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Fuente: Telam – El ministro de Cultura Tristán Bauer decidió la continuidad en el cargo y resaltó el incremento de un 50% de los visitantes durante su gestión. 

El arquitecto Andrés Duprat fue confirmado este lunes para continuar durante cuatro años más su gestión como director del Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA),como resultado del concurso que lanzó el pasado el 30 de junio, según comunicó  el ministro de Cultura de la Nación, Tristán Bauer, que tuvo a su cargo la elección final a partir de la terna de postulantes elevada por el comité de selección.

Finalmente, el ministro de Cultura se expidió sobre la continuidad de Duprat al frente de la máxima institución pública del país consagrada al arte, rompiendo una tradición no escrita que consiste en designar al postulante con mayor puntaje de la tríada que eleva el jurado.

Con 87.9 puntos, Duprat era el segundo candidato mejor punteado, por detrás de María Isabel Baldasarre, directora nacional de Museos, y por delante de Mariana Marchesi (83,9), actual directora artística de la institución.

Nacido en La Plata en 1964, el actual director tiene un multifacético perfil artístico que además de su formación como arquitecto incluye tareas como guionista de cine y curador de arte contemporáneo argentino. Es autor de los guiones de los largometrajes «El artista» y «El hombre de al lado», entre otros, y está al frente del Bellas Artes desde 2015, cuando llegó también por concurso para cumplir un mandato de cuatro años que se prolongó por la pandemia.

Entre los fundamentos de su decisión, Bauer, subrayó que Duprat «realizó una importante tarea para el buen funcionamiento y desarrollo del MNBA» que se traducen en que «incrementó en un 50% el número de visitantes anuales al Museo respecto a los valores anteriores al inicio de su gestión, la ampliación la colección del museo con más de un millar de piezas -cifra muy superior al promedio histórico- y una potenciación del carácter federal del museo», realizando más de veinte exposiciones itinerantes por museos de todo el país.

La elección del arquitecto surgió de la decisión del comité de selección integrado por la historiadora de arte Laura Malosetti Costa, el artista Eduardo Stupía, el arquitecto Fernando Pérez Oyarzún, la directora del Museo Provincial de Bellas Artes Rosa Galisteo de Rodríguez de Santa Fe, Analía Solomonoff, y la directora nacional de Empleo Público, Cristina Cosaka.

El proceso de selección, lanzado en junio pasado y dividido en tres etapas, incluyó en una primera instancia la puntuación de los requerimientos del cargo, es decir, el currículum vitae, que significó el 35 por ciento del concurso. Allí de los 24 candidatos y candidatas quedaron menos de 10, que pasaron a la segunda instancia: un examen escrito múltiple choice, presencial, sin celular y con seudónimo para que a la hora de la corrección no se supiera el nombre de cada quien, sobre conocimientos vinculados a leyes, ley de manejo del museo, del manejo del patrimonio, del manejo de personal, leyes laborales, regulación de la relación con la Asociación de Amigos y disposiciones respecto de la aceptación de donaciones, entre otros aspectos.

Fuente: La Nación – Desde las 19, cerca de 290 espacios de arte recibieron miles de visitantes en la jornada gratuita que se extendió hasta las dos de la madrugada; el hit de esta edición es el mapping creado con inteligencia artificial que se proyecta cada media hora en la fachada de la torre IBM

El cielo nublado y gris y el clima fresco no impidieron que Buenos Aires celebrara este sábado por la noche la llegada de la primavera con una fiesta de luz y color que volvió a convocar a miles de personas durante la Noche de los Museos.

El microcentro, una de las zonas de la ciudad más golpeadas por la pandemia, volvió a florecer cuando la fachada del edificio IBM –multinacional que celebra sus cien años en la Argentina– se iluminó al ritmo de una banda sonora dirigida por algoritmos con un mapping de obras de arte históricas y contemporáneas, creado por primera vez con programación e inteligencia artificial por el mismo equipo de UXart que proyectó sobre el Obelisco en 2019 parte de la extensa producción de Julio Le Parc. Con una duración de veinte minutos y reediciones cada media hora, fue el hit de la jornada.

“Ahora recreamos obras de artistas como Eduardo Mac Entyre, Rogelio Polesello y Gyula Kosice, pero también le ofrecimos a la inteligencia artificial textos e imágenes de otros como Miguel Ángel Vidal, para que genere y proponga imágenes propias con una poética tomada de la original. Es un diálogo entre el hombre y la máquina”, explicó a LA NACION Andrés Felipe Durán, cofundador y CEO de UXart.

Uno de los datos destacados de la noche fue la cantidad de visitantes que se acercó al Museo del Bicentenario. A tan solo tres horas de su apertura, unas 6000 personas ya habían recorrido sus instalaciones, una cifra que duplicó la del año pasado.

En esta ocasión, se inauguró la exposición “40 Años de Democracia”, centrada en los valores democráticos y “en la importancia histórica, política y social que esta forma de gobierno tiene para todos los argentinos y argentinas”.

En la plaza ubicada frente a la estación de trenes de Retiro, decenas de personas formaban fila para participar de un “recorrido nocturno en las alturas”: hasta las dos de la mañana estaban programadas las visitas guiadas en la Torre Monumental, donada en 1916 por los residentes británicos para celebrar el centenario del primer gobierno patrio. Lució iluminada en distintos tonos. Según explicaron los guías, hasta que se inauguró el Obelisco dos décadas más tarde, éste era el monumento emblemático de Buenos Aires, cercano al Hotel de Inmigrantes, actual sede de Muntref, donde hubo activaciones de obras y visitas guiadas hasta la medianoche.

Pasado y futuro se encontraron así en este circuito gratuito de arte y cultura organizado por el Ministerio de Cultura porteño, con la participación de más de 290 espacios públicos y privados. Por el duelo nacional decretado a raíz del trágico accidente en San Martín de los Andes, que provocó la muerte de cuatro soldados, el Ministerio de Defensa, el Ejército y la Armada suspendieron las actividades programadas para la Noche de los Museos en espacios como el Edificio Libertador General San Martín, el Regimiento de Infantería Patricios y el Buque Museo Fragata ARA Presidente Sarmiento.

Entre las novedades de esta edición se destaca el Museo de la Imaginación y el Juego (MIJU), el primer espacio lúdico de Buenos Aires diseñado para visitantes de hasta doce años, inaugurado ayer en Costanera Sur. Allí, en el edificio de la ex confitería Munich, la programación comenzó a las 16 con shows musicales, instalaciones lumínicas, una feria de emprendedores infantiles y un patio gastronómico. Las salas inmersivas y las instalaciones interactivas demostraron ser un atractivo programa para compartir la tarde en familia. Abrigados con bufandas y camperas, muchos se acercaron al museo antes de que abrieran las puertas. Las visitas se organizaron en turnos de 45 minutos, con un máximo de 90 chicos por turno. Los pisos del edificio están dedicados a distintas franjas de edad: de bebés a 3 años; de 4 a 7 y de 8 a 12. Para cada grupo hubo propuestas específicas. A partir de las 17 y hasta pasadas las 21, hubo shows de Nilocos, Los Cazurros y Raviolis, entre otros grupos.

Distinto fue el target de público que se acercó al Museo Nacional de Arte Oriental, que ofreció una noche de karaoke asiático con micrófono abierto: más de veinte artistas vinculados con “la movida asiática” (K-pop School, Kpop Revolution y Kstyle) bailaron con coreografías e interpretaron música pop contemporánea de China, Japón y Corea junto con los visitantes. Fue una propuesta original y divertida que atrajo la atención del público que recorrió también el resto de los pisos del Centro Cultural Borges, donde funciona el Museo de Arte Oriental.

Con Jorge Luis Borges en el foco de muestras, en el espacio cultural vecino a las Galerías Pacífico se exhibió toda la noche la 34° muestra anual de fotoperiodismo argentino de Argra; la exposición de fotografía Cámara afgana, del premiado Rodrigo Abd, y los dibujos de Carlos Masoch. Muchos se sorprendieron con las intervenciones de tango de la pareja de bailarines Malena Ypas y Gabriel Valido bailando en halls y pasillos y con Las nadadoras, la luminosa obra de Renata Schussheim ubicada en la cúpula vidriada de Plaza de las Artes.

En el bajo porteño, el CCK abrió en un horario especial, de 17 a 2, para ofrecer muchas propuestas para familias con chicos, que coparon el tercer piso, dedicado íntegramente a la infancia. Hubo filas para ingresar a la sala inmersiva, donde se proyectó en loop un episodio de Zamba y Nina en celebración por los cuarenta años de democracia.

En San Telmo, sobre la Avenida San Juan al 300, la programación del Moderno incluyó recorridos accesibles para personas con discapacidad, mientras que el Macba convocó a la Compañía de Danza Contemporánea UQBAR para bailar en la vereda. Otros que bailaron fueron los cientos de jóvenes que se reunieron en el Centro Cultural Recoleta. A eso de las 20, el patio estaba repleto de gente que esperaba con ansiedad una “batalla” de rap.

Llegar hasta el sur de la ciudad a primera hora de la tarde fue más complicado que otros años, debido al partido que de Boca y Lanús en la Bombonera. Por ese motivo Colón Fábrica, uno de los hits de la última Noche de los Museos, decidió no participar. Sí se sumaron una vez más otras instituciones como la Usina del Arte –que inauguró una megainstalación de Martin Huberman & El Estudio Normal y una muestra de fotografía, además de presentar una ópera–, el museo Marco y las fundaciones Proa y Andreani. Al caer el sol se veían largas colas en la vereda de Proa a pesar del mal clima.

El corredor norte, en el que se destacan el Malba, el Museo de Arte Decorativo, el de Arte Popular José Hernández y el Bellas Artes, recibió a cientos de personas que asistieron pese a la niebla y el frío. Malba volvió a convocar multitudes como ya es tradición en la Noche de los Museos cuando la entrada es gratuita. La gente esperó con paciencia para ingresar al museo de la avenida Figueroa Acorta 3415 y, una hora antes de la apertura, la cola ocupaba cuatro cuadras y daba vuelta a la plaza pegada al museo. Adentro los esperaban las obras de Edgardo Giménez, Frida Kahlo, Diego Rivera y tantos otros artistas latinoamericanos.

Nancy Borraro estaba primera en la fila del Malba desde las cinco de la tarde: “Fuimos al Colón Fábrica con mi marido y mi hija, pero no pudimos entrar; lo cerraron porque estaba el partido de Boca. Recorrimos otros museos y terminamos acá. La Noche de los Museos es algo que siempre esperamos, como la noche de las Librerías. En parte porque es gratuito, pero además es un paseo familiar. Es la primera vez que vengo al Malba”.

“Para mucha gente, esta es la oportunidad para conocer los museos de la ciudad”, dijo Diego Jara, a cargo de la comunicación del Bellas Artes. Mientras tanto, la fila iba llegando a la esquina. “A algunos les gusta venir de noche y otros que no suelen visitar museos durante el año aprovechan el evento. Muchos desconocen que los museos nacionales son gratuitos, por eso celebramos cada año la convocatoria”. Las visitas guiadas especiales por la colección de Pablo Picasso fue una de las más convocantes. También, la propuesta “Bella Noche en el Museo”, pensada para familias.

A pocas cuadras, Amelia, de 87 años, esperaba en la puerta de su museo vecino, el de Arte Popular José Hernández. “Acá hice cursos, es muy lindo el lugar, la gente es macanuda”, contó a LA NACION. En el Museo de Arte Decorativo sonaba la música de DJ Nicolás Etchelecu y muchos jóvenes y adultos esperaban afuera pese al frío. Mirta, de 60 años, llegó a las 18 con una amiga. “La Noche de los Museos es así, se abren lugares que uno no registra. Me gusta venir, aunque a veces hay demasiado movimiento. Hoy es la revuelta de los museos”.

Al cierre de esta edición todavía quedaban varias horas para que termine la edición número 19 de la ya tradicional Noche de los Museos en la ciudad de Buenos Aires.

Fuente: Clarín – Dos exposiciones abordan cuatro décadas determinantes del arte argentino. En una sala dividida, los violentos 60 y 70 se encuentran con el cuerpo, el deseo y la muerte, tras los años de represión.

La historia lo sabe: pocas cosas han servido de un modo más eficaz para dividir el tiempo que los muros. Por eso algo tan sencillo como un simple panel –podríamos decir un muro ficticio, si estrictamente nos referimos a las condiciones estructurales de la sala– puede resultar el actor más sugestivo de Juguetes rabiosos y Cultura colibrí, las dos muestras recientemente inauguradas en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. También en esta historia el muro que divide los espacios parte el tiempo. De un lado quedan las exploraciones rabiosas que dejaron a los artistas al borde del silencio entre las décadas de 1960 y 1970. Del otro, el colorido aleteo de la generación que le siguió inmediatamente y que, creyéndose librada de la destrucción y la tortura, se estrelló contra la enfermedad y la muerte a poco tiempo de haber nacido.

Mutuamente porosas entre sí, Juguetes rabiosos y Cultura colibrí presentan un abordaje libre pero preciso de las cuatro décadas más determinantes en la historia del arte argentino. “Queremos que todos los directivos de los museos del mundo que nos acompañen se enamoren del arte argentino, que es infinito y avasallante”, comentó Victoria Noorthoorn, directora del Moderno, teniendo en el horizonte que en el próximo mes de noviembre el museo será anfitrión de la 55 CIMAM, la Conferencia internacional de Museos de Arte Moderno.El rincón de Federico Manuel Peralta Ramos y su serie “Qué lindo…”. Foto: Museo Moderno

Ambas muestras forman parte de El arte, ese río interminable, el programa expositivo que el museo viene desplegando desde comienzos de año a lo largo de todo su edificio. El ambicioso programa concibe todas las exposiciones de modo independiente, aunque se vinculen entre sí a través de sus temas y de las obras participantes. En esta oportunidad se suma la idea de incorporar artistas interlocutores en el proceso curatorial, experiencia que resulta feliz en ambos casos, pero por motivos bien distintos.

Juguetes rabiosos es la primera muestra que cura en el museo Patricio Orellana, que trabajó codo a codo con el artista Joaquín Aras. La mirada cinéfila de Aras aportó a la muestra un valiosísimo elemento: el correlato audiovisual de todas esas obras plásticas, de la mano de fragmentos del cine argentino de esa época que incluyen tanto a destacados directores como Leonardo Fabio o Julio Ludueña como a películas de terror clase B.Marta Minujín, de la serie La destrucción, 1963, en la que destruye con fuego toda la obra realizada durante su residencia en París.

El dúo Aras–Orellana logró así volver a presentar de un modo atractivo muchas de las obras más significativas de un momento harto reconocido y revisitado dentro de la historiografía del arte argentino: el arco abierto entre fines de los años cincuenta y el golpe de 1976, que articula las primeras exploraciones objetuales con la búsqueda de la desmaterialización.

La violencia ejercida por los artistas sobre sus obras es una de las estrategias fundamentales de ese momento. Justamente es a partir de aquello que se violenta en cada caso, que la muestra se organiza en diversos núcleos presentados de manera progresiva. Sumergiendo a los espectadores en la oscuridad que se acerca más a la sala de cine que a la de museo, la muestra arranca dando cuenta de los gestos destructivos de las obras informalistas de Kenneth Kemble, Luis Wells y Alberto Greco.

No muy lejos, los registros fotográficos de “Destrucción”, la temprana performance que Marta Minujín presentó en París (y que consistió en la quema de toda su obra realizada en su estadía en la ciudad de la luz) funcionan como el pasaje hacia el núcleo donde el cuerpo es el eje. No faltan aquí las figuras urgentes, a mitad de camino entre la destrucción y el nacimiento, que pintaron Luis Felipe Noé y Rómulo Macció (integrantes del colectivo Otra Figuración) entre 1961 y 1965.Obra sin título de León Ferrari, 1976. Donación de la Fundación Ferrari al Moderno en 2014.

Tampoco “Corona para los habitantes no humanos”, una de las piezas que Dalila Puzzovio realizó a partir de yesos rotos (y usados) que la artista recolectaba entre los descartes de las salas de hospital. Justo al lado está “Rojo”, de Noemí di Benedetto, una suerte de coágulo, tan abyecto como sugestivo, generado a partir de la fusión del óleo con otras materias en 1964. Diez años después Alberto Heredia daba forma a los cuerpos de resina mutilados y torturados que integran sus Amordazamientos. La serie (representada en la muestra con una de sus piezas) resultó una serie de exorcismo de la violencia que entonces ya reinaba en las calles de Buenos Aires, y vaticinó la que estaba por llegar.

El lenguaje es el último de los elementos violentados por los artistas que Juguetes Rabiosos recupera. Así nos encontramos con las obras de la serie “Que lindo”, de Federico Manuel Peralta Ramos, pero también con las publicaciones que unos años antes editaba Edgardo Antonio Vigo, en las que se reúnen obras propias y de otros en torno a la experimentación visual con la palabra. De Vigo también puede verse (o mejor dicho escucharse) “Homenaje a una pensión de estudiante”, la única de las muchas acciones performáticas realizadas por el artista de la cual queda un registro sonoro.Con Fernando Noy como artista anfitrión, Cultura Colibrí es una crónica de los exilios sexuales durante la última dictadura militar, la recuperación democrática y la experimentación festiva y contracultural de los 80 y 90. Foto: Museo Moderno

No es casual que las ilegibles escrituras de León Ferrari se encuentren colgadas en la mencionada pared que separa las dos muestras. Ciega, la pared encarna aquellos años de dolor en silencio que trajo inevitablemente la dictadura. Pero las obras colgadas a uno y otro lado son como ojos y bocas que se abren para ver y contar lo que ha pasado con el arte, con el cuerpo y su deseo después de los años de represión y tortura.

Amor y fatalidad

Con sus coloridos brillos, Cultura colibrí contrasta y complementa la oscuridad de la muestra anterior. Curada por Jimena Ferreiro en diálogo con el artista y poeta Fernando Noy, la muestra pone el foco en la exploración, festiva y trágica, que tuvo lugar en la vida y el arte contracultural de las décadas del 80 y 90. Ese breve pero intenso hiato que se abre, como un día de carnaval, entre el final de la dictadura y la llegada al país de la epidemia del sida, que no sólo imprimió su matriz de dolor sobre esos cuerpos y estas obras, sino que además diezmó una generación entera.Fernanda Laguna, Lesbiana, 2001 (Cortesia Galeria Nora Fisch)

En este sentido, la cantidad de nombres que integran la muestra, pero ya no están, es elocuente, desde Luis Frangella, hasta Batato Barea, pasando por Sergio de Loof, Omar Schiliro o Alejandro Kuropatwa. Sobre todo, si tenemos en cuenta que se trata de un período relativamente reciente y de que muchos de ellos serían, de vivir, todavía artistas jóvenes con mucha carrera por delante. Lejos de solapar tantas ausencias, la presencia de Noy (“memoria viva de esa resiliencia”, la definió Ferreiro) imprime a la exposición un ingrediente afectivo que impacta, insuflando vitalidad y emoción a un recorrido que y logra dar cuenta del sufrimiento sin oscurecerse.

“Cast and model”, de Luis Frangella, es prácticamente lo primero que vemos al entrar. Sus colosales dimensiones muestran dos cabezas fundiéndose en un beso. El gris que domina su paleta ayuda a terminar de definir el tono mortuorio de las figuras. De alguna manera esa combinación de amor y fatalidad cifra el recorrido de la sala entera, cuyo tono pendula todo el tiempo entre la alegría de desear y el sufrimiento que a veces el deseo trae aparejado.La Chola Poblete, Sin título, 2022 (Colección Museo de Arte Moderno de Buenos Aires)

Casi juntas, sobre la pared que divide las dos muestras, se encuentran dos obras que bien pueden funcionar como referentes de esos dos polos pendulares: por un lado, uno de los desnudos masculinos de tono homoerótico que Federico Klemm realizaba en pintura y collage. Largamente condenado por kitsch y bizarro, el también coleccionista fue poco y nada considerado para ser incluido “seriamente” en una muestra hasta el momento.

A centímetros de la obra de Klemm, otro gran lienzo gris entra en diálogo cromático con Frangella. Se trata de uno de los conocidos escenarios que el artista Guillermo Kuitca pintó en los años 80. Interesado en ese entonces también por el teatro y la performance, los escenarios de Kuitca quieren suspender el tiempo antes del drama. Son sutilmente sórdidos, y en su pincelada libre, pero dramática, también se conjuga el tono de una época bisagra dentro de la vida individual y colectiva.Hugo Arias, Sin Título, 1994 (Cortesia Vicky Aguirre).

La presencia de las comunidades diezmadas por el sufrimiento, la enfermedad y la muerte es casi omnipresente en la sala. Allí encuentran lugar los pequeños Cristos trasfundidos con que Santiago García Sáenz daba cuenta de su propio martirio hospitalario. Pero la muestra hace del brillo una metáfora de la resiliencia. Entonces las lentejuelas de los trajes de carnaval del Archivo de la memoria Trans, los rostros como mascaritas de Hugo Arias o la danza en que se funden los amigos de los artistas Chiachio y Giannone en la pieza audiovisual de Agustina Comedi, nos devuelven nuevamente a la vida, nos recuerdan que también se muere viviendo y que el sufrimiento no desaparece pero se hace más llevadero cuando se comparte con los otros.