Fuente @afaggioniestudiodearte: La galería de Alejandro Faggioni-ESTUDIO DE ARTE presenta una exhibición de dibujos, collages, pinturas y esculturas del gran maestro argentino ROBERTO AIZENBERG, (1928-1996).
Desde muy joven comienza a exponer deslumbrando al público y a la crítica, si bien se inicia dentro del surrealismo de la mano de su querido maestro Juan Battle Planas, Aizenberg desarrolla una obra que no puede ser enmarcada en ninguna tendencia en especial, avanza hacia la metafísica, pasando por la geometría lírica, desplegando durante su vida una obra, con sello y estilo único, lo que lo tornan inclasificable, y resueltamente atemporal.
Es enorme la cantidad de muestras individuales y colectivas, nacionales e internacionales realizadas, así como los premios recibidos por este artista, que alguna vez expresó: “Desde hace mucho tiempo soy consciente de que mi pintura es un investigación espiritual, una especie de gimnasia o de practica de arquero zen o de alquimista en busca del oro esencial”.
En el estupendo libro sobre el artista, Victoria Verlichak se refiere de manera a él de manera magistral: “Como un alquimista, quizá como su padre farmacéutico creador de fórmulas medicinales propias. Aizenberg acude a una suerte de catálogo de imágenes -como una tabla periódica de su invención- que expande y perfecciona en búsqueda de lo esencial. Entre la figuración y la abstracción, toma una y otra vez elementos identificables que representa en distintos modos, grados y momentos de intensidad. Inundados por una luz prodigiosa, la tierra y el cielo, las arquitecturas, radiografías, geometrías, figuras, y los arlequines, abanicos, paisajes, son inscriptos por el artista en una dimensión inesperada.
Acariciados por una luz magistral, los sorprendentes espacios, las simples formas y los insondables personajes de sus obras insinúan climas cargados de dilemas existenciales, que siguen interpelando al observador por su irreductible apertura”.
MUESTRA DE ROBERTO AIZENBERG
Inauguración: miércoles 22 de MARZO de 2023, a las 18:00 hs.
Cierre: Jueves 20 de Abril de 2023.
Lugar: Alejandro Faggioni-ESTUDIO DE ARTE
Sargento Cabral 881 5º piso “K”., Ciudad Autónoma de Buenos Aires|
Horarios: lunes a viernes de 14 a 20 hs
Contacto: Tel: +5411 4393 9995, al 11-4960-1826 o por mail: alejandro@alejandrofaggioni.com
Fuente: Cultura Corrientes ~ El Instituto de Cultura de la provincia, por medio de su presidente el arquitecto Gabriel Romero, fue invitado especialmente para participar de Mapa, feria de arte realizada en La Rural, Buenos Aires. “La Argentina comienza a consolidad un circuito de ferias de arte donde primero se realizó Mapa y se extenderá con las ferias de ArteCo, Ferias de arte de Rosario y Córdoba, después finalizará con ArteBA. Hay que destacar aquí que Corrientes ya forma parte de la escena nacional del arte”, subrayó Romero.
Del 17 al 20 de mayo se realizará la 5°edición de la Feria de Arte Contemporáneo de Corrientes – ArteCo. El mismo tendrá lugar en el predio de la antigua Usina Eléctrica de Corrientes. El evento será con entrada libre y gratuita.
Días atrás se realizó Mapa, feria de arte en la ciudad de Buenos Aires. “Esta feria tuvo la particularidad de mostrar galerías de Chile, Perú, Uruguay junto a las propuestas del interior del país. La misma presentó literalmente un mapa muy variado y renovado de las artes en el país y en la región sudamericana”, expresó el arquitecto Gabriel Romero.
La feria Mapa dirigida por Agustín Montes de Oca, comentó a distintos medios que al momento de fijar una fecha tuvo en cuenta el calendario de las distintas ferias que hay en todo el país. En ese contexto se tuvo en cuenta la feria de ArteCo que realizará en mayo. “Hay que destacar aquí que Corrientes ya forma parte de la escena nacional del arte. Estamos constituidos en la escena local pero también estamos insertos en un circuito nacional e internacional, si tenemos en cuenta la participación que ha tenido Paraguay en Corrientes”, subrayó Romero.
Por otra parte el funcionario provincial destacó también el hecho de consolidar la fecha de la feria en el mes de mayo. “Esto nos consolida en una agenda importante y nos brinda la posibilidad de tener a una gran cantidad de invitados. Podemos desplegar una variada cantidad de ofertas de artistas y galerías que muestren la fortaleza regional. El año pasado tuvimos éxitos en ventas y tenemos que seguir en esa senda”, remarcó.
En la edición 2022 de ArteCo hubo muchas obras de arte, presentaciones de libros, música y otras actividades culturales. Hubo una gran agenda cultural. “Este año estamos trabajando en una agenda que tendrá como centro el predio de la Ex Usina Eléctrica pero también tendrá otros espacios que acompañan a la Feria”, adelantó el arquitecto Gabriel Romero.
Fuente: El Diario del Centro del País ~ La propuesta se podrá apreciar hasta el 26 de marzo. Esta tarde, a su vez, se brindará un taller teórico-práctico.
En su noche de estreno, la Feria de Arte Contemporáneo Villa María concretó la venta de 22 piezas artísticas.
La propuesta se extenderá hasta el 26 de marzo en el Museo Municipal de Bellas Artes Fernando Bonfiglioli para brindar un espacio en el que artistas locales y de la región puedan exhibir y comercializar sus trabajos, a la vez que pueden participar de diversas instancias de capacitación.
La Feria de Arte dio inicio ayer por la tarde, con la primera charla abierta con eje temático en género y coleccionismo. El debate, que estuvo a cargo de la curadora Kekena Corvalán y de Alejandra Portela, contó con una gran participación del público.
Luego se dio lugar a la apertura oficial, con la exhibición de las 280 obras que 33 artistas prepararon para esta edición. Así la velada de apertura transcurrió con gran éxito, alcanzando la venta de 22 piezas. Como referencia, vale recordar que en su última edición, se vendieron un total de 50 obras.
La iniciativa parte de las políticas diagramadas por la Secretaría de Educación, Cultura y Promoción de la Ciencia, que busca promover un espacio donde se lleve a cabo la venta directa entre el autor de la obra y el comprador. En este punto vale aclarar que el Museo Municipal no participa en las ventas, ya que sólo aporta su infraestructura para concretar el intercambio comercial y el desarrollo de los talleres y charlas.
Con este puntapié, la Feria de Arte continuará vigente hasta el 26 de marzo, en el horario de 9 a 21 horas. Además, todos los días de 17 a 21 horas está presente una asesora de ventas, para brindar orientación a quienes deseen adquirir algunas de las piezas en exhibición.
Por otra parte, algo para resaltar son los precios accesibles de las obras, ya que aquellos trabajos enmarcados tienen un valor que comienza en 8.000 pesos y las obras en papel sin enmarcar, a partir de 2.000 pesos.
Nuevo taller
En cuanto al aspecto formativo de la feria, hoy tendrá lugar a las 15 horas un taller teórico-práctico a cargo de la curadora Kekena Corvalán y Alejandra Portela, con eje sobre los nuevos escenarios del mercado de arte local. Aquellos interesados en participar deberán completar el siguiente formulario web de inscripción:https://docs.google.com/forms/d/16b8pKBLdZEj-uAjTdf86Fnx2VfFpq57h3hIuOXZn0EE/edit
Gabriela Manfredi
Por último, el miércoles 22 a las 19:30 horas, Gabriela Manfredi vuelve a la galería para abrir el debate en torno al arte contemporáneo en Villa María.
Fuente: Bacap ~ Sael inició un proyecto que tiene a Mar del Plata como protagonista. Se trata de emoji-on, que muestra diferentes puntos de la ciudad con su arte.
José Alfonso, más conocido como Sael, es un artista autodidacta oriundo de Mar del Plata, que reside desde hace unos años en Buenos Aires y que va dejando huellas en los lugares del mundo que visita.
Su puntapié inicial en el diseño fue cuando conoció a Pablo y Sebastián de Trimarchi, allá por el 2004, cuando arrancaba diseñando productos, cuadernos y un sinfín de objetos. “Arranqué como artesano haciendo productos y después lo llevé a un lugar más armado. Siempre fue una búsqueda” expresa Sael. Mientras vivía en la ciudad, también armó un estudio- galería y tienda y un proyecto de Art Toys. Actualmente, ideó un sistema visual vinculado a Mar del Plata y desde Bacap te contamos de qué trata.
Lenguaje visual
-Tenés una impronta marcada con el juego simétrico, ¿Cómo definirías tu estilo?
-La verdad es que nunca me lo he planteado, pero tiene que ver con la geometría. Soy un artista digital, la ilustración y el diseño es como un híbrido donde encuentro mi equilibrio.
El espacio es una herramienta, para mí, para expresarme y llevé los “nodos”. Me gusta que la gente forme parte de mi trabajo.
Es un híbrido mi trabajo. Me siento cómodo en varios lugares y siempre buscando acercarme a la gente. No hay un límite de las cosas. Mientras tengas una historia que contar y más si has forjado un estilo, aunque hay que romper las barreras de tener estilo.
Hoy los canales pasan por muchos lados para ser un artista. También tenemos que romper con eso de ser artista. Todas las herramientas están para que las uses para comunicar algo.
Un estilo optimista y geométrico. Me gusta ver otra realidad. Siempre hay dos realidades.
Mar del Plata, bien feliz
-¿De qué trata tu reciente proyecto emoji-on?
Nació de una serie que tenía muchas ganas de hacer y se dio la posibilidad en el 2020 con la pandemia. Me gustaba gestar una obra que transmita super directo ese mensaje, pero tenga un juego más.
Tuve la posibilidad de exponer en Nueva York y fue elegido el smile que tenía que ver con la diversidad y era un mensaje global.
A partir de ahí, nació emoji-on, un emoji que avanza, también un juego de palabras con emoción. Empecé a hacer una serie donde el primer mensaje era el smile y a partir de ahí surgieron otros diseños que tienen que ver con ese juego. Por ejemplo: dos personas uniéndose y en las manos está el smile, tratar de jugar que lo que veas primero sea el smile y luego un juego de fondo. Siguiendo con el estilo y las líneas. La idea es el impacto.
¿En qué consiste? ¿Hay alguna forma de involucrarse?
Lo hice para Nueva York, para Tokio, las Cataratas del Iguazú, implica ciudades porque también me gusta esa parte. Hacía un montón que no hacía nada acá en Mar del Plata, pero el símbolo es mucho más profundo.
Cuando pasó lo de Nueva York, al salir en distintos medios se empezó a ver en las notas que se refería a mí como “el marplatense” y me puse a pensar qué es ser marplatense, porque no lo sé. Está bueno no saber y a partir de ahí, pensé generar algo para Mar del Plata: un símbolo desde otra mirada, una no tan interna. Siempre uno está escuchando y no me convence la campana negativa, siempre trato de ver otro lugar. Busco un proyecto que pueda aportar.
Primero y principal pensé en una organización, el trasfondo del símbolo, viene con una organización atrás.
Sentía que un símbolo era el puntapié para mostrarse de una manera, mi idea que el símbolo sea un reflejo de lo que somos.
-¿Cómo encaraste el proyecto para la ciudad?
Me puse a averiguar por qué “la Feliz” y no coincide más que dos meses al año.
Encarar desde un proyecto de sentimiento familiar, de decir “vengo a Mar del Plata porque me gusta”, hoy disfruto de otras cosas y al tener otras posibilidades decidí encarar este proyecto y ver en qué se transforma.
No tengo claro todavía porque tiene que ser orgánico, tiene que estar y el que vea otra cosa o necesite mostrar otra cosa, creo que va a empezar a funcionar. El símbolo trata de ser un espejo de nosotros mismos.
Una sinergia y un contagio total. Es un símbolo, que es una obra, que viene de una serie, pero también es algo que abarca muchas facetas, obra, escultura. Me gusta buscar caminos nuevos para expandir una obra.
-¿Cómo definirías esa obra en tres características?
-Natural, cálido, amable. Me parece que puede ser algo que te guíe, me interesa contagiar algo. El proyecto es medio crítico, tiene esa situación de somos felices o no somos felices.
Es la propuesta que tengo y me gustaría que esté en todos lados. Es tan visual que puede estar en cualquier lado. Trato de ser sincero en lo que deseo. Hoy tengo una mirada más global pero mi sentimiento es local. Que el símbolo sea una guía, un emoji, se puede trasladar a cualquier objeto. Le veo proyección. Es una obra
“Soy una persona de acción y reacción: mi búsqueda es generar situaciones”
Fuente: La Nación ~ Eso afirmaba el poeta Oliverio Girondo en el catálogo de una muestra exhibida en 1936 en el Museo Nacional de Bellas Artes; fue una de las escasas apariciones porteñas del prolífico legado del artista malagueño.
“Podría afirmarse que Picasso es una especie de Don Juan de la pintura, a quien no le interesa poseerla en éste o en aquel aspecto, sino violarla en todas sus manifestaciones, en todas sus posibilidades, para enriquecerse, cada vez, con una nueva conquista y un nuevo desengaño”.
Quien escribió estas palabras fue nada menos que el poeta Oliverio Girondo, en el catálogo de una muestra exhibida en 1936 en el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA). Se presentaba allí la colección de arte traída desde París por el ruralista santafesino Rafael Crespo; incluía Au Moulin Rouge (1900), un pastel del maestro malagueño que más tarde sumaría a su fama como pintor la de maltratar a las mujeres. Aunque esa es otra historia.
Picasso sumó a su fama como pintor la de maltratar a las mujeresMichel MAKO – Gamma-Rapho
Fue una de las escasas apariciones porteñas de su prolífico legado, según afirma el historiador Marcelo Pacheco en otro catálogo: el de la exposición de dibujos que alojó ocho décadas después el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Ahora, a medio siglo de la muerte de uno de los artistas más famosos de la historia, resulta oportuno volver sobre las investigaciones de este experto para rastrear sus huellas en la Argentina.
Retrato de Françoise (1947), una de las obras de Picasso que se exhibieron en el Moderno en 2016Archivo
Una es la pintura Mujer acostada (1931), donada por la familia Di Tella -junto con una acuarela del mismo autor- al Bellas Artes. A ese acervo público estaba previsto que se destinara también una obra que iba a ser adquirida en 1934, cuando se realizó en Galería Müller la primera gran muestra de Picasso en América Latina. Cuenta la “leyenda urbana”, según Pacheco, que el general Agustín P. Justo reservó el Conductor de caballo (1905), hoy en la colección del MoMA. Pero mientras avanzaba en el recorrido cronológico, preguntó quién era el autor de esas obras posteriores y se arrepintió por considerarlo una “mente enfermiza”.
Pablo Picasso y Francoise Gillot, una de sus mujeresLipnitzki – Roger Viollet
Aunque entonces se vendió una sola obra, algunas llegarían por diversos caminos a hogares codiciados como los de Victoria Ocampoy Antonio Santamarina. En 1939, el MNBA sumó otro hito “picassiano”: la exhibición de un telón pintado por el artista y ayudantes para la escenografía del ballet Parade (c. 1917), en una muestra organizada por el Louvre.
«Aquí murió Picasso», obra de Eugenio Merino exhibida por la Galería ADN en la reciente edición de ARCO, a casi medio de la muerte del artista malagueño Juan Carlos Hidalgo – EFE
“El telón de Picasso fue adquirido por el excéntrico Arturo Jacinto Álvarez -escribe Pacheco-, no realmente coleccionista sino consumidor ‘vistoso’. Según sus propios recuerdos, conservó el telón en su estancia y lo contemplaba una vez cada quince días, tomando el té, sentado dentro de la obra desplegada sobre el pasto del parque que rodeaba el casco rural”.
Fuente: La Voz ~ Lo que empezó como un Instagram para difundir artistas locales, inauguró ahora algo más ambicioso: un espacio para poner en contacto obras de artistas locales y público interesado.
Hay para todos los públicos. Hay ilustraciones, pinturas, esculturas. Precios considerables hasta otros más accesibles como, por ejemplo, cuadros a partir de $ 4.000. Y todo de artistas cordobeses. Así es el novedoso y ambicioso lanzamiento del equipo de Arte Córdoba (@artecordoba en Instagram).
Así, en la búsqueda de piezas artísticas para decorar un espacio, por ejemplo, uno puede superar la opción de ir “solamente a una casa de deco” y puede acceder a una página que reúne arte de diversas ramas, de diferentes artistas locales, y con obras y precios para todos los gustos.
Nico Riofrio, curador del proyecto (y uno de los dos responsables junto con la publicista Natalia Brondello), le contó a VOS cómo nació esta iniciativa y cuál es la propuesta.
Nicolás y Natalia, creadores de Arte Córdoba. (Gentileza Arte Córdoba)
Primero, conviene empezar por los orígenes de Arte Córdoba antes de esta nueva página de e-commerce. Comenzó como una cuenta de Instagram en 2019 y hoy tiene una firme comunidad de más de 12 mil seguidores. “La motivación principal y el motor hasta hoy son crear comunidad”, expresa Riofrio.
Todo comenzó por sus propias experiencias como artista: “Me habían invitado a Buenos Aires a ferias y notaba que tenía más acceso a esos eventos allá que acá. Me parecía extraño. Vengo del palo del diseño gráfico, pero igual, me di cuenta de que conocía a muy pocos artistas acá y estaba armando más círculo allá. Noté que allá están superorganizados, en contacto todo el tiempo, formaban grupos para salir a pintar en los barrios, invitaban a artistas como yo a exponer. Me sentí muy a gusto con todo eso”.
“Quería generar que entre artistas nos conociéramos y con el público también, que aficionados al arte que también pudieran conocer qué hay en su propia ciudad y que, por ejemplo, si quieren comprar un cuadro para su casa, no vayan a una casa ‘de deco’ solamente, sino que puedan adquirir una obra única de un artista local”, completa.
¿Era entonces una necesidad clara, desde el principio, comercializar obras? Los artistas también necesitan vivir, pero la respuesta no es tan simple: “Estaba la necesidad de generar el contacto del público con los artistas, que los conocieran y después que si te gusta algo, le puedas escribir. Nuestras publicaciones en el Instagram son gratuitas y si bien el objetivo principal no era que pudieran vender, era parte de lo que nos imaginábamos”.
Arte Córdoba, difusores de arte local
Así, Riofrio empezó a hacer un trabajo de hormiga, persona a persona, que hoy no tiene límites: “Conocía a varios, tengo amigos y amigas artistas, y se fue generando una red. Les ofrecía publicarlos, me decían que sí porque no eso tiene ningún interés comercial por detrás, y se fue compartiendo, me recomendaban a alguien más u otros me escribían. Fue un trabajo que se fue dando orgánicamente. Se armó una lista que hasta el día de hoy no tiene fin. Se van sumando, si bien yo hago una curaduría”.
–¿Cuál es ese criterio curatorial?
–En cuanto a la localización, fui ampliando, quería trascender el “dónde naciste”. Que sean de acá o tengan algún vínculo. Por ejemplo, muchos no son de acá, pero han estudiado o viven acá desde hace mucho tiempo. Por otro lado, en cuanto a lo estético, busco ser amplio y diverso. Lo principal es que se note un trabajo constante y profesional de su obra. Tiene prioridad el artista que está intentando vivir de eso o que le da mucha importancia en su día a día. Como yo no vengo de la formación artística clásica, intenté que Arte Cba reflejara eso. Hay arquitectos, fotógrafos, tatuadores, ser artista es más que estudiar arte.
–¿La pandemia fue una oportunidad para crecer?
–La pandemia fue una oportunidad para dar a conocer más el proyecto. Yo no tenía mucho tiempo, así que lo venía llevando muy tranqui. En esa época me mermó muchísimo el trabajo como diseñador gráfico y tuve más horas ociosas que dediqué a este proyecto, además de como artista dedicar más tiempo a mi obra, yo trabajo con collage analógico. Ni hablar de que la gente estaba todo el día con el celu en la mano, fue un boom.
–Y después vinieron las muestras y las ferias.
–Cuando hubo un poco de apertura, hicimos una pequeña primera feria con todos los protocolos. Fue muy sorprendente confirmar todo lo que venía siendo el proyecto, hasta el momento no nos conocíamos las caras. Pero se sumaron un montón de artistas y explotó de asistentes porque la gente tenía mucha necesidad de salir y compró un montón porque no gastaba en otras cosas, como salir a tomar algo.
Una de las ferias que organizaron. (Gentileza Arte Córdoba)
Mucho más que una vidriera
A partir de ahí, nacieron las iniciativas solidarias: “Ahí ya les pedí a los artistas si podían dejar alguna obra para reunir fondos para una acción solidaria. Pero fue al tiempo, en un nuevo período de aislamiento en el que nos organizamos por WhatsApp, se sumaron un montón con obras y armamos una rifa, todo de forma online. Uno de los artistas en nuestro grupo de Whatsapp, Chuave (@chuavevo), trabaja en el Comedor Los Bajitos y, en la búsqueda por causas, nos contó que ahí necesitaban un freezer. Nos levantaron un montón de medios, una señora nos regaló el freezer, y los $ 90 mil que recaudamos (la meta era $ 60 mil) se destinaron a obras que necesitaban”.
Hoy, Riofrio señala que Arte Córdoba tiene “tres patas”: “Una es la difusión gratuita de artistas por Instagram. La otra es la pata solidaria que busca que los artistas con su arte y su mensaje se comprometan social y políticamente con lo que pasa. La tercer pata tiene fines de lucro, por así decirlo, que hasta ahora han sido las ferias. Han sido cuatro y se viene una quinta. Ahí el artista paga por su stand, un formato clásico de feria. Ahora se suma a eso la página de e-commerce”.
Finalmente, el 6 de marzo lograron materializar la página en la que los artistas comercializan sus obras.
–¿Cómo y cuándo nace la idea de la página de e-commerce?
–Siempre fue una idea. Arte Córdoba también tiene como objetivo, por su costado social y por estar más del lado del artista que del empresario, ayudar al artista a que pueda vender su trabajo. Surgió también durante la pandemia, vimos que el e-commerce explotó en ese momento.
–¿Cómo funciona para ustedes y los artistas?
–El formato clásico en el arte es ‘yo vendo una obra, vos me pagás una comisión’, ya sea del 30, 40 o 50%, y yo tenía claro que no quería cobrar comisión. Llevó mucho tiempo entender cómo lograr eso para seguir siendo fieles al proyecto. Resolvimos armar una web en la que el artista pagara una suscripción mensual baja, más o menos lo que le costaría armar su propia página. Le queda todo al artista, no nos deja nada de comisión, ya sea que venda una o 10 obras al mes. Esto también es un formato de negocio que se usa y está bueno: vos te suscribís a un montón de cosas. A la persona que creó el proyecto quizás le hace falta un cierto número de artistas, pero se crea comunidad.
Una de las muestras que organizaron. (Gentileza Arte Córdoba)
–¿Cuándo empezaron a trabajar en esto?
–Empezamos a trabajar en 2021. Nos llevó todo el año pasado pulir y testear la página. Es un sistema complejo en el que cada artista tiene un usuario y contraseña, como en Mercado Libre. Y cuando se realiza una compra, la plata llega directamente al artista. Todo eso tiene su complejidad.
Así, Arte Córdoba sigue creciendo. Mientras su e-commerce se desarrolla, el equipo asegura que planea continuar con las ferias (pronto informarán sobre la quinta, que ya planifican), muestras e iniciativas solidarias. Una gran noticia para el arte cordobés.
Fuente: Perfil ~ Los artistas argentinos Nancy Pimenta Alves y Norberto Moncarz fueron los protagonistas de una velada especial en el exclusivo SLS Puerto Madero, al intervenir la escultura del icónico pato, insignia del hotel.
El SLS Puerto Madero de Buenos Aires fue el escenario de una intervención artística única, llevada a cabo por los talentosos artistas argentinos Nancy Pimenta Alves y Norberto Moncarz. El matrimonio de pintores, radicado desde hace años en Portugal, fue elegido para intervenir la icónica escultura del pato, insignia del hotel, con un estilo que refleja su particular enfoque en la expresión artística.
Decenas de invitados exclusivos se dieron cita en el hotel de Puerto Madero el jueves 2 de marzo, para disfrutar de esta muestra única de arte contemporáneo que dejó impresionados a todos los presentes. La escultura del pato, una pieza de arte ya icónica, ubicada en la terraza del hotel, fue transformada en una obra aún más sorprendente.
Pimenta Alves y Moncarz trabajaron juntos durante días para transformar la figura del pato en una obra de arte moderna, utilizando técnicas mixtas de pintura que van desde el arte abstracto hasta el hiperrealismo. El resultado final fue una pieza única y fascinante, que dejó a todos los presentes maravillados.
El Sales y Marketing Manager del hotel, Alejandro Virto, se mostró muy satisfecho con la intervención artística y expresó su entusiasmo por la creatividad y el talento de los artistas. «Estamos muy contentos de haber tenido a Nancy y Norberto acá, trabajando en una pieza de arte que ahora es una parte integral de nuestro hotel», dijo Virto. «La explosión de colores que trajeron a este proyecto es verdaderamente impresionante, y estamos seguros de que será una atracción para nuestros huéspedes en los años a venir».
El hotel
El SLS Puerto Madero es un hotel de lujo ubicado en Juana Manso 1725, en el corazón del barrio más moderno de la ciudad. Este elegante hotel, que combina elementos de la arquitectura moderna con una estética que tiende a la creatividad y lo sorpresivo, ofrece a sus huéspedes una experiencia única y memorable.
El hotel cuenta con 59 habitaciones y suites, todas decoradas con un estilo moderno y sofisticado. Las habitaciones cuentan con todas las comodidades que se esperan de un hotel de lujo, incluyendo una cómoda cama, un baño espacioso, un minibar, televisores de pantalla plana, acceso a internet y más.
Además de sus habitaciones de lujo, el SLS Puerto Madero también cuenta con un restaurante de alta cocina, Leynia, que sirve una deliciosa selección de platos internacionales y de la gastronomía local. El bar del hotel es el lugar perfecto para disfrutar de una copa de vino o de un cóctel después de un largo día de turismo.
Los huéspedes del hotel también pueden disfrutar de la piscina al aire libre, el spa y el gimnasio. El spa ofrece una variedad de tratamientos de belleza y relajación, mientras que el gimnasio está equipado con lo último en equipos de entrenamiento.
La intervención artística de Nancy Pimenta Alves y Norberto Moncarz en el SLS Puerto Madero es una muestra más de la creciente importancia del arte en la vida cotidiana y en la cultura de Buenos Aires, así como también es una muestra del compromiso de SLS con crear un producto de calidad para sus huéspedes. Con su talento y su creatividad, estos artistas demostraron una vez más que el arte puede inspirar y enriquecer nuestras vidas de muchas maneras diferentes.
Con la adición de la intervención artística de Nancy Pimenta Alves y Norberto Moncarz, el SLS Puerto Madero se convirtió en un lugar aún más especial para aquellos huéspedes que aparte de confort buscan respirar arte y cultura en uno de los puntos más exclusivos de América Latina.
Fuente: Ámbito ~ Con la muestra «Del cielo a casa», que reúne más de 600 piezas entre objetos, obras de arte y documentos de la vida cotidiana argentina desde principios del siglo XX hasta la actualidad.
El porteño museo privado Malba inaugura su programa de exposiciones 2023, con la muestra «Del cielo a casa», que reúne más de 600 piezas entre objetos, obras de arte y documentos de la vida cotidiana argentina desde principios del siglo XX hasta la actualidad, en diálogo con el imaginario político, social y afectivo y completa su lanzamiento con una muestra individual de la artista Marcela Sinclair.
La exhibición, que se inaugura el martes próximo con una conferencia del escritor Martín Kohan, a las 18, apuesta por una mirada etnográfica que, más allá de la autoría o los procesos, invita a abordar la cultura material desde los usos, las costumbres, los rituales y los simbolismos que las cosas generan en una sociedad.
“El entramado de objetos, espacios de vida y obra, teje una red de sentido ampliada: nos conecta emocionalmente con lo propio a partir de una porción de ese archivo de la vida común en el que el diseño, el arte, la industria y la historia se hibridan. Nos convocan a viajar a un pasado cercano, para conjurar nuevamente los sucesos y anhelos de futuro que allí se inscribieron”, destaca el equipo curatorial, integrado por historiadores, diseñadores gráficos e industriales, arquitectos y editores a cargo del concepto y de la puesta de la exposición.
La exhibición abarca tres grandes zonas: «la identidad del territorio, el diseño por fuera de los cánones y las vicisitudes políticas, sociales y económicas de nuestro país», informa el Malba y agrega que los objetos «se agrupan sin cronología, jerarquías, ni distinción de disciplinas, transgrediendo así los límites del uso y difuminando la frontera entre arte y diseño».
Las piezas provienen de diferentes archivos y colecciones públicas y privadas, entre ellas la colección del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, y la Fundación IDA (Investigación en Diseño Argentino), sin fines de lucro creada en 2013 y dedicada a la investigación, recuperación, conservación, difusión y puesta en valor del diseño nacional.
La inauguración de la muestra, que se podrá visitar hasta el 12 de junio, se concreta a sesenta años de la primera muestra de diseño en la Argentina (CIDI, 1963), y coincide con el cuarenta aniversario del regreso de la democracia en el país.
En diálogo con esta exposición el Malba presenta «Vía pública», una muestra individual de la artista argentina Marcela Sinclair, que se inscribe en un nuevo proceso de investigación basado en la consideración de lo público como un espacio de construcción de comunidad, de exposición de conflictos y formación de consensos.
Bajo esta premisa, la artista presenta una serie de obras site specific cuyos imaginarios desafían el antagonismo entre lo doméstico y lo urbano y, como punto de partida, la exhibición dispone de la figura del columpio conformada por una viga de demolición y cuerdas que cuelgan de la triple altura del museo lo que pone en juego el supuesto de una arquitectura del balanceo, de la inquietud.
A contrapelo de la clausura espacial, esta obra, con curaduría de Nancy Rojas, advierte un espacio capaz de palpitar la vocación por lo público anhelando la coreografía de lo colectivo.
Desde hace más de una década, Sinclair explora formas de ligar su práctica artística con la arquitectura, y por eso en sus instalaciones hay dos tácticas recurrentes: la intervención de edificaciones existentes y el diseño de objetos generadores de desplazamientos de sentido.
Vía pública se inspira así en la idea de los espacios como zonas de interacción, de ficcionalización y de mezcolanza, de confluencia entre el adentro y el afuera», señala la información.
Las muestras, que se inauguran el martes 21 de marzo, podrán visitarse hasta el 12 de junio en avenida Figueroa Alcorta 3.415, de la Ciudad de Buenos Aires.
Fuente: Argentina.gob ~ Conocé las principales fechas de esta nueva edición del Salón Nacional de Artes Visuales, el certamen que distingue las obras más representativas del arte contemporáneo argentino y reconoce la trayectoria de artistas de todo el país.
Del 15 al 31 de marzo: período de inscripción para conformar los Jurados
Destinado a personas involucradas en el campo del arte y la cultura. Es requisito una carta aval de alguna de las siguientes instituciones: asociaciones de promoción artística o cultural, universidades, facultades, unidades académicas, departamentos o cátedras, institutos superiores o terciarios de formación en artes, organismos provinciales, municipales y de CABA con competencia en materia cultural, y museos dedicados a las artes visuales (excepto los que actúan en el ámbito del Ministerio de Cultura de la Nación). Se trata de una experiencia profesional que te permitirá conocer el estado actual de las artes en todo el país.
Del 12 de abril al 7 de mayo: inscripción abierta para artistas Premios Salón Nacional de Artes Visuales: se premian las 3 mejores obras (adquisición) y 43 obras por categorías artísticas (no adquisición). Las disciplinas son Artes del Fuego, Dibujo, Escultura, Espacio No Disciplinario, Fotografía, Gráfica, Instalaciones y Medios Alternativos, Pintura y Textil.
Premio Nacional a la Trayectoria Artística: premia la trayectoria de 8 artistas vivxs, quienes reciben una pensión y donan una obra significativa de su producción.
10 de julio: publicación de obras seleccionadas de los Premios Salón Nacional de Artes Visuales
21 de septiembre: inaugura la exhibición de obras seleccionadas y premiadas en el Centro Cultural Kirchner y el Centro Cultural Borges.
En esta edición se sigue garantizando un porcentaje no menor al 50% de participación femenina y un 5% de personas no binarias y travestis-trans en todas las etapas del certamen. La nueva estructura de Jurados, el establecimiento de un piso de 50% de participación de personas que residen fuera de la ciudad de Buenos Aires en todas las instancias del Salón Nacional de Artes Visuales, y la cobertura del costo del transporte de obras seleccionadas de artistas que viven más allá del AMBA afianzan el carácter federal e inclusivo de este centenario evento artístico.
Con motivo de los 200 años de nuestra ciudad, el Museo Municipal de Bellas Artes presenta cuatro propuestas en un proyecto titulado “Cambios y continuidades en el Bicentenario de Tandil”.
Esta muestra, que reúne valiosos artistas de lenguajes tales como escultura, pintura, video-arte, fotografía y un destacado grupo de arquitectos, expresa la intención de poner al alcance de públicos más amplios, miradas, discursividades, poéticas y metáforas, despertando el interés de construir nuevos imaginarios histórico –culturales, por medio de una reveladora selección de obras.
Federico Carbia, Mariana Debaz, Marcelo Bondi, Mario Paredes, Rodrigo Velázquez y un grupo de arquitectos conformado por: Oscar Bertoli, Marta de Casas Maune, Nicolas Dubourg, Patricia Farah, Ani Fernández, Rodolfo Frolik y Esteban García Do Cobo, nos presentan las distintas perspectivas artísticas en relación a los fundamentos y comprensión del pasado y presente, que nos permiten aportaciones dinámicas y diversas para recrear la historia tandilense.
Piedras de poder en el audiorio del Museo, se compone de una selección de obras en las que Federico Carbia, en palabra de Juan Perone “dialoga con los paisajes que encuentra -y que le encuentran- a diario: la roca aventada y el arroyo, el verde aterciopelado que lo bordea y el pastizal duro que cubre la ladera. (…) Y en este diálogo con el entorno, Carbia se encuentra conla historia de los pueblos indómitos que nos precedieron. Indaga en sus herramientas de trabajo, en sus armas y en sus corrales de piedra. También en sus espacios rituales que fueron puentes hacia divinidades.”
En la muestra Geologías de la memoria, “el granito, esa roca ígnea, capaz de ser cortada y pulida en manos de nuestros escultores, mantiene su esencia y mística, tomando formas impensadas en cada una de las piezas que Mariana Debaz, Marcelo Bondi y Mario Paredes nos comparten en esta propuesta conjunta”.
Reconstruimos la memoria de Tandil de hace 100 años al rescatar las imágenes de Carlos Pierroni, fotografías icónicas de una versatilidad a prueba del tiempo. En ese sentido, Contaminatio: Todo es devenir, la propuesta de Rodrigo Velázquez se vale de estas piezas fotográficas para realizar collages en los que cada fragmento deja de señalar a un dueño primigenio para transformarse en otra cosa, devenir.
Por su parte, Desde el fuerte a la ciudad 200 años, de la mano de un grupo de arquitectos tandilenses da forma a la colosal transformación del fuerte a la ciudad, con los cambios que ha experimentado a través del tiempo, el impacto de nuevos materiales y la innovación de las distintas estructuras, enfrentándose hoy al desafío histórico de la sustentabilidad.
La piedra como símbolo, Tandil y su entorno natural, sus habitantes, el crecimiento urbano, son algunos de los tópicos que se enraízan en las paredes del MUMBAT, instalando herramientas para profundizar en el rescate de significados identitarios. El sábado 25 de marzo a las 20 hs los invitamos a repensar, cotejar y disfrutar de los cambios y continuidades en torno a los relatos que se desprenden del conjunto de obras expuestas, vivificando el pasado en el presente.
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