Llena las calles de afiches, hace arte para reconocidas marcas pero guarda un secreto que lo inspira a crear: “Dibujar duele”

Fuente: La Nación ~ Su obra se puede ver en las calles de Buenos Aires; detrás de escena, la historia de un chico diferente que sintió el llamado del arte desde temprana edad.

En una época en la que internet estaba dando recién sus primeros pasos, todo lo interesante que sucedía en Buenos Aires, se sentía demasiado lejos para él. “Como en cualquier ciudad del interior argentino, a Córdoba capital todo llegaba un mes tarde”. Aunque no fue claramente una elección consciente, pasó la mayor parte de su infancia recluido en la casa de sus padres. Espaciosa, con muchos ambientes y paredes llenas de arte y bibliotecas, los libros y el jardín se volvieron los refugios donde calmar su ansiedad.

Dibujaba todo lo que podía y pasaba horas mirando las revistas de moda que su madre coleccionaba para intentar replicar las ilustraciones que allí veía y tanto lo atrapaban. “El primer recuerdo nítido que tengo sobre el impacto del dibujo en mi vida fue ver a mi madre dibujar una planta que necesitaba para una tarea de biología. Ver que alguien podía crear algo de la nada misma me impactó muchísimo y cuando empecé a leer historietas y cómics, uní ambos mundos en mi cabeza y descubrí que dos cosas que me encantaban podían coexistir”. Fue un camino de ida.

Andy K siempre se mostró interesado por el dibujo.
Andy K siempre se mostró interesado por el dibujo.

Libros y el jardín de la casa, los refugios de la infancia

A Andy K. siempre le costó relacionarse con los chicos de su edad en el colegio y fuera de ese ámbito. Tampoco era de los que se sentían atraídos por los cumpleaños o las fiestas. Es que, desde temprana edad había tenido que acostumbrarse a las alergias a repetición y demás problemas médicos que hicieron que incluso le fuera difícil sentirse cómodo participando de actividades al aire libre o deportes.

En cambio, leía todo el día. Eso le generaba una satisfacción enorme y le hacía sentir que pertenecía a un mundo de fantasía increíblemente privado. “En mi casa solo se veía una hora de televisión al día, por lo que el jardín se volvió el escenario para jugar y divertirme cuando no estaba leyendo”.

La adolescencia no estuvo libre de problemas. Entre querer dedicarle el mayor tiempo posible a hacer arte y aprender sobre ese maravilloso mundo, y la necesidad típica de desobedecer las reglas terminó por rebelarse contra las figuras de autoridad. La adolescencia también vino acompañada de más problemas médicos. Aunque era un asunto que había comenzado a mostrar sus efectos a partir de los catorce, no fue hasta los veinte años que tuvo un diagnóstico claro. No producir testosterona hizo que no le interesaran las mismas cosas que a los demás chicos de su edad. En ese contexto, su mundo interior se volvió cada vez más rico, privado y por momentos doloroso.

Durante el secundario asistió a diferentes colegios -algunos muy buenos- pero ninguno dejó en él una impronta muy marcada. “Quizás era porque pasaba la mayor parte del tiempo dibujando en clase. Dibujaba todo lo que podía y miraba mucho cine, anime y series. Si los libros fueron mi conexión con el mundo en la niñez, la televisión y el cine lo fueron en mi adolescencia”.

Arte en la calle
Arte en la calle

Un vínculo problemático que dejó su marca

Con bandas como Nirvana y My Chemical Romance, la música tomó un rol protagónico a sus 25 años, y le permitió conocer una subcultura de personas que apostaban por una vida corrida de lo que entonces se consideraba la norma. “Me dio una familia elegida y por primera vez me sentí contenido”.

Es que el vínculo con sus padres se había vuelto ciertamente problemático. “Creo que era difícil para ellos entender a un adolescente con mis particularidades, que quería hacer arte en vez de sociabilizar o preocuparse por tener un buen promedio en el colegio. Por lo general es una u otra situación, pero yo no era ninguna. Además, ahora entiendo que ellos tenían sus propios problemas, y esperaban que yo fuera más comprensivo o adulto, cuando yo en realidad lo que quería era atención”.

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Andy K. comenzó a evidenciar algunos síntomas de depresión, algo de lo que no se hablaba mucho en esa época, y que sus padres no estaban preparados para manejar. “Mi padre era un hombre con muy buenas intenciones, pero perteneciente a una generación que no expresaba sus sentimientos o angustias. Siempre existió un silencio entre ambos que se hacía más grande a medida que crecía”.

A los 25 también llegó el primer cimbronazo laboral. “Dibujo para mí desde que tengo memoria, y a partir de los 20 años me dediqué a dibujar encargos que me hacían por internet, dibujando desde retratos a ilustraciones para cuentos y novelas amateurs. Mi estilo evolucionaba continuamente, y en esa época me interesaba más la experiencia que el producto final. Cuando tenía 25 intenté vivir de la ilustración, pero fue prácticamente imposible: todos los directores de arte que visité me dijeron que mi estilo no funcionaba”. No se dio por vencido y siguió perfeccionándose por su cuenta en el estilo y la técnica mientras trabajaba en otros rubros.

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La aceptación, parte del crecimiento

Fue un golpe duro. Pero sacó provecho de la situación y entendió que parte del proceso estaba en aceptar que, si no conseguía oportunidades en los espacios artísticos tradicionales, iba a tener que crear esas oportunidades desde su lugar. Surgió entonces la idea de crear obras en formato afiche e incorporar el Street Art como una forma de salir a buscar al público en la calle en lugar de esperar que alguien eligiera su arte para una muestra.

La apuesta fue fructífera: gracias a la conversación virtual que se generó cada vez que alguien se sacaba una foto con las obras en la calle y las compartía en redes, Andy pudo desarrollar obras para marcas de indumentaria como Kostume y organizaciones como Greenpeace.

Y fue quizás esa mirada con la que rechazaron sus trabajos -y que lo conectó profundamente con lo que había experimentado durante su adolescencia- la fuente de inspiración para dar rienda suelta a su creatividad. “Gran parte de mi inspiración viene justamente del mundo adulto, pero desde una mirada de reproche y melancolía. Las dificultades de la adultez, la pérdida de la inocencia y los growing pains (dolores del crecimiento). Creo que parte de crear es otorgarle a un otro lo que a uno le hubiera gustado saber o poder expresar en su momento. Crecer es algo muy complicado, nadie te explica cómo va a ser o cuánto duele. Incluso si en apariencia tenés todo resuelto, la vida sigue siendo difícil y hay una cierta imposición social de no hablar abiertamente de eso. No se discute abiertamente sobre la tristeza, sobre las cosas en las que vas a pensar, incluso si ya pasó una década, tampoco te dicen que pocas personas disfrutan lo que hacen y muchas están llenas de arrepentimiento por las decisiones que tomaron”.

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Curitas, parches y un intento por sanar el pasado

Sin duda esa decepción por crecer y el choque entre el mundo joven y el mundo adulto es algo que aparece inconscientemente en su obra. Esto está reforzado por el sello que la cultura punk imprime en sus trazos desde siempre: el sarcasmo, el tono contestatario, la libertad de sentirse inadecuado, de no pertenecer y poder poner en duda lo que la sociedad espera de uno.

Pero también en su arte hay un intento de poner curitas y parches a lo doloroso de la vida que se aloja en el cuerpo y de alguna forma siempre está. “Esto en parte viene de tener que manejar la vida con dolor crónico. Las curitas, los parches y el fuego son un intento de mostrar ese dolor que se siente, pero no se ve. Pasé mucho tiempo en cama de hospital y esas cosas se quedan con vos. Parte de esa experiencia me sigue hasta el día de hoy. Siento que todos estamos heridos de algún modo, y la gravedad de la herida depende de como experimenta el mundo cada persona. Mi dolor de manos se intensifica cuando termino de dibujar, pero no es algo que pueda dejar de hacer. Dibujar termina doliendo, pero paradójicamente para mí crear siempre ha sido una manera de sobrellevar el dolor, ya sea espiritual, mental o físico”.

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Mauricio Pepey, el muralista de González Catán que se destaca por el realismo de sus obras

Fuente: El1Digital ~ El artista matancero comenzó a dibujar desde muy pequeño, a los cuatro años, y participó en diferentes proyectos. Tras la Copa Mundial de Fútbol, realizó un homenaje a Gonzalo Montiel.

Desde temprana edad, Mauricio Pepey demostró su talento e imaginación a través del dibujo. Más tarde, a partir de sus obras, sus profesores de la escuela destacaron su capacidad y lo incentivaron a estudiar en academias. Allí fortaleció sus aptitudes y amplió sus conocimientos a otras ramas del arte hasta que se convirtió en profesor de Dibujo, egresado del Instituto Lola Mora.

Cabe destacar que “Uasen 94”, como se hace llamar artísticamente, participó de la creación del mural más grande que existe sobre Diego Maradona y, tras la obtención de la tercera Copa Mundial de Fútbol de la FIFA Qatar 2022, realizó un retrato de Gonzalo Montiel, en Virrey del Pino.

En diálogo con El1 Digital, el artista contó: “Comencé a los cuatro años y nunca paré. Aprendí escultura, grabado, pintura e Historia del Arte. Después, conocí los murales, ya que vi los libros de mis amigos sobre Street art… ¡Las imágenes eran espectaculares! Entonces, arranqué un taller, ¡me volvía loco el arte callejero! Estudié stencil y graffiti”.

Pepey relató que, durante su adolescencia, vivió varios momentos oscuros, pero, con el paso de los años, pudo soltarse de circunstancias que no eran buenas para él ni para su creatividad. “Vandalizaba trenes y paredes en todo el barrio. A los 19 años, tuve una experiencia espiritual con Dios. Me despedí de una vida y arranqué otra”, recordó.

A pesar de haberse alejado del arte, muchos amigos le sugerían que volviera a pintar murales, y así fue: los escuchó y regresó. “Realicé un trabajo a gran escala, luego me encargaron otro y sucesivamente comenzaron los pedidos; en un principio, mensuales, y después, semanales”, remarcó.

Maradona por siempre

Pepey integró el equipo liderado por Martín Ron para hacer el mural más grande del mundo en homenaje al astro del fútbol: tiene 45 metros de altura por 40 de ancho y se ubica en el barrio porteño de Constitución. La ejecución de la obra abarcó alrededor de un mes y contó con la participación de siete artistas. “Mientras estábamos pintando, cuando venía alguien y veía al Diego, nos miraba con los ojos llenos de lágrimas”, rememoró.

El regalo a Montiel

Durante todo el Mundial, el futbolista matancero tuvo una actuación más que correcta y, en la final contra Francia, en la instancia de penales, convirtió el gol con el que la Selección consiguió la Copa del Mundo por tercera vez. “Uasen 94” le dedicó un mural realizado con aerosoles, pinturas al agua, rodillos y pinceles; se ubica en el barrio Esperanza, donde vive la abuela del jugador. “El retrato está inspirado en una foto que él cargó en sus redes sociales”, detalló.

Metas por cumplir

Me gustaría pintar murales en países como Estados Unidos, Brasil y México. Quiero mostrar mi arte en el exterior”. Mauricio Pepey. Muralista.

Realizaron un mural del campeón del mundo Cuti Romero en la ciudad de Córdoba

Fuente: Télam ~ El defensor campeón mundial Cristian «Cuti» Romero ya tiene en su ciudad natal, Córdoba, un mural de grandes dimensiones frente a la Plaza de las Américas, como homenaje por ser parte del seleccionado argentino que conquistó el título en la Copa del Mundo Qatar 2022.

La iniciativa se desarrolló en el marco del programa municipal “Arte de Nuestra Gente” y el mural fue realizado por el artista Rodo Graff, quien dibujó la figura del defensor en la totalidad de una pared de 13 metros de alto y siete metros de ancho.

En ese sector se habían realizado semanas atrás murales de los otros futbolistas de la provincia que participaron de la consagración: Paulo Dybala, Nahuel Molina y Julián Álvarez.

Es un orgullo total, estoy muy agradecida a la Municipalidad, al intendente y al artista,” expresó Rosa González, mamá del «Cuti» Romero al participar de la habilitación de la obra.

Víctor Romero, papá del futbolista del Tottenham de Inglaterra, contó: “La primera vez que lo vi, me emocioné; es increíble el trabajo que hizo el artista”.

“Fue una experiencia especial, inexplicable. Mientras lo pinté reviví muchos momentos del Mundial. La gente pasaba y me saludaba o tocaba bocina, fue muy fuerte”, contó el artista Rodo Graff.

Artistas mujeres plasmaron la identidad del barrio Abasto en cinco murales que conforman un circuito artístico y cultural

Fuente: Cronista ~ Las intervenciones forman parte de la primera etapa del proyecto de transformación urbana que contempla la creación de un corredor biocultural y la puesta en valor de la identidad de Abasto. La iniciativa cuenta con el apoyo de AkzoNobel y su marca de pinturas Alba en el marco de su programa mundial Vení al color.

El Ministerio de Cultura de la Ciudad, a través del área Abasto Barrio Cultural y con el apoyo de AkzoNobel y su marca líder de pinturas Alba a través de su programa Vení al color, inauguró a fines de diciembre la primera etapa de intervenciones en el Abasto: se trata de cinco murales realizados enteramente por mujeres que reflejan la identidad del barrio y forman parte de un circuito con eje en el arte y la cultura. 

Con el objetivo de fortalecer al Abasto como un polo de la cultura independiente, la iniciativa forma parte de un proyecto integral en el que intervienen el Ministerio de Espacio Público e Higiene Urbana, la Secretaría de Desarrollo Urbano, y las Comunas 3 y 5.

«El Abasto es un barrio reconocido por su vasta y rica oferta cultural. Por eso, continuamos trabajando para potenciar este polo del arte y la cultura a partir de un vínculo continuo con los referentes de la zona, a quienes les facilitamos herramientas para que puedan llevar adelante sus propuestas. También, avanzamos con proyectos para mejorar el espacio público y conectar la oferta cultural de Abasto, entendiendo a la cultura como motor de desarrollo y de integración», detalló el ministro de Cultura de la Ciudad, Enrique Avogadro, y destacó la importancia de que «artistas mujeres sean protagonistas de esta iniciativa y puedan plasmar en murales la identidad del barrio».

Por su parte, el director general de Pinturas Decorativas de AkzoNobel para Cono Sur, Fernando Domingues, destacó: «El color tiene un poder transformador en la vida de las personas. Desde AkzoNobel no solo creemos en ello, sino que además lo hemos comprobado a través de nuestro programa global Vení al Color en diversas ciudades del mundo. Hoy nos enorgullece acompañar esta iniciativa a través de nuestra marca de pinturas Alba, como una forma más de expresar nuestro propósito ‘Personas, Planeta, Pintura´ y de contribuir con la historia del Distrito de Cultura Independiente, nada más y nada menos que del Abasto, un barrio con un pasado, presente y futuro de color. Esta galería de arte a cielo abierto, creada especialmente por talentosas artistas mujeres representa un hito en nuestro legado de Vení al Color en Argentina».

El proyecto integral surgió a partir del trabajo colaborativo con distintas fuerzas vivas del barrio que facilitó un diagnóstico con las propuestas realizadas por vecinos, instituciones y espacios culturales del Abasto. El objetivo central es concentrar las actividades sobre un corredor biocultural que forman el pasaje Zelaya (desde Jean Jaures hasta Agüero) y la calle Agüero (desde Zelaya hasta Juan D. Perón) para asegurar la caminabilidad del área.

El corredor se caracterizará por la incorporación de obras de arte público (murales, arte lumínico y esculturas sobre esquinas identitarias del barrio) realizadas por artistas argentinas con trayectoria y jóvenes consolidadas en el arte contemporáneo. La elaboración de cada obra incluyó actividades y talleres participativos con diferentes actores de la zona, fortaleciendo la construcción colectiva de la identidad barrial, el tejido social y los vínculos entre diferentes sectores culturales. La iniciativa contempla también una poesía del artista Fernando Noy, personaje icónico de la identidad cultural del Abasto.

Murales

Las artistas que formaron parte de esta iniciativa fueron:

  • Silvia Dotta (socia fundadora de la Asociación de Fileteadores) y Mabel Vicentef (referente de arte mural femenino)

Llevaron adelante un mural en la pared del supermercado COTO en Guardia Vieja y Agüero. Realizaron talleres participativos con jóvenes del barrio que participan de los talleres de Puerta 18.

  • Isol Misenta

Trabajó en la fachada de la Escuela N° 6 Gral. Martín Rodríguez (Anchorena entre Valentín Gómez y Av. Corrientes). Para bocetar este mural, la artista desarrolló  talleres participativos con estudiantes de 4° grado de la Escuela N° 6 Gral. Martín Rodríguez.

  • María Luque

El mural está emplazado en la fachada del supermercado VITAL en la calle Sarmiento esquina Agüero. La artista realizó talleres participativos con adultos mayores en el espacio cultural Almabasto y entrevistas en los bares notables El Símbolo y Bar Roma del Abasto a personajes representativos del pasado cultural del Abasto.

  • Caro Diatomea y Cuore

Ubicado en Cotax (Agüero entre Sarmiento y Valentín Gómez). Se realizó un taller participativo con los asociados a la Cooperativa de Autos con Taxímetro (Cotax) para diseñar el mural.

  • Delia Cancela

El mural se ubica sobre el muro del supermercado VITAL sobre la calle Agüero, entre Sarmiento y Juan D. Perón. Para diseñarlo, la artista se inspiró en conversaciones con el equipo de Patrimonio del GCBA. A partir de estos intercambios, se definió reeditar una obra clásica de su trayectoria artística. 

Tanto los murales de Delia Cancela, como el de Isol Misenta y el de Mariela Luque fueron realizados por las artistas Carolina Jáuregui y Suyay Brillaud.

Pasacalles lumínicos

El proyecto también contempla la instalación de pasacalles lumínicos a lo largo de tres cuadras del corredor Agüero (entre la Av. Corrientes y Juan D. Perón) realizados con tubos led flexibles tipo neón. Allí, quedará plasmada una poesía del artista Fernando Noy creada para este proyecto y dedicada al barrio Abasto.

Esculturas

La artista Silvina Babich trabajó tres esculturas que serán expuestas sobre espacios culturales localizados en esquinas identitarias del barrio. La primera obra, de importantes dimensiones y realizada con materiales naturales como el mimbre, ya está expuesta en el espacio El Zorzal (esquina Zelaya y Jean Jaures). La artista realizó también otras dos esculturas de las mismas características: una de ellas se emplazó sobre el bar notable Roma del Abasto (esquina Anchorena y San Luis) y la otra se emplazará en las próximas semanas en un espacio cultural del barrio.

Obras en el espacio público

En cuanto a las obras en el espacio público, el plan incluye la intervención integral de una superficie de más de 3.000 m2 sobre la calle Agüero, entre Zelaya y Perón. Se sumará nueva iluminación ornamental 100 por ciento LED, ensanchamiento de veredas y nuevas rampas, incorporación de áreas verdes, superficie absorbente y equipamiento urbano. Se contempla, también, la disposición de circuitos secundarios con iluminación peatonal y señalética, conectando los distintos espacios culturales independientes.

«Con esta intervención integral buscamos potenciar toda la zona e invitar a los vecinos, vecinas y turistas a recorrer el barrio rodeados de arte, nuevas áreas verdes, mejor iluminación y seguridad. Este corredor es una apuesta a disfrutar las calles, bares y lugares típicos del Abasto caminando en un espacio público más verde y sustentable», expresó la ministra de Espacio Público e Higiene Urbana, Clara Muzzio.

Entre los objetivos de estas intervenciones se encuentra aumentar el espacio verde del barrio e incorporar superficie absorbente, generar lugares de encuentro y disfrute accesibles junto a nuevos usos del espacio público, mejorar la accesibilidad y transitabilidad de la zona, y potenciar la identidad cultural del barrio. Esta iniciativa traerá como ventajas conectar el Pasaje Zelaya, el Abasto Shopping y el Parque de la Estación en un entorno más transitable, seguro y disfrutable.

La Scaloneta ya tiene un mural en CABA: así es la escalera en Microcentro que pintó Segatori

Fuente: Cronista ~ La intervención llamada «Exabrupto de Color Campeones del Mundo» la hizo el artista Alfredo Segatori sobre la rampa y escalinata de la calle Lavalle. Ya se puede visitar.

     El Microcentro porteño tiene ahora un mural dedicado a la Scaloneta. La intervención llamada «Exabrupto de Color Campeones del Mundo» la hizo el artista Alfredo Segatori y ya se puede visitar en una de las zonas más transitadas de la Ciudad.

    ¿Dónde está? El mural de 400 metros cuadrados se extiende sobre la rampa y escalinata de la calle Lavalle, entre las intersecciones de Av. Leandro N. Alem y 25 de Mayo.

    «Creemos firmemente en el poder transformador de la cultura y el arte, que siempre se reinventan para generar nuevos espacios de encuentro y nuevos modos de vivir la ciudad. En este caso, celebramos y plasmamos la alegría que nos generó el Mundial sobre Lavalle irrumpiendo con color en la escena cotidiana del microcentro«, explicó el ministro de Cultura de la Ciudad, Enrique Avogadro.

    El mural está en la escalinata de la calle Lavalle.

    Cómo es el mural dedicado a la Scaloneta

    El artista a cargo de la obra, Alfredo Segatori, contó cómo fue intervenir distintos espacios urbanos de la Ciudad con la serie Exabrupto de Color.

    «Estoy muy contento por haber sido convocado para este trabajo, es un gusto para mí intervenir espacios urbanos, como en Ciudad Onírica en el barrio de La Boca más de dos manzanas enteras, o en este caso calzada y escalera completa. Exabrupto de Color Campeones del Mundo es un homenaje a todos los argentinos y espero que lo disfruten», manifestó.

    En línea con los festejos por la victoria de la selección argentina en el Mundial de Qatar 2022, el artista propone con su obra una celebración de color disruptiva en el escenario urbano habitual del microcentro.

    Este trabajo se inscribe en «Exabrupto de Color», la serie en la cual Segatori retoma algunas premisas del expresionismo abstracto tales como la improvisación total, la mancha y el gesto como herramientas visuales primordiales. La abstracción de Segatori no es geométrica, sino lírica.

    Exabrupto de Color Campeones del Mundo

    Quién es Alfredo Segatori y cuáles son sus obras en la Ciudad

    Alfredo Segatori es un muralista urbano autodidacta. Desde 1989 trabaja en la pintura mural utilizando la técnica del aerosol a mano alzada freehand. Pionero del arte urbano, fue uno de los primeros en salir a pintar las paredes de la Ciudad de Buenos Aires, trasladando así el arte al espacio público.

    Lleva realizadas centenares de obras a lo largo de todo el país y en el exterior (Uruguay, Ciudad de México, Cancún, Baltimor y Nueva York, entre otros) y se especializa en laterales de edificios y grandes estructuras.

    Alfredo Segatori en Exabrupto de Color Campeones del Mundo

    Tiene obras icónicas en toda la Ciudad:

    • Por una Cabeza
    • El Regreso de Quinquela
    • La Jirafa Mirando Miranda
    • Panda Pandemial tomando mate en Villa del Parque
    • El San Diego del Barrio de La Boca 
    • El Dino en skate, en la zona de Parque Chacabuco

    Recientemente plasmó su arte en unos silos en la ciudad cordobesa de San Francisco, con la obra La vaca que se fue volando.

    Panda Pandemial tomando mate en Villa del Parque

    El artista trabaja a partir de distintos métodos: figuración con aerosol freehand; murales Trash 3D con distintos elementos del reciclaje junto con la cooperativa El Ceibo; performaces inmersivas y abstracto, como hizo con la serie «Exabrupto de Color», con la cual intervino la Limurock de Charly García, los dedos de Punta del Este y actualmente está «exabrupteando» gran parte del barrio de La Boca con el proyecto «Ciudad Onírica». 

    Avanzan los dos murales de los cuatro cordobeses campeones del mundo

    Fuente: LM Diario ~ Julián Álvarez, Paulo Dybala, Nahuel Molina y “Cuti” Romero son pintados por artistas locales en el marco del programa Arte de Nuestra Gente. 

    Los cordobeses que integraron el equipo campeón de la Copa del Mundo Qatar 2022 son protagonistas de dos nuevos murales que artistas locales llevan adelante en el marco del programa municipal Arte de Nuestra Gente. 

    La iniciativa se integra, además, a la puesta en valor de la Plaza de las Américas y las cuatro plazoletas que la rodean, entre las que se encuentra la Plazoleta de los Murales. 

    Las figuras de Julián Álvarez, Paulo Dybala, Nahuel Molina y el Cuti Romero fueron plasmadas por Ariel Ocampo en las paredes ubicadas en la intersección de avenida Vélez Sarsfield y la rotonda de Plaza de las Américas.  

    Este mural tiene 25 metros de ancho por 3,5 de alto.  

    En el mismo sector, el artista Rodo Graff pinta un mural en altura dedicado exclusivamente al Cristian “Cuti” Romero.  

    La pintura dedicada al ex defensor de Belgrano tendrá 13 metros de largo por 7 de ancho.

    Murales y museos al aire libre: nuevos desafíos que proyectan otro modo de habitar el arte

    Fuente: Télam ~ Murales, paseos de esculturas o propuestas de museos a cielo abierto que descentralizan miradas y estimulan panorámicas artísticas en espacios urbanos, escapando de las lógicas museística tradicionales, han dado lugar a iniciativas recientes como la futura sede del Malba en Escobar o el Museo Campo en Cañuelas, sumado a otras opciones como Resistencia (Chaco), la ciudad de las esculturas, o el color con sello femenino en las paredes del porteño barrio del Abasto, en Buenos Aires.

    La impronta de expandir los espacios expositivos habituales que confluyen de algún modo con el arte urbano de muralistas de la talla de Alfredo Segatori y Martín Ron, entre otros artistas visuales, se afianza como opción para apreciar un «arte» enclavado en entornos «naturales» -como los proyectos de Cañuelas y Escobar- y paisajes que se escapan y tensionan en diálogo con la centralidad de Buenos Aires, una ciudad que fluye con el cemento y la gentrificación.

    Dos nuevos museos que descentralizan la oferta porteña

    Con avances de obra mostrados desde el año pasado hasta poder concretar una inauguración demorada -por lo menos habrá que esperar otro año-, el Museocampo Cañuelas, proyecto de la Fundación Tres Pinos creador del Museo Marco La Boca, propone aunar «arte, naturaleza, cultura y esparcimiento» en el predio de 35 hectáreas de la estancia Las Camelias, de la localidad bonaerense de Cañuelas, reconvertido en gran espacio cultural.

    El 17 de diciembre se presentaron algunas de las obras del museo a cielo abierto, a modo de inauguración y cierre de año, con las nuevas esculturas como las de Luis Felipe «Yuyo» Noé, Carola Zech, Andrés Paredes, Jano Sicura, y un homenaje a Juan Sttopani con presencia de Jean Yves Legavre, que se suman a las ya instaladas en el parque, mayormente producidas por la Fundación que propone un recorrido escultórico de 2 kilómetros a cielo abierto.

    Entre las esculturas instaladas están la de Alexis Minckiewicz, Franco Fasoli, Gabriel Chaile, José Luis Landet, Daniel Papaleo, Héctor Tassino y Doma, y programan instala una de Adriana Bustos además de «Compleja esperanza», el tronco de árbol quemado por un rayo intervenido por Noé.

    Pero más allá del parque, el espacio también alberga su colección en un edificio de 1.600 metros cuadrados con obras de Eduardo Sívori, Eduardo Schiaffino, Ernesto de la Cárcova, Lino Enea Spilimbergo, Antonio Berni, junto a referentes del Grupo Espartaco, Pedro Figari, Carlos Páez Vilaró y Osvaldo Guayasamín, y tiene un espacio destinado para producción de obra.

    En esta misma línea, pero de otra envergadura es el proyecto «Malba Puertos», la ampliación y nueva sede del Museo de Arte Latinoamericano (Malba), fundado por el empresario y coleccionista Eduardo F. Costantini en 2001, que iniciará sus obras en breve y prevé ser inaugurado en marzo de 2024, en Escobar, provincia de Buenos Aires.

    Este nuevo espacio de exhibición versátil e inclusivo, como lo definen, tiene como objetivo acercar el arte a otras comunidades, y el lugar escogido fue Puertos, a 45 kilómetros de la Ciudad de Buenos Aires.

    Concebido por el estudio Herreros de España -diseñadores del recién inaugurado Museo Munch de Oslo-, el proyecto tendrá el apoyo local de Torrado Arquitectos y será financiado y gestionado por Consultatio, la empresa de desarrollos inmobiliarios y socia corporativa del museo. El proyecto de 5.500 metros cuadrados combina una sucesión de salas y espacios públicos, jardines y bosques y se integra al circuito de arte público de la ciudad, erigiéndose a partir de un gran techo transparente de dos mil metros cuadrados apoyado sobre tres pabellones que contienen sala de exposiciones, aula infantil y servicios de 500 metros cuadrados, una reserva técnica de obras de 470 metros cuadrados y un pabellón totalmente acristalado de 200 metros cuadrados que exhibirá las cinco esculturas del tucumano Gabriel Chaile, presentadas en la última Bienal de Venecia y adquiridas por Costantini.

    Y como particularidad de su distribución, los pabellones generan una gran plaza abierta techada, y el conjunto se integra al corredor natural llamado «Salas del bosque» con sus 2.500 metros cuadrados -el primer bosque de alisos del país- que funcionará como un museo vivo, en una propuesta general acorde a los museos del siglo XXI «en el que las disciplinas y formatos son cada vez más híbridos e interdisciplinarios», según explicaba Costantini durante la presentación.

    Entonces, con la intención de sacar «el arte de los centros de las ciudades y construir un centro de gravedad cultural y social» inserto en Puertos, -según definía Herreros-, la decisión se respalda por la experiencia que deja la pandemia de coronavirus ante la evidente «necesidad de reinventar las ciudades y descentralizar también la oferta cultural», como afirmaba el fundador del museo.

    En lo artístico, el programa será multidisciplinario y estará a cargo del comité curatorial del Museo con exposiciones temporarias y foco en el arte contemporáneo argentino, artistas federales y prácticas de sustentabilidad acompañadas por actividades educativas y culturales al aire libre con música, cine, literatura, danza, teatro y performances.

    Por otra parte, el nuevo espacio dialogará con las obras distribuidas en el espacio público del «Circuito de Arte Público» de la ciudad, entre cuyos artistas están Florencia Almirón, Diego Bianchi, Martín Blaszko, Fabián Burgos, Eugenia Calvo, Irina Kirchuk, Matías Duville, Hernán Marina, Jorge Macchi y Marcela Sinclair, entre otros.

    Una ciudad con más de 650 esculturas al aire libre

    La capital del Chaco viene construyendo y consolidando desde 1988 con su Bienal de Esculturas y desde 1998 con la bienal internacional, impulsadas por el escultor Fabriciano Gómez fallecido en 2020, un paisaje urbano poblado con más de 650 obras que le otorgan a Resistencia una característica única de «museo a cielo abierto».

    Obras de maestros escultores, extranjeros y nacionales, de distintos materiales, se instalan en veredas y paseos integrándose a la vida diaria, eco de una semana intensa vivida como «fiesta popular». No por nada, Resistencia es llamada la Ciudad de las Esculturas, un legado que la Fundación Urunday y el gobierno provincial continúan y que tuvo en 2022 gran presencia en julio y tiene su próxima edición confirmada. Y como ampliación de este proyecto, la plaza central de la ciudad de Juan José Castelli prolonga el gran evento provincial como continuidad de la Bienal, más allá del encuentro nacional que realiza entre bienales, y también instala en sus espacios públicos las obras creadas. Pero por sobre todo, más allá de la experiencia, ambos eventos generan una gran movilidad del turismo «cultural» que impacta en las industrias regionales asociadas.

    El Paseo de Esculturas del Bellas Artes

    Con otra experiencia institucional, el edificio del Museo Nacional de Bellas Artes se integrará con un Paseo de Esculturas conformado por un espacio al aire libre de dos mil metros cuadrados al que accederá desde el museo o la calle, ubicado entre el edificio principal y el Pabellón de exposiciones temporarias.

    Paseos de esculturas
    Paseos de esculturas

    El paseo contempla la ampliación arquitectónica -basada en el diseño original- que por primera vez conectará todos los pisos del edificio gracias a este hall de circulación que abrirá al público a principios de 2024. Y como anticipo, se presentó en noviembre el emplazamiento de la primera obra, «Marejada» (1970), de la artista argentina Noemí Gerstein, producto de la primera edición del Programa Bellas Artes Nuevas Adquisiciones de la Asociación Amigos del Museo. La obra estará en diálogo con otras de María Juana Heras Velasco, Émile Antoine Bourdelle, Enio Iommi, Julio Le Parc y otros, que circundan el edificio; y por otro lado, se suma a la lista de las seleccionadas del acervo a ser instaladas como Rugby» y «La danza de Pablo Curatella Manes, Jinete a caballo de Marino Marini, Torso de Antonio Sibellino, El deseo de Libero Badii y Torso de Rogelio Yrurtia.

    Además, en un espacio vidriado, a cielo abierto, donde estaba el estacionamiento, estarán las esculturas «La primavera» y «L’Homme Parlant» de Léon-Ernest Drivier, «El segador» y «El sembrador» de Constantin Meunier, «Heracles» y «Centauro» de Émile Antoine Bourdelle.

    Paseos de esculturas
    Paseos de esculturas

    Murales para la transformación urbana del Abasto

    El espacio urbano, propicio para grafitis y leyendas, viene adoptando la costumbre de darle vida a las paredes, «embelleciéndolas» con murales que cuentan historias como los de Alfredo Segatori y Martín Ron en medianeras varias, entre otros artistas visuales, o bien se institucionalizan como los recientes «Murales del Abasto» dispuestos sobre paredes de supermercados y una escuela que llevan el sello de Delia Cancela, Isol Misenta y María Luque -diseñadoras de tres murales pintados por Carolina Jáuregui y Suyay Brillaud-, mientras que otros dos tiene la creatividad de las duplas Silvia Dotta y Mabel Vicentef, y Caro Diatomea y Cuore.

    Murales en el Abasto
    Murales en el Abasto.

    Esta suerte de «nueva galería de arte a cielo abierto» se ubica en el corredor de la calle Agüero -vía de traslado de la mercadería desde la Plaza de la Estación hasta el Mercado de Frutas y Verduras, convertido en Shopping-, y es la primera etapa del proyecto de transformación urbana para la puesta en valor de la identidad de Abasto, cuyo objetivo central es «concentrar las actividades sobre un corredor biocultural que forman el pasaje Zelaya y la calle Agüero para asegurar la caminabilidad del área», dicen desde el ministerio de Cultura porteño que impulsa esta iniciativa que incluye pasacalles lumínicos con un poema de Fernando Noy y tres esculturas de Silvina Babich destinadas a espacios icónicos como el El Zorzal y el bar Roma del Abasto.

    Un nuevo mural en Palermo inmortaliza a Lionel Messi en su momento más glorioso: levantando la Copa del Mundo

    Fuente: Clarín ~ La obra, en Gorriti y Darwin, es «un regalo para la gente», dijo Maximiliano Bagnasco, autor también de una gigantesca pintura que retrata a Diego Maradona.

    La imagen de Lionel Messi en el momento en que levanta la Copa del Mundo de Qatar 2022 junto a sus compañeros de la albiceleste se convirtió en mural en una esquina de Palermo, por obra del artista callejero Maximiliano Bagnasco.

    «Esta es mi manera de agradecer. Es un regalo para la gente. Siempre el fútbol para los argentinos es una alegría y hace que pasemos mejor situaciones difíciles», dijo a la agencia de noticias AFP el muralista de 39 años.

    Bagnasco se hizo popular cuando pintó al otro gran ídolo de los futboleros argentinos, Diego Maradona, en uno de los murales más altos del mundo, de 40 metros de altura en un edificio de Canning, en el conurbano bonaerense.

    «Vemos a la Argentina unida con millones de personas en la calle. Somos campeones del mundo», recordó el artista la gesta del triunfo sobre Francia en la final (4-2 en penales, 3-3 en 120 minutos).

    La nueva producción de Bagnasco, en la esquina de Gorriti y Darwin, reproduce a Messi a todo color en el instante de la premiación, rodeado por Paulo Dybala, Rodrigo De Paul y Emiliano ‘Dibu’ Martínez.

    El capitán albiceleste luce el bisht negro con detalles dorados que le colocaron en la premiación, símbolo de la cultura árabe reservado a las autoridades de la realeza y a personalidades destacadas.

    «Esta imagen con la túnica fue algo diferente a todos los mundiales», afirmó Bagnasco.

    El mural mide seis metros de alto por cinco metros de ancho y el artista usó 60 aerosoles.

    «Hay detalles técnicos en la realización, pero lo que importa es que es algo emocional», señaló.

    A fines de octubre, a menos de un mes del comienzo de Qatar 2022, el artista contó que interrumpió su viaje por Rusia para hacer el gigantesco mural de Diego, el más grande que ha realizado. Esta vez, por pedido de un amigo cercano a la familia Maradona, quien le propuso hacer esta majestuosa obra desde las alturas de un moderno edificio. Su figura es tan inmensa que puede apreciarse cuando salen los aviones desde el Aeropuerto Internacional de Ezeiza.

    “Corté mi viaje, me habían pedido de Rusia que volviera a pintar pero tuve que cortar para venir acá y hacer este mural. Quería pintar un mural grande en mi país. Era lo que me faltaba hacer de Diego”, asegura el artista que más veces lo ha retratado.El mural de Maradona en Canning. Foto AP El mural de Maradona en Canning. Foto AP

    Bagnasco ya es todo un “especialista” en retratar a la figura icónica, deportiva y cultural más representativa de la historia de los argentinos ya que desde muy joven viene trabajando las “mil y una caras” de Diego. Pero su faceta artística tomó un impulso considerable cuando retrató al astro argentino el 26 de noviembre de 2020, el día después de su muerte.

    “Un día después que te fuiste te hice este cuadro”, había posteado desde su cuenta @maxibagnasco. Aquel retrato se viralizó.

    Así surgió la propuesta de ilustrar su imagen en el santuario de Maradona, debajo de las tribunas del estadio de Argentinos Juniors, en La Paternal, para inmortalizar su figura. Luego, “llovieron” pedidos para instalar murales de Diego de todo tipo: en piletas, fábricas, oficinas, en el patio de una casa, en parques, en departamentos, también en edificios, en lugares recónditos e impensados.

    De hecho, en un reciente viaje a Italia, Bagnasco creó un mural de Maradona en un edificio en el barrio napolitano de Pompei. Su obra generó tanto revuelo al punto que el alcalde Carmine Lo Sapio ordenó bautizar el nombre de la calle donde se realizó la obra por el de “Via Diego Armando Maradona” en honor al astro argentino, considerado “Dios” de Nápoles junto a San Jenaro, patrono de la ciudad.

    “Pinté el avión Tango D10S, el Santuario de Maradona en Argentinos Juniors, también pinté 18 cuadros y los subasté en el Patio de Los Lecheros, pero siempre decía que hacía falta esto: un gran mural de Diego. Después no sé qué más me quedará para hacer de Diego”, bromea el artista, y agrega: “Siempre hay algo pero me gusta que la gente me sorprenda con sus ideas”.

    Con información de AFP

    DB

    El artista que hizo un mural de Messi en Palermo: «Supe que tenía que pintarlo levantando la Copa del Mundo»

    Fuente: Copyright Clarín by Mara Resio ~ Es Maximiliano Bagnasco, que se hizo famoso por sus pinturas de Maradona. Su nueva obra está en la esquina de Darwin y Gorriti.

    Cuando la Selección argentina de fútbol ganó el Mundial de Qatar, a más de 13.000 kilómetros, en Buenos Aires el artista Maximiliano Bagnasco (41) no salió a la calle a festejar porque quería ver las imágenes de los jugadores para elegir la que iba a pintar.

    «Supe que tenía que pintar a Messi, con el bisht, levantando por primera vez la Copa del Mundo apenas lo vi, porque se diferenciaba de los otros mundiales. Es indiscutible que Messi ganó el Mundial de Qatar 2022″, cuenta Bagnasco en diálogo con Clarín.

    El artista porteño, nacido en Saavedra, reconoce que recibió todo tipo de comentarios. «Hay gente a la que no le gustó porque no se ve la remera blanca y celeste», sostiene. Es que el bisht, una capa semitransparente fabricada con algodón de Japón e hilo de oro alemán, fue protagonista también de ese momento.

    En territorio asiático, esta prenda se utiliza para rendir homenaje y demostrar aprecio a una persona de alto estatus. Su valor ronda los 2.000 dólares y hasta el abogado y miembro del parlamento de Omán, Ahmed Al Barwani, ofreció un millón de dólares por la capa.

    Esa imagen de Messi con el bisht fue tan importante para Qatar que después de que Maxi empezó el mural el martes 20 de diciembre, no paró de recibir mensajes desde ese país. Además, lo entrevistaron de medios de allá y un jeque lo sorprendió poniéndole una capa que le trajo de regalo junto a un turbante.

    «Me gustaría hacerle más cositas al mural, pero no se cuándo voy a poder. Por ahora queda así. Lo podría haber terminado el jueves pero se retrasó, porque fue mucha prensa de todo el mundo», dice. Este viernes logró agregar unos detalles.

    Ya lo felicitaron miembros de la AFA y por ahora no habló con los jugadores. Confiesa que todavía se sorprende por el gran reconocimiento que le dan personas que «veía en la tele, miembros de bandas importantes y famosos». 

    La locación que eligió Maxi para el mural fue la esquina de Darwin y Gorriti, en Palermo Hollywood. El dueño de un corralón de materiales se la ofreció y ya aparece como «esquina Messi» en Google Maps. En ese mismo lugar, en marzo pasado, había pintado a una mujer ucraniana herida durante el conflicto bélico con Rusia junto a la frase «No a la guerra».

    Maxi Bagnasco cuando hizo una pintura contra la guerra en Ucrania. Foto Juan Manuel Foglia

    Un mural soñado desde antes de ganar el Mundial

    «Este año me preguntaban sobre el Mundial y un posible mural. Por lo que habia pasado en la Copa América, todos los argentinos sabíamos que íbamos a ganar, por eso me volví de Miami para ver la final acá y poder pintar», explica.

    Maxi comunica a través de sus murales. Los que hace porque quiere, los financia él, que paga desde los materiales hasta el equipo que lo ayuda. Su fama mundial explotó desde el primer mural que hizo de Diego Maradona. Lo empezó el día que falleció, el 25 de noviembre de 2020. Desde entonces, puede elegir qué trabajos hacer.

    Maxi Bagnasco frente a uno de los murales que pintó de Diego Maradona, en el Patio de los Lecheros. Foto Germán García Adrasti

    «No me paran de llegar mensajes, tengo tantos desde que hice el mural de Messi que todavía no puedo contestar. Debo ordenar la agenda y solo tomar lo que me interesa y me suma como artista», reconoce. Cree que los próximos trabajos serán abocados más a la Scaloneta y al capitán argentino.

    Futuros clientes ya le mostraron imágenes de Messi y Maradona con la Copa para que las pinte. «Diego siempre está presente para los argentinos, pero yo no quería pintar al 10 con Maradona para evitar las comparaciones. Son los mejores jugadores del mundo, pero diferentes», sostiene. 

    Lo contratan para pintar murales y cuadros, y eso lo llevó a trabajar en Rusia, Kosovo, Estados Unidos e Italia. En la ciudad italiana de Pompeya hizo un mural de 12 metros de alto por 5 de ancho de Maradona joven, rezando y con la remera de la Selección. Maxi Bagnasco frente al enorme mural de Maradona que hizo en Canning. Foto Luis Robayo / AFP Maxi Bagnasco frente al enorme mural de Maradona que hizo en Canning. Foto Luis Robayo / AFP

    «Vivo solo cerca de mi taller, que está en Villa Crespo. No tengo animales ni plantas. Preparé mi mundo para pintar y viajar. Tengo mi vida adaptada a mi arte», dice el muralista que empezó a dibujar a los 9 años.

    Cuando sus padres se dieron cuenta de su interés por el dibujo lo llevaron a un taller de pintura de su barrio, Saavedra, al que él califica como un lugar lleno de arte. «A los 9 reproducía pinturas de Van Gogh y llegué a ganar un concurso. Después se publicaron mis dibujos en el diario de la zona. Fui a escuelas de dibujo conocidas, como la de Garaycochea, y sumado a eso, mis papás siempre me incentivaron«, explica sobre su largo recorrido profesional. 
    El mural de Lionel Messi en Palermo El mural de Lionel Messi en Palermo

    No sabe si soñó alguna vez con el éxito que tiene. Lo único que siempre tuvo en claro es que quería dibujar y se exigió para aprender más. Maxi dice que al principio dibujaba caricaturas y no pensó que iba a hacer murales. Se fue dando mientras hacía lo que le gustaba: «Siempre fui cambiando en el ámbito del arte», asegura.

    Y reconoce: «Cada vez que hice algo me iba muy bien, como cuando daba clases presenciales y venían a estudiar personas del extranjero. O cuando armé el curso de Domestika (un portal de cursos ofrecidos por creativos) que se tradujo a seis idiomas. Ahora los murales superaron mis expectativas«.

    La pasión, la constancia y luchar por su sueño lo impulsaron a este artista argentino a lograr sus metas. Y al igual que Messi, empezó desde muy chico a trazar quién quería ser y qué quería hacer. 

    NS

    Inauguraron un imponente mural dentro del complejo penitenciario Boulogne Sur Mer

    Fuente: Mendoza.gov ~ Por iniciativa de la diputada provincial Giuliana Díaz, muralistas, personal penitenciario y personas privadas de libertad trabajaron juntos en el embellecimiento del patio de ingresos al penal.

    Con la idea principal de acercar el arte a complejos y unidades penales y realizar un reacondicionamiento en distintos sectores del establecimiento, internos, personal penitenciario y un grupo de actores del medio libre trabajaron durante dos meses en la pintura de un mural y en el mejoramiento general del ingreso del reconocido complejo Boulogne Sur Mer.

    Esta refacción contó con el trabajo de personas privadas de libertad y efectivos del área de Obras e Infraestructura. No solo repararon la mampostería completa y las filtraciones de las arcadas, sino también restauraron la imagen de la Virgen que se encuentra en el centro de la fachada.

    En este sentido, y como parte de las acciones para mejorar espacios en escuelas, clubes, barrios, instituciones culturales, la diputada provincial Giuliana Díaz, junto a su equipo de trabajo y un grupo de muralistas de Komplot Family, acercaron la obra de aproximadamente 40 metros que tiene como tema base la diversidad.

    “El proyecto surgió bajo el título “InvolucrArte”, el cual fusiona dos conceptos relacionados con el arte y la idea de involucrarnos, poner el foco en lo humano y lo social. Creemos además que parte de esta inclusión es la de trabajar también con personas que hoy se encuentran privadas de su libertad”, expresó la diputada.

    El diseño del mural estuvo basado en la diversidad e inclusión cultural. Contiene cuatro rostros de personas de distintas culturas: una mujer afroamericana, un hombre oriental, una joven con aspecto europeo y urbano y un hombre nativo americano. “Tenemos una felicidad enorme porque estamos cumpliendo objetivos que nos planteamos a principio de año, dejando de lado los prejuicios, y trabajando todos con un mismo fin, que es el de mejorar la fachada del penal”, afirmó Díaz.

    Por su parte, el muralista Emiliano Úbeda comentó: “Esta experiencia es totalmente nueva para nosotros, el poder estar en contacto con las personas privadas de libertad y brindarles conocimientos a través del arte como también recibirlos, es sumamente enriquecedor. El personal del Servicio Penitenciario nos dio una amplia libertad de diseño y de expresión, por lo cual estamos sumamente agradecidos”.

    Mejoramiento del complejo

    “Los trabajos estuvieron centrados principalmente en las arcadas, los jardines y la capilla, pero estamos trabajando desde distintas áreas para la puesta en valor de la totalidad del complejo. Esto incluye el apoyo desde la Dirección General del Servicio Penitenciario y el trabajo conjunto de personas privadas de libertad y del propio personal de la institución. Esto es sumamente importante, a nivel cultural e histórico para la provincia también”, afirmó el director del complejo penitenciario de Boulogne Sur Mer, Federico Flores.

    “Creemos que para trabajar en la resociabilización de quienes hoy se encuentran en contextos de encierro, la sociedad debe colaborar con este tipo de actividades. Los más de cien internos que participaron estuvieron felices en ser parte de esta nueva imagen de la cárcel. Esperamos que este sea el principio de numerosas actividades”, expresaron desde el Servicio Penitenciario.