Un artista plástico recreó uno de los memes más famosos del mundo en un billete de $2000

Fuente: TN – El usuario lo compartió en Twitter y se viralizó. Cristian pintó las imágenes del doctor Ramón Carrillo y la doctora Cecilia Grierson.

Un artista plástico argentino recreó uno de los memes más famosos de los últimos años en un billete de $2000 pesos y causó furor en las redes. En el video, se puede ver que pintó por encima de las figuras del doctor Ramón Carrillo y la doctora Cecilia Grierson a los dos protagonistas del famoso meme “No de nuevo decía…” y se hizo viral.

En su cuenta @CristianEnglish, mostró su última creación e hizo estallar de risa a sus seguidores. Cristian se dedica a pintar murales, cartas y otras superficies con imágenes virales o graciosas y comparte sus trabajos tanto en Instagram como en Twitter.

Cristian es un artista plástico que recrea las imágenes más virales de Internet en diferentes superficies. (Video: Twitter/@CristianEnglish)

El resultado final sorprendió a los usuarios de las redes y rápidamente compartieron el contenido. “Impresionante”, comentó uno de ellos. “Quedó muy bueno, ¿lo vendés?”, replicó otro seguidor. “Quedó buenísimo el billete ahora”, citó otro tuitero. La publicación llegó a casi 2000 visitas.

Cristian, el artista plástico que se dedica al ‘money art’

(Foto: Instagram/@cristianenglishok)
(Foto: Instagram/@cristianenglishok)
(Foto: Instagram/@cristianenglishok)
(Foto: Instagram/@cristianenglishok)
(Foto: Instagram/@cristianenglishok)
(Foto: Instagram/@cristianenglishok)
(Foto: Instagram/@cristianenglishok)
(Foto: Instagram/@cristianenglishok)
(Foto: Instagram/@cristianenglishok)
(Foto: Instagram/@cristianenglishok)

Un mural de un intenso cielo azul sorprende en Independencia y Piedras

Fuente: Telam – La obra, de 35 metros de alto por 15 de ancho, es del artista Jorge Pomar, más conocido por su seudónimo «Amor».

En la medianera de un edificio en avenida Independencia y Piedras, en el barrio porteño de San Telmo, se estrenó un mural del artista Jorge Pomar, más conocido por su seudónimo «Amor», un trabajo de 35 metros de alto por 15 de ancho de un cielo azul intenso, y algunas nubes, enmarcado por hileras de ladrillos que revelan los rastros de antiguas construcciones lindantes.

«Una gotita en suspensión 2» se titula la intervención del artista, realizada con pintura acrílica y texturada sobre un muro de concreto, un proyecto independiente y autogestionado que contó con el apoyo de las galerías Quimera, Pasto, Fundación Santander, Impulso Cultural y Sinteplast.

Foto Florencia Downes
Foto: Florencia Downes.

El mural representa una suerte de continuación de la muestra «Una gotita en suspensión», que se vio dos años atrás en la galería Pasto, y que dio origen a esta acción ahora bautizada con el mismo título pero con el número «2».

Foto Florencia Downes
Foto: Florencia Downes.

La pared intervenida exhibe las marcas propias de un edificio que fue cortado, los vestigios del paso del tiempo y la experiencia de la vida por los lugares de la ciudad, un alerta sobre el avance de la gentrificación, en palabras de la curadora e investigadora Lupita Baliño.

«Esta medianera -que ahora es cielo a la vista-, fue en algún momento un elemento más en un adentro, fue parte del cotidiano y de la intimidad de las personas que habitaron entre esas paredes. El muro ofrece un relato acerca del crecimiento de las ciudades, sus transformaciones y la planificación urbanística», dijo Baliño.

Foto Florencia Downes
Foto: Florencia Downes.

La obra se integra a la serie «Cielos», nacida en marzo de 2020, en un contexto necesitado de abrir el campo visual y extender la mirada por fuera de los límites del espacio doméstico a través de la pintura: primer anuncio de aislamiento por pandemia en Argentina.

Pomar (1987, Buenos Aires) también realizó murales en el Estadio Polideportivo «Islas Malvinas» de Mar del Plata (en colaboración junto a Elian Chali), en la intersección de las avenidas porteñas Corrientes y Callao, en la localidad bonaerense de Hurlingham y en muros de unos 20 países.

De La Plata a Miami: Falopapas, el artista urbano argentino que la rompe en Estados Unidos

Fuente: Clarín by v – Augusto Turallas pertenece a la generación que revalorizó las paredes de capital provincial cuando se llenó de murales. La pandemia lo encontró de viaje y aprovechó la oportunidad de expandirse profesionalmente.

Augusto Turallas, alias Falopapas, artista de arte urbano perteneciente a la generación que revalorizó las paredes de La Plata cuando la ciudad se llenó de murales, se encuentra en una nueva etapa de su carrera. De la capital provincial había saltado a la Ciudad de Buenos Aires y desde el barrio de Palermo a Miami.

En Estados Unidos, donde reside y trabaja, mantiene su perfil profesional, prolijo en las cuestiones legales, que le permitió, tanto allá como acá, trabajar para empresas como Globant, Universal Music y una decena de locales gastronómicos.

A Estados Unidos llegó semanas antes de que se desatara la pandemia de Covid-19 invitado por una agencia de marketing a unas jornadas de arte. La cuarentena lo confinó allí y no desperdició la oportunidad.Augusto Turallas, alias Falopapas, artista de arte urbano. Gentileza del artista Augusto Turallas, alias Falopapas, artista de arte urbano. Gentileza del artista

Consiguió una visa de artista sponsoreado por sus nuevos empleadores, la agencia de marketing que lo había contactado inicialmente, y puso manos a la obra para reconstruir la red de contactos y vínculos necesarios para abrirse camino.

Falopapas comparte por estos días uno de sus últimos proyectos: los murales que pintó para el New Horizons Community Mental Health Center, convocado por otro amigo artista, David Lavernia.

En diálogo con Clarín Cultura afirma que “hay una parte del arte que está ligada a la cuestión humanitaria, cultural, social” y que muchas veces “uno participa por interés, porque te gusta la propuesta”.

–¿Qué temáticas te pidieron que pintes?

–Te invitan y tenés libertad de hacer lo que quieras porque también confían en que vos, como humano, entendés el lugar y el contexto y no vas a hacer un cuchillo volando ni nada raro. Vas a trata de ajustarte al contexto.

Ellos me tiraron ideas, por ejemplo que estaba bueno que aparezca algo vinculado a lo social como enfermeras, bomberos, algo de deporte, algo con relaciones interhumanas. Como yo trabajo mucho la figura, la pintura mía es bastante figurativa, no tan abstracta, me apreció lindo, interesantes para plantear una serie de personajes fuera de proporción, que dieran la vuelta a la pared.El estudio de Falopapas en Miami. Gentileza del artista El estudio de Falopapas en Miami. Gentileza del artista

–¿Qué otros proyectos tenés en Miami?

–Estoy trabajando con una agencia de marketing en trabajos vinculados a la pintura, al arte. A las chicas (dueñas) las conocí en 2019 en Miami y empezamos a charlar sobre las posibilidades de hacer cosas acá; ellas trabajan con artistas para eventos y estaban interesadas en tener a un artista más adentro, más estable. Fuimos charlando y se fueron dando las cosas de a poco.

En 2020, en febrero, las vengo a ver por unas charlas de marketing y arte y empezó la pandemia. Y me quedé acá. Cuando me quedé las chicas me dijeron ‘si vas a estar, hagamos una visa de artista y te hacemos de sponsor y te quedas trabajado con nosotras’. Me puse en campaña, por suerte tenía toda mi información y currículum bastante organizados, no me fue tan complejo.

No había traído esas cosas, las tenía en Argentina, pero pude recopilar la información, armé la presentación para la visa y me la dieron. Ahí pude ya empezar a trabajar de manera seria, hacer facturas. Si uno se toma en serio el arte como una profesión, como forma de vida, tenés que tratar de tomártelo de manera seria en relación a las cuestiones legales para que te tome en serio un cliente.

Entonces el hecho de poder encarar proyectos donde está todo claro, los valores, los presupuestos, las facturas, se paga en tal día, aliviana mucho la situación y genera una proyección laboral.Manos a la obra. Gentileza del artista Manos a la obra. Gentileza del artista

–No era tu primera experiencia con encargos. ¿Qué diferencias encontraste entre trabajar para argentinos y trabajar para estadounidenses?

–En Buenos Aires trabajé muchísimo por encargo entre 2015 y 2017, trabajé muchísimo para empresas. En Buenos Aires tenía todo muy organizado impositivamente. Tenía ART todo el año, seguro, muchas cosas que me abrieron muchas puertas en lo laboral, para poder ir a trabajar para lugares como Globant, Universal Music, lugares que tenías que inscribirte como proveedor. 

Estar organizado en ese sentido abrió muchas posibilidades en lo laboral más allá de lo artístico. Te posiciona en un nivel de seriedad que cuando trabajas con marcas más chicas u otras propuestas estas parado en otro lugar más serio a la hora de proponer.

Las diferencias dependen mucho cliente a cliente. Acá es muy parecido a Buenos AIres. Lo que noté diferente con allá es que participé en muchos festivales y te los guionan un poco más. Queremos que hables del barrio, la comunidad. En Buenos Aires eran libres absolutamente, lo cual me parece espectacular.Falopapas: "Cuando te vas, todo cambia". Gentileza del artista Falopapas: «Cuando te vas, todo cambia». Gentileza del artista

–Diferentes pedidos.

–En cuanto a los clientes privados y gastronómicos, siempre hay diferencias, pero la gente es igual; hay gente que sabe muy bien lo que quiere; otra que ni idea; otra que te deja hacer cualquier cosa porque le gusta lo que hacés; otra que quiere llevar adelante una idea que tiene en la cabeza que a veces es difícil de entender.

Lo que noto de diferencia es que acá llegué con la agencia y enseguida ya estaba la rueda andando. Por lo menos tener una pata local me permitió estar acá. Ya había conocido a artistas locales, me hice amigos, nos vemos, salimos, voy a muestras, me fui vinculando con gente de acá. Creo que en lo laboral lo que yo tenía en Buenos Aires era, para mí, personalmente, era más lindo.

Yo tenía 40 años viviendo en Buenos Aires, toda mi vida, y conocía a todo el mundo, lo que me permitía tener un poco más de autoridad para proponer. Acá uno como siempre va pagando derecho de piso y arrancando desde abajo y por ahí tiene que ir formando esa autoridad de nuevo y armándola a partir de trabajos bien hechos, responsables.Cuando dejó Buenos Aires Falopapas ya se había consagrado como artista de arte callejero. Gentileza del artista Cuando dejó Buenos Aires Falopapas ya se había consagrado como artista de arte callejero. Gentileza del artista

Ser inmigrante

Cuando dejó Buenos Aires Falopapas ya se había consagrado como artista de arte callejero. Además, era requerido por marcas y locales gastronómicos.

Llegó a trabajar para Hell’s Pizza, Peñon cervecería, Netflix Argentina, Joy Burgers, ilustró para Firpo casa Editora, Esteban Rodríguez Alzueta, Ciudad de Gatos, Viva Elástico, Adicta y en dos ocasiones realizó en vivo murales para el stand de la Revista Ñ en el marco de la Feria del Libro.

En el Miami de la pospandemia fue clave comenzar a vincularse con artistas locales y el respaldo de la agencia de marketing que lo contrató. Ya trabajó para Amerant Bank, Urbanica Hotels, Jolt Radio, Negroni USA, entre otras marcas y espacios gastronómicos.En el Miami de la pospandemia fue clave comenzar a vincularse con artistas locales. Gentileza del artista En el Miami de la pospandemia fue clave comenzar a vincularse con artistas locales. Gentileza del artista

–¿Seguís pintando sin permiso en la calle en Miami?

–No. Por lo general son trabajos que me contratan. Al estar acá con visa de artista si a mí me agarra la policía peleándome en la calle, pintando una pared, manejando borracho, no me renuevan la visa. En Buenos Aires pinto lo que quiero, donde quiero, porque es mi ciudad, soy yo, es mi familia, es mi vida, es mío Buenos Aires.

Ser inmigrante no es fácil en ningún lado del mundo y acá no es la excepción. Siento esa cuestión: me siento ajeno muchísimas veces más allá de los amigos, del cariño que encontré acá. Siento muchas veces que cuesta mucho acostumbrarse a otro lugar.

Buenos Aires es increíble en lo cultural. Yo vivía Palermo, todas las noches bandas a amigos tocando en algún teatro, amigos pintando, muestras.Falopapas tiene un pasado como docente universitario. Gentileza del artista Falopapas tiene un pasado como docente universitario. Gentileza del artista

–La Plata se va a poner celosa.

–En La Plata trabajé muchísimo. El tema es que después cuando uno llega a un lugar, a una edad, se tiene que mover un poco porque desde La Plata terminaba trabajando mucho para Buenos Aires. En un momento te encontrás ahí y ¿qué hago? ¿me voy o me quedo?

Y cuando te vas, todo cambia. Porque cuando vas para Buenos Aires empezás a vivirlo, a revincularte con la movida de ahí. Te das cuenta que las posibilidades del arte en Argentina son muchísimas, son mucho más grandes de lo que se puede acceder. La Plata estará siempre a esa media hora de Buenos Aires que no le permite crecer tanto porque, justamente, tenés Buenos Aires a media hora. La Plata te puede atrapar.

Ser artista

Falopapas tiene un pasado como docente universitario. Trabajo durante más de 20 años en los claustros de la Universidad de La Plata hasta que emigró. Admite que puede ser “muy difícil” abandonar la burocracia institucional para los artistas que les asegura el sustento económico.

“Tengo amigos que han quedado atrapados en las redes institucionales platenses porque enseguida te lo ofrece el trabajo en la universidad, en lo institucional, en el planeamiento, una vez que entras ahí no salís más. Como artista es muy difícil salir de porque eso te plantea una estabilidad en lo económico, te regulariza mucho los tiempos y te saca el hambre y el hambre metafórico, el de producir y hacer”, explica.Falopapas: "Mi obra se empieza a hibridar un poco con algunas cosas de acá". Gentileza del artista Falopapas: «Mi obra se empieza a hibridar un poco con algunas cosas de acá». Gentileza del artista

–¿Se mantiene eso que dijiste una vez de que si lo haces en camisa no distinguen que estás haciendo algo ilegal?

–Eso era así. Es así. Pintar de camisa es como ir al banco. Estas haciendo un graffitti en la calle de camisa y mocasines y no pasa nada, sos el dueño de la casa. Estas en remera y ojotas y te para la policía. Me pasaba lo mismo cuando iba al banco. Me miraban el cheque de arriba, abajo y te decían ‘no te lo puedo pagar’. Volvía a mi casa, me bañaba, me ponía la camisa, los mocasines, iba al banco y me lo pagaban.

–Decías en 2019 que considerarte un artista era engreído. ¿Seguís pensando eso?

–Me refería a autoproclamarse artista. Yo tengo un título que dice que soy artista plástico, profesor en artes plásticas y licenciado en artes plásticas. A lo que me refería es que la catalogación de artista tiene que ser hecha por un tercero, como la de obra de arte.

Que una obra de arte es una obra de arte lo tiene que decir un curador, un periodista, un tercero, alguien que va a una muestra y dice ‘esto es una obra’. Una obra puede ser un cuadro, una silla, un auto, una banana pegada con cinta en la pared. A lo que voy con esa idea es que a veces autoproclamarme es como autoproclamarme una divinidad. Soy artista, todo lo que toco es arte.

–Retomando lo que decías de La Plata sobre los límites que la misma ciudad impone, ¿cuánto influyó para que te vuelques al graffitti? ¿Crees que hubiese sido igual si estudiabas Bellas Artes en la UBA y vivías en la Ciudad de Buenos Aires?

–Creo que no. Lo creo por la gente que conozco. Los artistas amigos que estudiaron arte en Buenos Aires son todos artistas más de galería. No conozco artistas formados en lo universitario que hayan incursionado fuerte en el street art, el arte urbano. Esa fue uno de los puntos a favor que creo que tuve al momento que arranqué en La Plata a hacer murales.

Me interesaba la cultura pop, pero se desfasaba con la propuesta de ese momento, 2005. La búsqueda de un formato más grande, obligada por fuera de lo institucional porque no les importaba mucho el arte pop en ese momento. Me gustaba Edgardo Giménez con la Moria Casán, Jorge de la Vega con esas líneas tan marcadas. Mucho después, viviendo en Buenos Aires, conocí al hijo de la Vega y tenía un Jimi Hendrix de su papá divino y me pareció espectacular. Empecé a encontrar muchas cosas del arte pop en artista más grandes.

En La Plata me vi pintando arte urbano, como lo quieras llamar, con un bagaje de estudios universitarios; yo tenía una formación universitaria para la elección de la propuesta estética, cromática, de cómo componer los espacios que venía más pensada. Eso me permitió dentro del arte urbano platense tener una estética que rompía con lo que se veía más..

–¿Existía un factor económico ahí, no? Vos podías pagarte los materiales, mientras que otros no.

–Sí, claro. Incluso pensando algunas diferencias entre el arte urbano de Miami y el argentino noto la diferencia de lo económico en la capacidad de acceder a la herramienta, a los elevadores, a muchas cosas que acá tenés o que es bastante posible tener y que somos pocos los artistas que tenemos ese acceso en Argentina.

Tuvimos que trabajar mucho para poder llegar a eso. Acá cualquier pibe de clase media puede acceder a los materiales. Allá lo tenemos un poco más restringido. Allá tenemos apenas dos marcas de aerosoles con 50 colores. Esa diferencia de herramienta restringe.

Igual con esas diferencias tenemos propuestas espectaculares de arte urbano, es una bomba con todas las trabas, todas, no hay una más y ves la producción y es animal, divina. Encuentro cosas muy conceptuales, originales. La diferencia en lo económico te permite la monumentalidad, la calidad del material o las gamas de colores.

–¿Qué conservas del grafitero, todavía estudiante de la facultad, que empezó en La Plata?

–Conservo todo, muchísimo de lo mío. Siempre la propuesta mía tuvo que ver con el arte pop y esa propuesta de colores, con lo figurativo, con la cultura pop. Tengo pinturas acá en miami que tienen a Ringo Bonavena. Tengo murales en la calle con chicas de Argentina que yo conozco.

Mi obra se empieza a hibridar un poco con algunas cosas de acá. Inevitablemente estás viviendo acá y empezás a generar tus relaciones, intereses, y también toda nuestra cultura popular argentina está marcada por la americana, desde la música, la propuesta estética, la visual, la indumentaria.

Ya llegamos acá bastante influidos de la propuesta de acá. Uno después mantiene siempre las cosas que uno trae adentro. Mi propuesta de hacer algo pop siempre fue bastante genuina porque es lo que me gusta, lo que vivo, lo que veo y consumo.

Otro triunfo argentino: el increíble mural que fue elegido como el mejor del mundo

Fuente: A24 – La obra de Martín Ron en el tanque de Obras Sanitarias de Miramar fue elegida como el «Mejor mural del mundo» por la prestigiosa plataforma Street Art Cities. Mirá la espectacular pieza artística de 35 metros de altura que se llevó el máximo galardón.

La obra que el reconocido muralista argentino, Martín Ron, realizó en la Torre de Agua de la ciudad costera de Miramar fue elegida como el «Mejor mural del mundo» en el mes de mayo, por la prestigiosa plataforma Street Art Cities.

La pieza, de 35 metros de altura, tiene la imagen de una niña y un niño, felices mientras se dan un chapuzón, y fue realizada en el marco de la VI Bienal de Arte de Miramar. Elegido entre más de 300 obras, cuenta con un diseño que permite una visualización en 360 grados, regalando una experiencia única desde distintos puntos de la ciudad.

«Inspirado en las vacaciones en la costa cuando era chico, retraté la esencia de la felicidad a través de la imagen de dos niños, Nina y Salvi deleitándose en un refrescante chapuzón«, contó el propio muralista sobre su trabajo. Además del homenaje a la ciudad, popularmente conocida como «la ciudad de los niños», el mural encierra una representación de los kiwis, un producto destacado de la zona.

La obra resultó ganadora destacándose por su «originalidad, técnica y poderosa narrativa visual», según la publicación especializada y con este galardón el mural de Ron pasará a la siguiente fase de la competencia y en el mes de diciembre buscará el título de «Mejor mural del año».

Fotos: Telam

El reconocimiento para Ron se da luego de dos años consecutivos en los que obtuvo el subcampeonato: en el 2022, con la obra «Viaje de estudio» realizada en la Universidad de Lomas de Zamora, homenaje a los estudiantes del conurbano bonaerense; mientras que en el 2021, con «Olivia mira al cielo» en el barrio Observatorio de la ciudad de Córdoba para el aniversario del que fue el primer observatorio nacional.

Hace solo dos meses, el artista oriundo de Caseros había inaugurado «Olivia en la ciudad», un impactante mural en Palermo que muestra a una niña que mira con ojos curiosos, sobre la calle Arenales 3355 de la Ciudad de Buenos Aires.

Declarado personalidad destacada de la cultura por la Legislatura porteña, Ron (1981) es autor de más de 300 obras callejeras, pintó en varias estaciones de las líneas A, D y H del subte porteño y es considerado uno de los diez mejores muralistas del mundo.

La publicación de Street Art Cities sobre la obra de Martín Ron.

«Un habitué en esta serie termina nuevamente en el podio del mes pasado, y esta obra califica para nuestros premios ‘Lo mejor del 2023’ de Enero», publicó la cuenta oficial del concurso con una extensa descripción de la pieza de Ron.

«Bienvenidos a Miramar, una bella ciudad costera en Argentina que ahora es el hogar del mejor mural de mayo de 2023. Con 35 metros de alto en el tanque de agua de la ciudad, esta obra de arte convirtió un querido ícono local en una marca internacional. Ofrece a quienes lo vean una experiencia refrescante, mostrando el disfrute de un simple chapuzón en el agua», detallaron.

«Recordando sus vacaciones de la niñez en la costa, Ron decidió recrear esos sentimientos de posibilidades interminables y veranos aventureros. Le pidió a dos chicos para que le modelen, capturándolos en un momento de diversión refrescante entre chapuzones», relataron en la cuenta.

«Martín Ron y su equipo crearon un mural de 360 grados que puede ser admirado desde distintos puntos de la ciudad. ‘Es una nueva postal de Miramar, más de uno va a sacar una foto y esta ciudad se va a volver más reconocida. Trabajé con el concepto de agua y hay trabajo similar en una ciudad en el sur de Australia’, dijo Ron a la prensa. ‘Es especial, hay más sensación de apreciar la pintura en Miramar que en una gran capital del mundo donde nadie se conoce con el otro. En lugares pequeños me hago amigo de la gente, soy uno más y el legado permanece más fuerte’, reflexionó Ron», cerraron en la publicación que eligió al ganador de mayo.

Pintan un mural gigante de Lionel Messi en Europa: mide 30 metros de altura

Fuente: La Nación – La obra maestra del artista argentino Maximiliano Bagnasco se convierte en un símbolo de admiración y pasión futbolística en la capital albanesa

En una impactante manifestación de intercambio cultural, el artista y muralista argentino Maximiliano Bagnasco dejó una huella imborrable en las calles de Tirana -el centro económico, financiero, político y comercial más importante de Albania- con su última obra maestra: un mural gigante de Lionel Messi.

La “obra” del ícono del fútbol argentino que adorna una de las zonas más concurridas de la capital albanesa se convirtió rápidamente en una atracción para los amantes del deporte: mide 30 metros de largo y 10 de ancho y fue creada como parte de la quinta edición del Festival de Murales de Tirana, un evento organizado por el ayuntamiento de la ciudad con el objetivo de enriquecer el entorno urbano y promover el arte callejero. Bagnasco fue invitado a participar por el comisario del festival, Helidon Haliti, quien quedó cautivado por los murales anteriores del artista, en los que también había retratado a Messi y a Diego Maradona.

El mural de Messi lo retrata vestido con la camiseta de la selección argentina y acompañado de las tres estrellas.

En una entrevista con EFE, Bagnasco compartió su emoción por la oportunidad de llevar su talento a Albania y expresó su gratitud por poder representar a sus héroes en otras tierras. “Pintar siempre a nuestros héroes es lindo porque para mí es dejar huellas de mi país en otro, es un intercambio cultural”, afirmó el muralista argentino de solo 41 años.

El proceso de creación del mural no estuvo exento de desafíos. Bagnasco inició la obra el 26 de mayo, pero tuvo que interrumpir el proceso en varias ocasiones debido a los días lluviosos y algunos problemas técnicos con la grúa utilizada para alcanzar las dimensiones monumentales de la pintura. A pesar de estos contratiempos, el artista perseveró y logró completar un retrato realista de Messi, vestido con la camiseta de la selección argentina y acompañado de las tres estrellas que simbolizan los mundiales ganados por Argentina.

Bagnasco se esforzó por capturar la esencia de la alegría y el orgullo que Messi representa para Argentina.
Bagnasco se esforzó por capturar la esencia de la alegría y el orgullo que Messi representa para Argentina.Llazar Semini – AP

El impacto de la obra en la comunidad fue notable con efectos impensados como por ejemplo la conformación de grupos de niños que lucen orgullosos las camisetas albicelestes de la selección argentina con el número 10 y el apellido de Messi mientras se acercan emocionados para admirar el mural. Además, los transeúntes y aficionados del fútbol se detienen a contemplar la majestuosidad de la obra y a capturar fotografías como recuerdo de su visita.

Los albaneses también mostraron un gran aprecio por el astro argentino.
Los albaneses también mostraron un gran aprecio por el astro argentino.Llazar Semini – AP

La residencia universitaria de nueve pisos, donde se encuentra el mural, experimentó un aumento en su popularidad desde la finalización de la pintura. Situada cerca del principal hospital de Tirana y destinada a estudiantes de medicina, la ubicación estratégica del mural permite que tanto residentes como visitantes disfruten de esta impresionante muestra de arte urbano.

En medio de la efervescencia generada por la Copa del Mundo de Fútbol de 2022, en la que la selección argentina se coronó campeona, Messi se convirtió en un héroe nacional para los argentinos.

Bagnasco, quien se esforzó por capturar la esencia de la alegría y el orgullo que Messi representa para Argentina, destacó: “Messi es tan grande para los argentinos como este mural. Nos representa en todo el mundo”. Con su meticuloso enfoque en el realismo, el artista logró plasmar una imagen idéntica al propio Messi, como si se tratara de una fotografía.

Bagnasco inició la obra el 26 de mayo, pero se vio interrumpido en varias ocasiones debido a los días lluviosos y algunos problemas técnicos.
Bagnasco inició la obra el 26 de mayo, pero se vio interrumpido en varias ocasiones debido a los días lluviosos y algunos problemas técnicos.

El reconocimiento y la admiración por la obra no se limitan únicamente a los argentinos. Los albaneses también mostraron un gran aprecio por el astro argentino. “Veo que aquí también gusta Ronaldo, pero en Argentina solo existe Messi. Ahora es nuestro héroe nacional después de ganar la Copa del Mundo”, agregó Bagnasco, quien dejó su marca en numerosos murales alrededor del mundo.

El mural de Messi en Tirana se suma a la serie de homenajes que Bagnasco realizó a destacados futbolistas argentinos. El artista ya había capturado la esencia de otro ídolo del fútbol, Diego Maradona, en un imponente retrato instalado en el partido de Ezeiza. Sus creaciones trascienden las fronteras geográficas y emocionales, y se convierten en símbolos de identidad y pasión.

Se desarrolla en Tucumán un Circuito de Murales de artistas locales

Fuente: comunicaciontucuman.gob.ar – El barrio La Ciudadela fue el barrio popular elegido para llevar a cabo la obra que busca revalorizar los lugares.

La ministra de Gobierno y Justicia, Carolina Vargas Aignasse, acompañó el desarrollo de la pintada de uno de los murales del barrio Ciudadela, en el marco del proyecto cultural Circuito de Murales.

Se trata de la iniciativa promovida por artistas locales que obtuvo el acompañamiento del gobierno provincial, dado que impulsa al sector en el despliegue del arte urbano para poner en valor distintos puntos de San Miguel de Tucumán, al igual que sucede en otras provincias del NOA y NEA; ya que se generan espacios turísticos, artísticos y culturales bajo la técnica del mural.

En la actividad estuvieron los asesores ministeriales, Pablo y Carolina Peralta; y los muralistas tucumanos, Verónica Corrales y Fernando Galucci.

“Se trata de seis murales que van a ir desarrollándose, y lo que queremos hacer es vincularlos y generar un corredor cultural en la Capital”, remarcó Vargas Aignasse.

A su turno, Galucci comentó que: “es de muy grande escala, es ambicioso. Cuando arrancamos, empezamos en la región NOA, pero a medida que empezamos a tener más alcance con las redes sociales y ser seleccionados en encuentros internacionales de muralistas, pudimos pintar en otras provincias como San Luis, Catamarca, Buenos Aires, Tierra del Fuego, aparte de Tucumán, Salta, Jujuy, Santiago del Estero”.

 “La intención es embellecer y rescatar los espacios que están en situación de abandono. En esta primera instancia hemos arrancado en el barrio de la Ciudadela, que es muy popular en la provincia. En este caso el espacio es la fachada de un vecino que nos cedió la pared”, remarcó el artista.

También detalló que, desde el 2020 hasta ahora, van haciendo más de 70 murales. “Nosotros proponemos algo y tenemos marcada nuestra paleta de colores, pero hay un intercambio con el vecino para que todos estemos conformes, las personas cuidan el espacio y se ven muy agradecidas, ya que embellecemos su barrio”, finalizó Galucci.

Más de 50 artistas llenarán de color los barrios de la ciudad de San Luis y Villa Mercedes

Fuente: Agencia San Luis – Desde este 22 de mayo al 2 de junio, en los barrios de las dos principales ciudades de la provincia, artistas locales, de distintos puntos del territorio nacional y de países vecinos intervendrán con su arte plazas, establecimientos escolares. 

Este lunes por la mañana se realizó la presentación del 4to Encuentro Federal de Muralistas y Grafiteros en el Centro Cultural “José La Vía”. Emilio Marabolí, responsable del Programa Pinta San Luis, contó: “La idea es llevar esta movida cultural a los barrios, para que la gente pueda ver como trabaja un muralista, llenar de color y cambiar el paisaje urbano de los lugares”.  

35 muralistas realizarán sus trabajos en San Luis del 22 al 26 de mayo y en Villa Mercedes del 29 al 2 de junio. Según detallaron los organizadores, el encuentro propone acercar al vecino a los artistas a través de estas actividades interactivas. 

Las temáticas que expondrán los murales serán: mujer, consciencia ambiental, género y diversidad, derechos humanos e identidad cultural, San Luis miles de escenarios, Cine Argentino y sorpresas surrealistas.

Este encuentro reúne a representantes provinciales de San Luis, Estancia Grande, La Punta, Villa Mercedes, Nueva Galia y Villa de Merlo; Tucumán, Buenos Aires, Mendoza, La Pampa, Córdoba, Corrientes, Neuquén, Santa Fe, Misiones, Entre Ríos, Río Negro, Santiago del Estero, Santa Cruz y de otros países como Chile, Bolivia, Panamá y Rusia. 

Aarón Dorado, es colaborador de Pinta San Luis, pintor de casas y es la primera vez que participa en la convocatoria pintando murales: “Desde el Programa  me apoyaron y me animé a pintar murales, esta experiencia es única para mi, estoy muy contento”, afirmó Dorado. 

Por su parte la artista Lina Vesedina de Rusia es la segunda vez que participa en el Encuentro: “Es una buena oportunidad para expresarse, para contribuir en algo para la comunidad y dejar nuestra huella”. Respecto al mural que pintará en la ciudad la joven artista contó: “voy a realizar el retrato de una amiga activista y que admiro mucho”, y en cuanto al encuentro expresó: “Me parece maravilloso, es un gran encuentro donde se aprende mucho con el intercambio artístico que hay en el grupo”. 

Cristian Varas Guaraz, es artista plástico y docente llegó desde Santiago del Estero con Cecilia Luna y Ángel Taboada, el artista se dedica a pintar murales hace 20 años”. Es una convocatoria federal, que va creciendo y nos ayuda a que podamos traer nuestro arte a San Luis y encontrarnos con nuestro compañeros de colores”. 

Si querés conocer las paredes que se van a estar interviniendo en los barrios, hacé clic para ver el mapa.

El filete baila al 2×4 en el Abasto a puro color y crea una nueva ruta de murales en Buenos Aires, de piso a cielo

Fuente: Los Andes – Se trata de 600 metros lineales en la obra de arte de piso más grande de Buenos Aires, 1500 m2 de murales creados por un colectivo de talentosas mujeres artistas.

El arte urbano baila al ritmo del Abasto, uno de los barrios con más historia y riqueza cultural de la ciudad de Buenos Aires. El corredor Agüero, aquel que supo conectar el Mercado de Frutas y Verduras (actual Shopping) con la estación de tren, hoy es una galería de arte de piso a cielo.

600 metros lineales de la calle Agüero lucen un extenso homenaje al filete porteño, que combina las ilustraciones de Camila Calderón y la curaduría de Silvia Dotta, referente nacional de la técnica pictórica declarada patrimonio inmaterial de la humanidad por la UNESCO.

Y mientras el filete se luce a cada paso, las paredes actúan como lienzos que reciben 5 murales de 1500 m2 y una obra lumínica de 60 m2. Una verdadera celebración de color se vive en esta iniciativa de Abasto Barrio Cultural (programa del Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires), realizada con colaboración vecinal y junto a Alba Pinturas del grupo AkzoNobel.

Mural de piso

Sobre la calle Agüero, desde Perón hasta Lavalle, una nueva obra lúdica diseñada por un equipo de ilustradoras inspiradas en el imaginario del Abasto, es plasmada en el pavimento de la calzada y la vereda. La intervención llena de color el corredor que articula los sectores norte y sur del barrio, que además conecta dos grandes polos sociales: el Abasto Shopping y el Parque de la Estación. La artista Silvia Dotta, realizó y curó los filetes que unifican la propuesta.

1×1 los murales que completan la galería de piso a cielo:

Caro Diatomea, su obra vive en Agüero, entre Perón y Sarmiento y está inspirada en la naturaleza del barrio.

Silvia Dotta, socia fundadora de la Asoc. de Fileteadores y la referente del arte urbano y Mabel Vicentef, llevaron adelante un mural en la pared del supermercado COTO en Guardia Vieja y Agüero en homenaje a una mujer ícono del barrio: Juana.

Isol Misenta trabajó en el diseño de fachada de la Escuela N° 6 Gral. Martín Rodríguez (Anchorena entre Valentín Gómez y Av. Corrientes). Para bocetar este mural, la artista desarrolló talleres participativos con estudiantes de 4° grado de la Escuela N° 6 Gral. Martín Rodríguez.

María Luque diseñó el mural que está emplazado en la fachada del supermercado Vital, en la esquina que cruza las calles Sarmiento y Agüero. La artista realizó talleres participativos con adultos mayores en el espacio cultural Almabasto, y entrevistas en los bares notables de la zona -El Símbolo y Bar Roma- con personajes representativos del pasado cultural del barrio.

Caro Diatomea y Caro Cuore trabajaron en la obra ubicada en Cotax (Agüero entre Sarmiento y Valentín Gómez). Se realizó un taller participativo con los asociados a la Cooperativa de Autos con Taxímetro (Cotax) para diseñar el mural.

Delia Cancela diseñó el mural ubicado sobre una de las paredes del supermercado Vital, en la calle Agüero, entre Sarmiento y Juan D. Perón. Para diseñarlo, la artista conversó con el equipo de Patrimonio BA y a raíz de los intercambios, definió reeditar una de sus obras clásicas. Tanto los murales de Cancela, como el de Misenta y Luque fueron realizados por las artistas Carolina Jáuregui y Suyay Brillaud.

El color tiene un poder transformador en la vida de las personas y es por ello que AkzoNobel, a través de su marca Alba y en el marco de su programa mundial “Vení al Color” acompaña esta propuesta que evidencia cómo el color, la cultura y el arte pueden transformar una comunidad.

El ministro de Cultura de la Ciudad, Enrique Avogadro, detalló: “El Abasto tiene una identidad muy marcada que lo hace un lugar de referencia. Es reconocido por su vasta y rica oferta cultural. Por eso, continuamos trabajando para potenciar este polo del arte y la cultura a partir de un vínculo continuo con los referentes de la zona, a quienes les facilitamos herramientas para que puedan llevar adelante sus propuestas. También, avanzamos con proyectos para mejorar el espacio público y conectar la oferta cultural de Abasto, entendiendo a la cultura como motor de desarrollo y de integración”.

La iniciativa -que forma parte de un proyecto integral del Ministerio de Cultura junto al Ministerio de Espacio Público e Higiene Urbana, la Secretaría de Desarrollo Urbano, y las Comunas 3 y 5- interviene el paisaje urbano de Buenos Aires con el objetivo de mejorar la calidad de vida en el barrio de Abasto; comprendiendo la cultura y el arte como motores de transformación social y del espacio público, poniendo en valor la identidad del barrio y potenciando la red de actores.

Cuando las paredes hablan


Fuente: Perfil – A simple vista, probablemente no todos sepan quién es Fernando Salimbene (alias Nandon), pero seguro que cada uno de los porteños conoce un poco a Nandon, aunque sin saberlo.

¿Quién no ha leído “Vendo mi ego” en las calles de la Ciudad de Buenos Aires? Sus frases son populares, así como lo son sus expresiones artísticas. Y como el arte –dicen– es una extensión del artista, se podría afirmar, por lo tanto, que todos conocen un poco de Nandon.

“Inevitablemente, por la repetición y la cantidad, he generado que mi trabajo forme parte del paisaje urbano, sobre todo en las ciudades donde más he colocado, que son CABA y Mar del Plata”, dice Nandon. “No alcanza con ser linda”, “¿Esto no termina nunca?”, “La verdad no tiene precio”, son algunas de las oraciones que se leen en los carteles que el artista coloca con líneas de su autoría, fondo verde y letras mayúsculas en rojo. 

“Desde una oferta, hasta la urgencia de visibilizar un reclamo, los letreros siempre fueron para eso: una intención explícita de querer decir algo. Logré utilizar un soporte ya conocido como los carteles y comunicar una idea a través de mis intervenciones. Me gusta cuando se mezclan con los distintos letreros de todo tipo que hay por las calles”, reconoce el artista. 

“Lo que quiero es que la gente se detenga a leer los carteles. El siguiente paso es que los haga pensar, y con eso, ya tengo mi objetivo cumplido. Con “Vendo mi ego” –hace referencia a su cartel más popular– pude generar cierto cuestionamiento sobre la valoración de nuestro ego, si es bueno o es malo, y si está bien deshacernos de él por dinero, incluso también apelando a una crisis económica, o si debemos mantenerlo con nosotros como herramienta para la superación personal. 

El humor en los carteles sigue siendo otro canal para facilitar la llegada del mensaje”, explica. 

Son muchos los “vendos” que Salimbene propone para reflexionar, “Vendo mi Instagram”, por ejemplo. ¿A cambio de qué? Con su verbo distintivo, hay algo con lo que Fernando no comercializa: “Mi memoria no se vende”. Con esa frase, pintada manualmente, pegada a los postes de la Ciudad, Nandon puso su grano de arena para frenar al olvido a 28 años del atentado a la AMIA. Queda claro que sus intervenciones tienen un componente más que profundo. 

“La presencia de lo casi olvidado ‘hecho a mano’, y no menos importante, las frases escritas en ellos hacen que a la gente le llame la atención mi cartel”, reconoce. ¿Y quién habla? ¿Fernando o Nandon? “Es la voz de mi persona dicha por un personaje, que es Nandon. No puedo escapar de ser yo mismo. Me deja tranquilo que lo que hago viene de una parte muy dentro mío, que trabajé y saqué al exterior de una forma sencilla para que las personas puedan leerlo e interpretarlo fácilmente”, relata. 

“Genero, así, empatía y coincidencia con el público, porque como artista soy parte de una sociedad y una de mis tareas es analizarla; me toca captar lo que sucede en el ámbito de lo urbano, sin dejar de lado el ida y vuelta que nos trae el recurso de las redes sociales”, añade. 

La calle. El espacio en el que ocurren las intervenciones de Nandon, y de tantos otros artistas, es fundamental para su análisis. Es en la calle, en el espacio público. De todos, de nadie, ¿de quién? En el texto Política de calle y contrahegemonía los investigadores Margarita López Maya, Nicolás Iñigo Carrera y Pilar Calveiro, editado por el Consejo Latinoamericano de Ciencias Sociales (Clacso), dicen: “Desde los tiempos mismos en que se constituyeron estas sociedades se hizo de la interpelación a las autoridades desde la calle un recurso recurrente”. 

El arte callejero es imposible de evitar. De esto se diferencia el arte urbano del que está, por ejemplo, en un museo: a la exhibición hay que ir, la calle, en cambio, sorprende. Para visitar la obra de los artistas callejeros basta con vivir el día a día, dar una vuelta a la manzana. Quienes estén atentos estarán dispuestos a encontrar las piezas distribuidas por las ciudades, y será como una sorpresa obligada, inevitable, un espectador forzado, para quienes los tome de imprevisto. Al estar en un espacio transitado, la obra es objeto de múltiples interpretaciones.

En su trabajo Protesta, arte y espacio público: cuerpos en resistencia, la doctora en Antropología Social Andrea Lissett Pérez y la doctora en Traducción y Traductología Andrea Montoya, ambas de la Universidad de Antioquia, Colombia, puntualizan la relevancia de los lenguajes estéticos para pensar al arte, los artistas y participantes como agentes de la acción social. 

Las obras, carteles, grafitis, murales, son pintadas en el espacio público, y, en ese momento, la pieza se convierte en parte de la calle. Este tipo de arte coincide, además, en que el espacio público es el territorio histórico de protestas y reclamos. Las piezas de arte urbano son, en su mayoría, una denuncia. El lienzo es la pared de un comercio, la entrada de una plaza, la reja de una panadería, un poste de semáforo.

Arte salvaje. “Si bien soy muralista, yo vengo del grafiti. El grafiti es ilegal, es vandálico, tiene su propio lenguaje. Es un grito de disconformidad frente al statu quo. Murales y grafitis tienen semejanzas porque los dos son parte del espacio público, son expresiones artísticas, pero el muralismo viene de una escuela más académica, ¿no? De Diego Rivera. Y tienen un discurso más político. Mucho más político”, asegura el artista Mario Abad (alias: Causi Art). 

Es cierto que los murales tuvieron su actualización en el siglo XX con exponentes como el mexicano Rivera, pero este género y los grafitis tienen otra cuestión en común, más allá de su escenario de acción: su antigϋedad. Hay grafitis que fueron realizados durante la época del Imperio romano. Ni hablar de las pinturas rupestres en cavernas, o la gran Capilla Sixtina. 

Entre el arte y el vandalismo, los grafiteros realizan su actividad de noche, en la clandestinidad, desligándose, por lo menos formalmente, de su autoría. El grafiti encuentra su estética en la no estética, en el apuro, en su acción. Es único e irrepetible, diferente a lo que sucede con otros estilos, como es el afiche, que se puede imprimir y volver a colocar.

“El arte callejero puede ser disruptivo porque produce una interrupción fuerte y súbita en la atención de la gente. Es por eso que mi intención es sensibilizar con un discurso potente. Lo mío no es decorativo, en lo absoluto, Hay muchos que pintan vegetación, pintan flores y está bien, está perfecto. Yo tengo otro… Otro mensaje. Yo tengo otro mensaje”, declara Abad. 

El grafiti es el más rebelde de todos los géneros, el independiente. “El grafiti suele ser disruptivo y, al mismo tiempo molesto, para las personas que no comparten su ideología. Tiene una lectura simple. Intenta ir por un lado más ‘under’, con una expresión y una cultura distinta. Maneja otros tipos de códigos que son de su propio mundo y trata de desvincularse, o al menos, quitarse la etiqueta impuesta de ‘arte callejero’”, explica Nandon.

“Con los carteles pude escapar de lo que me imposibilitaba el grafiti: ir directo al mensaje, sin interrupción por la cuestión ética de si está bien o mal pintar una pared”, agrega. “Me atrae el muralismo, la parte más técnica, encontrar mi propio estilo, desarrollar un discurso potente, que sea como una cachetada. Pero no me olvido de lo más agresivo de mis orígenes, que es el grafiti”, dice Abad. 

El grafiti se ha usado incontables veces en la historia como forma protesta. Un momento memorable fue el Mayo Francés (1968) cuando los jóvenes reflejaron sus denuncias y su transformación en las paredes de Francia. “Prohibido prohibir”, un clásico. Por aquel momento, los afiches, grafitis y murales hicieron y fueron la historia. “Intento que quede una pieza de arte con fuerza a nivel técnico, estético y discursivo. Mi obra puede hablar por mí, mi discurso plasmado puede hablar por la comunidad, por un colectivo. Habla por todos”, afirma Causi. 

Legal o ilegal.

¿Es el arte callejero disruptivo por definición?, ¿es ilegal? “Todo depende del tipo de intervención que se haga. No podemos llamar arte callejero a cualquier cosa. De hecho, hoy el arte callejero está yendo más por el lado de la norma, que en su contra. Podemos encontrar murales que decoran nuestras calles cotidianamente y esas pinturas son hechas con la autorización del dueño de la propiedad y hasta son trabajos a pedido”, responde Fernando. 

“El arte callejero está cerca de la gente; muchas veces cuando se pinta un mural en un lugar abandonado, o sea sin tener permiso, puede tener aceptación social porque están aportando belleza estética a alguna parte del barrio”, indica. Los afiches, por ejemplo, suelen estar más institucionalizados: son pedidos, pagados, firmados, utilizados por empresas publicitarias o como comunicados gubernamentales.

Parte de la historia.

Como se puede notar, el arte callejero es un mundo aparte: cada género tiene sus reglas y cuestionamientos. Aunque, como toda expresión artística, todos los tipos de arte urbano son hijos de su contexto de surgimiento. El sociólogo y artista John Ruskin lo explicó: “El arte es expresión de la sociedad”.

Un ejemplo claro: el pintor y muralista Alfredo Segatori realizó “Panda pandemial”, el oso que toma mate en épocas de covid. El mural es gigante, pintado en un edificio de diez pisos en Villa del Parque. La obra une a la cultura oriental, con el panda, y la tradición argentina de compartir el mate, costumbre que tuvo que ser suspendida durante los días de pandemia.

“Mi intención es que mis obras levanten el día a día, generar un momento de alegría, un buen ‘feedback’ energético del transeúnte. Trato de que siempre tengan un toque de humor, de buena onda. Me interesa que se destaquen en el paisaje urbano, pero que también se integren”, señala Segatori.

Si el arte es una expresión de la historia, hay una característica que vale notar: la historia se mueve, cambia. “Tengo muy presente que el arte urbano es efímero por diferentes factores: la corrosión, el paso del tiempo, el sol, cuestiones ambientales, la corrosión, o incluso lo pueden tapar. En algún momento va a desaparecer y eso también es parte. Es algo que todos los muralistas tenemos presente”, afirma Causi. Él sabe que, tarde o temprano, su mural que retrata a un niño (¿o es un hombre?) al que le tapan la boca, desaparecerá.

El mural de piso más grande de Buenos Aires se pinta en el corazón del Abasto

Fuente: La Nación – Obras de arte urbano transforman el histórico barrio tanguero en un circuito de cultura y creatividad.

Una impresionante intervención artística está a punto de transformar la calle Agüero desde Perón hasta Lavalle en una obra maestra del filete porteño, que será el mural de piso más grande de Buenos Aires. Luego de haber inaugurado en diciembre de 2022 cinco murales realizados enteramente por mujeres, el Ministerio de Cultura de la ciudad de Buenos Aires anunció en abril el inicio de la segunda etapa del proyecto de intervenciones de arte público en el barrio que está por finalizar. Se trata de una iniciativa de Abasto Barrio Cultural realizada con colaboración vecinal y junto a Alba Pinturas.

En las calles se agregarán nuevas obras entre las que destaca un mural lúdico en el pavimento de la calzada y la vereda de la calle Agüero.
En las calles se agregarán nuevas obras entre las que destaca un mural lúdico en el pavimento de la calzada y la vereda de la calle Agüero.

El principal objetivo de este proyecto es concentrar las actividades artísticas en un Corredor Biocultural que incluye el pasaje Zelaya, desde Jean Jaures hasta Agüero, y la calle Agüero, desde Zelaya hasta Juan D. Perón, para mejorar la accesibilidad y fomentar que la gente camine en el área. Este corredor estará marcado por la incorporación de obras de arte público, como murales, arte lumínico y esculturas que se ubicarán en las esquinas icónicas del barrio.

Las obras de arte están inspiradas en la naturaleza del barrio.
Las obras de arte están inspiradas en la naturaleza del barrio.

Ahora, en la segunda etapa, se agregarán nuevas obras entre las que destaca un mural lúdico en el pavimento de la calzada y la vereda de la calle Agüero, que será el más grande de Buenos Aires. La intervención estará diseñada por un equipo de ilustradoras inspiradas en el imaginario del Abasto, llenará de color el corredor que articula los sectores norte y sur del barrio, que además conecta dos grandes polos sociales: el Abasto Shopping y el Parque de la Estación. Participa del proyecto la artista Silvia Dotta, que realiza y cura los filetes que unifican la propuesta.

Habrá un mural en la misma calle, entre Perón y Sarmiento, inspirado en la naturaleza del barrio y creado por la artista urbana Caro Diatomea. Además, se instalará un mural lumínico de grandes dimensiones diseñado por la artista Isol Misenta y en el Parque de la Estación será emplazada Urdimbre III: la tercera escultura de una serie de Silvina Babich tejida en el material natural mimbre.

Sobre el corredor Agüero, entre Corrientes y Perón, se instalará una serie de pasacalles lumínicos realizados con tubos led flexibles tipo neón, que reflejarán la poesía que Fernando Noy -personaje icónico de la identidad cultural del Abasto- creó inspirado en la zona.

“El Abasto tiene una historia cultural y tanguera que atrae a muchos turistas y vecinos de la Ciudad. Estas obras buscan resaltar la tradición e identidad de este histórico barrio”, expresó la ministra de Espacio Público e Higiene Urbana de la Ciudad, Clara Muzzio.

Estas obras buscan resaltar la tradición e identidad de este histórico barrio.
Estas obras buscan resaltar la tradición e identidad de este histórico barrio.
Abasto Cultural va a intervenir 3.400 m² de espacio público, aproximadamente siete cuadras.
Abasto Cultural va a intervenir 3.400 m² de espacio público, aproximadamente siete cuadras.

Esta iniciativa también incluirá la instalación de la tercera escultura de una serie de Silvina Babich en el Parque de la Estación. Todo esto se llevará a cabo en el marco del Corredor Biocultural, sobre la calle Agüero, en el que se incorporarán diversas propuestas de arte urbano. Este nuevo circuito de arte y cultura tiene el objetivo de mejorar la calidad de vida de los habitantes de la zona, en colaboración con el Ministerio de Espacio Público e Higiene Urbana, la Secretaría de Desarrollo Urbano y las Comunas 3 y 5.

La segunda etapa del proyecto de intervenciones de arte público en el barrio de Abasto culminará el 6 de mayo con una celebración en la Fiesta Abasto Barrio Cultural, y busca fomentar la participación ciudadana y fortalecer la construcción colectiva de la identidad del barrio a través del arte y la cultura.