Ya está disponible Info Arte # 131 – Año 3, 1 semana de octubre
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Fuente: Ámbito – La nueva edición de Arte Único convoca a artistas de toda la región a plasmar en sus obras su visión sobre la construcción de futuro a partir de las diversidades. Estas son las novedades en las categorías, cómo se compone el jurado y hasta cuándo se pueden presentar los trabajos.
Fernet Branca presenta la edición número 16 de Arte Único, el concurso de arte y diseño más importante de Latinoamérica. A partir del 14 de septiembre, y a lo largo de dos meses, artistas de Argentina, Chile, Uruguay, Bolivia y Paraguay podrán mostrar y potenciar su creatividad, y competir por $6 millones en premios. Informate más
Arte Único 2023 se propone como un espacio de expresión personal, abierta a artistas profesionales, amateurs a quienes se vean interpelados para hacerlo por primera vez. Este año, la premisa que guía el certamen es “¿Cómo imaginás el futuro del mundo con diversidad?”. De esta forma, Fernet Branca vuelve a tomar un rol protagónico, en vistas de aquellas temáticas sociales que ya son parte de nuestro presente y aún se están elaborando. La marca pone en valor, una vez más, al arte como catalizador de estas conversaciones.
La nueva edición del certamen fue presentada en un evento conducido por quienes protagonizan la primera mañana de Luzu TV, Diego Leuco y Micaela Vázquez, quienes, además de esta nueva premisa, presentaron otras novedades para este año. A la extensión etaria en la inscripción (mayores de 18 años, sin límite de edad) y la expansión hacia el continente anunciados en 2022, se suman en esta edición la invitación a artistas de Bolivia, y la implementación de nuevas categorías -siendo la más relevante la inclusión de obras sin uso de la iconografía de la marca-.
La diversidad, un valor que se proyecta
“En esta 16ª edición vamos un paso más allá, haciendo de nuestro concurso una oportunidad para hablar de diversidad, un eje transversal hoy en día. Creemos que desarrollar una mirada verdaderamente abierta sobre la diversidad implica una influencia muy positiva en la construcción de nuestro futuro”, mencionó Carolina del Hoyo, directora regional de marketing de Fratelli Branca.
El concurso busca estimular la producción de arte en distintas regiones generando piezas únicas. Es así que el nuevo eje temático que plantea la marca para este año se refleja en nuevas categorías. A la tradicional, con base en la iconografía de la marca -“Legado Branca”-, se suman dos espacios unbranded: “Expresión futura”, y “Arte en movimiento”, la categoría de afiche motion.
“Fernet Branca es un emblema cultural de nuestro país, razón por la cual nos comprometemos activamente en un amplio abanico de ámbitos, el arte entre ellos, con una enorme prioridad para la marca. La expresión artística permite la elaboración y manifestación de inquietudes profundas del ser humano, por lo que acciones de este tipo resultan muy fértiles para habilitar la conversación sobre temas sensibles. Buscamos hacer de Arte Único un espacio que promueva la reflexión y la creatividad, potencie la pluralidad de voces y tienda puentes en nuestra sociedad”, agregó del Hoyo.
Además, esta edición vuelve a contar con el apoyo de la Fundación Cultural Anden 2222, promotora del acceso y la difusión de las artes, a través del apoyo a programas y proyectos que promuevan el arte, la cultura, la educación, la solidaridad y la ciencia. “El arte y Fernet Branca tienen muchas cosas en común: el énfasis en los conceptos de creatividad, originalidad y experimentación.”, mencionó Alfredo Segatori, artista y presidente de la fundación. “El arte es, indiscutiblemente, integración: cuando creamos espacios para incluir a las diversidades a la cadena de valor y producción del arte, las barreras socioculturales quedan atrás”, agregó.
Inscripción y desarrollo
A lo largo de dos meses, quienes deseen participar podrán ingresar a arteunico.com.ar y cargar sus obras. Estas serán evaluadas por un jurado de artistas, con miembros de todos los países participantes: Hernán Berdichevsky y Enrique Longinotti (ARG), Melissa Cronenbold (BOL), Javiera Ortega (CHI), Leda Sostoa (PAR), y Diego Prestes (UY).
La edición repartirá $6 millones de pesos en premios. Quienes ganen, que serán elegidos por la originalidad y compromiso de sus trabajos, serán premiados con $1.500.000 para el primer puesto, $1.000.000 para el segundo y $800.000 para el tercero, en la categoría “Expresión futura”. Además, Fernet Branca reconocerá con $1.500.000 a quien obtenga el primer puesto de la categoría “Arte en movimiento”, mientras que el o la ganadora de “Legado Branca” recibirá un premio de $1.200.000.
A fin de desarrollar y comprender los alcances de la diversidad como eje y su aplicación en el arte, se podrá acceder a un webinar, asincrónico y gratuito, desarrollado junto a Publicitarias.
Fuente: Ámbito – Organizado por la Asociación de Amigos de Arte Moderno, el pasado martes 26 de septiembre se celebró Manifiesto Verde, un homenaje al reconocido artista plástico Nicolás García Uriburu. Además, la cena fue de recaudación de fondos para seguir desarrollando las distintas actividades que lleva adelante a diario el Museo.
Amigos del Museo Moderno es una asociación sin fines de lucro dedicada a acompañar y potenciar a este espacio público emblemático de la ciudad de Buenos Aires. Este martes 26 de septiembre organizaron una exitosa cena para recaudar fondos para el Museo, y además realizaron un merecido homenaje al artista plástico Nicolás García Uriburu en el marco de la exposición «Manifiesto Verde» que actualmente se encuentra en exhibición en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.
Estuvieron presentes las autoridades del Museo, artistas, celebrities y personajes relacionados con el arte y la cultura, y los fondos recaudados serán destinados a un programa de beca de artistas y profesionales para la Residencia de artistas de Casa Heredia, la primera con estas características dependiente de un museo público de Argentina.
El titular del Consejo Interamericano de Comercio y Producción, Marcos Pereda y Azul García Uriburu, hija del artista homenajeado.
La ambientación del evento fue llevada a cabo por el Estudio Marisa Tenguerian que decora la planta baja del museo inspirándose en el imaginario del artista, y cuenta con obras de las escultoras Valeria Vilar y Marcela Cabutti exhibidas en las mesas y en los livings de Floralis. Los asistentes se sumergieron en una experiencia digital inmersiva que fusiona arte y tecnología, basada en la obra de Nicolás García Uriburu y realizada por Uxart.
En el ingreso se proyectaron con realidad aumentada, los sitios naturales argentinos que inspiraron al artista. En el Auditorio se proyectó un video de la Fundación García Uriburu, con la voz en off de Blanca Isabela Alvarez de Toledo, entonces esposa del artista, contando y mostrando la coloración de Venecia. Así como un emotivo testimonio audio y fotografías del emérito fotógrafo Aldo Sessa, amigo y vecino de taller del artista, con una presentación de retratos del artista. El auditorio también fue el espacio elegido para sumergirse en una visita guiada a través de la inspiración de García Uriburu en el Medio Ambiente utilizando cascos de realidad virtual.
Andrés Felipe Durán, Responsable de Uxart.
Los invitados bajo la consigna Naturaleza exuberante fueron recibidos en el museo por los Amigos del Moderno con un trago especial con la coloración Uriburu, diseñado por el barman de la Bodega Navarro Correas.
Los asistentes se sumergieron en una experiencia digital inmersiva que fusiona arte y tecnología, basada en la obra de Nicolás García Uriburu y realizada por Uxart.
La Asociación Amigos del Moderno funciona como un nexo entre lo público y lo privado. Desde lo administrativo se realizan numerosas tareas de la Asociación Amigos para el Museo Moderno. Entre ellas: Apertura de cuentas bancarias, seguimiento de estado de proyectos de mecenazgo, firma y seguimiento de convenios, Pagos bancarios, con tarjeta, conciliación de cuentas, Control de rendición Fondo Fijo, control de ingreso de Donaciones, y más.
“Somos una comisión formada por un equipo de profesionales con clara vocación voluntaria y con objetivos marcados por la excelencia y accesibilidad en el sentido más amplio de la palabra. Esa es la clave de nuestra gestión de éxito”, dijo Inés Etchebarne, Presidente de la Asociación Amigos del Moderno.
La Asociación fue fundada un 22 de abril de 1985. Una de sus primeras acciones fue trabajar junto con el director del momento, Roberto Del Villano, y otorgarle al museo finalmente su sede definitiva en lo que fue un depósito de la Tabacalera Piccardo. La sede fue inaugurada el 1° de septiembre de 1989 con un evento al que asistieron más de cinco mil personas.
Desde sus comienzos, el rol principal de la Asociación Amigos del Museo ha sido el de acompañar y potenciar al Museo. Este continuado apoyo atraviesa nuestra historia compartida. Hoy, 66 años después de su apertura, reafirmamos nuestra misión y seguimos trabajando en conjunto para generar un museo público accesible, con una oferta única.
El propósito de la Asociación es fomentar programas y actividades innovadoras que conecten y acerquen a la comunidad con el arte, desarrollando propuestas para mejorar el pensamiento crítico, la imaginación y las experiencias sensoriales junto al conocimiento del arte.
Uno de los programas más exitosos es la Asociación es el Programa Jóvenes del Moderno: «Jóvenes del Moderno inició su programa post pandemia con el objetivo de acercar a nuevos públicos al Museo a través de actividades en talleres de artistas y visitas al Moderno junto a curadores e invitados especiales. Mensualmente se realiza una convocatoria abierta, invitando a conocer nuevos espacios y artistas de la escena cultural. Cada encuentro es seleccionado para poder mostrar diferentes referentes del arte y es acompañado por un cóctel al finalizar, para que todos los participantes puedan intercambiar ideas, conocerse y desarrollar nuevos vínculos a través del arte. Se entregan membresías anuales con las cuales pueden obtener los beneficios de socios del moderno y acceder al newsletter de actividades”, destacó Andrea Arditi Schwartz, Vicepresidente segundo de AAMAM.
Respecto de los Eventos de Recaudación de fondos, “Uno de los pilares que da forma a la Asociación de Amigos es su programa de membresías. Contamos con una comunidad de miembros única, realizando eventos dentro y fuera del museo con el objetivo de acercarlos al arte argentino y al Museo Moderno.
Asimismo realizamos cenas de recaudación de fondos, para seguir con nuestra misión de potenciar y apoyar a un espacio público de la ciudad de Buenos Aires”, citó Marisa Koifman, Prosecretaria de la AAMAM y agregó que “hemos realizado Campañas de Valorización del Patrimonio, buscando fondos para investigar, conservar e incrementar la colección del Moderno; y dos cenas para recaudar fondos para el Programa Casa Heredia, la primera residencia para artistas y profesionales de museos en la Argentina gestionadas por un museo público.
Asimismo, nos encontramos en Olympo Sky Bar junto a socios, mecenas y el equipo del Moderno para celebrar el año con colaboradores, colegas y aliados de Amigos del Moderno”, finalizó.
Fuente: La Nación – En lugar de otorgar una distinción In Situ, como estaba previsto, los coleccionistas Joaquín Rodríguez y Abel Guaglianone doblaron la apuesta y repartieron un millón de pesos entre “Yuyo” Gardiol y Roxana Ramos
La idea original era otorgar un solo premio In Situ no adquisición, creado para “contribuir con la difusión de las prácticas artísticas en todo el país y colaborar con la descentralización de la escena nacional”, como ya hicieron desde su primera edición el año pasado en ferias de varias provincias. Pero duplicarlo, explicó Joaquín Rodriguez, facilitó la decisión. “Era demasiado bueno todo”, agregó Abel Guaglianone, anticuario con medio siglo de experiencia.
Así, los coleccionistas que hace un tiempo subastaron parte de su colección para apoyar la escena federal decidieron repartir hoy un millón de pesos en Pinta BAphotoentre Judith “Yuyo” Gardiol, artista de Rosario que además es gestora, productora cultural y curadora, y Roxana Ramos, nacida Cafayate y radicada en Salta. Ambas participan de la sección Fuera de Foco, curada por Barbara Golubicki, representadas respectivamente por las galerías Crudo (Rosario/Santa Fe) y Satélite (Córdoba).
Entre las compras anunciadas durante el primer día de apertura al público de la 19ª edición de feria, que se realiza hasta el domingo en La Rural, se contaron tres obras de la serie Eróticas de Oscar Bony, adquiridas por Alec Oxenford en Smart Gallery, y una copia vintage sin título de 1992 deAlejandro Kutopatwa, elegida por Ama Amoedo en Vasari para su colección personal.
“Es una imagen producida en el contexto de un viaje a París, en un momento en el que rayaba los negativos. Alquiló por una noche una suite en el hotel Le Meurice e hizo una muestra en el cuarto, con una serie de fotos blanco y negro”, explicó Laura Hakel, curadora de la Colección Ama Amoedo.
Pinta BAphoto en La Rural (Av. Sarmiento 2704), abierta al público hasta el domingo. Sábado, de 14 a 20.30; domingo, de 14 a 20. Entradas: $2500, con 50% de descuento para estudiantes y jubilados y 2×1 con Club LA NACION. Menores de 12 años y personas con discapacidad, gratis.
Fuente: La Nación – Los soportes continúan multiplicándose según demuestra la 19ª edición de la feria de fotografía más importante de América Latina, que termina mañana en La Rural
Los platos cuelgan de la pared, como acostumbraban a colgarlos nuestras abuelas para decorar la casa. Solo que estos, creados por Ariana Beilis, muestran la figura de una mujer en poses extrañas, como si buscara representar a una mesa o a una silla. “Fue un proyecto que esta artista de Santa Fe inició en pandemia. Ella siempre trabajó con el cuerpo, y durante la cuarentena decidió apropiarse de la función de los muebles”, explicaron a LA NACION en el stand de Pinta BAphoto donde la representa la galería La Portland, de Entre Ríos.
Mostrar la fotografía en relación con otros lenguajes y soportes del arte contemporáneo fue lo que se propuso la curadora Bárbara Golubicki en la sección Fuera de Foco, que tiene a su cargo. Destinada a visibilizar espacios emergentes de las provincias en la feria más importante de fotografía de América Latina, que termina mañana en La Rural, procura disolver los límites de todo tipo para mostrar una imagen “expandida”. Como las de “Yuyo” Gardiol, una de las ganadoras del premio In Situ otorgado ayer, que imprimió sobre satén las fotos que tomó de su propia piel en distintos contextos. El resultado es una poética instalación abstracta, con distintos tonos de rosa.
Justo enfrente de esta sección se encuentra el sector editorial curado por Estefanía Papescu, directora de Simetría doméstica. Su colección de unos 150 libros de artistas incluye Cartonero cheto, creado por Julián Desbats con cajas de sushi y ravioles intervenidas, o Benjamin, de Matías Ercole, producido con fotocopias. También se ofrecen allí originales y facsímiles de cuadernos de bocetos de Powerpaola y Gimena Macri.
No hay excusas para quienes disponen de poco presupuesto: en la mesa compartida por Catalina Calvo Doval y Rocío Pilar de Lara y se pueden conseguir desde 400 pesos stickers producidos por esta última con la técnica experimental film soup. “Se sumerge en líquido el negativo, mientras está en el carrete –explica-. En este caso lo dejé durante doce horas en un frasco con bourbon, vinagre de arroz y agua caliente”. Por el mismo precio se ofrecen allí stickers de Calvo Doval con sus propias fotografías y frases de poemas, así como fanzines plegables y origamis creados por De Lara con imágenes de techos impresas en cianotipo.
La impresión lenticular, esa que ofrece ilusión de movimiento y que solía usarse en las reglas escolares, llama la atención desde la tapa del libro de Marcelo Grosman editado por Arta y en tarjetas creadas por Azul Varan que pueden conseguirse por 750 pesos en Kiosco de artistas, la mesa compartida por alumnos de Diana Aisenberg. En esta última, Sofía Papi sorprende con sus fanzines de papel de calco y su oráculo con imágenes de cartas de tarot, realizado en colaboración con Cristy Ala.
Hay que calzarse los anteojos con flitros de colores para ver en 3D las figuras estereoscópicas reunidas por Daniluk en el libro Geometría descriptiva, ofrecido en la mesa de Espacio Moebius. Su director, Martín Ramón, apeló a la risografía -un sistema de impresión digital de alta velocidad- para crear atractivos fanzines como el de Powerpaola, con fotos de autos abandonados en Buenos Aires. Dentro de la caja del disco de la banda SIMA, proyecto musical de Isol, se encuentran once desplegables con ilustraciones de otros tantos artistas, inspiradas en cada canción.
El recorrido por la feria ofrece otra sorpresa en la galería rosarina Subsuelo, con las fotografías minúsculas de Cecilia Lenardón que conforman poemas visuales y la instalación de Paulina Scheitlin, realizada con postales de Miramar en baja temporada. También en Ungallery, donde las obras de María Victoria García Valenzuela y de Belén Romero Gunset incluyen realidad aumentada. En Quimera ya se vendieron varias fotografías caladas y convertidas en objetos por Hernán Soriano. Y en Peuser Art Project, dos pañuelos de seda con imágenes sublimadas de Arturo Aguiar.
Justo al lado, en el stand del colectivo Taquicardia representado por Diderot, se exhiben imágenes impresas sobre papel de acuarela, con una original forma de emulsionarlo en forma manual. El belga Pierre Dumont eligió en cambio papel japonés como soporte de sus cianotipos exhibidos en la venezolana Carmen Araujo. Una prueba de que la experimentación no conoce límites ni fronteras.
Pinta BAphoto en La Rural (Av. Sarmiento 2704), abierta al público hasta mañana. Hoy, de 14 a 20.30; domingo, de 14 a 20. Entradas: $2500, con 50% de descuento para estudiantes y jubilados y 2×1 con Club LA NACION. Menores de 12 años y personas con discapacidad, gratis.
Fuente: Clarín – Es por su proyecto «Ojalá se derrumben las puertas», que demandará una inversión de 93.537 dólares.Fue elegida entre 65 postulaciones.
Con la instalación Ojalá se derrumben las puertas, Luciana Lamothe representará a la Argentina el año próximo en la 60° Bienal de Arte de Venecia, con la curaduría de Sofía Dourron, anunció este miércoles la directora de Asuntos Culturales de la Cancillería (DiCul), Paula Vázquez.
En la cita artística más relevante a nivel mundial, la pre-inauguración será del 17 al 19 de abril para artistas, curadores, galeristas, directores de museos, críticos y prensa especializada y se extenderá hasta noviembre para el público general.
El presupuesto de la obra asciende a 93.537 dólares y la artista viajará a producirla un mes y medio antes en el mismo Pabellón Argentino. Vale decir que los costos podrán incrementarse en un continente cuya moneda es el euro, más caro que el dólar, por lo menos en Argentina.
El clima de austeridad en la presentación ante la crítica y la prensa fue notorio. Toda transición política apura decisiones y el cambio que se avecina en la Argentina este año es desconcertante en todos los escenarios. Más en el cultural cuyos tiempos son distintos a la política.
Con una velocidad acorde a estos tiempos electorales, el comité de selección que tenía tiempo de evaluar los proyectos desde el 19 de septiembre hasta octubre (antes de las elecciones generales) se pronunció, por mayoría, a favor de Lamothe a nueve días de cerrada la etapa de presentación de propuestas. Fueron 65 los proyectos al concurso, varios de los cuales fueron de artistas argentinos residentes en el exterior.
El comité estuvo integrado por Diana Saiegh, presidenta del Fondo Nacional de las Artes; Claudia Lamas, subsecretaria de Patrimonio Cultura de Salta; Florencia Battiti, directora ejecutiva del Parque de la Memoria; Mónica Heller, la artista seleccionada para la Bienal de Venecia en 2022; Carina Cagnolo, curadora de Córdoba, y el embajador argentino en Finlandia, Sergio Baur (en representación de Juan Usandivaras, presidente ejecutivo de la Agencia Argentina de Inversiones y Comercio Internacional). Presididos por Paula Vázquez, directora de la DiCul, recibieron los 65 proyectos hace ocho días y debatieron el martes hasta decidir el nombre de Lamothe.
La artista Luciana Lamothe y la directora de Asuntos Culturales de la Cancillería, Paula Vázquez.
El jurado, por mayoría, remarcó que la propuesta de Lamothe “destaca la inestabilidad de los elementos que, puestos por la artista en una tensión cercana al límite, muestran a la vez la posibilidad que existe en la alianza y la cooperación como caminos de subsistencia”.
La instalación en madera industrializada contiene lo performativo, tanto en la acción del cuerpo de la artista sobre los materiales, como en la habilitación de recorridos posibles, “que también involucran características esenciales como el peso de los cuerpos que transitan el Pabellón”, según el comité de selección.
No obstante, Lamothe aclaró que no será una obra interactiva, a la que –de acuerdo con el render que se proyectó en loop– es una suerte de rulo abierto, una de las formas características de la obra de la artista, al que podrán entrar los visitantes pero solo en parte.
El concepto de su obra es investigar y trabajar la blandura de los materiales concebidos como duros. Explora las relaciones dialécticas entre su dureza y blandura en relación con su resistencia, así como entre los conceptos de construcción y destrucción.
El nombre de Lamothe está ya instalado en la escena del arte a nivel internacional. Como dice una experta del mercado del arte consultada por Clarín Cultura: “La ventaja del mainstream es atravesar todas las ideologías sin dañarlas”. Y es que la obra conceptual de la artista, que ayer se conoció en el render que se proyectó, ofrecerá en Venecia la posibilidad de una conexión física con el visitante o no conectará.
La Bienal de Arte no es un espacio de experimentación. El público no se demora a desentrañar el sentido último de una obra; si no conecta sigue de largo. Eso ha pasado ya con algunos envíos costeados por el Estado argentino.
Varias de las propuestas llegaron del interior y hubo algunos artistas argentinos residentes en el exterior que también enviaron sus proyectos. Esa fue la novedad de la convocatoria de este año: no debían ser solo residentes en el país.
“Estoy super contenta, fue mucho trabajo, puse lo mejor de mí y también mi equipo para ofrecer a mi país un proyecto donde se consolide y se afiance todo el proceso de mi trabajo que vengo desarrollando desde mis comienzos”, dijo Lamothe a la prensa.
La artista, que agradeció a su equipo con el que trabaja hace una década y los nombró a todos, dijo que el título de su obra está tomado de un verso de la poeta Elba Fábregas, poeta y esposa del titiritero y narrador Javier Villafañe y madre de Juano Villafañe, también poeta.
Lamothe estuvo dos veces en el Pabellón Argentino en los Arsenales de Venecia para dos ediciones de la Bienal de Arte y una en la Bienal de Arquitectura. Se trata de un área inmensa e histórica que nuestro país tiene en comodato, de modo que los artistas pueden intervenir con sus obras el espacio pero sin poner un clavo en las paredes o en sus columnas, dado que se trata de una reliquia histórica. Tiene 500 metros cuadrados y se remonta a principios del siglo XIII.
“Cada vez que voy miro todo, el piso, la iluminación, el techo, las paredes, los materiales y sobre todo trabajé en base a los planos que habilitan las bases. El proyecto está pensado en escala y los materiales del Pabellón se incorporan a la obra: el píso y las columnas de cemento, las paredes de ladrillo, las vigas de madera… todo eso está incorporado a la obra. Incluso el desarrollo espacial está ligado al Pabellón. Hay una especie de bosque entre las columnas y las estructuras”, dijo la artista a una pregunta de Clarín Cultura.
Todos los envíos de los países y los trabajos de los artistas invitados por el curador general de la Bienal para el pabellón especial procuran dialogar con el lema “Extranjeros en todas partes» (“Stranieri Ovunque/Foreigners Everywhere), propuesto por Adriano Pedrosa, director artístico del Museo de Arte de Sao Paulo (MASP), y el primer curador latinoamericano -además de Sudamérica- en alcanzar el relevante cometido de curador general de la edición 2024.
“En mi trabajo pienso mucho en relación a los materiales y como relacionarlos con el cuerpo y la vibración que éstos tienen. Creo que hay una relación de igualdad entre ellos y los cuerpos. Son organismos vivos, en algún sentido. Me cuestiono la blandura y la dureza de los materiales y el sentido que se les da a estos conceptos, vinculados con el patriarcado y al ser femenino”.
Hay una propuesta queer en mi trabajo, dijo Lamothe, a partir de lo que los materiales dicen. También la diversidad sexual está contenida en el concepto de “extranjero” del guión curatorial de Pedrosa.
El proyecto fue pensado para el tránsito y la presencia de visitantes “para generar una posibilidad de estar”. Sus dimensiones son 10 metros de ancho por 20 de largo y 4,5 de altura. No habrá ninguna acción performática como su anterior obra en el Centro Cultural Recoleta. El material es madera industrializada.
La memoria de inmediato conecta con la galería que representa a Lamothe: Ruth Benzacar, que ya tuvo otros artistas ganadores en Venecia: Adrián Villar Rojas y Mariana Tellería. Y como todo tiene que ver con todo, el curador Pedrosa (director artístico del MASP-Museo de Arte de Sao Paulo), que pasó fugazmente por Buenos Aires en su periplo mundial este año para seleccionar artistas de todos los continentes, es gran amigo de Orly Benzacar desde hace muchos años.
En Buenos Aires, Adriano Pedrosa estuvo en la galería Ruth Benzacar, en Barro y en el Moderno, conforme los puntos que pudo reconstruir Clarín Cultura. En el Museo de Arte Moderno admiró “Pupila”, el trabajo de Eduardo Basualdo. En la galería Barro expuso su interés por el arte indígena y americanista que viene incorporando al MASP con gran éxito de público, y que en buena medida estará presente en la 60 edición de la Bienal de Arte.
La Bienal de Venecia tiene un pabellón exclusivo para los artistas que el curador general selecciona. Allí estará la artista multidisciplinaria mendocina Chola Poblete, elegida por Pedrosa, quien hace dos años en ARCO Madrid tuvo su bautismo monárquico cuando la reina Letizia se detuvo a admirar su trabajo.
Luciana Lamothe exhibe actualmente en el Moderno una gran instalación comisionada por el museo para la exposición “Cien caminos en un solo día”.
Para Adriano Pedrosa, según el texto del curador para la Bienal de Arte, “la figura del extranjero se asocia con el extraño y así la exposición se desarrolla y se centra en la producción de otros temas relacionados: el artista queer, que se ha movido dentro de diferentes sexualidades y géneros, siendo a menudo perseguido o ilegalizado; el artista outsider, que se sitúa en los márgenes del mundo del arte, al igual que el autodidacta y el llamado artista folk; así como el artista indígena, frecuentemente tratado como un extranjero en su propia tierra”.
Para el curador “la producción de estos artistas es el foco principal de esta Bienal y constituye el Núcleo Contemporáneo de la Exposición Internacional, y aunque su trabajo a menudo está informado por sus propias vidas, experiencias, observaciones e historias, también hay quienes profundizan en cuestiones formales con sus propio acento extranjero”.
Luciana Lamothe (Buenos Aires, 1975) trabaja en escultura, performance, activación, dibujo, fotografía y video.
La obra de Lamothe formó parte de la 11va Bienal de Lyon, la 5ta Bienal de Berlín y la 3era Bienal de Montevideo.
Ha exhibido en numerosos espacios internacionales, como Art Basel Miami Beach Meridians; Kunstraum Kreuzberg / Bethanien, Berlín; CGAC, Santiago de Compostela; La Maison Rouge-Fondation Antoine de Galbert, París; Palais de Tokyo, París; Da Maré Museum, Río de Janeiro; Museo del Barrio, Nueva York; MAMBA, Buenos Aires; Fundación PROA, Buenos Aires; MNBA, Buenos Aires.
Fue artista residente en MANA Wynwood, Art Dubai, Air Antwerp y Skowhegan de Maine. fue ganadora del Primer Premio del Lichter Art Award, Frankfurt, el Primer del Premio Itaú Cultural, Buenos Aires, y en el 2011 fue becaria del Programa de Artistas de la Universidad Torcuato Di Tella, Buenos Aires. Durante el 2021 fue artista residente de Atelier NI, Marsella.
En el 2019 recibió la Beca para Artistas otorgada por la Fundación Pollock-Krasner de Nueva York.
Su trabajo integra importantes colecciones privadas y públicas, tales como: Centro Galego de Arte Contemporánea (CGAC), Santiago de Compostela; Fundación Itaú Cultural, Buenos Aires; Museo Arte Contemporáneo de la Provincia de Buenos Aires (MAR), Buenos Aires; Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (Castagnino+MACRO), Santa Fe; Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA), Buenos Aires; Museum of Fine Arts (MFA), Texas; 21C Museum Hotels, Kentucky.
Fuente: Telam – La propuesta podrá visitarse hasta el 15 de diciembre en Catamarca 1747, CABA, lunes, miércoles y viernes de 10 a 17 a las 19.
Con grandes exponentes del arte argentino del siglo XX que van desde Carmelo Arden Quin, Libero Badii y José Fioravanti a Magada Frank e Yente, la Fundación Naum Knop impulsó, en asociación con los herederos de un total de 17 artistas, la muestra «Legado», una invitación a nuevas lecturas de un patrimonio artístico cultural leído desde el presente que busca desesperadamente ser preservado.
La gran pregunta para aquellos que reciben una herencia de patrimonio cultural como es la obra de un artista reconocido, es cómo preservar la memoria, creaciones, talleres y documentos para la posteridad y sobrevivir en el intento. Ante la fugacidad intensa de la vida, la obra suele perdurar, sobre todo este cuerpo de obras del siglo pasado, entonces el desafío está en preservar, conservar, catalogar, y por sobre todo, revitalizar y volver visible un patrimonio artístico sin que se pierda en el olvido.
Por eso, en el marco de la Noche de los Museos 2023 la Fundación que resguarda el patrimonio del escultor Naum Knop (Buenos Aires, 1917-1993) en su casa taller del barrio de Parque Patricios, de la Ciudad de Buenos Aires, inauguró la muestra colectiva «Legado» en sus tres salas, y habilitando el jardín y la vista del taller del artista al fondo de la propiedad, repleto de esculturas, herramientas y libros, con curaduría de Eugenia Garay Basualdo.
Creada en 1999, la fundación abrió las puertas de la Casa Museo en 2019 en el que fuera el último taller del escultor, preservando la memoria de Knop a partir de la iniciativa de los hijos y esposa del artista,
Actualmente Pablo Knop es quien quedó a cargo de proteger la memoria de su padre y asumió como director ejecutivo de la fundación, impulsando la reunión del grupo a finales de 2018 «casi sin conocernos entre nosotros, aunque sí a los artistas que representamos», comenta.
«En esa primera reunión la consigna era no hacer un grupo de catarsis, pero sí compartir experiencias y mirar hacia delante», y de allí surgió el ofrecimiento de la casa como espacio, y pandemia mediante pasaron cinco años hasta llegar a concretar esta primera muestra.
«La Casa Museo la abrimos al público en 2019 con obras de Naum Knop, y comenzamos a hacer muestras de artistas contemporáneos», con las que participaron en el gran evento nocturno, explica. «Tendríamos que tratar el tema de qué hacemos con el legado que recibió cada uno con una visión de largo plazo, porque herederos va a haber siempre mientras haya artistas, y nos vamos a morir-, entonces todos se van a encontrar con esa problemática», refiere crudamente.
Por ello parte del trabajo de la fundación es su convenio con la carrera de curaduría de la Escuela Superior de Economía y Administración de Empresas (Eseade) y un programa de prácticas profesionales, deslizándose como posibilidad crear una asociación, pero, aún son cuestiones a trabajar, probablemente, será para el año próximo, dice Knop.
En concreto, la muestra vuelve a impulsar esta asociación de legatarios con esta primera exposición inaugural de esculturas y pinturas representativas de los 17 artistas, seleccionadas por los herederos y la curadora, en un diálogo fluido de constelaciones y búsquedas tan diversas como las obras y sus épocas.
Tres son los núcleos temáticos planteados por la curadora sobre una obra tan heterogénea que agrupa en «La broncemanía Argentina» dedicada a las esculturas, «La simultaneidad de la audacia vanguardista» y «Las actitudes devienen formas».
En sí, la selección conforma una antología de diferentes momentos de la historia del arte proponiendo «nuevas interpretaciones y relaciones que posibiliten continuar con la exposición y el estudio de estos valiosos acervos postergados», tal como sostiene Garay Basualdo.
Entonces en «Legado» están grandes artistas como Carmelo Arden Quin, Libero Badii, Martín Blaszko, Ary Brizzi, Pascual Buigues, Pablo Curatella Manes y Germaine Derbecq, Jorge Demirjian, José Fioravanti, Magda Frank, Walter Gavito, Knop, Rubén Locaso; así como Eduardo Mac Entyre y Miguel Ángel Vidal, los creadores del arte generativo de los ´60, ambos artistas se proyectan con sus obras en el metaverso de la mano de UXArt en el distrito de los museos de Decentraland.
También figuran Juan Del Prete y Yente (Eugenia Crenovich), quienes tuvieron una innovadora mirada sobre sus obras durante 2022 en el Malba con la muestra «Vida venturosa», en una propuesta que visitaba la intimidad amorosa, creativa y cotidiana, algo posible gracias al trabajo de preservación del acervo que realiza Liliana Crenovich, sobrina de la pareja.
El otro artista con muestra reciente es Arden Quin, referente del arte MADÍ que fue presentado en diálogo con otros en el Museo Nacional de Bellas Artes en «Carmelo Arden Quin. En la trama del arte constructivo», también en 2022, una exposición que en su itinerancia se presentó en Chile y espera recorrer otros países de Latinoamérica.
Pero, más allá de estás dos exposiciones basadas en «investigaciones de largo aliento» como las de «Cristina Rossi en el caso de Arden Quin y a Marita García con Yente-Del Prete que llevaron a realizarlas, las investigadoras llevaban muchos años estudiándolos hasta que tuvieron la oportunidad de exponer en lugares importantes», explica la curadora acerca de un trabajo de gestión prolongado que permitió visibilizar a estos artistas, como algo excepcional.
Convocada en abril después de una reunión de las 14 personas del grupo de herederos y legatarios para llevar adelante la curaduría, cuenta a Télam Garay Basualdo, «la idea era generar una exposición para mostrar artistas reconocidos y consagrados y otros no tanto, que no tuvieron tanta visibilidad», como fue el caso de Pascual Buigues, y cita también a Locaso, Gavito y el maestro Fioravanti, y luego menciona al propio Knop, como un gran relegado, a pesar de las 350 esculturas que atesora la casa y las 1000 que se encuentran en el exterior producto de un artista incansable, como lo describe la directora artística de la Fundación, Florencia Martínez, que estudia su obra.
El trabajo curatorial llevó a Garay Basualdo a considerar visibilizar la problemática de las políticas culturales acerca «de por qué muchos artistas que han tenido varias instancias de consagración quedan relegados, o invisibilizados, hasta que alguna tesis académica los rescate».
En el primer núcleo hay bronces patinados, yeso, trabajos sobre la figura humana, el animalismo como la delicada «Mujer con felino» (1943) de Buigues, o un busto de Fioravanti, e incluso una pequeña «La mano del destino» de Locaso cuya hermana grande está emplazada en Pinamar o «Un presente del futuro» (1985), otro bronce del escultor, o una mujer acostada de Gavito.
Son «artistas que no tienen visibilidad en un museo», explica, salvo la que tuvo lugar en 2014 en el MNBA, «Memoria de la escultura», que rescataba obras de la colección fundacional.
Lo que transmite en la curaduría son «las relaciones que puedo establecer, porque la mayoría de los artistas fueron influencia de la mayoría», dice la curadora y añade que «hay algunos que fueron vanguardia, como Curatella Manes, un escultor increíble que está bastante perdido en los estudios, del que presentamos el bronce ‘La santa’ (1925), tenemos la no-figuración, y lo relacioné con Yente y Del Prete», explica sobre una «posible interpretación».
Entre los herederos está Jorge Curatella, nacido en Francia en 1934, que si bien no siguió los pasos de sus padres, Curatella Manes y la pintora Germaine Derbecq, considera que «es una responsabilidad tener que promover a través de los años la obra de los dos grandes artistas, porque esta Santa la hizo Curatella en la década de 1920, hace más de cien años, hacerlo en esa época, uno decía a este chico hay que meterlo en un loquero».
Cerca de estos exponentes están «Desplazamientos y proyección de planos» (2012) de Mac Entyre o una impactante «La mirada» (1976), que lleva al artista a realizar «lo que hizo antes en pintura a lo tridimensional, pero sin salir del soporte del cuadro», y que como Vidal, «comienza a trabajar con materiales industriales y a trabajar con la luz», algo que puede verse en obras que hace mucho no se exponen; y acompañando está allí un estudio para un monumento de Frank, de 1976.
«Están todos emparentados porque lo que hace Frank tiene que ver con estas indagaciones plásticas, por eso el núcleo se llama «La simultaneidad de la vanguardia vanguardista», expresa.
Inclasificable como su amigo Knop, Badíi está presente «con el siniestrismo», porque «en paralelo a lo que estaba pasando, él proponía algo completamente distinto», dice sobre el artista conocido por sus esculturas policromas, algunas totémicas, y resalta que no hay préstamos de otras instituciones o colecciones en esta muestra.
En esa ausencia expositiva, la tercera sala alberga una obra inédita de Knop, un mural de madera ensamblado policromado de 1980, con vacíos que la aligeran, alejada de la talla directa de los principios de sus obras, trabajada desde el ensamblado de piezas de madera y sus particulares curvaturas; u otras como sus recurrentes figuras femeninas, yacentes, o sentadas como «Madre Cósmica».
Y en la sala del frente de la casa museo se encuentra un diálogo entre Blaszko, Brizzi, Demirjian y el lugar especial dedicado a la única pintura de Derbecq, que también fue crítica de arte y curadora.
De esta manera, el programa público en torno a «Legado» propone mesas debates acerca de la difusión y promoción de estos acervos, y la historia del arte ante la vigencia de los artistas a través de los estudios y las exposiciones, en un diálogo con los herederos y curadores invitados.
Se proponen recorridos guiados de análisis de las obras el 12 de octubre, 7 y 16 de noviembre, todos a las 18:30; y abrirán sus puertas del 9 al 11 de noviembre en coincidencia de la Conferencia anual CIMAM 2023.
«Legado» podrá visitarse en Catamarca 1747, CABA, lunes, miércoles y viernes de 10 a 17 hasta el 15 de diciembre a las 19.
Fuente: La Nación – Medio centenar de creaciones del artista que permanecían guardadas en un depósito se exhiben en la muestra “Pinturas para el pueblo”
En una selección de más de 40 óleos, témperas, dibujos y acuarelas, los paisanos pintados por Florencio Molina Camposvuelven al ruedo, calientan el agua para el mate y se encuentran con la mirada de atentos visitantes en el Centro Cultural Kirchner (CCK). Una nueva muestra dedicada al retratista de las pampas exhibe en la ciudad piezas icónicas y otras menos conocidas del pintor recuperadas tras años de disputas y mudanzas del legado de la Fundación que lleva el nombre del artista.
Con acceso libre hasta finales de octubre, la exhibición Florencio Molina Campos. Pinturas para el pueblo reúne obras paradigmáticas y otros trabajos que recorren las distintas etapas de la vida artística del pintor. En sus representaciones del campo, se pueden ver desde dibujos que el creador realizó durante su juventud y piezas en las que se aprecian los inicios gráficos de su inconfundible estilo a obras que ilustraron los famosos almanaques de Alpargatas y algunas de sus últimas creaciones.
“La muestra recupera la obra del artista que mejor supo representar y dar vida a paisanos y paisanas, caballos, jinetes y pueblos de la provincia de Buenos Aires y de todo el país, representados a la vez con imaginación y fidelidad”, señaló a LA NACIÓN Federico Ruvituso, director del Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti y cocurador de la exposición junto a Viviana Mallol, directora del Complejo Museográfico Provincial Enrique Udaondo. Ambas instituciones participan de las acciones de recuperación, puesta en valor y divulgación de las obras junto a la Fundación Florencio Molina Campos (intervenida desde 2022), el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires, el Municipio de Moreno y la familia del artista.
El curador reivindicó la figura de Molina Campos, “ausente en nuestra historia del arte”, en contraposición a otras. Esta semana, recordó, se inaugura una retrospectiva dedicada a Eduardo Sívori “con las imágenes con las que él imaginó la pampa: icónicas, mitológicas, legendarias, literarias y muy románticas de lo que es el gaucho; de eso acá hay muy poco: ésta es la otra gran versión, la de los paisanos, la de los trabajadores, la versión alegre, humorística y respetuosa en una combinación muy difícil de lograr como es la de Molina Campos”, remarcó Ruvituso. Y agregó: “Al lado de Sívori, uno de los artistas más comentados y celebrados, Molina Campos ha sido poco estudiado, pero si vamos a un almacén, a una escuela o a la casa de una abuela, es mucho más probable que sepan primero quién es Molina Campos. De esa popularidad hay algo que hay que empezar a recuperar”, destacó el curador en la inauguración de la muestra, un acto presidido por el ministro de Cultura de la Nación, Tristán Bauer, junto a autoridades del Municipio de Moreno, de la Provincia y la familia del pintor.
La exposición en el CCK es la tercera organizada tras la recuperación de los cuadros. Otras anteriores con distintas selecciones de obras se exhibieron en el Teatro Argentino de La Plata y en el Museo de Bellas Artes Manuel Belgrano de Moreno, donde se vio parte de lo que el artista pintó en el rancho Los Estribos, en sus últimos años de vida y la memoria de los personajes célebres que lo acompañaron y visitaron en Moreno. Próximamente, una cuarta apuesta reunirá las creaciones artísticas y objetos personales del pintor en el Museo Udaondo de Luján.
“Es maravilloso que se haya dado la oportunidad de que obras que no estaban exhibidas desde hacía años o que estaban bajo siete llaves vuelvan a estar a disposición para que la gente las pueda ver y disfrutar. Todos aquellos que nos han ido contactando a lo largo de los años diciéndonos que viajaban especialmente a Moreno para ver el museo [correspondiente a la Fundación] y se lo encontraban cerrado, acá pueden ver gran parte de lo más representativo de la obra de mi abuelo”, resaltó Gonzalo Giménez Molina, nieto del artista.
En palabras del interventor de la Fundación, Denis Turnes, este desembarco de Molina Campos “es un paso más en el cumplimiento del objeto para el que la entidad fue creada: la difusión de las obras”, piezas “que estaban guardadas en un depósito y que hoy son de acceso a la cultura popular”.
Actualmente las instituciones implicadas trabajan en el estudio pormenorizado de las obras de arte, en su peritaje e inventariado. El acervo recuperado consta de más de 130 creaciones, entre témperas, acuarelas, óleos y dibujos. En su mayoría están firmadas y son de pequeño formato.
El cuadro titulado El baile, témpera y técnica mixta sobre papel de 1927 (31×47 centímetros), refleja “el primer estilo del autor, lleno de referencias gráficas amables y humorísticas, donde recupera la alegría de un baile popular, de los colores y las sonrisas de paisanos y paisanas con especial atención a los trajes y vestidos, al calzado de botas y alpargatas, dejando ver el preciosismo y la presencia humilde y digna del pueblo”, destaca el curador.
El lienzo El truco (31×49 centímetros) es una de las representaciones de los encuentros entre paisanos que juegan a las cartas más icónicas producidas por Molina Campos. Con múltiples detalles en la escena, retrata un momento de expectativa en el juego.
“Nos cae muy bien el retrato que él hizo del paisano, del gringo, de la china, los rasgos con los que los pintó, las posturas; como cuando en uno de los cuadros vemos a uno tirar la taba: el que ha visto tirar la taba y ve el quiebre que le da él, se da cuenta de que lo sacó exactamente como es; pintó también la picaresca del paisano”, recalcó Alberto Souto, presidente de la Confederación Gaucha Argentina, llegado al CCK desde Moreno junto a otros representantes de la entidad. Y añadió: “Cuando uno ve un Molina Campos no hay que mirar solo a los paisanos medio estrafalarios que él pintaba, hay que mirar los cielos y desde dónde pinta”, dijo tras ser presentado por la intendenta del Municipio, Mariel Fernández, como uno de los referentes de la “paisanidad” en la inauguración.
En palabras del director del Museo Provincial Emilio Pettoruti, la témpera El Payador, de 44,5×30 centímetros, no solo constituye uno de los cuadros más famosos del artista sino que representa “al jinete definitivo de Molina Campos, subido al caballo con la guitarra colgada a la espalda; el gaucho mimetizado con su caballo como una sola figura que mezcla humor con la seriedad de lo monumental”.
Témpera sobre papel (30,5×44 centímetros) en la que cobran protagonismo la noche en el campo, el clima de las reuniones junto al fuego y los relatos en boca de sabios anónimos. “Un cuento popular sobre miles de noches argentinas”, destaca el curador.
El boliche del ombú, de 39,5 x 73,5 centímetros, es la última obra que pintó Molina Campos. La tela permanece incompleta y representa “la nostálgica y tranquila etapa final de sus guachos y su visión del campo argentino”, concluye Ruvituso.
Florencio Molina Campos. Pinturas para el pueblo, hasta el 29 de octubre, en el CCK, Sarmiento y Leandro N. Alem, Sala 504 (5 piso). Entrada gratuita.
Fuente: Telam – El ministro de Cultura Tristán Bauer decidió la continuidad en el cargo y resaltó el incremento de un 50% de los visitantes durante su gestión.
El arquitecto Andrés Duprat fue confirmado este lunes para continuar durante cuatro años más su gestión como director del Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA),como resultado del concurso que lanzó el pasado el 30 de junio, según comunicó el ministro de Cultura de la Nación, Tristán Bauer, que tuvo a su cargo la elección final a partir de la terna de postulantes elevada por el comité de selección.
Finalmente, el ministro de Cultura se expidió sobre la continuidad de Duprat al frente de la máxima institución pública del país consagrada al arte, rompiendo una tradición no escrita que consiste en designar al postulante con mayor puntaje de la tríada que eleva el jurado.
Con 87.9 puntos, Duprat era el segundo candidato mejor punteado, por detrás de María Isabel Baldasarre, directora nacional de Museos, y por delante de Mariana Marchesi (83,9), actual directora artística de la institución.
Nacido en La Plata en 1964, el actual director tiene un multifacético perfil artístico que además de su formación como arquitecto incluye tareas como guionista de cine y curador de arte contemporáneo argentino. Es autor de los guiones de los largometrajes «El artista» y «El hombre de al lado», entre otros, y está al frente del Bellas Artes desde 2015, cuando llegó también por concurso para cumplir un mandato de cuatro años que se prolongó por la pandemia.
Entre los fundamentos de su decisión, Bauer, subrayó que Duprat «realizó una importante tarea para el buen funcionamiento y desarrollo del MNBA» que se traducen en que «incrementó en un 50% el número de visitantes anuales al Museo respecto a los valores anteriores al inicio de su gestión, la ampliación la colección del museo con más de un millar de piezas -cifra muy superior al promedio histórico- y una potenciación del carácter federal del museo», realizando más de veinte exposiciones itinerantes por museos de todo el país.
La elección del arquitecto surgió de la decisión del comité de selección integrado por la historiadora de arte Laura Malosetti Costa, el artista Eduardo Stupía, el arquitecto Fernando Pérez Oyarzún, la directora del Museo Provincial de Bellas Artes Rosa Galisteo de Rodríguez de Santa Fe, Analía Solomonoff, y la directora nacional de Empleo Público, Cristina Cosaka.
El proceso de selección, lanzado en junio pasado y dividido en tres etapas, incluyó en una primera instancia la puntuación de los requerimientos del cargo, es decir, el currículum vitae, que significó el 35 por ciento del concurso. Allí de los 24 candidatos y candidatas quedaron menos de 10, que pasaron a la segunda instancia: un examen escrito múltiple choice, presencial, sin celular y con seudónimo para que a la hora de la corrección no se supiera el nombre de cada quien, sobre conocimientos vinculados a leyes, ley de manejo del museo, del manejo del patrimonio, del manejo de personal, leyes laborales, regulación de la relación con la Asociación de Amigos y disposiciones respecto de la aceptación de donaciones, entre otros aspectos.
Ya está disponible Info Arte # 130 – Año 3, 4 semana de septiembre
Lo encontrás en www.infoarte.ar/IA_Ctrl_2023/A_sep_4.htm Suscribite sin cargo al Diario on line de los Artistas Plásticos de la Argentina para recibirlo directamente, en tu casilla de e-mail
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