Arbórea Magna: así es la nueva escultura en el Parque de Innovación

Fuente: Para Tí – Es monumental, como su estadio vecino. Extraordinaria y encendida, con el sello de la artista Nicola Costantino. ¡Esto es Arbórea Magna! Un nuevo símbolo arquitectónico y de diseño de la Ciudad de Buenos Aires.

En el Parque de Innovación de la Ciudad de Buenos Aires acaba de inaugurarse -¡alzarse!- una nueva escultura de escala monumental llamada “Arbórea Magna”.

Nacida para ser nuevo símbolo de diseño y arquitectura de la capital argentina, la mega obra e instalación artística creada por la artista rosarina Nicola Costantino en el flamante Parque de la Innovación es una obra de arte público que se puede visitar de manera libre y gratuita.  

“Arbórea Magna” de la artista rosarina Nicola Costantino.

7 datos clave sobre Arbórea Magna de Nicola Constantino en el Parque de la Innovación

1.Arbórea Magna: todos los árboles, el árbol. Es un homenaje a todos los árboles, tiene un mensaje ambiental y promueve la conexión entre la naturaleza y la impronta tecnológica del entorno.

La escultura mide 34 metros de alto, tiene 754 focos lumínicos y más de 17.000 piezas de cerámica. Es una invitación a reflexionar sobre la naturaleza, los avances tecnológicos y el vínculo con el ambiente.

Arbórea Magna mide 34 metros de alto, tiene 754 focos lumínicos y más de 17.000 piezas de cerámica.

2.La creadora de Arbórea Magna: Nicola Constantino. Nicola Costantino creó el árbol-robot que hoy luce y brilla frente al estadio Monumental de River, una vez que su proyecto ganó un concurso para diseñar un monumento que identifique al recién inaugurado Parque de la Innovación, en Núñez.

Nicola Constantino representó al país en la Bienal de Venecia en 2013, y en este proyecto tuvo como misión generar un símbolo para el polo tecnológico de 16 hectáreas para que tuviera un efecto e impacto similar al de la Floralis Genérica, en la plaza Naciones Unidas.

3.Arbórea Magna: el árbol-robot de Nicola Constantino

La majestuosa Arbórea Magna no cambia de apariencia ni de color según la estación del año sino que modifica su apariencia a través de un sistema de 754 luces led de última generación y activadas por energía solar.

El tronco del árbol-robot está construido con 16 tubos de hierro galvanizado, desde el piso hasta los 34 metros de altura.

Nicola Costantino creó el árbol-robot una vez que su proyecto ganó un concurso.

4.Así se construyó. El conjunto escultórico Arbórea Magna demandó más de un año de trabajo a Nicola Costantino que se propuso hacer “un monumento público atractivo, misterioso e interesante”, en sus propias palabras. Creó una obra de carácter tecnológico con espíritu milenario. Misión cumplida.

Arbórea Magna de Nicola Costantino está en la intersección de las avenidas Figueroa Alcorta y Udaondo, con el estadio de River a la vista.

5.La corteza de Arbórea Magna. En la obra de Nicola Costantino se distingue un revestimiento muy singular creado por la propia artista realizado con la cerámica Nerikomi, una técnica ancestral japonesa.

A partir de barros coloreados y cortados en  láminas, se generan diseños en forma de patrones naturales que simulan las flores y la corteza del árbol, y que son posibles de repetir.

Creados en gres y cocidos a altas temperaturas, los mosaicos con diseños de la flora autóctona, hasta pueden ser transitables. Para confeccionar estas piezas de cerámica que recubren la base y parte del tronco del árbol, la artista trabajó en su taller junto a alumnos de Escuela de Cerámica N°1 de la Ciudad de Buenos Aires.

Arbórea Magna tiene 754 «hojas» luces led de última generación y activadas por energía solar.

6.¿Dónde está Arbórea Magna?

La escultura Arbórea Magna de Nicola Costantino está en la intersección de las avenidas Figueroa Alcorta y Udaondo. Luce alta en el cielo del Parque de la Innovación, ubicado donde durante años funcionó la sede del Tiro Federal.

7.Arbórea Magna iluminada. Podés visitar y conocer Arbórea Magna tanto de día como de noche, y la visión nocturna cambia por completo. La obra de Nicola Constantino está iluminada desde las 19 hasta las 22 horas (y es una experiencia única).

También se realizan visitas guiadas todos los sábados a las 17, sin inscripción previa, solo con presentarse 15 minutos antes en la base del monumento.

Es una invitación a reflexionar sobre la naturaleza, los avances tecnológicos y el vínculo con el ambiente.

«La mujer con reloj»: la venta de la obra de Picasso rompió un récord mundial

Fuente: ámbito – El cuadro pertenecía a Emily Fisher Landau la extravagante coleccionista propietaria de obras que hoy valen millones.

El reconocido cuadro de Pablo Picasso que pintó en 1932, «La mujer con reloj«, fue subastado este miércoles por noche por Sotheby’s en Nueva York. El precio fue de 139,3 millones de dólares, el segundo más alto alcanzado por este artista, que falleció hace 50 años, y el más alto del año, superando los remates de arte de este 2023 en todo el mundo.

Esta obra que representa a una de las amantes y musas del artista nacido en Málaga, la pintora francesa Marie-Thérèse Walter, había sido estimada en más de 120 millones de dólares, según la casa de subastas.

El cuadro perteneció a la neoyorquina Emily Fisher Landau, que falleció a los 102 años, y cuya colección de obras de Jasper Johns, Willem de Kooning, Mark Rothko y Andy Warhol también se subastó el miércoles y continuará este jueves en la sede de Sotheby’s en Manhattan.

De esta manera, la casa propiedad del multimillonario franco-israelí Patrick Drahi, espera vender sólo la colección de Landau por más de 400 millones de dólares.

La obra más cara jamás vendida

El récord histórico de Picasso es «Las mujeres de Argel (Versión O)», con 179,4 millones de dólares. Este óleo sobre lienzo pintado en 1955 es la obra moderna más cara jamás vendida en una subasta.

Hasta ese momento también era la subasta más cara de la historia, pero fue superada en noviembre de 2017 por «Salvator Mundi«, de Leonardo da Vinci, vendido en 450 millones de dólares, el récord mundial actual en el mercado del arte.

La venta de «La mujer con reloj» en 139,3 millones de dólares entró al top ten de las obras más caras de la historia vendidas en subastas, y desplazó a la célebre pintura de Edvard Munch, El grito (1895), y a La montaña Sainte-Victoire (1888-1890), de Paul Cezanne, quedandose con el puesto nueve.

Una escultura monumental de Nicola Costantino deslumbra en el Parque de la Innovación

Fuente: La Nación – Ayer se presentó en el nuevo espacio urbano de Núñez la obra de la artista que ganó el concurso de ideas; es un enorme árbol de 34 metros de altura que se ilumina de noche

En el día de su cumpleaños, Nicola Costantino inauguró una escultura monumental en el nuevo Parque de la Innovación, ubicado en avenida Figueroa Alcorta y Udaondo. “Ahora, en frente de la cancha de River hay una obra de arte de su misma altura”, dijo en la presentación la artista. “Los argentinos somos fuertes en futbol, pero a nivel cultural también somos potencia”. La escultura, llamada Arbórea Magna, constituye un homenaje a todos los árboles del universo y posibilita una reflexión sobre la interacción entre la tecnología y la naturaleza.

Ubicado en el barrio de Nuñez, el Parque de la Innovación es un nuevo predio de 12 hectáreas que promueve la colaboración entre emprendedores, estudiantes e investigadores. Fue creado en 2016 pero terminó de construirse ayer. El Parque cuenta con 120.000 m2 destinados a Innovación (mitad de inversión pública y mitad privada). De ese espacio público, un 30% son espacios verdes y plazas, en las que ahora se erige el árbol robótico de Costantino a 34 metros de altura. Es una estructura portante de hierro galvanizado, realizado con la cerámica Nerikomi, una técnica ancestral japonesa. Las piezas de cerámica, trabajadas previamente en el taller de la artista, cobijan parte del suelo, en forma de flores, y el tronco en forma de patrones naturales que simulan la corteza del árbol.

“Un árbol artificial no pretende reemplazar la belleza natural porque el arte tiene una intención, un concepto, una búsqueda que la naturaleza no tiene. Hacer una obra de arte público es como obtener un master. Siempre soñé con esto, porque creo que la obra de arte público es para la gente. Muchos no cruzan la barrera del museo para enfrentarse a las obras de arte. Por eso estas piezas son quizás el único contacto que mucha gente tiene con el arte. Lo peor que puede pasar con un monumento es generar indiferencia. Siempre pensé que lo más importante de un monumento es que tuviera una conexión y creo que en este momento el árbol es el máximo exponente del universo vegetal. Merece un monumento. Es un árbol artefacto, tecnológico, robótico, sólido, metálico, preparado para espectáculos lumínicos. Quiero homenajear al barro, a la tierra y a los barros coloreados y al fuego que quema los barros. Este árbol está plantado en lo ancestral de la cerámica, que hacemos desde el neolítico”.

"Arbórea Magna", de Nicola Costantino, un proyecto basado en la sostenibilidad y la tecnología, inaugurado ayer en el Parque de la Innovación.
«Arbórea Magna», de Nicola Costantino, un proyecto basado en la sostenibilidad y la tecnología, inaugurado ayer en el Parque de la Innovación.Rodrigo Nespolo

Arbórea Magna es el resultado de un concurso realizado en 2022, en el que la obra de la artista plástica obtuvo el primer premio. La convocatoria estaba dirigida a artistas visuales que quisieran postular ideas para la creación de una obra de arte público e inédita concebida especialmente para el Parque de Innovación.

“Hay que estar alineados con lo importante: generar consciencia con la naturaleza”, dijo Costantino en diálogo con LA NACION. “Hace un tiempo había mucho temor de la inteligencia artificial. Yo creo los avances tecnológicos son buenos si estás bien aplicados”.

La escultura devuelve la apariencia formal de un árbol, pero no pretende ser un registro documental de una especie en particular sino que busca venerar el amplio repertorio del universo vegetal. La segunda parte del título, Magna, refiere a la dimensión monumental de la escultura, que supera considerablemente la escala humana y permite que sea reconocida a distancia.

“Fue una locura”, reconoció la artista al recordar todas las actividades de su año. “En marzo inauguré PaRDeS: el jardín del tiempo suspendidoen la Fundación Santander, donde expuse 2000 flores. Fue muy intenso. También hice la obra Artista Ex Machina en el Centro de Experimentación del Colón”.

Arbórea Magna se destaca por un sistema de iluminación, desarrollado ad hoc por la arquitecta y especialista en diseño de iluminación Eli Sirlin. El tronco se expande en terminaciones de ramas con más de 700 hojas lumínicas, cambiantes y lúdicas, que potencian la presencia de la obra tanto de día como de noche.

Para agendar

El Parque de la Innovación queda en Núñez, en Figueroa Alcorta y Udaondo. La obra de arte público permite una circulación peatonal las 24h del día. Es posible ver Arbórea Magna iluminada todos los días al anochecer. Las luces permanecen encendidas durante toda la noche: en verano, alrededor de las 19.30 y en invierno, cerca de las 18.30.

El “David” duerme en la ciudad de las esculturas mientras el arte en Resistencia está de fiesta

Fuente: La Nación – La escultura de Miguel Ángel fue clonada con tecnología 3D y se emplazará en Resistencia, la ciudad de las esculturas; mientras tanto, el arte contemporáneo tuvo su feria

RESISTENCIA. – Cuando se visita la capital de Chaco hay que andar atento: sin perder de vista que en cada cuadra hay una escultura (Lucio Fontana en la esquina del banco, Líbero Badíi en la peatonal, más allá, Gyula Kosice o Pablo Curatela Manes), además de esquivar motos que trasladan familias enteras. Acá, una feria de arte como la que ocurrió este fin de semana tiene características únicas: un horario que respeta religiosamente la siesta, un calor todavía suave y un público entendido, que quiere saber cómo se hacen las obras, porque desde 1988 asiste, pregunta y vota en uno de los concursos de escultura más importante del mundo: la Bienal Internacional de Escultura.

Mezcla de Venus y animales de la selva, en la Feria A362, encuentro de arte contemporáneo de Chaco; la pintura es de Pablo Cividini
Mezcla de Venus y animales de la selva, en la Feria A362, encuentro de arte contemporáneo de Chaco; la pintura es de Pablo CividiniGentileza feria A362

El próximo encuentro en esta ciudad ocurrirá del 13 al 21 de julio de 2024, en la XIII Bienal de Escultura, y los sondeos indican que se multiplicó la intención de visitarla, gracias a un invitado especial: el David de Miguel Ángel, una copia fiel del que se conserva en el Museo de Calcos De la Cárcova que fue replicado con un gemelo digital logrado con un escaneo de alta precisión, la misma forma en que se copió el cuerpo de una activista trans para hacer la escultura de Remedios del Valle que fue prendida fuego en Buenos Aires. La diferencia con aquella obra es que la impresión con tecnología 3D de ese modelo fue aplicada para hacer los taseles de un molde. Luego, se dio forma a la escultura con el vaciado de un material de altísima resistencia, que permitirá emplazarlo al aire libre y soportar hasta mil grados sin entrar en combustión (claro que en Resistencia no se estila incinerar el arte público).

Ya está listo el coloso que será el gran atractivo de la ciudad, pero por ahora duerme el sueño de los justos en el galpón del Departamento de Mantenimiento, Restauración y Emplazamiento de Esculturas, que vela por las 650 esculturas que dejó la Bienal y que están instaladas en el espacio público. El gigante de cinco metros de alto está tumbado porque no entra erguido bajo techo y no llegaron los fondos del Estado para construir el basamento y el pedestal en la entrada del Domo del Centenario, el parque de diez hectáreas que es centro de la fiesta cultural y popular a la vez. El 8 de septiembre pasado, justo el día que debía estar de pie, se abrieron las puertas del taller para que el público pudiese verlo por primera vez. “Tenemos donación de todos los materiales por parte de privados, falta la ejecución de la obra por parte del Municipio”, dice Josese Eidman, presidente de la Fundación Urunday, que organiza la Bienal.

La feria A362 es otro esfuerzo macomunado. En el Club Social, reunió 34 galerías y proyectos de Resistencia y otras ciudades de Chaco, Corrientes, Formosa, Misiones, Santa Fe y Buenos Aires, con recorridas matinales por museos y almuerzos sin sobremesa eterna, porque en el medio todo el mundo duerme. También maravillan los lapachos en flor, la costumbre de saludar con dos besos y que ni una escultura sea vandalizada, ni siquiera los bronces en cajas de cristal. Las obras que se vieron nacer, son patrimonio de todos. La ciudad de las esculturas hace lugar con esta feria a los artistas de otras disciplinas.

El equipo organizador de la feria A362, liderado por Marilyn Cristofani, Carlos Nicolini y Alejandra Meana, con curaduría de Daniel Fischer; en el ingreso del Club Social, tejidos de Fabiana Larrea
El equipo organizador de la feria A362, liderado por Marilyn Cristofani, Carlos Nicolini y Alejandra Meana, con curaduría de Daniel Fischer; en el ingreso del Club Social, tejidos de Fabiana LarreaGentileza feria A362

“Queremos mostrar que el artista puede vivir del arte, aún en un escenario tan complejo como el que atravesamos. Lo que vivimos en la feria estos días nos da mucha fuerza”, dice Alejandra Meana, organizadora junto con Carlos Nicolini, Marilyn Cristofani, con la curaduría de Daniel Fischer. Gestores de la cultura que pensaron que era necesario que existiese una feria de arte y la organizaron en tres meses, pese a que tuvieron que cambiar el nombre (en su primera edición era 3500, como el código postal, pero alguien registró la marca; ahora es la característica telefónica).

Gustavo Mendoza y una de sus características obras textiles de gran tamaño: fue Premio Adquisición en la feria de arte de Chaco
Gustavo Mendoza y una de sus características obras textiles de gran tamaño: fue Premio Adquisición en la feria de arte de ChacoGentileza feria A362

La identidad se mantiene, en una feria que hace lugar para el arte contemporáneo más emergente y los grandes maestros locales: desde Lautaro González, un escultor prodigio de 15 años, a un maestro como Rodolfo Schenone, de 87 años. Se reconoce al arte aborigen en la misma categoría, con creaciones de escultoras como Élida Salteño. Fabiana Larrea tejió una intervención en el señorial edificio donde antes se hacían los bailes de presentación en sociedad. Y no faltaron los referentes regionales de distintas generaciones, como Milo Lockett, Sergio Falcón, Anísima, Gustavo Mendoza, Diego Gon, Germán Toloza, Marcelo Totis, Cinthia Chred, Richar De itatí, Andrés Bancalari, Juan Pablo Arias, Silvia Kumm, Horacio Silvestri, Alberto Ybarra, Yurú Chupita y muchos otros.

"Peligro Social", del artista Ramiro Guillén
«Peligro Social», del artista Ramiro GuillénGentileza feria A362

Hubo ventas, sobre todo obra pequeña para el Día de la Madre (Totis vendió más de veinte), y se repartieron los Premios In Situ, de los coleccionistas Abel Guaglianone y Joaquín Rodríguez, a la galería local Chorizo y al artista Leo Guardianelli, por sus dibujos con estilográfo sobre madera. También hubo premios adquisición: Premio QUBO para una obra textil de Gustavo Mendoza; Premio Bolsa de Comercio del Chaco para la Galería Tenerani por la obra del artista Rodolfo Schenone, y Premio Estímulo The White Lodge para el proyecto Entre Vidas, de las artistas paraguayas Ingrid Seall y Noelia Buttice y para Diego Gon del Chaco. “Esta feria tiene que existir”, dice Carmen Tenerani, la única galerista chaqueña con veinte años de trayectoria, que ya no está sola en esta lucha para instalar el arte contemporáneo.

En el auditorio hubo producción de pensamiento, con conversaciones entre artistas, académicos como Marta Penhos, líderes aborígenes como Juan Namuncurá y Griselda Morales, gestores como Gabriel Romero (Instituto de Cultura de Corrientes) y Silvia Tissenbaun (directora de Colón Fábrica): pensar, crear, regar una escena del arte… es una artesanía que se hace amorosamente.

Gabriel Romero y Marta Penhos en una de las conferencias del auditorio
Gabriel Romero y Marta Penhos en una de las conferencias del auditorioGentileza feria A362

Esta es para todos “la feria de Marilyn”. Nada de toda esta usina cultural existiría sin la decisión de quienes la hacen, con aportes más privados que públicos, y una figura central: Marilyn Cristófani, institución en sí misma, secretaria de cultura por doce años, fundadora de cantidad de museos y centros culturales, creadora de la primera ley de Mecenazgo, motor imparable y, ahora, doctora honoris causa de la UNNE. “Los artistas ya empiezan a tomar consciencia y prepararse para la feria, y van hacia la profesionalización en el arte. Abre un panorama a los chicos jóvenes. En todos los órdenes, apareció gente a darnos una mano, de todos los partidos políticos, porque ven que hacemos un trabajo sincero, para ser un poquito mejores todos juntos”, dice Cristófani.

En la feria de arte de Chaco, un maestro reconocido: Rodolfo Schenone. Por su obra, la galería Carmen Tenerani recibió un premio adquicisión.
En la feria de arte de Chaco, un maestro reconocido: Rodolfo Schenone. Por su obra, la galería Carmen Tenerani recibió un premio adquicisión.Gentileza feria A362

David y Goliat

Para Fabriciano Gómez, el creador de la revolución cultural que significa la Bienal de Escultura, era un sueño tener una obra de Miguel Ángel en el concierto de los grandes escultores modernos y contemporáneos que están representados en la ciudad. “Hay un romance entre las esculturas y la gente del que nos sentimos muy orgullosos”, dice Eidman.

Render de cómo quedará emplazada la escultura en el Parque Intercultural 2 de Febrero, en Residencia: los materiales fueron donados, pero falta que el gobierno ejecute la obra del pedestal
Render de cómo quedará emplazada la escultura en el Parque Intercultural 2 de Febrero, en Residencia: los materiales fueron donados, pero falta que el gobierno ejecute la obra del pedestalGentileza Fundación Urunday/Bienal del Chaco

Es una epopeya colectiva, en la que colaboró muchísima gente. Sumar el David a este museo a cielo abierto es fruto de la unión de las voluntades entre Fundación Urunday, universidades, gobiernos, artistas, académicos, arquitectos, ingenieros y el aporte de los mecenas privados.

Por ahí nomás, bajo tierra, yace otro gigante: la estatua del indio de Crisanto, repudiada en su tiempo por el escándalo de sus grandes atributos. Pero esa es otra historia. La noticia es que el David pudo replicarse con una tecnología de avanzada, que pronto se usará para llevar a escala de la vía pública una de las figuras entrañables del escultor Juan De Dios Mena, una especie de Molina Campos tallador muy querido en Resistencia.

Josese Eidman, presidente de la Fundación Urunday, que organiza la Bienal, abrió las puertas del taller para que el público lo conociera el 8 de septiembre pasado
Josese Eidman, presidente de la Fundación Urunday, que organiza la Bienal, abrió las puertas del taller para que el público lo conociera el 8 de septiembre pasadoGentileza feria A362

“Cuando el ciudadano esté de cara al David va a estar parado frente al tiempo”, escribió la especialista en arte público María del Carmen Magaz, que dice que ese es el arte más democrático de todos. El David pronto estará de pie, como un faro de lo que la cultura es en esta ciudad: el capricho de muchos davides, como Fabriciano y Marilyn, que deciden vencer a un Goliat de ignorancia en una de las provincias más pobres y más amantes del arte del país.

Corrientes es sede del Encuentro Internacional de Escultores

Fuente: El Litoral – Organizado por la Municipalidad, se realiza del 3 al 8 de octubre en la avenida costanera y Pellegrini. Se trata del IV Encuentro de Escultores y el primero con presencia internacional, cuyos artistas trabajan sus obras con madera, mármol y cemento. De 9 a 20, tanto vecinos como turistas pueden apreciar el proceso creativo de los participantes. 

Del 3 al 8 de octubre, en la ciudad de Corrientes se desarrolla el I Encuentro Internacional de Escultores, organizado por la Municipalidad, a través de la Secretaría de Cultura y Educación. Los artistas plasman en sus obras realizadas en mármol, cemento y madera un homenaje a los trabajadores públicos correntinos. Durante estos días, de 9 a 20, quienes transiten por la avenida costanera General San Martín y Pellegrini podrán apreciar el proceso de creación de los escultores, a la vista de todos. 

El secretario de Cultura y Educación municipal, José Sand, señaló que en esta edición “se busca reconocer a trabajadores municipales con obras escultóricas que los representarán por el compromiso y vocación de servicio con que cada día trabajan para dar una mejor atención a cada ciudadano correntino”.

De esta manera, los artistas comenzaron con el tallado de figuras que representan al barrendero, obrero, agentes de tránsito, entre otros. 

El encuentro pretende promover valores de solidaridad, generosidad, colaboración, intercambio, comportamiento ético, profesionalismo, creatividad, sensibilidad, empatía, intervención en el entorno con respecto al mismo, participación responsable, y compromiso con la escultura y la cultura. 

“Estamos viviendo el IV Encuentro de Escultores, pero el primero a nivel internacional, dado que nos están acompañando artistas de otros países”, señaló el funcionario. 

En el marco de esta propuesta, Sand adelantó que tanto el jueves como el viernes a partir de las 17 habrá un espectáculo de “speed carving”, que consiste en el tallado rápido de madera. “Es una intervención en menos de una hora con motosierra en pedazos de troncos donde los escultores van a realizar figuras”, detalló. 

Además, adelantó que “los artistas van a realizar estos shows no convencionales para que la gente también conozca un poco más de todo lo que se puede hacer con la motosierra, como por ejemplo destapar una botella, así que es un momento para venir a disfrutar en familia, para conocer esta técnica, conocer a los escultores y poder charlar con ellos”.  

LOS PROTAGONISTAS 

Los escultores que participan son: Gissella García (Uruguay); Juan Carlos Nausneriz (Santa Fe); Sebastián Luis Novak (Chaco); Claudio y Yasimel Kucharzuck (Santa Fe); Beto Svanoti (Córdoba), Francisco Aguirre (Buenos Aires) y Daniela Almeida (Corrientes), bajo la coordinación del reconocido escultor Roberto Daniel Sotelo. 

“El objetivo es proponer otro circuito turístico dentro de Corrientes, para que la gente empiece a recorrer más y no se queden solamente con la costanera, sino que empiecen a recorrer otros lugares y se encuentren con esculturas; cada una de ellas relata lo que significa Corrientes”, remarcó el coordinador Daniel Sotelo.  

“En esta edición la temática es sobre los trabajadores públicos, anteriormente trabajamos con leyendas y el carnaval. Queremos que cada vez se incorpore más el arte escultórico y que acompañe también a lo que son los murales”, acotó el artista. 

Por su parte, Daniela Almeida contó que en este homenaje al trabajador municipal, “pensaba hacer algo más desde el símbolo que ir a una figuración más descriptiva, más naturalista”, contó en una pausa por los primeros pasos de su obra realizada bajo la técnica de cemento directo. 

“Hice dos manos con mucha síntesis, que es una mano femenina y una masculina, las manos del trabajo, como la unión del trabajo. Y arriba de las manos va a salir un pájaro de metal, que también es un poco la inspiración creativa para el trabajo”, detalló. 

Por su parte, Gisella García llegó por segunda vez desde Uruguay para participar de este encuentro de escultores. Mientras trabaja sobre mármol, destacó que “es muy lindo reencontrarme con otros colegas, además de crear algo para la ciudad, la parte cultural es muy importante y estoy muy contenta con la temática elegida”, expresó. 

Una imponente escultura de Fernando Botero puede verse en Pilar

Fuente: El Diario de Pilar – «El hombre que camina», de 3,50 metros de altura, fue adquirida por Pilar Golf. Hoy se exhibe en los jardines del Hotel Hilton y está valuada en 4 millones de dólares.

“EL HOMBRE QUE CAMINA”. La obra puede verse en el Hotel Hilton.Pilar a Diario.

El célebre artista colombiano Fernando Botero, conocido por sus esculturas de voluminosas figuras humanas, murió este viernes a los 91 años en su residencia del principado de Mónaco. Lee además

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Nacido el 19 de abril de 1932 en la ciudad de Medellín, Botero fue el creador de la corriente artística conocida como “boterismo” caracterizada por personajes voluminosos que lo hicieron reconocido en todo el mundo, en donde buscaba resaltar “la sensualidad de las formas”.

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Son muy pocas las obras del artista que en nuestro país se pueden apreciar en forma gratuita y una de ellas está en Pilar. El galerista argentino Daniel Mamam manejó durante 11 años la obra del artista colombiano, con quien además tenía una profunda amistad.

En 2017, Mamam vendió al country Pilar Golf en 1.300.00 dólares la obra “El hombre que camina”, una imponente escultura de 3,50 metros, que hoy se exhibe en el Hotel Hilton de nuestra ciudad, en el kilómetro 60 de la autovía Pilar Pergamino, entrada al Parque Industrial. Su precio, según el galerista, ascendió a más de 4 millones de la moneda estadounidense. La escultura se encuentra en el parque, a unos metros de la pileta principal del hotel, al costado del campo de golf y muestra una figura masculina, parada sobre una mujer que se encuentra tendida, en una típica crítica social que atravesó la obra del artista.

Existen otras dos obras de Botero que pueden verse de manera gratuita. Una de las primeras que se instaló en la Argentina fue “Torso masculino desnudo”, de estilo neorrenacentista contemporáneo, realizada en bronce y emplazada sobre una base de mampostería.

La escultura está ubicada en el Parque Thays, en el barrio porteño de Recoleta, y sus dimensiones son 3,90 metros de alto por 2,49 de ancho y 1,65 de profundidad.

Inaugurada el 24 de mayo de 1994, se trata de un gran torso masculino tomado desde la zona media de las piernas hasta el cuello.

En tanto, la otra obra del prestigioso y reconocido artista colombiano en el país está ubicada en la ciudad bonaerense de Mar del Plata: allí se encuentra montada “La dama reclinada”. La ubicación exacta es el Paseo Aldrey y fue donada por el multimedios local La Capital a la Municipalidad de General Pueyrredón.

La voluptuosa mujer representada por Botero está recostada en el predio de la ex Terminal de Ómnibus de Mar del Plata y se ha convertido en uno de los nuevos atractivos turísticos de la ciudad balnearia, además del afamado Monumento al Lobo Marino.

Las tres esculturas de Fernando Botero pueden ser visitadas por el público de manera gratuita, para seguir admirando y maravillándose con el estilo particular del colombiano, quien falleció este viernes como consecuencia de una neumonía.

El mundo despide a Botero, un maestro que dejó su inconfundible huella

Fuente: La Nación – Desde presidentes y artistas hasta museos e instituciones compartieron un mensaje para reconocer la trayectoria del colombiano y homenajearlo en la hora del adiós

Tras la muerte de Fernando Botero, a los 91 años, considerado el artista colombiano más grande de todos los tiempos, instituciones culturales y destacadas personalidades de la política expresaron sus condolencias y admiración en las redes sociales.

El presidente de Colombia Gustavo Petro escribió en X: “Ha muerto Fernando Botero, el pintor de nuestras tradiciones y defectos, el pintor de nuestras virtudes. El pintor de nuestra violencia y de la paz. De la paloma mil veces desechada y mil veces puesta en su trono”. También expresó sus condolencias el expresidente Juan Manuel Santos: “Siempre generoso con su país, un gran amigo, y apasionado constructor de paz”. El alcalde de Medellín, Daniel Quintero, decretó días de luto para rendirle homenaje al artista.

En el sector de la cultura, el Museo de Arte Moderno de Bogotá-MAMBO, que cuenta con varias obras del artista y albergó a lo largo de su historia exhibiciones que contaron con su participación, lamentó “profundamente su partida”. También lo despidió el Museo de Antioquia: “Nuestro gran mecenas, un artista extraordinario que aportó una mirada propia al arte contemporáneo. Su nombre se ganó un lugar en la historia del arte nacional e internacional gracias a esa manera única de ver el mundo”. Por su parte, los cantantes colombianos Juanes, Carlos Vives, Maluma y J Balvin recordaron a Botero a través de las redes sociales.

Buenos Aires también hizo eco de su partida. Su presencia en la ciudad está marcada por el Torso masculino desnudo, que donó en 1994, ubicado en Libertador al 2000, y el óleo El viudo, exhibido en el Malba. El Museo Bellas Artes recordó las tres muestras que el artista presentó en sus salas: en 1994, Botero en Buenos Aires, en 2006 El dolor de Colombia en los ojos de Botero y en 2013, Botero, dibujos en tela y en papel. También el Malba compartió unas palabras como despedida al artista: “La producción de Botero ha sido ampliamente mirada a la luz de sus contemporáneos literatos del boom latinoamericano encabezado por Gabriel García Márquez, con quienes comparte la ironía frente a la idiosincrasia de los países latinoamericanos, la violencia como elemento de la cotidianidad y la religión como arraigo de una sociedad mojigata y machista”. Eduardo Costantini, fundador del Malba recientemente declarado Personalidad Destacada de la Cultura por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires, también dio un pésame al artista colombiano en Instagram.

Por otro lado, Nicolás Maduro desde la cumbre G77+China, expresó en X sus condolencias por la muerte de Botero. “Su legado perdurará en cada trazo, en cada volumen, en cada obra que creó. Su creatividad y talento han dejado una huella imborrable en la historia del arte. ¡Descanse en paz, maestro Botero!”.

El entierro

Mi papá quería que sus restos permanecieran en Pietrasanta”, dijo Lina Botero a Radio Blu de Colombia. “Ese lugar que fue tan importante, tanto para él como para Sophia [Vari] y la familia entera. Es un lugar donde él mantuvo una casa y trabajó más de 40 años de su vida y allí eventualmente van a quedar sus restos junto con los de Sofía”. Además, dijo que las únicas palabras de la lápida serán: “Fernando Botero, pintor y escultor” .

Durante el diálogo, Lina Botero relató que su padre pintó hasta sus últimos días y que la muerte de su mujer, la artista griega Sophia Vari, en mayo de este año había sido un golpe muy duro para él.

Casa Heredia: inauguran una residencia para artistas y profesionales del arte

Fuente: Clarín – Pertenecía al escultor Alberto Heredia, que la legó al Moderno tras su muerte.Se abrió así el primer espacio de este tipo para una institución pública en el país.

“Por acá rondará el fantasma de Alberto Heredia”, afirmó el ministro de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, Enrique Avogadro. El funcionario acababa de inaugurar la Casa Alberto Heredia. Residencia de artistas, un espacio restaurado por el Museo de Arte Moderno con fondos privados, a ocho cuadras de su sede en la avenida San Juan, donde hasta el año 2000 vivió el artista y que a su muerte la legó al museo.

El departamento en la avenida Caseros, entre Tacuarí y Piedras, formó parte del acervo que Heredia le dejó al museo cuando falleció. El lote incluía también 517 obras, su archivo, su biblioteca y obras de su colección personal. La relación entre el artista y el museo había comenzado en 1960, cuando sus obras fueron adquiridas por el Moderno y comenzaron a formar parte de las exhibiciones.

Pero fue el estrecho vínculo con la ex directora del Moderno, entre 1997 y 2013, Laura Buccellato, la que terminó de darle forma a la donación. Buccellato era amiga de Heredia, impulsó su carrera, compró sus obras y empujó a otros a también hacerlo.

En 1998 fue curadora de la retrospectiva que exhibió el museo. “Esto es un sueño cumplido para Heredia. Fue su idea donar la casa para que sirva para otros artistas”, contó Buccellato durante la inauguración del restaurado departamento.

Buccellato reconoció que el diseño moderno y funcional al trabajo de los residentes dista de la lógica de acumulación que tenía Heredia en su casa. “Pero le hubiera encantado el espíritu porque él siempre iba a muestras de jóvenes”, sostuvo. “Él no tuvo hijos y decidió que su familia fuera la del arte y sus hermanos los artistas”, agregó.

Heredia es uno de los exponentes más importantes de la escultura en Argentina. Fue contemporáneo a las prácticas que proponían ampliar los límites del arte alejándose de la belleza armónica, apelando a materiales descartables y a los gestos del horror y la violencia con un toque de ironía y humor.El escultor Alberto Heredia (1924-2000). Foto: Museo ModernoEl escultor Alberto Heredia (1924-2000). Foto: Museo Moderno

El espíritu del departamento se mantuvo con la conservación de las molduras de las paredes, las aberturas, los pisos, los azulejos y la pileta de la cocina, así como la herrería del pasillo que la casa tenía originalmente. El mobiliario moderno, en contraste con estos elementos de época, busca generar un diálogo entre el pasado y el presente.

“Estamos aquí por el enorme gesto de Alberto Heredia y su estrecha relación con Laura Buccellato”, sostuvo la directora del museo, Victoria Noorthoorn, durante la inauguración. La curadora precisó que el legado que les dejó el artista fue el más grande que se haya hecho en materia de arte moderno.Heredia falleció en el 2000, pero el pase de la vivienda a manos del museo tardó casi dos décadas. Foto: Luciano ThiebergerHeredia falleció en el 2000, pero el pase de la vivienda a manos del museo tardó casi dos décadas. Foto: Luciano Thieberger

Heredia falleció en el 2000, pero el pase de la vivienda a manos del museo tardó casi dos décadas. Se requirió un trabajo minucioso de la Procuración General de la Ciudad de Buenos Aires para que el museo pueda tomar posesión de la vivienda en 2022.

Una vez dentro, el estudio Azcuy tardó un año en revivirla ante la precariedad de la infraestructura y las limitaciones para trabajar en un edificio de 100 años donde llevan su vida cotidiana vecinos muy alejados del mundo artístico.Los trabajos de recuperación incluyeron la renovación del sistema eléctrico y sanitario y la incorporación de ventilación para aire acondicionado. Foto: Luciano ThiebergerLos trabajos de recuperación incluyeron la renovación del sistema eléctrico y sanitario y la incorporación de ventilación para aire acondicionado. Foto: Luciano Thieberger

“Él creyó que la vida puede expresarse a través del arte y tuvo el valor para expresarse a través del horror”, destacó Noorthoorn, así como su “búsqueda para alejar al espectador de la superficialidad”.

Los trabajos de recuperación incluyeron la renovación del sistema eléctrico y sanitario y la incorporación de ventilación para aire acondicionado. Se crearon baños donde antes no existían: se tiraron paredes para lograr espacios amplios y compartidos, como el living y comedor que servirá también para que los residentes puedan hacer presentaciones de su trabajo allí.La Casa Alberto Heredia fue pensada para alojar a dos profesionales por vez. Foto: Luciano ThiebergerLa Casa Alberto Heredia fue pensada para alojar a dos profesionales por vez. Foto: Luciano Thieberger

La Casa Alberto Heredia fue pensada para alojar a dos profesionales por vez. Cuenta con dos habitaciones con baño privado, amplio espacio social, cocina-comedor y taller de trabajo.

En las habitaciones y en el taller Cattarossi apeló a paletas neutras, en tanto que en la gran cocina-comedor se mantuvo el verde original de los azulejos y se potenció agregando azul en los muebles y rojo en las banquetas con el propósito de lograr un lugar alegre y convocante. En el centro, una mesa para invitar al encuentro y el intercambio.Todas las instalaciones fueron restauradas. Foto: Luciano ThiebergerTodas las instalaciones fueron restauradas. Foto: Luciano Thieberger

La segunda premisa de la diseñadora fue incorporar diseño argentino con el objetivo de que los residentes, especialmente los que provengan del extranjero, conozcan las tendencias locales.

El Museo de Arte Moderno será la primera institución pública del país en ofrecer residencias a artistas, curadores y profesionales del mundo del arte gracias al financiamiento del centro de creación contemporánea ArtHaus.

Los beneficiarios recibirán tiempo y espacio para ejecutar sus proyectos. Aunque aún resta definir cómo se seleccionarán los participantes y cuando comenzará a funcionar, se estima que para 2024 ya este en plena actividad.Enrique Avogadro junto a Victoria Noorthoorn. Foto: Luciano ThiebergerEnrique Avogadro junto a Victoria Noorthoorn. Foto: Luciano Thieberger

El programa de la Casa Alberto Heredia ofrecerá residencias de producción e investigación para artistas de distintas regiones del país; residencias de formación e intercambio profesional para profesionales de las artes visuales de otras regiones del país que se integrarán al trabajo diario del Museo Moderno; residencias para artistas e investigadores invitados a desarrollar un proyecto de mediación comunitaria; residencias de investigación para curadores de otras regiones del país.

A su vez, la Casa Alberto Heredia alojará un programa de intercambio con organizaciones internacionales interesadas en impulsar el diálogo intercultural, que incluirá la visita de artistas, curadores y otros expertos del campo de las artes visuales y afines.

El David iluminado: cambios en la exhibición, a 150 años desde su llegada a la Academia de Florencia

Fuente: iProfesional – La majestuosa escultura de Miguel Ángel estrena iluminación para celebrar que desde hace un siglo y medio se exhibe en la galería italiana

Una nueva iluminación, más luz natural para “apreciar los detalles” de una “escultura admirable” en los diferentes momentos del día, es el regalo que la Galería de la Academia de Florencia ha hecho al David de Miguel Ángel para celebrar este martes los 150 años desde que la obra de arte se expone en sus instalaciones.

La imponente escultura llegó a este pequeño edificio ubicado en 1872, con la intención de protegerlo del deterioro que sufría en su anterior ubicación, en Piazza della Signoria, y rodearlo de otras obras del gran artista del Renacimiento. “El desplazamiento, impensable en nuestros tiempos, duró siete días, del 30 de julio al 8 agosto de 1873 y, debido al gran calor, tuvo lugar principalmente durante las primeras horas del mañana, de 4 a 11 de la mañana”, recordó en un comunicado la Galería. La necesidad de proteger al David de las inclemencias meteorológicas venía discutiéndose desde años atrás.

Ya en 1482, el escultor Lorenzo Bartolini fue el primero, según la entidad cultural, en presentar un proyecto para trasladar el David, señalando que “la magnífica estatua” se estaba “deteriorando con el tiempo, y su deseo era poder preservarlo”. Luego, en la segunda mitad del siglo XIX, en 1866, una comisión de artistas, científicos y técnicos, presididos por Luigi Menabrea y Emilio Santarelli, evaluaron la urgencia y la inminente necesidad de sacarlo de la plaza, indicó la entidad.

La majestuosa escultura de Miguel Ángel estrena iluminación para celebrar que desde hace un siglo y medio se exhibe en la galería italiana (Foto: EFE / Guido Cozzi / Galería de la Academia de Florencia)La majestuosa escultura de Miguel Ángel estrena iluminación para celebrar que desde hace un siglo y medio se exhibe en la galería italiana (Foto: EFE / Guido Cozzi / Galería de la Academia de Florencia)

Las autoridades culturales de la época, siguiendo la sugerencia de Emilio De Fabris, uno de los arquitectos florentinos más autorizados, decidieron entonces construir un nuevo espacio museístico “que pudiera albergarlo dignamente”. Tras un año de trabajo, el traslado se completó tal día como hoy hace 150 años y en el diario de operaciones se dejó escrita una nota final: “Viernes 8 de agosto. Trasladado y montado en la base, donde permanecerá el tiempo que los dioses quieran”.

Para mejorar su lucimiento, De Fabris diseñó “una verdadera tribuna en honor del artista supremo, un templo secular cubierto por una bóveda de cristal que garantizaría la iluminación más natural posible”. Ahora, esa tribuna mejorará la experiencia al visitante con nuevo sistema de iluminación led y un tragaluz “más seguro y limpio”, en el que “la luz natural se filtra excelentemente, iluminando el David, permitiendo que todos sus detalles sean captados aún más claramente y dotándola de un ambiente más sugerente, que cambia en los diferentes momentos del día”.

El David fue esculpido entre 1501 y 1504 años por un joven Miguel Ángel que ni siquiera había cumplido 30 para decorar la catedral de Santa María del Fiore de Florencia. Cada año, casi 2 millones de personas acuden a la Galería de la Academia para verlo. “Es nuestro hombre de marketing. Yo no tengo a apenas nadie que trabaje en marketing para este museo, incluso para comunicación estamos muy mal, pero él es un portento”, aseguró hace unos meses su directora, Cecilie Hollberg.

Casa Museo Fabriciano, una memoria viviente del gran escultor chaqueño

Fuente: Infobae – El espacio de Chaco reúne objetos cotidianos, esculturas, premios y distinciones del fundador de la Bienal de Esculturas, uno de los eventos artísticos más importantes de la región

Resistencia, la capital del Chaco, es conocida por ser un museo a cielo abierto con más de 660 esculturas emplazadas en su espacio público y sede hace 17 años de la Bienal de Esculturas, uno de los eventos artísticos más importantes de la región, creado por el artista Fabriciano Gómez (1944-2021), cuya casa acaba de abrir sus puertas al público para propiciar un viaje a la memoria personal del escultor chaqueño.

Hace unas semanas, con motivo del aniversario del nacimiento del alma mater de la Bienal de Esculturas, se habilitaron las visitas a la Casa Museo Fabriciano, un pasaje a la vida artística y personal del escultor en la que se conjugan, con igual peso, objetos cotidianos, esculturas, premios y distinciones que ordenan la casa familiar bajo el nombre de las personas que determinaron su vida.

La inminencia de la casa de Julio A Roca al 1.700 es anticipada por esculturas de su autoría, emplazadas en el espacio público de Villa Seitor, el barrio de Resistencia donde vivió hasta sus últimos días. Este corredor de 24 esculturas en madera, metal, piedra y mármol, dispuestos en 200 metros a la redonda de la Casa Museo fue sugerencia de su amigo y colaborador, el arquitecto Pradial Gutiérrez.

La Casa Museo abrió sus puertas al público el día de su cumpleaños, en el aniversario número 79 del artista, nacido el 27 de junio de 1944. Este espacio, incluido en el Registro Provincial de Museos del Chaco, fue pensado y diseñado por el propio Fabriciano,”a los 65 años, cuando tomé conciencia de todo lo que cumplí en vida”, dice su voz desde el vídeo biográfico que puede verse en la web de la Fundación Fabriciano.

El museo contiene 24 esculturas en madera, metal, piedra y mármol, dispuestos en 200 metros a la redonda El museo contiene 24 esculturas en madera, metal, piedra y mármol, dispuestos en 200 metros a la redonda

El artista es el alma mater de la Bienal de Escultura del Chaco, el evento internacional donde cada dos años una decena de prestigiosos escultores de distintos países se reúnen a esculpir al aire libre y ante la vista del público. Considerada una de las tres mejores bienales del mundo en su característica de competencia a cielo abierto, la de Chaco es única ya que las esculturas realizadas tienen por destino el espacio público de la ciudad, que ya supera las 660 piezas.

La puerta de entrada a la casa familiar que lleva el nombre del artista es una obra de arte, “Puertas del paraíso”, una representación de la familia en madera y bronce, donde el Sol son sus padres, las figuras humanas sus hijos, y los ángeles los espectadores, los mismos que visitarán esta casa museo.

La primera sala se llama Efraín Boglietti, amigo incondicional de Fabriciano, a quién adoptó como un segundo padre. Boglietti no sólo fue una figura central en la vida del escultor, sino que también fue un importante gestor cultural chaqueño, hermano de Aldo, con quien inició el espacio “El fogón de los Arrieros” y el emplazamiento de las 100 primeras esculturas de Resistencia.

En esta sala, el espectador comienza a percibir las capas de la memoria de Fabriciano, que se desplegarán por todo el espacio de la casa familiar: una pared principal imponente de dibujos y bocetos, que van desde sus inicios en 1970 hasta piezas de 2008; las valijas familiares que lo acompañaron en sus viajes por el mundo y esculturas como “Argentina hoy”, un mármol travertino del 2000; “Pareja”, un mármol de Carrara de 1985 con la distintiva síntesis de la figura humana de Fabriciano y “Familia peregrina”, una pieza en madera del año 2000, que sintetizan los tres materiales que atraviesan la trayectoria escultórica del artista.

El espacio se completa con cientos de placas que hablan de los premios y reconocimientos a la trayectoria artística del artista como el Gran Premio de Honor del Salón Nacional en 1977 -que lo obtuvo a los 33 años y cuya obra forma parte del Patrimonio de la Nación-, o su participación en la Bienal de Venecia en 1980, a los 36 años.

En su puesta al público, este lugar es una muestra museológica tradicional, con la exposición de esculturas, bocetos de obras, dibujos, fotos familiares y de viajes, premios, distinciones, herramientas para esculpir y todo el mobiliario y los objetos que hacen a la vida de una persona.

La presencia del escultor no se agota en cada objeto expuesto: sus restos descansan en una urna en su cama, junto a los de su perra Macarena, incansable compañera. En el espacio íntimo de su habitación, que primero fue de su madre, se encuentra una obra no menos personal: un altar de las estampitas y santos de doña Dorita, mixturados con objetos simbólicos del universo espiritual de Fabriciano.

La sala Mimo Eidman, amiga, discípula y una de las fundadoras de la Fundación Urunday, está ubicada frente a la de Efraín y allí se exponen bocetos de obras en hielo y nieve, de los concursos alrededor del mundo en los que Fabriciano participó solo o comandando equipos.

 “Desocupados orando”, donde hay una veintena de torsos humanos sentados alrededor de un círculo de mármol fruncido “Desocupados orando”, donde hay una veintena de torsos humanos sentados alrededor de un círculo de mármol fruncido

Aquí también están exhibidos sus trajes de trabajo y parte de las herramientas que él mismo creó para esculpir el frío y un inmenso ploteo que recoge todos los pósters de las Bienales de Esculturas del Chaco, del primer concurso en madera en 1988 a la bienal de 2008, que fue la última que vivió Fabriciano.

La vida de Fabriciano estuvo signada por el calor agobiante del terruño chaqueño y la pasión por la efímera y gélida nieve, que en la década del 90 lo convirtió en uno de los artistas argentinos precursores en trabajar con esta materia.

El puente a la sala más íntima es el pasillo Julián Astolfoni, en honor a su amigo y primer mecenas, donde hay una selección de artículos periodísticos enmarcados que intentan capturar su vasta trayectoria.

El corazón de la casa es el comedor y la cocina, dedicados a sus padres Emelino y Dorita, con una gran mesa central donde están las réplicas de “San Fernando” e “Inmaculada”, dos obras monumentales emplazadas en el frente de la Catedral de Resistencia y que forman parte del Patrimonio de la Nación desde 2022.

Mirando al patio, está el escritorio de trabajo del escultor, tal cual lo dejó, con herramientas, lápices, papeles, moldes y bocetos de las más de 400 obras que pensó para financiar este espacio cultural.

La Casa Museo Fabriciano ofrece al público réplicas de esculturas en madera en pequeño formato, que se pueden adquirir por menos de $100.000 La Casa Museo Fabriciano ofrece al público réplicas de esculturas en madera en pequeño formato, que se pueden adquirir por menos de $100.000

La Casa Museo Fabriciano ofrece al público réplicas de esculturas en madera en pequeño formato, que se pueden adquirir por menos de $100.000 y se realizan a pedido.

En la sala Emelino y Dorita hay un homenaje especial a su madre, a quien Fabriciano reconocía como “la culpable de que él sea artista”, como solía decir. Lo cierto es que la visión de esta mujer fue la que la llevó a pedirle en 1964 que vuelva al Chaco, engañándolo con que estaba mal de salud, pero con la razón oculta de que retome sus estudios en Bellas Artes.

El final del recorrido es el patio, dedicado al paisajista Pradial Gutiérrez: la pieza central de este espacio es una escultura en mármol negro de Bélgica, dispuesta sobre un estanque, y que formó parte del pabellón argentino en la Bienal de Venecia.

Otras piezas exquisitas de este lugar son “Caídos por vivir en sueños compartidos”, una escultura en concreto y bronce de 2007 o la instalación “Desocupados orando”, donde hay una veintena de torsos humanos sentados alrededor de un círculo de mármol fruncido.

La sensación a lo largo de la visita es la de haber entrado por una hora a la memoria volumétrica del escultor chaqueño, ese espacio íntimo y a la vez colectivo en el que imaginó capturar “la luz y la magia de Resistencia”, su gran obra a cielo abierto.

Fuente: Télam