Ya está disponible Info Arte #89 – Año 2, 5ª semana de noviembre
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Fuente: Página12 ~ Música y arte social se conjugan en encuentros mensuales en los cuales, desde esta semana, puede verse una «Hebe iluminada» junto a otras obras.
Un viento suave ronronea entre la vegetación que custodia la Ruta 8, ahí donde el terreno se desmarca de la velocidad hacia los barrios bajos, los que crecen alrededor del parque industrial de Pilar, el más grande de Latinoamérica. En la calma de un sábado a la noche, a la altura de Fátima asoma un edificio iluminado de colores. Adentro, una escenografía multimedia conjuga trabajo y arte para recibir al visitante: es el taller museo del artista plástico Alejandro Marmo. Escenario ideal para el encuentro que, una vez por mes, convoca a vecinos y artistas a un espectáculo singular, cobijado bajo las figuras iluminadas de Leonardo Favio, San Martín, o la más reciente: «Hebe», lista para ser instalada próximamente en la ciudad.
La invitación a esta cita es sugestiva. Dice “De arte no entiendo nada”. Propone una tertulia alrededor de “un micrófono y 49 sillas”. Pero no es un karaoke. Es un show de artistas que rotan cada mes -para deleite de quienes llegan al taller-, organizado por el Grupo Octubre y la Fundación Arte en las Fábricas, que preside el artista reconocido por sus «personajes históricos” exhibidos en espacios públicos.
Pueden cantar Adriana Varela o Carolina Peleretti, Los Charros o Nico Matioli. La música teje su red entre las simbólicas obras de Marmo. Las que remiten inmediatamente, a las dos Evitas que “le cambiaron la cara a la ciudad”, como dicen los porteños. Fueron colocadas en 2011 sobre las fachadas norte y sur del Ministerio de Desarrollo Social de la Nación. En plena Avenida 9 de Julio. Le siguieron otras obras sobre ese boulevard: Padre Mugica, Arturo Jauretche. La apuesta fue: «Ganar la 9 de Julio para nuestros próceres”, explica Marmo a Página/12, con entusiasmo. Y se define: “soy punk”.
Al entrar al taller, las esculturas de Evita y Maradona cruzan miradas con Rosas, con Artigas, Favio, Gilda, Rodrigo Bueno. Los rostros delineados en acero llaman desde las paredes. Entre las mesas, La Virgen de Luján realizada con descarte de trenes y el Cristo Obrero, se agigantan entre una original colección de autos antiguos: todos “modelo nacional”.
“El arte que surge de la industria del deshecho nos revincula con el poder hacer”, sostiene el artista, revalorizando el mensaje de su obra, la que realiza con participación de obreros, desempleados o activos, y personas en distintas situaciones de exclusión. El camino transforma. En el inicio está la decisión de convertir “el rezago de las fabricas desmanteladas de los ’90, en el conurbano bonaerense, en arte». La redención en la belleza. Al fin, eso es el arte, en su función social, reflexiona Marmo en su taller, mientras Adrián Colombo comienza a probar sonido para los boleros de la velada.
Las imágenes religiosas expresan el gesto humanitario sobre el cual Marmo -autodidacta, nacido en Tres de Febrero- construyó no solo arte religioso, desde ya, sino una filosofía que recupera desde el arte “la dignidad del trabajo”. Una versión sinfónica de “Me amas y me dejas” comienza a sonar y el artista explica el motivo de la convocatoria: “Uno debe alimentarse de lo humano. Y abrirse a una situación social implica adaptarse a lo que uno genera”, admite. Así nació este espacio cultural en su taller-fábrica. Marmo decidió tender manteles y compartir el pan con quienes ya lo conocen y con quienes llegan guiados por sus obras.
La presencia escénica de Alejandro Marmo en la performance creativa de la Argentina ya hizo historia. Lo saben quienes ven a Evita iluminada en la Ciudad de Buenos Aires, o al Maradona en Rosario. “Este lugar tiene que servir para generar proyectos de trabajo”, afirma sobre el taller. La prédica se materializa en “espacios productivos de trabajo”: el corte, el ensamble. Es así desde que comenzó a crear sus míticos personajes, con la colaboración de obreros desempleados, en los años ’90.
En los pisos superiores del edificio se puede visitar el taller propiamente dicho. También los salones que alojan cientos de siluetas de rostros conocidos: San Martín, Belgrano, el santificado padre Brochero. Y en un espacio especial, desde esta semana, la magnificiente «Hebe iluminada».
La iconografía popular define la obra de Marmo. Los desclasados del sistema conviven entre abrazos, con los héroes de la argentinidad: Favio, Maradona, Charly García, Tita Merello, la silueta de las Islas Malvinas, incluso la del paraguas de Rucci que protegió a Perón en Ezeiza en 1972. La filosofía del descarte les da visibilidad, porque solo se completa el circuito creativo cuando la obra llega al espacio público. Y el proceso perdura ahí en la interacción permanente con el público, espectador, el simple transeúnte. Desde esta perspectiva, es una obra viva la de Marmo.
Y cómo ocurre en plazas y avenidas, museos y edificios de la Argentina, y de otros países como Italia, Japón o Dominicana, en la sala se produce la magia cuando comienza la música y surge el baile, al amparo de La Virgen del descarte. Muy cerca, centellea la figura de Rafaela Carrà. La noche es joven. Dentro de los autos antiguos juegan los niños.
«Me emociona el arte cuando llega, cuando sirve» enfatiza Marmo. Palabras como: servir, transformar, descarte y arte; se conjugan cuando habla. En los comienzos “la transformación era apostar a la Argentina” repasa. Hoy, la Argentina está “contada desde una red social de hierro. Eso habla del lugar de donde soy, y de lo que uno puede ser y hacer, transformando” reflexiona. Marmo indaga, busca y transformar «el relato de la marginalidad”. Por eso solo la exposición pública de la obra completa el proceso creativo. Y sabe ubicarlas, con rigor: una Virgen del descarte, en el Vaticano, no es menor “porque interpela –afirma–, no solo a la propia iglesia sino a toda la sociedad”.
La sensibilidad en el trabajo social lo acercó a Jorge Bergoglio cuando el arzobispo todavía no era el Papa Francisco, claro. Hoy su Virgen de Luján, hecha con deshechos, es patrimonio del Museo Vaticano, como su Cristo Obrero. “Acá tenemos esta Virgen, que es hermana de la que está en el Vaticano y también el Cristo” señala. Las esculturas, enormes, también parecen bailar entre la banda y los automóviles. Y bendecir esta “vuelta al trabajo, desde el desecho”, la que propone Marmo.
En la escena, Yrigoyen y Frondizi están cerca de Rafaela Carrá y del Siam Di Tella «argentino» subraya el artista. Su imaginario abreva «en la Argentina post industrial y en lo productivo”. Desde ahí afirma que “hay que construir un sentido nacional, emocional». «Por eso estos autos, porque todos se fabricaron en la Argentina: el Siam Di Tella, la Coupe 7000 de Fiat, la Coupe 1600, el Citroen 13CV”, enumera.
La capacidad transformadora del arte “no elitista» se convirtió en su decisión de vida cuando se encontró en una profunda crisis, en la herrería de su padre. Solo. Tenía 22 años. Del padre y de su madre armenia, que vivieron la guerra, cuenta, hereda el estoicismo que deviene en el punk. Y la ternura: su obra El abrazo expresa la emocionalidad de quien absorbió la desolación. Habla de “sublimar la melancolía» de sus ancestros para explicar el camino que se inició en esa herrería de Villa Bosch. Allí está la usina creativa desde la que diseña tanto la famosa serie de personajes “iluminados” como las Vírgenes o los Abrazos: “Te metés adentro de las situaciones que expresan las obras, de los dolores y del padecimiento insoportable, pero eso te da también una potencia tremenda. Eso es transformador» sostiene.
La Hebe iluminada de Alejandro Marmo estará en la Ciudad de Buenos Aires. La pieza, terminada el mes pasado, se encuentra en el taller del artista para ser instalada próximamente.“Con Hebe me pasaron dos cosas: su figura me cautivó en los últimos años, más allá de lo que significa la causa de las Madres, que es para mí la agenda más trascendente de los últimos tiempos, como país. Me cautivó porque fue una figura punk. Frente a tanta perversidad, tanta hipocresía y tanta traición, Hebe abrió el cielo a una rebeldía incesante. Es absolutamente inspiradora para mantener la llama de la rebeldía”, puntualiza. “Por otro lado –continúa–, me hacía acordar a mi madre, armenia, peleadora, que no se cansó hasta el final. Ella partió hace 13 años y Hebe me conectaba con la lucha por la causa armenia, que es la del genocidio armenio y que tiene un espejo en la causa de las Madres, tan nacional”.
Fuente: Télam ~ Siete galerías argentinas participarán de la feria internacional que cumple 20 años y se realizará del 1 al 3 de diciembre. También habrá exposiciones individuales de argentinos como Adrián Villar Rojas y Leandro Erlich.
Siete galerías argentinas participarán de la feria internacional de arte Art Basel Miami Beach que cumple 20 años y se realizará del 1 al 3 de diciembre, en el Miami Beach Convention Center (MBCC) -con días de preestreno el 29 y 30 de noviembre-, en lo que será su edición más grande hasta la fecha, por lo que extiende su programa al resto de la ciudad donde habrá también exposiciones individuales de argentinos como Adrián Villar Rojas y Leandro Erlich, en coincidencia con la Semana del Arte de Miami.
Se trata de las galerías porteñas Barro, Jorge Mara – La Ruche, Revolver, Ruth Benzacar, Isla Flotante, Herlitzka + Faria y Rolf Art, que participarán en diferentes secciones del evento que cumple 20 años y que en esta edición contará con la presencia de 282 expositores provenientes de 39 países, de los cuales la mitad proceden de América del Sur y del Norte, informaron los organizadores.
El sector central de la feria albergará la presencia de Barro, Revolver Galería y Jorge Mara – La Ruche, ésta última con obras de León Ferrari, Sarah Grilo, Rómulo Macció, Mario Pucciarelli, Ana Sacerdote y Kazuya Sakai, un grupo de artistas precursores de la Abstracción lírica en Argentina durante los años 60 y 70.
Además, la galería Jorge Mara estará presente en el sector Kabinet 2022 (junto a otras 28 galerías internacionales que presentarán instalaciones especialmente curadas dentro de sus stands), con obras sobre papel de Sarah Grilo, realizadas entre los años 1970 y 1990.
«Realizadas mayormente en óleo, tinta y grafito sobre papel, las piezas expuestas poseen la energía, espontaneidad y lirismo que distingue su obra. Al igual que en sus obras sobre tela, Sarah Grilo incorpora palabras, inscripciones tipo graffiti, stencils, flechas, símbolos, signos y números. No se trata simplemente de recursos gráficos, sino que constituyen la raíz misma de su estética personal», señalaron desde la galería.
Por otra parte, en la sección Positions de la feria, los visitantes se encontrarán con trabajos del artista argentino Carlos Herrera (Ruth Benzacar Galeria de Arte), con un solo show que transita en torno al éxtasis, lo infiel y el tormento, y de la artista brasileña Ana Prata (en la porteña galería Isla Flotante).
Finalmente, en la sección Survey, dedicada a galerías que destacan prácticas artísticas de relevancia histórica, Rolf Art presentará Parquedades, escenas de parque para una actriz, video y música (1987), uno de los primeros ejercicios experimentales de video-performance de larga duración en Colombia, concebido por José Alejandro Restrepo & María Teresa Hincapié, pionera en la performance en Colombia y la región. Allí también estará presente Herlitzka + Faria con obras de la artista Alicia Herrero.
Este año, la feria albergará 20 proyectos a gran escala como parte de la sección Meridians, dedicada a obras monumentales, con curaduría de Magalí Arriola, directora del Museo Tamayo de Ciudad de México. Allí, la galería Rolf, que fue seleccionada por primera vez para participar en la feria, exhibirá «Silla», performance de larga duración de María José Arjona -una de las más destacadas performers contemporáneas de Colombia y la región- y Levantamientos (2012-2022) -una instalación fílmica de gran formato de Andrés Denegri, artista visual con una importante trayectoria en el campo del audiovisual contemporáneo y cine expandido.
En celebración de los 20 años de Art Basel en Miami Beach y la próspera escena artística de la ciudad, la feria se extenderá más allá del predio general de la exposición con un dinámico programa cultural en todas las instituciones y colecciones privadas de la ciudad, donde otra vez destaca el arte argentino con la exposición de Adrián Villar Rojas con la artista invitada Mariana Telleria, «The End of Imagination», en el Bass Museum.
“El fin de la imaginación” -del 27 de noviembre al 14 de mayo de 2023- comprende instalaciones y esculturas específicas de Adrián Villar Rojas (Rosario, 1980), y presentaciones recién contextualizadas de obras de arcilla de su archivo.
La instalación incluye dos esculturas de la artista argentina Mariana Telleria que se une a él con dos obras que desafían las nociones contemporáneas de monumentos y memoriales.
En esta pieza, Villar Rojas se pregunta cómo afectarán la Luna, Marte o cualquier otro paisaje extraterrestre que nos traiga la conquista interplanetaria a nuestra monumentalidad pasada, presente y futura y a su memorialización. ¿Qué pasará cuando nuestras ficciones terrestres, las que cimentan naciones e identidades, viajen al espacio exterior? ¿Sobrevivirán las historias de los dioses grecolatinos, de los imperios europeos, de los conquistadores españoles, o incluso de los propios Estados Unidos, tal y como las conocemos, tal y como las plasmamos en libros, museos, himnos y monumentos, o mutarán con el cambio radical de contexto?, fue el interrogante que disparó este trabajo.
Por otra parte, en Miami tendrá lugar la primera exposición individual en Estados Unidos del artista argentino Leandro Erlich, «Liminal», que reunirá 16 obras icónicas de los últimos veinte años y que será inaugurada el próximo 29 de noviembre en el Pérez Art Museum de Miami (PAMM).
Incluida su famosa obra «Swimming Pool», construida para ser vista desde arriba pero también desde dentro, como si los visitantes estuvieran nadando pero sin mojarse, la muestra, que abarca dos décadas de la carrera del artista, permanecerá hasta el 4 de septiembre de 2023 en el museo que lleva el nombre del coleccionista argentino Jorge Pérez.
La exposición está concebida como una secuencia de espacios que uno puede encontrar a diario: un ascensor, el subte, un aula de escuela, una peluquería, una vereda, una pileta, una lavandería, incluso una ventana a través de la cual se pueden ver las ventanas de los vecinos. Cada espacio es una simulación precisa de estos escenarios ordinarios, pero el toque de Erlich fomenta experiencias extraordinarias que invitan a poner en duda el acto de la percepción.
«Liminal», el título de la exposición en el Pérez Art Museum Miami (PAMM) -antes conocido como Museo de Arte de Miami- hace referencia al umbral indeterminado entre espacios o experiencias, un estado rico en la posibilidad de cruzar o entrar en un nuevo reino, que es lo que los espectadores encuentran a menudo en la obra de Erlich.
Cada fin de año Miami florece de arte en cada rincón de la ciudad, ya que del 28 de noviembre al 4 de diciembre se desarrolla la Semana del Arte de Miami, que da impulso a la mayoría de las propuestas artísticas locales.
En ese sentido, se suman ferias como Untitled Art Miami 2022, del 29 de noviembre al 3 de diciembre, donde se lucirá la presencia de la galería argentina Pasto en la sección Nest; y la feria N.A.D.A., del 30 de noviembre al 3 de diciembre, con las porteñas Calvaresi y Piedras.
Se destaca también la feria Pinta Miami, del 29 de noviembre al 4 de diciembre, que inaugura nueva sede en The Hangar in Coconut Grove, y presentará un homenaje a la gran artista Ides Kihlen, de 105 años, así como la primera exposición en el Metaverso, sin contar las galerías argentinas como OdA, Pabellón 4, Sasha D, Selvanegra y Subsuelo, lo que garantiza una potente presencia de arte argentino en la ciudad.
Por último, la artista Paula de Solminihac (que resultó ganadora del Premio Faena a las Artes 2022) mostrará al público su obra «Morning Glory», una instalación topográfica site-specific de gran escala que se verá en Faena Beach durante la semana del arte de Miami.
Compuesta por decks de madera que se asemejan a las flores y hojas de la planta Ipomoea pes-caprae, «Morning Glory» invita a la interacción y al juego en la playa, dando la bienvenida a una diversidad de intercambios que incluyen tocar, jugar, descansar, mirar, escuchar y explorar. Por las noches, cuando la playa esté cerrada al público, la pieza «Morning Glory» se iluminará y generará una experiencia sensorial totalmente diferente a la del día.
Fuente: Ámbito ~ «Banksy Genius or Vandal?» fue vista por más de 50.000 personas desde su apertura.
Más de 50.000 personas ya han visitado exposición «Banksy Genius or Vandal?», dedicada al misterioso y polémico artista británico de street art, que se presenta en el Pabellón Frers de La Rural desde agosto pasado y se extenderá hasta el 14 de diciembre.
La muestra, declarada de Interés Cultural por el Ministerio de Cultura de la Nación, propone un recorrido laberíntico a través de 70 obras originales cedidas en exclusiva por colecciones privadas internacionales con su certificado de autenticidad (COA), ejecutadas con diferentes técnicas como óleo o acrílico sobre lienzo, spray sobre lienzo y madera, serigrafías de edición limitada, esténciles sobre metal u hormigón, esculturas, instalaciones, videos y fotografías, además de incluir una experiencia de realidad virtual (VR).
La propuesta invita a asomarse al mundo del artista controversial y anónimo, que vende obras por millones y luego las destruye en vivo, en el momento exacto de la subasta, o que convierte un mega parque abandonado en un Disney tétrico y cobra la entrada, o que critica salvajemente el consumismo para luego comercializar merchandising. La muestra no cuenta con la autorización del grafitero, por lo que lleva el sello de «No oficial», aunque las obras que allí se exhiben son todos originales certificados por el propio artista.
«Esta no es una oportunidad para que te tomes una foto», reza uno de los stencils de este grafitero, estampado ahora en una de las salas de la mega muestra en La Rural, donde aparecen en formato pequeño alguna de sus obras más famosas que primero fueron pintada ilegal: la niña con globo, el lanzador de flores, los protagonistas de Pulp Fiction empuñando bananas en vez de armas, la niña de Napalm (histórica foto) en un collage que la muestra acompañada de Mickey Mouse y Ronald McDonald.
Su famosa pintada «Niña con globo», que estampó por primera vez hace 20 años en un escaparate de Shoreditch (Londres), es la obra de arte favorita de los británicos, elegida como numero uno del Reino Unido, según una encuesta.
El artista nombrado por la revista Times como una de las 100 personas más influyentes, que cuando fue nominado a los Premios Oscar por su documental «Exit through the gift shop» pidió asistir a la ceremonia con un disfraz (le dijeron que no), ha «vandalizado», calles y paredes de todo el mundo, sin autorización, por lo que poco tiene para decir de exposiciones que se llevan a cabo a costa suya, o de sus collectors. Que por cierto, también quisieron mantener el anonimato.
La exposición recrea exactamente igual aquel fragmento de su taller donde, tapándose la cara, dio declaraciones para el documental («La salida es por la tienda de regalos»), incluye un mapa global con todos sus murales realizados en las más variadas ciudades del mundo (que también se pueden visitar con Street View en la plataforma Google Arts & Culture) e incluso hay una sala inmersiva, musicalizada, con su animal predilecto, las ratas.
Otra de las frases que acompaña la exposición en Buenos Aires es otro stencil famoso de Banksy: «los derechos de autor son para los perdedores», reza la pintada atribuida al héroe anónimo y escurridizo, leyenda urbana, admirada por las grandes estrellas y también por el mercado del arte.
La letras caladas están cerca del video que repasa en detalle cómo Banksy decidió destruir su propia obra durante una subasta en vivo: Niña con globo se vendió por 1,4 millones de dólares y justo después de que baje el martillo se activó automáticamente una trituradora montada en un marco dorado. Como si esto fuera poco, la trituradora se atascó a la mitad y el globo con forma de corazón quedó intacto.
¿Es Banksy el artista ícono del siglo XXI? Bien podría serlo, ya no sólo por sus murales de un contundente mensaje social sino porque el mayor bromista del mundo del arte aprendió a jugar con las propias reglas del mercado, y a subvertirlas.
La exhibición cuenta además con una audio guía para smartphones gratuita, disponible en español e inglés, que enriquece la experiencia del visitante aportando amplia información del artista y sobre cada una de las obras expuestas.
La muestra se podrà visitar hasta el 14 de diciembre en La Rural, Predio Ferial de Buenos Aires, Pabellón Frers, acceso por Avenida Santa Fe 4363.
Fuente: La Nación ~ Julián Provenzano exhibirá enormes obras creadas con desperdicios; es el único latinoamericano invitado la exposición internacional de arte chatarra.
Después del Mundial de Fútbol, esculturas del pergaminense Julián Provenzano (1984) viajarán a Qatar para participar de una exposición internacional de “arte chatarra”. En diálogo con LA NACION, el artista -que se define como curioso y autodidacta- cuenta que en 2021 lo invitaron a asistir a la segunda exhibición de Scrap Art en Doha, y que en principio se iba a desarrollar durante el campeonato deportivo. Con esa perspectiva, planeó su propio seleccionado de esculturas.
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“Ya que tenía tiempo, decidí llevar a cabo dos proyectos ambiciosos: una escultura de Lionel Messi y otra de Diego Maradona. ¿Qué más representativo de la Argentina?”, se pregunta. Para estas dos obras implementó técnicas de fundido y recuperación de metales como el bronce y el aluminio. “Eran totalmente nuevas para mí -agrega-. Y el modelaje de rostros y el estudio de la anatomía particular de cada uno”. Sin duda, el deportista argentino preferido por pintores, fotógrafos, muralistas y escultores es Maradona.
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En 2019, Provenzano había participado de la primera exposición de “arte chatarra” en Doha con diez esculturas. “Se hace una selección de obras anterior al envío -explica-. En este momento tengo unas veinte para llevar, incluidas las de Messi y Maradona. Las ven y seleccionan. Debido a la enorme oferta de espectáculos en Qatar que hay ahora, estamos esperando la fecha concreta del evento; sigue en pie la propuesta, pero se complicó con el Mundial”. A los países megarricos les podrán sobrar recursos pero la capacidad organizativa no abunda en ninguna región del planeta.
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“Tenía unos ocho años cuando acompañaba a mi padre a trabajar en el campo -recuerda Provenzano-. Amaba descubrir rincones abandonados, llenos de chatarra y artefactos sin uso hacía mucho tiempo, a los que miraba maravillado y sorprendido, al ver que, tal cosa, tan hermosa para mí, ya no tuviera ningún uso. Solo poder admirarla la hacía valiosa”.
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En 2015 hizo su primera escultura. “Mientras más me interesaba por algo, más quería saber de otra cosa -recapitula-. Pasé por varios aprendizajes: dibujo, pintura, trabajos en madera, mecánica y metales, y restauración de objetos. Hasta que en algún momento aprendí a soldar. Con la soldadora podía crear algo nuevo, no solo pintar o dibujar, sino que además lo podía hacer en tres dimensiones, y podía reutilizar esas piezas que de pequeño veía con tanto asombro. Todas mis obras, cada vez más, tratan de atrapar una belleza esencial, de lograr una sensación de movimiento para escapar de la rigidez de los materiales que la componen”.
-¿Cómo fue tu experiencia en Qatar en 2019?
-Fue muy positiva en todo sentido. Fueron muy hospitalarios. Ni siquiera tenía un prejuicio armado porque Qatar era algo desconocido en ese entonces; no sabía ni dónde estaba en el mapa. Ahora, con todo el tema del Mundial, y es lo que ellos querían, todo el mundo lo conoce. No sabía bien adónde iba y tenía un poco de miedo e incertidumbre. El lugar es hermoso y la gente es muy amable y educada. Existe un prejuicio sobre la sociedad qatarí que dista mucho de la realidad. Obviamente, hay mucho dinero y están muy avanzados, aunque su cultura es muy contradictoria con la de Occidente.
-¿La exposición en Doha de la que participarás por segunda vez es una especie de “mundial” de obras hechas con chatarra?
-El evento de Doha, en 2019, fue la primera exposición a nivel mundial de arte chatarra. Nunca se había llevado a cabo algo similar. Se convocó a treinta artistas de diferentes países y cada uno pudo llevar unos mil kilos de arte. Fue un orgullo representar a nuestro país con mis esculturas y además ser el único latino invitado; fue una experiencia única y enriquecedora, en la que pude conocer a referentes del Scrap Art a nivel mundial, como John Lopez, Dotun Popoola y Alan Williams. Este año también tuve el honor de ser invitado a Ankara, Turquía, a participar junto a otros nueve artistas de Valuable Scraps, en donde pudimos realizar obras de arte en vivo en un periodo de veinte días, en el marco del cuidado del medio ambiente y la sustentabilidad. Estas obras quedaron en exposición permanente en la sede la Orquesta Sinfónica de Turquía, en Ankara.
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-Además de las esculturas de Messi y Maradona, ¿qué otras obras viajarán a Qatar y qué expectativas tenés?
-Tengo varias obras disponibles, como la de un caballo árabe en tamaño real y una réplica del David de seiscientos kilos, pero previamente al viaje ellos hacen una preselección. Es decir que cada artista muestra todo lo que puede llevar y ellos eligen. ¿Expectativas? ¡Qué mejor que participar del único y más grande evento de Scarp Art del mundo, representando a la Argentina, y con una escultura de Messi y otra del Diego!
–¿Con qué materiales trabajás y de dónde los sacás?
-Siempre me gustó armar cosas con diferentes materiales recuperados. Un poco por curiosidad y otro poco por necesidad, aprendí a soldar. También tenía algunos fierros y repuestos metálicos en mi taller. Siempre me pareció que estas piezas tienen una belleza particular, incluso el óxido que las cubre lo tiene, por lo que decidí unirlas, soldarlas y probar. Así creé mis primeras esculturas, pequeñas y sencillas. Generalmente uso metal, desperdicios metálicos, aunque nunca descarto el uso de otras cosas como goma, plástico, vidrio. De hecho, espero incorporar en mis obras plásticos y juguetes viejos. De muchos talleres me traen materiales, y también amigos y familiares, que saben que todo es útil para mí.
-¿Hay obras tuyas en museos locales e internacionales?
-En la actualidad hay obras mías en Qatar, Estados Unidos, España y Colombia, en colecciones privadas, y también hay obras en exposiciones permanentes abiertas al público en Turquía y en mi ciudad natal, en el Archivo y Museo Histórico Municipal de Pergamino.
-¿Cuántas piezas tienen las esculturas de caballos y toros y las de jugadores de fútbol?
-Cada obra en tamaño natural tiene en promedio unas mil piezas, aunque esto suele variar según el tipo de obra y la textura que quiera lograr, por ejemplo el pelo de un león o un perro o la camiseta de Messi. Son cosas distintas. A lo largo de estos años he hecho muchos tipos de obras diferentes, comencé con autos y motos, que suele ser más sencillo; luego animales, generalmente en movimiento, lo que aporta mayor complejidad. Y después hice cuerpos humanos o la metamorfosis entre humano y animal y también obras abstractas. Siempre me gusta innovar y probar técnicas y herramientas diferentes. No hay límites en lo que se puede hacer y los materiales que se pueden utilizar.
-¿Cuál es tu formación como artista y qué objetivos te guían a la hora de hacer las obras?
-No tengo formación artística; estudié contabilidad, y antes de eso computación. Solo trato de transmitir lo que tengo en la cabeza y de mantenerme lo más libre posible para poder crear. Me guía la intuición y la pasión por lo que hago; crear algo nuevo y bello a partir de materiales que no sirven más o que a simple vista parecen inertes me parece maravilloso.
-¿Qué opinaron tus familiares y amigos ante este giro imprevisto en tu vida, de contador a artista?
-Sabía que la profesión de contador no iba a ser mi destino; hace cuatro o cinco años no ejerzo más. Todos, incluso yo, fuimos un poco escépticos a creer que se puede hacer lo que uno ama y vivir de eso. Es un poco irreal pero es posible, no hay que bajar los brazos. Nunca hubiera pensado ni de lejos que iba a estar inmerso en el mundo del arte y menos haciendo esculturas en Turquía o Qatar. Siempre tuve el apoyo incondicional de mi familia y amigos, eso te ayuda a seguir adelante.
-¿Cómo hacés la “terminación” de las esculturas?
-Suele variar de obra en obra; algunas van pintadas, otras laqueadas, otras prefiero que solo se oxiden y añejen. Cada una tiene su atractivo. Depende de lo que se quiera transmitir. En general me gusta mantener el óxido y los colores originales de las piezas: de esa manera mantienen su esencia original. Actualmente estoy preparando muestras, pequeñas o grandes, en diferentes lugares. Además de eso, siempre se pueden ver mis obras en el taller y en mi cuenta de Instagram, @julianandresprovenzano.
Fuente: La Nación ~ Modelos limpios de colonialismos y otras conclusiones de la 60ª conferencia de CIMAM en Palma de Mallorca; el comité que representa a las salas modernas y contemporáneas se reunirá el año próximo en el Moderno de Buenos Aires.
Palma de Mallorca.-Hace tiempo que la palabra colonialismo parece ligada a los museos como si fuera su inevitable bomba de destrucción instantánea. La visión más simplista apunta hacia el vaciamiento de los museos en aras de reclamos. El término tiene un campo de acción mucho más amplio y tiene que ver con las conquistas territoriales, las imposiciones de género, los totalitarismos políticos o las limitaciones económicas.
Cada centro museístico tiene un mundo propio y las soluciones son siempre complicadas. Así se ha afirmado en repetidas ocasiones durante las jornadas de debates de la 60ª conferencia de CIMAM celebrada en Palma de Mallorca la semana pasada. CINAM es la única red mundial de museos de arte moderno y contemporáneo que representa los intereses de la profesión. Nacida como un comité independiente del Consejo Internacional de Museos (ICOM), sus decisiones no son vinculantes para los Gobiernos, pero se dan a conocer en el ámbito internacional.
Las restricciones por el coronavirus no impidieron que el año pasado la conferencia se celebrara en Gdansk (Polonia) aunque el clima ultraconservador del país no contribuyó a arropar unas jornadas en las que el cambio climático y la xenofobia fueron señalados como la principal preocupación. Ha sido todo lo contrario en esta ocasión, desde que la candidatura de Imma Prieto (Barcelona, 47 años), directora de Es Baluard, logró situar a Palma en el mapa internacional de los museos. La ubicación de Mallorca, entre África, Europa y el Oriente Próximo resultó imbatible. La candidatura ha contado con el apoyo de la comunidad balear, del Ministerio de Cultura y Deporte y del rey Felipe VI.
Sorteando las fuertes lluvias de la jornada de arranque, más de 200 profesionales se han desplazado a la isla para debatir sobre lo que tienen que cambiar de manera urgente. El guion básico había sido pergeñado por la propia anfitriona, Imma Prieto; el director del Reina Sofía, Manuel Borja-Villel y el comisario independiente y único miembro español en la directiva del CIMAM, Agustín Pérez-Rubio[exdirector artístico del Malba].
La gobernanza de cada uno y sus muchas dificultades fue el tema del primer día. La presidenta de la asamblea, Mami Kataoka (Nagoya, 57 años), directora del Museo de Arte Mori de Tokio, pidió una vigilancia constante contra quienes quieran intervenir en las decisiones internas de los museos. Desde la tribuna, se refería tanto a políticos como a las empresas privadas que con aparente desinterés tienden a influir en las programaciones de los centros artísticos.
A ras del suelo reclamaba esa misma vigilancia Frances Morris (Londres, 63 años), quien acaba de anunciar que en abril dejará de dirigir la Tate Modern, cargo que ocupa desde 2016. Vinculada al museo desde 1987, Morris fue la primera mujer en gobernar la institución de arte contemporáneo más visitada del Reino Unido (5 millones de personas al año). Se va, confiesa a EL PAÍS, para no hacer nada especial salvo vivir. “No creo que el techo de cristal que había roto se recomponga. Me voy porque opino que la gente con mi edad y experiencia tenemos la obligación de no taponar y dejar la vía libre para que los más jóvenes vayan ocupando puestos de responsabilidad. No podemos eternizarnos en los cargos”.
El reclamo de obras históricas no es una ambición extendida entre los responsables de museos fuera de la órbita europea. Un ejemplo perfecto está en las palabras de Meskerem Assegued (Addis Abeba, Etiopía, 56 años), directora de Zoma Contemporary Art Center, una residencia de artistas con sedes en Addis Abeba y Harla. No suscribe las reclamaciones de obras de países africanos a naciones europeas: lo que de verdad le indigna es que algunos museos occidentales mantengan la segregación con espacios para el arte africano, el asiático o cualquier otro.
“El museo atento”, lema de esta conferencia, invita a pensar si es posible desarrollar prácticas institucionales que tengan sentido para toda la sociedad contemporánea, incluso en estos tiempos de conflicto y guerra. La artista ucraniana Lada Nakonechna (Dnipró, 41 años) trabaja desde hace 8 años en la autodescolonización. Residente en Hamburgo desde el comienzo de la guerra, cuenta que el comunismo soviético utilizó también los museos para unificar el pensamiento. “Ellos ordenaban qué artistas y qué obras debían de estar en las colecciones ucranianas. Así fueron construyendo nuestras identidades sociales en la era soviética”. Con un grupo de artistas han revisado aquellas imposiciones del más duro realismo socialista. “Hay dos corrientes”, cuenta. “Una es partidaria de hacer desaparecer todas esas obras. Otra corriente, que yo suscribo, prefiere fotografiar, archivar y almacenar todas esas obras”.
La artista asegura que las obras de arte no están saliendo a otros países para ser guardadas mientras dure el conflicto. “Están bien escondidas en nuestro territorio. Nuestro Gobierno no se ha ocupado de ello. Han sido los propios creadores y los trabajadores. En general el arte les importa poco. Piense que no existe en Ucrania ni un solo museo de arte contemporáneo”.
Ensayista y profesora en la Universidad British Columbia de Vancouver, Denise Ferreira da Silva (Brasil, 60 años) ha hecho famoso su método de revisar la historia con la luz negra (blacklight, en inglés). Opina que los museos tienen que analizar cómo han llegado a ser lo que son y mostrar sin disimulos su pasado colonial y de explotación. Todas las instituciones, museos y universidades, tienen que investigar su historia, hacerla pública y proceder a hacer justicia.
En el colofón de las jornadas, Manuel Borja-Villel, director del Reina Sofía, se refirió a esos otros museos que no responden al canon convencional y son un espejo de la sociedad en la que se desarrollan. El arquitecto y activista Kike España (Málaga, 34 años) lleva 16 años trabajando en La Casa Invisible, un centro social y cultural profundamente arraigado en la ciudad de Málaga que, sin embargo, siempre tiene enfrente la amenaza de desalojo por parte del Ayuntamiento. “Se juega con Málaga como ciudad de museos”, explica España, “cuando el único que les funciona es el Picasso. En torno a esos museos fantasmales (el ruso, el Pompidou) hay una estrategia urbana y económica que busca la expulsión de los vecinos. En el centro de la ciudad, el entorno de la catedral, solo están censadas 3.300 personas. Eso también es colonizar un territorio”.
Las conclusiones en esta clase de encuentros no suelen estar cerradas. Son apuntes sobre lo que ha de venir. Borja-Villel hace suyas las palabras de Gertrude Stein según las cuales un museo moderno es una contradicción en su propio enunciado. Todo tiene que ser repensado y con otras categorías. El futuro tiene que ser respetuoso con los nuevos feminismos, con lo queer en el sentido de que cada uno decida lo que quiera ser. No caben las imposiciones. Y citando al filósofo autor del Manifiesto contrasexual, Paul B. Preciado, anuncia que: “El hombre blanco, heterosexual y de mediana edad ya no es el estándar que dicta las normas de los museos”.
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La próxima conferencia anual del Comité Internacional de Museos y Colecciones de Arte Moderno (CIMAM) se realizará en noviembre de 2023 en Buenos Aires y el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires será la gran sede anfitriona. La noticia fue anunciada durante el discurso de cierre de la 54a Conferencia anual, que tuvo lugar en Palma de Mallorca, España, frente a 220 directivos de museos del mundo.
“En 2023 visitarán Buenos Aires, ciudad que presenta una de las escenas artísticas más vibrantes del mundo, la escena argentina, donde se despliega una poderosa comunidad artística que trabaja en todas las disciplinas y en la cual los artistas producen, crean e inventan nuevas plataformas para el arte, la educación y la acción social siempre enérgicas y pese a un contexto de enorme fragilidad y vulnerabilidad económica”, dijo la directora del Moderno y miembro de la Comisión directiva de CIMAM, Victoria Noorthoorn, quien participó del encuentro.
Fuente: Clarín ~ El 54avo Congreso de la Asociación Internacional de Críticos de Arte planteó, en una edición entre Buenos Aires y Santiago de Chile, los nuevos desafíos de la disciplina.
Dos encuentros realizados en Buenos Aires durante el último mes señalan la necesidad de poner en crisis el concepto de crítica de arte en vínculo con las artes plásticas, y también el imperativo por tratar temas urgentes relacionados con ella. El 54avo Congreso de la Asociación Internacional de Críticos de Arte, que se llevó a cabo entre Buenos Aires y Santiago de Chile en diferentes instituciones. Todo indica que no se realizaba una iniciativa similar desde las conocidas Jornadas de la crítica de Jorge Glusberg en la década de 1980; un evento que coincidió con el IV Lab de escritura y crítica de arte en el MACBA porteño.
Ambos abordaron el asunto de cómo definir ese campo de ejercicio reflexivo que es la crítica, específicamente en cuanto ejercicio escritural; si aún persiste algo de ese antiguo modelo original concertado durante la Modernidad; cómo las vanguardias artísticas y luego la Posmodernidad redefinió su concepto una y otra vez; cómo el siglo XXI volvió a moverlo todo, como un terremoto, a través del surgimiento de nuevas y diferentes tecnologías que fueron cambiando formatos, circulación, narrativas y públicos; cuántos tipos de escritura sobre arte y de crítica de arte existen en la actualidad (observando a la escritura periodística informativa sobre arte como relacionada con la crítica pero no como tal). Pero también cómo es necesario escribir contemplando las perspectivas decoloniales, los desplazamientos de los migrantes, las urgencias ambientales y la observación analítico-crítica de los llamados “centros de poder”, así como los diversos movimientos sociales y activismos (el Congreso hizo foco especialmente en los discursos feministas y de las alteridades); si es necesario plantearse preguntas en torno a la ética de la práctica, y en ese caso, cuáles.
La sección chilena del 54avo Congreso de la Asociación Internacional de Críticos de Arte.
Es evidente que seguir llamando crítica de arte, en un sentido estricto, al inmenso grupo de producciones intelectuales, textuales, narrativas, discursivas relacionadas con una reflexión crítica acerca de las producciones artísticas, los sistemas de arte y la realidad —analizada ésta desde la perspectiva de diversas disciplinas, sobre todo desde la historia del arte—, ya no tiene sentido. Quizás debería observarse a la definición cerrada y estricta de “crítica de arte” como un canon epocal. Seguir pensando que una crítica debe “criticar” (ejercicio vinculado con el establecimiento de un juicio extremo y con las antiguas ideas de Kant, fundamentales pero con necesidad de remasterización, de seguir agitándolas siempre en busca de nuevas perspectivas) resulta anacrónico: estaba muy bien para el siglo XVIII, pero ya no.
Eso que hoy se percibe como “crítica de arte”, ni tiene como objetivo ya “criticar”, ni necesariamente se define como tal: las producciones circundantes indican que existen numerosas maneras de realizar “crítica de arte”, y todas son válidas, siempre que se respeten los derechos humanos, incluidos los derechos humanos digitales. La gran historiadora y socióloga feminista Dora Barrancos —quien realizó la conferencia inaugural del Congreso—, señaló en ese momento que, sin dudas, el ejercicio actual de la crítica de arte se vincula con la erudición y, desde fines del siglo XIX hasta la actualidad, se relaciona también con el papel fundamental que desempeñaron las mujeres en esta práctica. “Las mujeres pudieron crecer en el campo de la crítica de arte simplemente porque a los hombres no les interesó crecer allí, dado que no puede obtenerse mediante esa práctica poder económico”, comentó Barrancos. También detalló la especialista que durante el siglo XIX —cuando el ejercicio de la lectoescritura se amplió—, era mejor para los hombres burgueses mantener a las mujeres en la casa; por eso le compraban a sus parejas un piano —las mantenía dentro de los límites domésticos, ocupadas en aprender a tocarlo—, o bien tinta y papel. He aquí, entonces, una oportunidad de libertad: tinta y papel. “Toda relación de género es una relación de poder. Toda relación humana es una relación de poder. Y la crítica de arte no es el espacio en donde mayor poder puede obtenerse”, declaró Barrancos. Por eso las mujeres pudieron ocuparlo. “A la mayoría de los hombres realmente no les interesó”. La crítica sigue siendo discriminada muchas veces aún hoy en día, detalló, como una “producción femenina”.
Por supuesto que la crítica de arte es también política, señaló Barrancos: es esa malla societal en la que obran valores, conclusiones, que refundan las relaciones sociales.
“Ya no sabemos lo que hoy es el arte”, comentó en el Congresp el curador y escritor norteamericano Dan Cameron (profesor en la School of Visual Arts de Nueva York, excurador del New Museum de Nueva York y de Next Wave Visual Arts, en esa ciudad. Y agregó que hoy, quizás, la crítica de arte debiera abordar temas vinculados con los desequilibrios causados por el mercado y los objetos producidos como mercancías, específicamente las obras de arte producidas como mercancías.
La relación entre el trabajo curatorial crítico y la producción de escritos críticos sobre arte surgió cada día de los encuentros, señalando su naturaleza distinta pero complementaria, y su convivencia cercana. La necesidad mejorar los derechos para los profesionales especializados fue otro de los temas destacados. El respeto por el trabajo de los críticos de arte en los diferentes ámbitos laborales, ya sean universidades, medios, empresas privadas, internet, también se trató.
Mientras que el tema fundamental del IV Lab de escritura y crítica de arte fue la puesta en valor de importantes agentes del campo, tales como las revistas Ramona y Jennifer y el Centro Virtual de Arte Argentino, así como el análisis de la producción textual de Luis Felipe “Yuyo” Noé, quien trabajó como crítico de arte cuando joven, sobre quien escribe estas líneas presentó una exposición. En cambio, en el Congreso —que se desarrolló en Fundación Proa, la UNTREF, la Asociación de Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes, el museo Fortabat y ArtHaus—, los temas tratados fueron bien variados, amplios, de gran foco. Abarcativos.
Faltan más capítulos sobre estos encuentros, necesarios en cuanto análisis y revisión de las condiciones de producción de la crítica en los nuevos contextos. También resulta necesario poder incluir voces especializadas provenientes de la academia, especialmente de aquellas universidades que largamente vienen analizando los discursos de la crítica de arte, como por ejemplo la Universidad Nacional de las Artes (UNA).
Participaron como ponentes del 54avo Congreso de la Asociación Internacional de Críticos de Arte en Argentina, la Dra. Dora Barrancos, Lisbeth Rebollo Gonçalves (Brasil, presidenta AICA), Jovana Stokic (Serbia-NY), Anna Tolstova (Rusia), Sofía Ciel (Noruega), Ticio Escobar (Paraguay), Dan Cameron (EEUU), María Isabel Tejeda (España), Peio Aguirre (España), Caue Alves (Brasil), y los argentinos Mariana Marchessi, Diana Wechsler, María Cristina Rossi, Graciela Speranza, Cecilia Jaime, Rosario García Martínez, Sonia Gugoji, Fernanda Mujica, María Laura Rosa, Francisco Lemus, Nancy Rojas, Gabriel Palumbo, Noemí Aira, Andrés Duprat, Fernando Farina y Florencia Battiti (ambos presiden la AACA).
Ana María Battistozzi, Adriana Lauría y Teresa Constantin cerraron el encuentro. Dos premios especiales fueron otorgados durante el Congreso. Graciela Taquini recibió la medalla de la UBA-Artes, y Ana María Battistozzi fue reconocída con el Premio de la AICA-Argentina-, ambas por sus trayectorias. Mientras que del IV Lab de escritura y crítica de arte participaron los argentinos Gustavo Bruzzone, Eugenia Garay Basualdo, Marios Scorzelli, Laura Casanovas, Xil Buffone y Adriana Lauría.
Fuente: Télam ~ El artista ingeniero expone una selección de obras en el Centro Cultural San Martín entre las que se encuentra «Glaciator», premiada en el Festival Ars Electronica 2017 -la más importante cita mundial de las artes electrónicas y digitales que se celebra cada septiembre en la ciudad austríaca de Linz.
«Gaia 3.0» es una muestra de arte interactivo basada en una selección de obras del artista-ingeniero Joaquín Fargas, que puede visitarse en el porteño Cultural San Martín, sobre la idea de que «el futuro de la humanidad dependerá de nuestras acciones de hoy en torno al vínculo tecnología naturaleza», informaron los organizadores.
Gaia, en la mitología griega es la personificación de la Madre Tierra, da título a esta antología que reúne algunas de las instalaciones de arte diseñadas por Fargas y más celebradas a nivel mundial, donde «el público podrá interactuar con obras que cuentan con recursos de accesibilidad para personas con discapacidad visual y motriz», indicaron.
Con entrada gratuita, la muestra podrá recorrerse hasta el 11 de diciembre -los viernes de 19 a 21, los sábados de 18 a 21 y los domingos de 16 a 20- en la sala Sótano Beat del edificio de Sarmiento 1551, CABA.
Piezas como «Robotika, the nannybot» plantean cuestiones como si estamos los seres humanos en condiciones de garantizar la supervivencia de nuestra especie o si estamos dispuestos a delegar en una Inteligencia Artificial nuestro futuro; al tiempo que obras como «Rabdomante», «Glaciator» o «Don Quijote contra el cambio climático» proponen soluciones en relación al calentamiento global y pregunta si esos caminos son utópicos.
En tanto, «El libro absoluto» expone la relación entre la información y el conocimiento y el Proyecto «Biósfera» pone en evidencia la fragilidad del planeta y la necesidad de su cuidado ¿cómo? aislando ecosistemas naturales -que representan a una escala infinitesimal nuestro planeta- en recipientes sellados donde la única interacción con el medio es a través del calor y la luz.
Fargas fue premiado en el Festival Ars Electronica 2017 -la más importante cita mundial de las artes electrónicas y digitales que se celebra cada septiembre en la ciudad austríaca de Linz- justamente por “Glaciator”, una de las obras que se exhiben en el San Martín.
Se trata de un robot que se alimenta de energía solar, creado para compactar y recristalizar la nieve de la Antártida reconvirtiéndola en hielo y permitiendo que se adhiera a la masa del glaciar. Con su lento y poético andar, esta máquina busca generar conciencia sobre las consecuencias del calentamiento global, que en los últimos 50 años ha derretido significativamente la masa de hielo polar.
Ingeniero y artista, Fargas (1950) es responsable de obras ligadas a propuestas posibles o utópicas en relación a la vida, su preservación y la interrelación de los seres. Su obra ha sido expuesta en museos, galerías y bienales en diversas regiones del globo y es titular de la Cátedra de Arte y Tecnología de la Universidad Maimónides, en la cual fundó el Laboratorio de Bioarte, que además dirige.
“Me preocupa el ser humano y sus posibilidades de supervivencia en el futuro. Traduzco eso en mis obras. No me refiero específicamente a temas ambientales, sino a la historia del hombre. Estamos todos en el mismo planeta. Me pregunto qué va a pasar con el medio ambiente de aquí a 200 años, o cómo nos va a modificar la tecnología”, explicó en su momento a Télam.
La pieza que también pasó por Venecia fue distinguida también en la categoría de arte híbrido del Prix Ars Electronica
En tanto, el «Libro absoluto» que podrá verse en el sótano del centro cultural estuvo expuesto en la Biblioteca de Alejandría, Egipto, una de las más importantes del mundo antiguo.
Se trata de la utopía de “un libro que pudiera contener todo el conocimiento en un solo volumen, como una enciclopedia, inspirada en ‘El libro de arena’ y ‘La Biblioteca de Babel’, dos cuentos de Jorge Luis Borges”, contó en aquella entrevista este creador.
¿Es posible un libro contenedor del conocimiento universal? ¿Es Internet la figura que estábamos buscando? Son algunos de los interrogantes que le dieron origen: “El Libro Absoluto nos impulsa a explorar caminos. Sus páginas efímeras no tienen posibilidad de ser mostradas dos veces, solo pueden verse una única vez”, detalla sobre ese objeto, compuesto por dos pirámides unidas por la base que contienen nueve prismas que giran sobre un eje central generando miles de combinaciones.
El espectador debe colocarse frente a la obra y hacerla girar y los resultados producen -en un monitor ubicado enfrente- una página única e irrepetible, gracias a un motor de búsqueda que se alimenta de la información en Internet en forma aleatoria.
Fuente: La Nación ~ Para el gobierno porteño se trata de un “ejemplo perfecto” en el plan para reconvertir el microcentro en una ciudad de 15 minutos.
Un edificio con una obra de arte frente a la entrada principal; que es de oficinas pero también es centro cultural. Con salas de exposición de arte y un auditorio para conciertos y obras teatrales -sin butacas- y espacios gastronómicos que incluyen un café de autor -cuyo “decorado” son las mismas obras de arte- y un rooftop con una vista soñada a la cúpula de la catedral y la Plaza de Mayo. Todo esto se fusiona en ARThaus, un proyecto disruptivo que le cambió la cara a un edificio que hasta ahora sólo albergaba una entidad bancaria. Por todo esto, referentes del espacio urbano dentro del gobierno porteño lo califican como el “ejemplo perfecto” de hacia dónde debe girar la reconversión del microcentro, para consolidar el tejido urbano y convertir la zona que quedó cuasi desértica por la pandemia en una ciudad de 15 minutos.
La gran pregunta es ¿cómo lograr que la gente quiera mudarse al microcentro? Más allá de apostar a proyectos que contribuyan a la adaptación de edificios enteros en residenciales, la inversión económica y el otorgamiento de créditos y facilidades para tentar a inversores y futuros residentes, el cambio debe contemplar otras cuestiones clave como el acceso a servicios, espacios gastronómicos y atracciones.
El arte, en ese sentido, tiene un rol fundamental en la reconversión de las ciudades. Desde el Soho en Nueva York o el barrio Wynwood, en Miami, hay un montón de ciudades en las que el arte modificó el contenido, “las humanizó”. Así lo piensa Andres Buhar, compositor de música y desarrollador inmobiliario que comenzó con la creación de ARThaus. Con una inversión total de casi US$3 millones -entre los espacios de arte, los gastronómicos y la refacción del edificio-, nace este nuevo espacio interdisciplinario en el edificio ubicado en la calle Bartolomé Mitre 434, a pocas cuadras de Plaza de Mayo, donde hasta hace poco funcionaba el Banco Supervielle.
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“Más que generar un distrito de arte lo pienso bajo este concepto de ciudad de 15 minutos. ARThaus se trata de apostar a la mixtura y no que sea todo una sola cosa”. Con tecnología moderna, incluye dos salas de exposición (de aproximadamente 300 metros cada una), laboratorios de creación, auditorio multidisciplinario de conciertos –para eso convocaron al especialista Gustavo Basso, responsable de la acústica de las salas más importantes, como la del Teatro Colón y la Ballena Azul del CCK-, cine, artes escénicas y performance. y un auditorio de primer nivel.
Con el arte y la cultura como elementos claves que se complementan en este edificio, desde el gobierno porteño ya lo referencian como “un caso ancla” en la campaña que invita a “mudarse al microcentro”. “Consideramos que se trata de un proyecto muy importante. Es uno de de los primeros casos testigo (sino el primero) en dirección hacia la política que queremos llevar al área central, como un lugar con mayor mixtura de usos y más equilibrada, frente al anterior paradigma en el cual más del 72% de las parcelas eran destinadas a oficinas. Por eso, todos los edificios de oficinas que puedan transformarse a usos de viviendas o tendientes a usos complementarios a la vivienda lo celebramos”, señaló a LA NACION Álvaro García Resta, Secretario de Desarrollo Urbano de la Ciudad de Buenos Aires. El funcionario remarcó que ARThaus “representa una mixtura de usos en sí mismo”, y además, “marca tendencia” en una calle como Bartolomé Mitre en la que hay muchos bancos y muestra el potencial transformador.
Es en este sentido, que para reforzar este concepto abierto y flexible a la identidad de ARThaus, se agrega una propuesta gastronómica novedosa. Se trata de un doble espacio: en la planta baja del edificio, un bar que convive con la estética abierta y las obras de arte que se exhiben y arriba un rooftop en la terraza, que también apunta a tener sus propia exhibiciones artísticas y teatrales.
El arte se derrama desde la fachada del edificio. Además de la obra de Gabriel Chaile, Mamá luchona -una estructura de hierro, adobe, huevos, alambre y yeso de cuatro metros de altura, un homenaje que el artista le dedica a las madres solteras-, que se exhibe frente a la entrada principal, también diseñan un grafiti de una lagartija de 100 metros para pintar en el exterior lateral. La elección del dibujo no es aleatoria. Tiene que ver con la reproducción de esta especie por las elevadas temperaturas y su relación con el cambio climático. “Representa esto de generar situaciones que modifiquen la relación con el entorno. Este sigue siendo un edificio de oficinas pero también es un espacio de arte, de encuentro”.
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Buhar reconoce en su identidad una “historia dual” entre el mundo del arte y el real estate. “Mi viejo tenía una empresa familiar industrial y estaba en el tema de los desarrollos inmobiliarios. Cuando empecé con el mundo de la música iba y venia entre las dos cosas. Con este proyecto encontré la forma de fusionar mis dos gustos. Más que ponerme a componer o hacer algo artístico me enfoqué en poner en marcha esta cosa de gestión. La noche de los museos, por ejemplo, es una idea brillante de cómo generar interés. La convocatoria llega a gente que en todo el año jamás pisa un museo. Tenés el Cabildo abierto todo el año pero y hay personas que sólo van ese día. ¿Por qué se da esto? Porque van por la experiencia”. De eso se trata ARThaus: sacar el arte de la rutina, de lo normativo, lo obligatorio. Un espacio que invita a vivir una experiencia diferente. “En general la cultura está muy ligada a la educación, y muchas veces ligada a la obligación. Se trata de devolverle la frescura al arte”.
A pesar de que el timing parece perfecto, este emprendimiento nació antes de los planes de reconversión del microcentro del gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Inicialmente, Buhar lo pensó más orientado a la música por sus propias raíces como compositor. Pero el empresario quería un proyecto que no se limitara a un nicho. “La idea no es apuntar a que vengan sólo los especialistas en música contemporánea, por ejemplo. Sino apuntar a la mezcla de disciplinas como una cuestión de apertura. Creo que esto se logra ya desde la puerta con la obra de Mamá luchona y tiene que ver con todo lo que ofrece; el teatro sin butacas, las exposiciones itinerantes. En las exposiciones de artes visuales suele suceder que el día de inauguración va todo el mundo y después quedan los salones vacíos. Entonces pienso, ¿cómo logramos que haya circulación? Ahí surgió esta idea que me pareció muy enriquecedora de pensar todo junto. La mezcla de las artes”.
Originalmente, cuenta que la idea era sumar este espacio en un proyecto de un edificio que el desarrollador planea construir en Puerto Madero. Pero, cuando explotó la pandemia del coronavirus, Buhar vio una oportunidad en esta desertización que se apropió de la zona céntrica con el cierre de oficinas y locales, producto del aislamiento obligatorio. “Me pareció interesante que se haga acá porque me parecía que el espacio tomó cierta actualidad. Ya sea para negarlo, desde el vacío que se forma. Creo que en todo vacío hay un espacio interesante que se abre. Como en esto del vacío y lo lleno, el arte tiene mucho que decir”.
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Lo interesante, dice, está precisamente en “ubicar algo en un lugar donde no esperás que esté”. “Sería el último lugar donde lo pondría y esa idea le dio una fuerza que fue surgiendo. Cuando lo pensamos no estaba aún el plan de reconversión del microcentro. Pero cuando se dio a conocer, me pareció que cuadraba perfecto. Y en un concepto que apunta a sumar más viviendas residenciales en la zona, toma aún más fuerza”.
Aunque la inauguración oficial del espacio está prevista para marzo de 2023, ya hay varias experiencias que se pueden vivir a la par de las obras del edificio. El 16 y 17 de noviembre se realizó un pre- estreno de una obra de teatro, llamada Revoluciones por minuto, que se pensó en esa dinámica del espacio sin butacas ni escenario, donde el público rodea a los protagonistas de la obra y se genera una sinergia entre concurrentes y actores. La obra va a estar tres meses a partir de diciembre en el salón con una capacidad para entre 100 y 120 personas.
“Queremos lograr una sinergia entre disciplinas. Un lugar que es teatro y a la vez es música y artes visuales. Está pasando mucho que las fronteras entre las disciplinas están cada vez más difusas. Por eso buscamos experiencias que tengan que ver con eso. Está todo esta entrelazado y vamos en contra del nicho. Por ahí viene un amante de la música contemporánea y se llevas además otra cosa. Por ejemplo, vamos a hacer un desfile de una diseñadora de Catamarca que hace prendas que son objetos de arte, y nos planteó que el evento tenga música contemporánea. Entonces, capaz viene alguien a ver el desfile que jamás escucharía esa música o viceversa, y se lleva una sorpresa con lo que se encuentra, como ir a una reunión y entablar conversación con alguien que no conocés y la pasas muy bien con esa experiencia nueva”.
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El espacio apunta a ofrecer algo más que un almuerzo o cena, con las vistas a la Ciudad y el arte entrelazado a comida gourmet. El restaurante que aún no tiene nombre estará en la terraza del edificio y abrirá en octubre de 2023.
¿Cómo está pensado el espacio? El ascensor y escaleras centrales dividen la terraza en dos: por un lado estará el restaurante y, por el otro, una terraza a cielo abierto pensada para eventos que tendrá, además, una exposición de arte permanente.
“Venís a comer y tenés una obra de teatro en la planta baja. Pero, además, pensamos la idea de contar con artistas en la terraza.” El proyecto gastronómico apunta a cambiar el rol que tienen hoy los restaurantes y bares de los museos, que suelen estar “al costado”. Como una especie de actor de reparto. “La gente visita el museo y quizás toma un café o come algo pero sin buscar esa experiencia en sí. Esto viene ligado a una cultura en la que el arte es arte con mayúscula y la comida está ligada a la diversión. Visitar un museo es más parecido a recorrer una iglesia. Por eso nos apartamos de este camino y proponemos una sinergia: un encuentro que genere que el público quiera volver”.
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El diseño moderno, que busca aprovechar las vistas a la cúpula de la Catedral y la Plaza de Mayo, estará a cargo del arquitecto y artista Mauro Bernardini. En cuanto a la comida, ofrecerá cocina contemporánea, con una barra que ocupará un lugar importante para “potenciar la experiencia”.
En el otro lado de la terraza a cielo abierto estará en exhibición el Baptisterio del colectivo de artistas Mondongo, que integran Juliana Laffitte y Manuel Mendanha, que estuvo en la galería Barro de La Boca. No será solamente la mudanza de esa capilla multicolor formada por más de cuatro mil bloques de plastilina, sino que ampliarán y acondicionarán la obra para que pueda funcionar en un espacio abierto y de estas características. “Es un espacio en el que se podrán realizar desde eventos corporativos y sociales hasta conciertos”, añade Buhar.
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Fuente: Río Negro ~ La obra fue retirada de la costanera para iniciar el trabajo de restauración.
La obra «Los Ciervos», ubicada en la costanera de San Martín de los Andes fue retirada para ser restaurada por el reconocido escultor y arquitecto Alejandro Santana.
El trabajo de restauración de la escultura fue encargado por la secretaría de Cultura al arquitecto y escultor Alejandro Santana, de Junín de los Andes, «quien posee los conocimientos específicos que requiere una intervención de este tipo», manifestaron desde el municipio.
La restauración fue solicitada por María Luján Gómez, hija del autor de la obra, Rodolfo «Pichon» Gómez Fernandez, luego de constatar que empezaba a deteriorarse.
La obra es una escultura tradicional de San Martín de los Andes, creada en 1971. Fue emplazada en la rotonda de avenida Koessler y Curruhuinca un año después.
Realizada con fibra de vidrio representa a una familia de ciervos con el objetivo de promocionar actividades como la pesca y la caza.
La escultura fue trasladada a la costanera a principios de la década del 90 y hoy en día es uno de los lugares más concurridos por turistas que se fotografían allí y forma parte del patrimonio histórico municipal.