Arte para no olvidar ni dejar olvidar

Fuente: Página12 ~ El 24 de marzo se inaugura una escultura de Fabián Rucco en Ibarlucea.

De aquello no se hablaba. Ni de las órdenes de fusilamiento que el jefe de Policía, Agustín Feced, gritó a una cuadra y media de la Subcomisaría Nº 17, cuyo frente él mismo baleó para simular un enfrentamiento armado; ni de las siete víctimas, ni de su traslado de 12 kilómetros desde el Servicio de Informaciones de Rosario (donde estaban detenidos) hasta la comuna de Ibarlucea, donde los mataron. Aquel 18 de diciembre de 1976, en un país sumido en un silencio de plomo, Ibarlucea callaba.

En 1984, en el juicio a las Juntas militares que gobernaron de facto el país entre 1976 y 1983, Carlos Pedro Dawydowyz (ex agente de la Sección Mantenimiento de los vehículos empleados por el Servicio de Informaciones desde 1976 a 1978) declaró como testigo del hecho, por el cual en 2012 fue imputado Ricardo Enrique Corrales en el marco de la causa Feced. 

Una noticia publicada el 21 de diciembre de 1976 en el diario La Opinión permitió al Equipo Argentino de Antropología Forense saber la fecha de ese crimen de terrorismo de Estado y las identidades de seis de las víctimas: Rodolfo Raúl Segarra (“Hueso”), Nora Elma Larrosa (“Leonor”), Alberto Cristian Azam (“Turquito”), Horacio Humberto Meleli (“Gallego”), Segundo Severino Núñez (“Joaquín”), Carlos Maximiliano Aguirre (“Negro” o “Pedro”) y Rodolfo Raúl Segarra (“Hueso”). Como si la violencia institucional escribiera su historia con macabras coincidencias, en 2020 fue investigada esa misma Subcomisaría N°17 por la muerte del albañil Franco Hueso.

Algunos recuerdan el jingle de alegría siniestra que sonaba en los años setenta por la televisión en blanco y negro, promocionando el novedoso Cementerio Jardín Ibarlucea: “Sábados y domingos… ¡al cementerio!”. Pero de aquellos otros muertos, los de la Masacre de Ibarlucea, la comuna no habló hasta el 24 de marzo de 2021, cuando el Grupo Sociocultural Ibarlucea convocó a una marcha del 24M. 

Un año exacto después, el grupo invitó además al reconocido escultor rosarino Fabián Rucco, a quien (ad honorem) se le comisionó una escultura tallada en madera en la Plaza San Martín.

Aquel 24 de marzo de 2022, Ibarlucea amaneció distinta. El escultor se instaló con sus herramientas y comenzó, bajo un cielo muy gris, a trabajar a la vista de todo el pueblo en la plaza. La madera seca iba reviviendo. Se fue llenando de ojos, ojos bien abiertos, muchas miradas como inmersas dentro del tronco, asomándose hacia afuera como por ventanas por todos los costados; miradas de hombres, de mujeres, de niños, todos surgiendo desde adentro de ese bloque amorfo en el que parecían haber pasado décadas atrapados. 

Fueron algunos amigos artistas desde Rosario, se arrimó gente del pueblo; le cebaron mate, admiraron la obra en proceso. Un proceso que culminará el próximo 24 de marzo, justo un año después de comenzado. Coincidiendo con una nueva marcha por Memoria, Verdad y Justicia, se concluirá y será inaugurada. Conmemora a las víctimas de aquella masacre y a todos los 30000 desaparecidos por la dictadura cívico-militar que asoló la Argentina entre el 24 de marzo de 1976 y diciembre de 1983.

Los conmemora a todos, dice Rucco, galardonado realizador de esculturas en Argentina, Alemania, España, Francia, Dinamarca, Chile, Uruguay, Perú, Lituania, Tailandia y Japón. Licenciado en Bellas Artes con especialización en escultura, se recibió en la Universidad Nacional de Rosario, donde actualmente es profesor. 

Es autor de hermosas tallas en parques y otros espacios públicos de Rosario y su zona de influencia, entre ellas dos en la ciudad de San Lorenzo: una de ellas comisionada en forma particular por un vecino de Santiago del Estero al 700 y la otra en una escuela pública. 

Fabián Rucco nació en Rosario en 1973. Es Artista distinguido de la ciudad. Vive del arte y tiene su taller en el barrio La Florida, muy cerca de su amado río Paraná. Cuenta que fue tema de una leyenda urbana local, una bien rosarina cuando una de sus obras emplazadas en la Plaza Pichincha de su ciudad pareció desaparecer misteriosamente y se rumoreó que la habían robado. 

En realidad, el vacío sobre el pedestal de hormigón estaba previsto como parte de toda una secuencia, un relato en imágenes que narra la metamorfosis de un hombre en pájaro. Emplazadas a 2 metros de altura, las 4 tallas son visibles desde la avenida Rivadavia al 2500, entre el final de la estación Rosario Norte y la entrada al túnel Celedonio Escalada. El significativo título de la obra es “Instrucciones para volar”.

Monumento a la Biodiversidad: una escultura de más de 20 metros de radio se construirá en las 7 bocas

Fuente: La Voz de Cataratas ~ Iguazú El proyecto forma parte del plan de obras que ejecuta el gobierno provincial a través de Vialidad en Iguazú. «El diseño pertenece a un arquitecto del organismo y fue aprobado por el gobierno municipal. Está incluido  en el master plan que incluye zona de granjas y las 2 mil hectáreas.», contó el Gobernador de Misiones Dr Oscar Herrera Ahuad a LavozDeCataratas

Se encuentran trabajando en los detalles del proyecto y la cotización del mismo, en días más anunciarán el inicio de las obras. 

El monumento: Arraigándose desde la base de nuestra madre tierra colorada, que caracteriza Misiones, se elevan más de 15 imponentes columnas representantes de cada especie de la fauna provincial Y en lo alto, cubriendo la confluencia más importante de la ciudad, se elevan como pétalos circulares cada especie de la flora que otorga identidad a esta provincia.

De cada uno de los pétalos de esta gran orquídea, yacen los sistemas de captación de agua de lluvia y la generación de energía a través de paneles solares, y se podrá apreciar y disfrutar juegos de bruma y luces de colores al comienzo de cada hora, para mitigar el calor en las estaciones más cálidas y que los turistas puedan sacarse fotografías de esta postal mundial.

Así, también, como eje central emerge un monolito monumental iluminado, que se levantará a más de 30 metros de altura como tallo de la flor y será referencia panorámica desde cada rincón de Iguazú, recordando la importancia de conservación y valoración de lo que nos pertenece y representa a los misioneros, la madre selva.

Día del Escultor: ¿por qué se celebra cada 6 de marzo?

Fuente: Ámbito ~ Esta fecha conmemora el nacimiento de uno de los mayores expositores de la profesión. Conocé quién fue y por qué es tan importante.

Escultor.

Cada 6 de marzo se conmemora en todo el mundo el Día del Escultor, en honor al nacimiento de Miguel Ángel Buonarroti, uno de los mayores representantes de la profesión en el Renacimiento. Conocido bajo el nombre de Miguel Ángel, nació en 1475 en la ciudad italiana de Caprese.

Escultura.

¿Quién fue Miguel Ángel?

Además de escultor, fue arquitecto, pintor, y poeta, y desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma. Su escultura más emblemática es el David, la cual se expone en Florencia, pero realizó otras obras populares como la Virgen de la Escalera, El Baco con un Sátiro o La Piedad de la Basílica de San Pedro. Informate más

La escultura fue su actividad preferida, pero con la pintura alcanzó uno de sus puntos máximos, al convertirse en el creador de los techos de la Capilla Sixtina.

Una persona hizo estallar una escultura de más de 42 mil dólares

Fuente: Página12 ~ Se trata del balloon dog, obra de arte de Jeff Koons. 

Una coleccionista que visitaba una feria de arte contemporáneo en Estados Unidos hizo caer accidentalmente una pequeña escultura de vidrio del renombrado artista Jeff Koons, haciéndola trizas. La escultura de color azul, que hacía parte de la famosa serie «balloon dog«, estaba valorada en 42.000 dólares.

El accidente ocurrió el jueves en la noche durante un recorrido exclusivo de la feria Art Wynwood en Miami, haciendo pensar a algunos coleccionistas que se trataba de alguna actuación. «Vi a la mujer que estaba ahí, y ella estaba tocando (la escultura), y entonces la cosa se cayó y se hizo mil pedazos», relató a Fox News el artista Stephen Gamson.

Otro visitante tomó un video mientras los empleados de la muestra barrían los fragmentos de vidrio. «No puedo creer que alguien pudiera hacerlo caer», se escucha en la voz del video.

Benedicte Caluch, un asesor artístico de Bel-Air Fine Art, que patrocinó la pieza de Koons, dijo al Miami Herald que la mujer no tenía intención de romper la pieza y que la aseguradora cubriría el daño.

Koons, que no estaba presente, es un escultor y pintor estadounidense que toma su inspiración de objetos de la vida diaria, incluidos animales hechos con globos. 

Inauguraron una escultura de Sokol en su Hurlingham natal

Fuente: Página12 ~ El músico, ex integrante de Sumo y Las Pelotas, fue recordado a través de una figura suya en la estación del Ferrocarril San Martín de dicha localidad de la zona oeste bonaerense. 

El cantante, músico y compositor del rock argentino, Alejandro Sokol, fue homenajeado esta semana en la zona oeste de la Provincia de Buenos Aires con una imponente escultura de más de dos metros. La obra ya puede visitarse en la esquina de Jauretche y Remedios de Escalada, un punto clave del barrio de Hurlingham. 

La obra de este nuevo reconocimiento al entrañable cantante, quien fue miembro de la primera formación de Sumo y voz principal de Las Pelotas, estuvo a cargo del escultor cordobés Adrián «Bachi» Dellorto, a partir de una idea motorizada por uno de los vecinos de toda la vida de Sokol, Marcelo Jorge Fiori Quercetti. 

«No se trata solo del emplazamiento de una escultura o de un homenaje, se trata de algo más; hay una frase que resume muy bien todo esto y que dice algo así como ‘no es posible hacer que lo que fue no haya sido'», indicó Fiori, el vecino impulsor de la estatua que está ubicada a dos cuadras de la que fue la casa de Sokol. 

Fotos: Raúl Ferrari (TÉLAM)

La inauguración formal se realizó en la tarde del lunes en la entrada de la estación Hurlingham del Ferrocarril San Martín, en un encuentro con la participación de familiares y amigos del músico, recordando al «Bocha» en el día su cumpleaños.

La estatua mide dos metros y pesa una tonelada y media, y los vecinos piensan que logra capturar un gesto muy personal y significativo del artista, que se caracterizaba por una desbordante pasión y emoción en el escenario. 

«Es increíble lo que se generó, de mi parte no queda más que dar un profundo agradecimiento a todos -subrayó el vecino impulsor de la obra-. La repercusión que tuvo la iniciativa en la gente y la buena predisposición de las autoridades, lo mismo respecto de la familia Sokol, no me alcanzan las palabras… Y que hoy estén acá, es muchísimo».

Alejandro Sokol nació el 30 de enero de 1960 en Hurlingham. Por invitación de su amigo Germán Daffunchio, conoció a Luca Prodan y formó parte del nucelo fundador de Sumo, una de las bandas más emblemáticas del rock argentino de la década de los ochenta.

Tras la muerte de Prodan, Sokol y Daffunchio formaron el grupo Las Pelotas. Haciéndose cargo de la primera voz, el “Bocha” vivió sus años más gloriosos. Con su particular forma de liberarse y bailar sobre los escenarios, lentamente se fue convirtiendo en uno de los protagonistas más celebrados en la escena del rock argentino. A partir de discos como “Corderos de la noche”, “Máscaras de Sal” o “Para qué”, la banda ocupó un lugar emblemático en el under de los noventa, hasta que pegó el salto a la masividad con su disco “Esperando el milagro”, editado en el año 2003.

Sokol sólo grabaría un disco más con la banda, “Basta”, del 2007. Las diferencias internas con sus compañeros terminaron con su desvinculación del grupo. “Fui sufriendo el desgaste de un matrimonio de 20 años y que esté contento no quiere decir que esté bien”, dijo en aquel momento.

Su último proyecto se llamó El Vuelto S.A. Acompañado de su hijo, Ismael, Sokol pudo canalizar las ideas que ya no tenían lugar en su anterior banda y encontró una rápida acogida en un público formado principalmente por seguidores de Sumo y la primera etapa de Las Pelotas. No llegaron a grabar su primer disco, debido a la sorpresiva muerte de Alejandro, ocurrida en Río Cuarto, Córdoba, el 12 de enero de 2009.

La increíble nueva escultura que se suma al paisaje de Nueva York

Fuente: La Nación ~ Una obra de Anish Kapoor, todavía sin nombre pero réplica de la popular Cloud Gate, de Chicago, se integró a los atractivos turísticos de la Gran Manzana; estaba en fabricación hacía años, y su instalación, en el Jenga Tower, se vio demorada por la pandemia.

Nueva York es una de las ciudades más reconocidas en el mundo debido a las múltiples atracciones turísticas que alberga. Además, la Gran Manzana es cuna de grandes eventos culturales, durante todo el año. Por todo ello, se consolidó como un destino ideal para vacacionar. Además, no deja de renovarse y brindar más opciones, tanto a turistas como a locales, y esta semana fue noticia para los amantes del arte por una nueva escultura de Anish Kapoor que suma a su paisaje.

La peculiar obra apareció en Tribeca y se trata de una creación de Kapoor, el mismo escultor responsable de Cloud Gate -popularmente conocida como The Bean- enChicago. Sin embargo, en Nueva York todavía no recibió un nombre oficial, solo se le conoce como una “mini Cloud Gate” o “mini Bean”. La nueva obra en el paisaje neoyorquino está ubicada en 56 Leonard Street, en la planta baja del edificio conocido coloquialmente comoJenga Tower.

Según The Architect’s Newpaper, los planes para comenzar con esta escultura iniciaron casi a la par de cuando se construyó el edificio en el que se colocó.

La escultura se encuentra en el edificio conocido como Jenga Tower, en Nueva York
La escultura se encuentra en el edificio conocido como Jenga Tower, en Nueva YorkTwitter/@designboom

Aunque puede tomarse como una ‘réplica’, la nueva escultura tiene innovaciones. Por ejemplo, resalta el sistema de suspensión con el que cuenta. A diferencia de The Bean de Chicago, que está construida sobre un gran bastidor, la nueva se ubica sobre varios bastidores individuales. Además, también hay una diferencia en cuanto a los materiales y recursos económicos utilizados. En Chicago se fabricó con soldadura y carenado en el sitio, mientras que en Nueva York se usaron rodajas minuciosamente ajustadas, lo cual provocó que se duplicara el costo de fabricación.

Los inconvenientes

En cuanto al proceso de instalación y realización de la obra en Nueva York, hubo varios imprevistos para los fabricantes. El procedimiento se vio entorpecido debido a la pandemia por Covid-19 en 2020. El equipo de Kapoor, proveniente del Reino Unido, no pudo trasladarse a EE.UU. por las restricciones sanitarias. Asimismo, los envíos de las piezas de la escultura se vieron retrasados.

La obra de Nueva York no ha sido bautizada oficialmente aún, pero ya está lista para recibir a los visitantes
La obra de Nueva York no ha sido bautizada oficialmente aún, pero ya está lista para recibir a los visitantesTwitter/@designboom

Recién en septiembre de 2021 se logró reanudar la fabricación de la obra. Sin embargo, la escultura no solo se enfrentó a problemas por la crisis sanitaria. En verano de 2022 también se informó quese había roto por el calor, según datos del mismo medio citado.En febrero de 2023 la misión se completó. La obra, que hasta el momento no tiene nombre oficial, está lista para recibir a turistas y locales curiosos.

¿Quién es Anish Kapoor?

Según la galería de arte Lisson, Anish Kapoor, creador de la Cloud Gate de Chicagoy de su flamante réplica en Nueva York, es uno de los escultores más importantes de su generación. Conocido mundialmente por sus obras en el espacio público, el artista, de 68 años, destaca por maniobrar sus figuras entre escalas diferentes. Además, usa formas geométricas e impregna su arte con mitologías del mundo antiguo, específicamente con las culturas india, egipcia, griega y romana.

Kapoor es originario de India, aunque vive y trabaja en Londres. En cuanto a su preparación artística, de 1973 a 1977 estudió en el Hornsey College of Art, de esa ciudad. Posteriormente, realizó un posgrado en la Chelsea School of Art de Londres (1977-78). También ha recibido numerosos premios y condecoraciones gracias a su trabajo, célebre en todo el mundo.

Alejandro Arce, el hombre que llevó las esculturas de arena a la categoría de arte

Fuente: Télam ~ En estos días de enero las redes sociales multiplican imágenes de playas, sombrillas, biquinis y deportes al sol. Pero en los últimos años las obras de Alejandro Arce se han ganado un lugar entre las postales de la temporada. Están hechas con arena pero poco se parecen a los tradicionales castillos con los que suelen entretenerse los chicos. Se trata de figuras trazadas en el suelo, mandalas de inmensas dimensiones o esculturas de animales prehistóricos o muy actuales: camaleones, dinosaurios, osos y yacarés.

Todas son producto de una de las facetas artísticas del hombre que nació en Bariloche y dedicaba las madrugadas a dibujar algunas de las flores y plantas con las que se cruzaba en sus paseos cotidianos. Después tuvo un paso por la carrera de Ingeniería Mecánica y trabajó muchos años como técnico en la Comisión Nacional de Energía Atómica haciendo proyectos de microturbinas hidráulicas y eólicas alternativas con materiales reutilizados.

“Pero siempre hacía arte y me dí cuenta de que es lo que más quería. Me ofrecieron subirme tres categorías para que no me fuera, pero decidí dedicarme a lo que me gustaba”, recuerda sobre aquella decisión.

Arce convirti a la playa en su galera de arte
Arce convirtió a la playa en su galería de arte.

Desde entonces hizo flores gigantescas de papel en cartapesta, serigrafías y afiches multicolores (algunos para campañas políticas) pero logró dedicarse a su pasión: el arte en todas sus facetas, al que conjuga con la docencia en la Universidad Nacional de las Artes. Allí, en el marco de un proyecto de Arte e Inclusión que lleva propuestas de talleres a poblaciones vulnerables y al mismo tiempo capacita a los docentes para responder a las necesidades de esas poblaciones.

Las manos en la arena

Desde chico, en su Patagonia natal, Arce había incursionado en el “land art”, una disciplina artística en la que la obra se entrelaza con el paisaje que la rodea. Por eso en los parajes sureños que recorrió todavía quedan torres de piedra en equilibrio que él construyó. Pero hace unos 15 años jugando con sus cinco hijos en algún lugar de la costa bonaerense descubrió que la arena era un buen material para esculpir. “Empecé a experimentar cómo manejarlo y decidí hacer una serie de animales. Siempre me interesó la ecología”, recuerda.

Dinosaurios en la Bienal del Chaco.

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El resultado de ese interés está en los cuadernos que usa para pensar, investigar e ilustrar cada proyecto e incluso el paso a paso de cada obra. Y también en sus redes donde pueden verse los modelos terminados: hay tortugas, pulpos, tiburones, búhos, camaleones, manatíes, canguros y ofidios de todas las especies. Algunos tienen dimensiones  colosales: unos 5 metros o el equivalente a dos pisos de altura, lo que le insume hasta 90 toneladas de arena, un material que demandaría 30 camiones llenos para ser transportado.

Una torre de piedras en equilibrio
Una torre de piedras en equilibrio.

Ya convertido en referente nacional e internacional en la escultura en arena el artista es participante habitual de la Bienal del Chaco, donde lleva sus talleres y propuestas de arte efímero, pero también recorre la costa atlántica invitados por los municipios de la región, y por diversas empresas como estrategia publicitaria.

“En verano me invitan a la playa para hacer figuras. Pero fuera de temporada también me convocan y me llevan la arena a la peatonal”, cuenta el hombre cuya actividad no se detiene, y en los primeros días de enero estuvo en el Municipio de la Costa y también en la cancha de voley de playa del Club Macabi en San Miguel.

Otras obras de arte efímero. 

Sin embargo, uno de los trabajos más impensados que realizó fue un bar de arena en la costa de Panamá. “Había hecho uno para una marca de cerveza en Pinamar: con barra, mesas, sillones. Así que me convocó otra marca mexicana para replicarlo en una playa panameña. Le agregué algo de mi serie de animales: una tortuga de mar y un manatí”, explica el escultor cuya conciencia ecológica lo lleva a estudiar cada especie con detenimiento antes de dedicarse a esculpirlo.

Dndole vida a una tortuga marina en Panam
Dándole vida a una tortuga marina en Panamá.

Técnica y paciencia

Cuenta Arce que para armar sus figuras en la arena no comienza con una pila como las familias hacen en la playa para construir un castillo. Trabaja apisonando capas de 10 centímetros de arena para que el material tenga la misma firmeza en cada punto de su escultura.

“Si son objetos muy grandes construyo cajones de madera y uso un pisón o compactadora, si es más chico, unos aros que fabriqué con tachos de pintura de 20 litros y mis pies o una pala. Voy agregando agua de a poco para que cada centímetro de la arena reciba la misma cantidad de líquido. Cuando está lista, un proceso que puede llevar varios días, lo esculpo con espátulas y otras herramientas que yo mismo fabriqué con desechos”, describe.

Y luego cuenta que aunque hay gente que solo visita las playas que tienen la mejor arena para esculpir, él se le anima a cualquier clase y se enorgullece de haber hecho sus obras con ceniza volcánica: “Después de la erupción del volcán Puyehue, en 2011, cayó muchísimo el turismo y me contrataron desde Bariloche para promocionarlo para la gente que tenía miedo y fantaseaba con que las cenizas eran tóxicas. Entonces hice esculturas con cenizas volcánicas. Es el peor material que me tocó en la vida. Se chupaba toda el agua y era muy difícil de compactar. Pude hacer varias cosas más chicas”.

Un pulpo de 35 metros de altura que realiz en Portugal
Un pulpo de 3,5 metros de altura que realizó en Portugal.

Arce reconoce que el suyo es un arte efímero y que aunque trabaje durante más de 20 días como cuando participó del Festival Internacional de Esculturas de Arena de Portugal, una lluvia o un viento fuerte pueden desmoronar esos seres fantásticos que tanto le costó construir. “También hago dibujos en el piso de arena, mandalas o guardas con rastrillos, que se borran cuando sube la marea así que tengo apenas dos horas para hacerlas”, agrega.

Un equilibrista de corcho

Pero no solo de arena vive el hombre. Arce está en permanente búsqueda de nuevas formas de expresión. Actualmente rescató sus conocimientos técinicos para realizar mecanismos autómatas de corcho inspirados en los pájaros nativos de la Argentina para los cuales recicla corchos, lectoras de DVD estropeadas, botones y perillas de electrodomésticos en desuso, y maderas de cajones de frutas. Otros son de papel y al correr componen imágenes diversas. Una de ellas homenajea a Milagro Sala, la líder social de la corriente Tupac Amaru detenida en Jujuy. Algunos de estos mecanismos se transformaron en videos breves con instrucciones precisas que difunde con frecuencia el canal Paka Paka.

En su taller en el que se apilan cuidadosamente las cajas con toda clase de materiales y maravillas, sus dos gatos disfrutan de una canasta a su medida realizada por el artista con cartones y la técnica de cartapesta. Porque esa es precisamente su idea de arte: un don para compartir con los demás, incluso sus mascotas.

Una pareja de canguros
Una pareja de canguros.

Increíble: Una obra de arte de un árbol quemado en el campo

Fuente: InfoNews ~ Un objeto instalación del casi centenario Luis Felipe “Yuyo” Noé busca advertir sobre la peligrosa depredación de la naturaleza.

A menos de 100 kilómetros de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, exactamente 65,9 km, en parte de 35 hectáreas del Museo Campo Cañuelas, el artista Luis Felipe “Yuyo” Noé levantó su obra “Compleja Esperanza”, un objeto-instalación con un ejemplar forestal recuperado de la tierra y que se presenta en forma invertida con las raíces abiertas en la parte superior utilizando conceptos sobre su teoría del caos.

En el parque donde se emplazará la obra además de una abundante flora autóctona hay especies animales como pavos reales y ovejas. 

Noé, quien el próximo 26 de mayo cumplirá 90 años, llama caos a aquello “inasible que cambia más allá de nuestra consciencia”.

En su obra teórica desarrollo el concepto “Caos” teniendo en cuenta que el orden de lo vital es  “un estado permanente de transformación y en el momento en que parece instalarse en el tiempo como orden comienza un nuevo cambio”.

El objeto instalación de Yuyo Noé que ahora está en el interior, en el futuro va a convivir en el exterior con obras emplazadas en el parque escultórico como las de Gabriel Chaile, conocido por «Mamá Luchona» y Alexis Minkiewicz, quien trascendió por la obra de la afroargentina María Remedios del Valle, entre otros.

Un espacio cerrado que también contiene obras inspiradas en la botánica de las flores, es la sala temporaria con piezas de Adriana Bustos y Marcela Cabutti.

Desde el sábado último se incorporó un espacio nuevo de 1600 metros cuadrados donde se reúne la colección de la Fundación Tres Pinos con obras históricas de Carlos Alonso, Antonio Berni y Lineo Enea Spilimbergo, icónicas del siglo pasado.

En la presentación de “Compleja Esperanza” Noé contó que se sintió “desafiado” por esta nueva producción desde el comienzo, donde juega con las formas invertidas, los colores desafiantes y la mixtura de materiales donde rescata el bronce de las antiguas esculturas.

Karina El Azem, una de las artistas que trabaja para sumar su obra durante el 2023 en Museo Campo Cañuelas, dijo a Infonews: “Va a ser un mural con la técnica característica de mi trabajo a partir de patrones realizados con cuentas de plástico que escaneo y luego multiplico, combino y distorsiono por medios digitales indagando en distintas formas de geometría fractal e hiperbólica, con la computadora como herramienta de construcción. Por su textura, remite al telar, al trabajo típicamente asociado a las mujeres y al engaño fundacional de un elemento atractivo a la vez un artificio”.

El origen de Museo campo Cañuelas hay que buscarlo en la tarea del médico y coleccionista Ricardo Cádenas, quien pasó casi medio siglo comprando y apoyando al arte argentino y latinoamericano.

Cárdenas, su esposa Alicia y su hijo Rodrigo, desde la Fundación Tres Pinos, ya tienen en funcionamiento el Museo de Arte Contemporáneo de La Boca (Marco) y están construyendo el nuevo Museo de la Ilustración. Además, siguen trabajando para tener en Cañuelas el próximo año, un hotel-residencia para apoyar a los artistas emergentes, un programa educativo para acercar el arte a las niñeces.

La perturbadora obra de arte que engañó a la Policía de Londres: “Es para que la gente se horrorice”

Fuente: La Nación – El realismo de una escultura realizada por Mark Jenkins provocó todo tipo de reacciones entre la población del Reino Unido.

La Policía de Londres entró por la fuerza en una galería de arte del centro de la ciudad para socorrer a una persona inconsciente, solo para descubrir segundos después de que se trataba de una instalación de arte.

Cuando los agentes se acercaron a la mujer, que estaba desplomada sobre una mesa en la galería Laz Emporium en el barrio de Soho, vieron que era en realidad una muñeca hecha de cinta de embalaje y relleno.

Así se ve "Kristina" desde la vereda del establecimiento
Así se ve «Kristina» desde la vereda del establecimientoBBC

La escultura realista es una representación de la hermana del galerista Steve Lazarides, Kristina, con la cabeza en un plato de sopa. Él fue quien encargó la obra a su amigo, el artista estadounidense Mark Jenkins, que hace “esculturas callejeras provocativas”.

Antes, Jenkins había hecho una escultura de un cuerpo flotante en un canal de Ámsterdam, lo que también provocó varios llamados de los servicios de emergencia, explicó el dueño de la galería.

Lazarides encargó la escultura para adornar o dar un toque artístico a una mesa de la galería. “No quería tener una mesa de US$24.000 sin algo divertido o angustioso para complementarla. Está ahí para hacer que la gente sonría o se horrorice, para provocar una reacción y captar la atención de la gente. La gente siempre se detiene y mira la obra y es genial porque se quedan y entran en la tienda”, dijo.

Y añadió que la empleada del establecimiento, que estaba en el lugar en el momento de la visita de la Policía, había subido las escaleras para prepararse una taza de té y se sorprendió al encontrar a dos uniformados confundidos y una puerta forzada.

Según explicó un portavoz de la Policía (Met Police, como se conoce a la fuerza en Londres), recibieron un llamado el 25 de noviembre que expresó “preocupación por el bienestar de una persona en un local comercial cerrado” en la calle Lexington.

A su vez, la escultura despierta la curiosidad de los habitantes
A su vez, la escultura despierta la curiosidad de los habitantesBBC

“Aproximadamente a las 17:57, los agentes ingresaron al domicilio donde descubrieron que la persona era, de hecho, un maniquí. La Met tiene el deber de responder cuando hay preocupación sobre el bienestar (de una persona)”, añadieron por toda explicación.

El mundo del arte se encuentra asombrado por una noticia particular: durante la inspección de rutina de una pintura del artista francés Paul Cézanne conocida como “Naturaleza muerta con pan y huevos”, la jefa del museo de Arte de Cincinnati, Estados Unidos, dio con un secreto guardado en la obra que data de 1865.

Mientras la revisaba, Selena Urry notó algo extraño: pequeñas grietas parecían formarse en zonas muy específicas del lienzo, configurándose así una especie de patrón. Junto a ello, también pudo vislumbrar algunos destellos de blanco que resaltaban entre las quebraduras, lo que le llamó más la atención.

Paul Cézanne
Paul CézanneMuseo de Arte de Cincinnati

“Lo primero que pensé es que podría haber algo debajo que deberíamos mirar”, contó a CNN. Con intenciones de resolver el misterio, la mujer se puso en contacto con una compañía médica local y solicitó la entrega de una máquina de rayos X portátil para hacer un escaneo y develar de una vez por todas el contenido oculto.

Con ayuda de programas de edición de fotos, encontró finalmente la respuesta que estaba buscando. Al poner la pintura en vertical y unir las manchas descubiertas en un principio, le fue posible dar con la imagen de un hombre.

La restauradora italiana que mantiene impecable el “David”, de Miguel Ángel, con una simple pinceleta

Fuente: La Nación ~ Eleonora Pucci, conservadora de la Galería de la Academia de Florencia, se ocupa de quitar el polvo a la célebre estatua de cinco metros de altura; “debe ser el mejor trabajo del mundo”, asegura.

Imaginen un trabajo que les permite un acercamiento personal y en primer plano —realmente personal y en primerísimo plano— con una de las esculturas más famosas del mundo. Ese es uno de los beneficios extra de trabajar como restaurador permanente de la Galería de la Academia en la ciudad de Florencia, Italia, donde la tarea de Eleonora Pucci es sacarle regularmente el polvo a la estatua del David, de Miguel Ángel, una ocupación que describe como desopilante y a veces también pesadillesca. “Contribuir, aunque sea ínfimamente, con la conservación de la belleza del David debe ser el mejor trabajo del mundo”, dice Pucci. “¿Acaso hay mejor legado que la belleza?”.

Primer plano del trabajo de la restauradora Eleonora Pucci en el "David"
Primer plano del trabajo de la restauradora Eleonora Pucci en el «David»CHIARA NEGRELLO – NYTNS

La Galería está cerrada, como todos los lunes, y por los pasillos del museo se escucha el ruido metálico de los andamios que el equipo especializado está levantando en la aireada rotonda que alberga al David. Durante el transcurso de la mañana, esa torre de andamios irá siendo milimétricamente reposicionada para que Pucci pueda alcanzar todos los recovecos de esa estatua de 5 metros de altura. Pucci trepa ágilmente hasta estar cara a cara con la gigante escultura que Miguel Ángel talló en un solo bloque de mármol entre 1501 y 1504, la primera estatua colosal desnuda realizada desde la antigüedad. El David tiene su hogar en la Galería de la Academia de Florencia desde 1873.

La tarea comienza con un primer plano fotográfico para monitorear mejor el desgaste de la estatua y verificar cuánto polvo y restos microscópicos se han depositado en ella desde la última limpieza. La cantidad de polvo y otros residuos cambia según la temporada, la cantidad de visitantes que recibe el museo y el tipo de ropa que lleven puesta. Las fibras microscópicas pueden quedar atrapadas en diminutas telarañas entre los mechones del cabello esculpido. “Es bastante normal”, dice Pucci con naturalidad, una razón más para asegurarse de que las obras de arte sean controladas constantemente.

La restauradora Eleonora Pucci quita el polco del "David" cada dos meses
La restauradora Eleonora Pucci quita el polco del «David» cada dos mesesCHIARA NEGRELLO – NYTNS

Usando una pequeña pinceleta de cerdas sintéticas—”Atrapan mejor el polvo”, dice la conservadora— Pucci empieza a cepillar suavemente la cabeza de David, levantando partículas diminutas que son succionadas de inmediato con una pequeña aspiradora diseñada especialmente para usarse en las estatuas y la arquitectura de los museos. Pucci lleva la aspiradora atada a su espalda, como la mochila de protones de la película Los cazafantasmas.

La conservadora se toma su tiempo —el desempolvado normalmente consume toda una mañana—, aplica movimientos suaves y amplios, y en determinado momento acaricia la mejilla de piedra del coloso con el dorso de su mano. Durante los casi cuatro años que lleva en este trabajo, ha desarrollado fuertes sentimientos por Miguel Ángel y su genio.

Desempolvar el David, dice Pucci, le despierta “una gran emoción”, y admiración por un artista capaz de crear tanta belleza en piedra. Y siente lo mismo cuando les quita el polvo a los llamados “Prisioneros” o “Esclavos”, cuatro figuras que Miguel Ángel diseñó para el mausoleo del Papa Julio II, pero que dejó sin terminar y también están en la Galería. “En los prisioneros se puede apreciar su técnica, las marcas de su cincel. Es como entrar en su proceso mental y empezar a entender cómo abordó al mármol para liberar esas figuras que él creía atrapadas dentro de la piedra”, dice Pucci.

Aunque el polvo se quita seis veces al año, el David no recibe una limpieza a fondo desde 2004, por su 500 aniversario, y las tareas estuvieron marcadas por una áspera controversia sobre el mejor método a utilizar. Y aunque el trato que recibe el David tal vez sea especial, Pucci pasa gran parte del tiempo asegurándose de que toda la colección del museo esté en óptimas condiciones. Es la encargada de revisar las pinturas y los marcos de madera en busca de deformaciones, pintura descascarada o cuarteada, y las primeras señales de la presencia de carcoma.

Todas las obras de arte fueron revisadas recientemente, cuando el museo fue sometido a una total renovación “para traerlo al siglo XXI”, dice Cecilie Hollberg, directora de Galería de la Academia. La renovación coincidió con el cierre por la pandemia de 2020, lo que permitió llevar a cabo una revisión profunda de los sistemas de aire acondicionado, electricidad e iluminación sin incomodar al público o interrumpir las visitas. El cierre pandémico también permitió evitar que las obras se hicieran de noche, como estaba previsto originalmente. La renovación le dio al museo la oportunidad de “plantarle algo de competencia al David”, exhibiendo mejor otras piezas de la colección que a menudo terminan siendo secundarias ante el poder magnético de la obra maestra de Miguel Ángel, señala Hollberg. “Quisimos que cada pieza tenga el lugar que se merece, para darle equilibrio al museo.”

A pocas cuadras de la Galería, pasando la famosa catedral renacentista de Florencia, este mes los restauradores también estaban realizando una limpieza a fondo de la copia del David que está instalada desde 1920 en Piazza della Signoria, la plaza principal de la ciudad. Esa copia fue realizada para reemplazar la escultura original —encargada por la República de Florencia en 1501 como símbolo de su libertad y autonomía—, después de que fuera retirada de la plaza en el siglo XIX, por temor a su deterioro a la intemperie.

La Galería de la Academia fue construida especialmente para albergar la escultura. Allí también los restauradores estaban trepados a los andamios para aplicar las compresas de pulpa de papel en los brazos, la espalda y las nalgas de la estatua. Esas compresas empapadas en productos químicos no tóxicos sirven para eliminar los contaminantes del medio ambiente y matar el musgo, las algas y los líquenes que se pueden formar en el mármol debido a su exposición constante a los elementos naturales. Al estar al aire libre, la estatua también está expuesta a la erosión del viento, aunque su parte posterior está parcialmente protegida por el Palazzo Vecchio, el Ayuntamiento de Florencia.

Linda Bartolozzi, una de las restauradoras, dice que cuando terminen con la limpieza, se harán los retoques que sean necesarios y luego se recubrirá la escultura con un producto protector para ayudarla a resistir la intemperie. “Pero en general está en buen estado”, señala. En marzo, Bartolozzi y su equipo tuvieron que realizar una intervención de emergencia después de que un hombre prendiera fuego la sábana negra que el alcalde de Florencia, Dario Nardella, había colocado sobre la copia del David como protesta por la guerra en Ucrania. Como la tela de la sábana era sintética, al derretirse dejó algunos rastros en la estatua, dice la restauradora.

Giorgio Caselli, el arquitecto que supervisa el mantenimiento de las obras de arte al aire libre de Florencia, dice que la principal causa de daño de las estatuas de la ciudad es el vandalismo. “Probablemente el mayor problema que enfrenta el patrimonio cultural de una ciudad como Florencia sean los seres humanos, los vándalos”, dice Caselli. “Los grados de incivilidad son terribles.” Caselli menciona los grafitis que aparecen casi a diario en los palacios, los turistas que usan las fuentes públicas como baños personales, y los hinchas de fútbol de equipos visitantes que llegan a la ciudad para asistir a un partido. “Actualmente, los ataques más agresivos son esos”, señala el arquitecto.

El mantenimiento de los monumentos municipales sigue un cronograma estipulado, dice Caselli, y agrega que, a pesar del ataque incendiario, el plan de mantenimiento de la copia de David sigue sobre rieles. Naturalmente, agrega el arquitecto, la copia de la plaza no recibe el tratamiento de “desempolvado” regular que tiene la escultura original. “Para eso está la lluvia”, dice.

(Traducción de Jaime Arrambide)