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Fuente: La Nación ~ Julián Provenzano exhibirá enormes obras creadas con desperdicios; es el único latinoamericano invitado la exposición internacional de arte chatarra.

Después del Mundial de Fútbol, esculturas del pergaminense Julián Provenzano (1984) viajarán a Qatar para participar de una exposición internacional de “arte chatarra”. En diálogo con LA NACION, el artista -que se define como curioso y autodidacta- cuenta que en 2021 lo invitaron a asistir a la segunda exhibición de Scrap Art en Doha, y que en principio se iba a desarrollar durante el campeonato deportivo. Con esa perspectiva, planeó su propio seleccionado de esculturas.

“Ya que tenía tiempo, decidí llevar a cabo dos proyectos ambiciosos: una escultura de Lionel Messi y otra de Diego Maradona. ¿Qué más representativo de la Argentina?”, se pregunta. Para estas dos obras implementó técnicas de fundido y recuperación de metales como el bronce y el aluminio. “Eran totalmente nuevas para mí -agrega-. Y el modelaje de rostros y el estudio de la anatomía particular de cada uno”. Sin duda, el deportista argentino preferido por pintores, fotógrafos, muralistas y escultores es Maradona.

En 2019, Provenzano había participado de la primera exposición de “arte chatarra” en Doha con diez esculturas. “Se hace una selección de obras anterior al envío -explica-. En este momento tengo unas veinte para llevar, incluidas las de Messi y Maradona. Las ven y seleccionan. Debido a la enorme oferta de espectáculos en Qatar que hay ahora, estamos esperando la fecha concreta del evento; sigue en pie la propuesta, pero se complicó con el Mundial”. A los países megarricos les podrán sobrar recursos pero la capacidad organizativa no abunda en ninguna región del planeta.

“Tenía unos ocho años cuando acompañaba a mi padre a trabajar en el campo -recuerda Provenzano-. Amaba descubrir rincones abandonados, llenos de chatarra y artefactos sin uso hacía mucho tiempo, a los que miraba maravillado y sorprendido, al ver que, tal cosa, tan hermosa para mí, ya no tuviera ningún uso. Solo poder admirarla la hacía valiosa”.

En 2015 hizo su primera escultura. “Mientras más me interesaba por algo, más quería saber de otra cosa -recapitula-. Pasé por varios aprendizajes: dibujo, pintura, trabajos en madera, mecánica y metales, y restauración de objetos. Hasta que en algún momento aprendí a soldar. Con la soldadora podía crear algo nuevo, no solo pintar o dibujar, sino que además lo podía hacer en tres dimensiones, y podía reutilizar esas piezas que de pequeño veía con tanto asombro. Todas mis obras, cada vez más, tratan de atrapar una belleza esencial, de lograr una sensación de movimiento para escapar de la rigidez de los materiales que la componen”.

-¿Cómo fue tu experiencia en Qatar en 2019?

-Fue muy positiva en todo sentido. Fueron muy hospitalarios. Ni siquiera tenía un prejuicio armado porque Qatar era algo desconocido en ese entonces; no sabía ni dónde estaba en el mapa. Ahora, con todo el tema del Mundial, y es lo que ellos querían, todo el mundo lo conoce. No sabía bien adónde iba y tenía un poco de miedo e incertidumbre. El lugar es hermoso y la gente es muy amable y educada. Existe un prejuicio sobre la sociedad qatarí que dista mucho de la realidad. Obviamente, hay mucho dinero y están muy avanzados, aunque su cultura es muy contradictoria con la de Occidente.

-¿La exposición en Doha de la que participarás por segunda vez es una especie de “mundial” de obras hechas con chatarra?

-El evento de Doha, en 2019, fue la primera exposición a nivel mundial de arte chatarra. Nunca se había llevado a cabo algo similar. Se convocó a treinta artistas de diferentes países y cada uno pudo llevar unos mil kilos de arte. Fue un orgullo representar a nuestro país con mis esculturas y además ser el único latino invitado; fue una experiencia única y enriquecedora, en la que pude conocer a referentes del Scrap Art a nivel mundial, como John Lopez, Dotun Popoola y Alan Williams. Este año también tuve el honor de ser invitado a Ankara, Turquía, a participar junto a otros nueve artistas de Valuable Scraps, en donde pudimos realizar obras de arte en vivo en un periodo de veinte días, en el marco del cuidado del medio ambiente y la sustentabilidad. Estas obras quedaron en exposición permanente en la sede la Orquesta Sinfónica de Turquía, en Ankara.

-Además de las esculturas de Messi y Maradona, ¿qué otras obras viajarán a Qatar y qué expectativas tenés?

-Tengo varias obras disponibles, como la de un caballo árabe en tamaño real y una réplica del David de seiscientos kilos, pero previamente al viaje ellos hacen una preselección. Es decir que cada artista muestra todo lo que puede llevar y ellos eligen. ¿Expectativas? ¡Qué mejor que participar del único y más grande evento de Scarp Art del mundo, representando a la Argentina, y con una escultura de Messi y otra del Diego!

–¿Con qué materiales trabajás y de dónde los sacás?

-Siempre me gustó armar cosas con diferentes materiales recuperados. Un poco por curiosidad y otro poco por necesidad, aprendí a soldar. También tenía algunos fierros y repuestos metálicos en mi taller. Siempre me pareció que estas piezas tienen una belleza particular, incluso el óxido que las cubre lo tiene, por lo que decidí unirlas, soldarlas y probar. Así creé mis primeras esculturas, pequeñas y sencillas. Generalmente uso metal, desperdicios metálicos, aunque nunca descarto el uso de otras cosas como goma, plástico, vidrio. De hecho, espero incorporar en mis obras plásticos y juguetes viejos. De muchos talleres me traen materiales, y también amigos y familiares, que saben que todo es útil para mí.

-¿Hay obras tuyas en museos locales e internacionales?

-En la actualidad hay obras mías en Qatar, Estados Unidos, España y Colombia, en colecciones privadas, y también hay obras en exposiciones permanentes abiertas al público en Turquía y en mi ciudad natal, en el Archivo y Museo Histórico Municipal de Pergamino.

-¿Cuántas piezas tienen las esculturas de caballos y toros y las de jugadores de fútbol?

-Cada obra en tamaño natural tiene en promedio unas mil piezas, aunque esto suele variar según el tipo de obra y la textura que quiera lograr, por ejemplo el pelo de un león o un perro o la camiseta de Messi. Son cosas distintas. A lo largo de estos años he hecho muchos tipos de obras diferentes, comencé con autos y motos, que suele ser más sencillo; luego animales, generalmente en movimiento, lo que aporta mayor complejidad. Y después hice cuerpos humanos o la metamorfosis entre humano y animal y también obras abstractas. Siempre me gusta innovar y probar técnicas y herramientas diferentes. No hay límites en lo que se puede hacer y los materiales que se pueden utilizar.

-¿Cuál es tu formación como artista y qué objetivos te guían a la hora de hacer las obras?

-No tengo formación artística; estudié contabilidad, y antes de eso computación. Solo trato de transmitir lo que tengo en la cabeza y de mantenerme lo más libre posible para poder crear. Me guía la intuición y la pasión por lo que hago; crear algo nuevo y bello a partir de materiales que no sirven más o que a simple vista parecen inertes me parece maravilloso.

-¿Qué opinaron tus familiares y amigos ante este giro imprevisto en tu vida, de contador a artista?

-Sabía que la profesión de contador no iba a ser mi destino; hace cuatro o cinco años no ejerzo más. Todos, incluso yo, fuimos un poco escépticos a creer que se puede hacer lo que uno ama y vivir de eso. Es un poco irreal pero es posible, no hay que bajar los brazos. Nunca hubiera pensado ni de lejos que iba a estar inmerso en el mundo del arte y menos haciendo esculturas en Turquía o Qatar. Siempre tuve el apoyo incondicional de mi familia y amigos, eso te ayuda a seguir adelante.

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-¿Cómo hacés la “terminación” de las esculturas?

-Suele variar de obra en obra; algunas van pintadas, otras laqueadas, otras prefiero que solo se oxiden y añejen. Cada una tiene su atractivo. Depende de lo que se quiera transmitir. En general me gusta mantener el óxido y los colores originales de las piezas: de esa manera mantienen su esencia original. Actualmente estoy preparando muestras, pequeñas o grandes, en diferentes lugares. Además de eso, siempre se pueden ver mis obras en el taller y en mi cuenta de Instagram, @julianandresprovenzano.

Fuente: La Nación ~ En la seguidilla de acciones, que se viralizan en las redes sociales y la prensa mundial, los activistas plantean una opción: el arte o la vida; es “una locura” o una “tontería sin sentido”, creen algunos; otros, más conciliadores

Mientras continúan los ataques de jóvenes ambientalistas a obras de arte exhibidas en museos europeos en reclamo de medidas de los gobiernos y las empresas para frenar los efectos indeseados del cambio climático, varios artistas, críticos e intelectuales de la Argentina comienzan a expresarse al respecto. No es improbable que este activismo ambiental (financiado por organizaciones primermundistas) se propague en instituciones artísticas de otros continentes.

En la seguidilla de acciones, y gracias a la viralización en redes sociales y la prensa mundial, los ambientalistas radicalizados plantean una opción: el arte o la vida. Pero ¿por qué no ambos?

La “vandalización” de los activistas -las comillas son oportunas porque (hasta ahora) las obras de arte no han sido dañadas- se asemeja a una performance que toma elementos de la historia del arte, como cuando las dos adolescentes integrantes de Just Stop Oil arrojaron sopa enlatada sobre una pintura de Vincent van Gogh, en la National Gallery de Londres, en clara alusión a las obras en serie de Andy Warhol de las latas de sopa Campbell. En cambio, el reciente atentado de los activistas finlandeses de la agrupación Última Generación, que arrojaron un líquido negro que simbolizaba el petróleo a una obra de Gustav Klimt, en el Leopold Museum de Viena, tiene más afinidad con el expresionismo de un Jackson Pollock.

En diálogo con LA NACION, artistas, teóricos, críticos y periodistas especializados se manifestaron sobre los activistas ecológicos que utilizan el arte para reclamar mejores condiciones de vida en el planeta.

Luis Felipe “Yuyo” Noé (artista)

“Una cosa es una causa justa y fundamental como la lucha a favor de la conservación del medio ambiente, y otra cosa son los medios para publicitarla. Eso de tirar comida sobre obras fundamentales para la historia del arte es una tontería sin sentido y contraproducente porque produce reacciones en contra”.

Marta Minujín (artista)

“Me parece una locura, y es algo inútil, porque las cosas van a seguir igual. Y aparte no sé por qué se les ocurrió atacar las obras; mejor que se la agarren con los monumentos nacionales, pero no con el arte. No me gusta nada, ni me parece interesante”.

José Emilio Burucúa (historiador del arte)

“Es difícil explicar una acción tan absurda. A menos que se haga a sabiendas de que no tiene efectos destructivos. Pero tal cosa no es segura. De modo que volvemos al absurdo. Naturaleza y cultura son anverso y reverso de un mismo imperativo, el de la preservación de todas las formas de la vida, y esa es una responsabilidad exclusivamente humana a fin de cuentas”.

Claudia del Río (artista)

“Amo este nuevo concepto de los derechos subjetivos de la naturaleza, que son los derechos jurídicos. Banco al ambientalismo, son posiciones extremas, pero podemos vivir sin esas obras maestras, sin embargo la vida en Rosario con el humo y herbicidas, etcétera, etcétera, nos mata acá ypone de rodillas aún más al continente americano. La justicia ambiental debe legislarse como un derecho de la naturaleza”.

Andrés Duprat (director del Museo Nacional de Bellas Artes)

“Si bien los principales museos poseen múltiples herramientasde seguridad, como cámaras, alarmas y guardianes de sala, los ataques repentinos contra obras de arte, como los perpetrados recientemente en Londres, Viena y Madrid, son muy difíciles de anticipar y prevenir por la misma naturaleza de su acción. Por fortuna, en nuestro país ese tipo de acciones y atentados no son frecuentes.

Los atentados recientes son en general eficaces en su concepción práctica, salvo el de El grito de Edvard Munch en el museo de Oslo que pudo evitarse, pero fallidos en su concepción simbólica. Los aciertos prácticos son varios, comenzando por la elección del lugar: los museos más famosos y visitados del mundo. A la vez, los activistas eligen obras icónicas, populares y valiosísimas, de autores célebres y conocidos por el gran público a lo largo de la historia del arte. Con esas dos elecciones, se garantizan prensa mundial.

La acción repentina de arrojar líquidos sobre las pinturas permite llevar a cabo el plan sin que los guardias tengan tiempo de reaccionar. Los activistas adhieren luego sus manos a la pared o al marco de la obra con un pegamento instantáneo, para evitar ser expulsados de la sala y contar con el tiempo necesario para manifestar sus consignas y completar su protesta. La acción contempla la reacción de los visitantes y ocasionales testigos, quienes forman parte del plan sin saberlo, al cumplir con la documentación y la viralización necesaria del episodio.

La gran falla o debilidad de estos atentados es conceptual, ya que lo que pretenden discutir o denunciar se ve absolutamente eclipsado por la impactante lectura simbólica de las acciones. Y claramente nadie podría articular el simulacro de dañar una obra de arte con una protesta en defensa del medioambiente o con una crítica al orden mundial. El medio contradice y destruye el mensaje, pues se pretende poner en discusión el orden mundial con aquello que lo sustenta, es decir, los medios de comunicación.

¿Qué interrogación suscita la posibilidad de destrucción del arte y de qué manera los medios capturan esto? ¿Qué representan hoy esas grandes obras de notables artistas, como Van Gogh, Klimt, Goya o Vermeer exhibidas en colecciones de museos que pudieran ser susceptibles a la impugnación a través de un atentado?

La relación metafórica no funciona. El símbolo que se pretende impugnar no remite inmediatamente a la destrucción del planeta, ni al hambre en el mundo ni a nada que se le parezca. Como herramienta política las acciones son fallidas, y la prueba es que la opinión pública habla cada vez más de las vandalizaciones de las obras y menos de las consignas propuestas por los activistas”.

Karina El Azem (artista)

“El presente nos está llamando a una acción madura, consciente y responsable para solucionar problemas tanto de índole ecológica como social y cultural que son urgentes. El arte, la creatividad, el pensamiento son herramientas de la pulsión de la vida. Claramente, la dicotomía arte versus naturaleza no solo es inválida sino además manipulada por la máquina de idiotización en busca de likes. La palabra ‘activista’ no contiene acciones de este tipo, debería manifestarse en acciones positivas y constructivas. Además de la violencia de estos, que seguramente pasarán pronto de moda, agregan una enorme preocupación. ¿Qué medidas tomarán los museos? ¿Más vidrios, más custodios? ¿Más distancia que la que ya el monstruo de la banalización nos amenaza? Nada bueno puede salir de estos actos estúpidos, prepotentes y narcisistas.

Darío Lopérfido (gestor cultural)

“Es un acto profundamente idiota, porque está generando el efecto contrario al buscado. El repudio en el mundo es tan grande por lo que están haciendo que violan la principal norma de comunicación, que es centrarse en lo que se quiere comunicar. Ellos pretenden alertar sobre la emergencia climática pero comunican que arruinan obras de arte. Y además, es profundamente autoritario. Está es la moda de los activistas en general: es lo menos cercano a la reflexión y el estudio que requiere un tema como el climático, que uno tiende a pensar que debe estar en manos de especialistas y no de niños financiados por organizaciones internacionales. Ya se ha visto lo que pasó con las protestas por la energía nuclear, contra la que se luchó tanto y hoy es considerada una energía limpia. Estos activistas fanáticos hicieron campaña contra las centrales nucleares y ahora estas fuentes de energía son consideradas energía limpia por la Unión Europea. Los países que levantaron las centrales las están volviendo a usar. Mientras, les entregaron la soberanía energética a un autócrata como Putin que les vendió gas y con el dinero que ganó compra armas para asesinar a ucranianos. Y deberían saber que los que siempre atacaron obras de arte fueron los autoritarios, los nazis, los fascistas, los estalinistas. En su ignorancia, estos jóvenes no se dan cuenta de que están reproduciendo metodologías de los peores autoritarismos de la historia de la humanidad”.

Andrés Waissman (artista)

“No creo que los activistas obtengan otro resultado más que visibilidad momentánea. Está claro que estamos en una especie de negacionismo universal en cuanto al tema del planeta. Esto debiera afectar al mundo de la cultura y la intelectualidad que son, como en tantas cosas, quienes debieran estar alertando sobre lo que los activistas denuncian. Esto es una consecuencia de la falta de compromiso de los países, los gobiernos y, sobre todo, los políticos de atacar con seriedad el tema ambiental. Como artista pienso que agredieron estas obras con productos que no dañan demasiado, lo que habla bien de ellos”.

Mariana Iglesias (periodista especializada en cultura)

“En primer lugar, rescato la necesidad de hacer un llamado de atención sobre la problemática ambientalista. Estoy de acuerdo en que si no tomamos medidas concretas, no tendremos arte para admirar pues tampoco habrá planeta para habitar. Sin embargo, lo primero que me genera enterarme de un nuevo ataque es una profunda antipatía, por la forma violenta de atacar otro elemento digno de cuidado. Los museos son entidades que buscan preservar y tienen una función de acercamiento y aprendizaje. Es hora de que los ambientalistas utilicen esas herramientas para enseñarnos y darnos a conocer cuál es el eje de su denuncia y cómo podemos ser parte de la solución”.

Andrea Giunta (historiadora del arte)

“En términos generales, me parece una acción que no conduce a los fines que persigue. Por supuesto que tirarle tomate o puré a una obra con vidrio, que no sale dañada, no es un hecho al que le dé mayor trascendencia. Hay quienes dicen, incluso, que son actos de promoción de los museos. Prefiero no pensar en forma conspirativa. Pero el tema que plantean sí me parece extraordinariamente urgente. No sé cómo el arte puede contribuir a que todos tomemos conciencia del desastre que esta sucediendo con el planeta producto del desmonte, el fracking, la minería a cielo abierto y con métodos de extracción que contaminan el agua o la destrucción de los humedales, para mencionar tan solo algunas cosas. Estos hechos me parecen mas serios y mucho más urgentes que una lata de tomate en un cuadro con vidrio. No se si el arte, sino todos tendríamos que preguntarnos cada día como impedir que el colapso del planeta se intensifique”.

Hernán Borisonik (doctor en Ciencias Sociales)

“Me pareció llamativa la lista de obras sobre las que se usaron como blanco de los ataques. Son todas parte del canon indiscutible de la Modernidad europea, es decir, una cosmovisión mucho más centrada en el carbón que en el petróleo (que es lo que quieren que se deje de usar). Por otro lado, es interesante el gesto de agredir piezas que están protegidas por cristales, buscando más ampliar la notoriedad y la conciencia sobre el cambio climático que realmente arruinando los cuadros. Sin duda, la cuestión que estos grupos quieren poner de manifiesto son de absoluta importancia. Resta ver si sus acciones tienen algún efecto positivo”.

Rodrigo Túnica (artista)

“Creo que es un intento desesperado por mantener el debate vigente mientras se continúa naturalizando la situación de crisis y su irreversibilidad. A nivel estratégico es efectivo porque permite trascender las redes y ocupar, aunque sea unos instantes, los diarios, la tele y las radios. Lamentablemente, el hecho es lo que perdura y no así las causas que lo motivaron. Personalmente trabajo para visibilizar y expandir las alternativas de producción regenerativa, que es básicamente generar producción y desarrollo con procesos con impacto positivo en el ambiente que ayudan a crear mayor biodiversidad”.

Azul Blaseotto (artista)

“Me caen bastante simpáticas estas acciones. Porque sacuden el sopor de la mirada cómoda y domesticada de generaciones que creen que el valor cultural debe conservarse en los museos. Mientras que se miran, conservan y valorizan determinados objetos, la vida misma se extingue ante nuestros ojos: los fuegos queman los bosques, la desertificación seca los ríos, humanos y no humanos perecen o migran si pueden, adonde son rechazados o cuanto más, enjaulados; los hielos continentales se derriten, las montañas se derrumban, el humo sofoca… ¿y qué? ¿La propuesta es ir al museo con aire acondicionado? Esas acciones están dirigidas a sacudir las mentes atoradas, las obras no corren peligro ya que están todas bajo vidrio. Lo que buscan es hacer reflexionar a las capas ‘educadas’ para generar algún tipo de reacción ante el suicidio por goteo”.