Muestras de arte: agenda fin de semana del 12 al 14 de julio

Fuente: ClarínGyula Kosice, Intergaláctico

En el año del centenario del nacimiento del visionario artista argentino se presenta una exposición monográfica dedicada a su obra con el propósito de destacar su rol pionero en el arte de posguerra. Curada por Mari Carmen Ramírez y María Amalia García, la muestra reúne más de 80 obras producidas entre 1950 y 1980, en donde se destaca el perfil experimental de su obra. Dentro de la muestra estará exhibida La ciudad hidroespacial, obra abierta que condensa años de búsquedas materiales y teóricas. Viernes, sábado y domingo, de 12 a 20, en el Malba, Av. Figueroa Alcorta 3415. Entradas $5000.

Secret Garden: Orígenes

Un proyecto artístico y sensorial que invita a explorar el concepto de origen mientras se recorre el Rosedal de Palermo. Instalaciones lumínicas e interactivas proponen una experiencia inmersiva en la que tecnología, naturaleza y arte convergen para crear un recorrido en el que cada instalación representa una faceta diferente del origen, tanto de la vida, como de la naturaleza y de las emociones. Viernes, sábado y domingo, a las 18.30, 19. 19.30 y 20, en Av. Presidente Pedro Montt e Iraola. Entradas desde $1980.

Sabat, maestro del retrato

Hermenegildo Sabat nos sorprende con su extensa galería de retratos célebres y esenciales. La muestra está planteada por núcleos temáticos representados por músicos, artistas, deportistas, escritores, filósofos y personajes históricos. Más de doscientas obras originales del género retrato, que incluye piezas inéditas, en diversos materiales secos y húmedos sobre lienzo o papel. Óleo, acrílico, tinta, pastel, gouache, acuarela y grafito plasmados en dibujos y pinturas con pluma o pincel, esgrafiado, repujado y collage. Curaduría: Hugo Pontoriero y Cristina Santa Cruz. Viernes, sábado y domingo, de 13 a 19, en el Museo de Arte Decorativo, Av. Del Libertador 1902. Con entrada gratuita.

Mondongo Manifestación

La exposición del dúo Mondongo, propone un homenaje al gran artista rosarino Antonio Berni, a noventa años de una de sus creaciones emblemáticas y pieza central del arte argentino del siglo XX. La obra de Berni abogó por un arte comprometido con las cuestiones sociales de su tiempo y centrado en la idea de que ante una tremenda realidad que “rompe los ojos”, los artistas están obligados a vivir con los ojos abiertos. Mondongo retoma esta perspectiva para recuperar discusiones críticas en torno de la ciudad como emblema de modernidad y progreso. Viernes, sábado y domingo, de 12 a 20, en el Malba, Av. Figueroa Alcorta 3415. Entradas $5000.

Latinoargentina

Una muestra que fusiona arte contemporáneo mediante la elección de pinturas, fotografías, dibujos instalaciones y videos realizados por 25 artistas latinoamericanos radicados en la Argentina. La exhibición invita a descubrir universos creativos como también la conexión y fraternidad del universo artístico que se da en el país. Con la curaduría de Rodrigo Alonso, la muestra no responde a una temática definida sino una mirada sobre la diversidad. Viernes, sábado y domingo, de 11 a 19, en la Fundación Proa, Pedro de Mendoza 1929.

Prilidiano Pueyrredón

Una muestra del pintor en los orígenes del arte argentino, que reúne 40 obras para celebrar el bicentenario de su nacimiento. La exposición, con curaduría de Florencia Galesio, Patricia Corsani y Paola Melgarejo, presenta una selección de óleos y acuarelas, en su mayoría pertenecientes a la colección del Museo de Bellas Artes, que reflejan las distintas etapas de su trayectoria, desde sus estadías en el extranjero hasta sus vivencias en Buenos Aires y el impacto de estas experiencias en su producción. Viernes, de 11 a 20 y sábado y domingo, de 10 a 20, en el Museo de Bellas Artes, Av. Del Libertador 1473. Entrada gratuita.

Artífices del metal: Gerstein, Heras Velasco y Simón

Una muestra de tres esculturas de grandes dimensiones pertenecientes a tres escultoras argentinas, Noemí Gerstein, con Marejada (1970), Juana Heras Velasco, con Transposeña (1971) y María Simón, con Caja (1967). Obras que aúnan la inventiva de la abstracción formal con el trabajo físico necesario para vencer la resistencia de materiales como el acero inoxidable y el aluminio. Viernes, de 11 a 20 y sábado y domingo, de 10 a 20, en la Sala 33, del Museo de Bellas Artes, Av. Del Libertador 1473. Entrada gratuita.

Carlos Bissolino, Antología Flotante

Una exposición integrada por 80 obras del artista visual, figura de la escena artística durante la década del ’80, en Italia y desde su regreso al país dirige una de las cátedras más influyentes de la Universidad Nacional de las Artes. La muestra está compuesta por óleos, acrílicos, técnica mixta sobre tela y tinta sobre papel. La curaduría estuvo a cargo de Agustín Fernández, Sol Ganim, Rodolfo Marqués, Ramiro Oller, Juan Reos y Gonzalo Silva. Viernes, de 12 a 20 y sábado y domingo, de 11.15 a 22, en las Salas 7, 8 y 9 del Centro Cultural Recoleta, Junín 1930. Entrada gratuita.

Arte argentino moderno y contemporáneo

Una colección de 75 obras de arte moderno y contemporáneo de artistas argentinos. La muestra Experiencias contemporáneas de arte argentino explora el patrimonio del Palais de Glace y lo condensa en una exposición coral en la que intervienen cerámicas, esculturas, textiles, pinturas, grabados, fotografías y videos. Viernes, sábado y domingo, de 14 a 20, en el Centro Cultural Borges, Viamonte 425. Entrada gratuita.

Marta Minujín

La Explanada, de la calle Sarmiento del Palacio Libertad (ex-CCK), se vuelve escenario de La escultura de los sueños, una monumental obra inflable, que estuvo presente en los paisajes multisensoriales de Times Square, en Nueva York.Anti-escultura de la emblemática artista plástica. Viernes, sábado y domingo, de 14 a 20, en La Explanada del CCK, Sarmiento 151.

Malba anuncia la apertura de su nueva sede en Escobar

Fuente: MALBA – Con el objetivo de acercar el arte a otras comunidades, Malba abre su nueva sede en Puertos, desarrollo urbano de Consultatio en la localidad de Escobar, a 45 km de la Ciudad de Buenos Aires. El proyecto surge gracias a un acuerdo institucional con Consultatio, socio corporativo del Malba, que está a cargo de la gestión y financiamiento total de la obra con una inversión de 10 millones de dólares.

Este nuevo espacio, de entrada libre y gratuita, se propone crear un centro de gravedad en la vida artística y cultural de Zona Norte, provincia de Buenos Aires, en contacto con la naturaleza y con el expertise del Malba. El nuevo centro de arte se proyecta como un espacio accesible, comunitario, educativo, interdisciplinario y contemporáneo. Malba Puertos desplegará su acción en un paisaje que integra arquitectura de calidad, un cuidado trabajo de paisajismo y se inserta como el nodo de una trama urbana generada por un circuito de arte público con obras de artistas contemporáneos distribuidas por toda la ciudad.

En palabras de Eduardo F. Costantini: “Malba Puertos nace del deseo de ampliar el impacto cultural y social del Museo en nuevas audiencias. También de la necesidad de albergar nuevas formas de expresión y exhibición, acordes al museo del Siglo XXI en el que las disciplinas y formatos son cada vez más híbridos e interdisciplinarios y el visitante, un participante activo. El proyecto con salas de exhibición y una reserva técnica a la vista de los visitantes hace sinergia con la oferta cultural de Puertos, que da cuenta de su identidad a través del arte en su espacio público”, afirma el fundador del Museo.

Diseñado por el estudioHerreros (España) -con el apoyo local de Torrado Arquitectos, Bulla en el paisajismo y FloraEstudio con quien compartió el diseño del mobiliario- el nuevo proyecto que se está construyendo hace casi dos años, tiene 5.500 m2 y combina una sucesión de salas, espacios públicos, jardines y bosques.

Su arquitectura transparente, sin límites ni jerarquía, sin un manual prefijado de uso ni circulación invitará a los visitantes a tener una experiencia en el que se encuentren la naturaleza, el arte y el aprendizaje. El proyecto permitirá un programa de actividades con un sinfín de formatos gracias a la flexibilidad de su esquema espacial y constructivo.

Junto con el anuncio de la apertura de Malba Puertos, se da a conocer el nombramiento de Eleonora Jaureguiberry, ex Secretaria de Cultura y Ciudad de San Isidro, como Coordinadora General de Malba Puertos. Como parte de su rol, fomentará el lazo social dentro de Puertos y su entorno en Zona Norte de Provincia de Buenos Aires, promoviendo el acercamiento con los vecinos de la ciudad y creando alianzas con organizaciones de la sociedad civil y centros educativos. En relación con la propuesta artística, Malba Puertos contempla un programa multidisciplinario que estará al cuidado del comité curatorial del Museo, en diálogo con la coordinadora de su sede. Se llevarán adelante diferentes exposiciones temporarias –con foco en arte contemporáneo argentino–, además de actividades educativas y culturales al aire libre: música, cine, literatura, danza, teatro y performances, para todas las edades.

El proyecto

Malba Puertos se erige a partir de un gran techo de cúpulas translúcidas de 1.200 m2, apoyado sobre tres pabellones que contienen: una sala de exposiciones con recepción, biblioteca, tienda de diseño y servicios (500 m2), una reserva técnica que funciona como depósito de obras de arte a la vista del público, una sala pedagógica para actividades y un café (500 m2) y un pabellón totalmente acristalado de 200 m2 que exhibirá en forma permanente las cinco esculturas de Gabriel Chaile (Tucumán, 1985), presentadas en la 59° Bienal de Venecia en 2023.

En su distribución, los pabellones generan una gran plaza abierta y techada que tiene la vocación de ser lugar expositivo, estancial y programable en el corazón de la ciudad. Este conjunto se integra a un corredor natural “Salas del bosque” (3.200 m2), primer bosque de alisos del país que contiene tres plataformas de exhibición al aire libre. Los pabellones se construyeron en acero, vidrio y paneles de hormigón buscando la máxima ligereza compatible con la protección de las obras. Su imagen, escueta y repetitiva, huye de alardes formales o gestos grandilocuentes para ofrecer una simplicidad que invite a su uso.

En palabras del arquitecto Juan Herreros: “El gran techo transparente y la construcción que parece no tener límites físicos expresa el deseo de Malba Puertos de constituirse en un lugar de encuentro alejado de la exclusividad de los museos tradicionales. El espacio público generado es también un lugar de arte, un regalo del Malba a la ciudadanía”, comenta.

Malba Puertos será uno de los primeros museos del mundo –después de las iniciativas del Museo Boymans Van Beuningen, de Holanda, y del Louvre, el Centre Pompidou y la Colección FRAC, en Francia– en abrir al público su reserva técnica. Al respecto, comenta el arquitecto Herreros: “Un espacio que normalmente es invisible e inaccesible al público en cualquier museo convencional, se convierte en este proyecto en el motor de una institución que es todo lo contrario: transparente y abierta”.

El nuevo centro de arte también define su escala en diálogo con las obras que ya conforman el Circuito de Arte de Puertos y una implantación que se adapta en continuidad natural al suelo diseñado espacialmente por el artista Fabián Burgos.

Estudio y colaboradores

El proyecto es autoría del despacho de arquitectura español estudioHerreros que han trabajado en el diseño del Museo Munch de Oslo inaugurado en 2021, el Espacio SOLO de arte contemporáneo de Madrid y galerías de arte como la CarrerasMúgica en Bilbao.

También han intervenido en la actualización de importantes museos como el Reina Sofía de Madrid y Malba de Buenos Aires donde realizaron la transformación de sus espacios públicos en 2017 con el apoyo de Torrado Arquitectos como estudio local que repite tándem con Herreros en esta ocasión.

Siguiendo una línea ya histórica de su modo de operar, estudioHerreros ha contado en el diseño del equipamiento del proyecto con la colaboración del joven estudio FloraEstudio, a cargo además de su producción. Por otro lado, el paisajismo del entorno inmediato y de las grandes unidades naturalizadas del barrio-bosque, paseo litoral y plazas fue concebido por el estudio Bulla. Todo ello se inscribe en el masterplan de uno de los sectores de media densidad de Puertos, diseñado por el estudio Clusellas-Ades.

Muestra de Arte en el Campus Pilar de la Universidad Austral

Fuente: Diario Resumen – Está a cargo del Taller Amigas en el Arte de Rosana Labarvera. La muestra que se titula “Naturaleza” se expone en el hall del Edificio Olivo. Se puede visitar de lunes a viernes, hasta el 1 de agosto con acceso libre y gratuito.

La Universidad Austral presenta una nueva muestra de arte titulada “Naturaleza” en el hall del Edificio Olivo, del Campus Pilar (Mariano Acosta 1611, Presidente Derqui). La exposición está a cargo del Taller “Amigas en el Arte” de la artista plástica derquina Rosana Labarvera y se puede visitar de lunes a viernes hasta el 1 de agosto con acceso libre y gratuito, entre las 10 y las 19.

Sobre la muestra que presenta cuadros de 40 alumnas del taller, Rosana Labarvera comentó: “Las obras exploran la naturaleza a través de las pinceladas y los colores vibrantes. Cada obra es una expresión única que captura la esencia de la vida silvestre y la belleza efímera de las aves, las mariposas y las flores”.

El taller de Labarvera está cumpliendo 25 años de actividad, por lo que la artista adelantó a Resumen que realizará una muestra alusiva a tan especial aniversario hacia el mes de noviembre, en el mismo ámbito de la Universidad Austral.

Artista reconocida y docente

Rosana Labarvera estudió pintura con diferentes artistas plásticos, entre ellos el reconocido Eduardo Mac Entyre. Expuso en Espacio de Arte Centoira, Museo Nacional de Arte y Decoración, Rotary Club Buenos Aires y en Casas de la Cultura de diferentes localidades del partido de Pilar.

Durante 11 años exhibió sus obras en la Asociación Italiana. Obtuvo el primer premio en el Segundo Salón de Pintura Región de la Fe 2009. En 2011 fue Mujer Distinguida del Partido de Pilar por la Secretaría de Educación, Cultura e Integración.

En cuando a su trayectoria docente, en 1999 comenzó a dictar clases de pintura impulsada por un grupo de amigas en el taller que luego bautizó «Amigas en el arte», sito en Mariano Acosta 1544 de Presidente Derqui.

Nuevo «vuelo rasante» hacia el centro del dibujo

Fuente: Ámbito – Se expone en ODA, Oficina de Arte, una nueva edición de la apasionante muestra curada por Daniel Fischer, con 16 artistas de esta técnica que representan a distintas generaciones.

“Vuelo rasante, viaje al centro del dibujo” fue una muestra realizada hace 10 años bajo la curaduría de Daniel Fischer que “reflexionaba sobre los distintos modos en el que el dibujo se entreteje como lenguaje y señal, también como poética informe de un posible discurso artístico”.

Nuevamente Fischer convocó a 16 artistas para un viaje y vuelo rasante al centro del dibujo en ODA Oficina de Arte para una nueva edición en la que propone volver a poner un pequeño pie meditativo para pensar en las tradiciones artísticas donde se teje y se ha entramado el dibujo, que tiene un papel fundante como medio expresivo.

Entre los artistas está Alicia Esquivel, nacida en Misiones, de quien recientemente nos ocupamos en la actual muestra del Premio Trabucco que se está exhibiendo en OSDE. Los dibujos aquí presentados remiten a su obsesión por la naturaleza y especialmente los animales que debieron transitar los devastadores incendios de su provincia natal donde la naturaleza, hoy en peligro, es brutal. En esta ocasión los animales en delicados grises y profundos negros, asumen formas de máscaras.

Andrés Bancalari (Resistencia, 1961), presenta en papel Kraf, lápiz color, figuras geométricas dibujadas directamente sobre la pared “Estados probables” de la serie Múltiples. En su testimonio, el artista señala que “las series nunca tienen un final, cada dibujo habilita a uno nuevo”.

Catalina Chervin, artista de vasta trayectoria nacional e internacional con su laberíntica obra que ella describe como “un tejido sinuoso”. En esta ocasión, su dibujo abigarrado y también sutil, ese abigarramiento da lugar a algunos espacios menos densos, mucho más transparentes.

Cynthia Kampelmacher exhibe en el Premio Trabucco un herbario. Consecuente con sus preocupaciones ecológicas presenta aquí “Reinscripción de un paisaje”, dibujo y collage s/papel en tinta acuarela, grafito, papel vegetal, papel seda, un trabajo muy elaborado, parte de su ensayo gráfico de tomas fotográficas de marañas selváticas.

José Marchi, artista destacado por sus refinadas recreaciones de fotografías de finales del siglo XIX y principios del XX, algo recurrente en sus obras desde la década del 90, su dibujo iluminado por una luz blanquecina, transparente ,utiliza las palabras aparición y desmaterialización para señalar la fuente lumínica de la composición. Hace poco tiempo realizó en esta galería una muestra individual “Fulguraciones”, también bajo la curaduría de Daniel Fischer, en la que señalamos que “en esta época chillona, vacía de toda significación, nos regalaba un momento de serena introspección ante el reinado de lo efímero”.

Delia Cancela (Buenos Aires, 1940), figura clave de las vanguardias de los 60, vivió en Argentina, Nueva York, Londres y París. Multipremiada, recibió el Ver y Estimar (1963), el Di Tella y el Braque (1966) junto a Pablo Mesejean, fallecido en 1986. También le fue otorgado el Premio a la Trayectoria del Fondo Nacional de las Artes (2018). Apasionados por la moda, ambos artistas diseñaron ropa, fueron tapa de Vogue, pioneros en vincular arte, moda, diseño.

Las obras presentes en esta muestra, entre ellas, “Mujer flor” de la serie Naturaleza y Mujeres, tinta sobre papel, apenas un toque de color, la sutileza de la tinta y el lápiz , como si apenas tocaran el papel.

Matías Ercole (Buenos Aires, 1987) presenta obras de grandes dimensiones que le permiten el espacio para sus torbellinos y sus arremolinadas imágenes, capas y capas que revelan naturalezas, paisajes o cualquier otra cosa que el “lector” de su obra sienta . Se puede “ver” cierto misticismo, un mundo misterioso, una luz que viene desde el fondo convirtiendo la imagen en onírica, una composición arrolladora que necesita tiempo para descubrir lo que hay de pasado y presente en su obra.

Paula Senderowicz (Buenos Aires, 1973) cuenta que durante una residencia en Banff (Canadá) en 2006, zona boscosa, se usaba mucha leña y madera. Realizó un boceto de leños apilados. Nevaba y sintió la necesidad de fundirse con la nieve, se recostó sobre la pila de leños. De regreso a Buenos Aires, revisitó las imágenes que había tomado con una cámara prestada. Es el origen de una vivencia personal y sensorial con las que realizó las acuarelas “Paisaje líquido” y “Barricada”.

Completan esta muestra del excelente conjunto de artistas seleccionados que no necesariamente apelan al lápiz, grafito, u otras técnicas tradicionales , sino al cruzamiento con la tecnología y otras combinaciones: José Villalonga, Lucas Aguirre, Lucas Miguens, Lucía Pellegrini, Sara Goldman , Silvana Montechiessi, Viviana Blanco, Rocío Coppola (Buenos Aires, 1965-2020).

(Paraná 759. Primer Piso. Lunes a viernes de 15 a 19. Clausura el 1° de agosto.)

Pinturas, poesías, canciones y películas que celebran el Día de la Independencia

Fuente: BAE – Llegó el Día de la Independencia y un conjunto de obras maestras del arte expresan de manera significativa los acontecimientos de una de las fechas patrias más importantes.

El Día de la Independencia de Argentina se celebra cada 9 de julio, en conmemoración de la declaración de independencia del país de España en 1816. Se trata de una de las fechas patrias más importantes del calendario, que se celebra con una variedad de homenajes y eventos en todo el país, entre ellos la tradicional vigilia en la Casa Histórica y el destacado desfile militar.

La fecha patria también se ve representada de manera significativa por pinturas, poesía, música e incluso películas, que capturan el espíritu del día y celebran la libertad y el patriotismo del pueblo argentino.

Alegoría de la Declaración de la Independencia de Luis De Servi

Pinturas 

Alegoría de la Declaración de la Independencia de Luis De Servi (1910): Ubicada en el Salón Blanco de la Casa Rosada, esta pintura sobre tela conmemora dos momentos claves de nuestra historia: la Revolución de Mayo de 1810 y la Declaración de la Independencia de 1816.

Congreso de Tucumán de Francisco Fortuny (1910): Esta pintura retrata el histórico momento en que el Congreso de Tucumán, integrado por representantes de las Provincias Unidas del Río de la Plata, declaró la Independencia.

El Congreso de Tucumán de Antonio Fortuny 

9 de julio de 1816 de Antonio González Moreno (1941): La obra, que forma parte del Museo Histórico Nacional, captura el instante en que los representantes de las provincias argentinas se congregaron en el Congreso de Tucumán para firmar el acta de independencia.

Poesía 

Himno Nacional Argentino de Vicente López y Planes (1813): El himno nacional se entona en todas las celebraciones del Día de la Independencia, como una fuente de orgullo nacional para el pueblo argentino. Adoptado oficialmente en 1813, el himno destaca el valor y el sacrificio de los patriotas argentinos, evocando imágenes de batallas y victorias que condujeron a la emancipación.

Martín Fierro de José Hernández (1872): Este famoso poema relata la historia de Martín Fierro, un gaucho que se ve obligado a incorporarse al ejército y abandonar su hogar y su familia. Dividida en dos partes, la obra presenta la vida del gaucho, destacando su valentía, su sentido de justicia y su amor por la libertad. A través de la obra, Hernández denuncia las injusticias sufridas por los gauchos y defiende su cultura, convirtiendo a Martín Fierro en un símbolo de identidad nacional.

Música 

Marcha San Lorenzo de Cayetano Alberto Silva (1901): Esta marcha militar, escrita por Carlos Javier Benielli, conmemora la victoria del general José de San Martín en la Batalla de San Lorenzo en 1813. La composición de Silva es una popular canción patriótica que se utiliza en distintas celebraciones, entre ellas las del Día de la Independencia.

Aurora de Héctor Panizza (1906): Escrita por Luigi Illica y Héctor Cipriano Quesada, esta canción describe el momento en que la bandera se eleva al inicio del día, simbolizando la libertad de la Nación. «Aurora» es, tal vez, la más conocida y entonada de las canciones dedicadas a la Bandera.

Cine 

Belgrano (2010): Este largometraje de Sebastián Pivotto narra la vida del prócer Manuel Belgrano, enfocándose en sus últimos diez años y en su rol en la lucha por la independencia. La película ofrece una mirada profunda al contexto histórico y a la figura del prócer.

Revolución: El Cruce de los Andes (2010): Dirigida por Leandro Ipiña, esta película histórica-épica relata la épica hazaña del cruce de los Andes por parte del Ejército Libertador liderado por José de San Martín.  Protagonizada por Rodrigo de la Serna, la película presenta una gran reconstrucción de la gesta libertadora. 

Documentales

San Martín: el Combate de San Lorenzo (2008): También bajo la conducción de Leando Ipiña, este documental se centra en la Batalla de San Lorenzo, una victoria clave del Ejército Libertador en 1813.

Historia de un país: Argentina siglo XX (2013): Una serie documental producida por Canal Encuentro que ofrece un recorrido por la historia argentina, incluyendo episodios dedicados a la independencia y los eventos previos y posteriores a 1816.

1806-1820, el pueblo en armas (2015): Este documental se centra en los eventos del Congreso de Tucumán y la declaración de independencia, destacando los debates, las decisiones y las circunstancias que llevaron a este momento histórico.

Así es el mural en homenaje al cine nacional que reúne más de 100 películas: el paso a paso y su historia

Fuente: TN – Andy Riva es el artista detrás de la pintura con escenas icónicas que se inauguró en la Fundación DAC. En su diálogo con TN, explicó cómo fue la selección de las ficciones y el proceso de armado que llevó casi cinco meses.

En la Fundación DAC (Directores Argentinos Cinematográficos) se inauguró un mural que reúne escenas de más de 100 películas. Si bien su misión es rendirlehomenaje al cine nacional, el mensaje detrás de la pintura y el paso a paso de la creación artística también resultan relevantes.

El artista visual Andy Riva estuvo a cargo del proceso creativo de la obra y contó con la ayuda de otros colegas. En su diálogo con TN, relató cómo fueron los casi cinco meses de trabajo, cómo surgió la idea de realizar este collage, el criterio para seleccionar los films y la técnica que utilizó para realizar la pintura.

La historia oficial, El secreto de sus ojos, Nueve Reinas y La Ciénaga son algunas de las películas que aparecen ilustradas en el mural. Una de las que toma mayor protagonismo es Esperando la carroza, por cómo se reflejan en su historia los diferentes aspectos de la sociedad argentina. “El cine nacional nos representa a todos de una manera impresionante”, destacó Andy.

El mural de Andy Riva está exhibido en la Fundación DAC, ubicada en Vera 599, en el barro porteño de Villa Crespo. (Foto: gentileza Andy Riva)
El mural de Andy Riva está exhibido en la Fundación DAC, ubicada en Vera 599, en el barro porteño de Villa Crespo. (Foto: gentileza Andy Riva)

Inspirado en los murales de Diego Rivera, o en producciones icónicas como la tapa de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band de The Beatles, la obra propone la celebración de la pluralidad de la escena cinematográfica nacional.

El paso a paso del mural

La obra se inauguró en mayo de este año por el Día Nacional del Cine, a modo de homenaje a las películas argentinas que se estrenaron a partir de 1970. Todo comenzó como una idea de Andy Riva quien quería volcar en una pared de la DAC las imágenes representativas de los films en escala humana.

Video Placeholder

Desde enero a mayo de este año, el artista trabajó para llevar el collage digital al resultado final del mural. (Video: gentileza Andy Riva)

El artista de 43 años es muralista, dibujante, director de cine, estudió Diseño de Imagen y Sonido en la Universidad de Buenos Aires y realizó diferentes trabajos: un mural de las Madres Fundadoras de Plaza de Mayo en la ex ESMA, otro en la Estación de la Memoria, o ilustraciones en películas como Wacolda o Los dos Papas.

Luego de insistir, recibió la aceptación por parte de Gabriel Arbós y Mariana Gugliotti para realizar el mural en la DAC. Ellos le sugirieron entre 12 y 15 films que consideraban que tenían que estar en la pintura. “Yo también quería que estuvieran otras películas así que llamé a Pablo Acosta Larroca, que es docente de la FADU, e hicimos una ampliación que terminó entre 100 y 120″, detalló sobre el proceso de selección.

A partir de ese momento, tuvieron la tarea de elegir escenas o elementos de las ficciones para plasmar a modo de collage en el mural. “Nos llevó alrededor de un mes y medio”, contó Riva sobre este proceso de búsqueda y realización. Después de consultar con varias personas, Andy llegó a la conclusión de que la película que “más representa” a los argentinos es Esperando la Carroza.

La icónica escena de "Esperando la carroza" ilustrada en el mural. (Foto: gentileza Andy Riva)
La icónica escena de «Esperando la carroza» ilustrada en el mural. (Foto: gentileza Andy Riva)

Pero, ¿cuál fue la técnica para plasmar todas estas escenas en el mural? Tal como explicó el artista, proyectó el collage y lo calcó sobre la tela, tarea que le llevó alrededor de dos semanas. “Después había que hacer convivir a las imágenes, ver qué pasaba, conjugar los colores, ponerle carne y estar ahí”, indicó y contó que recibió la ayuda de Nicolás Aponte Gutter -asistente de dirección, docente de dibujo y pintor- para acelerar el proceso y poder inaugurar el mural.

El mensaje del mural que reúne más de 100 ficciones del cine nacional

Desde su conocimiento dentro del ambiente cinematográfico del país, Andy Riva habló del contexto actual que atraviesa la producción nacional. “Hay muchísima gente sin laburo, los proyectos son muy difíciles de llevar a cabo”, expresó en su diálogo con TN. Este tema fue un puntapié para el mensaje que se transmite en el mural.

“En el cuadro hay dos manos agarrándose fuerte, con la idea de que tenemos que apoyarnos entre nosotros para pasar la tormenta y salir adelante”, destacó el artista. Incluso, en el mural no solo quedan congelados los momentos icónicos de diferentes películas, sino que también se buscó representar el trabajo de las personas que permitieron que cada una de esas escenas hayan sido posibles.

El artista visual y el proceso de creación del mural que reúne más de 100 películas argentinas estrenadas a partir de 1970. (Foto: gentileza Andy Riva)
El artista visual y el proceso de creación del mural que reúne más de 100 películas argentinas estrenadas a partir de 1970. (Foto: gentileza Andy Riva)

“Confluye el esfuerzo de miles de directores, técnicos, camarógrafos, familias y comunidades”, aseguró Andy. “Lo que se quiere mostrar es la energía de un pueblo. No solo decir ‘qué lindo es el cine nacional’, sino transmitir que estamos todos juntos de pie”, enfatizó el muralista.

Al ver el mural se detectan diferentes escenas que traen a la mente todo tipo de recuerdos. Sobre esto, Riva expresó: “El cine es parte de nuestras células. Las películas que vi se metieron en mi carne y me enseñaron cosas. Es muy probable que gran parte de la población haya visto films argentinos, se haya reído, llorado o envalentonado con algo que las películas le enseñaron”.

El artista hizo énfasis en la innumerable cantidad de títulos que hay en la historia cinematográfica de nuestro país y que no quedaron retratados en esta pintura. “Hicimos un recorte del 70 para acá. Por eso hay un montón de películas que son padres del cine nacional que no están, serán para otro mural”, explicó.

Otras de las escenas emblemáticas que aparecen en el mural en homenaje al cine de ficción nacional. (Foto: gentileza Andy Riva)
Otras de las escenas emblemáticas que aparecen en el mural en homenaje al cine de ficción nacional. (Foto: gentileza Andy Riva)

Ficha técnica del mural

  • Realizador: Andy Riva
  • Director del proyecto: Gabriel Garbós
  • Producción cultural: Mariana Gugliotti
  • Montaje: Diego Ibars, Ariel y Kevin Solís.
  • Asistentes: Nicolás Aponte Gutter y Pablo Acosta Larroca

El cuadro de Spilimbergo que era auténtico aunque nadie lo creía

Fuente: Clarín – Traidores del arte. Podcast de Claribel Terré Morell/ Episodio XIII.El experto Luis Cuello encontró en un negocio de usados una obra que parecía del maestro Lino Eneas Spilimbergo.Los investigadores que probaron su autenticidad explican aquí cómo realizaron esa tarea casi detectivesca.

La tarde en la que el art dealer, Luis Cuello entró a un pequeño negocio de compra venta en la ciudad argentina de San Juan y se detuvo frente a una obra, supo que podía estar ante un original del maestro Lino Eneas Spilimbergo. Con más de 50 años de experiencia en la compra venta de arte, algo en la composición del paisaje le dio la certeza. La pintura estaba en un estado desastroso, los bordes de la tela de arpillera, deshilachados, el marco semi destruido, no tenía fecha pero sí se veía la firma: Spilimbergo. La compró y se la llevó. Comenzó así un largo camino para demostrar la autoría.Lino Eneas Spilimbergo. Foto: Gentileza Claribel Terré Morell.Lino Eneas Spilimbergo. Foto: Gentileza Claribel Terré Morell.

La obra fue enviada para su validación a la Fundación Spilimbergo, pero esta alegó que no tenía registrada esta pieza en sus catálogos. Posteriormente, se consultó a la Asociación Argentina de Galerías de Arte –AAGA–, que replicó lo dicho por la fundación. La desconsideración se producía tras evaluar una fotografía del cuadro. La duda era razonable. Un nieto del artista contó que en una convocatoria que hizo su padre a todos los propietarios de algún Spilimbergo, de 100 obras presentadas, 99 eran falsas.

El artista argentino, que vivió durante largos años en Paris y murió en la Argentina, dueño de una profusa obra caracterizada por estilos diferentes, expuso en la Bienal de Venecia, Bienal de São Paulo, Exposición de Pintura Argentina en Nueva York, Helsinki, México, Pekín y es junto al mexicano David Alfaro Siqueiros y los argentinos Antonio Berni y Lozano, el autor del mural «Ejercicio plástico» (1933) y junto a Berni, Juan Carlos Castagnino, Manuel Colmeiro Guimarás y Demetrio Urruchúa de los murales que están en la cúpula de las Galerías Pacífico (1946) en la Ciudad de Buenos Aires

Durante su estancia en San Juan desarrolló principalmente el paisajismo. Solía repetir escenarios.

Spilimbergo ¿sí o no?

¿Puede una obra que ha sido desestimada por el mercado demostrar su autenticidad? Esta es la historia de un caso que lo logró. La obra “Paisaje de San Juan”, sin fecha, una pintura al óleo sobre yute, de 108,5 x 87 centímetros y con bastidor marca Seurat de 2,5 centímetros con doble cuña, firmada Spilimbergo, “es una obra original del reconocido artista argentino, Lino Eneas Spilimbergo”.

Habría sido realizada por el pintor entre los años 1937 y 1946. El caso, por interesante, es uno de los que aparece, en uno de los pocos libros en español sobre el tema que recién salió de imprenta: La práctica profesional del peritaje de obras de arte (Tirant Lo Blanch), coordinado por la española, Diana Angoso y lanzado en mayo en el CCK de Buenos Aires.

Los resultados de las pericias son indiscutibles. Fueron hechas por Givoa Art Consulting, consultora con base en la Argentina y Brasil que, tras 12 años de trabajo, ha realizado más de 250 exitosas investigaciones. Conocida también por su cuidado en la cadena de custodia de las pruebas, desde 2017 sus informes periciales están protegidos por Blockchain y en el 2021 incorporaron una tecnología complementaria para reforzar esa protección.

De esto no se habla

En el mundo del arte se habla poco de estos temas. Generalmente quien manda a hacer las pericias suele mantenerse en silencio y quien las hace trabaja bajo el signo de confidencialidad.

Luis Cuello, quien vive en la ciudad de Córdoba, conocido en muchas de las casas de subasta en la Argentina, es cliente habitual de Sotheby’s y de Christie’s, en Nueva York y Londres, no tiene problemas en contar la historia como la vivió.Lino Eneas Spilimbergo junto a Antonio Berni y  otros artistas en París. Foto: Gentileza Claribel Terré Morell.Lino Eneas Spilimbergo junto a Antonio Berni y otros artistas en París. Foto: Gentileza Claribel Terré Morell.

Tiene fama de tener un ojo avisor: “El cuadro estaba rodeado de cachivaches en un lugar chiquito que tenía de todo un poco. Yo siempre entro a sitios así y busco, muchas veces me he dado con sorpresa. Cuando lo vi, pensé que era muy el tipo de obras que Spilimbergo había hecho en San Juan. Lo primero que hice fue sacarle el bastidor, las tachas y ponerla sobre dos hojas de chapadur, a medida, para mantenerla a salvo.

“La obra la llevé a Buenos Aires, la vio uno de los asesores de una importante casa de subasta, que tenía una galería junto con otro colega. Mi intención era ponerla a la venta. Se la dejo preservada entre dos tablas de y cuando me la devuelve veo que la habían guardado enrollada y hacia dentro, en consecuencia, la capa de pintura se había agrietado y mostraba extensos craquelados verticales. Todavía no me explico por qué lo hizo. La obra se deterioró aún más. Me dediqué a buscar buenos restauradores. Pasó por dos o tres. La cuestión es que quedó finalmente en buenas condiciones”.

Luego pasó que los herederos no la reconocieron y lo mismo hizo la Asociación de Galerías de arte. “Pero algo me decía que no estaba equivocado –continúa– y ahí fue cuando me decidí a buscar la consultoría de peritos. Mi idea era (y se cumplió) que mediante peritaje, no hubiese duda de la proveniencia”.

Ahora, Cuello piensa que si se hubiera tratado de una copia, probablemente la hubiese puesto en una subasta para venderla como tal, como una recreación de una obra de Spilimbergo. “O la hubiese colgado en mi casa. La verdad no sé qué hubiese sucedido si me decían que la obra no era original”, indica.

Las pericias

En el año 2019, Cuello contrató a Givoa Art Consulting. El perito en arte, Gustavo Perino, su director, tuvo a su cargo el trabajo junto a la calígrafa María Alejandra Leyba y un equipo multidisciplinario. Ambos desarrollaron líneas de trabajo por separado que, solo al final, compararon para llegar a la certeza de la autenticidad de la obra de Spilimbergo.

Perino parte de una frase de Giovanni Morelli, que fue el creador del método Morelli en 1890: “El experto en arte es comparable al detective que descubre al autor de un crimen, basándose en signos imperceptibles para la mayoría”.Gustavo Perino, director de Givoa y perito de arte quien tuvo a su cargo la demostración de autenticidad, durante las pericias. Foto: Gentileza Claribel Terré Morell.Gustavo Perino, director de Givoa y perito de arte quien tuvo a su cargo la demostración de autenticidad, durante las pericias. Foto: Gentileza Claribel Terré Morell.

Desde San Pablo, en Brasil dice: “Muchas de las obras que llegan a un peritaje técnico-científico llegan con algún supuesto firme sobre su autoría. A lo largo de todos estos años, hemos tenido solo algunos casos donde fuimos contratados y el cliente ya sabía que la obra era falsa y el peritaje tuvo la función de confirmarlo para poder iniciar un reclamo que permitiera la devolución del dinero a los intermediarios que comercializaron la obra”.

“Hoy en día –continúa–, no hay artista que, independientemente si tiene alto valor de mercado o bajo, escape de poder ser falsificado. Si son de alto valor, se falsifican por su valor de reventa porque colocar una obra falsa en el mercado trae mucho lucro. Pero otras veces, si tienen bajo valor, son menos observadas, son menos verificadas y se venden mucho más rápido. Entonces, se apuesta al volumen y eso pasa mucho con obra gráfica, grabados y obras menores. Spilimbergo no escapa a esta práctica”.

La investigación tuvo varios momentos súper interesantes y productivos desde el punto de vista del peritaje, porque Spilimbergo fue un artista que participó de todos los salones nacionales de arte importantes en el país, por lo cual muchos museos argentinos tienen obras suyas. Eso nos permitió juntar una base de comparación (obras testigos) de todos los períodos o con una estética similar a la obra cuestionada”.

Con la obra de Spilimbergo, el estudio trabajó sobre tres ejes fundamentales: el contextual-histórico, el estético-técnico y el material.

“Por procedimiento, se consultaron todas las fuentes existentes y disponibles de información sobre el artista estudiado. Consideramos la opinión de las fundaciones, familias y conocedores y jerarquizamos el aporte de pruebas y evidencias de autenticidad por encima de las opiniones subjetivas. Más allá de los retos que presentaba esta obra por sus daños materiales y su estado de conservación, la conclusión de los parámetros contextual-históricos reforzó la hipótesis de correspondencia de la obra cuestionada con la vida y producción del artista para una fase de su carrera en específico”.

Luego, llegó el momento de los factores materiales: “Este aspecto fue realizado e interpretado en conjunto con el Instituto Nacional de Tecnología Industrial de Argentina (INTI), que identificó los pigmentos y aproximó su datación. El parámetro científico que estudió la materialidad de la obra mediante espectrometría Raman, SEM-EDAX y análisis microscópico, confirmó que los materiales pertenecían a mediados del siglo XX y coincidían con los utilizados habitualmente por el artista según los registros históricos obtenidos. Se comprobó también el uso de pigmentos que no existían antes de 1937, de allí la hipótesis de datación de la pieza”.Obra testigo estudiada durante la pericia, propiedad del Museo Castagnino de Rosario.   Foto: Gentileza Claribel Terré Morell.Obra testigo estudiada durante la pericia, propiedad del Museo Castagnino de Rosario. Foto: Gentileza Claribel Terré Morell.

Por último, “el estudio de los aspectos técnicos, mediante pruebas de imagen y estudio de la pinacología fueron la clave para determinar la autoría, sin duda posible. Estos estudios mostraron una factura técnica que coincidía con la de las obras de arte testigo, había concordancias en la paleta de colores, similitud en la jerarquía espacial de los elementos, el estilo de la composición y la factura técnica del artista”.

En Buenos Aires, la calígrafa Alejandra Leyba, a cargo del análisis técnico-caligráfico de la firma señaló: “En mi trabajo como calígrafa, la tarea fue similar a la de peritar firmas en documentos. Comenzamos reconstruyendo el historial autográfico del artista y reuniendo la mayor cantidad de firmas en obras testigo, coordinados por el perito de arte que dirigía la investigación. Se analizaron las variaciones y mutaciones surgidas de la técnica, el material y el instrumento utilizados para firmar. Después de mi análisis y de llegar a una conclusión, debatí con el perito de arte. Ambos coincidimos en la correspondencia de la firma en la obra. Todo nos hizo decir que era una obra original de Spilimbergo”.

A modo de conclusión les pregunté a Perino y a Leyba si la pericia sobre esta obra en particular puede ayudar a descubrir la autoría de otras obras atribuidas a Spilimbergo. La respuesta fue: “Toda investigación pericial en arte acaba profundizando los estudios técnicos y materiales sobre las obras de los artistas. Sin dudas tener una investigación tan amplia y con la metodología aplicada, servirá de parámetros para otras investigaciones de obras cuestionadas o de obras que precisan de confirmación de autoría”.

La obra “Paisaje de San Juan” confirmada en el peritaje, fue vendida en subasta y está hoy en una colección particular. Parte de las obras testigo fueron obras similares como la que está en el Museo Castagnino de Rosario, que fue premiada en el salón rosarino de 1929 y Calle de San Juan, de la colección Amalia Lacroze de Fortabat. En el libro recientemente publicado en España donde el caso fue publicado, hay 32 páginas de información técnica sobre este peritaje.

Bienal de Escultura: “Es una apuesta y una plataforma cultural que nos atraviesa y que nos reúne”

Fuente: Chaco Día por Día – Gustavo Insaurralde, curador y asesor de la Fundación Urunday, de visita en los estudios de CIUDAD TV hizo un repaso sobre la historia del reconocido certamen y los orígenes de Resistencia como la Ciudad de las Esculturas. Además, dio detalles de las novedades de la edición 2024 de este evento internacional que se llevará a cabo en el predio del Domo del Centenario del 13 al 21 de julio. 

“La Bienal de Chaco vino a acrecentar el patrimonio que distingue nuestra capital y que está vinculado directamente con las obras que se producen durante los siete días de concurso”, destacó el curador y asesor de Urunday y destacó que este 2024 participan artistas de diez países, entre ellos Argentina.

“Viene un escultor de Kosovo que tuvo muchos problemas para hacer sus trámites de migración pero, finalmente, estamos todos muy contentos porque puede participar y es un anhelo de él venir al Chaco y a conocer esta Bienal que tiene una trascendencia internacional muy importante”, contó Insaurralde sobre los participantes destacados. 

Además, resaltó la presencia de “un muy joven escultor de Turquía, muy prestigioso en el circuito internacional por su recorrido, que nos va a dejar una gran obra y también artistas de otros países como España”. “Están llegando al país de distintos puntos de América, de Europa, de Asia y el 12 de julio están todos aquí presentes para darle forma a la Bienal del Chaco”.

Resistencia, la Ciudad de las Esculturas

Consultado sobre las primeras obras que fueron emplazadas en nuestra ciudad, el representante de la fundación remarcó que la idea tuvo sus inicios con los hermanos Boglietti y la creación del Fogón de los Arrieros. “Chaco es una provincia muy joven,en el año 57 se convierte en provincia, antes era territorio nacional. Ya vivían aquí en Resistencia Aldo y Efraín Boglietti, dos hermanos rosarinos que llegaron representando a una empresa comercial y vieron que faltaba algo y, en ese algo, ellos decidieron abrir las puertas de su casa con un pizarrón que decía los jueves, café y charlas gratis”, recordó. 

“Y se empezó a nuclear alrededor de la casa de Aldo y Efraín Boglietti, que después se suma Juan de Dios Mena, uno de los escultores pioneros que tiene el Chaco, y luego se decide construir el Fogón de los Arrieros, con ese particular espíritu que tenía Efraín, Aldo y acompañados por Ilda Torres Varela, una gran mujer chaqueña y reconocida a nivel internacional”, apuntó sobre los orígenes del espacio cultural y hoy cargado de patrimonio e historia.

“En ese inicio, el Fogón de los Arrieros impulsó un plan de embellecimiento de la ciudad y en ese plan contemplaba la incorporación de esculturas. Recordemos que el Fogón nucleó a artistas, intelectuales, músicos, escritores, pintores, entonces tenía como una vinculación con el arte directamente y muchos artistas esenciales en la historia del arte de Argentina pasaron por ahí y así es que las primeras cien obras que se emplazan en Resistencia, podemos decir, que están mostrando un panorama de lo que es la escultura argentina”, aseguró.

Destacó que por caminando por la ciudad se “encuentra un bronce, encuentra un cemento, piedras, los distintos materiales y las distintas estéticas que uno puede ver en la escultura argentina. Y eso con el tiempo se complementa con la Bienal del Chaco porque se suma el panorama de la escultórica internacional”. 

“Lo principal que caracteriza a nuestra Bienal es el nivel de organización, los importantes premios que otorga y que la obra se suma al patrimonio que distingue a una ciudad y que forma un museo a cielo abierto”, aseveró Insaurralde y apuntó que Resistencia cuenta con “obras de Lucio Fontana y de Mirko Basandela, que están ubicadas en la vía pública y yara ver obras de esos artistas, en otros lugares del mundo, se tiene que pagar una entrada al Museo Vaticano, por ejemplo, que cuesta unos cuantos euros. Acá son parte de nuestra historia, son parte de nuestra cotidianidad”.

Bienal, edición 2024

Sobre las particularidades del certamen de este 2024, el curador de la fundación organizadora detalló que “se trabaja en metal y todos los escultores reciben la misma cantidad de material, pero lo más interesante es la diversidad de lenguajes y la diversidad de escala en la que, con talento, esos escultores transforman las dos chapas de metal”.

“Además hay una variedad muy grande de escultores y artistas invitados, por ejemplo, Alejandro Arce, que ya está trabajando en arena, Milagro Tejerina, una gran artista argentina, de Jujuy y que viene a la Bienal a hacer una obra textil habitable, que se va a poder atravesar y que hace referencia a uno de los mitos relacionados con el palo borracho, también marcando la impronta de nuestra identidad”, comentó. 

Para Insaurralde, la “Bienal se convirtió en una plataforma cultural que nos convoca y es muy importante marcar que alrededor de este concurso de escultura se potencia básicamente la economía de nuestra provincia. Vamos a tener ese predio, que hoy por hoy llega a 10 hectáreas, transformado en un escenario artístico pero también comercial y académico”. 

“Es una apuesta y una plataforma cultural que nos atraviesa y que nos reúne alrededor de este concurso de escultura. Es un privilegio único, que uno tenga la posibilidad de asistir a ver la transformación de un material que termine siendo una obra de arte, no pasa en muchos lugares y aquí en el Chaco tenemos esa posibilidad”, subrayó.

Por último, recordó que “este año va a ser la primera Bienal en la que las banderas de los países participantes van a flamear frente al David de Miguel Ángel, esa réplica que soñó Fabriciano y que pudimos cumplir y también es un polo cultural que llama al mundo a visitar Resistencia”.

Se cumplen 117 años del nacimiento de Frida Kahlo: la artista mexicana que inspiró a todo el mundo

Fuente: Ámbito – La imagen de la pintora se ha hecho muy popular en los últimos años. En este nuevo aniversario, repasamos su historia.

Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón nació en Coyoacán, México. Fue la cuarta de cinco hermanos del matrimonio entre Guillermo Kahlo y Matilde Calderón. Su padre era un húngaro-alemán judío y su madre una nativa de Oaxaca. Vivieron la mayor parte de su vida en Veracruz.

No se tiene certeza del lugar donde estudió Frida Kahlo, pero se dice que su educación primaria fue en el Colegio Alemán. Al bachillerato lo realizó en la Escuela Nacional Preparatoria y formó parte del primer grupo de 35 mujeres que fueron admitidas en este colegio que anteriormente era sólo de hombres.

Cuándo nació Frida Kahlo

Frida Kahlo nació el 6 de julio de 1907 en Coyoacán, México. Durante su vida y su carrera artística rescató las raíces del arte popular mexicano, a través de su vestimenta e ideología además de la pintura. Fue reconocida por sus famosos autorretratos, calificados como parte del movimiento surrealista. Ella dijo no sentirse identificada con el movimiento, y creó un estilo propio tomando elementos de la naturaleza y mezclándolos con la identidad mexicana.

Hizo de ella misma un personaje místico que representa al realismo mágico. También supo englobar la imagen de la feminidad de la época, siendo una de las mujeres que resaltaba durante su época. Cambió paradigmas de la sociedad oponiéndose a estándares establecidos y utilizó una vestimenta distinta a la esperada en la época como método de transgresión. Su estética personal es, en gran parte, uno de los hechos más recordados de su vida.

Cuáles son las obras más conocidas de Frida Kahlo

Entre las obras más destacadas de la artista, podemos mencionar principalmente sus autorretratos, dedicados a colegas con quienes asistía a la escuela. En segundo lugar, cuando tuvo un aborto en los Estados Unidos, las pinturas del feto que hizo Diego Rivera la motivaron a realizar una obra relacionada a este hecho que lleva el nombre del hospital donde sucedió, «Henry Ford Hospital». La pintura la muestra sangrante en una cama, con 6 venas saliendo de su vientre y uniéndose a objetos simbólicos de su sexualidad y su embarazo perdido.

Otra de las más importante fue «Mi Nacimiento», obra que muestra a la madre de Frida con el rostro tapado haciendo alusión a su muerte y el rostro de la artista entre sus piernas, junto con un charco de sangre. Otras importantes fueron «Unos Cuantos Piquetitos» que hace referencia al sufrimiento ocasionado por Diego Rivera cuando le era infiel con su hermana Cristina, «Las dos Fridas», que muestra la separación entre dos personalidades.

Luego canalizó su ruptura con Diego Rivera a través del «Autorretrato con collar de espinas y un colibrí», y finalmente llegamos a uno de los sucesos más trágicos de su vida, que fue su accidente que le costó su columna, piernas y movilidad. Lo que la llevó a realizar la obra «La columna rota».

Cómo murió Frida Kahlo

Luego de padecer enfermedades y cirugías, Frida Kahlo dedicó su vida a sus convicciones políticas, como la lucha por la paz y a juntar firmas por el desarme nuclear. En 1954 pasó dolorosos meses por la amputación de su pierna y otras infidelidades de Diego. Finalmente, murió la mañana del 13 de julio de 1954 a causa de una embolia pulmonar.

“Soñar para seguir”: Marta Minujín invita a pedir deseos con su escultura inflable en Buenos Aires

Fuente: La Nación – La pieza de nueve metros de alto, presentada en noviembre en Time Square, se exhibe hasta fin de mes con entrada gratis en la explanada del antiguo Palacio de Correos.

“¡Qué no se vaya, que no se vaya!”, gritó Marta Minujín desde el interior del antiguo Palacio de Correos, mientras miraba por la ventana que se alejaba un vendedor de copos de algodón de azúcar. “El que inventó eso es un genio”, agregó la artista más popular de la argentina, de 81 años, que minutos más tarde arrojaría cual recién casada esas golosinas a cientos de personas que le sacaban fotos, la filmaban y le pedían autógrafos.

Entre los fanáticos que la recibieron como una estrella de rock frente a la Escultura de los sueños instalada hoy en la explanada del ex-CCK –que pasará a llamarse Palacio Libertad cuando se anuncie en el Boletín Oficial– se contaba Domingo Mangone, un argentino que viajó especialmente desde Brasil para verla y que compró todos los copos disponibles para que ella pudiera compartirlos. “Es la reina del arte argentino y casi mundial”, dijo este último a LA NACION.

Domingo Mangone compró todos los copos de algodón de azúcar disponibles, para que Minujín pudiera repartirlos
Domingo Mangone compró todos los copos de algodón de azúcar disponibles, para que Minujín pudiera repartirlosGentileza Manuel Pose Varela

Así lo confirma esta estructura inflable de nueve metros de alto, que presentó en noviembre en Times Square y que cruzará el Atlántico para exhibirse en la Piazza del Popolo, en Roma. “Es una obra liviana, muy fácil de trasladar. Desinflada pesa 140 kilos, apenas veinte más que una escultura de bronce”, señaló a LA NACION Minujín, creadora de instalaciones monumentales que suele instalar en espacios públicos.

Minujín también compartió los copos de algodón de azúcar con sus dobles
Minujín también compartió los copos de algodón de azúcar con sus doblesGentileza Manuel Pose Varela

Entre ellas, el Partenón de libros prohibidos que instaló sobre la Avenida 9 de Julio en 1983, y que recreó en 2017 en la prestigiosa Documenta de Kassel. Su plan era montarla el año pasado donde ahora se alza La escultura de los sueños, para celebrar los 40 años de democracia en la Argentina, pero la idea no concretó por motivos que no trascendieron.

La escultura de nueve metros de alto, en la explanada del antiguo Palacio de Correos
La escultura de nueve metros de alto, en la explanada del antiguo Palacio de CorreosAlejandro Guyot