Fuente: Buenos Aires – Los vecinos podrán conocer el trabajo de los restauradores, presenciar espectáculos musicales en vivo, realizarse fotos temáticas, disfrutar de puestos de comida gourmet y mucho más.
Este sábado en el barrio de Palermo, el taller de Monumentos y Obras de Arte (MOA) abrirá sus puertas para que los vecinos puedan conocer en detalle los trabajos de restauración que se realizan en la Ciudad. Con entrada libre y gratuita, el evento se suspende por lluvia.
En conmemoración del Día Internacional de los Monumentos y Sitios Históricos que se celebra el 18 de abril, el Ministerio de Espacio Público e Higiene Urbana realizará este sábado 20 de abril de 19 a 23 horas el evento “Estatuas Bajo las Estrellas” edición 2024.
“Invitamos a los vecinos a participar de la tercera edición de este evento cultural que cada vez reúne a más personas interesadas en conocer cómo mantenemos y conservamos nuestro patrimonio artístico. Desde las 19 horas en adelante podrán recorrer el Patio de Esculturas, sus talleres, hablar con los restauradores, escuchar buena música y disfrutar de propuestas gastronómicas de la mano de las ferias de la Ciudad. Será una noche muy especial de encuentro en el espacio público”, expresó Ignacio Baistrocchi, ministro de la cartera.
Además, habrá performances de estatuas vivientes y espectáculos de música en vivo en dos escenarios distintos.
Las presentaciones musicales incluyen jazz, rock y funky. Django Sessions se presenta a las 19:00; Willie Roots y Lucho Pellegrini a las 20:00; Todo Aparenta Normal a las 21:00; mientras que el cierre estará a cargo de la Débora Dixon Band a las 22:00 horas.
Sobre el MOA (Monumentos y Obras de Arte de la Ciudad)
El MOA -también conocido como “el Hospital de las Estatuas”- es el taller más importante de la Ciudad, que se encarga de preservar y restaurar esculturas centenarias que se encuentran deterioradas; ya sea por el paso del tiempo o por vandalismo.
En la Ciudad de Buenos Aires hay más de dos mil monumentos entre estatuas, bustos, placas, mástiles, fuentes y monolitos. Para realizar los trabajos, se trasladan las piezas deterioradas hasta los talleres del MOA; las más pequeñas, como los bustos, frisos o jarrones, son tratadas dentro de los talleres, pero otras, de mayores dimensiones, son restauradas al aire libre. Algunos monumentos, debido a su gran tamaño, no pueden ser trasladados y son tratados en el lugar donde están emplazados. Cuando se trata de obras de gran valor cultural, éstas son reemplazadas por réplicas mientras que las originales son conservadas en el Patio de Esculturas del MOA, generando así una suerte de “museo a cielo abierto”.
Sobre El Tambito
El Ministerio de Espacio Público e Higiene Urbana finalizó en 2023 la restauración integral del exterior e interior de El Tambito. El objetivo del proyecto fue, por un lado, conservar el patrimonio y la identidad del edificio y por el otro, recuperar el material original de la fachada.
Ubicado dentro del Parque 3 de febrero, El Tambito es el único edificio del circuito tanguero de Buenos Aires que queda en pie, con más de 140 años de antigüedad. Originalmente se usaba, durante el día, para vender leche a quienes paseaban por la zona. De noche, se bailaba tango o se escuchaba tocar orquestas. Cambió de nombre varias veces pero fue bautizado como «El Tambito» haciendo alusión a su uso original.
Fuente: Cadena3 – Cadena 3 habló con Camila Gómez Parodi, nieta de Sonia y actual titular de Abuelas en Córdoba.
Una escultura en honor a la histórica presidenta de Abuelas en Córdoba, Sonia Torres, fue inaugurada este martes en la Plaza de la Merced, frente a la casa de la organización.
Cuando Sonia falleció, en octubre del año pasado a sus 94 años y sin poder haber conocido a su nieto, el gobernador en aquel momento, Juan Schiaretti, había prometido realizar este homenaje y envió un proyecto a la Legislatura de Córdoba para llevar adelante esta iniciativa, que luego fue aprobado.
Torres se convirtió en símbolo de la lucha por los derechos humanos, con esperanza hasta el final de sus días.
La obra fue realizada por Trinidad Caminos, la escultora cordobesa reconocida local e internacionalmente por la sensibilidad de su obra.
La escultura recrea a Sonia Torres a escala real, sentada con sus piernas cruzadas en un banco frente a la sede de Abuelas.
El acto que se llevó a cabo desde las seis de la tarde contó con la presencia del actual gobernador Martín Llaryora, Camila Gómez Parodi, nieta de Sonia y actual titular de Abuelas en Córdoba, y el mismo Schiaretti.
En referencia a Sonia Torres y los desaparecidos durante la dictadura militar argentina, Llaryora expresó a Cadena 3: «Frente a las historias y a la historia de vida de personajes como Sonia Torres, las palabras siempre quedan chicas… Creo que lo importante es reivindicar la vida de los 30.000 desaparecidos».
Schiaretti también tuvo palabras para Torres: «Merecido homenaje a Sonia Torres porque ella es un símbolo de defensa del derecho humano. Una persona que junto con su familia sufrió los horrores de la dictadura genocida… Por eso merecido homenaje a Sonia Torres».
Además, en dialogo con Cadena 3, Camila Gómez Parodi, nieta de Sonia dijo que en la familia estaban “muy emocionados. Nos empieza acompañar desde acá sentada mi abuela, esta abuela que me tocó compartir con todos los cordobeses”.
“No sé si le hubiese gustado este reconocimiento, era muy humilde, pero se lo merece. Con la familia dijimos que si porque lo vemos como un símbolo de memoria”, agregó.
La obra fue establecida por la ley 10.925 en reconocimiento por su ejemplar lucha en defensa de los derechos humanos.
Fuente: El Patagónico – Tiene tres metros de altura, fue diseñada por el escultor Alberto Rojas y ya se exhibe en el hall de la planta alta del Centro Municipal de Cultura de Caleta Olivia, restando solo colocarle una capa de resina de color verde, similar al de los uniformes militares que utilizaron los soldados que combatieron en las Islas Malvinas hace 42 años.
Esta imponente escultura, con armazón de hierro recubierto con fibra de vidrio y por ahora con una imprimación de pintura gris, se elevará a cinco metros con un pedestal y conformará el principal monumento del Paseo de la Memoria a crearse frente al Centro Cultural, ubicado en la avenida Alem.
El proyecto del sitio público es responsabilidad del arquitecto Oscar Gazola y tendrá senderos de interpretación en los que se recrearán algunos escenarios de Malvinas alusivos al conflicto bélico de 1982.
Su inauguración está prevista para el 10 de Junio, fecha en que se conmemora el Día de la Afirmación de los Derechos Argentinos sobre las Malvinas, Georgias del Sur, Sándwich del Sur y Sector Antártico.
Vale señalar que el diseño del Paseo fue compatibilizado con la Agrupación de Veteranos de Guerra que preside Luis Masa y fue oficialmente anunciado el martes de esta semana, cuando se conmemoró el nuevo aniversario de la Gesta de Malvinas.
Fuente: Clarín – Cuando Richard Serra murió el martes, retrocedí casi 30 años, a una mañana en el Museo Metropolitano de Arte, mirando con él y su esposa, la historiadora de arte alemana Clara Weyergraf, la pintura de salpicaduras y goteos de Jackson Pollock de 1950, “Otoño Ritmo.»
Habíamos decidido encontrarnos tan pronto como abriera el museo, cuando la galería, en el otro extremo del Met, todavía estaría vacía.
Al contemplar la pintura, Serra tenía el aire de un león enjaulado, caminando de un lado a otro, alejándose para verlo completo y luego regresando para inspeccionar algunos detalles.
«Evaluamos a los artistas en función de su capacidad para deshacerse de las convenciones y cambiar la historia», dijo.
Ese fue el objetivo final de Serra: en su caso, empujar la escultura a un nuevo territorio.
¿Por qué más ser artista?
Así pensaba. Vieja escuela. Viejo Testamento. Arco inclinado» de Richard Serra en el bajo Manhattan el 6 de marzo de 1985. Serra era conocido como el Hombre de Acero. Pero el escultor era también un poeta eterno, que reconfiguraba nuestra percepción del espacio, dice Michael Kimmelman. (Richard Serra/Sociedad de Derechos de los Artistas (ARS), Nueva York; Neal Boenzi/The New York Times)
Para él el arte era todo o nada.
Por supuesto, no estaba solo en su pensamiento entre los artistas estadounidenses de su generación, descendientes del poder y la arrogancia estadounidenses de posguerra, de titanes como Pollock.
Dicho esto, no muchos artistas lograron lo que se propuso y en el proceso vieron cómo la percepción pública de su trabajo daba un giro de 180 grados.
Todas estas décadas después, una amplia franja del público sigue desconcertada y ocasionalmente irritada por Pollock, tal como no ocurrió con Serra durante años.
Tilted Arc, la gigantesca escultura de acero de Serra, todavía era una herida fresca cuando visitamos el Met.
Los funcionarios públicos la habían retirado de una plaza afuera de los juzgados en el bajo Manhattan en 1989.
Sus compañeros artistas se opusieron a la remoción, pero los trabajadores de oficina que almorzaban en la plaza imploraron al Ayuntamiento.
Lo vieron como una intrusión, un feo muro que dividía su precioso espacio abierto.
Serra todavía llevaba su furia como una insignia de honor.
«Creo que si se le pide al trabajo que sea complaciente, servil, útil, requerido, subordinado, entonces el artista está en problemas», dijo.
Habían pasado dos décadas y miles de sus admiradores llenaron un auditorio en Brasil.
Él y yo habíamos volado a Río para dar un discurso público.
El público había venido para escuchar el rugido del león.
Para entonces, él y su voz se habían suavizado.
Pero no su mensaje.
Comparó el arte con la ciencia.
No se hace avanzar la ciencia por consenso público, dijo.
Luego describió la vez que había arrojado plomo fundido contra la pared y la acera contigua de un museo en Suiza, un acto que horrorizó tanto a los tensos residentes suizos que la obra fue retirada después de sólo unas pocas horas.
Explicó que se estaba burlando de la sofocante santidad del museo, reclamando el costado del edificio como parte de su escultura y, al mismo tiempo, intercambiando materiales industriales como plomo, acero y caucho por las herramientas y convenciones tradicionales de su artesanía, como mármol, pedestales y arcilla.
Casi al mismo tiempo, levantó el borde de una lámina de caucho desechado recogido de un almacén en Manhattan, creando una especie de tienda de campaña, equilibrada:
una topografía que implica acción.
No estaba tratando de hacer algo que agradara a la multitud, que fuera familiar o hermoso, recordó.
No fue hermoso. Fue un experimento.
¿Fue arte?
Esa era la pregunta.
Fue la misma pregunta que planteó Pollock cuando pintó “Autumn Rhythm”.
Pollock también había acechado el lienzo mientras yacía en el suelo de su estudio en Long Island, Nueva York.
Recorrió sus bordes con palos, goteando y echando pintura con cucharones.
Las líneas de la imagen registraron su coreografía.
“Autumn Rhythm” era una abstracción pura, sin profundidad, que se describía sólo a sí misma, no una imagen de nada más:
un campo flotante de tracería salvaje y exquisita que los espectadores tendrían que navegar y descifrar por sí mismos.
Ni siquiera Pollock estaba seguro de lo que significaba.
Pollock «tenía que tener una fe notable en que el proceso conduciría a declaraciones plenamente realizadas», dijo Serra.
«Después de todo, él no sabía dónde terminaría cuando empezó».
Carrera
Serra había comenzado su meteórica carrera como una presencia volcánica en la escena artística del centro de Nueva York de la década de 1960, que hoy tiene el olor agridulce de una Polaroid descolorida.
Era una versión de adoquines y hierro fundido de la Rusia de la década de 1910, impulsada por el ego y la revolución.
Serra ocupó un loft con la escultora Nancy Graves, sin agua corriente, que costaba unos 75 dólares al mes, y cayó en una comunidad de ingeniosos y rupturistas, compositores, bailarines, escritores, cineastas, músicos y otros artistas, entre ellos Trisha Brown, Joan Jonas, Steve Reich, Philip Glass, Spalding Grey, Michael Snow, Chuck Close, Robert Smithson y Michael Heizer.
La lista continúa.
Alquiler barato, inmuebles disponibles e inquietudes.
El cóctel de creatividad urbana y cambio.
“Había un claro entendimiento entre nosotros de que teníamos que redefinir cualquier actividad que estuviéramos haciendo”, así describió Serra la escena a la multitud en Río.
Para entonces, un público mundial había llegado a adorar sus laberintos elípticos de acero Cor-Ten retorcido, la culminación de sus actividades escultóricas.
Eran aventuras democráticas, dependiendo de lo que les aportabas.
Un cineasta me dijo una vez que caminar a través de ellos le recordaba una película en desarrollo, con giros y vueltas que conducen a un final sorpresa.
Un escritor sobre el Holocausto comparó una vez sus altos muros con bolígrafos.
Siempre los encontré muy divertidos.
Concentran la mente, provocando miedo y anticipación, cambiando centímetro a centímetro, paso a paso.
Serra transforma mágicamente paredes dobladas e inclinadas de acero laminado en lo que casi puede parecerse a planos de cera derretida.
Los pasajes, como cuevas o cañones, estrechos e imponentes, de repente se abren a claros.
Hito
Cuando Serra recibió una retrospectiva en el Museo de Arte Moderno en 2007, una de las muestras más espectaculares del siglo actual, encontré un trío de bañistas semidesnudos recostados en el suelo dentro de Torqued Ellipse IV, que ocupaba una parte del jardín del museo.
Entonces, ¿qué cambió a lo largo de los años para atraer al público?
No estoy seguro de que fuera Serra, quien se mantuvo firme.
Hay una obra suya llamada 1-1-1-1, de 1969, que consta de tres placas basculantes de acero mantenidas erguidas por un poste que descansa sobre ellas, a su vez estabilizado por una cuarta placa que se balancea en su extremo.
Parece aterrador y precario, pero el acto de equilibrio también puede recordarte a Buster Keaton.
Solía describirse como obstinado y amenazador.
Pero no creo que Serra haya visto su trabajo así.
Después de la retrospectiva del MoMA, pasé una tarde de finales de verano en Italia observando a Serra acompañar paciente y silenciosamente a mi hijo mayor, que todavía estaba en la escuela primaria, por los antiguos templos de Paestum.
Serra habló, como a un adulto, sobre el hinchamiento de las columnas erosionadas, el peso de las piedras, la forma en que las piedras se equilibraban una encima de la otra y se sostenían unas a otras.
Para él, la escultura resumida en sus cualidades esenciales (masa, gravedad, peso, volumen) era nuestro lenguaje y legado compartidos, un poema eterno al que grandes artistas añaden sus contribuciones a lo largo de los siglos.
“No conozco a nadie desde Pollock que haya alterado la forma o el lenguaje de la pintura tanto como él”, me dijo en esa galería con “Autumn Rhythm”.
“¿Y eso fue hace cuánto, casi medio siglo?”
Es difícil pensar en artistas que hayan hecho más que Serra durante el último medio siglo para alterar la forma y el lenguaje de la escultura.
Fuente: Clarín – ¿Cómo vincular el archivo de un museo con los artistas y el público? ¿Cómo hacer del archivo un lugar de encuentro y relaciones entre el pasado y el presente? ¿De qué manera iluminar la memoria e historia de ese acervo para volverlo más accesible y dotarlo de nuevos movimientos desde la contemporaneidad? Dos exposiciones en el Museo Casa de Yrurtia se sumergen en el tema y ofrecen elaboradas y atractivas respuestas a estos y más interrogantes con vistas a hacer del archivo un centro vital.
Los Amantes es el resultado de un año de encuentros entre los artistas tucumanos Rosalba Mirabella y Rodro Cañás, quienes trabajaron alrededor de la idea de qué es el amor y cómo nos afecta, situándose entre medio de las cosas y los objetos. Un punto de partida por demás pertinente y atractivo al considerar que el Museo Yrurtia fue la casa del escultor, donde vivió con su primera esposa, la crítica de arte Gertrudis Radersma, y luego con su segunda esposa, la pintora Lía Correa Morales.Sin título. Rosalba Mirabella. Cemento y porcelana. 2023. Fotos: Pablo Masino / Casa Museo de Yrurtia.
El proceso de investigación y creación realizado por Mirabella y Cañás se condensa y despliega en un muy interesante libro-objeto de 160 páginas, el cual se puede ojear y leer. Allí ese desarrolla una ficción con la estética blanco y negro de las fotocopias, collages, pinturas, anotaciones, dibujos y fotografías. En otra mesa de una de las salas, una escultura de Mirabella en cemento y porcelana, característica de su poética, con el rostro de una mujer recostado sobre una piedra se entremezcla con las obras y objetos de la casa.
Mientras que en el jardín se extiende, entre la espesura de la arboleda, una pancarta de Cañás con la frase: Dicen que sólo los amantes saben de lo extraordinario y del horror de estar vivos. Así, de manera simbólica y material, el trabajo de los artistas, tomando el museo, su archivo y vivencias, discurre entre los ambientes, las cosas, la historia con una ficción que encuentra en ese contexto un escenario fantástico.Los amantes.el libro de Rosalba Mirabella y Rodro Cañás. Libro de artista. 2023. Fotos: Pablo Masino / Casa Museo de Yrurtia.
Toda esta propuesta de sitio específico es parte del programa Experiencias Federales propuesto por la institución para fomentar la cooperación y el intercambio con instituciones afines y artistas de diversas regiones del país. “Los Amantes nos permite aproximarnos a las colecciones y archivos del museo de la mano de lxs artistas, como una forma de repensar la categoría de lo contemporáneo en nuestras instituciones. Son ellxs quienes colaboran –de forma decisiva– en vislumbrar nuevas formas de habitar y experimentar la institución museo que repercuten, de forma virtuosa, en una mayor accesibilidad de nuestros patrimonios nacionales”, expresa Andrea Elías, directora del Museo Casa de Yrurtia, en el catálogo digital de la exposición.
Yrurtia había nacido en Buenos Aires en 1879. Sus obras son parte fundamental de la escultura pública y monumental del país. En 1942 se sancionó la ley 12824, por la cual se creó el Museo Casa de Yrurtia. El proyecto de ley fue presentado por Alfredo L. Palacios al Senado y se aprobó por unanimidad. La norma estableció que el escultor y su esposa Lía Correa Morales le transferían al Estado nacional su casa-taller (diseñada por Yrurtia a principios de la década de 1920 con estilo neocolonial de vertiente hispanoamericana), en el barrio porteño de Belgrano, con los muebles, las obras de arte y la biblioteca. Como director honorario, Yrurtia la organizó y dirigió hasta su muerte, en 1950.Contacto (Copia placa de vidrio) Fotografía analógica, 2023. Clara Tomasini – Pablo Ziccarello. Fotos: Pablo Masino / Casa Museo de Yrurtia.
En noviembre pasado se presentó el libro institucional digital del Museo, de 258 páginas y traducción al inglés. Es el segundo publicado en su historia –el anterior era de la década de 1960– y cuenta con textos institucionales y académicos, que abordan la historia de la casa museo, la figura de Yrurtia, la de Lía Correa Morales y Gertrudis Radersma. Un material exhaustivo que expande la historia del arte argentino.
Una imagen “resucitada”
La otra exposición actual también parte del archivo para establecer nuevas lecturas y dispositivos para difundirlo, a partir de la interacción de artistas, personal de la institución e investigadores. El espesor del archivo y la imagen como evento contó con la mirada del artista Pablo Ziccarello, quien se adentró en el archivo fotográfico de Yrurtia. El escultor recurría a la fotografía como parte del proceso creativo y es así como se conservan imágenes en diferentes soportes y formatos, las cuales registran sus trabajos en yeso en los talleres, los procesos de ensamblado de sus monumentos, escenas familiares y de la historia del museo y más.
Ziccarello encontró varias placas de vidrio que documentan el período de la estancia del escultor en París. Entre ellas advirtió una extraña placa que fue descartada (separada del archivo) por más de 100 años. La misma contenía algo llamativo: a la izquierda del negativo que documenta la escultura Impresión sobre la música de Wagner –realizada por Yrurtia en París a principios de siglo XX– se veía como una mancha amarillenta que parecía ser un accidente.
Como parte del proceso, Ziccarello invitó a Clara Tomasini –especialista en procesos fotográfico antiguos– para realizar un análisis químico de la placa de vidrio y determinar sus componentes. Tras la realización de copias de contacto se descubrió que esa mancha era el perfil de un joven Yrurtia mirando su propia obra. Esa imagen que surge un siglo después se exhibe en una de las salas, imponiéndose el impacto del rostro del artista con la fuerza y emotividad histórica de la célebre aura “benjaminiana”.
A su vez, Ziccarello convocó al artista y fotógrafo Esteban Pastorino a trabajar con las fotografías estereoscópicas del archivo. Pastorino eligió el retrato de Alfredo Palacios, que era el estudio previo para la realización de su busto, invirtiendo el proceso al partir de la escultura para llegar a la fotografía. Se sumó el compositor de música electroacústica Pablo Chimenti, cuyo trabajo se centra en la sonoridad de los materiales. Compuso una pieza de sonido para un cuarteto de placas de vidrio, que es el mismo material y soporte de las fotografías más antiguas que guarda el Archivo del Museo Casa de Yrurtia.
En esta exposición también una publicación digital corona el prolongado trabajo en detalle, a través de un esclarecedor texto de Ziccarello, quien comparte cada paso, hipótesis, hallazgos y el trabajo multidisciplinar, en una búsqueda donde se advierte la indagación de un archivo desde la singular mirada del artista buceando con compromiso y pasión en el trabajo de otro artista: Yrurtia.
Los Amantes / El espesor del archivo y la imagen como evento
Fuente: Infobae – La réplica de la icónica obra renacentista recién inaugurada en la capital del Chaco reúne en sí lo más clásico de nuestra cultura con las más modernas técnicas digitales aplicadas al arte. Una realización de vanguardia para una provincia que hace del arte “un bien de todos”.
Un gemelo del David de Miguel Ángel preside desde ahora el ingreso al predio de la Bienal Internacional de Esculturas del Chaco, el prestigioso y popular certamen que convoca a artistas de todo el mundo que, durante una semana, elaboran sus creaciones a la vista del público. Este año, la cita es del 13 al 20 de julio.
El calco exacto de la icónica escultura renacentista, inaugurado con pompa el 6 de marzo, Día del Escultor, une en sí lo más clásico de nuestra cultura occidental con las más modernas técnicas digitales aplicadas al arte.
Instalar en el espacio público una copia del David de Miguel Ángel fue el último sueño del escultor Fabriciano Gómez (1944-2022),alma máter de la Bienal, personalidad extraordinaria que ya forma parte del panteón de héroes de la provincia, pero que no llegó a ver la concreción de su sueño.
Fabriciano Gómez, el escultor chaqueño creador de la Bienal de Esculturas, en su taller. El artista falleció el 8 de septiembre de 2021, a los 77 años
El Museo de Calcos y Escultura comparada Ernesto de la Cárcova alberga la copia del David que le fue obsequiada a la Argentina en ocasión del Primer Centenario de la Revolución de Mayo. Fue a partir de esa réplica que se llevó a cabo el proyecto de la Fundación Urunday -organizadora de la Bienal- titulado “El David de Miguel Ángel en Chaco”, del que participó el mismo museo de la Cárcova, dependiente de la UNA (Universidad Nacional de Arte).
Lo que hizo posible este sueño fue la tecnología 3D que permitió realizar un molde del David de La Cárcova sin dañar la pieza.
Clásico y moderno, en el David del Chaco se combinan arte y tecnología: un “escaneado de alta precisión” para recrear esta copia impresionantemente fiel al original. El trabajo fue realizado por las artistas Gisela Kraisman y Denise Di Federico, con colaboración de otros artistas y con el soporte de la Facultad de Ingeniería de la Universidad Nacional del Nordeste en los cálculos necesarios para la estructura interna de la estatua y las pruebas de resistencia del material en su futuro emplazamiento.
Gisela Kraisman en plena tarea
En el molde así realizado se ubicó un esqueleto de metal y se procedió a colar “una aleación de materiales con carbonato de calcio y resinas navales de altísima resistencia que al unirse con otros elementos, y solidificarse, lograron la consistencia y resistencia de la piedra, pero mucho más liviana”, explicaron las artistas. Un material similar al que se usa en la construcción de los cascos de los barcos y por lo tanto muy resistente a las inclemencias del tiempo, lo que ha permitido instalar al David al aire libre, cerca de la orilla del Río Negro, en el parque 2 de Febrero de la capital chaqueña.
En el video que acompaña esta nota puede verse un resumen del proceso creativo y las técnicas usadas para dar vida a este David.
Junto con el descubrimiento de la escultura, tuvo lugar el lanzamiento de la próxima Bienal Internacional de Escultura -del 13 al 20 de julio– y la revelación de los nombres de los artistas seleccionados para participar del certamen a cielo abierto.
El emplazamiento del David, en el ingreso al predio de la Fundación Urunday, donde se realiza la Bienal
El acto convocado por el Comité Organizador de la Bienal del Chaco -integrado por la Fundación Urunday y el Gobierno del Chaco- fue transmitido en directo y contó con la presencia de autoridades provinciales, prensa nacional y mecenas y colaboradores del proyecto de instalación del calco del David de Miguel Ángel.
“Es curioso cómo a veces fechas y asuntos se sincronizan admirablemente y cómo se van sumando cuñas a una misma efeméride -dijo Josese Eidman, presidente del Fundación Urunday-. Hoy se conmemora el Día del Escultor, fecha que tiene peso en una ciudad cuyo patrimonio escultórico en el espacio público se aproxima a las 700 obras. Este día evoca el nacimiento de Miguel Ángel y hace un año anunciábamos la realización del calco del David. Y hoy, 6 de marzo, unimos a esta fecha el anuncio de la Bienal Internacional de Escultura 2024″.
Josese Eidman, el presidente de la Fundación Urunday, al hablar en el acto de inauguración del David del Chaco
“No dudamos de que el David dialogará con las 700 esculturas contemporáneas de Resistencia y que su presencia, mágica y apabullantemente clásica, hará a nuestro museo al aire libre, más completo, más único, más admirable”, agregó.
Toda la velada, durante la cual también habló el gobernador Leandro Zdero, estuvo signada por la emoción pero también por la melancolía debida a la ausencia-presencia del gran inspirador de la política cultural que convirtió a Resistencia en la capital de las esculturas y en faro cultural de la región, Fabriciano Gómez. El increíble caso de un escultor popular como una estrella de rock, una figura infaltable en las bienales, pero también un personaje familiar para todos en las calles de la capital chaqueña.
En el acto de inauguración del David y de lanzamiento de la Bienal, hubo arte, música y poesía.
El traslado de la pieza monumental, de Buenos Aires al Chaco (Télam S.E.)
“El David del símbolo es sólo un pastor, un guardián de ovejas / Pero el valor que habita su espíritu / No lo tiene ninguno de nosotros/ Cara a cara, en fatal duelo se enfrenta a un gigante de seis codos y un palmo /y con el certero golpe de su honda da muerte a Goliath /Es una moraleja esperanzadora / Frente al David, vuelve la fe / De la inteligencia sobre la fuerza bruta”, recitó el poeta Marcelo Nieto.
Evocó al David que también fue “sibarita”, de “numerosas esposas”, “apasionado”, “poeta que escribe 73 salmos”, “diestro en la lira, el arpa, el salterio y la cítara”, “ungido por Yaveh”, de “largas conversaciones con Dios” y “venerado en tres religiones”.
Un poema que es muestra de cómo esta presencia, tan material -500 kilos, 5 metros de altura y 3 de pedestal-, será fuente de inspiración, imaginación y ensueño para todos los artistas de la zona y para todos los que pasen por el lugar y puedan admirar libremente al “David renacentista, proclamado como arquetipo, quintaescencia, punto áureo alabado por la desnudez impune, pero desnudez apolínea, captado el momento milimétrico de la acción en reposo, mirando a Goliath a los ojos, el ceño fruncido, la mirada enfocada, la tensión de las venas visible en el mármol, escultura que tiene un alma tan viva que la hace ‘Ser’”, según el recitado de Nieto.
Marcelo Nieto recitándole al David
El descubrimiento de la imponente escultura fue el momento cumbre del acto: con un juego de luces y el acompañamiento musical de Alejandro Acosta -ejecutando el ewi, instrumento electrónico de viento-, una grúa fue levantando la tela que cubría el David hasta revelarlo por completo.
En el cierre, el Coro Polifónico de Resistencia interpretó el Gloria de Antonio Vivaldi.
Desde que se hizo el primer certamen en 1988, la Bienal ha crecido exponencialmente hasta convertirse en una de las manifestaciones escultóricas más prestigiosas del mundo. De entre 157 postulantes de 55 países, fueron seleccionados los diez artistas que competirán este año: Luis Bernardi (Argentina), Alejandro Mardones Guillen (Chile), Carlos Iglesias (España), Billy Lee (Estados Unidos), Butrint Morina (Kosovo), Solveiga Vasiljeva (Letonia), Anna Korver (Nueva Zelanda), Percy Raúl Zorrilla Soto (Perú), Bogdam Adrian Lefter (Rumanía) y Emrah Önal (Turquía).
Además, la Fundación Urunday convocó como jurado a tres importantes escultores, concursantes de ediciones anteriores: Piotr Twardowski (Polonia), Carlos Monge (México) y Ramón Morales Rossi (Venezuela).
En paralelo al certamen, tendrá lugar un encuentro de escultores invitados que trabajarán con una variedad de técnicas y materiales. Participarán Carlos Monge (México), Juan Pezzani (Buenos Aires), Milagro Tejerina (Jujuy), Camilo Guinot (Buenos Aires), Alejandro Arce, Hernán Lira y Alejandro Pérez (Chaco).
El David develado al público en la noche del 6 de marzo en Resistencia
Otras actividades programadas para esa semana de julio son una nueva edición del Premio Desafío “Hierros Lider” -concurso de escultura en madera para estudiantes de arte de todo el país-; la exposición “Escultores del mundo”, el 6º Encuentro de Maestros Artesanos Argentinos y el 7º Encuentro de Arte Indígena y Artesanía de Pueblos Originarios; la 5° edición del Festival Filarmónico Juvenil -formación intensiva para músicos y ciclo de conciertos públicos con la participación de 120 jóvenes-; el proyecto Madre Canción -doce maestros de la música, la palabra, el pensamiento y la historia se reúnen a cantar y contar, compartir y debatir-; “Agitá la Bienal” -ámbito de encuentro, formación y promoción para los artistas locales-. con el acompañamiento de la Municipalidad de Resistencia en colaboración con el Circuito Cultural Guaraní y G5 Conexiones.
En el plano académico, tendrá lugar el 4°Congreso Internacional De Artes “Límites y Fronteras; el 3er Seminario de Arte, Derecho, Patrimonio y Urbanismo, además de un ciclo de cursos, talleres y conferencias magistrales.
Con estos anuncios se completó el acto que sumó este ícono renacentista al ya impresionante patrimonio escultórico de Resistencia.
Si la ciudad podrá contar con el gemelo del David de Miguel Ángel es, en palabras de Eidman, “gracias al acompañamiento de la UNA (Universidad Nacional de las Artes) y el Museo de la Cárcova, a la ejecución de vanguardia digital en Argentina de las artistas Gisela Kraisman y Denise Di Federico, a la par del arco curatorial de grandes referentes del arte argentino y al compromiso de universidades, empresariado, instituciones de la cultura”.
El día de la llegada del David al predio de la Fundación Urunday, a orillas del Río Negro, en la capital chaqueña (Télam S.E.)
“Fue un logro plural el que esta pieza cumbre del Renacimiento italiano venga a vivir entre nosotros”, agregó, a la vez que invitó “a vivir la experiencia de la Bienal, durante el templado invierno chaqueño, justo cuando florecen los lapachos llenando de sombrillas rosadas la ciudad”.
Una alternativa de turismo cultural de altísimo nivel y accesible a todo público. Un acontecimiento único de proyección internacional, que lamentablemente suele quedar opacado por una mirada poco federal del acontecer artístico de nuestro país.
Y, sobre todo, el legado de ese gran artista y gran hombre que fue el creador de la Bienal del Chaco y cuya ausencia-presencia se hizo sentir en todo el acto.
Estas son las palabras que le dedicó Marcelo Nieto, que también es autor de un libro sobre Fabriciano Gómez:
“Pero Fabriciano,
esta noche es, sobre todo tuya
de hecho, David y Bienal, son dos inspiraciones tuyas
Y no es fantasía, ni arrebato poético hablarte a vos
que tenés el don de no irte definitivamente
De hecho, te colás por todas partes….
En las 28 esculturas diseminadas en esta capital
en las inmaculadas que coronan las rotondas de ciudades
en los portales de las entradas de pueblos del Chaco
En tu casa que donaste a la ciudad con todas tus joyas escultóricas
Estamos parados en tu territorio conquistado, en este parque de las esculturas del mundo
Fuente: La Nación – La enorme estructura metálica es uno de los íconos más reconocidos de la Ciudad; el Gobierno porteño trabaja con una empresa especializada para realizar un diagnóstico y determinar los pasos a seguir.
El temporal de diciembre de 2023 que azotó el Área Metropolitana de Buenos Aires (AMBA) y que dejó cientos de destrozos, también se cobró una escultura icónica en el barrio porteño de Recoleta.Floralis Genérica (conocida por muchos como “La Flor”), una obra realizada en acero inoxidable y aluminio -que en su totalidad pesa aproximadamente 18 toneladas y mide 20 metros- amaneció el 17 de diciembre con uno de los pétalos caídos, producto del fuerte fenómeno meteorológico en la Ciudad. El Gobierno porteño brindó detalles a LA NACION de cómo continúan las tareas, aunque no hablaron de una restauración total.
Según la cartera de Espacio Público e Higiene de la Ciudad, durante enero y febrero se trabajó junto a una empresa especializada en ingeniería y estructura de gran escala para hacer un diagnóstico integral de todos los daños “a fin de poder tener un cuadro de situación y evaluación que nos permita determinar los pasos a seguir de cara a la reparación”.
La escultura fue inaugurada en 2002.
Según el Gobierno de la Ciudad, el trabajo de diagnóstico y evaluación sobre los daños generados incluyeron cateos en altura, la apertura de las láminas de los pétalos de acero y el análisis de la estructura para evaluar daños internos. Fue el ministro de Espacio Público e Higiene Urbana, Ignacio Baistrocchi, quien supervisó las tareas.
Además, se revisaron los componentes electromecánicos y electrohidráulicos de las piezas que generan el movimiento de apertura y cierre. Desde la cartera indicaron que este proceso está acompañado de un “registro fotográfico detallado que servirá como soporte visual del informe técnico”.
Si bien en base a este informe se establecerán los pasos a seguir, ante la consulta de LA NACION de una fecha estimativa para su reparación o si efectivamente continuarán con las tareas de restauración luego del diagnóstico, no respondieron. Informaron que se trata de un estudio de ingeniería y no de una obra.
“Las mejores posibilidades y los costos de una puesta en valor los definiremos teniendo en cuenta la importancia del conjunto y el contexto económico actual”, agregaron esas mismas fuentes.
La Floralis Genérica mide 20 metros y pesa 18 toneladas
En abril de 2002, el arquitecto argentino Eduardo Catalano donó la obra a la Ciudad, en un “homenaje a todas las flores”. Ubicada en la plaza Naciones Unidas, sobre la avenida Figueroa Alcorta 2301, el monumento tiene 20 metros de altura y se sostiene sobre un espejo de agua de 40 metros de diámetro.
En un principio, la idea era que -a través de un mecanismo hidráulico y de células fotoeléctricas- la flor abriera sus seis pétalos cuando saliera el sol y los cerrara progresivamente al atardecer. Sin embargo, esto sólo pudo funcionar correctamente durante los 10 meses posteriores a su inauguración, ya que, debido a desperfectos técnicos, el sistema se rompió y la flor permanecía inmóvil y con los pétalos semiabiertos desde hace mucho tiempo.
Fuente: La Nación – La decisión, inédita en la historia del organismo, trascendió en los últimos días y suma otro malestar en el área de Cultura, donde la semana pasada se conoció el recambio de directivos en ocho museos sin mediar concurso.
Desde mediados de febrero, hay malestar entre los integrantes de la Comisión Nacional de Monumentos, de Bienes y de Lugares Históricos (CNM) debido a que el Gobierno nacional impulsa por decreto un cambio de las autoridades del organismo -presidencia y nueve vocales (son diez y solo uno de ellos continuaría)-, violando la ley 12.665 sancionada en 1940 que establece un periodo de seis años para los cargos (antes de la reforma constitucional de 1994, coincidía con el periodo del mandato presidencial). Los actuales integrantes de la Comisión fueron designados en noviembre de 2022. La decisión, inédita en la historia del organismo, trascendió en los últimos días y suma otro malestar en el área de Cultura, donde la semana pasada se conoció el recambio de directivos en ocho museos sin mediar concurso.
“Por medio de la presente, en mi carácter de Secretario de la Secretaría de Cultura del Ministerio de Capital Humano, me dirijo a Ud., a fin de solicitarle se inicien las gestiones administrativas pertinentes a efectos de limitar las designaciones de los funcionarios de la COMISIÓN NACIONAL DE MONUMENTOS, DE LUGARES Y DE BIENES HISTÓRICOS que a continuación se detallan, a partir del dictado de la medida correspondiente”, se lee en la nota enviada por el secretario de Cultura, Leonardo Cifelli, al secretario de Coordinación Legal y Administrativa del Ministerio de Capital Humano, Jorge Maximiliano Keczeli. Cifelli aún no respondió las consultas de LA NACION, pero trascendió que, en opinión del Gobierno, la CNMBLH se había vuelto “menos operativa”.
El complejo escultórico del Monumento a la Bandera tiene obras de Lola MoraXavier Martín
Además de su presidenta, la licenciada Mónica Capano, de prosperar esta iniciativa cesarían en sus funciones el arquitecto Alberto Petrina (vocal vicepresidente), el arquitecto Pedro Delheye (vocal secretario), y los vocales Rosa Aboy, Silvina Predeira, Magalí Marazzo, Marcelo Magadán, Gladys Pérez Ferrando, Selva Battistiol y Andrés Mage. El único vocal de la actual comisión que “sobrevive” en la lista propuesta por Cifelli es el arquitecto Juan Vacas, subsecretario de Paisaje Urbano en el gobierno porteño.
Fuentes de la CNM señalaron que el Gobierno actúa “al borde la ley” y no comprenden el motivo de la decisión. “Es un gran equívoco”, dicen. Si se sienta este precedente, cada nuevo gobierno electo se sentiría habilitado a vulnerar la ley 12.665 y designar a nuevos integrantes de la CNM, que desempeñan funciones técnicas y no políticas, como clasificar y listar monumentos, lugares, inmuebles o muebles y documentos que considere de interés histórico, asegurar la custodia, conservación, refacción y restauración de esos bienes y proponer al Poder Ejecutivo la declaración de utilidad pública, como pasó a finales de 2023 con República Cromañón, caracterizado como “Conjunto de Memoria Colectiva del Trauma Histórico”.
Reemplazarían a los actuales integrantes de la CNM el arquitecto Fernando Ferreyra en la presidencia, Graciela Cáceres (vicepresidenta), el arquitecto Tomás Vaccaro (vocal secretario) y los vocales Néstor José, Mónica Valentini, Sergio Sepiurka, Jorge Mallo, Mario Lazarovich, María Cristina Vera y Gabriel Romero.
El Museo Histórico del Norte queda en el centro de Salta capital, donde funcionaba el CabildoXAVIER MARTIN
En la CNM, atribuyen la iniciativa a un “clima de época”. Si el Gobierno quisiera modificar la CNM, podría empezar por reformar la ley, que data de 1940, y ajustar el periodo de gestión de seis a cuatro años. “De otro modo, se violenta la institucionalidad”, comentan arquitectos y patrimonialistas. Algunos interpretan la medida como un reparto de cargos rentados entre aliados de La Libertad Avanza. La presidencia equivale al cargo de un subsecretario y el del vocal secretario, al de un director nacional (los demás vocales son ad honorem). “Si el Gobierno modifica la ley, nosotros presentamos la renuncia sin ningún problema”, dice uno de los vocales consultados por este diario.
La presidenta de la Comisión y algunos vocales se reunieron días atrás con el subsecretario de Gestión y Desarrollo Cultural, Ignacio Lupi, en el Centro Cultural Kirchner. Lupi, que según sus interlocutores ignoraba los alcances de la ley 12.665 y la historia de la CNM, les informó que la iniciativa era solo una nota con voluntad de transformarse en expediente.
Los actuales integrantes esperan el dictamen jurídico del Ministerio de Capital Humano, a cargo de Sandra Pettovello. Si se aprueba el relevo, el Presidente deberá firmar un decreto para reemplazar casi por completo la actual CNM.
Fuente: Infobae – El calco de la emblemática obra encargada en el s XVI a Buonarroti por los florentinos vendrá a engrosar el ya nutrido patrimonio escultórico de la capital chaqueña bautizada con justicia como “capital de las esculturas”.
La fecha elegida es la de la celebración del Día Internacional del Escultor, fijado el 6 de marzo por el nacimiento, en 1475, de Miguel Ángel Buonarroti.
El acto será también escenario del lanzamiento de la XIII Bienal Internacional de Escultura que se desarrollará del 13 al 21 de julio en el predio de la Fundación Urunday, organizadora del evento, a orillas del Río Negro, que bordea Resistencia.
La Bienal de Chaco es un concurso de escultura a cielo abierto durante el cual diez artistas consagrados de diferentes países crean sus obras a la vista del público, que puede así interactuar con ellos y que vota uno de los premios. A ello se suman infinidad de actividades culturales, artísticas y académicas en paralelo con el certamen principal.
Este concurso, que nació en la década del 80, en la plaza central de Resistencia, fue creciendo con el tiempo hasta proyectarse mundialmente y convertirse en una de las manifestaciones escultóricas más valoradas del mundo.
La Bienal Internacional de Escultura de Resistencia, Chaco: un certamen a cielo abierto. En la última edición se trabajó sobre mármol (imagen de archivo de la Bienal 2022)
En la edición de este año, los artistas trabajarán el metal (chapa lisa laminada); en 2022 fueron piezas de mármol travertino de San Juan las que se utilizaron.
“Estamos muy emocionados por poder cumplir un objetivo más de nuestro compromiso institucional. La llegada del David marca una importante página de la cultura del Chaco y tenemos el privilegio de ser protagonistas de este momento histórico”, dijo José Eidman, actual presidente de la Fundación Urunday.
“La réplica del David de Miguel Ángel pone a Resistencia, al Chaco y al país a la vanguardia en el uso de tecnologías innovadoras aplicadas al arte”, agregó.
En efecto, la obra fue realizada con tecnología 3D: un escaneo de alta resolución genera el “gemelo digital” de la obra, para luego imprimir su molde, hacer el vaciado con una aleación de materiales aptos para su emplazamiento en la intemperie y finalmente obtener la réplica en tamaño natural.
El David, escultura clásica e icónica si las hay, será un tesoro más para el lucimiento del museo al aire libre que es la capital del Chaco, que ya cuenta con unas 670 esculturas. Su presencia contribuirá a consolidar el posicionamiento internacional de Resistencia como “Ciudad Museo”.
El calco del David será la primera réplica ubicada a cielo abierto en el país
Este calco será la primera réplica del David ubicada a cielo abierto en el espacio público argentino. Constituirá también un nuevo atractivo turístico para los visitantes de toda la región y del país.
Si Resistencia podrá contar con este gemelo del David de Miguel Ángel es, en palabras de Eidman, “gracias al acompañamiento de la UNA (Universidad Nacional de las Artes) y del Museo de la Cárcova, a la ejecución de vanguardia digital en Argentina de las artistas Gisela Kraisman y Denise Di Federico, a la par del arco curatorial de grandes referentes del arte argentino y al compromiso de universidades, empresariado, instituciones de la cultura”.
“Fue un logro plural el que esta pieza cumbre del Renacimiento italiano venga a vivir entre nosotros”, agregó Eidman, a la vez que invitó “a vivir la experiencia de la Bienal del Chaco, durante el templado invierno chaqueño, justo cuando florecen los lapachos llenando de sombrillas rosadas la ciudad”.
Una alternativa de turismo cultural de altísimo nivel y accesible a todo público al mismo tiempo. Un acontecimiento único de proyección internacional, que lamentablemente suele quedar opacado por una mirada poco federal del acontecer artístico de nuestro país.
La Fundación Urunday contó con la colaboración de la Universidad Nacional de las Artes y del Museo de la Cárcova, y con el trabajo de las artistas Gisela Kraisman y Denise Di Federico
Fuente: Infobae – El gran artista florentino fue a elegir el trozo de mármol de Carrara donde la esculpiría. El encargo de un grupo de cardenales y un banquero para un hombre que nunca la pudo ver. Por qué es la única escultura que firmó. La otra Piedad que quiso destruir. Y la tercera, que no terminó porque lo sorprendió la muerte.
Es difícil pensar en una escultura más famosa que la Piedad de Miguel Ángel Buonarroti. Pertenece a esas obras maestras que, a lo largo de los siglos, han marcado la evolución de la historia del arte y, en cierto sentido, también del sentido humano. En efecto, más allá de las convicciones religiosas, es casi imposible contemplar el rostro de esta escultura sin sentirse conmovido en el alma. Miguel Ángel, el genio absoluto de nuestro Renacimiento, uno de los artistas más célebres de todos los tiempos, creó otras obras maravillosas, desde el David hasta la Capilla Sixtina, sin olvidar el Moisés, pero en algunos aspectos La Piedad es única.
La estatua de mármol de Carrara fue encargada en 1497 a Miguel Ángel, de apenas veinte años entonces, por un grupo de cardenales a través del banquero Jacopo Galli. La escultura debía decorar la iglesia de Santa Petronilla, una capilla redonda separada de la actual basílica de san Pedro. Se usaba como mausoleo imperial y databa de finales del siglo IV, cuando se construyó para honrar al cardenal Jean de Bilhères, embajador del rey de Francia, que habría sido enterrado allí mismo.
El contrato entre el cardenal y el artista se firmó el 26 de agosto de 1498, y en él se estipulaba, además del pago de 450 ducados de oro, que estaría terminada antes de un año. En efecto, dos días antes de cumplirse el plazo la obra maestra ya estaba finalizada. Pero el cardenal no llegó a verla completada: había muerto unos días antes.
Miguel Ángel acudió personalmente a las canteras de mármol de Carrara para elegir el bloque del que liberaría su estatua. La escultura, fechada en 1499, es la única obra que Miguel Ángel firmó, grabando en una correa que cruza oblicuamente el pecho de la Virgen para sostener su manto la inscripción: MICHAEL.A[N] GELVS BONAROTVS FLORENT[INVS] FACIEBAT , » Lo hizo el florentino Miguel Ángel Buonarroti”. Esto, porque al parecer, algunos visitantes que llegaron a admirar la obra no creían que fuera de él. Al construirse la nueva basílica de san Pedro, la Piedad fue trasladada entre el año 1749 y 1750 a su ubicación actual: la primera capilla a la derecha. Es un lugar que siempre, en todas las basílicas, está dedicada a la crucifixión de Cristo.
La iconografía de la Piedad ya estaba muy extendida en el siglo XV. En particular en el norte de Europa era común encontrar las “Vesperbilder o “imágenes de Vísperas”, esculturas de madera que representaban a la Virgen María con el cuerpo de Jesús muerto en brazos. Eran objeto de devoción, sobre todo, durante la liturgia del Viernes Santo, cuando los fieles evocaban los dolores de la Pasión y se identificaban con los sufrimientos de María y de Jesús para encontrar consuelo a sus propios dolores.
Retrato de Miguel Angel Buonarroti, por Daniele da Volterra
Miguel Ángel ciertamente se inspiró en las “Vesperbilder”, al tiempo que revolucionó su estructura, estilo y sensación. En comparación con las obras alemanas, muy rígidas y basadas en un contraste entre el cuerpo alargado de Cristo y el cuerpo recto de la Virgen, en la Piedad Vaticana la composición parece mucho más flexible, con una estructura piramidal que expresa estabilidad por un lado y por el otro el otro sugiere un movimiento ascendente de las figuras, casi llegando al cielo. Además, las formas severas y sumarias de las “Vesperbilder” fueron sustituidas por la belleza ideal de los rostros típicos del Renacimiento, por los drapeados flexibles, por la espontaneidad con la que los cuerpos se posan uno sobre otro, en un entorno envolvente y conmovedor.
El cuerpo de Jesús es un poco más pequeño comparado con el de la Virgen, probablemente para recordar la infancia del Salvador. Sin embargo, el rostro de María es el de una adolescente, característica que también le costó algunas críticas a Miguel Ángel. En realidad, la elección del artista fue precisamente la de expresar la belleza intacta e incorruptible de María, su juventud imperecedera, que la convierte al mismo tiempo en madre e hija de su propio Santo Hijo. Una de las características más sorprendentes de la Piedad Vaticana es el pulido del mármol, al que parece que el artista dedicó una cantidad infinita de tiempo. Contemplando el rostro de María o el cuerpo de Cristo cuesta creer que sean de mármol, por lo lisos y resplandecientes que parecen. En el pasado, este pulido garantizaba que la estatua fuera claramente visible incluso en la penumbra de la capilla.
El 21 de mayo de 1972, durante las celebraciones de Pentecostés, László Tóth, un geólogo australiano, atacó la estatua de la Piedad con un martillo y logró infligir quince golpes antes de que se lo llevaran. Parece que el hombre, mentalmente inestable, habría actuado presa de una especie de fanatismo religioso, porque acompañó el ataque con el grito: “¡ Yo soy Jesucristo, resucitado de entre los muertos!”. Los daños infligidos a la Piedad parecieron inmediatamente incalculables: el brazo izquierdo de la Virgen quedó roto en partes, sus dedos, su nariz y sus párpados quedaron destrozados. El acto de violencia fue tan conmovedor que esa tarde los Canónigos de San Pedro partieron en procesión hasta la Capilla donde se ubica la escultura cantando el Miserere, en señal de luto.
Hubo una profunda reflexión sobre cómo era mejor actuar. Una postura era dejar la obra dañada en señal de denuncia del mundo moderno. La otra, restaurarla. En caso afirmativo, el problema era cómo. Finalmente, se decidió reconstruir el rostro y el brazo de la Virgen en su totalidad, intentando volver a la perfección de la obra original. Para ello se utilizaron los cincuenta o más fragmentos de mármol arrancados por la furia de László Tóth, una pasta de cola y polvo de mármol. Una vez finalizada la restauración, que duró 9 meses, La Piedad fue devuelta a su ubicación en San Pedro. Desde entonces, está protegida por un muro de cristal a prueba de balas.
Imagen de la escultura La Piedad de Bandini de Miguel Angel exhibida en el Museo de la Opera del Duomo en Florencia, Italia (REUTERS/Jennifer Lorenzini)
Las otras “Piedades”
La Piedad del Vaticano no es la única esculpida por Miguel Ángel. Posteriormente, creó dos esculturas más (una tercera es de atribución incierta) que retoman este tema: la Pietà Bandini y la Pietà Rondinini.
La intensidad de estas esculturas inconclusas no deja de ser admirable. Son como si la escultura quisiera salir por la fuerza del mármol que la encierra pero, al morir su creador, han quedado atrapadas por la eternidad.
La piedad Bandini fue vendida a Francesco Bandini por 200 escudos. Estuvo situada primero en la Villa de Bandini y más tarde en la Iglesia de San Lorenzo de Florencia, en Santa María dei Fiore. Finalmente, fue llevada en 1960 al Museo del´ Opera del Duomo de Florencia.
La realización la llevó a cabo en tres años. En ella se representa a Nicodemo sosteniendo al Cristo yacente, y a los costados están la Virgen María y María Magdalena. La cara de Nicodemo es el autorretrato de Miguel Angel. Su elaboración fue muy costosa para el escultor ya que se sintió insatisfecho con ella e intentó destruirla en varias ocasiones. Debido a una grieta en el mármol o por el perfeccionismo del autor (que nunca estaba satisfecho con su obra), esta fabulosa escultura estuvo a punto de desaparecer. Sin embargo, gracias a que lo detuvo su criado, se conservó para ser admirada en los siglos posteriores. Miguel Angel, a estas alturas de su vida, próximo ya a la vejez, fue influido por un gran sentimiento religioso, preparándose para el gran juicio divino. Desde 1500 a 1555, y voluntad fue siempre que estuviera depositada en el Duomo de Florencia.
La Piedad Rondanini, obra inconclusa, en la que Miguel Angel trabajó hasta seis días antes de su muerte a los 89 años (REUTERS/Jennifer Lorenzini)
Miguel Angel no tuvo tiempo de acabar la tercera, La Piedad Rondanini. Murió en plena elaboración, y se cuenta que estuvo trabajando en ella hasta seis días antes de morir, el 18 de febrero de 1.564 a los 89 años de edad, en su residencia romana junto al Foro Trajano. La Pietá fue heredada por su criado Antonio Francese, quien se la vendió al marqués de Rondanini, de donde deriva su nombre. Más tarde fue adquirida por el Ayuntamiento de Milán y ubicada en el Castillo Sforzano. En la escultura pueden apreciarse dos cuerpos, el de la Virgen y el de Cristo, apoyándose uno sobre otro como si fueran uno solo.
Estas obras de la Piedad, sobre todo la del Vaticano, nos indican hasta dónde puede llegar el genio del ser humano cuando se lo propone y cómo el arte, sea uno creyente o no, puede llevar nuestra conciencia hasta los niveles más elevados de la espiritualidad.
Arco inclinado» de Richard Serra en el bajo Manhattan el 6 de marzo de 1985. Serra era conocido como el Hombre de Acero. Pero el escultor era también un poeta eterno, que reconfiguraba nuestra percepción del espacio, dice Michael Kimmelman. (Richard Serra/Sociedad de Derechos de los Artistas (ARS), Nueva York; Neal Boenzi/The New York Times)
Sin título. Rosalba Mirabella. Cemento y porcelana. 2023. Fotos: Pablo Masino / Casa Museo de Yrurtia.
Los amantes.el libro de Rosalba Mirabella y Rodro Cañás. Libro de artista. 2023. Fotos: Pablo Masino / Casa Museo de Yrurtia.
Contacto (Copia placa de vidrio) Fotografía analógica, 2023. Clara Tomasini – Pablo Ziccarello. Fotos: Pablo Masino / Casa Museo de Yrurtia.
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Fabriciano Gómez, el escultor chaqueño creador de la Bienal de Esculturas, en su taller. El artista falleció el 8 de septiembre de 2021, a los 77 años:quality(85)/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/infobae/NKI77GNQIVAFTLV7457VGOZRXA.jpg 420w)
Gisela Kraisman en plena tarea:quality(85)/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/infobae/ZSGPZNUIGVAX7NYR5VRLRBOFBA.jpg 420w)
El emplazamiento del David, en el ingreso al predio de la Fundación Urunday, donde se realiza la Bienal:quality(85)/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/infobae/BJHOQFOKWRFPDAM57POLOECHXQ.jpg 420w)
Josese Eidman, el presidente de la Fundación Urunday, al hablar en el acto de inauguración del David del Chaco:quality(85)/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/infobae/FQDLAVHSAVF7HGGBABPVRYNBTM.jpg 420w)
El traslado de la pieza monumental, de Buenos Aires al Chaco (Télam S.E.):quality(85)/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/infobae/ATKYRTOJEZHKLOWEE2RY5E2IQE.jpg 420w)
Marcelo Nieto recitándole al David:quality(85)/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/infobae/ZHY4UVN53JE6JDPLU2VA66OP3Y.jpg 420w)
El David develado al público en la noche del 6 de marzo en Resistencia:quality(85)/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/infobae/ZU3VWORMLNDIZBJUOSUGZLDGXE.jpg 420w)
El día de la llegada del David al predio de la Fundación Urunday, a orillas del Río Negro, en la capital chaqueña (Télam S.E.):quality(85)/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/infobae/EDLENL2GK5B2HPO4C6RPPYKTSM.jpg 420w)
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La Bienal Internacional de Escultura de Resistencia, Chaco: un certamen a cielo abierto. En la última edición se trabajó sobre mármol (imagen de archivo de la Bienal 2022):quality(85)/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/infobae/I7A57NGBXNFLZMI3DCSP4HEZXE.jpg 420w)
La Fundación Urunday contó con la colaboración de la Universidad Nacional de las Artes y del Museo de la Cárcova, y con el trabajo de las artistas Gisela Kraisman y Denise Di Federico
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Retrato de Miguel Angel Buonarroti, por Daniele da Volterra:quality(85)/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/infobae/SVVT5QAV6LZZQRYVU5MBSTIFKY.jpg 420w)
Imagen de la escultura La Piedad de Bandini de Miguel Angel exhibida en el Museo de la Opera del Duomo en Florencia, Italia (REUTERS/Jennifer Lorenzini):quality(85)/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/infobae/5MOZRDKVUQMKSHHK6MLBVL2JDM.jpg 420w)
La Piedad Rondanini, obra inconclusa, en la que Miguel Angel trabajó hasta seis días antes de su muerte a los 89 años (REUTERS/Jennifer Lorenzini)