El arte argentino dice presente en Art Basel Miami Beach

Fuente: Télam ~ Siete galerías argentinas participarán de la feria internacional que cumple 20 años y se realizará del 1 al 3 de diciembre. También habrá exposiciones individuales de argentinos como Adrián Villar Rojas y Leandro Erlich.

Siete galerías argentinas participarán de la feria internacional de arte Art Basel Miami Beach que cumple 20 años y se realizará del 1 al 3 de diciembre, en el Miami Beach Convention Center (MBCC) -con días de preestreno el 29 y 30 de noviembre-, en lo que será su edición más grande hasta la fecha, por lo que extiende su programa al resto de la ciudad donde habrá también exposiciones individuales de argentinos como Adrián Villar Rojas y Leandro Erlich, en coincidencia con la Semana del Arte de Miami.

Se trata de las galerías porteñas Barro, Jorge Mara – La Ruche, Revolver, Ruth Benzacar, Isla Flotante, Herlitzka + Faria y Rolf Art, que participarán en diferentes secciones del evento que cumple 20 años y que en esta edición contará con la presencia de 282 expositores provenientes de 39 países, de los cuales la mitad proceden de América del Sur y del Norte, informaron los organizadores.

El sector central de la feria albergará la presencia de Barro, Revolver Galería y Jorge Mara – La Ruche, ésta última con obras de León Ferrari, Sarah Grilo, Rómulo Macció, Mario Pucciarelli, Ana Sacerdote y Kazuya Sakai, un grupo de artistas precursores de la Abstracción lírica en Argentina durante los años 60 y 70.

Además, la galería Jorge Mara estará presente en el sector Kabinet 2022 (junto a otras 28 galerías internacionales que presentarán instalaciones especialmente curadas dentro de sus stands), con obras sobre papel de Sarah Grilo, realizadas entre los años 1970 y 1990.

«Realizadas mayormente en óleo, tinta y grafito sobre papel, las piezas expuestas poseen la energía, espontaneidad y lirismo que distingue su obra. Al igual que en sus obras sobre tela, Sarah Grilo incorpora palabras, inscripciones tipo graffiti, stencils, flechas, símbolos, signos y números. No se trata simplemente de recursos gráficos, sino que constituyen la raíz misma de su estética personal», señalaron desde la galería.

Por otra parte, en la sección Positions de la feria, los visitantes se encontrarán con trabajos del artista argentino Carlos Herrera (Ruth Benzacar Galeria de Arte), con un solo show que transita en torno al éxtasis, lo infiel y el tormento, y de la artista brasileña Ana Prata (en la porteña galería Isla Flotante).

Foto Prensa
Foto: Prensa.

Finalmente, en la sección Survey, dedicada a galerías que destacan prácticas artísticas de relevancia histórica, Rolf Art presentará Parquedades, escenas de parque para una actriz, video y música (1987), uno de los primeros ejercicios experimentales de video-performance de larga duración en Colombia, concebido por José Alejandro Restrepo & María Teresa Hincapié, pionera en la performance en Colombia y la región. Allí también estará presente Herlitzka + Faria con obras de la artista Alicia Herrero.

Este año, la feria albergará 20 proyectos a gran escala como parte de la sección Meridians, dedicada a obras monumentales, con curaduría de Magalí Arriola, directora del Museo Tamayo de Ciudad de México. Allí, la galería Rolf, que fue seleccionada por primera vez para participar en la feria, exhibirá «Silla», performance de larga duración de María José Arjona -una de las más destacadas performers contemporáneas de Colombia y la región- y Levantamientos (2012-2022) -una instalación fílmica de gran formato de Andrés Denegri, artista visual con una importante trayectoria en el campo del audiovisual contemporáneo y cine expandido.

En celebración de los 20 años de Art Basel en Miami Beach y la próspera escena artística de la ciudad, la feria se extenderá más allá del predio general de la exposición con un dinámico programa cultural en todas las instituciones y colecciones privadas de la ciudad, donde otra vez destaca el arte argentino con la exposición de Adrián Villar Rojas con la artista invitada Mariana Telleria, «The End of Imagination», en el Bass Museum.

“El fin de la imaginación” -del 27 de noviembre al 14 de mayo de 2023- comprende instalaciones y esculturas específicas de Adrián Villar Rojas (Rosario, 1980), y presentaciones recién contextualizadas de obras de arcilla de su archivo.

La instalación incluye dos esculturas de la artista argentina Mariana Telleria que se une a él con dos obras que desafían las nociones contemporáneas de monumentos y memoriales.

Foto Prensa
Foto: Prensa.

En esta pieza, Villar Rojas se pregunta cómo afectarán la Luna, Marte o cualquier otro paisaje extraterrestre que nos traiga la conquista interplanetaria a nuestra monumentalidad pasada, presente y futura y a su memorialización. ¿Qué pasará cuando nuestras ficciones terrestres, las que cimentan naciones e identidades, viajen al espacio exterior? ¿Sobrevivirán las historias de los dioses grecolatinos, de los imperios europeos, de los conquistadores españoles, o incluso de los propios Estados Unidos, tal y como las conocemos, tal y como las plasmamos en libros, museos, himnos y monumentos, o mutarán con el cambio radical de contexto?, fue el interrogante que disparó este trabajo.

Por otra parte, en Miami tendrá lugar la primera exposición individual en Estados Unidos del artista argentino Leandro Erlich, «Liminal», que reunirá 16 obras icónicas de los últimos veinte años y que será inaugurada el próximo 29 de noviembre en el Pérez Art Museum de Miami (PAMM).

Incluida su famosa obra «Swimming Pool», construida para ser vista desde arriba pero también desde dentro, como si los visitantes estuvieran nadando pero sin mojarse, la muestra, que abarca dos décadas de la carrera del artista, permanecerá hasta el 4 de septiembre de 2023 en el museo que lleva el nombre del coleccionista argentino Jorge Pérez.

La exposición está concebida como una secuencia de espacios que uno puede encontrar a diario: un ascensor, el subte, un aula de escuela, una peluquería, una vereda, una pileta, una lavandería, incluso una ventana a través de la cual se pueden ver las ventanas de los vecinos. Cada espacio es una simulación precisa de estos escenarios ordinarios, pero el toque de Erlich fomenta experiencias extraordinarias que invitan a poner en duda el acto de la percepción.

«Liminal», el título de la exposición en el Pérez Art Museum Miami (PAMM) -antes conocido como Museo de Arte de Miami- hace referencia al umbral indeterminado entre espacios o experiencias, un estado rico en la posibilidad de cruzar o entrar en un nuevo reino, que es lo que los espectadores encuentran a menudo en la obra de Erlich.

Cada fin de año Miami florece de arte en cada rincón de la ciudad, ya que del 28 de noviembre al 4 de diciembre se desarrolla la Semana del Arte de Miami, que da impulso a la mayoría de las propuestas artísticas locales.

En ese sentido, se suman ferias como Untitled Art Miami 2022, del 29 de noviembre al 3 de diciembre, donde se lucirá la presencia de la galería argentina Pasto en la sección Nest; y la feria N.A.D.A., del 30 de noviembre al 3 de diciembre, con las porteñas Calvaresi y Piedras.

Se destaca también la feria Pinta Miami, del 29 de noviembre al 4 de diciembre, que inaugura nueva sede en The Hangar in Coconut Grove, y presentará un homenaje a la gran artista Ides Kihlen, de 105 años, así como la primera exposición en el Metaverso, sin contar las galerías argentinas como OdA, Pabellón 4, Sasha D, Selvanegra y Subsuelo, lo que garantiza una potente presencia de arte argentino en la ciudad.

Por último, la artista Paula de Solminihac (que resultó ganadora del Premio Faena a las Artes 2022) mostrará al público su obra «Morning Glory», una instalación topográfica site-specific de gran escala que se verá en Faena Beach durante la semana del arte de Miami.

Compuesta por decks de madera que se asemejan a las flores y hojas de la planta Ipomoea pes-caprae, «Morning Glory» invita a la interacción y al juego en la playa, dando la bienvenida a una diversidad de intercambios que incluyen tocar, jugar, descansar, mirar, escuchar y explorar. Por las noches, cuando la playa esté cerrada al público, la pieza «Morning Glory» se iluminará y generará una experiencia sensorial totalmente diferente a la del día.

La muestra de Banksy se prepara para despedirse de Argentina

Fuente: Ámbito ~ «Banksy Genius or Vandal?» fue vista por más de 50.000 personas desde su apertura.

Más de 50.000 personas ya han visitado exposición «Banksy Genius or Vandal?», dedicada al misterioso y polémico artista británico de street art, que se presenta en el Pabellón Frers de La Rural desde agosto pasado y se extenderá hasta el 14 de diciembre.

La muestra, declarada de Interés Cultural por el Ministerio de Cultura de la Nación, propone un recorrido laberíntico a través de 70 obras originales cedidas en exclusiva por colecciones privadas internacionales con su certificado de autenticidad (COA), ejecutadas con diferentes técnicas como óleo o acrílico sobre lienzo, spray sobre lienzo y madera, serigrafías de edición limitada, esténciles sobre metal u hormigón, esculturas, instalaciones, videos y fotografías, además de incluir una experiencia de realidad virtual (VR).

La propuesta invita a asomarse al mundo del artista controversial y anónimo, que vende obras por millones y luego las destruye en vivo, en el momento exacto de la subasta, o que convierte un mega parque abandonado en un Disney tétrico y cobra la entrada, o que critica salvajemente el consumismo para luego comercializar merchandising. La muestra no cuenta con la autorización del grafitero, por lo que lleva el sello de «No oficial», aunque las obras que allí se exhiben son todos originales certificados por el propio artista.

«Esta no es una oportunidad para que te tomes una foto», reza uno de los stencils de este grafitero, estampado ahora en una de las salas de la mega muestra en La Rural, donde aparecen en formato pequeño alguna de sus obras más famosas que primero fueron pintada ilegal: la niña con globo, el lanzador de flores, los protagonistas de Pulp Fiction empuñando bananas en vez de armas, la niña de Napalm (histórica foto) en un collage que la muestra acompañada de Mickey Mouse y Ronald McDonald.

Su famosa pintada «Niña con globo», que estampó por primera vez hace 20 años en un escaparate de Shoreditch (Londres), es la obra de arte favorita de los británicos, elegida como numero uno del Reino Unido, según una encuesta.

El artista nombrado por la revista Times como una de las 100 personas más influyentes, que cuando fue nominado a los Premios Oscar por su documental «Exit through the gift shop» pidió asistir a la ceremonia con un disfraz (le dijeron que no), ha «vandalizado», calles y paredes de todo el mundo, sin autorización, por lo que poco tiene para decir de exposiciones que se llevan a cabo a costa suya, o de sus collectors. Que por cierto, también quisieron mantener el anonimato.

La exposición recrea exactamente igual aquel fragmento de su taller donde, tapándose la cara, dio declaraciones para el documental («La salida es por la tienda de regalos»), incluye un mapa global con todos sus murales realizados en las más variadas ciudades del mundo (que también se pueden visitar con Street View en la plataforma Google Arts & Culture) e incluso hay una sala inmersiva, musicalizada, con su animal predilecto, las ratas.

Otra de las frases que acompaña la exposición en Buenos Aires es otro stencil famoso de Banksy: «los derechos de autor son para los perdedores», reza la pintada atribuida al héroe anónimo y escurridizo, leyenda urbana, admirada por las grandes estrellas y también por el mercado del arte.

La letras caladas están cerca del video que repasa en detalle cómo Banksy decidió destruir su propia obra durante una subasta en vivo: Niña con globo se vendió por 1,4 millones de dólares y justo después de que baje el martillo se activó automáticamente una trituradora montada en un marco dorado. Como si esto fuera poco, la trituradora se atascó a la mitad y el globo con forma de corazón quedó intacto.

¿Es Banksy el artista ícono del siglo XXI? Bien podría serlo, ya no sólo por sus murales de un contundente mensaje social sino porque el mayor bromista del mundo del arte aprendió a jugar con las propias reglas del mercado, y a subvertirlas.

La exhibición cuenta además con una audio guía para smartphones gratuita, disponible en español e inglés, que enriquece la experiencia del visitante aportando amplia información del artista y sobre cada una de las obras expuestas.

La muestra se podrà visitar hasta el 14 de diciembre en La Rural, Predio Ferial de Buenos Aires, Pabellón Frers, acceso por Avenida Santa Fe 4363.

El argentino que lleva a Qatar esculturas de Maradona y Messi hechas con metales recuperados

Fuente: La Nación ~ Julián Provenzano exhibirá enormes obras creadas con desperdicios; es el único latinoamericano invitado la exposición internacional de arte chatarra.

Después del Mundial de Fútbol, esculturas del pergaminense Julián Provenzano (1984) viajarán a Qatar para participar de una exposición internacional de “arte chatarra”. En diálogo con LA NACION, el artista -que se define como curioso y autodidacta- cuenta que en 2021 lo invitaron a asistir a la segunda exhibición de Scrap Art en Doha, y que en principio se iba a desarrollar durante el campeonato deportivo. Con esa perspectiva, planeó su propio seleccionado de esculturas.

El escultor Julián Provenzano y una de sus obras de "scrap art"
El escultor Julián Provenzano y una de sus obras de «scrap art»Gentileza

“Ya que tenía tiempo, decidí llevar a cabo dos proyectos ambiciosos: una escultura de Lionel Messi y otra de Diego Maradona. ¿Qué más representativo de la Argentina?”, se pregunta. Para estas dos obras implementó técnicas de fundido y recuperación de metales como el bronce y el aluminio. “Eran totalmente nuevas para mí -agrega-. Y el modelaje de rostros y el estudio de la anatomía particular de cada uno”. Sin duda, el deportista argentino preferido por pintores, fotógrafos, muralistas y escultores es Maradona.

De cuerpo completo y con pelota, un Messi de chatarra desembarca en la capital de Qatar
De cuerpo completo y con pelota, un Messi de chatarra desembarca en la capital de QatarGentileza

En 2019, Provenzano había participado de la primera exposición de “arte chatarra” en Doha con diez esculturas. “Se hace una selección de obras anterior al envío -explica-. En este momento tengo unas veinte para llevar, incluidas las de Messi y Maradona. Las ven y seleccionan. Debido a la enorme oferta de espectáculos en Qatar que hay ahora, estamos esperando la fecha concreta del evento; sigue en pie la propuesta, pero se complicó con el Mundial”. A los países megarricos les podrán sobrar recursos pero la capacidad organizativa no abunda en ninguna región del planeta.

Maradona pudo alzar la copa del mundo
Maradona pudo alzar la copa del mundoGentileza

“Tenía unos ocho años cuando acompañaba a mi padre a trabajar en el campo -recuerda Provenzano-. Amaba descubrir rincones abandonados, llenos de chatarra y artefactos sin uso hacía mucho tiempo, a los que miraba maravillado y sorprendido, al ver que, tal cosa, tan hermosa para mí, ya no tuviera ningún uso. Solo poder admirarla la hacía valiosa”.

Algunas esculturas de Provenzano están hechas de miles de piezas
Algunas esculturas de Provenzano están hechas de miles de piezasGentileza

En 2015 hizo su primera escultura. “Mientras más me interesaba por algo, más quería saber de otra cosa -recapitula-. Pasé por varios aprendizajes: dibujo, pintura, trabajos en madera, mecánica y metales, y restauración de objetos. Hasta que en algún momento aprendí a soldar. Con la soldadora podía crear algo nuevo, no solo pintar o dibujar, sino que además lo podía hacer en tres dimensiones, y podía reutilizar esas piezas que de pequeño veía con tanto asombro. Todas mis obras, cada vez más, tratan de atrapar una belleza esencial, de lograr una sensación de movimiento para escapar de la rigidez de los materiales que la componen”.

-¿Cómo fue tu experiencia en Qatar en 2019?

-Fue muy positiva en todo sentido. Fueron muy hospitalarios. Ni siquiera tenía un prejuicio armado porque Qatar era algo desconocido en ese entonces; no sabía ni dónde estaba en el mapa. Ahora, con todo el tema del Mundial, y es lo que ellos querían, todo el mundo lo conoce. No sabía bien adónde iba y tenía un poco de miedo e incertidumbre. El lugar es hermoso y la gente es muy amable y educada. Existe un prejuicio sobre la sociedad qatarí que dista mucho de la realidad. Obviamente, hay mucho dinero y están muy avanzados, aunque su cultura es muy contradictoria con la de Occidente.

-¿La exposición en Doha de la que participarás por segunda vez es una especie de “mundial” de obras hechas con chatarra?

-El evento de Doha, en 2019, fue la primera exposición a nivel mundial de arte chatarra. Nunca se había llevado a cabo algo similar. Se convocó a treinta artistas de diferentes países y cada uno pudo llevar unos mil kilos de arte. Fue un orgullo representar a nuestro país con mis esculturas y además ser el único latino invitado; fue una experiencia única y enriquecedora, en la que pude conocer a referentes del Scrap Art a nivel mundial, como John Lopez, Dotun Popoola y Alan Williams. Este año también tuve el honor de ser invitado a Ankara, Turquía, a participar junto a otros nueve artistas de Valuable Scraps, en donde pudimos realizar obras de arte en vivo en un periodo de veinte días, en el marco del cuidado del medio ambiente y la sustentabilidad. Estas obras quedaron en exposición permanente en la sede la Orquesta Sinfónica de Turquía, en Ankara.

El artista pergaminense también pinta sus obras
El artista pergaminense también pinta sus obrasGentileza

-Además de las esculturas de Messi y Maradona, ¿qué otras obras viajarán a Qatar y qué expectativas tenés?

-Tengo varias obras disponibles, como la de un caballo árabe en tamaño real y una réplica del David de seiscientos kilos, pero previamente al viaje ellos hacen una preselección. Es decir que cada artista muestra todo lo que puede llevar y ellos eligen. ¿Expectativas? ¡Qué mejor que participar del único y más grande evento de Scarp Art del mundo, representando a la Argentina, y con una escultura de Messi y otra del Diego!

¿Con qué materiales trabajás y de dónde los sacás?

-Siempre me gustó armar cosas con diferentes materiales recuperados. Un poco por curiosidad y otro poco por necesidad, aprendí a soldar. También tenía algunos fierros y repuestos metálicos en mi taller. Siempre me pareció que estas piezas tienen una belleza particular, incluso el óxido que las cubre lo tiene, por lo que decidí unirlas, soldarlas y probar. Así creé mis primeras esculturas, pequeñas y sencillas. Generalmente uso metal, desperdicios metálicos, aunque nunca descarto el uso de otras cosas como goma, plástico, vidrio. De hecho, espero incorporar en mis obras plásticos y juguetes viejos. De muchos talleres me traen materiales, y también amigos y familiares, que saben que todo es útil para mí.

-¿Hay obras tuyas en museos locales e internacionales?

-En la actualidad hay obras mías en Qatar, Estados Unidos, España y Colombia, en colecciones privadas, y también hay obras en exposiciones permanentes abiertas al público en Turquía y en mi ciudad natal, en el Archivo y Museo Histórico Municipal de Pergamino.

-¿Cuántas piezas tienen las esculturas de caballos y toros y las de jugadores de fútbol?

-Cada obra en tamaño natural tiene en promedio unas mil piezas, aunque esto suele variar según el tipo de obra y la textura que quiera lograr, por ejemplo el pelo de un león o un perro o la camiseta de Messi. Son cosas distintas. A lo largo de estos años he hecho muchos tipos de obras diferentes, comencé con autos y motos, que suele ser más sencillo; luego animales, generalmente en movimiento, lo que aporta mayor complejidad. Y después hice cuerpos humanos o la metamorfosis entre humano y animal y también obras abstractas. Siempre me gusta innovar y probar técnicas y herramientas diferentes. No hay límites en lo que se puede hacer y los materiales que se pueden utilizar.

-¿Cuál es tu formación como artista y qué objetivos te guían a la hora de hacer las obras?

-No tengo formación artística; estudié contabilidad, y antes de eso computación. Solo trato de transmitir lo que tengo en la cabeza y de mantenerme lo más libre posible para poder crear. Me guía la intuición y la pasión por lo que hago; crear algo nuevo y bello a partir de materiales que no sirven más o que a simple vista parecen inertes me parece maravilloso.

-¿Qué opinaron tus familiares y amigos ante este giro imprevisto en tu vida, de contador a artista?

-Sabía que la profesión de contador no iba a ser mi destino; hace cuatro o cinco años no ejerzo más. Todos, incluso yo, fuimos un poco escépticos a creer que se puede hacer lo que uno ama y vivir de eso. Es un poco irreal pero es posible, no hay que bajar los brazos. Nunca hubiera pensado ni de lejos que iba a estar inmerso en el mundo del arte y menos haciendo esculturas en Turquía o Qatar. Siempre tuve el apoyo incondicional de mi familia y amigos, eso te ayuda a seguir adelante.

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-¿Cómo hacés la “terminación” de las esculturas?

-Suele variar de obra en obra; algunas van pintadas, otras laqueadas, otras prefiero que solo se oxiden y añejen. Cada una tiene su atractivo. Depende de lo que se quiera transmitir. En general me gusta mantener el óxido y los colores originales de las piezas: de esa manera mantienen su esencia original. Actualmente estoy preparando muestras, pequeñas o grandes, en diferentes lugares. Además de eso, siempre se pueden ver mis obras en el taller y en mi cuenta de Instagram, @julianandresprovenzano.

Otro modelo para los museos: repensar su papel más allá del arte

Fuente: La Nación ~ Modelos limpios de colonialismos y otras conclusiones de la 60ª conferencia de CIMAM en Palma de Mallorca; el comité que representa a las salas modernas y contemporáneas se reunirá el año próximo en el Moderno de Buenos Aires.

Palma de Mallorca.-Hace tiempo que la palabra colonialismo parece ligada a los museos como si fuera su inevitable bomba de destrucción instantánea. La visión más simplista apunta hacia el vaciamiento de los museos en aras de reclamos. El término tiene un campo de acción mucho más amplio y tiene que ver con las conquistas territoriales, las imposiciones de género, los totalitarismos políticos o las limitaciones económicas.

Cada centro museístico tiene un mundo propio y las soluciones son siempre complicadas. Así se ha afirmado en repetidas ocasiones durante las jornadas de debates de la 60ª conferencia de CIMAM celebrada en Palma de Mallorca la semana pasada. CINAM es la única red mundial de museos de arte moderno y contemporáneo que representa los intereses de la profesión. Nacida como un comité independiente del Consejo Internacional de Museos (ICOM), sus decisiones no son vinculantes para los Gobiernos, pero se dan a conocer en el ámbito internacional.

Las restricciones por el coronavirus no impidieron que el año pasado la conferencia se celebrara en Gdansk (Polonia) aunque el clima ultraconservador del país no contribuyó a arropar unas jornadas en las que el cambio climático y la xenofobia fueron señalados como la principal preocupación. Ha sido todo lo contrario en esta ocasión, desde que la candidatura de Imma Prieto (Barcelona, 47 años), directora de Es Baluard, logró situar a Palma en el mapa internacional de los museos. La ubicación de Mallorca, entre África, Europa y el Oriente Próximo resultó imbatible. La candidatura ha contado con el apoyo de la comunidad balear, del Ministerio de Cultura y Deporte y del rey Felipe VI.

Sorteando las fuertes lluvias de la jornada de arranque, más de 200 profesionales se han desplazado a la isla para debatir sobre lo que tienen que cambiar de manera urgente. El guion básico había sido pergeñado por la propia anfitriona, Imma Prieto; el director del Reina Sofía, Manuel Borja-Villel y el comisario independiente y único miembro español en la directiva del CIMAM, Agustín Pérez-Rubio[exdirector artístico del Malba].

La gobernanza de cada uno y sus muchas dificultades fue el tema del primer día. La presidenta de la asamblea, Mami Kataoka (Nagoya, 57 años), directora del Museo de Arte Mori de Tokio, pidió una vigilancia constante contra quienes quieran intervenir en las decisiones internas de los museos. Desde la tribuna, se refería tanto a políticos como a las empresas privadas que con aparente desinterés tienden a influir en las programaciones de los centros artísticos.

Adiós a Frances Morris en la Tate Modern

A ras del suelo reclamaba esa misma vigilancia Frances Morris (Londres, 63 años), quien acaba de anunciar que en abril dejará de dirigir la Tate Modern, cargo que ocupa desde 2016. Vinculada al museo desde 1987, Morris fue la primera mujer en gobernar la institución de arte contemporáneo más visitada del Reino Unido (5 millones de personas al año). Se va, confiesa a EL PAÍS, para no hacer nada especial salvo vivir. “No creo que el techo de cristal que había roto se recomponga. Me voy porque opino que la gente con mi edad y experiencia tenemos la obligación de no taponar y dejar la vía libre para que los más jóvenes vayan ocupando puestos de responsabilidad. No podemos eternizarnos en los cargos”.

Contra la segregación

El reclamo de obras históricas no es una ambición extendida entre los responsables de museos fuera de la órbita europea. Un ejemplo perfecto está en las palabras de Meskerem Assegued (Addis Abeba, Etiopía, 56 años), directora de Zoma Contemporary Art Center, una residencia de artistas con sedes en Addis Abeba y Harla. No suscribe las reclamaciones de obras de países africanos a naciones europeas: lo que de verdad le indigna es que algunos museos occidentales mantengan la segregación con espacios para el arte africano, el asiático o cualquier otro.

Depurar el realismo socialista

“El museo atento”, lema de esta conferencia, invita a pensar si es posible desarrollar prácticas institucionales que tengan sentido para toda la sociedad contemporánea, incluso en estos tiempos de conflicto y guerra. La artista ucraniana Lada Nakonechna (Dnipró, 41 años) trabaja desde hace 8 años en la autodescolonización. Residente en Hamburgo desde el comienzo de la guerra, cuenta que el comunismo soviético utilizó también los museos para unificar el pensamiento. “Ellos ordenaban qué artistas y qué obras debían de estar en las colecciones ucranianas. Así fueron construyendo nuestras identidades sociales en la era soviética”. Con un grupo de artistas han revisado aquellas imposiciones del más duro realismo socialista. “Hay dos corrientes”, cuenta. “Una es partidaria de hacer desaparecer todas esas obras. Otra corriente, que yo suscribo, prefiere fotografiar, archivar y almacenar todas esas obras”.

La artista asegura que las obras de arte no están saliendo a otros países para ser guardadas mientras dure el conflicto. “Están bien escondidas en nuestro territorio. Nuestro Gobierno no se ha ocupado de ello. Han sido los propios creadores y los trabajadores. En general el arte les importa poco. Piense que no existe en Ucrania ni un solo museo de arte contemporáneo”.

La luz negra de Ferreira da Silva

Ensayista y profesora en la Universidad British Columbia de Vancouver, Denise Ferreira da Silva (Brasil, 60 años) ha hecho famoso su método de revisar la historia con la luz negra (blacklight, en inglés). Opina que los museos tienen que analizar cómo han llegado a ser lo que son y mostrar sin disimulos su pasado colonial y de explotación. Todas las instituciones, museos y universidades, tienen que investigar su historia, hacerla pública y proceder a hacer justicia.

Picasso y sus espectros

En el colofón de las jornadas, Manuel Borja-Villel, director del Reina Sofía, se refirió a esos otros museos que no responden al canon convencional y son un espejo de la sociedad en la que se desarrollan. El arquitecto y activista Kike España (Málaga, 34 años) lleva 16 años trabajando en La Casa Invisible, un centro social y cultural profundamente arraigado en la ciudad de Málaga que, sin embargo, siempre tiene enfrente la amenaza de desalojo por parte del Ayuntamiento. “Se juega con Málaga como ciudad de museos”, explica España, “cuando el único que les funciona es el Picasso. En torno a esos museos fantasmales (el ruso, el Pompidou) hay una estrategia urbana y económica que busca la expulsión de los vecinos. En el centro de la ciudad, el entorno de la catedral, solo están censadas 3.300 personas. Eso también es colonizar un territorio”.

Las conclusiones en esta clase de encuentros no suelen estar cerradas. Son apuntes sobre lo que ha de venir. Borja-Villel hace suyas las palabras de Gertrude Stein según las cuales un museo moderno es una contradicción en su propio enunciado. Todo tiene que ser repensado y con otras categorías. El futuro tiene que ser respetuoso con los nuevos feminismos, con lo queer en el sentido de que cada uno decida lo que quiera ser. No caben las imposiciones. Y citando al filósofo autor del Manifiesto contrasexual, Paul B. Preciado, anuncia que: “El hombre blanco, heterosexual y de mediana edad ya no es el estándar que dicta las normas de los museos”.

La entrada del Moderno, el la última Noche de los Museos
La entrada del Moderno, el la última Noche de los MuseosLANACION/Rodrigo Nespolo

Próxima estación: el Moderno de Buenos

La próxima conferencia anual del Comité Internacional de Museos y Colecciones de Arte Moderno (CIMAM) se realizará en noviembre de 2023 en Buenos Aires y el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires será la gran sede anfitriona. La noticia fue anunciada durante el discurso de cierre de la 54a Conferencia anual, que tuvo lugar en Palma de Mallorca, España, frente a 220 directivos de museos del mundo.

“En 2023 visitarán Buenos Aires, ciudad que presenta una de las escenas artísticas más vibrantes del mundo, la escena argentina, donde se despliega una poderosa comunidad artística que trabaja en todas las disciplinas y en la cual los artistas producen, crean e inventan nuevas plataformas para el arte, la educación y la acción social siempre enérgicas y pese a un contexto de enorme fragilidad y vulnerabilidad económica”, dijo la directora del Moderno y miembro de la Comisión directiva de CIMAM, Victoria Noorthoorn, quien participó del encuentro.

¿Para qué sirve la crítica de arte?

Fuente: Clarín ~ El 54avo Congreso de la Asociación Internacional de Críticos de Arte planteó, en una edición entre Buenos Aires y Santiago de Chile, los nuevos desafíos de la disciplina.

Dos encuentros realizados en Buenos Aires durante el último mes señalan la necesidad de poner en crisis el concepto de crítica de arte en vínculo con las artes plásticas, y también el imperativo por tratar temas urgentes relacionados con ella. El 54avo Congreso de la Asociación Internacional de Críticos de Arte, que se llevó a cabo entre Buenos Aires y Santiago de Chile en diferentes instituciones. Todo indica que no se realizaba una iniciativa similar desde las conocidas Jornadas de la crítica de Jorge Glusberg en la década de 1980; un evento que coincidió con el IV Lab de escritura y crítica de arte en el MACBA porteño.

Ambos abordaron el asunto de cómo definir ese campo de ejercicio reflexivo que es la crítica, específicamente en cuanto ejercicio escritural; si aún persiste algo de ese antiguo modelo original concertado durante la Modernidad; cómo las vanguardias artísticas y luego la Posmodernidad redefinió su concepto una y otra vez; cómo el siglo XXI volvió a moverlo todo, como un terremoto, a través del surgimiento de nuevas y diferentes tecnologías que fueron cambiando formatos, circulación, narrativas y públicos; cuántos tipos de escritura sobre arte y de crítica de arte existen en la actualidad (observando a la escritura periodística informativa sobre arte como relacionada con la crítica pero no como tal). Pero también cómo es necesario escribir contemplando las perspectivas decoloniales, los desplazamientos de los migrantes, las urgencias ambientales y la observación analítico-crítica de los llamados “centros de poder”, así como los diversos movimientos sociales y activismos (el Congreso hizo foco especialmente en los discursos feministas y de las alteridades); si es necesario plantearse preguntas en torno a la ética de la práctica, y en ese caso, cuáles.La sección chilena del 54avo Congreso de la Asociación Internacional de Críticos de Arte. La sección chilena del 54avo Congreso de la Asociación Internacional de Críticos de Arte.

Es evidente que seguir llamando crítica de arte, en un sentido estricto, al inmenso grupo de producciones intelectuales, textuales, narrativas, discursivas relacionadas con una reflexión crítica acerca de las producciones artísticas, los sistemas de arte y la realidad —analizada ésta desde la perspectiva de diversas disciplinas, sobre todo desde la historia del arte—, ya no tiene sentido. Quizás debería observarse a la definición cerrada y estricta de “crítica de arte” como un canon epocal. Seguir pensando que una crítica debe “criticar” (ejercicio vinculado con el establecimiento de un juicio extremo y con las antiguas ideas de Kant, fundamentales pero con necesidad de remasterización, de seguir agitándolas siempre en busca de nuevas perspectivas) resulta anacrónico: estaba muy bien para el siglo XVIII, pero ya no.

Eso que hoy se percibe como “crítica de arte”, ni tiene como objetivo ya “criticar”, ni necesariamente se define como tal: las producciones circundantes indican que existen numerosas maneras de realizar “crítica de arte”, y todas son válidas, siempre que se respeten los derechos humanos, incluidos los derechos humanos digitales. La gran historiadora y socióloga feminista Dora Barrancos —quien realizó la conferencia inaugural del Congreso—, señaló en ese momento que, sin dudas, el ejercicio actual de la crítica de arte se vincula con la erudición y, desde fines del siglo XIX hasta la actualidad, se relaciona también con el papel fundamental que desempeñaron las mujeres en esta práctica. “Las mujeres pudieron crecer en el campo de la crítica de arte simplemente porque a los hombres no les interesó crecer allí, dado que no puede obtenerse mediante esa práctica poder económico”, comentó Barrancos. También detalló la especialista que durante el siglo XIX —cuando el ejercicio de la lectoescritura se amplió—, era mejor para los hombres burgueses mantener a las mujeres en la casa; por eso le compraban a sus parejas un piano —las mantenía dentro de los límites domésticos, ocupadas en aprender a tocarlo—, o bien tinta y papel. He aquí, entonces, una oportunidad de libertad: tinta y papel. “Toda relación de género es una relación de poder. Toda relación humana es una relación de poder. Y la crítica de arte no es el espacio en donde mayor poder puede obtenerse”, declaró Barrancos. Por eso las mujeres pudieron ocuparlo. “A la mayoría de los hombres realmente no les interesó”. La crítica sigue siendo discriminada muchas veces aún hoy en día, detalló, como una “producción femenina”.

Por supuesto que la crítica de arte es también política, señaló Barrancos: es esa malla societal en la que obran valores, conclusiones, que refundan las relaciones sociales.

“Ya no sabemos lo que hoy es el arte”, comentó en el Congresp el curador y escritor norteamericano Dan Cameron (profesor en la School of Visual Arts de Nueva York, excurador del New Museum de Nueva York y de Next Wave Visual Arts, en esa ciudad. Y agregó que hoy, quizás, la crítica de arte debiera abordar temas vinculados con los desequilibrios causados por el mercado y los objetos producidos como mercancías, específicamente las obras de arte producidas como mercancías.

La relación entre el trabajo curatorial crítico y la producción de escritos críticos sobre arte surgió cada día de los encuentros, señalando su naturaleza distinta pero complementaria, y su convivencia cercana. La necesidad mejorar los derechos para los profesionales especializados fue otro de los temas destacados. El respeto por el trabajo de los críticos de arte en los diferentes ámbitos laborales, ya sean universidades, medios, empresas privadas, internet, también se trató.

Mientras que el tema fundamental del IV Lab de escritura y crítica de arte fue la puesta en valor de importantes agentes del campo, tales como las revistas Ramona y Jennifer y el Centro Virtual de Arte Argentino, así como el análisis de la producción textual de Luis Felipe “Yuyo” Noé, quien trabajó como crítico de arte cuando joven, sobre quien escribe estas líneas presentó una exposición. En cambio, en el Congreso —que se desarrolló en Fundación Proa, la UNTREF, la Asociación de Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes, el museo Fortabat y ArtHaus—, los temas tratados fueron bien variados, amplios, de gran foco. Abarcativos.

Faltan más capítulos sobre estos encuentros, necesarios en cuanto análisis y revisión de las condiciones de producción de la crítica en los nuevos contextos. También resulta necesario poder incluir voces especializadas provenientes de la academia, especialmente de aquellas universidades que largamente vienen analizando los discursos de la crítica de arte, como por ejemplo la Universidad Nacional de las Artes (UNA).

Un panel con grandes nombres

Participaron como ponentes del 54avo Congreso de la Asociación Internacional de Críticos de Arte en Argentina, la Dra. Dora Barrancos, Lisbeth Rebollo Gonçalves (Brasil, presidenta AICA), Jovana Stokic (Serbia-NY), Anna Tolstova (Rusia), Sofía Ciel (Noruega), Ticio Escobar (Paraguay), Dan Cameron (EEUU), María Isabel Tejeda (España), Peio Aguirre (España), Caue Alves (Brasil), y los argentinos Mariana Marchessi, Diana Wechsler, María Cristina Rossi, Graciela Speranza, Cecilia Jaime, Rosario García Martínez, Sonia Gugoji, Fernanda Mujica, María Laura Rosa, Francisco Lemus, Nancy Rojas, Gabriel Palumbo, Noemí Aira, Andrés Duprat, Fernando Farina y Florencia Battiti (ambos presiden la AACA).

Ana María Battistozzi, Adriana Lauría y Teresa Constantin cerraron el encuentro. Dos premios especiales fueron otorgados durante el Congreso. Graciela Taquini recibió la medalla de la UBA-Artes, y Ana María Battistozzi fue reconocída con el Premio de la AICA-Argentina-, ambas por sus trayectorias. Mientras que del IV Lab de escritura y crítica de arte participaron los argentinos Gustavo Bruzzone, Eugenia Garay Basualdo, Marios Scorzelli, Laura Casanovas, Xil Buffone y Adriana Lauría.

Ambientalistas al ataque de las obras de arte. ¿Qué opinan artistas, críticos e intelectuales argentinos?

Fuente: La Nación ~ En la seguidilla de acciones, que se viralizan en las redes sociales y la prensa mundial, los activistas plantean una opción: el arte o la vida; es “una locura” o una “tontería sin sentido”, creen algunos; otros, más conciliadores

Mientras continúan los ataques de jóvenes ambientalistas a obras de arte exhibidas en museos europeos en reclamo de medidas de los gobiernos y las empresas para frenar los efectos indeseados del cambio climático, varios artistas, críticos e intelectuales de la Argentina comienzan a expresarse al respecto. No es improbable que este activismo ambiental (financiado por organizaciones primermundistas) se propague en instituciones artísticas de otros continentes.

En la seguidilla de acciones, y gracias a la viralización en redes sociales y la prensa mundial, los ambientalistas radicalizados plantean una opción: el arte o la vida. Pero ¿por qué no ambos?

Dos manifestantes de Just Stop Oil arrojaron sopa enlatada a “Los girasoles” de Vincent Van Gogh en la National Gallery de Londres el 14 de octubre
Dos manifestantes de Just Stop Oil arrojaron sopa enlatada a “Los girasoles” de Vincent Van Gogh en la National Gallery de Londres el 14 de octubre

La “vandalización” de los activistas -las comillas son oportunas porque (hasta ahora) las obras de arte no han sido dañadas- se asemeja a una performance que toma elementos de la historia del arte, como cuando las dos adolescentes integrantes de Just Stop Oil arrojaron sopa enlatada sobre una pintura de Vincent van Gogh, en la National Gallery de Londres, en clara alusión a las obras en serie de Andy Warhol de las latas de sopa Campbell. En cambio, el reciente atentado de los activistas finlandeses de la agrupación Última Generación, que arrojaron un líquido negro que simbolizaba el petróleo a una obra de Gustav Klimt, en el Leopold Museum de Viena, tiene más afinidad con el expresionismo de un Jackson Pollock.

En diálogo con LA NACION, artistas, teóricos, críticos y periodistas especializados se manifestaron sobre los activistas ecológicos que utilizan el arte para reclamar mejores condiciones de vida en el planeta.

Luis Felipe “Yuyo” Noé (artista)

“Una cosa es una causa justa y fundamental como la lucha a favor de la conservación del medio ambiente, y otra cosa son los medios para publicitarla. Eso de tirar comida sobre obras fundamentales para la historia del arte es una tontería sin sentido y contraproducente porque produce reacciones en contra”.

Marta Minujín (artista)

“Me parece una locura, y es algo inútil, porque las cosas van a seguir igual. Y aparte no sé por qué se les ocurrió atacar las obras; mejor que se la agarren con los monumentos nacionales, pero no con el arte. No me gusta nada, ni me parece interesante”.

"Naturaleza y cultura son anverso y reverso de un mismo imperativo, el de la preservación de todas las formas de la vida", reflexiona José Emilio Burucúa
«Naturaleza y cultura son anverso y reverso de un mismo imperativo, el de la preservación de todas las formas de la vida», reflexiona José Emilio BurucúaPatricio Pidal/AFV

José Emilio Burucúa (historiador del arte)

“Es difícil explicar una acción tan absurda. A menos que se haga a sabiendas de que no tiene efectos destructivos. Pero tal cosa no es segura. De modo que volvemos al absurdo. Naturaleza y cultura son anverso y reverso de un mismo imperativo, el de la preservación de todas las formas de la vida, y esa es una responsabilidad exclusivamente humana a fin de cuentas”.

Claudia del Río (artista)

“Amo este nuevo concepto de los derechos subjetivos de la naturaleza, que son los derechos jurídicos. Banco al ambientalismo, son posiciones extremas, pero podemos vivir sin esas obras maestras, sin embargo la vida en Rosario con el humo y herbicidas, etcétera, etcétera, nos mata acá ypone de rodillas aún más al continente americano. La justicia ambiental debe legislarse como un derecho de la naturaleza”.

Andrés Duprat (director del Museo Nacional de Bellas Artes)

“Si bien los principales museos poseen múltiples herramientasde seguridad, como cámaras, alarmas y guardianes de sala, los ataques repentinos contra obras de arte, como los perpetrados recientemente en Londres, Viena y Madrid, son muy difíciles de anticipar y prevenir por la misma naturaleza de su acción. Por fortuna, en nuestro país ese tipo de acciones y atentados no son frecuentes.

Los atentados recientes son en general eficaces en su concepción práctica, salvo el de El grito de Edvard Munch en el museo de Oslo que pudo evitarse, pero fallidos en su concepción simbólica. Los aciertos prácticos son varios, comenzando por la elección del lugar: los museos más famosos y visitados del mundo. A la vez, los activistas eligen obras icónicas, populares y valiosísimas, de autores célebres y conocidos por el gran público a lo largo de la historia del arte. Con esas dos elecciones, se garantizan prensa mundial.

El último ataque ambientalista, anteayer, fue contra una pintura de Gustav Klimt en el Museo Leopold en Viena, Austria. La pintura está cubierta con un cristal y no resultó dañada
El último ataque ambientalista, anteayer, fue contra una pintura de Gustav Klimt en el Museo Leopold en Viena, Austria. La pintura está cubierta con un cristal y no resultó dañada

La acción repentina de arrojar líquidos sobre las pinturas permite llevar a cabo el plan sin que los guardias tengan tiempo de reaccionar. Los activistas adhieren luego sus manos a la pared o al marco de la obra con un pegamento instantáneo, para evitar ser expulsados de la sala y contar con el tiempo necesario para manifestar sus consignas y completar su protesta. La acción contempla la reacción de los visitantes y ocasionales testigos, quienes forman parte del plan sin saberlo, al cumplir con la documentación y la viralización necesaria del episodio.

La gran falla o debilidad de estos atentados es conceptual, ya que lo que pretenden discutir o denunciar se ve absolutamente eclipsado por la impactante lectura simbólica de las acciones. Y claramente nadie podría articular el simulacro de dañar una obra de arte con una protesta en defensa del medioambiente o con una crítica al orden mundial. El medio contradice y destruye el mensaje, pues se pretende poner en discusión el orden mundial con aquello que lo sustenta, es decir, los medios de comunicación.

¿Qué interrogación suscita la posibilidad de destrucción del arte y de qué manera los medios capturan esto? ¿Qué representan hoy esas grandes obras de notables artistas, como Van Gogh, Klimt, Goya o Vermeer exhibidas en colecciones de museos que pudieran ser susceptibles a la impugnación a través de un atentado?

La relación metafórica no funciona. El símbolo que se pretende impugnar no remite inmediatamente a la destrucción del planeta, ni al hambre en el mundo ni a nada que se le parezca. Como herramienta política las acciones son fallidas, y la prueba es que la opinión pública habla cada vez más de las vandalizaciones de las obras y menos de las consignas propuestas por los activistas”.

A favor y en contra: Claudia del Río, Azul Blaseotto y Karina El Azem
A favor y en contra: Claudia del Río, Azul Blaseotto y Karina El AzemArchivo

Karina El Azem (artista)

“El presente nos está llamando a una acción madura, consciente y responsable para solucionar problemas tanto de índole ecológica como social y cultural que son urgentes. El arte, la creatividad, el pensamiento son herramientas de la pulsión de la vida. Claramente, la dicotomía arte versus naturaleza no solo es inválida sino además manipulada por la máquina de idiotización en busca de likes. La palabra ‘activista’ no contiene acciones de este tipo, debería manifestarse en acciones positivas y constructivas. Además de la violencia de estos, que seguramente pasarán pronto de moda, agregan una enorme preocupación. ¿Qué medidas tomarán los museos? ¿Más vidrios, más custodios? ¿Más distancia que la que ya el monstruo de la banalización nos amenaza? Nada bueno puede salir de estos actos estúpidos, prepotentes y narcisistas.

"En su ignorancia, estos jóvenes no se dan cuenta de que están reproduciendo metodologías de los peores autoritarismos de la historia de la humanidad", dice Darío Lopérfido
«En su ignorancia, estos jóvenes no se dan cuenta de que están reproduciendo metodologías de los peores autoritarismos de la historia de la humanidad», dice Darío LopérfidoArchivo

Darío Lopérfido (gestor cultural)

“Es un acto profundamente idiota, porque está generando el efecto contrario al buscado. El repudio en el mundo es tan grande por lo que están haciendo que violan la principal norma de comunicación, que es centrarse en lo que se quiere comunicar. Ellos pretenden alertar sobre la emergencia climática pero comunican que arruinan obras de arte. Y además, es profundamente autoritario. Está es la moda de los activistas en general: es lo menos cercano a la reflexión y el estudio que requiere un tema como el climático, que uno tiende a pensar que debe estar en manos de especialistas y no de niños financiados por organizaciones internacionales. Ya se ha visto lo que pasó con las protestas por la energía nuclear, contra la que se luchó tanto y hoy es considerada una energía limpia. Estos activistas fanáticos hicieron campaña contra las centrales nucleares y ahora estas fuentes de energía son consideradas energía limpia por la Unión Europea. Los países que levantaron las centrales las están volviendo a usar. Mientras, les entregaron la soberanía energética a un autócrata como Putin que les vendió gas y con el dinero que ganó compra armas para asesinar a ucranianos. Y deberían saber que los que siempre atacaron obras de arte fueron los autoritarios, los nazis, los fascistas, los estalinistas. En su ignorancia, estos jóvenes no se dan cuenta de que están reproduciendo metodologías de los peores autoritarismos de la historia de la humanidad”.

Andrés Waissman (artista)

“No creo que los activistas obtengan otro resultado más que visibilidad momentánea. Está claro que estamos en una especie de negacionismo universal en cuanto al tema del planeta. Esto debiera afectar al mundo de la cultura y la intelectualidad que son, como en tantas cosas, quienes debieran estar alertando sobre lo que los activistas denuncian. Esto es una consecuencia de la falta de compromiso de los países, los gobiernos y, sobre todo, los políticos de atacar con seriedad el tema ambiental. Como artista pienso que agredieron estas obras con productos que no dañan demasiado, lo que habla bien de ellos”.

Mariana Iglesias (periodista especializada en cultura)

“En primer lugar, rescato la necesidad de hacer un llamado de atención sobre la problemática ambientalista. Estoy de acuerdo en que si no tomamos medidas concretas, no tendremos arte para admirar pues tampoco habrá planeta para habitar. Sin embargo, lo primero que me genera enterarme de un nuevo ataque es una profunda antipatía, por la forma violenta de atacar otro elemento digno de cuidado. Los museos son entidades que buscan preservar y tienen una función de acercamiento y aprendizaje. Es hora de que los ambientalistas utilicen esas herramientas para enseñarnos y darnos a conocer cuál es el eje de su denuncia y cómo podemos ser parte de la solución”.

Andrea Giunta (historiadora del arte)

“En términos generales, me parece una acción que no conduce a los fines que persigue. Por supuesto que tirarle tomate o puré a una obra con vidrio, que no sale dañada, no es un hecho al que le dé mayor trascendencia. Hay quienes dicen, incluso, que son actos de promoción de los museos. Prefiero no pensar en forma conspirativa. Pero el tema que plantean sí me parece extraordinariamente urgente. No sé cómo el arte puede contribuir a que todos tomemos conciencia del desastre que esta sucediendo con el planeta producto del desmonte, el fracking, la minería a cielo abierto y con métodos de extracción que contaminan el agua o la destrucción de los humedales, para mencionar tan solo algunas cosas. Estos hechos me parecen mas serios y mucho más urgentes que una lata de tomate en un cuadro con vidrio. No se si el arte, sino todos tendríamos que preguntarnos cada día como impedir que el colapso del planeta se intensifique”.

"Hay quienes dicen que son actos de promoción de los museos. Prefiero no pensar en forma conspirativa. Pero el tema que plantean sí me parece extraordinariamente urgente", sostiene Andrea Giunta
«Hay quienes dicen que son actos de promoción de los museos. Prefiero no pensar en forma conspirativa. Pero el tema que plantean sí me parece extraordinariamente urgente», sostiene Andrea GiuntaGentileza Malba

Hernán Borisonik (doctor en Ciencias Sociales)

“Me pareció llamativa la lista de obras sobre las que se usaron como blanco de los ataques. Son todas parte del canon indiscutible de la Modernidad europea, es decir, una cosmovisión mucho más centrada en el carbón que en el petróleo (que es lo que quieren que se deje de usar). Por otro lado, es interesante el gesto de agredir piezas que están protegidas por cristales, buscando más ampliar la notoriedad y la conciencia sobre el cambio climático que realmente arruinando los cuadros. Sin duda, la cuestión que estos grupos quieren poner de manifiesto son de absoluta importancia. Resta ver si sus acciones tienen algún efecto positivo”.

Rodrigo Túnica (artista)

“Creo que es un intento desesperado por mantener el debate vigente mientras se continúa naturalizando la situación de crisis y su irreversibilidad. A nivel estratégico es efectivo porque permite trascender las redes y ocupar, aunque sea unos instantes, los diarios, la tele y las radios. Lamentablemente, el hecho es lo que perdura y no así las causas que lo motivaron. Personalmente trabajo para visibilizar y expandir las alternativas de producción regenerativa, que es básicamente generar producción y desarrollo con procesos con impacto positivo en el ambiente que ayudan a crear mayor biodiversidad”.

Azul Blaseotto (artista)

“Me caen bastante simpáticas estas acciones. Porque sacuden el sopor de la mirada cómoda y domesticada de generaciones que creen que el valor cultural debe conservarse en los museos. Mientras que se miran, conservan y valorizan determinados objetos, la vida misma se extingue ante nuestros ojos: los fuegos queman los bosques, la desertificación seca los ríos, humanos y no humanos perecen o migran si pueden, adonde son rechazados o cuanto más, enjaulados; los hielos continentales se derriten, las montañas se derrumban, el humo sofoca… ¿y qué? ¿La propuesta es ir al museo con aire acondicionado? Esas acciones están dirigidas a sacudir las mentes atoradas, las obras no corren peligro ya que están todas bajo vidrio. Lo que buscan es hacer reflexionar a las capas ‘educadas’ para generar algún tipo de reacción ante el suicidio por goteo”.

El Premio de Pintura BANCOR ya tiene sus ganadores

Fuente: La Nueva Mañana ~ El 15° Premio de Pintura BANCOR alcanzó récord de inscriptos en sus dos categorías de participación.

l Premio de Pintura BANCOR acaba de consagrar a nueve artistas argentinos para su quince aniversario. Un jurado federal de destacados referentes del arte seleccionó a los ganadores que recibirán distinciones por un total de $3.200.000 y que exhibirán sus obras a partir del mes de diciembre en el Museo Tamburini y en calles céntricas de la ciudad. Además, otorgaron 3 menciones “Estímulo”.

El 15° Premio de Pintura BANCOR alcanzó récord de inscriptos en sus dos categorías de participación. Para “Pintura” se postularon 1.333 artistas, más del doble que en la edición anterior, mientras que para “Muralismo», el número se triplicó a 81. Otra gran novedad es que, por primera vez en la historia del certamen, se inscribieron representantes de CABA y de 23 provincias argentinas, estableciendo a este certamen como uno de los más federales del país. 

Luego de un arduo proceso de selección, el jurado integrado por Carina Cagnolo (Córdoba), Cintia Clara Romero (Santa Fe), Magui Moavro (Buenos Aires), Elian Chali (Córdoba) y Santiago Villanueva (CABA), con la coordinación general de Manuel Coll (Córdoba), seleccionó 50 obras en una primera instancia. 

En su segunda actuación, el jurado acordó otorgar los siguientes premios: 

CATEGORÍA PINTURA

•    Primer Premio Adquisición de $600.0000 a Majo Arrigoni (Córdoba) por la obra “Carolina”.
•    Segundo Premio Adquisición de $400.000 a Ariel Mora (Neuquén) por la obra “Sin título”.
•    Tercer Premio Adquisición de $300.000 a Carla Brugo (Entre Ríos) por la obra “Cometa”.

Menciones

Sin orden de mérito:
•    Mención Arte Bancor Joven Adquisición de $200.000 a Constanza Delfino (Córdoba) por la obra “Silla – Pintar la rutina”.

La pregunta del millón: ¿se puede vivir del arte?

Fuente: Ambito ~ El asunto es complejo pero vamos a ensayar una respuesta.

El Arte es una herramienta de comunicación entre la obra y quien la observa. Afortunadamente, hoy hay una gran movida de jóvenes artistas o consumidores de arte.

La calle parece una galería abierta con muralismo y arte callejero. Se advierte fácilmente que hay mucho potencial, mucho talento.

También hay una movida artística nocturna muy interesante que mueve turismo. El escenario parece propicio porque hay muchas propuestas y también mucha recepción.

Hay un público interesado en conocer el patrimonio de la ciudad, las galerías, los espacios culturales. La nueva camada de artistas está transformando lugares marginados, abandonados, sucios, grises, en barrios atractivos, pintorescos, que mejoran el entorno y, por ende, la calidad de vida, así como lo hiciera Benito Quinquela Martín con La Boca.

La era digital potenció el talento creativo. La virtualidad se transformó en una vía de producción artística: producciones estéticas hechas digitalmente, redes sociales capaces de crear verdaderos collages, pero los museos están vivitos y coleando.

Las obras se siguen colgando en las paredes. Es más, antes si uno quería visitar el Museo de Arte Moderno de N.Y tenía que comprar un pasaje de avión. Hoy está la posibilidad de verlo en nuestros celulares, acceder a una conferencia en vivo.

A favor del mudo 3.0 también puedo decir que nos permite a los artistas llegar a un público mas grande a través de su plataforma digital que es una gran vidriera para promocionar el arte.

El asunto es complejo pero vamos a ensayar una respuesta. Vivir del arte a veces se hace difícil pero uno puede trabajar para el branding de alguna empresa o ser muralista o dedicarse a la docencia.

Ciertamente, está el artista muy cotizado que tiene la oportunidad de vivir del arte y hacerlo holgadamente, pero no es así para todos.

Además, es preciso decir que el arte también tiene su grado de inversión, soportes, materiales, herramientas.

Muchas veces lo que se gana termina reinvirtiéndose. Hay que formarse, participar de actividades, presentarse en convocatorias, becas, subsidios, premios.

Quizás no se llegue a las grandes ligas, quizás haya que tener un trabajo extra. Pero, definitivamente, el artista, sin arte, no puede vivir.

Artista plástica. Expone habitualmente en ferias, museos y galerías de renombre de Buenos Aires, Miami y Punta del Este. Ha sido distinguida por diversos jurados por su calidad creativa.

Noche de las Galerías 2022: dónde es el evento de arte y gastronomía

Fuente: La Nación ~ La segunda edición de esta velada especial de la cultura mantiene como epicentro al barrio de Retiro; el mapa completo con todos los locales adheridos, el pronóstico del tiempo y el cierre de la jornada en el Museo Fernández Blanco.

Este 17 de noviembre será la Noche de las Galerías en Buenos Aires: la segunda edición del evento que combina exposiciones de arte con gastronomía y tiene como epicentro al barrio porteño de Retiro.

Casi una veintena de galerías de arte y otros espacios consagrados al diseño abrirán sus puertas con horario extendido, entre las 18 y las 22. Además, esta propuesta se combinará con descuentos y promociones de locales gastronómicos adheridos para potenciar así el movimiento en este céntrico barrio de la ciudad.

La iniciativa, impulsada por la Asociación de Vecinos de Retiro bajo el apoyo del Ministerio de Cultura porteño, concentra en pocas cuadras un gran número de espacios participantes, donde habrá tanto exhibiciones como promociones de obras. Según resaltan los organizadores del evento, “se destaca la pintura, la escultura, la fotografía, la orfebrería, los textiles y los dibujos”. Además, habrá muestras individuales y colectivas, con temáticas que -adelantaron- “incluyen entre otras a la moda, la actualidad, el paisaje, las ciudades y la vanguardia”.

El cierre de la Noche de las Galerías será a las 21.30 en el Palacio Noel que alberga el Museo Fernández Blanco
El cierre de la Noche de las Galerías será a las 21.30 en el Palacio Noel que alberga el Museo Fernández Blanco

La velada contará también con la participación de cantantes de la escuela de formación artística Mitra, a cargo de Mirta Arrúa Lichi, de la que salieron intérpretes consagrados como Elena Roger. La joya de la noche será a las 21.30, en la explanada del Museo Fernández Blanco, en su sede de Suipacha 1412, donde se podrá ingresar luego de varios meses de refacciones.

Las propuestas gastronómicas de la Noche de las Galerías consisten de una serie de locales adheridos que ofrecerán promociones ligadas al evento, como: BASA, La Florería, Legado Café, Farinelli, Dos Escudos, Gitan Café, Mkaffee, Cest’ Cool y Vicen Pizzas.

El mapa completo de todas las galerías y restaurantes que participan en la Noche de las Galerías 2022

  • Rolf: Esmeralda 1353
  • Cecilia Caballero: Suipacha 1151
  • Van Riel: Juncal 790
  • Palatina: Arroyo 821
  • El Socorro: Suipacha 1331
  • Bruggens Gallery: Arroyo 862
  • Galería Pieruzzini: Arroyo 852
  • Espacio Arroyo: Arroyo 834
  • Espacio de Arte Fundación OSDE: Arroyo 807
  • Galería 30 Quarenta: Arroyo 890
  • Galería Ernesto Zanotti: Arroyo 889, local 1
  • Espacio de arte Agustina Alazraki: Arroyo 883
  • Galería Vermeer: Suipacha 1168
  • Verbo: Arenales 979
  • Galería Lagard: Suipacha 1216
  • Museo Fernández Blanco: Suipacha 1422
  • Lucía Feugas: Arroyo 883
  • Casa FOA: Arroyo y Suipacha

Cómo estará el pronóstico para la Noche de las Galerías

Las nubes que pueblan el cielo en Buenos Aires pueden hacer dudar a muchos de salir o no a la calle, pero el pronóstico del Servicio Meteorológico Nacional asegura que no hay nada de qué preocuparse: no lloverá hoy en la ciudad y la noche será agradable desde los parámetros térmicos.

La temperatura por la tarde alcanzará un pico de 30°C: techo que bajará hacia la noche hasta descender a los 25°C, el promedio con el que se despedirá la noche y en el que tendrá lugar la mayor parte del evento del barrio porteño de Retiro.

El pronóstico oficial adjudica 0 por ciento de posibilidades de lluvia para la noche y la tarde, y el viento tendrá variaciones según la hora: en la franja vespertina tendrá una velocidad mínima de 7 kilómetros por hora y una máxima de 12 km/h, mientras que por la noche levantará un poco, con 23 km/h de mínima y hasta 31 km/h de máxima, en una corriente que provendrá del este pero que no debería perturbar a quienes quieran disfrutar de la Noche de las Galerías.

Conocé al ganador del Segundo Concurso Nacional de Escultura “Día del Futbolista”

Fuente: Argentina.gob ~ Artistas de todo el país presentaron proyectos escultóricos inspirados en el fútbol, en homenaje a Diego Armando Maradona.

El Ministerio de Cultura de la Nación, a través de la Secretaría de Desarrollo Cultural y la Dirección Nacional de Promoción de Proyectos Culturales, anuncia al ganador del Segundo Concurso Nacional de Escultura “Día del Futbolista”, una iniciativa que tuvo por objetivo estimular la producción artística de todo el territorio nacional buscando premiar la pieza que constituya el mejor homenaje a Diego Armando Maradona.

La convocatoria estuvo vigente del 22 de junio al 31 de agosto de 2022 y se realizó en el marco del Día del Futbolista, como homenaje a Maradona y su histórico gol frente a Inglaterra en el Mundial de México de 1986. Durante ese período se recibieron proyectos de escultores y escultoras de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires y de las provincias de Buenos Aires, Córdoba, Mendoza, Río Negro, San Luis, Santa Fe y Tucumán.

El túnel, de Rubén Eduardo Ramonda, fue el ganador de esta segunda edición del concurso

El ganador del Segundo Concurso de Escultura “Día del Futbolista” es Rubén Eduardo Ramonda, de Río Tercero, Córdoba, con su proyecto escultórico “El túnel” y quien recibirá la suma de $350.000 en concepto de premio para la realización de la obra.

Además, fueron seleccionados como primer suplente Nicolás Pablo López, de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires con su proyecto escultórico “Cuadrangular”, y Leonardo Emanuel Salas, de Las Grutas, Río Negro, con su proyecto escultórico “Futbolista Argentino” resultó elegido segundo suplente.

El jurado de la segunda edición de este concurso estuvo conformado por representantes de Futbolistas Argentinos Agremiados (FAA), la Asociación del Fútbol Argentino (AFA) y el Ministerio de Cultura de la Nación y, según los argumentos expresados por sus integrantes, el proyecto ganador presenta:

• Una propuesta visual dinámica y original.
• Pertinencia del proyecto al espíritu de la convocatoria.
• Condiciones materiales de realización, conservación y perdurabilidad de la obra.

La primera edición del Concurso Nacional de Escultura “Día del Futbolista” se realizó en 2021 y se presentaron 92 proyectos de 20 provincias de Argentina. Por medio de este reconocimiento a los y las futbolistas, el Ministerio de Cultura busca fortalecer las diferentes expresiones que conforman la identidad nacional.

Por dudas y/o consultas, podés escribir a dnppc@cultura.gob.ar.