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Fuente: La Nación – Diez artistas internacionales crearon obras a lo largo de una semana frente al público; la fiesta cultural, que termina este domingo, creció en todas las disciplinas y congregó más de 800 mil visitantes.

En una semana atravesada por las cuatro estaciones, la Bienal del Chaco es la gran fiesta de la escultura, un oasis entre los problemas endémicos de esta provincia. Comenzó con temperaturas bajo cero y termina mañana cerca de los 30 grados, y como lo hace desde hace 36 años, repitió una vez más el fenómeno de hacer del Parque 2 de Febrero un epicentro de la creación. Es la primera edición en la que una réplica exacta, gemelo digital, del David de Miguel Ángel recibe al visitante, pero está tan naturalizado aquí el arte que no es fácil llamarle la atención a los vecinos de 670 esculturas instaladas en el espacio público gracias a esta iniciativa. Al llegar, van directo a buscar las últimas novedades: la escultura que flota en el espacio, los animales de arena o la talla de una virgen para la catedral local.

Josese Eidman, presidente de la Fundación Urunday, organizadora del encuentro, tiene en la mente una lista de números récord: 14 hectáreas, más de 800.000 visitantes, más de veinte escultores trabajando, 400 artistas en cuatro escenarios propios, 60 bandas locales, 80 maestros artesanos (tallistas, ceramistas, tejedores, talabarteros, joyeros, plateros), 250 artesanos criollos e indígenas, diez comunidades aborígenes del Gran Chaco. Suceden en simultáneo el Vl Encuentro de maestros artesanos argentinos y el Vll Encuentro de Arte Indígena y Artesanía de pueblos originarios. El arte aquí tiene sentido amplio y sin distinciones.

El núcleo es la gran competencia que representa el mundial de la escultura, con diez artistas creando obras tridimensionales en metal ante los espectadores. Fueron elegidos entre de 157 postulantes de 55 países y llegaron a Chaco con el auspicio de sus gobiernos. Se pasean entre las obras delegaciones de nueve embajadas; el único competidor argentino, Luis Bernardi, ganó esta noche el premio del público y el que otorga un jurado compuesto por niños. “Esto es el resultado de un esfuerzo virtuoso entre todos los actores de la sociedad. Es una suma de voluntades. Lo mancomunado es superador de los esfuerzos individuales. Está pensado para que el artista local se ponga en diálogo con el arte internacional, y lo logramos. Esto es un certamen de naciones”, dice Eidman.

Los visitantes, que no pagan entrada, hacen preguntas técnicas, se involucran en el proceso, piden selfies y emiten su voto escaneando un QR: cada visitante es miembro del jurado. El jurado de honor está integrado por Piotr Twardowski, de Polonia; Carlos Monje, de México y Ramón Morales Rossi, de Venezuela, y entrega premios honoríficos. Los escultores son celebridades, fueron declarados visitantes ilustres y además todos tienen premio de 5000 dólares por participar y dejar su obra en la ciudad. Resuena la palabra sinergia.

Los diez escultores que forman parte del Concurso Internacional de Escultura terminaron sus obras horas antes del cierre de la competencia, que se desarrolló hoy un acto multitudinario. Tras dos ediciones dedicadas al mármol, esta vez el desafío fueron esculturas en metal. ¿Quién quiere esculpir piedra bajo la mirada del genio renacentista? (el precio del mármol, además, este año era imposible). “Variamos los materiales año tras año, para que el público conozca diferentes maneras de hacer escultura. Convocamos a los mejores”, señaló Mimo Eidman, escultora y directora ejecutiva de la Bienal.

Tuvieron ocho jornadas y comenzaron con dos unidades de chapa lisa de acero laminada en frío de proveedores locales. También se les dio una barra de hierro liso, bisagras, pernos, bujes, bulones y planchas con diseños, además de sus propias herramientas. Las obras se unirán luego al museo a cielo abierto que es esta ciudad, donde las esculturas no sufren vandalismo y son cuidadas por un equipo de mantenimiento certificado con normas IRAM ISO 9001. También está certificada la organización de la bienal y se mide la huella de carbono para mitigar el impacto ambiental.

El escultor Billy Lee de Estados Unidos terminó temprano su obra, un obelisco negro, pero se puso la máscara, encendió la máquina y comenzó a soldar en una parte de la escultura de su compañero Emrah Önal, de Turquía, para darle una mano. Bernardi empuñaba un compresor para teñir a su obra Simpleza de verde fluorescente. Butrint Morina (Kosovo) optó por un acabado oxidado para su pieza, una figura de mujer cubista. Carlos Iglesias Faura (España) se empeñó hasta último momento en lograr una geometría perfecta y quedó en el tercer puesto, según el jurado. La obra Tiempo, de Solveiga Vasileija, ganó el premio otorgado por los propios escultores y el primer puesto del “campeonato” mundial.

Anna Korver (Nueva Zelanda) hizo en metal la silueta de un avioncito de papel. La obra de Bogdam Adrian Lefter (Rumania) representa el reflejo facetado de la luna en el agua. Multiplicidad, del chileno Alejandro Mardones Guillen, ganó el segundo puesto del mundial.

En paralelo, y con mucho menos tiempo, se disputó el Premio Desafío Hierros Líder para estudiantes de arte de todo el país. En 48 horas frenéticas, 27 estudiantes de Santa Cruz, La Rioja, Jujuy, Chaco, Capital Federal, Misiones, Buenos Aires, Salta y Tucumán tallaron obras a partir de un bloque de timbó. No durmieron hasta que terminaron. Resultaron ganadores los estudiantes de la Facultad de Arte y Diseño de la Universidad Nacional de Misiones, con una obra de maderas dobladas con un humidificador creado por estudiantes de Diseño Industrial. “Es una prueba de resistencia. Vienen de lugares increíbles. Los de Santa Cruz tardaron cuatro días en llegar, pincharon dos gomas y se quedaron en el camino. Hay diferentes niveles, pero la idea es que aprendan. Todos llegaron a plantar una obra en condiciones dignas. Es una locura, un fervor”, dijo la escultora Claudia Aranovich, miembro del jurado junto con Paulina Webb y Darío Klehr.

En eI sector que ocupa el IX Encuentro de Escultores Invitados, hay atractivos habituales como los animales que el artista Alejandro Arce modela en arena todos los años, pero esta vez es posible sacarse fotos sentados en la obra y jugar con palas y baldes en un espacio para chicos. El artista Hernán Lira armó un juguete gigante con un sistema de engranajes que se puede activar: los chicos ponen remos y peces a andar. Después de años de ver talladores en mármol, madera y metal en acción, la gran novedad es la obra de Alejandro Pérez: realizada en isopor, Cono 09 se mantiene suspendida flotando con un chorro de aire. El escultor santafecino Tomás Franzoi termina con platea llena el pulido de la Virgen hecha de timbó negro que donará a la Catedral de Resistencia. Carlos Gaspar Moreyra realizó durante los dos primeros días de la semana un taller de modelado en arcilla. Para cocinar sus obras, armó un horno de barro a orillas del río Negro, en pleno predio.

“La situación es crítica en la provincia, pero sabemos lo que este evento significa para hoteles, gastronómicos y todo el ámbito del turismo”, dijo el gobernador, Leandro Zdero. La bienal tiene apoyo provincial y municipal, y muchos sponsors a través de la Ley de Mecenazgo, que funciona bien en esta provincia. En septiembre se conocerán los informes de impacto económico y ambiental que se realizan con mediciones y encuestas.

“Siempre la escultura ha sido un elemento estático. Sin embargo, hoy las esculturas se mueven, se giran, se trasladan, tienen movimientos que pueden ser reales o virtuales. Y luego, otro eje, la presencia de la tecnología que permite una relación con el espectador muy interesante”, analizó María del Carmen Magaz, teórica del arte. En la bienal se produce también pensamiento en unión con universidades, con el IV Congreso Internacional De Artes, el II Congreso Internacional De Derecho Del Arte, el Seminario de Arte, Derecho, Patrimonio y Urbanismo, cursos, charlas y talleres.

Ocurren pequeños milagros y felicidades en torno del arte. En el barrio qom de la ciudad, el artista Juan Pérez, de La Pampa, trabajó toda una noche para dejarles instalado un horno de cerámica a leña para que puedan producir más y mejores piezas. “Soy descendiente de ranqueles y unos amigos chaqueños me propusieron hacer esto. Fue un honor hacerlo”, dice. Los materiales fueron aportados por Ecom, la empresa estatal de comunicaciones. “Todos los auspiciantes buscan cómo hacer que su presencia sea un aporte. Por ejemplo, el instituto Crecer con Todos ayuda a lograr que la bienal sea accesible y además instaló un dispositivo de regulación para chicos con autismo que puedan sufrir con el exceso de estímulos”, cuenta Gaspar Gracia Daponte, director de desarrollo institucional.

Otro prodigio es la música que trae la quinta edición del Festival Filarmónico Juvenil. Es una semana de formación intensiva para músicos y un ciclo de conciertos públicos con la participación de 120 jóvenes del país junto a músicos, profesores y directores de Argentina y diferentes partes del mundo, organizado por la Fundación Pradier. “Formamos formadores y traemos conocimiento acá para que los chicos no se tengan que ir para formarse. Viene un director alemán y otro austríaco, y músicos del Teatro Colón. De Alemania nos mandaron 140 instrumentos que distribuimos entre los chicos”, dice el pianista César Pradier, oriundo de Sáenz Peña.

Hay acciones en torno de la obra de María Juana Heras Velasco en el centenario de su nacimiento. Cruces, en hierro policromado, fue realizada durante el Gran Premio de Honor en la Bienal de 1997, donde participó como artista invitada, y hoy está emplazada en el predio a pasos de las obras de Pájaro Gómez y Carlos Scannapieco. No hay escultor argentino que no tenga en Resistencia una obra.

Pero no sólo de escultura se habla. El artista Javier Acuña termina de pintar una escena del Impenetrable en acuarela y antes de colgarla en la pared de su stand lo detienen: “La compro”. “Vinimos con la intención de mostrar, pero llevamos vendidos más de treinta cuadros. Me sorprende que entre los compradores hay muchos jóvenes”, dice. Otro artista local, Germán Toloza, estuvo estos días pintando un mural en un resto-bar, Chalé. Hizo un perfil de un aguará guazú, y como le sobró tiempo, siguió con abstracciones y una frase que aplica para todo el fenómeno bienal: “Si vale la pena hacerlo, vale la pena hacerlo bien”.

Fuente: Ámbito – El 30 de agosto abrirá la nueva edición de la Feria porteña, en un contexto inédito de crisis y falta de ayuda oficial. El valor del stand duplica el del año pasado, pero los galeristas sostienen que es imposible estar ausente.

Desde el 30 de agosto hasta el 1° de septiembre, la feria arteBA abrirá sus puertas al público, por tercera vez en el Centro Costa Salguero. Durante las inauguraciones previas, los miércoles 28 y jueves 29 de agosto, dedicadas a los invitados especiales, mayormente coleccionistas y representantes de instituciones, se esperan las mayores compras.

La feria pondrá a prueba el mercado del arte. La experiencia indica que, por dura que sea la crisis que atraviesa la Argentina, cuando aparecen las obras cumbre, la situación financiera puede pasar a un segundo plano. De este modo, el arte que presenten los expositores tendrá su peso a la hora de definir el éxito de la Feria. La responsabilidad de seleccionar las galerías, los espacios y un arte con suficiente atractivo y calidad, estuvo este año a cargo de las curadoras Carla Barbero y Florencia Malbrán, además de los galeristas Mora Bacal (Ruth Benzacar), Amparo Díscoli (Cosmocosa) y Ricardo Ocampo (W-Galería).

Si bien la economía argentina no es la mejor, la presencia de 400 artistas y 65 galerías de 15 ciudades distintas, se mantiene desde 2023 con escasas variaciones. El espacio Costa Salguero ubicado en la Costanera Rafael Obligado es muy amplio y permite grandes despliegues, pero tiene una arquitectura desangelada. Su aspecto y la comodidad de los visitantes, dependerá de la gracia del diseño, a cargo de Horacio Torcello, autor del Master Plan Arquitectónico que presentará junto a dos jóvenes colegas.

Los galeristas de la sección principal afrontan en esta edición un costo que ronda los 50 millones de pesos por un stand de alrededor de 100 metros cuadrados. El gasto les resulta excesivo y no lo ocultan. Se trata exactamente de 331.500 pesos por metro cuadrado, a lo que debe sumarse –para llegar a ese monto– el IVA y algunos detalles de acabado final.

Consultados acerca de los números que según aseguran, duplican los del año pasado, los gestores de arteBA responden que aumentaron según el índice de inflación. No obstante, todos los galeristas consideran inevitable invertir ese dinero, más aún, dicen que es imprescindible. “Para no caernos del mapa”, señalan. ArteBA es el lugar donde sienten que tienen que estar.

Se suele comparar el costo del stand porteño con el de la feria madrileña ARCO, emprendimiento que paga el gobierno español. En la Argentina, durante algunos años, el gobierno financió los viajes y la estadía de los compradores de varios museos del mundo, para que vinieran a realizar sus compras. Pero hoy es necesario salir en busca del patrocinio privado.

La importancia de la Feria de 2024 reside en la gran visibilidad que aporta, sobre todo en el medio local. Hay compradores que surgieron con arteBA y esperan esta fecha para mirar el horizonte del arte moderno y contemporáneo. Y recién entonces eligen una obra. Es el público con el gusto y el ojo educados por arteBA.

Los galeristas sienten que por grande que sea el esfuerzo, no pueden dejar que se derrumbe el prestigio ganado por la feria hasta el 2020, durante casi 30 años de trayectoria. Fundada en 1991, arteba, llegó a ser la mayor feria de Latinoamérica y hoy, después de una catástrofe institucional que significó la renuncia en bloque de todos sus fundadores y de Ama Amoedo a la presidencia, emprendió el camino para recuperar el terreno perdido. A Larisa Andreani, la presidenta de la Fundación, le cabe esa enorme responsabilidad, bien secundada por Lucrecia Palacios Hidalgo y Maia Güemes que ocupa este cargo desde hace décadas.

La gestión actual de arteBA tiene sus propios méritos, entre ellos está la ayuda financiera para los galeristas jóvenes que deben dar el gran salto a la sección de las galerías consagradas. Y, a veces, se quedan en el camino. Stage es un nuevo programa de subsidios escalonados. Hay que conocer el ambiente para entender la dificultad de dar este paso. Los galeristas más avezados deberían tener siempre presente que con los pagos de sus stands, contribuyen a sustentar el ingreso de los jóvenes.

Como todos los años, la Sección Utopía, dedicada al arte joven y las producciones más recientes, reunirá galerías gestionadas por artistas, organizaciones con y sin fines de lucro y otras plataformas experimentales de comercialización. Es el lugar que visitan los coleccionistas con ojo avezado para descubrir artistas que pueden llegar a brillar en el futuro, además de buenas obras a bajo precio.

El Espacio Principal albergará las galerías con trayectoria. Allí estarán, entre otras, Aldo de Sousa, Calvaresi, Alejandro Faggioni, Barro, Constitución; Cott, Palatina, Herlitzka, Sendrós, Ruth Benzacar, Sur de Punta del Este; Isla Flotante, Miranda Bosch, María Calcaterra, Mite y Roldán Moderno; Diego Obligado y Subsuelo de Rosario; Nora Fisch, Rubbers, Piedras, María Casado, Jorge Mara – La Ruche, Pasto, Revolver, Van Riel y Rolf. En Utopía figuran, entre otras, Atocha, Aura, El Mirador, Fulana, Grasa, Komuna, Gascón; Jamaica, NN, Intemperie, OHNO, La mesa, La Arte; La Copia, POPA, Satélite, Pionera y Salón Comunal de Bogotá.

Fuente: Perfil – Es en el espacio Cultura Viva y las obras estarán a un valor menor a los habituales. Los artistas plásticos donarán lo recaudado al Hospital oncológico Marie Curie.

El centro cultural Cultura Viva reabre sus puertas el próximo 4 de julio con una exposición y venta de arte en beneficio del Hospital Oncológico Marie Curie. Son 80 obras de 80 artistas argentinos consagrados que se suman a la iniciativa en ese espacio cultural ubicado en el barrio porteño de Abasto.

Las obras exhibidas estarán puestas a la venta y, el dinero que se recaude, será donado en su totalidad a la Cooperadora de este centro de salud de la Ciudad de Buenos Aires que se dedica exclusivamente a la atención de pacientes con patologías oncológicas.

La muestra, que se llevará a cabo entre el 4 y el 14 de julio próximo, con entrada libre y gratuita, contará con la participación de artistas plásticos de la talla de Milo Lockett, Manuel Paz y Paula Rivero, entre otros. Es una oportunidad para coleccionistas o para quienes deseen adquirir su primera pieza única a precios ostensiblemente menores a los habituales (en algunos casos, incluso, a la mitad de su valor de mercado).

Paralelamente, se podrá visitar la sala dedicada a la muestra itinerante “Mirada auténtica”, de la que participa un colectivo de artistas en el marco de la campaña Cuidalaslolas, una iniciativa que surgió en el año 2014 y que utiliza a las obras de arte como vehículo para concientizar sobre la importancia de la detección temprana del cáncer de mama.

Con la coordinación de la artista visual Vivi Berthet y la curaduría de Darío Zilbersztein, ambos también expositores en esta muestra, las obras exhibidas, 80 en total, fueron cuidadosamente seleccionadas para este evento, que será el puntapié inicial de una serie de exposiciones que a lo largo del año podrán visitarse en Cultura Viva. Se destaca, en agosto próximo, la 11° edición del Concurso Pintar, del que participan 300 artistas emergentes (ya fueron seleccionados 120) que expondrán sus trabajos en las instalaciones de CV.

En la muestra solidaria expondrán sus obras: Luis Altieri, Alicia Alvarado, Vivi Berthet, Lorena Chaplin, Víctor Dabove, Ale Feijó, Milo Lockett, Rosario López Ércoli, Gabriel Machado, Marco Otero, Manuel Paz, Paula Rivero, Marito Villafañe y Darío Zilbersztein, entre otros.

Sobre Cultura Viva

Cultura Viva, ubicado a una cuadra del shopping del Abasto (Anchorena 666), es un espacio a cargo de Osvaldo Casin acompañado por la dirección artística de Zulma García Cuerva. El centro funciona como una asociación sin fines de lucro, destinada al desarrollo de la cultura en variadas disciplinas: música en vivo, monólogos de teatro, danza contemporánea, entre otros.

El espacio fomenta también encuentros entre el artista expositor y el público y reuniones multidisciplinarias que amalgamen la obra artística con otra disciplina. Además, se brindan cursos de teatro, literatura, danzas, tango, actividades plásticas para todas las edades, oratoria, collage, stand up, etcétera.

Cuenta con siete salas de exposición de artes plásticas, dos patios techados por vidrio para muestras escultóricas, un teatro con capacidad para 40 personas que suele albergar con frecuencia orquestas, cantantes o parejas de danza. Allí se realizaron shows de jazz, música folclórica, tangos y hasta música griega. Por último, CV también cuenta con una confitería con espacio para unas 100 personas para reuniones y eventos privados.

Fuente: ámbito – Daniel Santoro, con su obra «Piedra, carne, madera», obtuvo el Adquisición. Los galardones son otorgados por la Fundaciòn Osde y el Premio depende de la Academia Nacional de Bellas Artes.

En el Espacio de Arte de la Fundación OSDE se exhibe el Premio de Dibujo Alberto J. Trabucco, dependiente de la Academia Nacional de Bellas Artes. El jurado, compuesto por los académicos, otorga el único Premio Adquisición que es donado a un museo nacional, provincial o municipal de nuestro país.

Diez fueron los elegidos que demuestran “un nivel de excelencia, revelan un proceso técnico, formal y conceptual inherente a toda obra de arte contemporánea”: así lo señaló José Alberto Marchi, destacado artista, Presidente de la Fundación Trabucco.

Entre los artistas convocados está Amadeo Azar (Mar del Plata, 1972) que define su obra como “ensayos visuales”. Incluye al paisaje pampeano, la historia y las vanguardias artísticas.

Lucas Bragagnini (Rosario, 1984), fotografía y dibuja restos arquitectónicos y monumentales que no sabemos si existen o existieron, un clima surreal, arquitecturas que quizás han quedado en desuso para dar paso a las transformaciones que modifican el hábitat de las ciudades transformándolas en impersonales.

Cristina Coll (1956), artista visual interdisciplinaria: su obra transita la pintura, el dibujo, la acción, la fotografía la video performance. Indaga la identidad sexual y de género. Sus dibujos con témpera revelan un muestrario de personajes de físicos diversos y hasta figura un retrato de Manuel Belgrano en tono irreverente, con escritos al apelativo “cotorrita”, por sus habituales vestimentas verdes y su voz aflautada.

Alicia Esquivel, nacida en El Dorado (Misiones), estudió en las Escuelas Pueyrredón y De la Cárcova, vivió en Italia entre 1986 y 2004 donde estudió restauración. Utiliza “punta de plata” para sus animales errantes que se han salvado de incendios o alguna otra devastación, obra que dramáticamente titula “Y no se termina cuando se apaga el fuego”.

Ana Gallardo (Rosario, 1958) es una artista de muy destacada trayectoria que vive actualmente en México. Como hemos visto últimamente, tanto en Fundación Proa como en el Museo Moderno, presenta grandes telas negras con alguna frase al pié, pintadas en rojo o bordado con hilo plateado, sangrientas frases, por ejemplo: “A mi mamá la mató un sicario”, una frase lacónica pero contundente que expresa una de los tantos flagelos contemporáneos.

Sandra Sarrúa encara el paisaje en un apretado y abigarrado conjunto de pastizales y Martín Kovensky presenta, entre sus obras, “El taller de dibujo analógico de la calle Newbery”, grafito y carbonilla con algunos destellos dorados, en un alarde de horror vacui con el que llena el plano del papel.

Huenu Peña (Córdoba,1988) apela a lo digital para dilucidar con líneas y cálculos matemáticos textos literarios shakesperianos, una suerte de poesía visual con importantes referentes en nuestro país como Claudio Mangifesta, Luis Pazos, Eduardo A.Vigo, entre otros, que también incursionaron en lo sonoro.

Cynthia Kampelmacher presenta diez módulos en grafito, acuarela y lápiz color, titulados «Herbarium». Recordamos su participación en el Trabucco 2018. Un bosque que se ve interrumpido por otras estrategias visuales. que lo sustraía de la convencional representación. un trabajo mucho más elaborado e inquietante.

El Premio Adquisición le fue otorgado a Daniel Santoro (Buenos Aires, 1954), artista multidisciplinario, pintor, dibujante, autor de libros de artista, objetos e instalaciones, cuya obra está compilada en un famoso libro que cubre el período 1998-2006 “Mundo Peronista” que no es, como siempre lo pensamos, un panegírico visual y textual, que contiene sus lados brillantes y sus oscuridades.

Los textos pertenecen a Daniel Santoro, Norberto Griffa, Raúl Santana, Fabián Lebenglik, Alberto Petrina. Viajero, conoció lugares remotos, aprendió la escritura oriental y la lengua china, así como el sánscrito y el hebreo, abordó el estudio de la cábala. Artista de gran cultura, de frondosa imaginación, devoto admirador del poeta y filósofo alemán Friedrich Hölderlin cuando se refiere a la patria perdida “por más que busques nunca volverás a encontrarla: consuélate con verla en sueños”.

La obra ganadora, “Piedra, carne, madera”, polvos de tierra, y carbonilla, un extraordinario dibujo figurativo de un cuerpo yacente, quizás sagrado, encontrado en un bosque con la destreza que lo caracteriza también apela a Hölderlin “porque los dioses lo pueden todo; los humanos alcanzan antes el abismo”.

Un anticipo de este dibujo se vio en “Teatro de la memoria”, un panorama, muestra realizada en el Museo Nacional de Bellas Artes en 2023.

(Espacio de Arte- Fundación Osde: Arroyo 807. Lunes a viernes de 12 a 20. Clausura el 16 de agosto.)