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Una escultura ondulante de Pablo Reinoso le pone el toque argentino a la escalera del palacio parisino

26 julio, 202426 julio, 2024 infoarte

Fuente: La Nación – Radicado en Francia hace décadas, el artista fue elegido por el presidente Emmanuel Macron para instalar una obra en el ingreso de la sede de gobierno; “Fleuves de France” es una estructura de hierro de tres toneladas.

Cuando este viernes los 126 jefes de Estado y de gobierno invitados a la inauguración de los Juegos Olímpicos de París lleguen al Elíseo para la recepción oficial, los recibirá, a ambos lados de la escalinata que conduce al interior del palacio, una espectacular obra del artista franco-argentino Pablo Reinoso, Fleuves de France (Ríos de Francia).

Encargada, inaugurada y bautizada este miércoles con ese nombre por el presidente Emmanuel Macron y su esposa Brigitte, la escultura ha cambiado totalmente el aspecto del célebre “perron de l’Elysée” (escalinata del Elíseo), donde los presidentes franceses reciben a sus huéspedes oficiales.

Macron saluda a Reinoso y a los obreros que lo ayudaron con la enorme estructura de hierro en la inauguración de su obra en el Elíseo

Si no fuera por las tres toneladas que pesa la obra en su totalidad, nadie podría haber escogido un mejor nombre para esa estructura de hierro, etérea y ondulante, que Pablo Reinoso tenía en la cabeza desde hace años, para remplazar las desangeladas rampas instaladas a ambos lados de la entrada principal de ese palacio, sede de la presidencia francesa, construido en el sigo XVIII, que vio pasar por sus muros seculares desde Madame de Pompadour, pasando por Napoleón Bonaparte y Victor Hugo, hasta el general Charles de Gaulle.

Y que haya sido Reinoso, artista franco-argentino radicado en Francia desde hace décadas, quien fuera escogido para esa obra no es sorprendente pues, desde que el actual mandatario asumió su cargo en 2017, Reinoso se ha convertido en “la estrella del Elíseo”, según tituló con justeza el diario Le Monde.

Reinoso se ha convertido en “la estrella del Elíseo”, según lo definió el diario Le Monde. (Foto: Rodrigo Reinoso)

Pasando revista a la Guardia Republicana aquel día de mayo, Macron quedó prendado de unas ondas de metal que emergían de los canteros de rosas del Elíseo. Eran Racines de France (Raíces de Francia), dos instalaciones de hierro del mismo estilo que las inauguradas este miércoles en la entrada del palacio, pero que se transforman en bancos, para delicia de aquellos privilegiados que son invitados a disfrutar de ese maravilloso jardín.

“Racines de France”, obra de Pablo Reinoso en los jardines del Palacio del Eliseo en París. (Foto: Rodrigo Reinoso)Gentileza Rodrigo Bueno

Esta vez, Ríos de Francia estará a la vista de todos. Cada vez que un presidente reciba a un huésped de honor en el patio del Elíseo, las dos rampas de Pablo Reinoso aparecerán en la foto. Pero eso no es todo. Porque, con esa contribución -totalmente gratuita, al igual que los bancos- ese apasionado franco-argentino de 69 años, radicado en Francia hace décadas, que huyó de la dictadura cuando tenía 23 años, manifiesta su agradecimiento al país que lo acogió, poniendo el acento en su espíritu fraternal. Un universalismo que, en vez de escoger a un artista exclusivamente francés para ornamentar las puertas mismas del poder supremo, no tiene reparos en preferirle un creador de origen extranjero.

Y esto habla también de Reinoso. Porque el día que instaló sus bancos Racines de France en el jardín del Elíseo -por entonces un simple préstamo al Estado francés, que se convirtió el año pasado en una donación- lo hizo con una condición:

“En mis bancos que se ramifican, esculpí hojas de roble y de olivo, símbolos de la justicia y de la fuerza para la República francesa. Los dibujé con la misma orientación que en mi pasaporte francés, mirando al cielo”, afirmó. En aquel momento Francia acababa de escapar a la eventualidad de un presidente de extrema derecha. Si no hubiera sido así, Racines de France, no se hubieran instalado en ese jardín.

“A mi me encantan. ¿Usted qué opina?”, preguntó a LA NACION una cálida Brigitte Macron, que acompañaba a su marido a inaugurar la obra, con natural informalidad. Segundos antes, el mandatario y su esposa habían felicitado no solo a Reinoso y a su hijo Rodrigo, su mano derecha y también talentoso artista, sino a todo el equipo de instaladores que, con un esfuerzo ciclópeo, terminó esa creación monumental en apenas 40 días.

Esa aventura inverosímil había comenzado hace un año, cuando Reinoso escribió a Macron para informarle que estaba donando al Estado sus bancos Raíces de Francia. “Pareció encantado y me agradeció. El Eliseo me citó de inmediato y tuvimos un par de reuniones con sus servicios para ver a qué cuerpo de Estado se donaba la obra. Porque el Elíseo no posee nada, es todo prestado. Cuando estábamos en ese trámite, me preguntaron más sobre la génesis de la obra”, recuerda Reinoso. Les contestó que tenía una génesis y una continuación.

“Fíjense esas dos rampas. Son un desastre, fuera de norma y peligrosas. Y como vienen los Juegos Paraolímpicos, me parece de terror que eso no esté arreglado”, agregó.

El Elíseo le pidió que enviara algunas ideas. “Y el presidente dijo ‘quiero eso. Hay que hacerlo’”, relata.

Por entonces corría el mes de enero. Y, a pesar de la autorización presidencial, la burocracia demoró las cosas hasta que Reinoso tuvo la idea de recurrir a la primera dama francesa. “Porque la conozco, me cae muy bien, le tengo mucho respeto, y porque se ocupa más de las cosas del Elíseo”, dice.

A Brigitte Macron le pareció “un proyecto espectacular”. Y esa fue la idea que permitió relanzarlo. Pero los sinsabores de Pablo Reinoso recién comenzaban. Porque eso sucedió en vísperas de las elecciones legislativas europeas, en el mes de junio pasado. Y, al recibirlo nuevamente en la sede de la presidencia, el día después que anunciara la disolución de la Asamblea Nacional y elecciones legislativas anticipadas, Emmanuel Macron le pidió en forma irrefutable que la obra estuviera lista para el 26 de julio, día de la inauguración de los Juegos Olímpicos de París.

“Pablo, ese día yo recibo a más de más de 120 jefes de Estado y de gobierno. La obra tiene que estar terminada para entonces”, dijo Macron.

Tomando conciencia de la importancia histórica de esa tarea, Reinoso intentó una broma: “Señor Presidente, usted nos dejó apenas 20 días para pensar en quiénes vamos a votar, a mi me da 40… tengo que considerarme muy afortunado”. Esta tarde, Pablo Reinoso estaba merecidamente feliz.

Hermenegildo “Menchi” Sábat, el artista de todos los públicos

26 julio, 202426 julio, 2024 infoarte

Fuente: Clarín – Su obra es de todos hace tiempo: de sus colegas, editores prestigiosos y miembros de la Academia Nacional de Periodismo que ayer lo recordaron, en un encuentro muy emotivo en el hall central del Museo Nacional de Arte Decorativo (MNAD), de sus compañeros de redacción, con quienes compartió experiencias, y de sus lectores. Incluso de aquellos caricaturizados que, más de una vez, pese a la ironía de sus ilustraciones, le pedían los originales de sus trabajos.

La muestra “Hermenegildo Sábat, maestro del retrato” concluirá el próximo domingo, luego de cuatro meses exitosos. Pasaron por el MNAD más de 120 mil personas. Un récord para un artista, dibujante, periodista, autor de libros maravillosos, que partió hace casi seis años, a los 85 años.

En una charla impulsada por la Academia Nacional de Periodismo que Sábat presidió, se reunieron los académicos José Ignacio Nacho López (quien hoy ocupa el sillón Manuel Belgrano); Ricardo Kirschbaum, secretario general de la Redacción de Clarín; Joaquín Morales Solá (hoy analista político de La Nación pero que recibía sus ilustraciones durante la guerra de Malvinas en este diario); Eduardo Van der Kooy, editor y secretario de Redacción de Clarín, coordinados por el periodista Pablo Sirvén. La idea del encuentro, titulado “Memoria periodística”, fue recordar a Sábat en su trabajo como caricaturista, pero también como compañero del espacio profesional.

https://92c572389323b0fc0baa48f912c95c53.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-40/html/container.htmlTributo a Hermenegildo Sábat, de der. a izq. José Ignacio López, Ricardo Kirschbaum, Joaquín Morales Solá, E. van der Kooy y, en el extremo izquierdo, Pablo Sirvén. Fotos de Ariel Grinberg

Reconocido hace un mes como Personalidad Destacada de la Cultura y, sin duda, el mejor vocero presidencial en 40 años de democracia (lo fue del Presidente Raúl Alfonsín, en los primeros años de una democracia en vilo), José Ignacio López hizo –tal vez sin querer- un anuncio: está en proyecto la realización de un documental sobre Menchi Sábat. Y si, como le cuenta a Cultura el director del Museo Decorativo, Hugo Pontoriero, la expo fue visitada por mucha gente joven, es un proyecto muy auspicioso que exista un registro audiovisual del inolvidable artista.Tributo a Hermenegildo Menchi Saáat en el Museo de Arte Decorativo. Fotos de Ariel Grinberg

Tras agradecer a su viuda Blanca, y a sus hijos Rafael y Alfredo Sábat (quien heredó el gen y el oficio paterno), López dijo luego haber prestado tanta obra inédita para la muestra, que “nadie como Menchi retrató mejor nuestra larga decadencia, nuestra inestabilidad permanente, la crisis moral de las dirigencias, el derrumbe económico y social, la tragedia de la dictadura. Nadie como él nos interpeló con toda esa historia que está sobre los hombros de todos nosotros”. Y agregó: “Menchi no se fue. Está entre nosotros, interpelándonos a través de sus dibujos. Es un «Imprescindible», y lo es en este tiempo. Pocos como él contribuyeron de tal manera al ejercicio de la libertad de expresión en todos los tiempos y a la recuperación de la democracia. Según Nacho López, la exhibición de Sábat es el mejor exponente de “una memoria para construir” y no para dividir.Registros de video que alimentarán un documental. Fotos de Ariel Grinberg

Tras mencionar a sus compañeros de mesa, Kirschbaum, Morales Solá y Van der Kooy, que compartieron horas intensas de redacción con Sábat, el académico anunció el video que se proyectó seguidamente, donde se pudo ver a Sábat conversando primero con Hugo Alconada Mon, durante una entrevista, y luego con Graciela Fernández Meijide, en los que cuenta con pocas palabras su proceso de creación: “El asunto es dibujar las ideas que vos tenés. Cuando me preguntan qué pensaba cuando hice determinado dibujo, creo que tiene que ver con el momento que vivía en ese instante. Y por otro lado sé que hay límites, lo que no significa que un dibujo mío no vaya a publicarse. No es un juego ver un dibujo publicado”, dice Sábat en el video.

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Con varios de sus retratados, Sábat tuvo luego una amistad. Por ejemplo, con Dante Caputo y Juan Sourrouille, Canciller y Ministro de Economía respectivamente durante el gobierno del presidente Alfonsín. Con su sentido del humor austero dice Sábat, amante del jazz y del tango, en el video: “Dormir es lo que mejor hago y nadie me felicita por eso”.

Sirvén, quien coordinó a los participantes, acotó que “con Menchi se terminaba esa tensión entre la palabra y la imagen que existe en las redacciones, quizá por esa franqueza y esa simplicidad con que se expresaba”. La pregunta fue si era un humanista quien dibujaba, teniendo en cuenta que también se abrió al mundo de la música, del arte y de la literatura.Autoeretrato de Menchi Sábat, eterno habitante de la redacción.Viudas de la dictadura; los generales en procesión a su propio velorio. Una histórica caricatura del dibujante.

Recogió el guante Morales Solá, quien subrayó: “En primer lugar, con Menchi nunca hubo tensiones. Fue el mejor analista político de su tiempo. No recuerdo haberle pedido algo en particular. Tenía una singularidad y es que con pocos trazos y ninguna palabra decía muchas cosas. Sin dudas de aquella época (en la que Morales Solá era el segundo hombre a la cabeza de la Redacción de Clarín). Recuerdo el dibujo titulado “Las viudas”, en la época en que terminaba la dictadura militar y empezaban las impugnaciones por los derechos humanos; todo eso se expresaba en ese grupo de altos jefes militares. Desde el poder nadie se quejaba”.

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Morales Solá recordó luego la cantidad de gente “importante que pedía los dibujos de Menchi. Pero no las copias, sino los originales en los que los había dibujado”. Y agregó que su aspecto de “hombre duro” era para esconder su timidez», “no recuerdo haberlo visto enojado.

Cómo lo recordaron sus compañeros

De inmediato Ricardo Kirschbaum se refirió al famoso dibujo de Hermenegildo Sábat que causó un gran revuelo en el país: Sábat dibujó a la entonces presidenta Cristina Fernández de Kirchner con dos tiritas cruzadas sobre la boca, en medio del conflicto con el campo por el frustrado proyecto de retenciones móviles, ideado por el entonces Ministro de Economía kirchnerista, Martín Lousteau.Ricardo Kirschbaum, al recordar al maestro Sábat. Fotos de Ariel Grinberg

El hecho ocurrió en 2008 y la presidenta usó por primera vez el atril público, durante un acto en Plaza de Mayo, para atacar a un periodista a quien acusó de enviar “un mensaje cuasimafioso”. Así lo recordó Ricardo Kirschbaum. Un año antes lo había acusado de “machista”.

Kirschbaum recordó el momento como “algo muy particular. Fue el famoso dibujo donde esa Cristina, con las tiritas en la boca, aludían a que hablaba demasiado. Y ella había dicho que la querían censurar. Pero Menchi nunca contestó. Salvo una vez que escribió un texto que tengo guardado, citando a un músico de jazz que hablaba sobre los códigos no escritos de la mafia. Es la única referencia que hizo sobre el hecho. Nunca quiso hablar sobre el tema”.Cristina Fernández en medio del conflicto con el campo, en 2008. Ésta y otras caricaturas de ese año beligerante enfurecieron a la presidenta.

El secretario general de Clarín agregó un recuerdo: un general muy prominente hizo llegar a la redacción un mensaje y era que si Sábat lo seguía dibujando, iba “a aparecer flotando en el Río de la Plata”. Kirschbaum continuó: “El periodista que en ese momento cubría Ejército trajo esta recomendación al diario. Y Menchi respondió: ‘Bueno, yo soy rioplantese‘”. Lo que provocó sonrisas perplejas en la audiencia, que colmó ayer el hall del MNAD.

“Quiero aclarar algo y es que Menchi era un periodista que iba a la Redacción todos los días porque necesitaba un contacto más cercano con lo que se estaba cocinando –compartió Kirschbaum–. Uno hablaba con él sobre lo que iba a escribir y él hacía lo que quería, pero se adaptaba a los espacios del periodismo. No era un artista que hacía su obra con independencia del vehículo donde sería publicado. El sabía de qué se trataba y dónde se iba a publicar su dibujo”.Desde el comienzo del segundo período de Carlos Menem, no volvió a dibujarlo sino pegado a su sillón presidencial.

Y contó que en la redacción de Clarín hay un dibujo de Sábat, al estilo de un retablo, que retrata desde la presidencia de Roca hasta Menem, sentado en el sillón de Rivadavia.

Kirchsbaum rindió un sentido homenaje a Sábat al señalar que el dibujante “dijo muchas más cosas que nosotros en épocas muy difíciles. El se animaba a decirlo de una manera mucho más sutil. No era directo, sino simbólico”.R. Kirschbaum y el columnista dominical Alejandro Borensztein, en la inauguración de la muestra en el Museo Arte Decorativo. Foto de Emmanuel Fernández.

Luego lo recordó Van der Kooy, quien recordó algo entrañable y es que “a veces en la redacción, uno lo veía de espalda en posición de meditación profunda. En verdad, estaba cabeceando. Pero había un aspecto de Menchi para destacar y es que desmistifica con su forma de ser, con su imaginación y con su arte, eso de asociar la rutina como algo burocrático, poco creativo, Menchi era muy rutinario. Iba a la Redacción incluso los feriados, pero esa relación con ese mundo para él era imprescindible y consiguió convertirlo en algo creativo. Demuestra que la creación también requiere disciplina”.

Del encuentro, cálido y colmado de recuerdos, surgieron calificaciones para Sábat como “un clásico”, “un hombre de cultura erudita”, “un maestro” reelegido por unanimidad como presidente de la Academia Nacional de Periodismo, lo que habla de su empatía y de la admiración que se le tenía.

https://92c572389323b0fc0baa48f912c95c53.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-40/html/container.htmlRetratos de J.L. Borges y Julio Cortázar; la literatura, siempre. Foto de Emmanuel Fernández

Fue interesante un concepto que compartieron los expositores: Menchi Sábat, un defensor de la libertad de expresión, no necesitaba que nadie le pusiera límites “porque los conocía. Y ampliaba esos límites, lo que nos daba más posibilidades en el periodismo”.

También hubo un comentario jocoso sobre su carácter y sus pocas pulgas. Si había que decirle algo que podía no gustarle, había que pensarlo y enviar en todo caso a quien se atreviera. Pero en todos los casos, se subrayó que buscando nuevos recursos narrativos y nuevas técnicas, Menchi Sábat tuvo un modo singular de relacionarse con el mundo.Aníbal Troilo, «Pichuco», visto por Sábat. Foto de Emmanuel Fernández

Quizá su dimensión, que cruzó fronteras, quede sintetizada en esta anécdota contada por Kirschbaum: “El despacho de Menchi en la Redacción quedó como estaba, intacto. Hace poco vino un dibujante español y se lo mostramos. Y apenas entró se puso a llorar”.

Mari Carmen Ramírez y el impulso de los coleccionistas privados al arte latinoamericano

25 julio, 202425 julio, 2024 infoarte

Fuente: Clarín – Una larga tradición de colaboraciones enmarca la relación entre Malba y el Museo de Bellas Artes de Houston, en la cual se inscribe la gran muestra dedicada a Gyula Kosice. Intergaláctico, que inauguró este mes en el Malba, está curada por Mari Camen Ramírez, curadora de Arte Latinoamericano del Museo de Houston y Directora deI Centro Internacional de las Artes de América (ICAA), quien comparte este proyecto con María Amalia García, curadora Jefe de Malba.

Desde un primer momento la colaboración entre ambas instituciones hizo foco en los artistas de la vanguardia latinoamericana. La muestra de Xul Solar, que se exhibió en ambos museos, hizo punta en ese sentido. Luego vino Gego, la retrospectiva de Carlos Cruz Diez (2010-2011), la muestra de Antonio Berni que aquí y allá hizo eje en las series de Juanito y Ramona y ahora Kosice.Vista de «La ciudad hidroespacial» de Kosice en Malba.

Artífice de todo esto es Mari Carmen Ramírez, alguien que desde los años 80 se ha empeñado en hacer conocer la complejidad del arte latinoamericano en los Estados Unidos por vía de una intensa difusión que apuntó a desmontar estereotipos y equívocos alrededor de muchos de sus grandes artistas. La mayor parte de ellos desconocidos y desmerecidos. Con ella conversamos sobre estas cuestiones durante su paso por Buenos Aires, en ocasión de la apertura de la exposición.

-El vínculo entre el Museo de Bellas Artes de Houston y Malba ha sido fructífero de que existe, ¿estás de acuerdo?

-Podría decirse que la coincidencia entre el nacimiento de Malba y la inauguración del International Center for the American Arts (ICAA), en los Estados Unidos fue el punto de partida. El MFAH es un museo de carácter enciclopédico que este año cumple cien años pero fue el primero en establecer un departamento curatorial y un centro de investigación focalizado en las artes de América Latina y las comunidades latinas de EE.UU. Así también un centro de investigación de las artes de las Américas. Fui la curadora fundadora de ese departamento, invitada por el doctor Peter Marzio, quien en ese momento era director del museo. Un visionario de origen italiano que tenía una predisposición especial hacia todo lo que era el arte latino. También fue uno de los primeros directores norteamericanos que viajó extensamente por América Latina; conoció a todos los directores y curadores y agentes de ese momento y se fascinó también con el Río de la Plata. En un momento quiso realizar una exposición de maestros del Río de la Plata, estoy hablando de los 80. Así fue que entré en contacto con él. Me contrató para hacer una consultoría sobre esa exposición. Entonces yo era muy allegada de Marcelo Pacheco (todavía soy amiga y colega) quien fue el primer curador de Malba. Teníamos una estrecha colaboración, en realidad siempre he tenido una relación muy estrecha con él. Nos vinculan intereses en cuestiones relativas a la curaduría, a las vanguardias latinoamericanas y de el arte latinoamericano en general.

-Tengo entendido que Marcelo Pacheco tuvo un protagonismo importante en el surgimiento y desarrollo del ICAA.

-Por cierto. Cuando lo creamos teníamos la idea de hacer conferencias, simposios, charlas de artistas, algo así. Pero el doctor Marzio quería algo que tuviera un efecto transformador en el campo del arte latinoamericano. Estamos hablando del año 2000-2001, cuando el campo del arte latinoamericano en Estados Unidos era todavía incipiente. No existía el aparato académico que tenemos hoy: más de cien personas se encuentran escribiendo tesis doctorales sobre el arte latinoamericano. Solo unas pocas universidades se ocupaban de Latinoamérica entonces. Marzio pensó que era una oportunidad para que el MFAH hiciera algo que tuviera impacto más allá de sus paredes. Entonces convocamos a los que conocían algo sobre arte latinoamericano y latino en los Estados Unidos. «Casa Colonial», de Xul Solar. / Cortesía Malba.

Básicamente curadores e historiadores del arte y algún que otro director de museo. Nos reunimos y nos pusimos a debatir sobre qué tipo de proyectos se podría impulsar. Salió el tema de los archivos, que era muy candente en ese momento, conectado a la necesidad de preservar la memoria de lo que habían sido los procesos del arte del siglo XX y del arte contemporáneo en América Latina. Todo el mundo empezó a soñar con adquirir archivos importantes. Pero también surgieron otras cuestiones imposibles de soslayar. Los archivos requieren una infraestructura, personal especializado: un proyecto de esa naturaleza rebasaba las dimensiones de una entidad dentro del museo.

Estábamos debatiendo cómo desarrollar un proyecto de archivos y fue Marcelo Pacheco quien me dio la clave. “Fíjate qué está pasando en el área tecnológica de modo que no sea necesario adquirir ni coleccionar archivos”, observó. Él estuvo atento a todo el proceso y fue una persona vertebral también para ese debate aquí en la Argentina. Gego, (Gertrud Goldschmidt), 1912 -1994, Venezuela.

-Sí claro, participó de la creación de la Fundación Espigas, fue su director y gestó su Centro de Documentación de las Artes.

-Estamos hablando del año 2001-2002. Si nosotros hubiéramos empezado cinco años antes no lo podíamos realizar porque la tecnología no estaba aún a nuestro alcance. Pero cuando lo empezamos ya estaban las primeras bases de datos y acercamientos digitales para la documentación. Esa fue la vía que elegimos a sugerencia de Marcelo.

-¿Cambió en mucho el perfil original?

-Se convirtió en un proyecto de acceso digital a los archivos y a las fuentes primarias, con la ventaja de que los documentos permanecerían en sus lugares de origen. Así le brindamos acceso a gente de todo el mundo gratis.

-¿Cómo fue financiado semejante proyecto?

-Básicamente por el Museo de Houston. Pero tuvo varias fuentes de financiación. Casi todas las fundaciones principales que se dedican a la documentación y a las artes nos dieron su apoyo. Entre ellas la Rockefeller y la Getty Foundation. Pero me interesa remarcar que Marcelo Pacheco fue una figura clave en los inicios de este programa que impulsó el MFAH de Houston, como así también en toda la colaboración con Eduardo Costantini y con Malba. En 2005 decidimos formalizar un acuerdo de colaboración y de intercambio. Llevamos a Houston la primera exposición de Xul Solar –una figura prácticamente desconocida en los Estados Unidos– y fuimos el primer museo de mostrarla. Se hizo en colaboración con la curaduría de Patricia Artundo, quien además trabajó con nosotros en el ICAA y fue la directora del equipo de investigación de la Argentina en Fundación Espigas. Obra de Joaquín Torres García.

Nosotros empezamos una colección de la nada al mismo tiempo que Malba. En nuestro museo existían fotografías latinoamericanas y dibujos y grabados de los muralistas mexicanos pero en realidad nunca se había hecho un intento de sistematizar una colección. Empezamos en 2001 con la última de la serie de Reticulares autónomas de Joaquín Torres García, luego entró una pieza de madera de su periodo de París. De alguna manera eso estableció las directrices de la colección en términos de lo que iba a haber una fuerte presencia de constructivismo latinoamericano de los años 30 y 40. Una línea que coincide con colecciones privadas que han tenido mucha presencia en Estados Unidos, como la Cisneros. Esa colección tiene una fuerte concentración de obras constructivistas.

Por mucho tiempo se asoció al arte latinoamericano con visiones figurativas o social realista. Y en ese momento salió al mercado todo ese legado del constructivismo latinoamericano que apenas se conocía. En los años 90 empiezan a descubrirse todas estas obras y se revalorizan a partir de Torres García, la Escuela del Sur, Madi, el concretismo. Patricia Cisneros y Adolfo Lerner tuvieron mucho que ver con eso. Los coleccionistas privados latinoamericanos tuvieron un rol muy importante, inclusive más importante que las instituciones, se les adelantaron y luego las instituciones tuvieron que reaccionar.

-Pienso en el análisis que haces en ese texto tuyo “Brokering Identities” sobre el arte latinoamericano y cómo fue representado en los EE.UU. y cuánto tuvo que ver la política, la relación con México y la Alianza para el Progreso.

-Lo que pasó con el arte de latinoamericano en Estados Unidos es que se generó primero un interés político durante la época del MoMA de Alfred Barr y la Segunda Guerra. Había factores ideológicos muy fuertes que estaban promoviendo la creación de un tipo de colecciones y luego, a fines de los 70, cuando se crean las casas con subastas especiales para el arte latinoamericano –el único arte del mundo que se presentaba separado como unidad geográfica–. Los que compraban eran los propios latinoamericanos que iban a Nueva York. Eso fue una situación propicia para los estereotipos como el que se construyó basado en Frida Kahlo, Remedios Varo y Diego Rivera, Orozco y el surrealismo de Roberto Matta y Wilfredo Lam. Hubo que trabajar mucho para desmontar todo eso.

Arte argentino: las obras contemporáneas que se subastarán este mes

23 julio, 2024 infoarte

Fuente: Perfil – El próximo martes 23 de julio a las 18:00 hs se subastarán obras de maestros del arte contemporáneo argentino. Con piezas de Vito Campanella, Fortunato Lacámera, Miguel Carlos Victorica, Juan Carlos Castagnino y Carlos Alonso, el encuentro tendrá lugar en la galería de Botta Subastas en Av. Pueyrredón 2458.

El martes 23 de julio a las 18 horas, Botta Subastas realizará una subasta con grandes obras de los maestros del arte contemporáneo argentino. El remate de las obras será un encuentro presencial en la sala de Av. Pueyrredón 2458, Recoleta, y también tendrá acceso online a través de la plataforma Zoom.

Entre las obras de arte que estarán en subasta, se destacan las creaciones de grandes maestros de la pintura argentina. Se subastarán pinturas de Vito Campanella, discípulo de Salvador Dalí, y de artistas como Fortunato Lacámera, Miguel Carlos Victorica, Juan Carlos Castagnino y Carlos Alonso, entre otros referentes del arte en Argentina.

Las pinturas que estarán disponibles para rematar son meticulosamente seleccionadas teniendo en cuenta la consagración de los artistas y obras provenientes de colecciones privadas. Todos los meses distintas obras del arte argentino son elegidas para participar de estas subastas.

Cómo participar de subastas de arte argentino

Para comprar obras de arte y participar de las subastas es importante conocer los detalles sobre las pinturas, quién es su artista, qué técnicas utiliza y qué mensaje buscó expresar. Es por eso, que desde Botta Subastas ofrecen asesorías con una exposición que se lleva a cabo de lunes a viernes de 12 a 19 horas los diez días previos al remate. Durante julio, la muestra estará habilitada hasta las 18hs del mismo día de la subasta.

Para realizar ofertas por obras de arte hay múltiples vías de contacto. Se puede participar de la subasta presencialmente en Av. Pueyrredón 2458, Recoleta, un espacio donde las obras se encuentran exhibidas. Sin embargo, también es posible adquirir una pintura desde la plataforma Zoom, con el link que aparecerá en el sitio web oficial de Botta Subastas, donde también se pueden realizar compras online. Otra de las alternativas es realizar ofertas por teléfono al 4004-1201.

Botta Subastas cuenta con experiencia de más de 22 años asesorando a coleccionistas y 11 años en el servicio de comercialización de obras de arte, antigüedades, joyas y memorabilia. Ignacio Botta, Director General de la empresa, se destaca por tener una de las miradas más acertadas sobre la pintura argentina, latinoamericana y esculturas.

Ignacio reveló cuáles serán las innovaciones que llevarán a cabo en los próximos meses para incorporar al mundo de Botta Subastas. “ Vamos a comenzar a realizar remates de memorabilia deportiva y musical, que es algo nuevo en Argentina. Este tipo de subastas son muy fuertes en el mercado estadounidense y europeo, pero todavía no se realizan acá”, expresó.

La mirada geométrica en el brillante arte de dos mujeres

23 julio, 202423 julio, 2024 infoarte

Fuente: Ámbito – El Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires inauguró «El espejo y el desorden» una exposición antológica de Natalia Cacciarelli y Gilda Picabea.

Invitadas por la Dirección del MACBA a realizar un recorrido antológico, más de 80 obras ocupan los cuatro pisos del museo correspondientes a “El espejo y el desorden” de Natalia Cacciarelli. y “Deriva Utópica”, de Gilda Picabea, ambas bajo la curaduría de Belén Coluccio. Estas artistas de vasta trayectoria adhieren a la abstracción geométrica y tienen obras en la colección permanente del museo.

Natalia Cacciarelli (Bahía Blanca, 1971), varias veces premiada por la Universidad del Salvador, Fundación Klemm, Palais de Glace, Banco Provincia, participó en ARTEBA, en diversas exposiciones individuales y colectivas en Argentina, EE.UU., Perú, Costa Rica, Uruguay,.

De Adolfo Nigro, dice que “aprendí a estar siempre en el taller, pintando, leyendo, regando las plantas, vivir lo cotidiano en mi espacio de trabajo”. De Pablo Siquier, “aprendí mucha técnica, los artificios para perfeccionar mi obsesión geométrica”. También señala que dialoga imaginariamente con Sol Lewit, Imi Knoebel, Ad Reinhardt, Tomma Abts, todos artistas faro en el minimalismo, el arte conceptual y la abstracción geométrica, que buscaron la espiritualidad a través de formas y colores.

Una constante en Cacciarelli es la repetición, la prolijidad extrema, la precisión y la simetría. Instalada en el medio artístico contemporáneo, su obra se destacó en 2014 en “Geometría al límite”, muestra en el MACBA curada por Rodrigo Alonso en la que reunió artistas de generaciones más cercanas en el tiempo que incursionaban en este lenguaje que parece no agotarse.

Cacciarelli también usó la acuarela, lo que quizás le permitió una mayor libertada expresiva, de allí la razón de los cambios que se notan en pinceladas informalistas o expresionistas que la apartan de su obsesión por la geometría pura y dura. Conserva la exactitud y la obsesión, pero se abre a nuevas expresiones.

Gilda Picabea (Buenos Aires, 1974), estudió en la Prilidiano Pueyrredón, asistió al seminario del color dictado por Karina Peisajovich, realizó clínica de obra con Cynthia Kampelmacher y también estudió con el maestro y artista Tulio de Sagastizábal.

Trabajó en “La Línea Roja” de Lidy Prati, proyecto de investigación, intervención artística y curatorial sobre la colección de Arte Concreto del Museo Nacional de Bellas Artes, una historia ligada a la revista Arturo sobre “Blanc, Noir et Rouge”, de Piet Mondrian. Prati había propuesto en su momento la reproducción para la revista pero, dado los costos, no se hizo. Una investigación compleja y dificultosa ya que algunos ejemplares se conservan en colecciones privadas, en instituciones del exterior y ninguna en el país. Picabea intenta reparar esta desvalorización de Prati en su carácter de mujer que integró el grupo de los concretos.

Desde 1940 la pintura geométrica ha jugado un importante papel en la Argentina. Desde el libro de Nelly Perazzo “ El Arte Concreto en la Argentina en la década del 40”, publicado en 1983, en el que la autora registró los movimientos, manifiestos, movimientos derivados , los artistas emblemáticos, la nueva música, la acción de arquitectos y diseñadores, la historia de la revista Arturo hasta una revisión reciente, “Neo Post- 50 años de Pintura Geométrica en nuestro país (1970 2020)» bajo la curaduría de Rodrigo Alonso exhibida en este museo aparecieron términos como geometría sensible, neo-geo, parageometrías, geometría ornamental, post-geometría y el énfasis en las nuevas generaciones.

En el sector dedicado a Geometría Siglo XXI, Gilda Picabea estaba incluida junto a Pablo Siquier, Alfredo Londaibere, Pablo Sinaí, entre otros, lo que constituye que esta disciplina puede ser infinita.

Para esta exposición se han seleccionado obras recientes de gran formato. Picabea da continuidad a los desarrollos de la abstracción sudamericana que tuvieron su origen mítico en 1944 que derivan de muchos de sus referentes, con gran oficio y también con una nueva mirada.

(Hasta octubre. Av. San Juan 328. Martes cerrado . Lunes a viernes de 12 a 19hs. Sábados, domingos y feriados de 12 a 19.)

Una escultora de Letonia obtuvo el primer premio en la Bienal de Chaco mientras que un argentino fue el elegido por el público

22 julio, 202422 julio, 2024 infoarte

Fuente: Infobae – La artista internacional Solveiga Vasiljeva se consagró con su obra “Tiempo”. Es la primera vez que una mujer resulta ganadora. Entre los locales, Luis Bernardi acaparó las preferencias de la gente con su escultura “Simpleza”. Listado de todos los premiados por categorías.

La escultora Solveiga Vasiljeva, de Letonia, se consagró ayer como la ganadora de la Bienal Internacional de Escultura del Chaco, una cita obligada de la escultura mundial que se realiza cada dos años en Resistencia y en la edición 2024 contó con la participación de 10 escultores de Argentina, Chile, España, Estados Unidos, Kosovo, Letonia, Nueva Zelanda, Perú, Rumanía y Turquía.

El evento, organizado por la Fundación Urunday y el gobierno del Chaco del 13 al 20 de Julio, tuvo lugar en el Parque 2 de Febrero a cielo abierto y convocó a casi un millón de visitantes. A lo largo de esos 7 días, el público también tuvo un rol fundamental al elegir a uno de los ganadores. Este premio lo obtuvo el escultor argentino Luis Bernardi, con su obra “Simpleza”.

Cada una de las obras expuestas fueron las siguientes:

“Simpleza”, de Luis Bernardi (Argentina).

“Multiplicidad”, de Alejandro Mardones Guillen (Chile).

“Habitus, anti habitus”, de Carlos Iglesias Faura (España).

“Obelisco”, de Billy Lee (Estados Unidos).

“Abstracto figurativo”, de Butrint Morina (Kosovo).

El evento, organizado por la Fundación Urunday y el gobierno del Chaco del 13 al 20 de Julio, tuvo lugar en el Parque 2 de Febrero a cielo abierto

“Tiempo”, de Solveiga Vasiljeva (Letonia).

“Mensaje”, de Anna Korver (Nueva Zelanda).

“Ritmo cósmico”, de Percy Raúl Zorrilla Soto (Perú).

“Reflejo de Luna”, de Bogdan Adrian Lefter (Rumania).

“Escapar”, de Emrah Onal (Turquía).

Todos los premiados:

Primer puesto: “Tiempo”, de Solveiga Vasiljeva (Letonia).

Segundo puesto: “Multiplicidad”, de Alejandro Mardones Guillen (Chile).

Tercer puesto: “Habitus, anti habitus”, de Carlos Iglesias Faura (España).

Premio de los Niños: “Simpleza”, de Luis Bernardi (Argentina).

Premio del Público: “Simpleza”, de Luis Bernardi (Argentina).

La ganadora junto los escultores que ganaron el segundo y tercer puesto. Ellos son Alejandro Mardones, de Chile; y Carlos Iglesias Faura, de España

Premio de los Escultores, “Efraín Boglietti”: “Tiempo”, de Solveiga Vasiljeva (Letonia).

Mención “Miguel Ángel Fernández”: “Abstracto figurativo”, de Butrint Morina (Kosovo).

Mención de la Universidad Nacional del Nordeste: “Obelisco”, de Billy Lee (Estados Unidos).

Premio de la Federación Empresaria Hotelera Gastronómica de la República Argentina (Fehgra): “Reflejo de Luna”, de Bogdan Adrian Lefter (Rumania).

Mención “Senador Antonio Rodas”: “Ritmo cósmico”, de Percy Raúl Zorrilla Soto (Perú).

Mención “FEMECHACO”: “Mensaje”, de Anna Korver (Nueva Zelanda).

Mención “Aeropuertos Argentina”: “Simpleza”, de Luis Bernardi (Argentina).

La edición de este año contó con la participación de 10 escultores de Argentina, Chile, España, Estados Unidos, Kosovo, Letonia, Nueva Zelanda, Perú, Rumanía y Turquía.

El jurado estuvo conformado por los escultores Carlos Monge, de México; Piotr Twardowski, de Polonia; y el escultor venezolano Ramón Morales Rossi.

En siete días de concurso hubo mucha concentración, trabajo en equipo, solidaridad entre participantes, momentos de emoción y capacitación.

Luego de la entrega de medallas por la participación a todos los escultores internacionales, se transmitió un video creado por el equipo de “Fotogram”, acompañado por la música original de Alejandro Acosta, el compositor oficial de la Bienal del Chaco.

En vivo, junto a su hijo Luis, Alejandro llevó al público de la mano a través de las imágenes de los momentos más especiales vividos en esta Bienal.

El público también juego un papel fundamental ya que eligió a uno de los ganadores. El premio de la gente se lo llevó el argentino Luis Bernardi

Luego, el Presidente del Instituto del Cultura del Chaco –Mario Zorrilla- hizo entrega a la Fundación Urunday, de la declaración de interés cultural para la Bienal del Chaco 2026 “RESISTENCIA, LA CIUDAD DE LAS ESCULTURAS” bajo la Resolución 1037.

Otras expresiones culturales, artísticas y de entretenimiento

En torno al eje central de la Bienal que es la escultura, se desarrollaron una gran cantidad de propuestas y actividades [en esta galería de fotos puede apreciarse un panorama de la variada oferta cultural de la Bienal]. La “dimensión artesanía” convocó alrededor de 360 hacedores; la “dimensión académica”, a las miradas teóricas y de debate sobre el arte contemporáneo; la “dimensión escénica”, con espectáculos de teatro, danza y música cada noche en los diferentes escenarios montados en el predio; y la “dimensión musical” con el Festival Filarmónico Juvenil.

Este último acontecimiento, que va por su 5a edición, fue como lo definieron los organizadores, “una joya de quilates”. Consistió en una semana de formación intensiva para músicos y un ciclo de conciertos públicos con la participación de 120 jóvenes del país junto a destacados músicos, profesores y directores de Argentina y diferentes partes del mundo. Fue organizado por la Fundación Pradier – Redes Culturales.

[Con información de Prensa Bienal Chaco]

Francis Bacon, el pintor que cambió el rostro en el arte, en un muestra inédita de retratos

22 julio, 202422 julio, 2024 infoarte

Fuente: Infobae – La National Portrait Gallery de Londres propone un viaje único a través de más de 50 pinturas del artista con obras poco vistas de colecciones privadas de todo el mundo.

La National Portrait Gallery de Londres dedicará por primera vez una gran exposición a los retratos deFrancis Bacon (1909-1992), que reunirá obras poco vistas de colecciones privadas de todo el mundo, según anunció este jueves la galería.

Titulada Francis Bacon: Human Presence (Francis Bacon: Presencia Humana), la exhibición, que estará abierta al público a partir del próximo 10 de octubre, trazará la carrera de Bacon a través de más de 50 pinturas del artista y explorará su compromiso con el retrato de finales de la pasada década de los años cuarenta.

Se trata de retratos clave, incluidos de los amantes Peter Lacy, George Dyer y John Edwards; y amigos como Isabel Rawsthorne, Henrietta Moraes, Lucian Freud y Muriel Belcher.

Las pinturas se exhibirán junto con fotografías y retratos de Bacon rara vez vistos de la colección de la galería, capturados por destacados fotógrafos del siglo XX, incluidos Cecil Beaton, Arnold Newman y Bill Brandt, indicó la galería en un comunicado.

Tres estudios de Lucian Freud (AFP)

El artista nacido en Dublín ha sido considerado durante mucho tiempo uno de los pintores más destacados del siglo XX. ‘Francis Bacon: Human Presence’, que estará abierta hasta el 19 de enero de 2025, explorará el profundo y complejo compromiso de Bacon con el retrato, puntualiza el museo.

La muestra estará organizada en forma temática y cronológica, comenzando con obras realizadas a finales de la década de 1940 y terminando con retratos pintados al final de su vida, uno de los cuales quedó inacabado en un caballete de su estudio.

A través de cinco fases clave -Los retratos emergen, Más allá de la apariencia, Pintura de los maestros, Autorretratos y Amigos y amantes-, la exposición trazará la evolución de la práctica de Bacon, explorando cómo abrazó y desafió las definiciones tradicionales del retrato.

De la serie “Trípticos Negros”, mayo-junio de 1973, inspirado en la muerte de John Dyer

“Francis Bacon estaba profundamente comprometido con el retrato, desafiando las expectativas arraigadas sobre lo que debería implicar un retrato. Para él, era el género pictórico por excelencia, capaz de expresar lo que significaba ser humano”, dijo la comisaria principal de colecciones del siglo XX de la galería, Rosie Broadley.

“Como uno de los pintores británicos (e irlandés) más importantes del siglo pasado, estoy encantado de traer tantas obras de Bacon a la National Portrait Gallery por primera vez, mientras presentamos la primera exposición en Londres dedicada a sus numerosos retratos, fusionando imagen y pintura de una manera verdaderamente única”, agregó.

Fuente: EFE

Bienal del Chaco: se “jugó” el mundial de escultura en una ciudad que es un museo a cielo abierto

22 julio, 202422 julio, 2024 infoarte

Fuente: La Nación – Diez artistas internacionales crearon obras a lo largo de una semana frente al público; la fiesta cultural, que termina este domingo, creció en todas las disciplinas y congregó más de 800 mil visitantes.

En una semana atravesada por las cuatro estaciones, la Bienal del Chaco es la gran fiesta de la escultura, un oasis entre los problemas endémicos de esta provincia. Comenzó con temperaturas bajo cero y termina mañana cerca de los 30 grados, y como lo hace desde hace 36 años, repitió una vez más el fenómeno de hacer del Parque 2 de Febrero un epicentro de la creación. Es la primera edición en la que una réplica exacta, gemelo digital, del David de Miguel Ángel recibe al visitante, pero está tan naturalizado aquí el arte que no es fácil llamarle la atención a los vecinos de 670 esculturas instaladas en el espacio público gracias a esta iniciativa. Al llegar, van directo a buscar las últimas novedades: la escultura que flota en el espacio, los animales de arena o la talla de una virgen para la catedral local.

Josese Eidman, presidente de la Fundación Urunday, organizadora del encuentro, tiene en la mente una lista de números récord: 14 hectáreas, más de 800.000 visitantes, más de veinte escultores trabajando, 400 artistas en cuatro escenarios propios, 60 bandas locales, 80 maestros artesanos (tallistas, ceramistas, tejedores, talabarteros, joyeros, plateros), 250 artesanos criollos e indígenas, diez comunidades aborígenes del Gran Chaco. Suceden en simultáneo el Vl Encuentro de maestros artesanos argentinos y el Vll Encuentro de Arte Indígena y Artesanía de pueblos originarios. El arte aquí tiene sentido amplio y sin distinciones.

Bienal de Chaco transcurre en un oasis cultural dentro de la realidad de la provincia. En el Parque 2 de Febrero, de 14 hectáreas, comprende cuatro escenarios, dos áreas de escultores produciendo obra en vivo, carpas de exposiciones de más de 250 artesanos, con representantes de diez comunidades aborígenes: todo un mundoPrensa Bienal de Chaco

El núcleo es la gran competencia que representa el mundial de la escultura, con diez artistas creando obras tridimensionales en metal ante los espectadores. Fueron elegidos entre de 157 postulantes de 55 países y llegaron a Chaco con el auspicio de sus gobiernos. Se pasean entre las obras delegaciones de nueve embajadas; el único competidor argentino, Luis Bernardi, ganó esta noche el premio del público y el que otorga un jurado compuesto por niños. “Esto es el resultado de un esfuerzo virtuoso entre todos los actores de la sociedad. Es una suma de voluntades. Lo mancomunado es superador de los esfuerzos individuales. Está pensado para que el artista local se ponga en diálogo con el arte internacional, y lo logramos. Esto es un certamen de naciones”, dice Eidman.

Los visitantes, que no pagan entrada, hacen preguntas técnicas, se involucran en el proceso, piden selfies y emiten su voto escaneando un QR: cada visitante es miembro del jurado. El jurado de honor está integrado por Piotr Twardowski, de Polonia; Carlos Monje, de México y Ramón Morales Rossi, de Venezuela, y entrega premios honoríficos. Los escultores son celebridades, fueron declarados visitantes ilustres y además todos tienen premio de 5000 dólares por participar y dejar su obra en la ciudad. Resuena la palabra sinergia.

La réplica del David de Miguel Ángel es la vedette de esta edición de la Bienal de Chaco: dos sueños cumplidos del fundador del encuentro, Fabriciano GómezPrensa Bienal de Chaco

Los diez escultores que forman parte del Concurso Internacional de Escultura terminaron sus obras horas antes del cierre de la competencia, que se desarrolló hoy un acto multitudinario. Tras dos ediciones dedicadas al mármol, esta vez el desafío fueron esculturas en metal. ¿Quién quiere esculpir piedra bajo la mirada del genio renacentista? (el precio del mármol, además, este año era imposible). “Variamos los materiales año tras año, para que el público conozca diferentes maneras de hacer escultura. Convocamos a los mejores”, señaló Mimo Eidman, escultora y directora ejecutiva de la Bienal.

Tuvieron ocho jornadas y comenzaron con dos unidades de chapa lisa de acero laminada en frío de proveedores locales. También se les dio una barra de hierro liso, bisagras, pernos, bujes, bulones y planchas con diseños, además de sus propias herramientas. Las obras se unirán luego al museo a cielo abierto que es esta ciudad, donde las esculturas no sufren vandalismo y son cuidadas por un equipo de mantenimiento certificado con normas IRAM ISO 9001. También está certificada la organización de la bienal y se mide la huella de carbono para mitigar el impacto ambiental.

La escultora representante de Letonia, Solveiga Vasiljeva, y su obra “Tiempo” en la Bienal de Chaco. Ganó el premio otorgado por los propios escultores y el primer puesto del “campeonato” mundial Prensa Bienal de Chaco

El escultor Billy Lee de Estados Unidos terminó temprano su obra, un obelisco negro, pero se puso la máscara, encendió la máquina y comenzó a soldar en una parte de la escultura de su compañero Emrah Önal, de Turquía, para darle una mano. Bernardi empuñaba un compresor para teñir a su obra Simpleza de verde fluorescente. Butrint Morina (Kosovo) optó por un acabado oxidado para su pieza, una figura de mujer cubista. Carlos Iglesias Faura (España) se empeñó hasta último momento en lograr una geometría perfecta y quedó en el tercer puesto, según el jurado. La obra Tiempo, de Solveiga Vasileija, ganó el premio otorgado por los propios escultores y el primer puesto del “campeonato” mundial.

Anna Korver (Nueva Zelanda) hizo en metal la silueta de un avioncito de papel. La obra de Bogdam Adrian Lefter (Rumania) representa el reflejo facetado de la luna en el agua. Multiplicidad, del chileno Alejandro Mardones Guillen, ganó el segundo puesto del mundial.

Los estudiantes de Misiones ganaron el Premio Desafío Hierros Líder Bienal de Chaco: en 48 esculpieron su obra en un tronco de timbóPrensa Bienal de Chaco

En paralelo, y con mucho menos tiempo, se disputó el Premio Desafío Hierros Líder para estudiantes de arte de todo el país. En 48 horas frenéticas, 27 estudiantes de Santa Cruz, La Rioja, Jujuy, Chaco, Capital Federal, Misiones, Buenos Aires, Salta y Tucumán tallaron obras a partir de un bloque de timbó. No durmieron hasta que terminaron. Resultaron ganadores los estudiantes de la Facultad de Arte y Diseño de la Universidad Nacional de Misiones, con una obra de maderas dobladas con un humidificador creado por estudiantes de Diseño Industrial. “Es una prueba de resistencia. Vienen de lugares increíbles. Los de Santa Cruz tardaron cuatro días en llegar, pincharon dos gomas y se quedaron en el camino. Hay diferentes niveles, pero la idea es que aprendan. Todos llegaron a plantar una obra en condiciones dignas. Es una locura, un fervor”, dijo la escultora Claudia Aranovich, miembro del jurado junto con Paulina Webb y Darío Klehr.

En eI sector que ocupa el IX Encuentro de Escultores Invitados, hay atractivos habituales como los animales que el artista Alejandro Arce modela en arena todos los años, pero esta vez es posible sacarse fotos sentados en la obra y jugar con palas y baldes en un espacio para chicos. El artista Hernán Lira armó un juguete gigante con un sistema de engranajes que se puede activar: los chicos ponen remos y peces a andar. Después de años de ver talladores en mármol, madera y metal en acción, la gran novedad es la obra de Alejandro Pérez: realizada en isopor, Cono 09 se mantiene suspendida flotando con un chorro de aire. El escultor santafecino Tomás Franzoi termina con platea llena el pulido de la Virgen hecha de timbó negro que donará a la Catedral de Resistencia. Carlos Gaspar Moreyra realizó durante los dos primeros días de la semana un taller de modelado en arcilla. Para cocinar sus obras, armó un horno de barro a orillas del río Negro, en pleno predio.

Las esculturas en arena de Alejandro Arce en la Bienal del Chaco son un clásico; esta edición sumaron un arenero para que los chicos puedan jugarPrensa Bienal de Chaco

“La situación es crítica en la provincia, pero sabemos lo que este evento significa para hoteles, gastronómicos y todo el ámbito del turismo”, dijo el gobernador, Leandro Zdero. La bienal tiene apoyo provincial y municipal, y muchos sponsors a través de la Ley de Mecenazgo, que funciona bien en esta provincia. En septiembre se conocerán los informes de impacto económico y ambiental que se realizan con mediciones y encuestas.

“Siempre la escultura ha sido un elemento estático. Sin embargo, hoy las esculturas se mueven, se giran, se trasladan, tienen movimientos que pueden ser reales o virtuales. Y luego, otro eje, la presencia de la tecnología que permite una relación con el espectador muy interesante”, analizó María del Carmen Magaz, teórica del arte. En la bienal se produce también pensamiento en unión con universidades, con el IV Congreso Internacional De Artes, el II Congreso Internacional De Derecho Del Arte, el Seminario de Arte, Derecho, Patrimonio y Urbanismo, cursos, charlas y talleres.

La obra de isopor flotante de Alejandro Pérez en la Bienal de Chaco fue todo una atracción: los visitantes ya están acostumbrados a ver cómo se crean obras en madera, mármol o metalPrensa Bienal de Chaco

Ocurren pequeños milagros y felicidades en torno del arte. En el barrio qom de la ciudad, el artista Juan Pérez, de La Pampa, trabajó toda una noche para dejarles instalado un horno de cerámica a leña para que puedan producir más y mejores piezas. “Soy descendiente de ranqueles y unos amigos chaqueños me propusieron hacer esto. Fue un honor hacerlo”, dice. Los materiales fueron aportados por Ecom, la empresa estatal de comunicaciones. “Todos los auspiciantes buscan cómo hacer que su presencia sea un aporte. Por ejemplo, el instituto Crecer con Todos ayuda a lograr que la bienal sea accesible y además instaló un dispositivo de regulación para chicos con autismo que puedan sufrir con el exceso de estímulos”, cuenta Gaspar Gracia Daponte, director de desarrollo institucional.

Otro prodigio es la música que trae la quinta edición del Festival Filarmónico Juvenil. Es una semana de formación intensiva para músicos y un ciclo de conciertos públicos con la participación de 120 jóvenes del país junto a músicos, profesores y directores de Argentina y diferentes partes del mundo, organizado por la Fundación Pradier. “Formamos formadores y traemos conocimiento acá para que los chicos no se tengan que ir para formarse. Viene un director alemán y otro austríaco, y músicos del Teatro Colón. De Alemania nos mandaron 140 instrumentos que distribuimos entre los chicos”, dice el pianista César Pradier, oriundo de Sáenz Peña.

Día y noche, escultores trabajando en la Bienal de ChacoPrensa Bienal de Chaco

Hay acciones en torno de la obra de María Juana Heras Velasco en el centenario de su nacimiento. Cruces, en hierro policromado, fue realizada durante el Gran Premio de Honor en la Bienal de 1997, donde participó como artista invitada, y hoy está emplazada en el predio a pasos de las obras de Pájaro Gómez y Carlos Scannapieco. No hay escultor argentino que no tenga en Resistencia una obra.

Pero no sólo de escultura se habla. El artista Javier Acuña termina de pintar una escena del Impenetrable en acuarela y antes de colgarla en la pared de su stand lo detienen: “La compro”. “Vinimos con la intención de mostrar, pero llevamos vendidos más de treinta cuadros. Me sorprende que entre los compradores hay muchos jóvenes”, dice. Otro artista local, Germán Toloza, estuvo estos días pintando un mural en un resto-bar, Chalé. Hizo un perfil de un aguará guazú, y como le sobró tiempo, siguió con abstracciones y una frase que aplica para todo el fenómeno bienal: “Si vale la pena hacerlo, vale la pena hacerlo bien”.

Boca + Arte, la muestra de cuadros, fotos y obras xeneizes llega a La Bombonera

21 julio, 202421 julio, 2024 infoarte

Fuente: Clarín – «La Raulito guiando al pueblo bostero«. Así se llama el cuadro más emblemático de la exposición que tiene lugar en la Bombonera estas vacaciones de invierno y replica la famosa pintura de Eugene Delacroix sobre la Revolución Francesa de 1789, pero con guiño al club de la Rivera.

Boca + Arte reúne obras de artistas xeneizes que buscan responder preguntas solo aptas para hinchas de Boca, como son: ¿Qué es lo que convierte a Boca Juniors en uno de los clubes más atractivos del mundo? ¿Qué pasa en el barrio cuando hay partido? ¿Cómo describir la experiencia de ir a La Bombonera?

Y ahí está las imágenes para intentar responder esos interrogantes. Obras renacentistas intervenidas con azul y amarillo, un altar para rezarle a los ídolos, fotos históricas y más.Boca + Arte la muestra que exhibe el sentimiento xeneize y copa la Bombonera.

La muestra es exclusiva para socios y socias del club y se puede visitar en el hall central de La Bombonera (Brandsen 805) todos los días de 10 a 18 hs. hasta el 17 de agosto, excepto cuando hay partido.

Boca + Arte es una experiencia sensorial que presenta pinturas, mosaicos, fotos, afiches, obras de arte bosterizadas y hasta un altar. Más que una colección de obras, es una manifestación de la identidad xeneize y la cultura popular.

“Esta exposición surge de estar scrolleando con mi celular y ver que mi algoritmo me ofrecía obras de artistas hinchas de Boca que tienen sus trabajos en el mundo digital, pero no estaban en un formato tangible. Entonces, me contacté con ellos para pasar sus creaciones de lo digital a lo físico y darle vida a un museo bien bostero”, explica la creadora de la exposición, Camila Rabinovich.

Participan de Boca + Arte un colectivo de artistas integrado por Bruno Acanfora (@estoesbocart), Pancho Monti (@bomboneras), La China Sanjuan (@chinasanjuann), Sol Jasminoy (@bokitaenlascosas), Toto Tauer (@tototauer) y Ramiro López Barreiro (@elhistoricoboca), entre muchos otros.Gentileza Boca + Arte.Gentileza Boca + Arte.Gentileza Boca + Arte.Gentileza Boca + Arte.

El empresario Alan Faena presentó un libro sobre su arte de vivir: “Sigo con ganas de empezar siempre de cero”

21 julio, 202421 julio, 2024 infoarte

Fuente: TN – Con distribución masiva, lanzó “Arquitectura del ser/Arquitectura horizontal” en el hotel de Puerto Madero que lleva su nombre y que está por cumplir veinte años.

Todos tenemos la posibilidad de generar nuestra realidad. La vida es un presente inmenso que se mueve con nosotros. La fragilidad es necesaria para construirnos. No son frases de un coach ontológico, ni de Paulo Coelho ni de un gurú de la autoayuda. Las suelta el empresario argentino Alan Faena, con la mirada conmovida bajo el ala de su sombrero blanco.

En el año en que su proyecto de Puerto Madero, con el hotel que lleva su nombre a la cabeza, cumple veinte años, y se embarca en una aventura similar en Nueva York, Faena se hizo una pausa para presentar Arquitectura horizontal/Arquitectura del ser. El libro en el que decidió compartir reflexiones sobre lo que ha ido aprendiendo por el camino. Textos breves, ilustraciones, frases profundas y un clima íntimo para que esas ideas, firmadas por una figura del jet set habitué de las revistas, lleguen al gran público, con distribución en puestos de diarios. Le seguirá un próximo “Arquitectura vertical”, según anunció.

El empresario Alan Faena presentó un libro que en realidad son dos en uno: “Arquitectura del ser” y “Arquitectura horizontal”. (Foto: Alan Faena).

En la presentación del libro habló con entusiasmo sobre el amor de la familia y de los amigos, y la construcción de los sueños. El tono, por momentos, parecía casi una confesión. Hizo un repaso por la muerte de su padre, Víctor, la pronta llegada al mundo de su hija y los ciclos de una vida que lo vio inventarse y reinventarse. Recordó también el trabajo duro que lo llevó a su primer éxito con la marca Via Vai y reflexionó sobre la transformación de barrios y entornos, en su Buenos Aires querido, en Miami y ahora en New York.

Al contrario de la frase hecha, Faena cree que la obra interesa menos por sí misma que por aquello que hace con nosotros. “Uno piensa que hace la obra, pero en realidad la obra lo hace a uno. Por eso hablo de Arquitectura del ser. La obra, lo que la gente ve, este edificio, no es lo importante. Se trata en realidad de construirse a uno mismo, es pura acción de vivir”, explica a TN.

Para muchos puede resultar sorprendente escuchar a un hombre de éxito hablar de caídas, críticas y debilidad. Sin embargo, Faena le dedica tiempo y páginas a reflexionar sobre el impacto de la incertidumbre. “La debilidad tiene igual importancia que la fortaleza”, dice, y aclara que no se trata, para nada, de lecciones.

“El lugar de debilidad es más interesante porque te conecta más con la gente. Yo no siento ningún triunfo. Sigo con ganas de inventar, conquistar y empezar siempre de cero. Ese es el único lugar al que llegué: ser más humilde y estar más conectado con el otro. Es algo posible, porque todos tuvimos un lugar de paz, un árbol, una abuela amorosa”, sostiene.

Faena comparte cuestiones movilizantes. La gente lo abraza y se alegra de verlo. Hay un afecto genuino que siempre circula a su alrededor, y echa por tierra cualquier supuesta distancia de la celebridad o el poder, del tipo que sea. Lejos de eso, el “arquitecto del ser” irradia esa dulzura campechana y recibe muestras de cariño como cosecha de su apertura y generosidad. Ese tipo de cosas simples, que el dinero no puede comprar, y de las que ahora tiene ganas de hablar. “Tal vez a alguna persona le sirvan estas páginas”, escribe en el preámbulo. “Ya sea para continuar con su modo de vivir o simplemente para afirmarse en las diferencias”.