en las empresas que acompañan el evento al involucrarse no solo desde la ley de mecenazgo provincial que articula sector público con el privado, sino aquellas que se salen de lo publicitario tradicional y “se involucran con el hecho artístico”, como “una fábrica de reciclado que provee el material para una obra de arte”.

Eidman destaca también “el círculo virtuoso de creación y patrimonio” dado con las obras de arte producidas durante los concursos que pasan a formar parte del espacio público de Resistencia, y conviven con la gente “en armonía” sin que se las dañe ni vandalice las variadas esculturas del “museo de escultura a cielo abierto” que es la ciudad, y que es, desde su visión, un “orgullo que la gente pueda encontrarse con obras de Lucio Fontana, Leguizamón Pondal, Curatella Manes o Líbero Badii”.

“Más de tres generaciones que han visto nacer una obra de arte, han sido testigos de cómo la materia se transforma en arte y luego pasa a formar parte de su cotidianidad”, sintetiza.

Con actividades de acceso libre y gratuitas, la Bienal amplía su propuesta con oferta de artes escénicas, cursos, talleres y conferencias magistrales, muestras, feria de artesanía y diseño y de gastronomía regional y de expo industria y comercio con más de 400 expositores.

Es así que el sábado a las 20.30 con “La Novena Sinfonía” de Beethoven interpretada por la Orquesta Sinfónica de la provincia y el Coro Polifónico de Resistencia, bajo la batuta de Jorge Dumont, dará comienzo la Bienal. Mientras que el domingo a las 8.30 comienza la esperada competencia internacional de escultura, así como los encuentros de Escultores Invitados, el de Maestros artesanos argentinos y el de pueblos originarios. También ese día se inaugura la exposición de la Asociación de Escultores Chaqueños (AECH).

Entre los atractivos de la Bienal se destaca la octava edición del Premio Desafío “Hierros Líder”, el concurso de escultura destinado a estudiantes de artes de universidades e institutos artísticos del país con la consigna de realizar una escultura en 48 horas continuas, que comienza el martes; y el 4º Festival Filarmónico Juvenil -organizado por la Fundación Pradier- que propone una formación intensiva para 120 jóvenes músicos impartida por profesores de Argentina, España, Estados Unidos, Austria y Alemania.

La Bienal recibió en su última edición de 2018 unas 600 mil visitas según la medición realizada por la Fundación que certifica desde 2014 su sistema de gestión de calidad con normas ISO 9000, algo que les “permite pensar en la continuidad del proyecto y garantizar que se pueda llevar a cabo más allá de de sus fundadores”, cuenta Eidman.

Se lanza el concurso provincial de escultura “Monumento a Manuelita”

Fuente: Gobierno de Buenos Aires ~ En el 60° aniversario de la canción Manuelita, de María Elena Walsh, creadoras/es y artistas visuales de la provincia de Buenos Aires podrán presentar sus proyectos. 

El Instituto Cultural de la provincia de Buenos Aires convoca a la presentación de proyectos de realización de una obra escultórica representativa de la canción Manuelita la tortuga (de la escritora, cantautora y compositora bonaerense María Elena Walsh), que será emplazada en la ciudad de Pehuajó. La inscripción será desde el 4 de julio hasta el 18 de agosto a través de la página del Instituto Cultural.

La convocatoria se da en el marco del 60° aniversario de la célebre canción con la que María Elena Walsh hizo conocida a la ciudad de Pehuajó en el mundo. La obra fue incluida en el álbum Doña Disparate y Bambuco lanzado en 1962. Manuelita la tortuga es una de las canciones infantiles más populares de Argentina y su protagonista se ha convertido en ícono de nuestras infancias. “Manuelita la tortuga posee una significación social y cultural que trasciende la simbología icónica de la localidad de Pehuajó transformándose en patrimonio inmaterial de la provincia de Buenos Aires y de la Argentina”, enunciaron desde el Instituto Cultural.

Podrán participar del certamen creadoras/es y artistas visuales de la provincia de Buenos Aires que sean mayores de 18 años. Para el caso de artistas argentinos/as, deberán ser nativos de la provincia de Buenos Aires o contar con un mínimo de dos años de residencia. Por otra parte, los/as artistas extranjeros/as deberán acreditar un mínimo de tres años de residencia en el país y dos en la provincia. Cada participante podrá concursar solamente con un proyecto.

El concurso contará con dos etapas de selección. La primera etapa consta de la evaluación y selección de diez proyectos por parte de un jurado especializado. La segunda etapa contempla la elección del proyecto a llevarse a cabo, cuyo autor/realizador será contratado por el Instituto Cultural para su ejecución. También se hará entrega de diplomas a los cuatro proyectos que le sigan en orden de mérito, con la posterior contratación para la ejecución de obras en escalas menores.

LINK DE INSCRIPCIÓN

BASES Y CONDICIONES

Con una escultura al aire libre, el argentino Tomás Saraceno presenta su obra en Art Basel

Fuente: Télam ~ El artista tucumano participa de la edición 2022 de una de las ferias de arte contemporáneo más prestigiosas en el mundo, que reúne 289 galerías. Se celebra desde el jueves y hasta el domingo próximo en la ciudad de Basilea.

El artista tucumano Tomás Saraceno participa de una nueva edición de la feria de arte contemporáneo Art Basel, que se celebra desde el jueves y hasta el domingo próximo en la ciudad suiza de Basilea, con una escultura presentada al aire libre en el espacio público, como parte del sector bautizado «Parcours».

La edición 2022 de una de las ferias más prestigiosas en el mundo -que el martes abrió sus puertas solo para invitados- reúne 289 galerías de todo el mundo que presentan obras en los más variados soportes, desde piezas maestras raras e históricas hasta nuevas obras de las voces artísticas emergentes de la actualidad.

Este año, la feria de Basilea retoma sus fechas tradicionales de junio con una programación a gran escala extendida a toda la ciudad, donde destaca Parcours, el sector público de Art Basel, abierto a todo público con entrada gratuita, curado por Samuel Leuenberger.

«Cómo crecer en tiempos de cambio» es el lema que acompaña al sector Parcours, donde destaca la escultura de Tomás Saraceno «Silent Autumn (AB Aur b/M+M)» del 2021, presentada al aire libre en el jardín de Haus zum Raben por las galerías Tanya Bonakdar Gallery y neugerriemschneider.

Telam SE

«Los proyectos artísticos de esta edición buscan responder a los desafíos centrales de nuestro tiempo e imaginar nuevos comportamientos y formas de relacionarse. Algunos de los artistas asumen el papel de investigadores para sacar a la luz verdades ocultas; otros actúan como guías, mediadores y provocadores en sus esfuerzos por atraer a un público más amplio», dijo el curador de Parcours Samuel Leuenberger.

El trabajo de Saraceno, «Otoño silencioso» remite a sus esculturas e instalaciones en forma de nube que surgen de su larga investigación artística «Ciudades Nube», una propuesta de reapropiación ética del medio ambiente, el planeta y la red de la vida después del antropocentrismo, informaron desde Basel en un comunicado.

Compuesta por siete módulos de 140 centímetros de diámetro cada uno, la obra del argentino presenta diversos pigmentos -ocres, dorados, marrones y rojos- a tono con el proceso cíclico de composición y descomposición que impregna las ecologías en la estación otoñal.

Telam SE

Nacido en Argentina y afincado en Berlín, Saraceno es un artista cuyos proyectos tratan de posibilitar un diálogo entre las formas de vida, repensando los hilos dominantes del conocimiento en la era capitalista.

Durante más de dos décadas, dirigió proyectos encaminados a una sociedad libre de emisiones de carbono y de los abusos del capitalismo, como el Museo Aero Solar y la Fundación Aerocene.

Además de exhibir producciones en los sectores tradicionales de galerías, la feria albergará una instalación a gran escala titulada «Out of Sight» en homenaje al artista conceptual estadounidense Lawrence Weiner, un programa de cine y el famoso ciclo de charlas de la feria «Conversaciones».

Unlimited es el sector de la feria dedicado a los proyectos a gran escala, que ofrece a las galerías la oportunidad de mostrar amplias instalaciones, esculturas monumentales, vastas pinturas murales, extensas series fotográficas y proyecciones de video que trascienden el stand tradicional de una feria de arte.

Es allí donde se verán por ejemplo un conjunto de 21 dibujos firmados individualmente por Gerhard Richter, «Untitled (Drawings for SDI)» (1986), presentado por la galería Sies + Höke. También destacan en ese sector obras del belga Francis Alÿs, del italiano Michelangelo Pistoletto y de los estadounidenses Keith Haring, Jenny Holzer y Martha Rosler, entre otras 70 obras a gran escala.

Mañana y pasado, la escultura “La Muerte de Güemes» será exhibida en la explanada del Cabildo

Fuente: El Tribuno ~ Aún faltan terminar detalles de seguridad para que la obra sea trasladada a la Quebrada de la Horqueta, su destino final.

La imponente escultura que representa “La Muerte de Güemes” será exhibida mañana y el viernes frente al Cabildo Histórico de Salta, para que pueda ser admirada por todos los salteños y turistas. Así lo adelantó Jorge Nieto, asesor del Ministerio de Cultura y Educación de la Provincia, del área Patrimonio. 
Si bien su destino final será la Quebrada de la Horqueta, donde ocupará el sitio exacto donde el héroe gaucho dejó esta vida para pasar a la inmortalidad, aún faltan ultimar detalles para que pueda concretarse el traslado.
En diálogo con El Tribuno, Nieto señaló que primero debe terminar de instalarse un sistema de seguridad con cámaras satelitales, como así también ultimar detalles estructurales relacionados a los soportes de hormigón en los que se apoyará la obra. 

“Es una gran cosa que se haya podido llegar a tiempo con esta obra, en el marco de las conmemoraciones del Bicentenario de la Muerte de Güemes. Fue muy grande el esfuerzo que tuvieron que hacer Provincia y Nación en plena pandemia, para cumplir con el programa de homenajes”, recordó el salteño.

Un punto destacado, indicó Nieto, es que se haya elegido a un artista local de gran prestigio, como Ricardo Serrudo para llevar adelante el proyecto.

Otro aspecto importante es que se eligió esta fecha para que la escultura sea expuesta en el microcentro capitalino, de manera que “todo el mundo pueda verla y disfrutar de ella, ya que es muy difícil para una gran mayoría trasladarse hasta la Quebrada de la Horqueta”, explicó Nieto, quien también se desempeña como asesor de Cultura de Nación.

“No son sólo obras, sino también reivindicaciones. En el caso de la Horqueta, si bien se halla un monolito que tiene un gran significado, sumarle una obra que representa la agonía de Güemes conlleva otras sensaciones. Será un antes y un después para los salteños. Esto nos brindará la posibilidad de estar en el lugar donde estuvo el General, compartiendo con él ese frío extremo, esas soledades”, concluyó Nieto.

Misterio develado: señal de largada para el Paseo de esculturas del Museo Nacional de Bellas Artes

Fuente: La Nación ~ Una obra de Noemí Gerstein que se instalará en noviembre, adquirida con fondos que reunirá la Asociación Amigos del MNBA, será el puntapié inicial del proyecto que reunirá una docena de piezas.

Misterio develado: la obra elegida por un comité de expertos para emplazar en el nuevo Paseo de esculturas del Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) es Marejada, pieza de Noemí Gerstein, artista fallecida en 1996. Realizada en 1970 en acero inoxidable, será la primera en instalarse en noviembre en el parque central ubicado entre el museo y su Asociación de Amigos, donde está previsto exhibir a cielo abierto una docena de piezas en una fecha aún indefinida.

Marejada (1970), escultura de Noemí Gerstein que integrará el Paseo de Esculturas del Museo Nacional de Bellas Artes gracias al aporte de su Asociación de Amigos
Marejada (1970), escultura de Noemí Gerstein que integrará el Paseo de Esculturas del Museo Nacional de Bellas Artes gracias al aporte de su Asociación de AmigosGentileza Aamnba

La presentación al público de ese acervo, que estará conformado por esculturas del museo que permanecen guardadas y otras que aportará el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, depende de la habilitación de la construcción de una estructura de hierro y vidrio que incluirá escaleras y ascensores,y unirá la antigua Casa de Bombas de Recoleta remodelada por el arquitecto Alejandro Bustillo, sobre la Avenida del Libertador al 1400, con el renovado pabellón construido para la Exposición del Sesquicentenario de la Revolución de Mayo por el arquitecto César Janello junto con Rubén Fraile y Jorge Gómez Alaiz. Aquel anexo desmontable, devenido permanente, aloja hoy la sala de exposiciones temporarias del museo, la sede de la Aamnba, el auditorio y el área del restaurant.

Noemí Gerstein retratada por Horacio Coppola, circa 1965
Noemí Gerstein retratada por Horacio Coppola, circa 1965Gentileza MNBA

“Desde la Avenida del Libertador se va a poder ver la Facultad de Derecho”, anticipó Andrés Duprat, director del Museo Nacional de Bellas Artes, que confía en la pronta aprobación del proyecto que financiará el Estado Nacional. Si esto no se logra, el parque podría inaugurarse antes del próximo verano. Pero si consigue luz verde, como prevé, el parque de esculturas deberá esperar hasta que concluya la obra, plazo estimado por él en “un año y medio”.

Torso, de Rogelio Yrurtia, una de las obras del Museo Nacional de Bellas Artes que integrarán el Paseo de esculturas
Torso, de Rogelio Yrurtia, una de las obras del Museo Nacional de Bellas Artes que integrarán el Paseo de esculturasGentileza MNBA

Recién entonces se podría ver el conjunto conformado por obras del museo –Rugby y La danza, de Pablo Curatella Manes; Jinete a caballo, de Marino Marini; El deseo, de Libero Badii, y torsos de Antonio Sibellino y Rogelio Yrurtia– y otras de la ciudad, que según una “lista preliminar” serían las siguientes: La primavera y El hombre que habla, de Léon-Ernest Drivier; El segador y El sembrador, de Constantin Meunier; y Heracles y Centauro Herido, de Émile Antoine Bourdelle.

Esas definiciones no impedirán, sin embargo, que se instale la obra de Gerstein en noviembre, en el otro extremo del parque, en una ceremonia que reemplazará la tradicional gala de recaudación de fondos de la Asociación Amigos del MNBA (Aamnba). La nueva escultura dialogará con las obras ya emplazadas en el entorno del museo, realizadas por artistas como Émile Antoine Bourdelle, Enio Iommi y Julio Le Parc, María Juana Heras Velasco y Luis Arata, entre otros.

Torso, de Antonio Silvestre Sibellino, una de las obras del Museo Nacional de Bellas Artes que integrarán el Paseo de esculturas
Torso, de Antonio Silvestre Sibellino, una de las obras del Museo Nacional de Bellas Artes que integrarán el Paseo de esculturasGentileza MNBA

Al igual que el año pasado, cuando la Aamnba presentó un libro sobre su historia para celebrar sus 90 años, esta vez se abrió una convocatoria dirigida a mecenas -personas, instituciones y empresas- para conformar con aportes privados un fondo para esta compra que se sumará al patrimonio público. De esa forma se deberán reunir unos 30 millones de pesos necesarios para comprar la obra a la galería Palatina y cubrir los gastos relacionados: el cóctel, el traslado, la instalación y el catálogo, donde figurarán todos los donantes.

“Lo vamos a juntar”, aseguró con optimismo a LA NACION Julio César Crivelli, presidente de la Aamnba, tras confiar que los 18 millones recaudados en 2021 incluyeron múltiples aportes de 25.000 pesos, de donantes muy diversos. “Tenemos confianza porque hay un público fiel”, apunta a su lado Andrés Gribnicow, director ejecutivo de la Aamna.

El Comité Asesor de compras para el Museo Nacional de Bellas Artes, integrado por Marcelo Pacheco, Mariana Marchesi, María Teresa Constantín, Sebastián Vidal Mackinson y Laura Malosetti Costa
El Comité Asesor de compras para el Museo Nacional de Bellas Artes, integrado por Marcelo Pacheco, Mariana Marchesi, María Teresa Constantín, Sebastián Vidal Mackinson y Laura Malosetti CostaGentileza Aamnba

La elección de la escultura de Gerstein también fue producto de un esfuerzo colectivo: fueron cinco las piezas preseleccionadas por un Comité de Adquisiciones, creado específicamente para esta edición del flamante Programa Bellas Artes Nuevas Adquisiciones, lanzado en marzo último. Integrado por María Teresa Constantin, Laura Malosetti Costa, Mariana Marchesi, Marcelo Pacheco y Sebastián Vidal Mackinson, este equipo realizó un trabajo previo de investigación y relevamiento de obras disponibles y proyectos posibles para emplazar en el nuevo espacio del museo. En base a esas propuestas, la elección final estuvo a cargo de Duprat y de Crivelli.

Para decidirse por Marejada–que perteneció a la colección de Federico Vogelius, se expuso en el Centro Cultural Recoleta en 2002 y actualmente integra una colección privada-, ambos tuvieron en cuenta no solo su gran calidad artística sino también materialidad, ya que el acero inoxidable hace que sea fácil de conservar en espacios abiertos.

Jinete a caballo, de Marino Marini, una de las obras del Museo Nacional de Bellas Artes que integrarán el Paseo de esculturas
Jinete a caballo, de Marino Marini, una de las obras del Museo Nacional de Bellas Artes que integrarán el Paseo de esculturasGentileza MNBA

“También se consideró que se trata de una obra finalizada y lista para su emplazamiento, previsto para noviembre, y que la operación se realiza a través de una galería, lo que contribuye a dinamizar el mercado del arte local –explicaron-. A su vez, el hecho de ser la obra de una artista consagrada cuya carrera fue reconocida hasta el final de sus días y la posibilidad de dar gran visibilidad a una escultora mujer -en tiempos en que este reconocimiento resulta especialmente valorable- fueron también motivos que pesaron en la decisión”.

Nacida en Buenos Aires en 1908, formada en la Escuela Nacional de Bellas Artes y con el escultor Alfredo Bigatti, Gerstein expuso muestras individuales en varias de las principales ciudades del mundo y participó tres veces en la Bienal de Venecia. Entre otras distinciones, ganó el Concurso Internacional de Escultura del Instituto Di Tella (1961), el Premio Nacional de Escultura del Fondo Nacional de las Artes (1972) y el Konex de Platino (1982).

Rugby, de Pablo Curatella Manes, una de las obras del Museo Nacional de Bellas Artes que integrarán el Paseo de esculturas
Rugby, de Pablo Curatella Manes, una de las obras del Museo Nacional de Bellas Artes que integrarán el Paseo de esculturasGentileza MNBA

En una época en que ya no existen donaciones equivalentes a la realizada hace 125 años por José Prudencio Guerrico, una de las colecciones fundacionales del MNBA que fueron enriqueciendo sus descendientes, ni se hacen viajes a Europa para sumar patrimonio como el realizado porEduardo Schiaffino en 1906, la Aamnba puede jactarse de haber aportado al acervo 185 obras de grandes artistas como Edgar Degas, Fernand Léger, Prilidiano Pueyrredón, Jorge de la Vega, Liliana Porter, Carlos Alonso y Raquel Forner, entre muchos otros.

¿Dónde está? Una de las obras más famosas del mundo llegó de París hace 114 años y debería estar en el Congreso

Fuente: La Nación ~ Es la edición número tres de El Pensador, de Auguste Rodin, una de las esculturas más famosas del mundo.

“Lo que hace que mi pensador piense es que él piensa no solo con su cerebro, sino con su ceño fruncido, sus fosas nasales distendidas y sus labios apretados, con cada músculo de sus brazos, espalda y piernas, con los puños apretados y sus dedos de los pies encogidos”, dijo Auguste Rodin en una minuciosa descripción de su obra El Pensador.

A miles de kilómetros de distancia de París, en Buenos Aires, quien camine por la zona del Congreso y dé una vuelta por su plaza, se verá posiblemente sorprendido al encontrarse, nada más y nada menos que con El Pensador. Probablemente el peatón distraído creerá que se topó con una copia barata que nada tiene que ver con el artista francés, que es considerado el padre de la escultura moderna. Nada más equivocado.

No se trata de una copia ni de una réplica. Es la edición número tres, realizada en vida de Auguste Rodin, uno de los más famosos escultores del mundo, en su propio taller parisino. “Una réplica sería una copia no autorizada. Los primeros seis a ocho ejemplares de una obra son ediciones originales que están numeradas. Más allá de esa cantidad, si el artista da la autorización, se realizan otras ediciones”, explica a LA NACION revista Teresa Anchorena, presidente de la Comisión Nacional de Monumentos, de Lugares y de Bienes Históricos.

Durante la restauración, durante 2018
Durante la restauración, durante 2018Alejandro Guyot – LA NACION

En el caso de El Pensador, emplazado en Avenida de Mayo y San José, en la Plaza del Congreso, se trata de una valiosísima escultura ejecutada en vida del autor, lo que implica que él vio cómo iba quedando y que aprobó el resultado final. Ejecutadas con el mismo molde que la primera edición, que está expuesta en el Museo Rodin, de París, las primeras ediciones poseen todas el mismo tamaño y las mismas características que la primera.

Esa primera edición fue en un principio colocada en lo alto de las escaleras del Panteón. La segunda se encuentra en Estados Unidos. Dentro de las 27 ediciones existentes en el mundo, muchas de ellas fueron terminadas después de 1917, año de la muerte de Rodin.

Pero, ¿cómo llegó la edición número tres de El Pensador de Auguste Rodin a Buenos Aires, a la plaza del Congreso? “En 1907, Eduardo Schiaffino, que era una especie de curador de la ciudad, compró, por encargo de la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires, obras de arte para embellecerla. Schiaffino, fundador del Museo Nacional de Bellas Artes, iba a París y seleccionaba obras de arte que en ese momento eran contemporáneas. Entre ellas, hay piezas de Rodin y también de Bourdelle”, señala Anchorena.

El número 1, en París
El número 1, en ParísShutterstock – Shutterstock

En ese contexto, la ciudad de Buenos Aires adquirió el número 3 de El Pensador, del prestigioso Rodin. “El fue al taller de Rodin, vio la escultura y se la encargó. El Pensador llegó a Buenos Aires en 1908. Iba a ser colocada en lo alto de las escalinatas del Palacio del Congreso, pero éste no estaba terminado. Por eso lo pusieron provisoriamente en la plaza. Pero con el paso del tiempo la ubicación se volvió definitiva”, relata la funcionaria. El emplazamiento original pensado por Eduardo Schiaffino estaba inspirado en el sitio de privilegio que tenía El Pensador en París, en lo alto de las escaleras del Panteón.

Con el siglo que pasó se sucedieron todo tipo de eventos en los alrededores del Palacio del Congreso, algunos de ellos violentos. Sin embargo, El Pensador permanece firme -y entero- en el espacio público, atento a las miradas de los transeúntes y también vulnerable frente a quienes no respetan los bienes públicos y, mucho menos, valoran una pieza artística de la importancia que tiene la escultura. Increíblemente, nunca sufrió roturas ni quiebre de ninguna de sus partes. Sí padeció pintadas varias veces. Pero, en cada una de ellas, la ciudad rápidamente se encargó de limpiarlas.

Una visitante con barbijo mira la escultura icónica de Auguste Rodin "El pensador" en la Old National Gallery en Berlín
Una visitante con barbijo mira la escultura icónica de Auguste Rodin «El pensador» en la Old National Gallery en BerlínArchivo/John MACDOUGALL – AFP

Frente a las vandalizaciones, se impone una cuestión: ¿es mejor que El Pensador esté en un espacio público o no? “Por un tema de seguridad sería mejor que estuviera en un museo. Pero fue pensada para estar al aire libre. Aunque los tiempos cambiaron, igualmente hoy está más segura que antes”, se debate Anchorena, para quien sería un dolor que fuera a un museo y que considera que sería una decisión difícil de tomar. “Se pensó muchas veces trasladarla a un museo, sobre todo cuando era muy vandalizada”, asegura.

En 2009, cuando Anchorena era diputada de la Ciudad de Buenos Aires, elaboró una ley, que fue aprobada, para que la escultura El Pensador fuera colocada en el lugar para el que fue concebida, sobre las escalinatas del Palacio del Congreso. Sin embargo, dicha ley nunca se ejecutó. El objetivo de la ley era conservar la pieza al aire libre, pero protegida detrás de las rejas del Congreso, en el sitio para el que fue concebida. Lo que sí se hizo es evaluar de qué manera podía estar más protegida de eventuales ataques, en el lugar donde se encuentra. “En París, en el Museo Rodin, vi cómo estaba colocada la obra en los jardines. Medimos la altura de la base y el Gobierno de la Ciudad hizo entonces una base aún más alta y, para protegerla todavía más, se colocó una reja que la rodea”, destaca.

Hoy El Pensador se conserva en muy buen estado. Fue restaurada hace cuatro años. “Cuando se fue a restaurar, increíblemente no estaba tan mal. No tenía partes rotas. Solo tenía algunos rayones y la pátina estaba en mal estado. Yo estuve en el curso de la restauración y la gente de MOA (Monumentos y Obras de Arte) trabajó muy bien. Vino de París Antoine Amarger, experto en restauración de bronces de Rodin y Bourdelle, para aconsejar a la Ciudad cómo había que restaurarla”, cuenta Anchorena.

Desde 2019 El Pensador de Auguste Rodin es considerado Monumento Histórico Nacional. En Buenos Aires, además de El Pensador hay otras importantes obras del escultor francés, como El Beso, en el Museo Nacional de Bellas Artes y una escultura de Sarmiento, de bronce y con base de mármol, que está colocada frente al Monumento de los Españoles, en Avenida del Libertador y Sarmiento. “Cuando llegó la obra de Sarmiento a Buenos Aires, fue un escándalo porque a la gente no le gustó la cara, que remitía al Balzac de Rodin”, apunta Anchorena. En el Museo Nacional de Bellas Artes hay otras piezas más del escultor, como Estudio para manos y L’amour fugit (El amor huye), muchas de ellas donadas dentro de la colección Santamarina.