Conexión arteba: un foro sobre arte y naturaleza expande el debate en Cuyo

Fuente: Clarín – Las soleadas tierras de la región de Cuyo serán el escenario de la primera edición de Conexión arteba, un programa federal que apuntala la misión de la Fundación arteba de dar visibilidad al arte argentino más allá de la feria anual. Del 9 al 12 de abril, en dos jornadas en San Juan y Mendoza se realizará la primera edición de El sol al mediodía del desierto: prácticas artísticas entre cielo, tierra y tiempo, un programa que incluye conferencias, mesas de debate y una agenda de visitas a colecciones y actividades en espacios de la escena artística local.

«Desde su fundación, la misión de arteba es el desarrollo del arte argentino, y en ese momento la feria era súper importante porque no existía; ahora estamos en otro momento, que implica trabajar en la integración de la escena nacional», detalló a Clarín Cultura Lucrecia Palacios, directora ejecutiva de la Fundación arteba.

Curado por Ferran Barenblit (ex director del Macba de Barcelona) y la curadora argentina Alejandra Aguado, el encuentro tiene eje en un foro de reflexión sobre la relación entre arte y naturaleza, un eje central tanto en las obras de los artistas como en las discusiones vigentes en todo el mundo. Los debates tendrán lugar en dos auditorios, con capacidad aproximada para 200 personas cada uno, en espacios céntricos de ambas capitales provinciales.

El evento toma su nombre de un verso de la poeta argentina de origen mapuche Liliana Ancalao, nacida en un campamento petrolero en Comodoro Rivadavia, que participó de espacios como el festival literario Filba.

Descentralizar y enriquecer los debates sobre el arte en la Argentina y generar nuevas redes de diálogo y colaboración son los principales objetivos de la propuesta, que busca además fortalecer las comunidades locales.

Entre los oradores confirmamos, hay destacadas personalidades como el mexicano Cuauhtémoc Medina y José Roca, colombiano y primer curador adjunto para América Latina y la diáspora del Museo Hirshhorn en Washington, junto a la artista Mónica Giron –nacida en la Patagonia– y el curador Fernando Farina, entre los argentinos.El curador Cuauhtémoc Medina, durante una visita previa a Buenos Aires. El curador Cuauhtémoc Medina, durante una visita previa a Buenos Aires.

«Buscamos el desarrollo de pensamiento, otros dispositivos y la activación de reflexiones para otro tipo de percepción que se está dando en espacios que tienen relaciones diferentes con la naturaleza», apunta Palacios. Entre las actividades, concede, habrá visitas a varias colecciones que en la región tienen en común estar concentradas en espacios no institucionales como museos.

Desde diversas disciplinas, se debatirán las tensiones entre la humanidad y su entorno, los cambios geológicos, históricos y sociales del paisaje, y los desafíos que impone el presente. En busca de nuevas formas de encuentro con el territorio y modos en que el arte puede aportar herramientas para repensar su futuro.

Expuestas en un valle de montaña, las obras de Adrián Villar Rojas, Eduardo Basualdo, Mariana Tellería y Nicola Costantino, entre otros, que interpelan directamente desde el paisaje natural, bien lejos del cubo blanco de las salas convencionales, nos pueden interpelar de otra manera, a los profesionales del arte y a cada espectador.

Hizo una estatua de Maradona con 250 kilos de hierro y tardó tres meses sólo para los rulos

Fuente: Clarín – «Yo voy a homenajear a Maradona», fue la frase que dijo Oscar Franco (51) y que lo impulsó a realizar una escultura de tamaño real hecha con amor, trabajo y hierros reciclados que pesa 250 kilos. Tal como lo soñó, hoy la escultura se encuentra en la esquina de Murature y Pilcomayo, a metros del cartel de la estación Fiorito del ferrocarril Belgrano Sur, cuya letra «i» y letra «o» están pintadas de albiceleste para destacar al 10.

La escultura, hecha de amortiguadores, engranajes, cadenas y todo tipo de fierros aportados por mecánicos amigos de su barrio, tuvo un proceso de trabajo de dos años. Oscar menciona que siempre le gustó la imagen de Diego corriendo con la pelota, por lo que avanzaba en la obra «cuando sentía que lo tenía que hacer».

Aunque Oscar se destaca por hacer arte con chatarra, su profesión es la de pizzero. Tiene su local a pocas cuadras de la casa que vio crecer a Diego. «Yo no nací en un hospital, nací a cinco cuadras de la casa de Maradona, en la pieza de mi vieja hace 51 años». Así, su pasión por Fiorito y por el 10 nació con él.

«No importa en qué parte del mundo estuviera Diego, siempre se acordaba de su querido Fiorito y de las vivencias que tuvo acá. Él nos puso en el mapa. Hoy decís ‘Fiorito’ en cualquier lugar y todo el mundo dice Diego Maradona», cuenta.

Al comienzo, la escultura no era más que una idea en el taller de «tres metros por dos» de Oscar. «En mi tallercito entro yo y mi soldadora», dice entre risas. Fueron dos años juntando herramientas para darle forma al 10. Los materiales los recolectó poco a poco: algunos los encontró en la calle, otros se los regalaron. Piñones de moto, cadenas y planchuelas fueron los elementos principales que utilizó.La escultura se encuentra al lado del cartel firmado por Diego Armando Maradona. La escultura se encuentra al lado del cartel firmado por Diego Armando Maradona.

Comenzó por las piernas —cada detalle importa—, y se encontró con un desafío al tener que hacerlas musculosas, como las de Diego. «Tenía que ir agregando fierrito por fierrito, soldando encima de la pierna y moldeando para que quedara bien. Ese fue uno de los desafíos», comenta. Además, detalla que tardó tres meses en colocar cada rulo de la cabeza. «Como en algunos lados tiene más volumen que en otros, traté de hacerlo lo más parecido posible a la foto que usé como referencia».

Su pasión por este tipo de arte nació en un viaje a la costa atlántica argentina. Aunque siempre le llamó la atención el arte en chatarra, no fue hasta unas vacaciones con un amigo que se inspiró al ver una moto hecha de rulemanes y cadenas en el mostrador de una carnicería. La analizó, hizo una «fotocopia mental» y, al regresar a su casa, se encerró en su taller para recrearla. «Yo tenía una soldadora en casa, hice la moto y la verdad salió linda. A mi entorno le gustó».La estatua pesa 250 kilos y está hecha de hierros reciclados. La estatua pesa 250 kilos y está hecha de hierros reciclados.

Poco a poco, Oscar empezó a profundizar más en este arte y a realizar esculturas. Guitarras y motos son las piezas que más suele crear y menciona que YouTube es un gran aliado para inspirarse en futuros proyectos.

La primera inauguración de la escultura se realizó el 19 de octubre en su pizzería, durante la celebración de su décimo aniversario. A la fiesta asistieron tres hermanas de Maradona, quienes quedaron encantadas con la estatua.A la inaguración de la obra asistieron las hermanas de Diego Armando Maradona.A la inaguración de la obra asistieron las hermanas de Diego Armando Maradona.

Para que la escultura llegara a su ubicación actual, un amigo de Oscar le mencionó que el municipio de Lomas iba a homenajear a Maradona en el aniversario de su nacimiento. Así, Oscar se contactó con ellos, quienes quedaron «maravillados» al verla. Les contó que su sueño era que la estatua estuviera en la estación donde Diego dejó su firma en un cartel durante una visita con el periodista Andy Kusnetzoff.Las hermanas del Diego quedaron maravilladas con la estatua. Las hermanas del Diego quedaron maravilladas con la estatua.

Finalmente, se pintó la escalinata y se colocó la estatua sobre una base que le da altura. «A la gente le gustó mucho. Se acercan a mi pizzería para felicitarme y eso me hace sentir orgulloso», expresa Oscar. Además, adelantó que planea realizar una moto de tamaño real para un grupo de motoqueros llamado «Viejos Espíritus» de Fiorito

Una obra de arte hecha con barbijos utilizados durante la pandemia será donada: cómo postularse

Fuente: Filo.News – Desde la Asociación Civil “Fortalecer recursos para familias y comunidades” invitan a organizaciones de salud, educación, arte y cultura a postularse para recibir la donación de la obra realizada por un grupo de mujeres en el marco de una jornada para prevenir y mitigar la violencia de género.

La Asociación Civil “FORTALECER. Recursos para familias y comunidades» celebra su 30 aniversario y donará una obra de arte textil titulada «Transformaciones Colectivas» a una organización de salud, educación, arte o cultura. La obra, creada entre octubre y noviembre de 2022, fue realizada con retazos de barbijos utilizados durante la pandemia de Covid-19.

La asociación civil organizó una jornada de mujeres, en donde Priscila Freire Yoder, quien coordinó un taller de artes plásticas, junto a un grupo de mujeres crearon una obra de arte textil. Esta obra, confeccionada con retazos de barbijos de la pandemia, simboliza la solidaridad y la ayuda mutua entre mujeres, transmitiendo un mensaje de esperanza y resiliencia y mostrando cómo la sociedad puede sobreponerse a una crisis.

La jornada anual de mujeres reúne a participantes de diversas edades y estratos sociales para prevenir y mitigar la violencia de género a través de talleres de arte, como el que inspiró la creación de esta obra de arte textil.

“Disfruto mucho del arte cuando me encuentro frente a un lienzo con mis pinceles y pinturas, lista para plasmar una idea. Sin embargo, el trabajo en taller me brinda una experiencia aún más valiosa. No se trata de crear algo bello y perfecto que cumpla con las reglas del lenguaje visual, sino de valorar el proceso. En esa jornada, reflexionamos sobre cómo atravesamos la pandemia, qué nos fortaleció y qué fue difícil. Trabajamos con una actividad disparadora y luego en grupos pequeños, con preguntas que nos ayudaron a pensar y reflexionar sobre nosotras mismas”, señala Priscila en diálogo con Filo.News.

Sobre el proceso de la creación de esta obra, detalla: “La pandemia nos impactó de muchas maneras. Pero luego viene la parte que me encanta: tomar lo que tenemos y transformarlo. Podemos transformar las cosas que parecen inamovibles, incluso aquellas arraigadas en nuestras memorias. Algunas mujeres no se animaban a cortar o pegar pero entre todas nos dividimos las tareas. Poco a poco, el trabajo empezó a tomar ritmo y forma”.

Acerca de la donación:

En el marco del 30 aniversario de la Asociación Civil, realizarán esta donación con el objetivo de vincular el recuerdo de este evento que nos impactó profundamente, con la idea de una sociedad capaz de reconstruirse sobre la base de la solidaridad y la esperanza.

Desde la Asociación invitan a organizaciones de salud, educación, arte y cultura a postularse para recibir la donación. La selección se basará en los siguientes criterios: Misión de la institución y población objetivo; Interés en poseer la obra; Cuidados de la obra: enmarcado y vidrio de protección; Visibilidad de la obra: lugar de exhibición.

Se recibirán propuestas hasta el 18 de Febrero y el 25 de febrero se entregará la obra para que  pueda ser enmarcada y exhibida a partir de marzo. Para postular las organizaciones deberán escribir a arteporlapaz@fortalecerfamilias.org. En el asunto deberán poner: postulación y el nombre de la organización.

Descubren el origen del arte: científicos hallaron la primera pintura humana hecha hace 66.700 años

Fuente: Cronista – Un equipo de investigadores españoles reveló cuáles son las pinturas más antiguas del mundo realizadas por neandertales.

El arte es una expresión de la creatividad de los seres humanos cuyos orígenes se remontan a miles de años atrás. A lo largo del tiempo, diversas obras han sido descubiertas, proporcionando información valiosa sobre las capacidades artísticas de las sociedades antiguas

Un estudio reciente llevado a cabo por un equipo de investigadores de la Universidad de Southampton realizó un descubrimiento que desafía todo lo que se creía conocer sobre los orígenes del arte.  

Descubren el origen del arte: ¿cuáles son las pinturas más antiguas?

La investigación publicada en el Journal of Archaeological Science encontró que las siluetas de manos halladas en la cueva Maltravieso, en Cáceres, España, no solo son las pinturas rupestres más antiguas hasta la fecha, sino que además fueron creadas por neandertales hace unos 66.700 años. 

Descubierta en 1951, la cueva de Maltravieso es un sitio emblemático del arte rupestre. Sus paredes son hogar de más de 70 siluetas de manos, realizadas mediante la técnica de soplado de pigmentos minerales sobre manos apoyadas en la roca.

El equipo liderado por Christopher D. Standish aplicó la técnica de datación por uranio-torio para analizar las costras de carbonato de calcio que cubren las pinturas, determinando su antigüedad. Este método permitió medir la transformación del uranio soluble en agua en torio insoluble en las costras de carbonato que se acumulan en las pinturas, lo que proporcionó una datación mínima de 66.700 años.

No fue el Homo Sapiens: ¿quiénes fueron los verdaderos creadores del arte rupestre?

Durante siglos, se pensó que el arte rupestre era una manifestación exclusiva del Homo sapiens. Sin embargo, los resultados del estudio confirman que los neandertales no solo fabricaban herramientas, sino que también fueron los autores de las pinturas más antiguas del mundo.

El arte rupestre encontrado en Maltravieso no solo es decorativo; su creación requería planificación, habilidad técnica e intencionalidad comunicativa o ritual. Los científicos sugieren que estas pinturas pudieron haber tenido un significado social o espiritual para los neandertales. 

Además, al comparar los resultados con descubrimientos similares en Indonesia y el Tíbet, los investigadores plantean la posibilidad de que esta tradición artística tenga orígenes aún más antiguos y extendido a nivel global, replanteando el papel de los neandertales en a evolución del arte

Se viene la 7° Edición de Arteco Feria de Arte Contemporáneo de Corrientes

Fuente: Radio Infinita Goya – El Gobierno de Corrientes, a través del Instituto de Cultura de la provincia, se encuentra organizando la séptima edición de la Feria de Arte Contemporáneo de Corrientes (ArteCo). Esta edición se realizará del 22 al 25 de mayo, gracias a la gestión de la actual Presidente del Instituto de Cultura, Beatriz Kunin, y con el apoyo del Consejo Federal de Inversiones (CFI).

Pueden aplicar a la convocatoria de las siguientes categorías: artistas individuales y Galerías / Proyectos artísticos / Colectivos de artistas.

Los formularios ya se encuentran abiertos hasta el 7 de marzo de 2025.-

Este evento tiene como misión dar visibilidad a la escena artística visual de Corrientes mediante la vinculación entre artistas, galeristas, coleccionistas, curadores, gestores, creadores, productores, público y otros agentes del sector, pertenecientes tanto al territorio nacional, como a países limítrofes. Con esto se busca propiciar la creatividad, la producción, la experimentación, la divulgación y la comercialización de bienes simbólicos culturales en general, y de las artes visuales en particular. En base a esto, la feria cuenta con tres categorías para postularse:

● Galerías de Arte: emprendimientos privados con fines de comercialización de obras de arte, que cuenten o no con un espacio físico. Los mismos deben contar con la participación de al menos un artista de la región del NEA, entendiendo como Nordeste Argentino a las provincias de Corrientes, Chaco, Formosa, Misiones, Santa Fe y Entre Ríos.

● Colectivo de Artistas/ Proyectos artísticos: agrupaciones de dos o más personas conformadas para la realización de actividades vinculadas con la práctica del arte contemporáneo, que cuenten o no con un espacio físico. Los mismos deben contar con la participación de al menos un artista de la región del NEA, entendiendo como Nordeste Argentino a las provincias de Corrientes, Chaco, Formosa, Misiones, Santa Fe y Entre Ríos.

● Artistas Individuales: personas físicas que realicen de manera frecuente y profesional obras de arte contemporáneo y en este caso, apliquen a la feria para exponer sus obras de manera individual. Los mismos deben ser oriundos de la Provincia de Corrientes o contar con un mínimo de cinco (5) años de residencia en la Provincia.

Esta 7ª edición de ArteCo tiene como objetivo fortalecer el encuentro entre artistas, galeristas, gestores culturales y el público, consolidando un espacio clave para el arte contemporáneo de la región. Además, busca impulsar alianzas estratégicas que fomenten la compra y producción de arte local.

Arte argentino en importantes ferias de México, sin ayuda estatal

Fuente: Ámbito – Doce galeristas argentinos autogestionaron sus espacios en Maco, Material y el Salón ACME, para no faltar a esos encuentros decisivos donde se percibe el mercado mundial en alza.

El mercado del arte argentino estuvo ligado desde sus orígenes al internacional y, mayormente, al europeo. Basta recorrer los museos para corroborar una tendencia que no solamente perdura, sino que además, a fines del siglo XX, se amplió hacia Latinoamérica. Esta vocación mundana explica lo inexplicable: la llegada de 12 galerías argentinas en medio de la profunda crisis del mercado, a la semana del arte de México. Allí, en las ferias que cerraron sus puertas el domingo pasado, se percibía el inconfundible clima del mercado mundial en alza y los galeristas pudieron reestablecer el excitante diálogo con los compradores poderosos de EE.UU., Europa y Asia, que viajan con sus curadores y traductores y no pisan el suelo argentino desde hace tiempo.

Sin ninguna ayuda estatal, ni siquiera para los pasajes, acarreando las obras para cuidar el centavo y oficiando de montajistas, 12 galeristas argentinos pagaron sus espacios en las ferias Zona Maco, Material y el Salón ACME. Fundada en 2002, Zona Maco es la feria más importante de Latinoamérica, con 200 galerías de todo el mundo, ocupa el lugar que supo tener arteba. Un stand de 15 metros cuadrados tiene un costo de 10.000 dólares. Y los operadores como Martina y Eugenio Ottolenghi de Otto, Mariela Mayorga de la galería Tramo, los rosarinos Daniel Pagano y Daniel Andrino de Subsuelo, Mauro Herlitzka, Nora Fisch, W y Mora Bacal de Benzacar -donde se destacó la obra de Ana Gallardo radicada en México-, se fueron conformes, cubrieron los gastos y ganaron algunos dólares.

En la feria Material, el metro cuadrado costaba 450 dólares y los galeristas de Constitución, Pasto y Sendros, elogiaron sin retaceos el buen trato y el nivel de calidad. “Es una feria curada, con una fuerte participación de espacios de todo el mundo y mucha presencia de agentes del sistema del arte global, de EE.UU., en especial. Material tiene una escala amable, fácil de recorrer, es una marca que supo posicionarse muy bien, tanto en el contexto de la semana del arte de CDMX, como en la escena internacional. Por el perfil de galerías que convoca, nos resulta la más acorde a nuestro proyecto”, agrega Beto de Constitución, que llevó y vendió obras de Ana Won y Nicolás Said. También en Material, Alberto Sendrós vendió siete obras de Andrés Piña.

Este breve encuentro con el mundo exterior les permitió a los argentinos cotejar precios y calidad con arteba, una feria que perdió el liderazgo internacional y se ha vuelto federal. Pero mantiene a los galeristas cautivos. Con sus más de 30 años de existencia, arteba aporta todavía gran visibilidad en el mercado local. Hay compradores con el gusto y el ojo educados en la Feria que esperan su apertura para mirar desde allí el horizonte del arte moderno y contemporáneo. Y recién entonces eligen puntualmente una obra para comprar.

La presidenta de la Fundación arteba, Larisa Andreani, observa un extraño fenómeno: “Entre el 60 y el 80 % de las ventas de las galerías se concretan durante la Feria”. Resulta comprensible entonces que nadie quiera quedarse fuera. Aunque, a pesar de todo, es decir, de tener las ventas aseguradas, los galeristas sienten que el precio que pagan por los stands es demasiado alto. Alrededor de 30.000 dólares costaban el año pasado los espacios más amplios, de casi 100 metros. Los precios tienen una escala ascendente, en 2024 superaron los de 2023 y estiman que este año pueden ser más elevados todavía.

Entretanto, el gran proyecto de la gestión actual, el sector STAGE, un espacio para las galerías en la mitad de sus carreras y sin recursos para ingresar en el sector principal, ofrecía en mayo de 2024 un stand de 20 metros por menos de 5.000 dólares. Pero se suspendió. Acaso con un programa como STAGE, las galerías maravillosas de los años 90, como Dabbah Torrejón, Daniel Abate, Braga Menéndez o Belleza y Felicidad, hubieran sobrevivido. Y si este año se volviera a presentar, el gesto benefactor de los galeristas importantes tendría otro fundamento.

¿Reaparecerá STAGE? ¿Cuánto costarán los stands? Hoy, en el portal de la Feria de 2025 solo informan el lugar, nuevamente el Centro Costa Salguero, y la fecha de la inauguración. Los días miércoles 27 y jueves 28 de agosto se abrirá a los invitados especiales y desde el viernes 29 al domingo 31, al público en general.

En México los operadores del mercado cotejaban los precios. En la sección Opening de la feria madrileña de ARCO -un clásico para los argentinos- un stand de 21 metros cuadrados tiene un valor de 6.500 euros. En Artissima de Italia, donde este año Rolf presentará las fotos de Liliana Maresca tomadas por Marcos López, cuesta 7.000 euros un espacio de 25metros cuadrados. Y el domingo, mientras los galeristas en franco plan de ahorro se arremangaban para levantar sus exposiciones, se preguntaban: “¿Para qué viajaron los representantes de Meridiano, la cámara de galeristas, la gente de arteba y de la Agencia de Inversiones?

Consultado Gonzalo Lagos, a cargo de las visitas guiadas, responde textualmente: “Viajamos por MERIDIANO: yo cómo Director Ejecutivo de arteba: Daniela Iramain y Leticia Kabusaki”. Los galeristas describieron una pintoresca visita guiada: “Era un grupo de 10 personas, integrado por las que llegaron desde la Argentina, y no más de cinco entraron al stand, el resto, se quedó charlando en el pasillo”. En suma, la paradoja es que los propios galeristas se quejan de la burocracia que ellos mismos crearon. Ahora, que deben financiarla, les resulta absurdo pagar esos viajes. Lo que en verdad les importó fue ser tratados por los mexicanos como buenos clientes y que les llevaran coleccionistas a ver las obras de sus stands.

Por otra parte, la Agencia de Inversiones no brinda más ayuda financiera, pero Martín Bafundo llegó y prometió trabajar para conseguir pasajes aéreos a Arco, del mismo modo que consiguió en Aerolíneas Argentinas para la feria de Miami. Otra paradoja. Aerolíneas Argentinas parece estar liberada del plan de ahorro que rige en el país para todas las instituciones públicas.

Cruzando el vibrante e intenso Distrito Federal, el Salón ACME deslumbró al galerista Daniel Pagano con una puesta escenográfica en un llamativo edificio en parte destruido. Allí el arte ocupaba espacios inesperados como las escaleras o colgado entre las cañerías. Los cócteles parecían fiestas y el manejo de los artistas invitados, que no pagan nada, corre por cuenta de los organizadores, que venden y cobran su comisión. Además, hay espacios que rondan los 2.500 dólares donde estaba María Casado. Pagano también elogió la visita en Zona Maco de los coleccionistas que supieron apreciar a las artistas Alicia Nakatsuka, con su atractiva sensualidad, y Daniela Arnaudo.

Lo cierto es que por grande que resulte el esfuerzo de sostener este año arteba, nadie quiere que se derrumbe el espacio ganado para el arte desde 1991, cuando Fito Fiterman fundó la Feria y Alejandro Corres fue su primer presidente. Es más, se analizan estrategias para salvar la Feria del declive.

«Noche de Museos Abiertos»: vuelve la convocante propuesta con una edición para enamorarse de la ciudad

Fuente: Rosario Noticias – Será el viernes 14 y se suma a las actividades de la Municipalidad para celebrar el tricentenario de Rosario y propone circuitos nocturnos para recorrer museos y espacios culturales.

El viernes 14 de febrero, desde las 19 y hasta la medianoche, tendrá lugar la edición verano de «Noche de Museos Abiertos». La iniciativa, que se suma este año a las actividades que la Municipalidad lleva adelante para celebrar el tricentenario de la ciudad, ofrece circuitos nocturnos para recorrer museos y espacios culturales, con una amplia variedad de propuestas y la oportunidad de disfrutar de muestras, música, gastronomía e inauguraciones que, en el marco de San Valentín, invitan a enamorarse de Rosario.

«Noche de Museos Abiertos» propone redescubrir la ciudad invitando a ciudadanas y ciudadanos a explorar el patrimonio cultural bajo una nueva luz, brindando una experiencia especial a las y los visitantes.

‘El amor en sus múltiples formas’ será el eje de esta edición, que busca inspirar miradas y abrir caminos para que cada persona que participe encuentre su propia forma de expresarlo y vivirlo. También para que cada espacio elabore, exponga, produzca y convoque a pensar el amor desde su patrimonio o líneas de investigación y acción.

Rosario es un lugar que enamora en cada rincón, por lo que será una noche para contar lo que se ama, compartirlo y enamorarse más de sus calles, sus parques, sus museos, sus artistas, así como de sus historias, gestos, símbolos y costumbres que conectan generaciones. Esa noche, la ciudad se convertirá en un espacio para habitar el amor desde el arte, la cultura y el cuerpo y disfrutar todo eso que la hace única.

La programación se puede consultar en rosario.gob.ar

‘Te llevo en la piel’

Un tatuaje puede ser un homenaje a lo que se ama, un símbolo a la identidad, a los recuerdos y deseos o una declaración de lo que se quiere preservar y llevar para siempre. Como parte de la experiencia de esta «Noche de Museos Abiertos», Mel Romero y Natalia Díaz, dos profesionales del ‘Ciclo de tatuadoras’, harán tatuajes en vivo en el Museo Castagnino.

Asimismo, y para que nadie se quede con las ganas, también se podrán hacer tatuajes temporales en todos los museos participantes.

Circuitos

En esta edición participan museos y espacios culturales municipales, provinciales y privados de la ciudad que se distribuyen en tres circuitos:

Circuito del Parque

  • Museo Municipal Juan B. Castagnino (Av. Pellegrini 2202),
  • Casa Vanzo Wernicke (Cochabamba 2010),
  • Museo Cementerio El Salvador (Ovidio Lagos 1840),
  • Museo de la Ciudad Wladimir Mikielievich (Bv. Oroño 2300),
  • Museo Histórico Provincial de Rosario Dr. Julio Marc (Av. del Museo S/N),
  • Museo del Deporte Santafesino (Ayacucho 4800).

Circuito del río

  • Complejo Astronómico Municipal (Av. Diario La Capital 1602),
  • Monumento Histórico Nacional a la Bandera (Santa Fe 581),
  • Casa del artista plástico (Av. Belgrano y Sargento Cabral),
  • Centro de Expresiones Contemporáneas (Paseo de las Artes y el río Paraná),
  • Centro Cultural Parque de España (Sarmiento y el río Paraná),
  • Casa del Tango (Av. Illia 1750),
  • Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (macro, Estanislao Lopez 2250),
  • Estación Embarcaderos (Vélez Sársfield 164),
  • Acuario del Río Paraná (Av. Eduardo Carrasco S/N)

Circuito del centro

  • Museo de Arte Decorativo Firma y Odilo Estévez (Santa Fe 748),
  • Cultural Fontanarrosa (San Martín 1080),
  • Museo de la Memoria (Córdoba 2019),
  • Sociedad Filantrópica Unión (Laprida 1027),
  • Museo de la Democracia (Sarmiento 702),
  • Espacio Cultural Universitario (San Martín 750),
  • Museo Diario La Capital (Sarmiento 763),
  • Bolsa de Comercio (Córdoba 1402),
  • Biblioteca Argentina (Pasaje Álvarez 1550),
  • Espacio Multicultural San Cristóbal (Italia 646),
  • Museo Provincial de Ciencias Naturales Dr. Ángel Gallardo (San Lorenzo 1949),
  • Casa de Gobierno Provincia de Santa Fe (Santa Fe 1950),
  • La Favorita (Córdoba 1101).

Cada uno de las y los interesados podrá armar su propio recorrido y descubrir las propuestas de los museos y espacios de arte usando el sistema Mi bici, tu bici, que será sin costo para quienes participen en esta actividad.

Quienes recorran los diferentes espacios recibirán el mapa-pasaporte para sellar y recordar los espacios visitados en «Noche de Museos Abiertos» que en esta edición será producido por la ilustradora Ligia Rossi.

Una selección argentina de artistas frente al mar

Fuente: Clarín – Unos 22 artistas argentinos consagrados en la escena internacional explorando la diversidad de miradas y expresiones de la cultura de un país que en el pasado fue destino de las grandes migraciones europeas son los que participan de Lo que la noche le cuenta al día, una exhibición concebida por el Padiglione d’Arte Contemporanea (PAC) de Milán y curada en conjunto por Andrés Duprat, director del Museo Nacional de Bellas Artes, y el italiano Diego Sileo, del PAC.

Inaugurada en Milán, con una segunda estadía en Fundación Proa en Buenos Aires, la muestra tiene una tercera rotación en el Museo de Arte Contemporáneo de la Provincia de Buenos Aires (MAR), en la ciudad de Mar del Plata, y durante la temporada estival, llevando a un público mucho más amplio un conjunto de poéticas personales “evidencian la capacidad de los artistas de observar y analizar la sociedad desde abordajes críticos, íntimos y originales”. Se trata de un conjunto de fotografías, instalaciones, esculturas, videos y performances.“Cristo 63”. La famosa serie de Alberto Greco. Foto: Museo MAR“Cristo 63”. La famosa serie de Alberto Greco. Foto: Museo MAR

“El origen fue en Milán a fines de 2023; trabajamos antes de la pandemia junto a PAC, un organismo público muy prestigioso de la ciudad italiana”, contó a Ñ Andrés Duprat sobre la deriva del proyecto. “Dentro de sus propósitos, Diego Sileo, con cierta experiencia en el arte latinoamericano, creó un programa que lleva varios años donde invita a un curador de un país a cocurar una muestra sumando dos miradas, siempre con una temática. Para la Argentina se eligió el aspecto social y político de artistas de la escena contemporánea, leídos bajo una percepción de crítica social. Proa se sumó enseguida y fue un apoyo importante. En Milán fue un éxito, pudieron viajar algunos artistas, se hizo un gran catálogo e inauguró en octubre de 2023 hasta febrero de 2024, cuando pasó a Proa”.

Cada espacio invadido por las obras tuvo modalidades distintas. En parte porque cuando se presentó en Milán había obra de artistas como Lucio Fontana, Juan Sorrentino o Eduardo Basualdo, que hicieron obra especialmente o la tenían cerca por estar en una residencia. Duprat se explaya: “Todos tienen un cuerpo de obra consistente, con una imagen reconocible, y nos parecía que, si bien son poéticas distintas, cada uno tiene la contundencia necesaria para mostrar un panorama absolutamente poderoso del arte argentino. No elegimos artistas muy noveles, o muy jóvenes, sino que nos volcamos a la generación intermedia con una obra importante detrás”.Museo MARMuseo MAR

En el MAR ocupa dos grandes salas; la versión pensada para este museo se inaugura con Nosotros no sabíamos (1976-2007), de León Ferrari, un compendio de recortes de prensa donde se detalla el contexto de cuerpos encontrados en la vera del río o fusilamientos en plena calle. Esa violencia institucional sigue en otra representación muy diferente en la pieza de Ana Gallardo, Retén (2018), donde el plano negro apenas deja leer una frase en la parte inferior, como un susurro atenuado, “Nos hurgaron en nuestros sexos”. La fotoperformance “Cristo 63” de Alberto Greco, el cartel donde Liliana Maresca “se ofrece todo destino” tiene esa misma impronta de crítica sobre el santo y la pecadora. De la misma época es La cabalgata, una performance realizada en vivo por Marta Minujín en el Canal 7 de televisión en 1964, durante el famoso y masivo programa La campana de cristal.

Entre Cristina Piffer y Graciela Sacco hay un nexo en la forma en que son despojados de sus derechos los que no pueden comer: Boca-Nada, juego de palabras para Bocanada, una instalación que aquí se luce con un despliegue en un plano que ordena la sala. Piffer, por su parte, toma los billetes del siglo XIX y los imprime en vidrio con sangre de vaca disecada que, con el tiempo, se va desprendiendo lentamente.Entrada gratuita. Durante todo el verano. Foto: Museo MAREntrada gratuita. Durante todo el verano. Foto: Museo MAR

Liliana Porter usa el despliegue teórico de Das Kapital, una mesa de libros donde se describen las formas del trabajo y la instalación Trabajos forzados, donde siempre la metáfora visual representa una tarea titánica para un hombrecito de talla pequeña.

Muy interesante la forma en que las producciones de Mariana Belloto, Tomás Saraceno y Adriana Bustos se presentan: cada obra tiene una segmentación de mamparas y telones negros que permite una recepción mucho mayor de cualquier proyecto de cierta duración en una muestra tan diversa. Belloto con su Trilogía pandémica, un racconto donde la vida cotidiana se ve mediana por barreras anti contagio; Bustos, con Ceremonia Nacional, un contrapunto que presenta el deporte usado por los dictadores en Berlín y en Argentina. Obra de Sorrentino y Duvillei en Lo que la noche le cuenta al día en el Museo Mar. Foto: gentileza.Obra de Sorrentino y Duvillei en Lo que la noche le cuenta al día en el Museo Mar. Foto: gentileza.

Vuela con Aerocene Pacha, de Saraceno, expresa la postura ecologista del artista con una referencia particular al conflicto local causado por la extracción de litio en Jujuy. De Adrián Villar Rojas hay un trabajo titulado “Me sangra la nariz”, que consiste en una extensa serie de fotografías tomadas a lo largo de dos años. Pedazos de las personas que amamos, que también forma parte de la serie, remite a la tradicional naturaleza muerta en la pintura en la que objetos y materiales se encuentran en el espacio construido con materiales orgánicos modificados por el paso del tiempo.

De Juan Sorrentino, Sonora es un muro que vibra con frecuencias muy bajas, una traducción de ondas cerebrales, mientras que Alessandra Sanguinetti retrata un vínculo fuerte y al mismo tiempo violento en En el sexto día, que se desarrolla en el campo pampeano y tiene como protagonistas a sus animales que aparecen muertos.

En Shipping, Jorge Macchi retoma un crate –el cajón utilizado para el traslado de obras de arte– para crear una pieza calada que remite a un confesionario. Nicolás Robbio, por su parte, investiga la historia de las fronteras y las transcribe como trazos y líneas. Como conceptos de entendimientos y desentendimientos entre los seres humanos, Espectro III y II, de Miguel Rotschild con sus paisajes perforados de 2019-21, Los bordados sobre el vidrio, de Basualdo, Paisaje y la lámpara que proyecta sombra en vez de luz.

Mariela Scafatti hizo una obra site-specific, en Proa presentó dos obras de coleccionistas y en MAR hace un sistema colgante de piezas monocromas.

Lo que la noche le cuenta al día se puede visitar de martes a domingo de 16 a 22., en el Museo MAR, Av. Félix U. Camet & López de Gomara, Mar del Plata.

“Nos subimos al podio”: el argentino Martín Ron premiado en el concurso del mejor mural de 2024

Fuente: La Nación – Obtuvo el tercer puesto con la impactante “Crepúsculo”, la pared que pintó en San Nicolás.

El artista y muralista Martín Ron (Caseros, 1981), reconocido en el país y en el mundo, obtuvo el tercer premio en la categoría de mejor mural de 2024 del concurso abierto al público organizado por la plataforma Street Art Cities. Concursaban cinco paredes de argentinos en las ciudades de Buenos Aires, San Nicolás de los Arroyos, Mar del Plata, La Seyne sur-Mer y Burgos. Ron ganó ayer con su impactante obra Crepúsculo, la tercera que realiza en San Nicolás, en la provincia de Buenos Aires. En 2022, había ganado el segundo premio por un trabajo hecho en la Universidad Nacional de Lomas de Zamora.

El mural muestra a una joven pelirroja con un vestido floreado en uno de los arroyos del río Paraná; en la mano izquierda lleva un paraguas de color rosado y en la derecha, una lapicera, en referencia a la firma del histórico Acuerdo de San Nicolás, el 31 de mayo de 1852. Arte, historia y naturaleza conviven en la contrafachada del edificio nicoleño de Mitre 189.

“Nos subimos al podio -escribió Ron en su cuenta de Instagram-. Gracias a toda la gente que votó nos llevamos un tercer puesto que pone a nuestro país, y en especial a San Nicolás, a brillar en lo más alto del Street Art a nivel internacional”.

Martín Ron, en acción; hay murales suyos en muchas ciudades de la Argentina y el mundo
Martín Ron, en acción; hay murales suyos en muchas ciudades de la Argentina y el mundoEstrella Herrera – Brando

En el posteo, denuncia que algunos nominados habían recurrido a métodos non sanctos para “inflar” los votos, “usando herramientas de generación masiva de emails, alterando así la votación”. La plataforma intervino y garantizó la transparencia. “Street Art Cities confirmó la lista de ganadores y nos enorgullece estar en el podio”, prosigue el artista que ha pintado murales en Buenos Aires, Miramar, Londres, Bristol, Tenerife y su Caseros natal, entre otras localidades.

Dos murales de Ron sobre la calle Mitre, en San Nicolás, con protagonistas femeninas
Dos murales de Ron sobre la calle Mitre, en San Nicolás, con protagonistas femeninas

Gracias a cada persona que votó, compartió y apoyó, demostrándonos que el verdadero arte es el que nace en la calle y se construye con la gente. Gracias Street Art Cities por garantizar la trasparencia y la honestidad en la votación; y a cada persona que dedico un ratito de sus vidas para ayudarnos a lograr este reconocimiento”, concluye. Concursaron los tres mejores ganadores mensuales de cada mes en 2024, según lo votado por la audiencia de Instagram de Street Art Cities.

El primer premio en la categoría de mejor mural de 2024 lo obtuvo el artista chileno Cristóbal Persona, con Charanguista andino, ubicado en la avenida Porta do Sol en Fene, La Coruña, España, y el segundo premio, el británico Peachzz, con la obra Ensueño, pintada en el centro de la ciudad de Sheffield, en el Reino Unido.

En la categoría de “Elección del artista” (con obras seleccionadas por artistas), el primer premio lo ganó el muralista español Tirso Paz (Bublegum), por la obra Ocelote ornamental, en Valencia, España. El segundo, el artista indonesio residente en Atenas conocido como WD (Wild Drawing), por la hermosa obra Punto de fusión, en Aurec-sur-Loire, Francia, y el tercero, del artista callejero chileno Inti Castro, por Tamarugo II, en Aalborg, en Dinamarca. El tamarugo es un árbol que crece en el desierto chileno, en la provincia del Tamarugal.

Y en la categoría “Foco de expertos” (con obras seleccionadas por especialistas y galeristas), el primer premio fue para el dúo Estudio Giftig, de Países Bajos, por Ecos de armonía, en Eindhoven, Países Bajos. El segundo lo ganó el artista barcelonés Nil Safont con De los primeros en llegar hasta hoy, en Barcelona, España, y el tercer premio fue para el italiano Francesco Camillo Giorgino (Millo), por Restauración de ecosistemas urbanos, en Nueva York, en Estados Unidos.

Por Daniel Gigena

Doce galerías argentinas participan de la Semana del Arte en México

Fuente: La Nación – Con las primeras ventas ya confirmadas y nominaciones a un importante premio, la vidriera regional pone en primer plano trabajos de Osías Yanov y Ana Gallardo, entre otros.

Ciudad de México.- El arte contemporáneo argentino volvió a pisar fuerte por segundo año consecutivo en Ciudad de México. Convertida en epicentro de América Latina cada febrero, en la Semana del Arte coinciden ferias como Zona Maco -señalada como una de las más importantes de la región-, Material y Salón ACME.

Participan doce galerías argentinas, con ventas y nominaciones a importantes premios. Entre las adquisiciones por coleccionistas privados, se encuentran obras textiles del boliviano Andrés Bedoya y la cordobesa (residente en Jujuy) Candelaria Traverso, ambas de la galería Herlitzka & Co.

Zona Maco, vidriera fundamental desde hace 21 años, nació como una plataforma para nutrir la escena artística mexicana, hasta transformarse en un centro global de intercambio cultural, fomentando un diálogo que se extiende mucho más allá de la región. “Nos sumamos a las tendencias del arte y la cultura como una plataforma que impulsa el arte, la fotografía, el diseño y las antigüedades. Es un punto de encuentro donde se fomenta el intercambio y la colaboración”, declaró a medios locales Zélika García, fundadora de la feria, que continúa hasta el domingo 9.

Allí, dos artistas argentinos son candidatos al prestigioso Premio Erarta, dotado de US$ 100.000. Uno de ellos es Osías Yanov, con su obra Rebelión y fuga en mi corazón. Su pieza de herrería artesanal y ebanistería propone una exploración de la espiritualidad como resistencia ante la crisis contemporánea, desafiando en su lenguaje las narrativas utilitarias y tecnológicas. Yanov ha expuesto en la Bienal de Berlín, en el MALBA y el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Su obra integra colecciones del LACMA de Los Ángeles y el Centro de Arte Reina Sofía en Madrid.

Otra de las nominadas al galardón de la Fundación Filantrópica Erarta es Ana Gallardo, artista argentina residente en México, con su Conjunto Nº6, de la serie Estudio para la restauración de un perfil (2024), en el stand de Ruth Benzacar, que además trajo la obra de Liliana Porter.

Entre las presencias argentinas destaca también Marina Daiez (galería Nora Fisch), con su serie Ombú, inspirada en el árbol nativo de las Américas, cuya presencia en la llanura pampeana ha sido símbolo de resguardo y pertenencia a lo largo de la historia. En sus pinturas, Daiez enfatiza el antropomorfismo de esta especie, transformándola en un ser protector con presencia casi mística. Con exposiciones individuales en el Centro Cultural Recoleta y participaciones en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y el MACRO, Daiez ha consolidado una trayectoria que combina lo sensorial y lo narrativo en su pintura.

Construcción y diálogo con otras realidades

“Siempre hay público internacional en las ferias, pero el de aquí es impresionante -señala la galerista Nora Fish sobre la importancia de la Semana del Arte de México-. Hay curadores de instituciones clave como el Reina Sofía y el Centro de Arte Dos de Mayo de Madrid o el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona; en todos los casos se interesaron por el trabajo de Yanov y Daiez”, cuenta a LA NACION.

Para Fisch, es notable que la producción cultural argentina mantenga su relevancia más allá del tamaño del mercado: “Buenos Aires es un hervidero cultural y eso es exportable, por eso valen los esfuerzos personales”.

Sucede que la participación en Zona Maco representa un esfuerzo independiente para los artistas y galeristas argentinos, que costean sus propios pasajes y stands. La embajada en México apoya en materia de difusión. Los sacrificios “valen la pena”, sigue la galerista, porque la feria en esta ciudad no solo ofrece una vidriera comercial sino también una plataforma para visibilizar el talento local en la escena global.

Con su obra "Rebelión y fuga en mi corazón", Osías Yanov está nominado al Premio Erarta, dotado de US$ 100.000
Con su obra «Rebelión y fuga en mi corazón», Osías Yanov está nominado al Premio Erarta, dotado de US$ 100.000

Para Yanov, cuyo trabajo ha estado presente también en las bienales de Gwuanju, en Corea del Sur, y de Gothenburg, en Suecia, “el protagonismo del arte argentino responde a una red de artistas, curadores, investigadores y gestores culturales que han dedicado años a construir lenguajes, expandir límites poéticos y repensar los modos de habitar el cuerpo, el espacio y la sociedad. Tiene su explicación desde “el contexto de crisis de sentido permanente”, reflexiona, en diálogo con LA NACION. “El arte en Argentina nunca ha dejado de ser un acto de resistencia, un espacio de imaginación radical y una forma de construir otras realidades posibles. Si el mundo mira hoy a la Argentina como una usina de ideas y prácticas artísticas es porque allí el arte es una necesidad vital”, asegura Yanov.

Por su lado, la obra de Gallardo, de la galería Ruth Benzacar, “parte de la necesidad de hacer del duelo un proceso público desde una perspectiva que pone en el centro la herida abierta de la violencia contra las mujeres”, de acuerdo al portofolio. Lo hace a través de la restauración de retratos y naturalezas muertas realizados por Carmen Gómez Raba, su madre. “Estoy convencida de que la producción del arte argentino es única, porque tiene una resistencia autogestiva, que no vi en ningún otro lugar del mundo. Su diferencial es que está muy anclada a la literatura. Así como la mexicana está anclada en su gran historia y patrimonio”, comenta a LA NACION.

Para Gallardo, lo más emocionante de la comitiva argentina de este año es que “todo es solidariamente acompañado”, es decir, todos se pasan datos y se ayudan. “Es muy difícil salir del país para mostrar el trabajo. La salida es un viaje muy fuerte de calidad y de complicidad, sin apoyos”, dice. Por eso sostiene: “Es una resistencia muy fuerte. Acá se está dando una lucha”.