Categoría: Arte Urbano

Fuente: Telam – La obra, de 35 metros de alto por 15 de ancho, es del artista Jorge Pomar, más conocido por su seudónimo «Amor».

En la medianera de un edificio en avenida Independencia y Piedras, en el barrio porteño de San Telmo, se estrenó un mural del artista Jorge Pomar, más conocido por su seudónimo «Amor», un trabajo de 35 metros de alto por 15 de ancho de un cielo azul intenso, y algunas nubes, enmarcado por hileras de ladrillos que revelan los rastros de antiguas construcciones lindantes.

«Una gotita en suspensión 2» se titula la intervención del artista, realizada con pintura acrílica y texturada sobre un muro de concreto, un proyecto independiente y autogestionado que contó con el apoyo de las galerías Quimera, Pasto, Fundación Santander, Impulso Cultural y Sinteplast.

El mural representa una suerte de continuación de la muestra «Una gotita en suspensión», que se vio dos años atrás en la galería Pasto, y que dio origen a esta acción ahora bautizada con el mismo título pero con el número «2».

La pared intervenida exhibe las marcas propias de un edificio que fue cortado, los vestigios del paso del tiempo y la experiencia de la vida por los lugares de la ciudad, un alerta sobre el avance de la gentrificación, en palabras de la curadora e investigadora Lupita Baliño.

«Esta medianera -que ahora es cielo a la vista-, fue en algún momento un elemento más en un adentro, fue parte del cotidiano y de la intimidad de las personas que habitaron entre esas paredes. El muro ofrece un relato acerca del crecimiento de las ciudades, sus transformaciones y la planificación urbanística», dijo Baliño.

La obra se integra a la serie «Cielos», nacida en marzo de 2020, en un contexto necesitado de abrir el campo visual y extender la mirada por fuera de los límites del espacio doméstico a través de la pintura: primer anuncio de aislamiento por pandemia en Argentina.

Pomar (1987, Buenos Aires) también realizó murales en el Estadio Polideportivo «Islas Malvinas» de Mar del Plata (en colaboración junto a Elian Chali), en la intersección de las avenidas porteñas Corrientes y Callao, en la localidad bonaerense de Hurlingham y en muros de unos 20 países.

Fuente: Los Andes – Se trata de 600 metros lineales en la obra de arte de piso más grande de Buenos Aires, 1500 m2 de murales creados por un colectivo de talentosas mujeres artistas.

El arte urbano baila al ritmo del Abasto, uno de los barrios con más historia y riqueza cultural de la ciudad de Buenos Aires. El corredor Agüero, aquel que supo conectar el Mercado de Frutas y Verduras (actual Shopping) con la estación de tren, hoy es una galería de arte de piso a cielo.

600 metros lineales de la calle Agüero lucen un extenso homenaje al filete porteño, que combina las ilustraciones de Camila Calderón y la curaduría de Silvia Dotta, referente nacional de la técnica pictórica declarada patrimonio inmaterial de la humanidad por la UNESCO.

Y mientras el filete se luce a cada paso, las paredes actúan como lienzos que reciben 5 murales de 1500 m2 y una obra lumínica de 60 m2. Una verdadera celebración de color se vive en esta iniciativa de Abasto Barrio Cultural (programa del Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires), realizada con colaboración vecinal y junto a Alba Pinturas del grupo AkzoNobel.

Mural de piso

Sobre la calle Agüero, desde Perón hasta Lavalle, una nueva obra lúdica diseñada por un equipo de ilustradoras inspiradas en el imaginario del Abasto, es plasmada en el pavimento de la calzada y la vereda. La intervención llena de color el corredor que articula los sectores norte y sur del barrio, que además conecta dos grandes polos sociales: el Abasto Shopping y el Parque de la Estación. La artista Silvia Dotta, realizó y curó los filetes que unifican la propuesta.

1×1 los murales que completan la galería de piso a cielo:

Caro Diatomea, su obra vive en Agüero, entre Perón y Sarmiento y está inspirada en la naturaleza del barrio.

Silvia Dotta, socia fundadora de la Asoc. de Fileteadores y la referente del arte urbano y Mabel Vicentef, llevaron adelante un mural en la pared del supermercado COTO en Guardia Vieja y Agüero en homenaje a una mujer ícono del barrio: Juana.

Isol Misenta trabajó en el diseño de fachada de la Escuela N° 6 Gral. Martín Rodríguez (Anchorena entre Valentín Gómez y Av. Corrientes). Para bocetar este mural, la artista desarrolló talleres participativos con estudiantes de 4° grado de la Escuela N° 6 Gral. Martín Rodríguez.

María Luque diseñó el mural que está emplazado en la fachada del supermercado Vital, en la esquina que cruza las calles Sarmiento y Agüero. La artista realizó talleres participativos con adultos mayores en el espacio cultural Almabasto, y entrevistas en los bares notables de la zona -El Símbolo y Bar Roma- con personajes representativos del pasado cultural del barrio.

Caro Diatomea y Caro Cuore trabajaron en la obra ubicada en Cotax (Agüero entre Sarmiento y Valentín Gómez). Se realizó un taller participativo con los asociados a la Cooperativa de Autos con Taxímetro (Cotax) para diseñar el mural.

Delia Cancela diseñó el mural ubicado sobre una de las paredes del supermercado Vital, en la calle Agüero, entre Sarmiento y Juan D. Perón. Para diseñarlo, la artista conversó con el equipo de Patrimonio BA y a raíz de los intercambios, definió reeditar una de sus obras clásicas. Tanto los murales de Cancela, como el de Misenta y Luque fueron realizados por las artistas Carolina Jáuregui y Suyay Brillaud.

El color tiene un poder transformador en la vida de las personas y es por ello que AkzoNobel, a través de su marca Alba y en el marco de su programa mundial “Vení al Color” acompaña esta propuesta que evidencia cómo el color, la cultura y el arte pueden transformar una comunidad.

El ministro de Cultura de la Ciudad, Enrique Avogadro, detalló: “El Abasto tiene una identidad muy marcada que lo hace un lugar de referencia. Es reconocido por su vasta y rica oferta cultural. Por eso, continuamos trabajando para potenciar este polo del arte y la cultura a partir de un vínculo continuo con los referentes de la zona, a quienes les facilitamos herramientas para que puedan llevar adelante sus propuestas. También, avanzamos con proyectos para mejorar el espacio público y conectar la oferta cultural de Abasto, entendiendo a la cultura como motor de desarrollo y de integración”.

La iniciativa -que forma parte de un proyecto integral del Ministerio de Cultura junto al Ministerio de Espacio Público e Higiene Urbana, la Secretaría de Desarrollo Urbano, y las Comunas 3 y 5- interviene el paisaje urbano de Buenos Aires con el objetivo de mejorar la calidad de vida en el barrio de Abasto; comprendiendo la cultura y el arte como motores de transformación social y del espacio público, poniendo en valor la identidad del barrio y potenciando la red de actores.

Fuente: Perfil – A simple vista, probablemente no todos sepan quién es Fernando Salimbene (alias Nandon), pero seguro que cada uno de los porteños conoce un poco a Nandon, aunque sin saberlo.

¿Quién no ha leído “Vendo mi ego” en las calles de la Ciudad de Buenos Aires? Sus frases son populares, así como lo son sus expresiones artísticas. Y como el arte –dicen– es una extensión del artista, se podría afirmar, por lo tanto, que todos conocen un poco de Nandon.

“Inevitablemente, por la repetición y la cantidad, he generado que mi trabajo forme parte del paisaje urbano, sobre todo en las ciudades donde más he colocado, que son CABA y Mar del Plata”, dice Nandon. “No alcanza con ser linda”, “¿Esto no termina nunca?”, “La verdad no tiene precio”, son algunas de las oraciones que se leen en los carteles que el artista coloca con líneas de su autoría, fondo verde y letras mayúsculas en rojo. 

“Desde una oferta, hasta la urgencia de visibilizar un reclamo, los letreros siempre fueron para eso: una intención explícita de querer decir algo. Logré utilizar un soporte ya conocido como los carteles y comunicar una idea a través de mis intervenciones. Me gusta cuando se mezclan con los distintos letreros de todo tipo que hay por las calles”, reconoce el artista. 

“Lo que quiero es que la gente se detenga a leer los carteles. El siguiente paso es que los haga pensar, y con eso, ya tengo mi objetivo cumplido. Con “Vendo mi ego” –hace referencia a su cartel más popular– pude generar cierto cuestionamiento sobre la valoración de nuestro ego, si es bueno o es malo, y si está bien deshacernos de él por dinero, incluso también apelando a una crisis económica, o si debemos mantenerlo con nosotros como herramienta para la superación personal. 

El humor en los carteles sigue siendo otro canal para facilitar la llegada del mensaje”, explica. 

Son muchos los “vendos” que Salimbene propone para reflexionar, “Vendo mi Instagram”, por ejemplo. ¿A cambio de qué? Con su verbo distintivo, hay algo con lo que Fernando no comercializa: “Mi memoria no se vende”. Con esa frase, pintada manualmente, pegada a los postes de la Ciudad, Nandon puso su grano de arena para frenar al olvido a 28 años del atentado a la AMIA. Queda claro que sus intervenciones tienen un componente más que profundo. 

“La presencia de lo casi olvidado ‘hecho a mano’, y no menos importante, las frases escritas en ellos hacen que a la gente le llame la atención mi cartel”, reconoce. ¿Y quién habla? ¿Fernando o Nandon? “Es la voz de mi persona dicha por un personaje, que es Nandon. No puedo escapar de ser yo mismo. Me deja tranquilo que lo que hago viene de una parte muy dentro mío, que trabajé y saqué al exterior de una forma sencilla para que las personas puedan leerlo e interpretarlo fácilmente”, relata. 

“Genero, así, empatía y coincidencia con el público, porque como artista soy parte de una sociedad y una de mis tareas es analizarla; me toca captar lo que sucede en el ámbito de lo urbano, sin dejar de lado el ida y vuelta que nos trae el recurso de las redes sociales”, añade. 

La calle. El espacio en el que ocurren las intervenciones de Nandon, y de tantos otros artistas, es fundamental para su análisis. Es en la calle, en el espacio público. De todos, de nadie, ¿de quién? En el texto Política de calle y contrahegemonía los investigadores Margarita López Maya, Nicolás Iñigo Carrera y Pilar Calveiro, editado por el Consejo Latinoamericano de Ciencias Sociales (Clacso), dicen: “Desde los tiempos mismos en que se constituyeron estas sociedades se hizo de la interpelación a las autoridades desde la calle un recurso recurrente”. 

El arte callejero es imposible de evitar. De esto se diferencia el arte urbano del que está, por ejemplo, en un museo: a la exhibición hay que ir, la calle, en cambio, sorprende. Para visitar la obra de los artistas callejeros basta con vivir el día a día, dar una vuelta a la manzana. Quienes estén atentos estarán dispuestos a encontrar las piezas distribuidas por las ciudades, y será como una sorpresa obligada, inevitable, un espectador forzado, para quienes los tome de imprevisto. Al estar en un espacio transitado, la obra es objeto de múltiples interpretaciones.

En su trabajo Protesta, arte y espacio público: cuerpos en resistencia, la doctora en Antropología Social Andrea Lissett Pérez y la doctora en Traducción y Traductología Andrea Montoya, ambas de la Universidad de Antioquia, Colombia, puntualizan la relevancia de los lenguajes estéticos para pensar al arte, los artistas y participantes como agentes de la acción social. 

Las obras, carteles, grafitis, murales, son pintadas en el espacio público, y, en ese momento, la pieza se convierte en parte de la calle. Este tipo de arte coincide, además, en que el espacio público es el territorio histórico de protestas y reclamos. Las piezas de arte urbano son, en su mayoría, una denuncia. El lienzo es la pared de un comercio, la entrada de una plaza, la reja de una panadería, un poste de semáforo.

Arte salvaje. “Si bien soy muralista, yo vengo del grafiti. El grafiti es ilegal, es vandálico, tiene su propio lenguaje. Es un grito de disconformidad frente al statu quo. Murales y grafitis tienen semejanzas porque los dos son parte del espacio público, son expresiones artísticas, pero el muralismo viene de una escuela más académica, ¿no? De Diego Rivera. Y tienen un discurso más político. Mucho más político”, asegura el artista Mario Abad (alias: Causi Art). 

Es cierto que los murales tuvieron su actualización en el siglo XX con exponentes como el mexicano Rivera, pero este género y los grafitis tienen otra cuestión en común, más allá de su escenario de acción: su antigϋedad. Hay grafitis que fueron realizados durante la época del Imperio romano. Ni hablar de las pinturas rupestres en cavernas, o la gran Capilla Sixtina. 

Entre el arte y el vandalismo, los grafiteros realizan su actividad de noche, en la clandestinidad, desligándose, por lo menos formalmente, de su autoría. El grafiti encuentra su estética en la no estética, en el apuro, en su acción. Es único e irrepetible, diferente a lo que sucede con otros estilos, como es el afiche, que se puede imprimir y volver a colocar.

“El arte callejero puede ser disruptivo porque produce una interrupción fuerte y súbita en la atención de la gente. Es por eso que mi intención es sensibilizar con un discurso potente. Lo mío no es decorativo, en lo absoluto, Hay muchos que pintan vegetación, pintan flores y está bien, está perfecto. Yo tengo otro… Otro mensaje. Yo tengo otro mensaje”, declara Abad. 

El grafiti es el más rebelde de todos los géneros, el independiente. “El grafiti suele ser disruptivo y, al mismo tiempo molesto, para las personas que no comparten su ideología. Tiene una lectura simple. Intenta ir por un lado más ‘under’, con una expresión y una cultura distinta. Maneja otros tipos de códigos que son de su propio mundo y trata de desvincularse, o al menos, quitarse la etiqueta impuesta de ‘arte callejero’”, explica Nandon.

“Con los carteles pude escapar de lo que me imposibilitaba el grafiti: ir directo al mensaje, sin interrupción por la cuestión ética de si está bien o mal pintar una pared”, agrega. “Me atrae el muralismo, la parte más técnica, encontrar mi propio estilo, desarrollar un discurso potente, que sea como una cachetada. Pero no me olvido de lo más agresivo de mis orígenes, que es el grafiti”, dice Abad. 

El grafiti se ha usado incontables veces en la historia como forma protesta. Un momento memorable fue el Mayo Francés (1968) cuando los jóvenes reflejaron sus denuncias y su transformación en las paredes de Francia. “Prohibido prohibir”, un clásico. Por aquel momento, los afiches, grafitis y murales hicieron y fueron la historia. “Intento que quede una pieza de arte con fuerza a nivel técnico, estético y discursivo. Mi obra puede hablar por mí, mi discurso plasmado puede hablar por la comunidad, por un colectivo. Habla por todos”, afirma Causi. 

Legal o ilegal.

¿Es el arte callejero disruptivo por definición?, ¿es ilegal? “Todo depende del tipo de intervención que se haga. No podemos llamar arte callejero a cualquier cosa. De hecho, hoy el arte callejero está yendo más por el lado de la norma, que en su contra. Podemos encontrar murales que decoran nuestras calles cotidianamente y esas pinturas son hechas con la autorización del dueño de la propiedad y hasta son trabajos a pedido”, responde Fernando. 

“El arte callejero está cerca de la gente; muchas veces cuando se pinta un mural en un lugar abandonado, o sea sin tener permiso, puede tener aceptación social porque están aportando belleza estética a alguna parte del barrio”, indica. Los afiches, por ejemplo, suelen estar más institucionalizados: son pedidos, pagados, firmados, utilizados por empresas publicitarias o como comunicados gubernamentales.

Parte de la historia.

Como se puede notar, el arte callejero es un mundo aparte: cada género tiene sus reglas y cuestionamientos. Aunque, como toda expresión artística, todos los tipos de arte urbano son hijos de su contexto de surgimiento. El sociólogo y artista John Ruskin lo explicó: “El arte es expresión de la sociedad”.

Un ejemplo claro: el pintor y muralista Alfredo Segatori realizó “Panda pandemial”, el oso que toma mate en épocas de covid. El mural es gigante, pintado en un edificio de diez pisos en Villa del Parque. La obra une a la cultura oriental, con el panda, y la tradición argentina de compartir el mate, costumbre que tuvo que ser suspendida durante los días de pandemia.

“Mi intención es que mis obras levanten el día a día, generar un momento de alegría, un buen ‘feedback’ energético del transeúnte. Trato de que siempre tengan un toque de humor, de buena onda. Me interesa que se destaquen en el paisaje urbano, pero que también se integren”, señala Segatori.

Si el arte es una expresión de la historia, hay una característica que vale notar: la historia se mueve, cambia. “Tengo muy presente que el arte urbano es efímero por diferentes factores: la corrosión, el paso del tiempo, el sol, cuestiones ambientales, la corrosión, o incluso lo pueden tapar. En algún momento va a desaparecer y eso también es parte. Es algo que todos los muralistas tenemos presente”, afirma Causi. Él sabe que, tarde o temprano, su mural que retrata a un niño (¿o es un hombre?) al que le tapan la boca, desaparecerá.