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Perlitas MAPA, Las obras que no te podes perder

20 marzo, 202320 marzo, 2023 infoarte

Fuente: Arte online – Apenas se ingresa en la feria llama la atención en el stand de Maman la selección de exquisitas pinturas geométricas de los 70 de Martha Boto y su marido Gregorio Vardanega, de enorme valor histórico. Y en el mismo stand, una gran pintura y varias pequeñas tintas de Gustavo Charif (1966), artista argentino, escritor y cineasta -amigo de Milan Kundera y Fernando Arrabal– que tuvo gran trascendencia internacional hace un par de décadas pero cuya obra de resonancias surrealistas fue muy poco exhibida en los últimos años. A pocos metros de allí, en el stand de Jacques Martínez están colgadas como en una pequeña muestra individual, las grandes ocho pinturas de uno de los artistas fetiche de la galería, Ernesto Deira, realizadas entre 1964 y 1985. Entre ellas -cuenta Clara Martínez, directora de la galería- hay una, “Gestación”, de 1969, que perteneció durante 20 años a Tato Bores, uno de los grandes admiradores del artista.

Luis Wells en Maman con obras de Martha Boto y su marido Gregorio Vardanega

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En el mismo sector y en uno de los paneles externos del stand, ODA exhibe con un valor de 5.500 dólares “Iguazú Bloody Mary”, óleo sobre tela de 200 x 150 cm., de Paula Senderowicz, que representa en intenso rojo sobre blanco parte de las cataratas del Iguazú donde su abuelo, el gran fotógrafo Boleslaw Senderowicz tomó en 1972 fotografías de Susana Giménez para la campaña de la marca de jabón Cadum que lanzó a la fama a la estrella. En el mismo stand vale la pena detenerse frente a dos fotos collage (entre 3.900 y 4.500 dólares) que Andra Alkalay realizó con fotografía digital, papel, madera de demolición y oro en 2022, durante su residencia artística AL Balad, en Arabia Saudita.

El de Cecilia Caballero es otro de los espacios que merecen unos minutos de atención. Allí se exhibre en un rincón una obra de Luis Rodríguez que lleva el título no exento de ironía de “Selfie vertical”, espejos sobre papel curvo de 150 x 80 x 17 cm donde el espectador podrá verse -fragmentado y deformado- de cuerpo entero. Y, entre bellas piezas de acrílico de Miguel Angel Vidal y Rogelio Polesello, delicadísimas obras de Andrea Moccio en papel japonés de fibras que representan distintas flores.

Acrílico de Rogelio Polesello en Cecilia Caballero

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En el centro de uno de los espacios cordobeses de la feria, Abre Galería, atrae la vista como el misterioso monolito de 2001, Odisea del espacio, la célebre película de Stanley Kibrick, la monumental obra de Nuna Mangiante “Caleidoscopio de la oscuridad”, cuatro paneles de madera dibujados con grafito y lápiz que forman un prisma con tubos de luz en su interior. Sus medidas, 80 x 242 x 80 cm.

Otro de los espacios cordobeses, Marchiaro Galería de Arte, presenta un grupo de dibujos de Remo Bianchedi que son una de las joyas de la feria. Se trata de la serie “Escuela Estatal Bauhaus”, que el artista creó en 1992 como respuesta al desfinanciamiento que las universidades argentinas sufrieron durante el gobierno de Carlos Menem. Como modelos de sus dibujos, Bianchedi usó fotos antiguas de ciudadanos alemanes anónimos que el artista coleccionó durante su exilio alemán en los 70 y sobre cada obra pintó con color rojo el nombre de un profesor de la Bauhaus, que fue objeto de una implacable persecusión y cierre durante el nazismo. Feininger, Itten, Klee, Meyer, Scheper, todas obras en grafito y óleo sobre papel, de 90 x 60 cm, se ofrecen por un valor de 5.000 dólares cada una.

Roger Mantegani y Remo Bianchedi en la cordobesa Marchiaro

En el stand de Aldo de Sousa se destacan una pintura de gran formato de Diana Aisenberg, “Señorita 4 cielos”, realizada en acrílico y purpurina sobre tela, y varios delicados jarrones en cerámica de Valeria Vilar.

Mariana Vilar en Aldo de Sousa

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También vale la pena detenerse en el stand de Anarko Gallery -espacio del barrio de Once “gestionado por artistas representantes de artistas”- frente a dos grandes pinturas de Adrián Paiva sobre el paisaje vegetal de Tigre y varias carbonillas sobre tela “La niña árbol”, “La infancia perdida” y “Criaturas en el palmar”, que parecen ilustraciones de cuentos infantiles de inquietante oscuridad. También se exhiben de la misma autora varias cabezas de niña realizadas en cerámica.

En el stand de Otto las obras imperdibles son sin duda las bellísimas esculturas en vidrio soldado y pintura vitral de Mónica Canzio, de misteriosa textura.

Obras de Ezequiel Suranyi, creador del espacio en 2021.

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Uno de los stands de la feria que llaman la atención es el de la galería Futbolitis, de Palermo, que exhibe trabajos de diferentes artistas relacionados con el fútbol y las pasiones que despierta en nuestro país, como lo demostraron sin vueltas hace meses las celebraciones por la obtención del título mundial en Qatar. Casi en sincronía con ese momento y muy contra la corriente del arte argentino, que a lo largo de la historia produjo muy poco registro de ese interés de los argentinos, Futbolitis presenta solo obras futboleras. Por ejemplo, un gigantesco banderín del Huracán campeón de 1973 y una pintura, “Hombre Globo”, que hacen sospechar que en las paredes de la habitación infantil de Patricio Larrambebere, su autor, colgaban emblemas semejantes. También hay varias fotos de Eduardo Longoni tomadas durante el Mundial de 1986 en México, cuando Argentina también fue campeón, entre las que sobrasale la famosísima “La mano de Dios”, que registra el recordado gol de Maradona contra Inglaterra. Y un puñado de obras de Ezequiel Suranyi, creador del espacio en 2021, como “Itaquerao” una foto de un sector de las plateas del estadio del Corinthians de San Pablo que parece una abstracción geométrica, y varias máscaras hechas con pelotas de fútbol, máscaras y gorras. También hay obras de una artista femenina expuestas en Futbolitis. Son óleos sobre tela de camisetas de recordados equipos, pintadas por Mariana López, todas de 2022: River Plate 1986, Alemania 1990, Barcelona 1982, Argentina 1990 y Boca Juniors 1981.

Sin título de la serie dibujos Moleskine de Fernanda Laguna en Nora Fisch. De la misma serie que adquiríó el MoMa para su colección

Ya llega la Muestra de Roberto Aizenberg

20 marzo, 202320 marzo, 2023 infoarte

Fuente @afaggioniestudiodearte: La galería de Alejandro Faggioni-ESTUDIO DE ARTE presenta una exhibición de dibujos, collages, pinturas y esculturas del gran maestro argentino ROBERTO AIZENBERG, (1928-1996).

Desde muy joven comienza a exponer deslumbrando al público y a la crítica, si bien se inicia dentro del surrealismo de la mano de su querido maestro Juan Battle Planas, Aizenberg desarrolla una obra que no puede ser enmarcada en ninguna tendencia en especial, avanza hacia la metafísica, pasando por la geometría lírica, desplegando durante su vida una obra, con sello y estilo único, lo que lo tornan inclasificable, y resueltamente atemporal.

Es enorme la cantidad de muestras individuales y colectivas, nacionales e internacionales realizadas, así como los premios recibidos por este artista, que alguna vez expresó: “Desde hace mucho tiempo soy consciente de que mi pintura es un investigación espiritual, una especie de gimnasia o de practica de arquero zen o de alquimista en busca del oro esencial”.

En el estupendo libro sobre el artista, Victoria Verlichak se refiere de manera a él de manera magistral: “Como un alquimista, quizá como su padre farmacéutico creador de fórmulas medicinales propias. Aizenberg acude a una suerte de catálogo de imágenes -como una tabla periódica de su invención- que expande y perfecciona en búsqueda de lo esencial. Entre la figuración y la abstracción, toma una y otra vez elementos identificables que representa en distintos modos, grados y momentos de intensidad. Inundados por una luz prodigiosa, la tierra y el cielo, las arquitecturas, radiografías, geometrías, figuras, y los arlequines, abanicos, paisajes, son inscriptos por el artista en una dimensión inesperada.

Acariciados por una luz magistral, los sorprendentes espacios, las simples formas y los insondables personajes de sus obras insinúan climas cargados de dilemas existenciales, que siguen interpelando al observador por su irreductible apertura”.

MUESTRA DE ROBERTO AIZENBERG

Inauguración: miércoles 22 de MARZO de 2023, a las 18:00 hs.

Cierre: Jueves 20 de Abril de 2023.

Lugar: Alejandro Faggioni-ESTUDIO DE ARTE

Sargento Cabral 881 5º piso “K”., Ciudad Autónoma de Buenos Aires|

Horarios: lunes a viernes de 14 a 20 hs

Contacto: Tel: +5411 4393 9995, al 11-4960-1826 o por mail: alejandro@alejandrofaggioni.com

www.alejandrofaggioni.com – @afaggioniestudiodearte

ArteCo se consolida en la escena del arte nacional

20 marzo, 202320 marzo, 2023 infoarte

Fuente: Cultura Corrientes ~ El Instituto de Cultura de la provincia, por medio de su presidente el arquitecto Gabriel Romero, fue invitado especialmente para participar de Mapa, feria de arte realizada en La Rural, Buenos Aires. “La Argentina comienza a consolidad un circuito de ferias de arte donde primero se realizó Mapa y se extenderá con las ferias de ArteCo, Ferias de arte de Rosario y Córdoba, después finalizará con ArteBA. Hay que destacar aquí que Corrientes ya forma parte de la escena nacional del arte”, subrayó Romero.

Del 17 al 20 de mayo se realizará la 5°edición de la Feria de Arte Contemporáneo de Corrientes – ArteCo. El mismo tendrá lugar en el predio de la antigua Usina Eléctrica de Corrientes. El evento será con entrada libre y gratuita.

Días atrás se realizó Mapa, feria de arte en la ciudad de Buenos Aires. “Esta feria tuvo la particularidad de mostrar galerías de Chile, Perú, Uruguay junto a las propuestas del interior del país. La misma presentó literalmente un mapa muy variado y renovado de las artes en el país y en la región sudamericana”, expresó el arquitecto Gabriel Romero.

La feria Mapa dirigida por Agustín Montes de Oca, comentó a distintos medios que al momento de fijar una fecha tuvo en cuenta el calendario de las distintas ferias que hay en todo el país. En ese contexto se tuvo en cuenta la feria de ArteCo que realizará en mayo. “Hay que destacar aquí que Corrientes ya forma parte de la escena nacional del arte. Estamos constituidos en la escena local pero también estamos insertos en un circuito nacional e internacional, si tenemos en cuenta la participación que ha tenido Paraguay en Corrientes”, subrayó Romero.

Por otra parte el funcionario provincial destacó también el hecho de consolidar la fecha de la feria en el mes de mayo. “Esto nos consolida en una agenda importante y nos brinda la posibilidad de tener a una gran cantidad de invitados. Podemos desplegar una variada cantidad de ofertas de artistas y galerías que muestren la fortaleza regional. El año pasado tuvimos éxitos en ventas y tenemos que seguir en esa senda”, remarcó.

En la edición 2022 de ArteCo hubo muchas obras de arte, presentaciones de libros, música y otras actividades culturales. Hubo una gran agenda cultural. “Este año estamos trabajando en una agenda que tendrá como centro el predio de la Ex Usina Eléctrica pero también tendrá otros espacios que acompañan a la Feria”, adelantó el arquitecto Gabriel Romero.

La Feria de Arte Contemporáneo abrió con 22 obras vendidas

20 marzo, 202320 marzo, 2023 infoarte

Fuente: El Diario del Centro del País ~ La propuesta se podrá apreciar hasta el 26 de marzo. Esta tarde, a su vez, se brindará un taller teórico-práctico.

En su noche de estreno, la Feria de Arte Contemporáneo Villa María concretó la venta de 22 piezas artísticas.

La propuesta se extenderá hasta el 26 de marzo en el Museo Municipal de Bellas Artes Fernando Bonfiglioli para brindar un espacio en el que artistas locales y de la región puedan exhibir y comercializar sus trabajos, a la vez que pueden participar de diversas instancias de capacitación.

La Feria de Arte dio inicio ayer por la tarde, con la primera charla abierta con eje temático en género y coleccionismo. El debate, que estuvo a cargo de la curadora Kekena Corvalán y de Alejandra Portela, contó con una gran participación del público.

Luego se dio lugar a la apertura oficial, con la exhibición de las 280 obras que 33 artistas prepararon para esta edición. Así la velada de apertura transcurrió con gran éxito, alcanzando la venta de 22 piezas. Como referencia, vale recordar que en su última edición, se vendieron un total de 50 obras.

La iniciativa parte de las políticas diagramadas por la Secretaría de Educación, Cultura y Promoción de la Ciencia, que busca promover un espacio donde se lleve a cabo la venta directa entre el autor de la obra y el comprador. En este punto vale aclarar que el Museo Municipal no participa en las ventas, ya que sólo aporta su infraestructura para concretar el intercambio comercial y el desarrollo de los talleres y charlas.

Con este puntapié, la Feria de Arte continuará vigente hasta el 26 de marzo, en el horario de 9 a 21 horas. Además, todos los días de 17 a 21 horas está presente una asesora de ventas, para brindar orientación a quienes deseen adquirir algunas de las piezas en exhibición.

Por otra parte, algo para resaltar son los precios accesibles de las obras, ya que aquellos trabajos enmarcados tienen un valor que comienza en 8.000 pesos y las obras en papel sin enmarcar, a partir de 2.000 pesos.

Nuevo taller

En cuanto al aspecto formativo de la feria, hoy tendrá lugar a las 15 horas un taller teórico-práctico a cargo de la curadora Kekena Corvalán y Alejandra Portela, con eje sobre los nuevos escenarios del mercado de arte local. Aquellos interesados en participar deberán completar el siguiente formulario web de inscripción:https://docs.google.com/forms/d/16b8pKBLdZEj-uAjTdf86Fnx2VfFpq57h3hIuOXZn0EE/edit

Gabriela Manfredi

Por último, el miércoles 22 a las 19:30 horas, Gabriela Manfredi vuelve a la galería para abrir el debate en torno al arte contemporáneo en Villa María.

Nuevo gesto de desmaterialización: Jacoby subasta parte de su colección de arte contemporáneo

20 marzo, 202320 marzo, 2023 infoarte

Fuente: Télam ~ El artista conceptual, sociólogo, curador y letrista de varios hits de Virus Roberto Jacoby subastará 60 obras de su colección personal, entre las que hay piezas de León Ferrari, Matías Duville, Mariela Scafati, Fernanda Laguna, Rosario Bléfari y Sergio Avello, que compró, canjeó o le regalaron colegas y amigos y, de forma innovadora, le dará a cada uno de ellos el «droit de suite», el 3% del dinero obtenido por la venta.

Organizada por la galería Roldán, la subasta de parte de la colección, de Jacoby -que en total cuenta de 170 piezas- tendrá la impronta de una retrospectiva de desmaterialización, que se podrá visitar de lunes a viernes de 10 a 19 y el fin de semana de 15 a 20, sin necesidad de reservar cita, hasta el próximo miércoles, cuando a las 19 comience la subasta.

Pero además, la subasta es para el artista una forma de alivianar su propia existencia y de ser consecuente con su presente artístico. «Desde hace algunos años estoy centrándome en las poesías y las canciones. Mi compañera, Kiwi (Mariana «Kiwi» Sainz), dice que siempre fui poeta pero que lo supe disimular con discreción. Y ahora creo que se terminó la discreción», confiesa, en diálogo con Télam, sobre el motivo que lo llevó a armar la subasta. Reconoce, además, que gran parte de las obras permanecieron durante décadas colgadas en las paredes de su casa en el barrio de Congreso y que vivir en un hogar cargado de tanto sentido artístico puede ser agobiante.

«Tener tantas obras en mi casa se había vuelto una cosa medio fuerte. La mayoría eran regalos y compras a mis amigos, pero las paredes estaban cubiertas y me resultaba un poco agobiante. No es lo mismo que el que tiene dos cuadros o el que los cuelga a modo decorativo. Para mí eran recuerdos, partes de mi vida y de la de muchos de esos amigos que ya no están», explica sobre el por qué más profundo de esta desmaterialización artística que emprendió.

Motor de la escena artística contemporánea nacional, Jacoby (Buenos Aires, 1944) construyó su obra y trayectoria con la defensa de la «desmaterialización del arte», con foco en los lazos y las ideas por sobre las obras. Creador de más de 30 canciones de Virus, fue el fundador de la mítica revista de arte Ramona. Con el proyecto «Venus» ganó la Beca Guggenheim que le permitió idear una microsociedad dedicada a contactar gente entre sí, que con su propia moneda les permitía a sus asociados intercambiar bienes y servicios al margen de la economía nacional. Ahora, se subastará un lote de aquellos billetes con un base de 1.500 dólares. En aquel momento, en una clara muestra de «desmaterialización» el artista respaldó aquella moneda imaginaria con los fondos de la Guggenheim y, después, los donó.

Considerado como uno de los integrantes más notables de las vanguardias que surgieron en la década de 1960, Jacoby y el grupo al que se vinculó en sus comienzos -en el que se destacaba el filósofo y ensayista Oscar Masotta- practicaron un tipo de arte completamente novedoso para la época, que buscaba interpelar con las ideas y la crítica social, y que más tarde llegó a conocerse como «arte conceptual».

Ellos, en cambio lo denominaban «arte de la desmaterialización» y esta operación estética, poco conocida en el país, logró convocar la atención internacional. Cincuenta años después, el concepto de la desmaterialización reaparece en la subasta de parte de su colección.

La decisión de armar finalmente una subasta la tomó durante la pandemia. «Hice pintar mi casa durante aquellos días de encierro, por lo cual tuve que bajar todo y guardarlo unos días. Y al volver, me encontré con las paredes blancas y, sorprendentemente, me sentí aliviado. Las obras no dejan de ser objetos cargadas de las pulsiones de otros, ahí está su vida y la intensidad de muchos. Es como vivir acompañado de otras almas», relata.

Entre los lotes que el miércoles se rematarán en Roldan hay obras del propio Jacoby y de otros artistas como Marina De Caro, Ariadna Pastorini, Sandro Pereira, Miguel Harte, Sergio Avello, Luciana Lamothe, Rosario Bléfari, Kiwi Sainz, Flavia Da Rin, Benito Laren, Matías Duville, Jorge Gumier Maier, Ricardo Carreira, Mariela Scafati, Nacho Marciano, Marcelo Pombo, Fermín Eguía, Margarita Paksa, y Fernanda Laguna.

En la colección hay de todo y por eso, la subasta de Roldán ya tiene prereservas. «Cóctel», con un precio base de 4 mil dólares, es la fotografía que Alejandro Kuropatwa le regaló a Jacoby por haber escrito el texto para el catálogo de su muestra en la galería Ruth Benzacar, en 1996. De León Ferrari, hay un dibujo sobre papel -la obra que llegará a la subasta con mayor precio de base, 20 mil dólares- una de sus primeras caligrafías vinculadas con la poesía visual.

Jacoby cuenta que algunas piezas pueden parecer «muy modestas», pero que son insignia de un momento cultural o, incluso, de su propia vista. «Tengo la primera obra que vendió Sergio Avello en su vida (tendrá una base de 2.500 dólares). Se la compré en una galería de artistas pobres. También está la ilustración del flyer de una retrospectiva de Fernanda Laguna que hicimos en mi casa, y eso tiene un valor enorme porque he estado muchísimos años trabajando con ella. También están los Pablos Suárez, que fue como mi hermano y la persona que me inició en el arte («Los cisnes de Palermo», con un precio base 6 mil dólares y un dibujo sobre papel de 800 dólares)», repasa.

Las obras nunca salieron de aquella habitación después de la pintura. A Jacoby le llevó dos años clasificarlas. «Durante ese tiempo reflexioné mucho sobre el sentido de tener una galería dentro de una casa. En definitiva, todas esas piezas están estancadas y ni se aprovechan ni se pueden exhibir. Entonces, apareció la idea de la subasta y Roldán como el lugar ideal. Ellos armaron el catálogo de una subasta que, en definitiva, habla de una vida. Todos tienen una historia porque no los adquirí con un curador y por eso me pareció que tenía sentido hacer una semana de muestra antes de la venta», explica Jacoby sobre cómo eligió 60 obras de un total de 170.

El artista confiesa que el proceso requirió de cierta automoderación: «De pronto me arrepentía de dejar ir una obra, pero me advertía a mí mismo que no podía volver a volver a foja cero en el proceso». Una vez seleccionadas las piezas, Jacoby se comunicó con los artistas para contarles sobre el proyecto y para evitar aquello, más lineal, de «vender lo regalado». A todos les pareció una buena iniciativa e incluso aportaron ideas para mejorar la subasta.

Pero además, como una forma de reconocimiento a una de las demandas históricas de los artistas, Jacoby decidió pagarle a cada uno el «Droite de suite», el 3% del dinero obtenido con la venta de las obras, como una forma de que la adquisición también de cuenta de la biografía y el recorrido que hace una obra.

Las obras se pueden visitar durante el fin de semana de 15 a 20; lunes y martes de 10 a 19; con entrada gratuita en Roldán (Juncal 743, CABA). La subasta será el miércoles 22 de marzo a las 19.30.

Sael, el marplatense que llega al mundo con su arte

20 marzo, 202320 marzo, 2023 infoarte

Fuente: Bacap ~ Sael inició un proyecto que tiene a Mar del Plata como protagonista. Se trata de emoji-on, que muestra diferentes puntos de la ciudad con su arte.

José Alfonso, más conocido como Sael, es un artista autodidacta oriundo de Mar del Plata, que reside desde hace unos años en Buenos Aires y que va dejando huellas en los lugares del mundo que visita.

Su puntapié inicial en el diseño fue cuando conoció a Pablo y Sebastián de Trimarchi, allá por el 2004, cuando arrancaba diseñando productos, cuadernos y un sinfín de objetos. “Arranqué como artesano haciendo productos y después lo llevé a un lugar más armado. Siempre fue una búsqueda” expresa Sael. Mientras vivía en la ciudad, también armó un estudio- galería y tienda y un proyecto de Art Toys. Actualmente, ideó un sistema visual vinculado a Mar del Plata y desde Bacap te contamos de qué trata.

Lenguaje visual

-Tenés una impronta marcada con el juego simétrico, ¿Cómo definirías tu estilo?

-La verdad es que nunca me lo he planteado, pero tiene que ver con la geometría. Soy un artista digital, la ilustración y el diseño es como un híbrido donde encuentro mi equilibrio.

El espacio es una herramienta, para mí, para expresarme y llevé los “nodos”. Me gusta que la gente forme parte de mi trabajo.

Es un híbrido mi trabajo. Me siento cómodo en varios lugares y siempre buscando acercarme a la gente. No hay un límite de las cosas. Mientras tengas una historia que contar y más si has forjado un estilo, aunque hay que romper las barreras de tener estilo.

Hoy los canales pasan por muchos lados para ser un artista. También tenemos que romper con eso de ser artista. Todas las herramientas están para que las uses para comunicar algo.

Un estilo optimista y geométrico. Me gusta ver otra realidad. Siempre hay dos realidades.

Mar del Plata, bien feliz

-¿De qué trata tu reciente proyecto emoji-on?

Nació de una serie que tenía muchas ganas de hacer y se dio la posibilidad en el 2020 con la pandemia. Me gustaba gestar una obra que transmita super directo ese mensaje, pero tenga un juego más.

Tuve la posibilidad de exponer en Nueva York y fue elegido el smile que tenía que ver con la diversidad y era un mensaje global.

A partir de ahí, nació emoji-on, un emoji que avanza, también un juego de palabras con emoción. Empecé a hacer una serie donde el primer mensaje era el smile y a partir de ahí surgieron otros diseños que tienen que ver con ese juego. Por ejemplo: dos personas uniéndose y en las manos está el smile, tratar de jugar que lo que veas primero sea el smile y luego un juego de fondo. Siguiendo con el estilo y las líneas. La idea es el impacto.

¿En qué consiste? ¿Hay alguna forma de involucrarse?

Lo hice para Nueva York, para Tokio, las Cataratas del Iguazú, implica ciudades porque también me gusta esa parte. Hacía un montón que no hacía nada acá en Mar del Plata, pero el símbolo es mucho más profundo.

Cuando pasó lo de Nueva York, al salir en distintos medios se empezó a ver en las notas que se refería a mí como “el marplatense” y me puse a pensar qué es ser marplatense, porque no lo sé. Está bueno no saber y a partir de ahí, pensé generar algo para Mar del Plata: un símbolo desde otra mirada, una no tan interna. Siempre uno está escuchando y no me convence la campana negativa, siempre trato de ver otro lugar. Busco un proyecto que pueda aportar.

Primero y principal pensé en una organización, el trasfondo del símbolo, viene con una organización atrás.

Sentía que un símbolo era el puntapié para mostrarse de una manera, mi idea que el símbolo sea un reflejo de lo que somos.

-¿Cómo encaraste el proyecto para la ciudad?

Me puse a averiguar por qué “la Feliz” y no coincide más que dos meses al año.

Encarar desde un proyecto de sentimiento familiar, de decir “vengo a Mar del Plata porque me gusta”, hoy disfruto de otras cosas y al tener otras posibilidades decidí encarar este proyecto y ver en qué se transforma.

No tengo claro todavía porque tiene que ser orgánico, tiene que estar y el que vea otra cosa o necesite mostrar otra cosa, creo que va a empezar a funcionar. El símbolo trata de ser un espejo de nosotros mismos.

Una sinergia y un contagio total. Es un símbolo, que es una obra, que viene de una serie, pero también es algo que abarca muchas facetas, obra, escultura. Me gusta buscar caminos nuevos para expandir una obra.

-¿Cómo definirías esa obra en tres características?

-Natural, cálido, amable. Me parece que puede ser algo que te guíe, me interesa contagiar algo. El proyecto es medio crítico, tiene esa situación de somos felices o no somos felices.

Es la propuesta que tengo y me gustaría que esté en todos lados. Es tan visual que puede estar en cualquier lado. Trato de ser sincero en lo que deseo. Hoy tengo una mirada más global pero mi sentimiento es local. Que el símbolo sea una guía, un emoji, se puede trasladar a cualquier objeto. Le veo proyección. Es una obra

“Soy una persona de acción y reacción: mi búsqueda es generar situaciones”

Picasso, el “Don Juan de la pintura”: un conquistador serial en Buenos Aires

20 marzo, 202320 marzo, 2023 infoarte

Fuente: La Nación ~ Eso afirmaba el poeta Oliverio Girondo en el catálogo de una muestra exhibida en 1936 en el Museo Nacional de Bellas Artes; fue una de las escasas apariciones porteñas del prolífico legado del artista malagueño.

“Podría afirmarse que Picasso es una especie de Don Juan de la pintura, a quien no le interesa poseerla en éste o en aquel aspecto, sino violarla en todas sus manifestaciones, en todas sus posibilidades, para enriquecerse, cada vez, con una nueva conquista y un nuevo desengaño”.

Quien escribió estas palabras fue nada menos que el poeta Oliverio Girondo, en el catálogo de una muestra exhibida en 1936 en el Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA). Se presentaba allí la colección de arte traída desde París por el ruralista santafesino Rafael Crespo; incluía Au Moulin Rouge (1900), un pastel del maestro malagueño que más tarde sumaría a su fama como pintor la de maltratar a las mujeres. Aunque esa es otra historia.

Picasso sumó a su fama como pintor la de maltratar a las mujeresMichel MAKO – Gamma-Rapho

Fue una de las escasas apariciones porteñas de su prolífico legado, según afirma el historiador Marcelo Pacheco en otro catálogo: el de la exposición de dibujos que alojó ocho décadas después el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Ahora, a medio siglo de la muerte de uno de los artistas más famosos de la historia, resulta oportuno volver sobre las investigaciones de este experto para rastrear sus huellas en la Argentina.

Retrato de Françoise (1947), una de las obras de Picasso que se exhibieron en el Moderno en 2016Archivo

Una es la pintura Mujer acostada (1931), donada por la familia Di Tella -junto con una acuarela del mismo autor- al Bellas Artes. A ese acervo público estaba previsto que se destinara también una obra que iba a ser adquirida en 1934, cuando se realizó en Galería Müller la primera gran muestra de Picasso en América Latina. Cuenta la “leyenda urbana”, según Pacheco, que el general Agustín P. Justo reservó el Conductor de caballo (1905), hoy en la colección del MoMA. Pero mientras avanzaba en el recorrido cronológico, preguntó quién era el autor de esas obras posteriores y se arrepintió por considerarlo una “mente enfermiza”.

Pablo Picasso y Francoise Gillot, una de sus mujeresLipnitzki – Roger Viollet

Aunque entonces se vendió una sola obra, algunas llegarían por diversos caminos a hogares codiciados como los de Victoria Ocampoy Antonio Santamarina. En 1939, el MNBA sumó otro hito “picassiano”: la exhibición de un telón pintado por el artista y ayudantes para la escenografía del ballet Parade (c. 1917), en una muestra organizada por el Louvre.

"Aquí murió Picasso", obra de Eugenio Merino exhibida por la Galería ADN en la reciente edición de ARCO, a casi medio de la muerte del artista malagueño — «Aquí murió Picasso», obra de Eugenio Merino exhibida por la Galería ADN en la reciente edición de ARCO, a casi medio de la muerte del artista malagueño Juan Carlos Hidalgo – EFE

“El telón de Picasso fue adquirido por el excéntrico Arturo Jacinto Álvarez -escribe Pacheco-, no realmente coleccionista sino consumidor ‘vistoso’. Según sus propios recuerdos, conservó el telón en su estancia y lo contemplaba una vez cada quince días, tomando el té, sentado dentro de la obra desplegada sobre el pasto del parque que rodeaba el casco rural”.

Quién es el artista vivo más caro del mundo

20 marzo, 202320 marzo, 2023 infoarte

Fuente: Memo – Jeff Koons es quien vendió la obra más cara en 91 millones de dólares, desbancando a David Hockney, cuyo histórico cuadro fue vendido en 90 millones.

Un norteamericano se convirtió en el artista plástico vivo más caro del mundo, tras vender una obra por 91 millones de dólares.

Se trata de Jeff Koons quien con una escultura de un conejo logró posicionarse en el top del ranking de los artistas más valorados en la actualidad.

De esta manera, le quitó el primer puesto a David Hockney, quien había vendido su histórico cuadro «Retrato de un artista» en 90 millones.

La Casa Rosada anunció que las escuelas tendrán una hora más de clases por día

Rabbit (1986), un conejo de acero inoxidable, fue subastada en Christie’s batiendo un nuevo récord de ventas. En 2013 el polémico Koons había superado el techo de los cincuenta millones de dólares con otra de sus icónicas esculturas, Dog Balloon Orange (1994-2000).

Koons fue corredor de bolsa en Wall Street, estuvo condenado dos veces por plagio y se casó con la estrella porno Cicciolina.

«Creo absolutamente en la publicidad y en los medios de comunicación. Tanto mi arte como mi vida personal están basados en ello«, se ha jactado en alguna oportunidad.

Otro de sus momentos de fama fue cuando presentó su serie Banalidad, cuyo exponente más célebre fue un Michael Jackson de porcelana blanca y lustre dorado, acompañado de su chimpancé Burbujas.

7 recomendados de arte y cultura para esta semana

17 marzo, 202317 marzo, 2023 infoarte

Fuente: La Nación ~ La agenda del jueves 16 al miércoles 22 de marzo en Buenos Aires.

Sun & Sea. Desde hoy hasta el domingo se puede ver en Colón Fábrica (Av. Don Pedro de Mendoza 2163) la instalación-ópera-performance ganadora del León de Oro en la Bienal de Venecia de 2019, donde representó a Lituania. Hay cuatro funciones diarias de una hora, a partir de las 17. Entrada: $3500.
Carrión en Buenos Aires. El escritor y crítico español Jorge Carrión, que fue declarado Huésped de Honor de la ciudad de Buenos Aires por la Legislatura Porteña, presenta su nuevo libro, Los campos electromagnéticos (Caja Negra), con una charla con Jazmín Adler sobre literatura e inteligencia artificial hoy, a las 18.30, en el auditorio del Malba, con entrada libre. Además, mañana a las 19, presentará otro libro reciente, Membrana (publicado por Galaxia Gutenberg), en diálogo con la crítica Graciela Speranza, en Falena, librería a puertas cerradas ubicada en Charlone 201.
Al límite. Así se titula la muestra que inaugura hoy a las 19 con DJ en la Galería Central Newbery (Av. Jorge Newbery 3599), con obras de Manuela Durañona, Silvana Timo y Andrea Varotto. Continúa hasta el 29 de marzo, con entrada gratis y nuevos encuentros musicales el 23 y el 28.
Ensamble Arthaus. Este fin de semana empieza la temporada de conciertos del Ensamble Arthaus de Música Contemporánea, integrado por músicos argentinos del más alto nivel. El sábado a las 20.30 y el domingo a las 18.30, en el auditorio del centro cultural Arthaus (Bartolomé Mitre 434), la agrupación interpretará La comunidad de soñantes, concierto integrado por cuatro obras, dos de ellas estreno en Argentina, acompañado por un filme con los músicos como protagonistas.
Distrito de las Artes. El sábado, de 15 a 19, se inaugurará la muestra América, de Adriana Bustos, en el museo Marco (Av. Almirante Brown 1031). A las 17 se anunciarán los ganadores del premio Fundación Andreani (Av. Pedro de Mendoza 1981), y se presentarán las obras seleccionadas. Una buena oportunidad para acercarse también a Fundación Santander, donde hoy a las 17 abrirá al público Pardes. El jardín del tiempo suspendido, un proyecto de sitio específico de Nicola Costantino.
María Fernanda Ampuero. La escritora ecuatoriana cierra su ciclo de presentaciones en Buenos Aires con una charla junto a Mariana Enriquez y Gabriela Cabezón Cámara el miércoles 22, a las 18.30, en Libros del Pasaje (Thames 1762).
Dos muestras en Malba. Con una conferencia del escritor Martín Kohan, la programación 2023 del museo comenzará el miércoles próximo, a las 18. A las 19, se inaugurarán Del cielo a casa. Conexiones e intermitencias en la cultura material argentina -compuesta por más de 600 piezas, entre objetos, obras de arte y documentos, vinculadas con la vida cotidiana argentina- y Vía pública, de Marcela Sinclair. Ambas continúan hasta el 12 de junio en Av. Figueroa Alcorta 3415. De jueves a lunes de 12 a 20; miércoles de 11 a 20. Entrada general: $1100; estudiantes, docentes y jubilados: $550.

Comprar arte de cordobeses a precios accesibles: la propuesta de Arte Córdoba

17 marzo, 202317 marzo, 2023 infoarte

Fuente: La Voz ~ Lo que empezó como un Instagram para difundir artistas locales, inauguró ahora algo más ambicioso: un espacio para poner en contacto obras de artistas locales y público interesado.

Hay para todos los públicos. Hay ilustraciones, pinturas, esculturas. Precios considerables hasta otros más accesibles como, por ejemplo, cuadros a partir de $ 4.000. Y todo de artistas cordobeses. Así es el novedoso y ambicioso lanzamiento del equipo de Arte Córdoba (@artecordoba en Instagram).

Así, en la búsqueda de piezas artísticas para decorar un espacio, por ejemplo, uno puede superar la opción de ir “solamente a una casa de deco” y puede acceder a una página que reúne arte de diversas ramas, de diferentes artistas locales, y con obras y precios para todos los gustos.

Nico Riofrio, curador del proyecto (y uno de los dos responsables junto con la publicista Natalia Brondello), le contó a VOS cómo nació esta iniciativa y cuál es la propuesta.

Nicolás y Natalia, creadores de Arte Córdoba. (Gentileza Arte Córdoba)

Primero, conviene empezar por los orígenes de Arte Córdoba antes de esta nueva página de e-commerce. Comenzó como una cuenta de Instagram en 2019 y hoy tiene una firme comunidad de más de 12 mil seguidores. “La motivación principal y el motor hasta hoy son crear comunidad”, expresa Riofrio.

Todo comenzó por sus propias experiencias como artista: “Me habían invitado a Buenos Aires a ferias y notaba que tenía más acceso a esos eventos allá que acá. Me parecía extraño. Vengo del palo del diseño gráfico, pero igual, me di cuenta de que conocía a muy pocos artistas acá y estaba armando más círculo allá. Noté que allá están superorganizados, en contacto todo el tiempo, formaban grupos para salir a pintar en los barrios, invitaban a artistas como yo a exponer. Me sentí muy a gusto con todo eso”.

“Quería generar que entre artistas nos conociéramos y con el público también, que aficionados al arte que también pudieran conocer qué hay en su propia ciudad y que, por ejemplo, si quieren comprar un cuadro para su casa, no vayan a una casa ‘de deco’ solamente, sino que puedan adquirir una obra única de un artista local”, completa.

¿Era entonces una necesidad clara, desde el principio, comercializar obras? Los artistas también necesitan vivir, pero la respuesta no es tan simple: “Estaba la necesidad de generar el contacto del público con los artistas, que los conocieran y después que si te gusta algo, le puedas escribir. Nuestras publicaciones en el Instagram son gratuitas y si bien el objetivo principal no era que pudieran vender, era parte de lo que nos imaginábamos”.

Arte Córdoba, difusores de arte local

Así, Riofrio empezó a hacer un trabajo de hormiga, persona a persona, que hoy no tiene límites: “Conocía a varios, tengo amigos y amigas artistas, y se fue generando una red. Les ofrecía publicarlos, me decían que sí porque no eso tiene ningún interés comercial por detrás, y se fue compartiendo, me recomendaban a alguien más u otros me escribían. Fue un trabajo que se fue dando orgánicamente. Se armó una lista que hasta el día de hoy no tiene fin. Se van sumando, si bien yo hago una curaduría”.

–¿Cuál es ese criterio curatorial?

–En cuanto a la localización, fui ampliando, quería trascender el “dónde naciste”. Que sean de acá o tengan algún vínculo. Por ejemplo, muchos no son de acá, pero han estudiado o viven acá desde hace mucho tiempo. Por otro lado, en cuanto a lo estético, busco ser amplio y diverso. Lo principal es que se note un trabajo constante y profesional de su obra. Tiene prioridad el artista que está intentando vivir de eso o que le da mucha importancia en su día a día. Como yo no vengo de la formación artística clásica, intenté que Arte Cba reflejara eso. Hay arquitectos, fotógrafos, tatuadores, ser artista es más que estudiar arte.

–¿La pandemia fue una oportunidad para crecer?

–La pandemia fue una oportunidad para dar a conocer más el proyecto. Yo no tenía mucho tiempo, así que lo venía llevando muy tranqui. En esa época me mermó muchísimo el trabajo como diseñador gráfico y tuve más horas ociosas que dediqué a este proyecto, además de como artista dedicar más tiempo a mi obra, yo trabajo con collage analógico. Ni hablar de que la gente estaba todo el día con el celu en la mano, fue un boom.

–Y después vinieron las muestras y las ferias.

–Cuando hubo un poco de apertura, hicimos una pequeña primera feria con todos los protocolos. Fue muy sorprendente confirmar todo lo que venía siendo el proyecto, hasta el momento no nos conocíamos las caras. Pero se sumaron un montón de artistas y explotó de asistentes porque la gente tenía mucha necesidad de salir y compró un montón porque no gastaba en otras cosas, como salir a tomar algo.

Una de las ferias que organizaron. (Gentileza Arte Córdoba)

Mucho más que una vidriera

A partir de ahí, nacieron las iniciativas solidarias: “Ahí ya les pedí a los artistas si podían dejar alguna obra para reunir fondos para una acción solidaria. Pero fue al tiempo, en un nuevo período de aislamiento en el que nos organizamos por WhatsApp, se sumaron un montón con obras y armamos una rifa, todo de forma online. Uno de los artistas en nuestro grupo de Whatsapp, Chuave (@chuavevo), trabaja en el Comedor Los Bajitos y, en la búsqueda por causas, nos contó que ahí necesitaban un freezer. Nos levantaron un montón de medios, una señora nos regaló el freezer, y los $ 90 mil que recaudamos (la meta era $ 60 mil) se destinaron a obras que necesitaban”.

Hoy, Riofrio señala que Arte Córdoba tiene “tres patas”: “Una es la difusión gratuita de artistas por Instagram. La otra es la pata solidaria que busca que los artistas con su arte y su mensaje se comprometan social y políticamente con lo que pasa. La tercer pata tiene fines de lucro, por así decirlo, que hasta ahora han sido las ferias. Han sido cuatro y se viene una quinta. Ahí el artista paga por su stand, un formato clásico de feria. Ahora se suma a eso la página de e-commerce”.

La llegada de artecba.com

Finalmente, el 6 de marzo lograron materializar la página en la que los artistas comercializan sus obras.

–¿Cómo y cuándo nace la idea de la página de e-commerce?

–Siempre fue una idea. Arte Córdoba también tiene como objetivo, por su costado social y por estar más del lado del artista que del empresario, ayudar al artista a que pueda vender su trabajo. Surgió también durante la pandemia, vimos que el e-commerce explotó en ese momento.

–¿Cómo funciona para ustedes y los artistas?

–El formato clásico en el arte es ‘yo vendo una obra, vos me pagás una comisión’, ya sea del 30, 40 o 50%, y yo tenía claro que no quería cobrar comisión. Llevó mucho tiempo entender cómo lograr eso para seguir siendo fieles al proyecto. Resolvimos armar una web en la que el artista pagara una suscripción mensual baja, más o menos lo que le costaría armar su propia página. Le queda todo al artista, no nos deja nada de comisión, ya sea que venda una o 10 obras al mes. Esto también es un formato de negocio que se usa y está bueno: vos te suscribís a un montón de cosas. A la persona que creó el proyecto quizás le hace falta un cierto número de artistas, pero se crea comunidad.

Una de las muestras que organizaron. (Gentileza Arte Córdoba)

–¿Cuándo empezaron a trabajar en esto?

–Empezamos a trabajar en 2021. Nos llevó todo el año pasado pulir y testear la página. Es un sistema complejo en el que cada artista tiene un usuario y contraseña, como en Mercado Libre. Y cuando se realiza una compra, la plata llega directamente al artista. Todo eso tiene su complejidad.

Así, Arte Córdoba sigue creciendo. Mientras su e-commerce se desarrolla, el equipo asegura que planea continuar con las ferias (pronto informarán sobre la quinta, que ya planifican), muestras e iniciativas solidarias. Una gran noticia para el arte cordobés.