El centenario de una galería que es un hito

Fuente: Página12 – La galería de arte van Riel cumple cien años ininterrumpidos. Es un hito en la historia del arte argentino y regional.

Cuando la galería van Riel abrió por primera vez sus puertas el 7 de junio de 1924 en Florida 659, el presidente Marcelo T. de Alvear asistió a la inauguración. Los diarios del día siguiente dieron cuenta de aquel acontecimiento cultural y social al cual, como se decía, no faltó nadie. Si tomamos en cuenta el desprecio por la cultura por parte del gobierno actual, tal gesto presidencial de hace un siglo hoy resulta impensable.

Frans van Riel, un inmigrante italiano nacido en Roma en 1879, abrió la primera galería de arte construida para ese propósito en la Argentina. Van Riel llegó a estas costas en 1906 y luego de establecerse trabajó como ilustrador en el diario La Prensa. Más tarde abrió un salón de fotografía cuyo estudio estaba ubicado en Viamonte esquina Florida.

En 1918 fundó la primera revista local especializada en arte: Augusta. Seis años después fundó la galería, que con los años se transformaría –en la práctica– en un centro de irradiación cultural, que le daba lugar a lo consagrado y a lo nuevo, así como, eventualmente, a la tarea editorial.

La muerte sorpresiva del fundador en 1950 dejó la galería en manos de Frans van Riel hijo (1921-2014), quien la dirigió durante más de cuarenta años, llevándola a su esplendor.

Frans Van Riel hijo fue un galerista de una gran modestia, sensibilidad y pudor, que apostó siempre por el arte nuevo, por los jóvenes y que ayudó a difundir el arte moderno y contemporáneo argentino. Bajo su dirección -primero en la sede de Florida y luego en Talcahuano 1257- allí surgieron y se exhibieron muchos de los proyectos artísticos más audaces de la segunda mitad del siglo XX.

A la galería asistían Borges, Oliverio Girondo y Xul Solar (quien además expuso en van Riel). Fue sede del Instituto de Arte Moderno. También por muchos años se estableció en el primer piso de la galería la Asociación Ver y Estimar, dirigida por Jorge Romero Brest, donde se reunía la vanguardia.

Algunos de quienes exhibieron en sus salas fueron Daneri, Forner, Spilimbergo, Batlle Planas, Butler, Pettoruti, Berni, Diomede, Victorica, Xul, Seoane, Torrallardona, Yente, del Prete, Badii, Cogorno, Gertrudis Chale; artistas de Rosario, de Córdoba, del Grupo del Litoral.

Ediciones van Riel publicó a Julio Payró o la audaz Antiestética de Luis Felipe Noé (en 1965), así como el bellísimo Odiseo confinado (1992), del poeta Leónidas Lamborghini, con grabados de Blas Castagna.

Para seguir con los artistas que exhibían allí sus obras: Raúl Lozza; el “Salón Nuevas Realidades-Arte abstracto, concreto no figurativo”, en el que estaban Arden Quin, Blaszko, Del Prete, Hlito, Iommi, Kosice y Maldonado, entre otros.

La galería van Riel fue sede muchos años de la Asociación Argentina de Críticos de Arte.

A fines de los noventa comenzó a organizar exposiciones Gabriela van Riel (GvR)-nieta del fundador e hija del continuador, Frans van Riel- quien se hizo completamente cargo de la galería en 2007.

¿Cuáles fueron algunas de las exposiciones históricas más importantes de la galería?

-En 1937 se presentó la primera muestra individual de Juan Del Prete -cuenta GvR-. En el 38 hubo muestras individuales de Figari, Soldi y Urruchúa. En 1948, el primer salón Nuevas Realidades, arte abstracto-concreto-no figurativo. En el año 1952 se hace la muestra de Alfredo Hlito, Batlle Planas y Clorindo Testa. En el 57, siete pintores abstractos del grupo Boa: Macció, Peluffo, Borda, Chab, Testa, Robirosa y Sakai. En 1959, la primera muestra del Movimiento Informalista: Barilari, Kemble, Maza, Pucciarelli, Greco, Towas, Wells, Sakai. En el mismo año, hubo individuales de Berni, Paparella y Gambartes. En el 60, Luis Felipe Noé. En 1966 se hizo la emblemática muestra Homenaje a Vietnam, donde León Ferrari presentó su ahora célebre obra La Civilización Occidental y Cristiana -Cristo crucificado en un avión de combate norteamericano (NOTA: que en estos días se puede ver en una muestra temporaria en la Fundación Proa de La Boca)-. En 1969, tres pintores uruguayos: Barradas, Figari y Torres García.

La galería van Riel organizó también exposiciones de Kirin, Alejandro Corujeira y Blas Castagna. Y organizadas por GvR: Sergio Avello, Daniel Herce, Ana Casanova, Richard Sturgeon, Alfredo Prior, Juan Astica, Eduardo Stupía, Santiago García Sáenz, Cristina Schiavi, Roberto Elía, Irene Banchero, Diana Dreyfus, Roberto Elía, Egar Murillo, Carmen Pérez, Jorge Sarsale, Mariano Vilela, Florencia Wallfish, entre otros. En mayo hubo una exposición de Lía Porto.

“Varios artistas -cuenta GvR- se fueron yendo a galerías económicamente más poderosas. Son las reglas del juego y contra eso no hay nada que hacer. Pero puedo decir con mucho orgullo que van Riel sigue vigente desde hace un siglo y es la galería más antigua de Argentina y de Latinoamérica.

La galería, ubicada en Juncal 790, dedicará todo el año a celebrar el centenario, no solo a través de exposiciones, sino también con la publicación de un libro con textos e investigaciones de Malena Babino, Adriana Lauria y Graciela Sarti.

Fue promesa de la Selección argentina, jugó en Europa y ahora se dedica a la pintura

Fuente: Ámbito – Quién es este jugador que abandonó el fútbol y encontró otra pasión que lo mantiene ligado al deporte rey: los detalles en la nota.

Una gambeta, un taco, un caño, un gol… todas acciones que dentro del mundo del fútbol muchas veces son interpretadas por un artista. No tiene sentido hacer una lista de los grandes artífices que pasaron por una cancha porque esta nota no tendría fin si tuviésemos que enumerar a todos ellos. Sin embargo, dentro del mismo mundo hay otro tipo de artistas; hoy te contamos la historia de uno de ellos.

Quizás el nombre de Matías Fondato no te suene tan familiar. El nacido el 19 de septiembre de 1984 en General Gerli, Santa Fe, es un exjugador que no tuvo una carrera destacada dentro del campo de juego, pero sin embargo es un artista del fútbol.

Radicado en Inglaterra, el que supo vestir la camiseta de la Selección argentina se dedica a hacer retratos de diferentes estrellas de la pelota. ¿Te acordás dónde jugó?

Cómo fue la carrera futbolística de Matías Fondato

La carrera futbolística de Matías Fondato comenzó de manera prometedora. Formó parte de la Selección Argentina Sub-17 bajo la dirección de José Pekerman que participó del Sudamericano 1999 en Uruguay. En dicho torneo compartió plantel con otros cracks como por ejemplo Fabricio Coloccini y Germán Lux.

En su etapa en clubes, Matías debutó en la primera división con Newell’s Old Boys de Rosario. Su talento en el campo lo llevó a jugar en varios equipos de América y Europa, incluyendo el Guaraní de Paraguay, América de Cali en Colombia, Ionikos en Grecia y Antwerp en Bélgica.

Sin embargo, su carrera se vio truncada por una lesión que lo obligó a retirarse del fútbol profesional. Este fue un momento difícil para él, pero no permitió que la adversidad lo detuviera. Decidió redirigir su energía y pasión hacia otra de sus grandes aficiones: el arte.

La vida de Matías Fondato tras su retiro del fútbol

Pese a haberse alejado de su gran pasión por una lesión, su camino en el mundo del fútbol le dio a Fondato grandes amistades que ayudaron al exmediocampista a hacer el camino recorrido como artista. Desde la sub 17 que Matías tiene una gran relación de amistad con Coloccini que jugó en Newcastle mucho tiempo y que lo incitó a mudarse a la ciudad inglesa. A partir de allí comenzó una historia de éxito en el mundo del arte. «Lo mejor para mí es mezclar mis dos grandes pasiones», dijo el exjugador en una entrevista con Uno Santa Fe.

Su entrada al mundo del arte fue casi accidental. Comenzó pintando un retrato para un amigo jugador del Newcastle United (DeAndre Yedlin), lo que llamó la atención en las redes sociales y le abrió puertas en la comunidad artística. “Cuando lo fui a visitar y vi un par de pinturas en su casa, le pregunté si le gustaba el arte, y me respondió que le encantaba. Entonces le dije que le iba hacer un retrato y lo tomó en joda. Cuando le llevé el dibujo se volvió loco. Lo posteo en Instagram y explotó. Empecé a tener pedidos por encargo. Eso fue en el 2017, y a partir de eso es como que comencé a evaluar lo de dedicarme al arte.”, comentó Fondato para TyC Sports.

Hoy en día, sus obras incluyen retratos de iconos del fútbol como Lionel Messi, Raheem Sterling, Eric «Coco» Lamela, N’Golo Kante Ronaldinho, Maradona entre otros. Luego de publicar sus grandes obras por redes a Fondato le preguntaban si hacía encargos de otras celebridades que no tengan que ver con el fútbol. Fue así como empezó a vender obras de jugadores de básquet, músicos, famosos, entre otros.

Asimismo, el mediocampista contó que la pintura es algo que le gustó desde siempre y que por suerte fue lo que lo ayudó a mezclar ambas pasiones. “Es una situación un rara, es un hobby que tengo de toda la vida, sobre todo el dibujo, y siempre había tenido curiosidad por la pintura…obviamente soy consciente de que soy un privilegiado, de que mi pasado como jugador me ha ayudado, me ha abierto puertas por una cuestión de que a lo mejor excompañeros o exentrenadores siempre te dan una mano».

Fondato utiliza principalmente acrílico sobre lienzo, aunque también ha experimentado con otras técnicas como óleo, acuarela y pintura sobre prendas de vestir. «Soy una persona muy curiosa y muy autoexigente», comenta, subrayando su compromiso con la mejora continua. «hago una pintura y la próxima quiero que esté 10 veces mejor que la anterior, entonces miro muchos videos, pregunto, hablo mucho con artistas, voy a galerías para después darle un toquecito y hacerla mía”, agregó el exfutbolista.

Matías Fondato es un claro ejemplo de cómo las pasiones pueden abrir nuevos caminos. Desde su carrera en el fútbol profesional hasta su éxito como pintor, Fondato ha demostrado que es posible reinventarse y encontrar nuevas formas de expresión.

Mondongo: ojos bien abiertos

Fuente: Clarín – Como en un juego de las diferencias, si el cuadro “Manifestación” (1934) de Antonio Berni retrata una huelga en la zona fabril de Rosario, en el auge de los totalitarismos de los años 30, nuestra época revulsiva engendra su propia y audaz reversión. “Manifestación” se llama también la obra del dúo Mondongo que homenajea la de Berni, a 90 años de su creación. El escenario contemporáneo se muda a Plaza de Mayo –se ven las siluetas de la Catedral y la Pirámide–, y los obreros que ya en la pieza de Berni tenían rostros y expresiones identificables, en este altorrelieve de 2024 son amigos y familiares de los artistas, creados íntegramente con la colegial plastilina.

La gigantesca obra es el eje de una gran instalación que ocupará, desde el jueves 13, la planta baja del Malba, museo en el que Berni tiene un lugar central en la exposición Tercer Ojo, un piso más arriba. De allí la icónica obra se trasladará para mostrarlas juntas, acompañadas por el tondo (pintura circular) “Villa II”, de una serie que interpreta los barrios precarios en el Sur Global. El camino a la sala estará construido como un asentamiento, que por dentro recrea un paisaje mental en tonos de azul. Una mirada lacónica sobre una realidad que, como decía Antonio Berni, “rompe los ojos” de los artistas.Incorporados a la “Manifestación”, Juliana Lafitte y Manuel Mendanha muestran un detalle del altorrelieve que se podrá ver, junto a la obra de Berni, en un gran instalación en Malba. Entre los asistentes, el escritor Sergio Bizzio, a la cineasta Albertina Carri, Fogwill, Francisco Garamona, ellos mismos más jóvenes y Francisca, la hija de ambos hoy de 17 años, como un bebé. Foto: Ariel GrinbergIncorporados a la “Manifestación”, Juliana Lafitte y Manuel Mendanha muestran un detalle del altorrelieve que se podrá ver, junto a la obra de Berni, en un gran instalación en Malba. Entre los asistentes, el escritor Sergio Bizzio, a la cineasta Albertina Carri, Fogwill, Francisco Garamona, ellos mismos más jóvenes y Francisca, la hija de ambos hoy de 17 años, como un bebé. Foto: Ariel Grinberg

Esta es la concreción de un sueño: la maqueta estaba lista hace diez años. “Somos absolutamente fans de Berni, admiradores cada uno por su lado, y después juntos”, concede Juliana Lafitte, mitad de Mondongo, durante un encuentro en el taller de la calle Gurruchaga, abarrotado de objetos de un amplio espectro de funcionalidad, desde herramientas y una cafetera a chucherías rituales, peluches y cartelitos.

“Berni fue muy importante para nosotros. Abrió la puerta de que el material conceptualmente podía portar fuerza, y tomamos esa veta”, elabora Manuel Mendanha y señala. Allí, debajo de unos cartones está la maqueta, que incluye un barrilete que habitará el espacio en altura del museo. Lo dice porque desde 1999, los Mondongo –que entonces eran tres, hasta que Agustina Picasso se mudó a Los Ángeles para formar familia con Matt Groening, el creador de Los Simpson–, utilizan materiales diversos para sus obras, en una relación conceptual con el tema o personaje elegido, desde alimentos a cadenas de oro, de clavos, cera, plastilina y un amplio etc. La “Manifestación” de 1934, pieza central del arte argentino del siglo XX, es una pintura al temple sobre arpillera, y fue el comienzo para Berni en la inclusión de latas, telas, y otros elementos en sus obras fundantes de un Nuevo Realismo.Cabellos de plastilina. La dupla prepara sus materiales y trabajan solos frente a la obra. Foto: Ariel Grinberg. Cabellos de plastilina. La dupla prepara sus materiales y trabajan solos frente a la obra. Foto: Ariel Grinberg.

Pero si los obreros de Berni quedaron en el anonimato, se puede jugar a reconocer en la “Manifestación” de Mondongo quiénes son los asistentes a la marcha: en primer plano, Sergio Bizzio, el escritor y amigo de los artistas. Detrás, la cineasta Albertina Carri, la abuela de Juliana, la psicoanalista de ambos, el recordado Fogwill, más allá Marta Minujín, más acá el editor Francisco Garamona… Hoco Huoc, Eneas Capalbo, Diego de Adúriz, Gastón Camarata, que conforman una escena a la vez potente y cool del arte contemporáneo local. En la cuenta regresiva y entre los toques finales, la conversación siguió así.

–Una vez definido el proyecto, comenzaron a tomar decisiones, como usar plastilina que es algo propio y no los materiales de Berni, vinculados conceptualmente a su obra.

–Manuel Mendanha: Fue una manera de traerlo a la actualidad. Hicimos un proceso, obviamente influenciados por Berni. Experimentamos con muchísimos materiales y la plastilina terminó siendo nuestra manera de pintar. Y nos parecía también idóneo al ser un retrato múltiple: haber trabajado la plastilina durante tantos años terminó siendo como un compendio de todas los experimentaciones con ese material.

-Juliana Lafitte: Nos quedamos con la plastilina como medio para pintar y para esculpir, que un amigo nuestro llama esculpintar.

-MM: Al inicio la usábamos como los niños: haciendo chorizos, puntitos, algo plano, que empezó a crecer. La serie de Calaveras comenzó plana y los últimos trabajos ya son altorrelieves. Fue parte del proceso formal.La "paleta" de plastilinas de Mondongo. Foto: Ariel Grinberg. La «paleta» de plastilinas de Mondongo. Foto: Ariel Grinberg.

–También trajeron al presente los personajes.

-JL: Cuando pintamos cuadros con humanos, trabajamos con gente que tenemos cerca, porque al conocer los ojos, al estar vinculados sentimental y espiritualmente se me hace más fácil entender… Creer que en un momento llego a captar algún tipo de espíritu en esa mirada.

–MM: En distintas series tomamos temas vinculados con la actualidad, que es inevitable: vimos lo del dólar, hablamos del porno. Está reflejado nuestro mundo. Algunos personajes son más públicos que otros pero no son anónimos, también porque lo que dice Juli que pintamos gente que conocemos profundamente. Y es el retrato de una escena porque es nuestro mundo. Pero además somos retratistas y esta fue una oportunidad de abordar el retrato múltiple, que está muy presente en la historia del arte y en la iconografía religiosa: desde Cristo cargando la cruz al El entierro de Orgaz. Algo así se ve en los estudios de Gustave Courbet y Fantin-Latour que referenciamos.

-JL: Los amigos son parte del proceso creativo. Porque nosotros descreemos de la noción de autoría, cualquier comentario puede ser incluido en la obra.

–Berni decía que ante una realidad que “rompe los ojos”, los artistas deben abrirlos, ¿creen que además del deseo latente hay una idea de tener los ojos abiertos a lo que pasa?

–MM: El cuadro de Berni cumple 90 años y si lo mirás son básicamente obreros. Entonces parte de ese traerlo a nuestro tiempo es la heterogeneidad de la manifestación, compuesta por personas de todas las clases sociales.

–JL: Después de tanto tiempo, las masas en la calle siguen siendo una herramienta. Es muy contundente la diferencia, en cómo está integrada la manifestación de Berni a lo que vemos hoy: un abanico de resistencias heterogéneo, incluidos los adolescentes, los ancianos, los trabajadores de toda índole.La paleta absoluta. Mondongo probó la plastilina en un retrato por encargo de Walt Disney. Foto: Ariel Grinberg. La paleta absoluta. Mondongo probó la plastilina en un retrato por encargo de Walt Disney. Foto: Ariel Grinberg.

Colores santos

Protestas, villas, calaveras, cuentos infantiles refutados. No todo es decadencia vista a través del cristal oscurecido y ácido, aunque sofisticado, de Mondongo. En noviembre, en la terraza de ArtHaus Central –centro cultural del Microcentro porteño–, se montará completo su Baptisterio de los colores. La “casita” como le llaman, que se vio en Barro en la primera post pandemia, recibirá a los visitantes con su piso y techo espejados y paredes envolventes empapeladas del círculo cromático completo: 3.276 colores en plastilina. También será la oportunidad de ver una de sus legendarias Calaveras.

Al fondo, en una planta baja está el taller de Mondongo. Tras un desnivel escaleras abajo, se despliegan incontables los cubos de plastilina en un degradé de factura industrial. Ellos lo llaman “la paleta”. La materia prima les llega de fábrica en siete pigmentos base, que mezclan con sus propias manos. “Somos pintores y siempre nos resultó muy interesante el momento en que aparece el óleo en el Renacimiento. Así fue para nosotros el descubrimiento de la plastilina: un cambio profundo”, revela Mendanha. “Con los años encontramos miles de nuevas maneras de trabajar con ella y siguen apareciendo, y el Baptisterio fue una manera de compartir ese descubrimiento”. Lafitte asiente: “Es realmente infinita la paleta que brinda”. Y detalla la ductilidad del material en el horno microondas, aunque en menos de cinco minutos vuelve a solidificar, o la herramienta que crearon para los esfumados.Mondongo. Villa 2, 2023. La obra se mostró en Nueva York. Mondongo. Villa 2, 2023. La obra se mostró en Nueva York.

Inspirado en el círculo cromático que Johannes Itten hizo para la Bauhaus, el Baptisterio de los colores lo reproduce en volumen y deja ver las sinergias que genera. Pero además, es expresión de un deseo, el de abordar asuntos “que no solo nos rompan los ojos”. Lafitte desarrolla: “Que no sea solo el dolor y la angustia, la desesperanza, el horror, sino encarar algo más cercano a la utopía, un espíritu alegre, como en este caso: realmente es algo muy envolvente, infinito, y es solamente color”.

–Podría decirse que es una experiencia inmersiva, aunque sin componente tecnológico.

-JL: Sí, porque realmente cada color tiene un gramo de diferencia entre sí. Era medio Breaking Bad: la balanza es lo tecnológico.

–Sin embargo, sus obras no se aprecian de un vistazo, hay que detenerse: buscan capturar la atención, que es el bien preciado de esta época, pero al mismo tiempo no hay manera de construirlas sino manualmente.

–MM: Empezamos a las 7 de la mañana y nos vamos a las 8 de la noche. Es muy lento pero es nuestra manera de trabajar, a través de un esfuerzo. A veces nos lleva tres o cuatro horas entrar profundamente lo que queremos hacer. Como una meditación.

–JL: Empiezo a calmar las voces de la mente… Cuando lo logro es algo muy parecido a la felicidad. Más allá de eso, somos muy de la filosofía del trabajo sostenido. Admiro muchos artistas y obras que son concebidas, y me rompen el corazón también, sin ese esfuerzo. Por eso, no aprehender rápidamente los cuadros tiene que ver con nuestra búsqueda, que detrás hay un montón para descubrir.Galería de personajes. Amigos y familiares de Mondongo (izq.) y los obreros de Berni (der.).  Foto: Ariel Grinberg. Galería de personajes. Amigos y familiares de Mondongo (izq.) y los obreros de Berni (der.). Foto: Ariel Grinberg.

Alrededor del sistema

Las obras de Mondongo se venden de manera vertiginosa. Siempre hay un coleccionista dispuesto a releer la historia del arte a través de las piezas que esta dupla saca de su taller después un esfuerzo descomunal. ¿Cómo se hace hoy una retrospectiva de Mondongo? Casi imposible. Sus obras están diseminadas por el mundo. Solo las Villas están en Abu Dhabi, Bélgica, en colecciones públicas y privadas. A Houston, Texas, habrá que ir a buscar el retablo de doce metros. ¿Prestaría su retrato construido con espejitos de colores el Rey Juan Carlos I de Borbón? El dominio de la técnica y la compenetración en la tarea libran batalla contra la improvisación como idea de un mundo rápido. ¿Qué piensan?

-MM: En un momento, cuando estábamos más inmersos en el mercado del arte, hacíamos dos ferias anuales, una muestra aquí, otra allá, pero decidimos retirarnos de eso para poder volver a tener tiempo para trabajar en las obras.

–JL: El retablo de Houston nos tomó cuatro años, porque decidimos que no tenga un deadline, y también aprendimos a escuchar a los cuadros.

–MM: El tiempo es fundamental. Cada uno, además, hace lo que le interesa.

–JL: Nosotros esperamos conectar, comunicarnos, generar algún tipo de impacto, de preguntas; y lo que puede venir es diverso.

–¿Y cómo es la relación con el mercado del arte? ¿Ya no van a ferias?

–JL: Hace dos años volvimos a Art Basel.

–MM: Lo que el mercado del arte hace con los artistas es que cuando empieza a funcionar dentro del mercado, tenés que suplir la demanda que se genera. Solo para mantenerte en ese mundo: hacer la mayor cantidad de ferias posibles. Y nuestra obra de por sí no es adecuada para ese sistema. En un momento nos encontramos haciendo mucha obra y no nos gustaba. Pero nuestras obras se comercializan…

–¿Cómo fue el trabajo en equipo con los años?

–MM: Mutó de miles de maneras. Trabajamos diez años con ayudantes, después colaboramos con gente pero hoy frente al cuadro somos nosotros dos, nada más, desde hace como 15 años. Trabajar juntos nos dio tener una pasión por la experimentación. Siempre estamos buscando nuevas maneras de trabajar.

  • Mondongo. Manifestación
  • Lugar: Malba, Sala 1, Av. Figueroa Alcorta 3415
  • Horario: mie a lun de 12 a 20
  • Fecha: hasta el 23 de septiembre
  • Entrada: general $5000.

Eduardo Costantini, el filántropo argentino que revolucionó el arte latinoamericano

Fuente: La Capital de Mar del Plata – En 2001, fundó el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, una institución cultural dedicada a coleccionar, conservar y difundir el arte latinoamericano desde principios del siglo XX hasta la actualidad.

A los 22 años, Eduardo Costantini tenía tres hijos, trabajaba, estudiaba Economía y cuando llovía, salía en bicicleta a vender bufandas. Hoy es el fundador del Malba, el museo que alberga la mejor colección de arte latinoamericano del mundo, y el desarrollador de Nordelta, una ciudad en las afueras de la capital argentina que está considerada un modelo de urbanismo moderno.

A Constantini (Buenos Aires, 1946) siempre lo ha guiado una firme determinación de avanzar. La voluntad, la consistencia y el trabajo basado en la ética son su forma de enfrentar los desafíos.

“Yo empecé de cero. Trabajaba mientras estudiaba. Los días eran largos, pero yo tenía el propósito de ir hacia adelante”, relata en una entrevista con EFE este empresario y filántropo argentino, conocido tanto por su éxito en el mundo de los negocios como por su destacada labor como mecenas del arte.

En 2001, Costantini fundó el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba), una institución cultural dedicada a coleccionar, conservar y difundir el arte latinoamericano desde principios del siglo XX hasta la actualidad.

“Empecé a coleccionar a los veintipico años. Durante más de una década compré obras de acuerdo a lo que me gustaba, pero no tenían la calidad artística para estar en un museo.”

Pero en 1980, conoció a Ricardo Estévez, un gran experto en arte que le enseñó a coleccionar y que se convirtió en su mentor.

Aprendiendo a coleccionar arte

Entonces decidió enfocarse al arte latinoamericano y fue reuniendo una colección de alta calidad con artistas como Frida Kahlo, Diego Rivera, Joaquín Torres-García, Antonio Berni, Xul Solar ,Tarsila do Amaral, Roberto Matta y Wilfredo Lam.

“Vi un terreno estratégico en Buenos Aires y decidí que era mejor poner un museo que construir un edificio y hacer negocio”, cuenta.


Eduardo Costantini, el filántropo argentino que revolucionó el arte latinoamericano

La ubicación del Malba en una exclusiva zona de la ciudad, la calidad de la colección permanente, la disponibilidad de recursos financieros y la profesionalidad de su equipo son las grandes fortalezas del museo, destaca su fundador.

“El desafío más importante es la financiación. En la cultura latinoamericana hay una baja percepción del apoyo a los museos y generalmente no hay una legislación impositiva favorable”, lamenta.

De hecho, Constantini está financiando de su propio bolsillo Malba Puertos, una extensión del museo con un presupuesto de diez millones de dólares en Puertos Escobar, una moderna urbanización que está construyendo en el nordeste de la provincia de Buenos Aires.

La colección del Malba abarca del modernismo latinoamericano en adelante y contiene obras escogidas de maestros del arte latinoamericano. Pero el museo además desarrolla programas educativos y tiene áreas dedicadas específicamente al cine y la literatura.

“La selección se basa en la calidad, los grandes maestros de arte latinoamericano y sus mejores obras, las que rompieron con la tradición. Cada vez que aparece una pieza superlativa, intento comprarla”, confiesa.

El Malba en la promoción del arte latinoamericano

Costantini se muestra orgulloso de la influencia del Malba en la promoción del arte latinoamericano.

“Al principio la visibilidad era mucho menor, pero el arte latinoamericano ha crecido en presencia y valoración. Hoy en día, las grandes obras de arte latinoamericano dialogan a la par con las de los grandes artistas internacionales.”

En este mundo globalizado, a Constantini le gustaría que se valorara más las culturas originarias y la importancia de la mujer en el arte, para que “haya una igualdad de oportunidades y visibilidad, y se imponga la calidad de la obra.”

Para este destacado filántropo, los museos son un lugar acogedor, “un refugio natural donde exaltar los valores culturales a través del arte”.

Convencido de que los seres humanos tienen una responsabilidad social, Eduardo Costantini donó su colección privada al Malba el mismo año de su fundación.

“Los museos crean comunidad, educan y enriquecen al interactuar con el público. Es una manera de disfrutar la colección de una forma más significativa”, confiesa.

Costantini piensa que la tecnología debe ser utilizada para mejorar los propósitos de las instituciones y está convencido que la inteligencia artificial aplicada al arte nunca reemplazará al ser humano.

“Hay improntas humanas que la inteligencia artificial no puede replicar. No creo que perdamos nuestra identidad como personas”, asegura Costantini, para quien la vida es “una construcción continua” y el éxito, “vivir de acuerdo a los valores”.

“El objetivo es crecer siempre, estar activo y entusiasmado”, concluye.

La galería virtual «Arte de San Luis» cumplió su primer año

Fuente: El Diario de la República – La página web comandada por Eduardo Sallenave celebra su aniversario con promociones para el Día del Padre. 

Con 35 artistas y 315 obras disponibles, la galería virtual Arte de San Luis cumplió un año de trabajo y se mantiene vigente y renovada. Ahora, para adelantarse al Día del Padre, se abrió la sección «Oportunidad», donde los visitantes tendrán la posibilidad de encontrar obras a muy buen precio con valores menores e iguales a 45.000 pesos.

«Más de cincuenta obras están disponibles para que los compradores elijan las que más les gusten. Hay fotografía, acrílicos, bordados, óleos, objetos intervenidos y acuarelas, entre otras obras muy hermosas que pueden elegir y tener la posibilidad de llevar para decorar algún rincón del hogar o regalar a sus seres queridos en esta fecha especial», contó Eduardo Sallenave, impulsor y dueño de la galería.

Además, agregó que hasta el próximo 16 de junio se habilitará un cupón de descuento para quienes puedan y quieran aprovechar. «Facilitamos un diez por ciento porque creemos que en San Luis el arte es increíble», explicó Sallenave.

Eduardo describió el primer año de la galería como «apasionante, vertiginoso y lleno de felicidad». Además de la compra y venta de obras, también se dedicó a realizar entrevistas a los artistas vía redes sociales para que cuenten sobre sus carreras y trabajos realizados.

«Solo resta agradecer a los artistas que me brindaron su confianza y entusiasmo para formar parte de la galería que crece día a día», expresó Eduardo, quien se encuentra en permanente contacto con nuevos colegas que desean sumarse a esta ola digital y creativa.

«Hay muchos proyectos e ideas muy buenas para desarrollar, siempre en una índole privada e independiente, y con un solo objetivo, que es potenciar a los artistas de la provincia», destacó Sallenave.

Quienes deseen visitar la galería pueden entrar al link: https://artedesanluisgaleria.com/

Van Riel cumple 100, la historia continúa

Fuente: Clarín – La tarjeta invitaba a la inauguración de tres exposiciones en la galería Van Riel, situada entonces en Florida 659 (una de las tres sedes a lo largo de su historia). La primera de ellas era del Movimiento Informal con la participación de los artistas Enrique Barilari, Alberto Greco, Kenneth Kemble, Olga López, Fernando Maza, Mario Pucciarelli, Towas y Luis Wells, en la sala I. La apertura era el 13 de julio de 1959.

En el centro de la sala de la misma galería, ubicada hoy en Juncal 790, la tarjeta constituye un documento que sintetiza un momento destacado para la historia del arte argentino con la irrupción de Informalismo. Y de la mano de un espacio que ha contribuido a escribir esa historia.

Gabriela van Riel, tercera generación de la familia en la dirección, eligió la obra de Mario Pucciarelli para brindar el próximo 7 de junio por el centenario de la galería, marcada por la continuidad, que suena a utopía concretada en un país de interrupciones. La decisión recuerda el carácter innovador y de ruptura que su abuelo y su padre, ambos de nombre Frans, supieron imprimir a la institución desde 1924. Porque en la década del 50, la aparición del informalismo constituyó un cimbronazo en el arte local, mientras que en Europa ya tenía una década de existencia.

Mario Pucciarelli. Sin título (1970), técnica mixta, 80 x 80 cmMario Pucciarelli. Sin título (1970), técnica mixta, 80 x 80 cm

Este movimiento buscaba alejarse de la figuración, de la abstracción geométrica y de la racionalidad. Apelaba a un tratamiento matérico y formal donde primaba los chorreados, empastes y materiales cotidianos como telas, cartones y otros. “El mundo real es, en mi caso, un punto de partida, y negándolo o afirmándolo me propongo un profundo análisis del lenguaje y una reducción de la pintura a los valores de la pura percepción”, señalaba Pucciarelli, en 1963.

Las atentas miradas de la galerista y de la historiadora del arte María José Herrera seleccionaron y dispusieron las obras de Pucciarelli en la sala. Cierta musicalidad envuelve el conjunto de trabajos realizados entre 1960 y la década del 90. Tal vez por las ondulaciones de las gruesas pinceladas con sus ritmos y energía; por el contraste en varias pinturas entre un sector oscuro y otro claro casi delimitando un horizonte; o por el audible silencio que emana de cada composición solicitando una percepción activa.

Herrera escribe sobre Pucciarelli en el texto de la exposición: “En los años 60 sus obras pusieron en juego distintas materialidades en composiciones prácticamente monocromas. Hacia mediados de la década, el color y cierta geometría ‘ordena’ el campo de energías matéricas. Notaciones cromáticas, pequeñas bandas, parecen codificar el espectro lumínico y tonal utilizado en la obra”. Y, asimismo, señala: “El ‘análisis del lenguaje’, que procura el artista será entonces ese despliegue completo de las posibilidades de la materia sobre la tela: el empaste, las fusiones, las líneas, los puntos, el color. O su contrario: todas esas posibilidades yaciendo debajo de un espeso manto negro, como en ‘Diálogo con la materia’ (1982).”1959. Informalismo en Van Riel. Greco, Barilari, (persona no identificada), López, Pucciarelli, Maza y Wells.1959. Informalismo en Van Riel. Greco, Barilari, (persona no identificada), López, Pucciarelli, Maza y Wells.

Pucciarelli (Buenos Aires, 1928 – Roma, 2014), fue protagonista de la versión vernácula del informalismo. Vivió en Europa entre 1955 y 1956. En su carrera, obtuvo el consagratorio Premio Di Tella de 1960, por el cual obtuvo una beca por un año en Europa, donde se instaló definitivamente incorporándose al arte italiano contemporáneo. Siguió participando desde Roma en exposiciones en la Argentina.

Un siglo ininterrumpido

Frans van Riel había llegado precisamente desde Roma en 1906. Instaló un local de fotografía en Viamonte 624, donde retrató a algunas de las figuras del ambiente cultural y cofundó la revista Augusta especializada en arte. Fue un poco después, en 1924, cuando su impulso y visión lo llevó a abrir la que sería una de las más célebres galerías en su momento, en Florida 659. Asistió a la inauguración el entonces presidente Marcelo Torcuato de Alvear. En sus salas funcionaron, además, la Asociación Amigos del Arte, Ver y Estimar, el Instituto de Arte Moderno y el Primer Teatro Independiente de Buenos Aires.

“Exposiciones colectivas e individuales, conferencias y publicaciones de arte se fueron sucediendo a lo largo de los años, en una responsable y estratégica labor de debate, estudio, promoción y comercialización del arte. Esa dinamización constante, ese estar en el núcleo de los acontecimientos, bien atentos a todo cuanto acontece, generó la confianza que el medio artístico depositó en los van Riel y sustentó, al mismo tiempo, su permanencia en el tiempo”, escribe la historiadora del arte Malena Babino, en un texto incluido en el libro que la galería prepara por su centenario.

Luego del cierre del mítico espacio, en 1979, Van Riel reabrió en la calle Talcahuano 1257. Frans (padre) había fallecido en 1950 y continuó el trabajo su hijo Frans (fallecido en 2014). Gabriela se fogueó en ese ambiente desde pequeña. La muestra de Sergio Avello, de 1998, funciona en esta historia familiar e institucional de alguna forma como el ingreso de la tercera generación. Y marcó la confianza en el arte de los años 90 con cierto paralelismo a la apuesta, tres décadas antes, por el informalismo. Fue en 2007, cuando la galería se instaló en su tercera y actual sede.

En diálogo con Ñ, Gabriela van Riel contó: “He vivido la historia familiar, sobre todo, la de mis padres y la mía (porque a mi abuelo no llegué a conocerlo, aunque me hubiera encantado) como la de una pasión por seguir adelante con el proyecto de la galería. Hubo momentos muy difíciles, en los que a veces la sugerencia era cerrar el espacio y vivir tranquila y sin sobresaltos. Pero, si eso sucedía, el proyecto iba a quedar trunco y eso no me lo hubiera perdonado nunca. De todas formas, seguir con la galería no fue un desafío impuesto por mi familia, sino una elección de vida. Es un trabajo que me apasiona y lo llevo literalmente en la sangre”. La galerista menciona el impulso de su madre, Kicsi van Riel (fallecida en 2009), y a sus hermanas Flavia y Valeria, dedicadas a otras profesiones.

En la extensa y nutrida línea de tiempo de la institución las exposiciones se suceden imparables. Además de las mencionadas, muchas fueron mojones para el arte argentino: Siete artistas modernos, en 1935, en la Asociación Amigos de Arte, con obras de Lino Enea Spilimbergo, Héctor Basaldúa, Antonio Berni, Emilio Pettoruti, Horacio Butler, Ramón Gómez Cornet y Aquiles Badi; la primera muestra individual de Juan Del Prete, en 1937; el salón Nuevas Realidades, arte abstracto-concreto-no figurativo, en 1948; la muestra de Luis Felipe Noé, en 1960; la emblemática exposición Homenaje a Vietnam, donde León Ferrari expuso su reconocida obra “La civilización occidental y cristiana”; y la lista sigue.

La galería más antigua y vigente del país celebra, así, una hazaña: la de impulsar, sostener y proyectar el arte argentino de cada momento durante un siglo. Afortunadamente, la historia continúa.

  • Mario Pucciarelli
  • Lugar: Van Riel, Juncal 790 PB
  • Horario: lun a vie de 15 a 19
  • Fecha: hasta el 28 de junio
  • Entrada: gratuita

7 recomendados de arte y cultura para esta semana

Fuente: La Nación – La agenda del jueves 6 al miércoles 12 de junio en Buenos Aires.

  • Fotografía en La Boca. El sábado a las 15, Florencia Blanco y Santiago García Navarro realizarán una visita guiada por Ch’ixifuturismo. Arquitectura de Freddy Mamani, fotografías de Florencia Blanco, la nueva exposición de Fundación Larivière (Caboto 564). Luego, se realizará una visita guiada por La vida es la calle, de Fernell Franco. Gratis, sin inscripción previa.
  • Baile circular. Así se titula la exposición que se inaugurará el sábado a las 12 en la sede Hotel de Inmigrantes del Muntref (Av. Antártida Argentina S/N). Curada por las brasileñas Juliana Caffé y Julia Gontijo, reunirá obras de artistas de distintas regiones de Sudamérica y Sudáfrica vinculadas con el ciclo de la vida: gestar, crecer, envejecer.
  • Romano por dos. Mientras continúa hasta fin de mes su muestra El cuerpo en escena, curada por Ana María Battistozzi en Colección Amalita (Olga Cossettini 141), Verónica Romano inaugurará hoy a las 18 Sueño con cisnes, su primera muestra en la galería Tramo (Av. Alvear 1580, PB), curada por Bárbara Golubicki.
  • Festival Borges: hasta el sábado, en la Alianza Francesa (Av. Córdoba 946), habrá charlas virtuales y presenciales, así como una caminata por el cementerio de la Recoleta, en un programa gratuito para difundir la lectura y la reflexión sobre la obra del mayor escritor argentino. Gratis con inscripción previa.
  • Arte en la Facultad de Derecho. La artista Vivi Berthet inaugura hoy a las 19 la muestra Coincidencias significativas, en el Salón de los Pasos Perdidos de la Facultad de Derecho de la UBA (Av. Figueroa Alcorta 2263). Con más de 100 obras en exhibición y la participación de 30 artistas, Berthet propone una experiencia única a través del uso de la pintura asfáltica creadas en el marco de laboratorio artístico.
  • Gentrificadxs.Unrecorrido por las calles de Balvanera con el performer y director Martín Seijo como guía. La propuesta de la Compañía de Funciones Patrióticas se desarrolla los domingos 9, 16 y 30, a las 16.30. El punto de encuentro es el Teatro El Popular (Chile 2080). Con una duración de 90 minutos, tiene cupo limitado y se suspende por lluvia. Entradas disponibles en Alternativa teatral.
  • Encuentro en Notanpuan. Este sábado, a las 16.30, la escritora Alejandra Kamiya visita la librería de San Isidro (Chacabuco 459) para conversar acerca de su trilogía de libros de cuentos junto a Carmela y Milagros Pérez Morales. La entrada es libre, hasta agotar la capacidad del espacio. No requiere inscripción previa.

Pintura asfáltica: 100 obras y 30 artistas en la muestra de Vivi Berthet en la UBA

Fuente: TN – La técnica de la pintura asfáltica será la gran protagonista de esta muestra, que podrá visitarse hasta el 18 de junio en la Facultad de Derecho de la UBA, con entrada libre y gratuita.

Con más de 100 obras en exhibición y la participación de 30 artistas, la artista visual Vivi Berthet presenta hasta el 18 de junio “Coincidencias Significativas”, una nueva muestra de su laboratorio de arte, en el salón de los Pasos Perdidos de la Facultad de Derecho de la UBA. La entrada será libre y gratuita.

La exposición está bajo la coordinación de Zulma García Cuerva. Berthet propone una experiencia única a través del uso de la pintura asfáltica como la gran protagonista de la exhibición, una técnica que permite crear piezas únicas y exclusivas potenciando la creatividad del artista.

Además, entre el 27 y el 30 de junio próximos, las obras de Berthet podrán verse en una nueva edición de Arte en La Herencia, en Pilar, a beneficio de la fundación Conin.

“Dedico mi tiempo a profundizar mi búsqueda personal, explorando en la unión de formas geométricas y su convivencia con lo orgánico; las transparencias abstractas me llevan a imaginar espacios urbanos y profundidades místicas. Geometría de pentágonos y hexágonos que aumentan y disminuyen sus límites dan forma a umbrales difusos, y me invitan a transitar microcosmos reales o ilusorios”, sostiene.

Berthet es autodidacta y autogestiva, utiliza la pintura asfáltica como elemento preponderante en sus obras, generando diferentes efectos con la suma de pinturas acrílicas, tintas y resinas.

"Caminos encontrados", una de las obras de la artista visual Vivi Berthet que expone en la Facultad de Derecho de la UBA. (Foto: gentileza Vivi Berthet)
«Caminos encontrados», una de las obras de la artista visual Vivi Berthet que expone en la Facultad de Derecho de la UBA. (Foto: gentileza Vivi Berthet)

Desde hace más de 12 años, experimenta el asfalto líquido, investigando sobre mezclas con otros materiales y texturas que –químicamente– dan como resultado diferentes reacciones estéticas de cierta previsibilidad, pero de nula repetición exacta.

La artista participa habitualmente en distintas exposiciones individuales y colectivas, tanto a nivel nacional como internacional. Anualmente, la artista se presenta en ferias de distintos países, como la Argentina, Chile, España, México y Estados Unidos.

Desde 2016, Berthet tiene su espacio en BADA Buenos Aires, así como en sus respectivas ediciones de Ciudad de México y Madrid. En agosto, sus obras estará en la versión local de esta gran feria de arte, en la que confluyen artistas consagrados y emergentes en directa conexión con el público.

Además, es licenciada en Relaciones Públicas e Institucionales por la UADE y magister en Dirección Comercial (CMO) por la UADE Business School. Durante 17 años ejerció como profesora de grado, posgrado, maestrías y brinda capacitaciones grupales y/o personalizadas en oratoria y redacción.

La Universidad Siglo 21 convocó a la 2ª edición del Concurso Nacional de Escultura de Gran Escala

Fuente: La Voz – La convocatoria para su segundo Concurso Nacional de Escultura de Gran Escala, centrado en el emprendedurismo como temática principal, busca de enriquecer los espacios universitarios con obras de arte.

La Universidad Siglo 21 lanzó la convocatoria para la segunda edición de su Concurso Nacional de Escultura de Gran Escala, una iniciativa que busca enriquecer los espacios universitarios con expresiones artísticas.

La temática de este año se centra en el emprendedurismo, aspecto fundamental junto al desarrollo de competencias en sustentabilidad social e internacionalización.

"CAMBIA" de SY (Rodrigo Schiavonni y Adán Yenedrich) obra ganadora en la primera edición del concurso organizado por la Universidad Siglo 21 (gentileza Universidad Siglo 21)
«CAMBIA» de SY (Rodrigo Schiavonni y Adán Yenedrich) obra ganadora en la primera edición del concurso organizado por la Universidad Siglo 21 (gentileza Universidad Siglo 21)

La convocatoria, abierta desde el 15 de mayo hasta el 25 de julio, está dirigida a artistas argentinos/as interesados en presentar diseños de piezas escultóricas, conforme a las bases y condiciones disponibles.

Los jurados que estarán a cargo de evaluar las propuestas incluyen a la magister María Belén Mendé, el licenciado Juan Carlos Rabbat, el arquitecto y coleccionista José Luis Lorenzo, el magister Tomás Bondone, así como a los escultores de renombre internacional Eugenio Cuttica y Pablo Atchugarry.

La obra seleccionada será adquirida por la institución para ser instalada en la Colección de Arte de la Universidad Siglo 21, ubicada en el Campus Juan Carlos Rabbat en la ciudad de Córdoba.

“Tenemos la convicción de que el arte es parte del patrimonio cultural y contribuye a una educación integral. Nos enorgullece invitar a artistas argentinos a transformar nuestro campus en un espacio donde la educación y el arte convergen para un futuro emprendedor y culturalmente vibrante”, señaló María Belén Mendé, Vicepresidenta de la Fundación Universidad Siglo 21.

Esta convocatoria es parte de Campus con Arte, una iniciativa de esculturas a gran escala que impulsa la universidad. En su primera edición, centrada en la innovación educativa, la obra ganadora fue “CAMBIA” de SY (Rodrigo Schiavonni y Adán Yenedrich).