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El sur porteño y su prodigio de arte actual

24 marzo, 202524 marzo, 2025 infoarte

Fuente: Clarín – Una de las novedades destacadas de 2024 fue la configuración de una nueva cartografía del arte contemporáneo en Buenos Aires a partir del desplazamiento hacia los barrios de San Telmo, La Boca y Barracas de una serie de galerías y espacios de arte. La tendencia venía desde 2018, pero se hizo particularmente notable en San Telmo en los dos últimos años. Cerca de allí, en Barracas, la consolidación de la galería Barro, que tuvo un fin de año a puro oro, y de la excepcional Fundación Larivière, abocada a la fotografía latinoamericana, parecen haber traccionado con eficacia a los galeristas que dudaran.

En una zona delimitada por las calles, Defensa, Bolívar y Perú, entre las avenidas Belgrano y San Juan, se instalaron las galerías Piedras, Cott, Moria y la ex Walden (hoy W). Las dos primeras venían de distintas zonas de Palermo, mientras que Piedras, que había nacido en Piedras y Alsina, obtuvo una gran visibilidad en el barrio de Once. Sin embargo, en 2023 sus directores, Rafael Beltrán y Santiago Gasquet, tomaron la decisión de mudarse al amplio espacio que hoy ocupa la galería en Perú 1065. Ese mismo año la galería W abrió un impactante espacio en Defensa 1369 y, al mismo tiempo, conservó el local que tenía en Retiro y que históricamente había alojado el mítico Centro de Arte y Comunicación (CAyC) en Viamonte 452. Consecuente con este rescate de espacios de alta significación, su director, Ricardo Ocampo, abrió su nueva galería de la calle Defensa en el mismo edificio que por años albergó la prestigiosa Colección Helft.Galería Nora Fisch. Tres plantas en Av. San Juan y Chacabuco, San Telmo.

En el circuito de los museos

Oportuna en los desplazamientos del norte al sur fue la galerista Nora Fisch, quien comenzó su actividad en 2010 con un pequeño proyecto alternativo en un espacio de la calle Güemes. En septiembre de 2022 emprendió rumbo al sur dejando atrás el espacio en la avenida Córdoba, en Villa Crespo, que ocupó desde 2014. Con la llegada a San Telmo, NF y su coequiper, Ariel Authier, pudieron adueñarse de la totalidad de un imponente edificio en la esquina de San Juan y Chacabuco: 1000 metros cuadrados distribuidos entre un subsuelo, planta baja, segunda planta y una terraza que utilizan para eventos. “Fue una oportunidad pospandémica”, dice Nora Fisch, quien recuerda las premisas de sus sucesivas mudanzas. “Nos orientamos hacia barrios que tienen ante todo ‘onda’ a nivel arquitectónico, gastronómico; de fácil acceso y con un nivel de seguridad bueno; que no estén excesivamente gentrificados y, por ende, demasiado caros para poder acceder al espacio amplio que requiere una galería contemporánea”.

Aunque mantener algo de estas características implica un considerable esfuerzo de inversión y de gestión, el hecho de estar a pocas cuadras del Museo Moderno (Av. San Juan 350), el Macba (Av. San Juan 328) y en la ruta de acceso al Museo Marco, la Fundación Proa y Andreani, le ha compensado con visibilidad.Sala de la galería W, durante la antológica de Marcia Schvartz.

No muy lejos de Nora Fisch se encuentra la galería Pasto. Conducida por César Abelenda, esta galería pasó de Palermo, frente al Museo de Arte Decorativo, a un espacio en Paseo Colón y Brasil, en diagonal al Parque Lezama. Luego al local que actualmente ocupa en Chacabuco al 800, frente al Casal de Catalunya. Tanto en el local de Palermo, como en el de Paseo Colón, exhibieron de manera temprana a artistas hoy consagradas, como la Chola Poblete y Laura Ojeda Bär.

La ampliación de espacios fue el gran motor de las principales mudanzas. Muchas de ellas venían de casonas antiguas o locales más reducidos a los que debían adaptar sus muestras y acotar las audacias espaciales y proyectuales propias del arte contemporáneo.

Tal es el caso de Piedras. El cambio le abrió la posibilidad de concebir proyectos de manera mucho más ambiciosa. “Así, cada exhibición –reflexiona Santiago Gasquet– termina siendo muy importante para los artistas y para nosotros”. Y agrega: “En nuestro caso nos permitió habilitar una amplia gama de espacios: una sala más grande, una más pequeña, otro espacio para video. No solo propusimos un desafío para los artistas, sino también para nuestro proyecto. Sabíamos que el cambio nos traería importantes beneficios”.Juliana Iriart en la nueva sede de la galería Moria.

Moria es otra de las galerías que llegó a la zona en el año que acaba de terminar. Justo al cumplir siete años de existencia, la galería que dirige Lucia Evangelista se mudó de Villa Crespo a un amplio segundo piso en el Edificio Bruno, de Bolívar 430. Inauguró en junio pasado tres salas. En dos de ellas exhibió una individual de Juliana Iriart. La tercera funciona como depósito y exposición de la colección que le acercó Martín Nucillo.

Formada en los últimos diez años entre Nueva York y Buenos Aires, esta colección integra a artistas argentinos y contemporáneos de Estados Unidos con especial acento en cuestiones de género, identidad y consumismo. En ella conviven reconocidas figuras como Nan Goldin, Deborah Kass, Liliana Porter, Laurie Simmons y Tracey Emin, junto a un nutrido grupo argentinos de pintores, videastas y fotógrafos que practican una o todas esas disciplinas. Luis Centurión, Marcelo Alzetta, Alessandra Sanguinetti, Mónica Heller, Tomás Espina, Marina de Caro, Cotelito, Celina Eceiza y Alfredo Dufour, entre otros. Celina Eceiza, quien, junto Laura Ojeda Bär, Juliana Iriart, Cotelito y Mai Murad, integra el staff de artistas de la galería, tiene justo ahora una importante muestra en el Museo de Arte Moderno que ocupa varias salas. Dato significativo para la proyección institucional de la joven galería.Cott Gallery. Artistas de mediana trayectoria se congregan en su staff.

Cott, otra de las jóvenes galerías que se incorporaron recientemente a este circuito, no se priva de exhibir también sus logros. Dos de las artistas que representa, Florencia Levy y Lucía Gradín, fueron convocadas a participar de la 15 Bienal de Gwangju en Corea del Sur (Levy) y de la Bienal de la Habana (Gradín). Verónica Gómez, cuya última exhibición inauguró la nueva sede de la galería, acaba de ganar una residencia en China. Gabriel Cott fundó su galería en Palermo en 2019. La mudanza a la calle Perú 973, en agosto último, provocó mucha expectativa en el medio. Como en los casos anteriores, el nuevo espacio de 200 metros cuadrados, con una planta principal a la calle y un subsuelo, significó un importante desafío.

El proyecto de San Telmo de Cott sobrevino después de una primera presentación exitosa en arteba. Ahora el éxito de esta nueva experiencia lo anima a lanzarse a ferias internacionales en un futuro próximo. “Queremos tener presencia internacional, pero también fortalecer el vínculo local con coleccionistas y públicos jóvenes”, dice Cott en un desborde de entusiasmo.El jardín y espacio de exposición al aire libre de W. Dirigida por Ricardo Ocampo, ocupa el edificio de la Colección Helft.

Quien ha trabajado sagazmente en ese sentido es Ricardo Ocampo, de W, que cuenta en su staff con figuras rutilantes de la escena latinoamericana y local. Entre ellas, Luis Fernando Benedit, Oscar Bony, Graciela Gutiérrez Marx, Elba Bairon, Magdalena Jitrik, José Luis Landet, Magali Lara, Ana López, Rodolfo Marqués, Juan Carlos Romero, Cristina Schiavi, Ulises Carrión y Feliciano Centurión. Varias salas enormes y un amplio jardín de esculturas le han otorgado una impronta que nada tiene que envidiar a espacios en San Pablo, México o Madrid.

Si bien la primera experiencia de Ocampo en estas lides fue con Document Art, en Villa Crespo, una original experiencia que mantuvo entre 2009 y 2015, su presencia en la zona sur, tiene el antecedente de Walden Gallery. Esta galería funcionó en Almirante Brown al 800, en La Boca, a unos pasos del actual Museo Marco.

El corazón más al sur

Un tanto dispersos por distintas áreas, se encuentran los espacios de La Boca y Barracas. El más próximo a los anteriores es Linse, instalado en octubre pasado en Bolívar 1753, a una cuadra del Parque Lezama y el polo gastronómico de la avenida Caseros. El proyecto fue armado por Lincoln Brown y Sebastián Vidal Mackinson, joven profesional que exhibe una importante trayectoria como curador independiente. La filosofía que enuncia Vidal Mackinson apunta a “articular una sensibilidad y un pensamiento colectivo que sintonice con el lugar y el momento que habitamos, desde un espacio que trabaje codo a codo con los artistas”. La elección del lugar responde claramente a haber detectado la dinámica vibrante que se viene gestando en la zona.Barrakesh. Exposiciones y eventos en este espacio de Barracas. Tendrá sede en el centro porteño.

Bien distante de allí, Barrakesh es un original emprendimiento en California 1672, a pasos de la Av. Montes de Oca. Animado por cuatro figuras vinculadas al metier desde distintas disciplinas: Javier Pita es director de arte; Dafne Cejas, historiadora del arte y curadora; Carlos Carabia, médico y DJ aficionado al arte; y Sara Stewart Brown, artista y productora. Ellos sostienen todo esto con sus propios ingresos.

Desde una amplia casona tradicional con un gran patio interior y varias salas a su alrededor, Barrakesh se define como espacio cultural autogestionado. “Nuestros pilares fundamentales son incentivar el coleccionismo joven acercando nuevos públicos, desarrollar un vínculo estrecho con el barrio a fin de generar comunidad, y apoyar plataformas o proyectos que no dispongan de un lugar físico para materializar su ejecución”, explica la bellísima Dafne Cejas, la cara más visible de Barrakesh, conocida además por su profesión de modelo internacional.La expo de Gala Berger en Nora Fisch.

La dispersión que aún afecta a las galerías de La Boca fue mitigada por la llegada de la Fundación Larivière a la calle Caboto al 500, en 2022. El proyecto focalizado en la fotografía y las ediciones fotográficas fue armado por Jean Louis y Felisa Larivière, entre los más importantes coleccionistas de foto latinoamericana del mundo. Su rutilante sala reforzó el interés en un territorio que hasta entonces ocupaba Barro en soledad, próxima a la Usina del Arte.

Barro hizo punta en esta zona en una gran apuesta de su director, Nahuel Ortiz Vidal, que le permitió mostrar obra en diferentes formatos y escalas en los 400 metros cuadrados de exhibición de que dispone. Allí han lucido con holgura grandes proyectos de Diego Bianchi, Matías Duville, Mondongo, Martín Legon y Gabriel Chaile, entre otros. De todas las galerías mencionadas, esta es la que ha alcanzado mayor poyección internacional con presencia en numerosas ferias internacionales: Art Basel Miami Beach, Art Basel Suiza, Art Dubai, Contemporary Istanbul, The Armory Show en Nueva York, ARCO madrid, artBO en Bogotá y desde ya arteba. Pero también haciéndose cargo de la representación de artistas que recientemente alcanzaron renombre internacional en las bienales, como Gabriel Chaile y La Chola Poblete.Nahuel Ortiz Vidal, director de la galería Barro. (Archivo Clarín)

No muy lejos de allí, en Ministro Brin 1335, se instaló Ungallery. En 2023 su directora, Paola Iorio, se aventuró a cambiar su coqueto espacio de la calle Arroyo por otro infinitamente más grande en este territorio que ella se encargó de posicionar. Inauguró con una gran muestra de Jorge Miño y desde entonces con una serie de exhibiciones de Inés Raiteri, Silvana Muscio, Tatiana Parcero y Amalia Amoedo le ha asegurado una importante convocatoria que ha desdeñado prejuicios.

Con todo, el verdadero pionero de la avanzada en La Boca fue Alberto Sendrós, el primero en dejar el espacio que tenía en Retiro para mudarse al sur. En 2014 armó PrismaKH en un galpón remodelado de la calle Wenceslao Villafañe, muy cerca de donde se encuentra actualmente la galería que lleva su apellido en un interesante edificio que también aloja talleres de artistas. Alberto Sendrós es un artista de ojo entrenado; su espacio es un imperdible donde se puede ver obra de Irina Kirchuk, Andrés Aizicovich y Andrés Piña, entre otros destacados de la escena contemporánea.

Un poco más aislada, pero inserta en medio del bullicio de Caminito y en directa vecindad con importantes instituciones como la Fundación Proa, Andreani y PROA 21 se encuentra Constitución, la interesante galería que dirigen los artistas Alberto Romero y Martín Fernández. En la hermosa casona que habitan en Del Valle Iberlucea 1140 –que pertenece a la actriz Verónica Llinás–, organizaron espacios de exhibición y trastienda para los artistas que representan: Alberto Passolini, Alfredo Dufour, Carlos Cima, Josefina Alen, Catalina Oz,y ellos mismos.

Muchos de los proyectos de este territorio han concebido también sus espacios como ámbitos para residencias o talleres de artistas. Ese es el perfil de El Mirador, en Brasil y Balcarce, frente al Parque Lezama, y el rumbo que asumió recientemente MUNAR, el espacio experimental de La Boca que dirigen Diego y Florencia Benzacar, y que dio vida a la ribera con sus numerosas muestras en los últimos años.

A 13 de haberse sancionado la ley de la Ciudad que auspició la creación, promoción y acompañamiento del Distrito de las Artes en esta parte de la ciudad, podría decirse que ya ha tomado una interesante forma que articula museos, galerías, residencias y talleres de artistas. Imposible negar el acompañamiento de las administraciones de turno que mejoraron sensiblemente la zona en términos urbanos. Así, de ahora en más, ningún interesado en medir el pulso del arte contemporáneo porteños podrá prescindir de estos circuitos.

Las pinturas de Gaby Grobo, una vibrante conexión con la tierra

24 marzo, 202524 marzo, 2025 infoarte

Fuente: Clarín – El universo de Gaby Grobo se despliega en dos exposiciones simultáneas curadas por Fernando Farina en Buenos Aires, que conectan arte y memoria, a través de la naturaleza. Desde lo profundo se despliega en una de las nuevas salas que el Centro Cultural Recoleta inauguró para las artes visuales, con un impactante mural inmersivo; mientras que en la galería Rubbers, un conjunto de obras de técnica mixta en distintos formatos revela su propio «expresionismo abstracto» en una monocromía de blancos, ocres y tierras.

En su obra la artista emprende un viaje interior hacia los anclajes de la tierra, como una forma de diálogo con su propio origen. Esta propuesta es una invitación a sumergirse en la materia densa de esa tierra, esencia misma de lo vivido. Al entrar en la sala, en Desde lo profundo el espectador es rodeado por un mural que se extiende por todo el espacio. La obra pictórica matérica actúa como un contenedor de las texturas del paisaje, como si de la piel de la tierra se tratara. Se extiende en continuado por los muros de la sala, generando una sensación de inmersión total. Las capas de pintura, densas y tangibles, hasta que parecen respirarse, exponen las huellas de la artista como si estuvieran imbuidas de un espíritu. Ante la aparente abstracción total, allí aparecen árboles y horizontes sutiles. La materia se convierte en el vehículo de la experiencia sensorial, transportándonos a un lugar donde lo físico se entrelaza con lo emocional.Las obras de técnica mixta en la galería Rubbers.

“Quería simular algo debajo de la tierra”, cuenta la artista en diálogo con Ñ. “La idea es que la profundidad sea de cualquier lado, no tan solo de la Pampa o del lugar en el que estoy, sino también de quienes se pongan a reflexionar en ese espacio, para que la habiten desde su propia experiencia”.

La propuesta inmersiva de Gaby Grobo es un acto de penetración profunda en los elementos esenciales de la naturaleza, llevándonos a un lugar donde la realidad y la emoción se fusionan. La instalación, como una experiencia multisensorial, habilita sentirse parte del paisaje, del territorio, de la memoria colectiva que Grobo ha logrado captar. Cada capa de pintura parece vibrar con la energía de la tierra y los sonidos naturales nos conectan con un paisaje que va más allá de lo visual: se siente en el cuerpo.En las pinturas abstractas se detectan sutiles figuraciones.

Sonidos de la tierra

Lo que transforma esta obra en una experiencia sensorial es la integración de sonidos naturales que emergen con fuerza desde diferentes rincones de la sala.

“Todo comenzó con el sonido. Empecé pensando que sonidos podrían ser: el viento, la lluvia, pero también podría ser una selva. Muchos de estos audios fueron grabados por mí en distintos lugares del país, aún en la selva misionera. El zumbido del mosquito lo tuvimos que reconstruir y luego todos los sonidos fueron sintetizados a un mismo nivel”, detalla la artista.Turbulencias, de Gaby Grobo.

Ante cada sonido emerge en un paisaje emocional. En su mayoría, estas pistas fueron grabadas en Carlos Casares, provincia de Buenos Aires, la tierra natal de la artista. Así se cuelan por el espacio el crujir de las ramas de los árboles moviéndose con el viento, el trote de los caballos, la lluvia caer, incluso cuando toma la forma de un fuerte temporal. Son voces conocidas para quienes habitan el campo y también sonidos universales que, escuchados dentro de la sala, tienen la habilidad de conectar con la naturaleza. Las gotas de agua cayendo sobre la tierra añaden una capa más de textura acústica a la obra.

El olfato también participa en la experiencia. El olor de la tierra húmeda crea un vínculo visceral; mezclado con el de la alfalfa y la madera, son un conducto directo hacia la conexión entre la tierra y la memoria que Grobo quiere compartir. La experiencia inmersiva integral es una apelación directa a reflexionar sobre nuestra relación con la naturaleza y la memoria cultural.Gaby Grobo combina pigmentos, tintas y pintura asfáltica, mezclados con elementos de la naturaleza.

La alquimia de la materia

Gaby Grobo concibe la pintura como un vehículo para explorar los sentimientos y recuerdos más íntimos. Capas de materia espesa se superponen en sus lienzos, como si cada trazo, cada marca, fuera un testamento de emociones.

Entre los elementos más atractivos de su trabajo, está el proceso alquímico mediante el que combina pigmentos, tintas y pintura asfáltica, mezclados con elementos de la naturaleza como tierra, paja, raíces o ramas, creando intensas texturas y empastes. Teresa Pereda está entre sus maestros.Gaby Grobo

La tierra representa no solo un paisaje físico; es emocional y existencial. La exploración de la materia podría encontrar ecos en la obra del artista alemán Anselm Kiefer, a quien rinde homenaje en una de las obras exhibidas.

En la serie expuesta en Rubbers, se revela con detalle la conexión de Gaby Grobo con su lugar de origen, Carlos Casares, como parte intrínseca de su identidad como artista. El amor esa tierra es fuente vital de inspiración. Títulos como Voces del suelo, Territorio escondido, Silencio terrenal, Sentimientos de la Tierra o Rutas de identidad, lo confirman.Territorio escondico, de Gaby Grobo

“Gaby es una artista que trabaja desde la impresión del campo, y desde allí nos sumerge en un espacio donde están las raíces de la tierra”, describe en diálogo con Ñ Eduardo Carballido, director de la Galería de Arte de la Embajada Argentina en París, donde la artista se presentó hacia fines de 2024 en una exposición colectiva.

La obra de Gaby Grobo interpela a la mirada y se siente en el cuerpo. Vibra con la densidad de la tierra y el peso de las historias que la habitan. Desde lo profundo es una invitación a hundirnos en nuestra propia geografía emocional, a escuchar las voces del suelo y a reconocernos en esa memoria ancestral que nos une a la tierra.

En tiempos de tanta desconexión, su pintura nos recuerda que somos parte de ella, que en la rugosidad de la materia también late la vida.

Desde lo profundo se puede visitar en el Centro Cultural Recoleta hasta el 30 de marzo; mientras que las obras en Galería Rubbers hasta el 11 de abril.

Esculturas gigantes y arte contemporáneo en el 10° aniversario de Lollapalooza

24 marzo, 202524 marzo, 2025 infoarte

Fuente: Clarín – Las artes visuales se suman a la propuesta del festival de música Lollapalooza Argentina 2025, que en su décima edición toma el Hipódromo de San Isidro hasta mañana, con un potente line-up e instalaciones de esculturas monumentales, como un rubí pop de ocho metros de altura creado por la artista Cynthia Cohen, así como tres «Casitas» intervenidas por artistas contemporáneos, un proyecto resultante de la alianza entre el festival y la feria de arte contemporáneo arteba.Obra de Cynthia Cohen en Lollapalooza. Foto: gentileza.

En el corazón del predio, rodeado de los distintos escenarios, se emplazan las obras de los artistas convocados en esta edición, en una celebración por los 10 años del evento musical, que en ediciones anteriores contó con intervenciones de figuras como Marta Minujín y Edgardo Giménez.

Ocho metros de altura tiene «Rubí», de Cynthia Cohen, una suerte de piedra preciosa monumental, lúdica y de estética pop, surreal y camp, convocada especialmente para la celebración del 10° aniversario de Lollapalooza en Buenos Aires.

«El ‘camp’ es un estilo visual y una sensibilidad que encuentra lo atractivo o divertido en el artificio, la afectación y la exageración, especialmente cuando hay un componente lúdico o irónico», explica la artista. En la cima de este gigantesco rubí se observa una simulación de merengue con cereza, que acentúa el guiño lúdico de la pieza.

Estructura y materiales

La obra destaca por su imponente estructura y la cuidada elección de materiales: una base central de acero con un lastre de 2.000 kilos para garantizar su estabilidad. El recubrimiento del rubí está hecho con placas de aluminio forradas en un vinilo especial de Estados Unidos, que le da un acabado moderno y brillante.

La crema o merengue que se expande sobre el extremo superior de la obra fue realizado en poliuretano y fibra de vidrio, e intervenida con pintura para autos. Finalmente, una tercera capa de glitter aporta un brillo especial, logrando un acabado resplandeciente que busca atraer todas las miradas.

Muy cerca del rubí se encuentra «Dream Palace», una suerte de carpa de feria creada por el estudio de arquitectura y arte RR (Roberto Behar y Rosario Marquardt), concebida como un espacio de encuentro y «felicidad», conceptos motores de sus creaciones para el espacio público.

Este estudio fundado por dos rosarinos con proyección internacional entrelaza en sus trabajos artes visuales, arquitectura, diseño, paisaje y ciudad.

«Entendemos nuestro trabajo como experimentos en el espacio público, modelos de posibilidades que podrían impregnar la construcción de la ciudad de un nuevo significado y emoción», se definen.

Casitas en el campo

Finalmente, como parte de la alianza con arteba, el festival presenta «Las Casitas», como se conoce popularmente a esos espacios donde DJs de la región encienden la pista con sus sets durante los tres días del evento, con géneros que van del house y el techno a influencias de hip hop, jazz funk y folktrónica.

En esta edición, las Casitas transforman el paisaje al adquirir la identidad de tres artistas emergentes, seleccionados en la edición 2024 de la feria arteba. Estas construcciones, coloridas y atractivas, que simulan pequeños hogares, fueron intervenidas por los creadores surgidos de la sección joven de arteba, bautizada Utopía: Ignacio Oliver, Alfredo Dufour y Pablo Peisino.Obra de Pablo Peisino en Lollapalooza. Foto: gentileza.

Vale recordar que en la última edición de la feria, realizada a fines de agosto de 2024, las reconocidas casitas de DJs del Lollapalooza se instalaron en el exterior del predio en Costa Salguero, acompañadas por un área de relax y un line-up imperdible de DJs en vivo.

El artista Pablo Peisino (representado por la galería cordobesa The White Lodge) cuenta detalles de su intervención de estética retro: «La obra que presento forma parte de una serie de cortinas de almacén intervenidas en las que vengo trabajando desde hace un tiempo. Con algo de nostalgia, rescato los diseños de los gráficos en ocho bits de los videojuegos de los años 80 y 90, una generación a la que pertenezco».

Además, su casita incluye en el cielo raso unas telas impresas con dibujos de fuego, rayos y calaveras.

La pieza «Encuentro fortuito», del cordobés Ignacio Oliver -de la galería Luogo, de Rafaela (Santa Fe)- apela a la frescura de los encuentros espontáneos con música de fondo.

En esta pieza, cintas estalladas de color se entrelazan y chocan en sonrisas cómplices, generando una composición original que invita al encuentro de los participantes.

Por su parte, Alfredo Dufour (galería Constitución) presenta «Invernadero», una intervención site-specific para Lollapalooza Argentina 2025, basada en dibujos digitales realizados en Paint y convertidos en grandes stickers aplicados a la cabina acrílica.

El proyecto tiene una naturaleza lúdica, y se vale de la estructura del recinto para desarrollar ilustraciones de motivos florales y vegetales.Feria arteba. Foto: gentileza.

Luego de que el festival de música más importante del país llevara su identidad a la principal feria de arte contemporáneo de Argentina, el año pasado, arteba consolida esta alianza con las intervenciones de tres jóvenes artistas de la escena contemporánea.

Artemisia Gentileschi, una heroína del arte en una época violenta y caótica

24 marzo, 202524 marzo, 2025 infoarte

Fuente: Infobae – El parisino Museo Jacquemart-André reúne unos 40 cuadros y dibujos, a lo largo de ocho salas temáticas de la gran pintora italiana.

Pintora en una época violenta y caótica, la italiana Artemisia Gentileschi (1593 – hacia 1656) fue una maestra del claroscuro que se ganó el aprecio de las cortes europeas, una mujer golpeada por la tragedia y ahora protagonista de su primera retrospectiva en París: el Museo Jacquemart-André acoge unos 40 cuadros y dibujos, a lo largo de ocho salas temáticas.

La vida de Gentileschi está plagada de claroscuros, como su pintura influenciada por el maestro Caravaggio, a quien probablemente conoció en su ciudad natal, Nápoles, en esa época bajo dominio español.

Huérfana de madre cuando era una niña, su padre, el pintor Orazio Lomi Gentileschi, la educa con mano de hierro en su taller, del que apenas la deja salir en su juventud. Casi analfabeta, aprende a pintar prácticamente imitando a su padre, sin asistir a las academias o cenáculos a los que tenían derecho los aprendices varones en la época.

«Susana y los viejos» (Castillo Weissenstein, Pommersfelden, Alemania)

A los 17 años firma su primer cuadro, “Susana y los viejos” (1610). Unos cuantos meses más tarde la viola en el taller su mentor, el pintor y amigo de su padre, Agostino Tassi. El padre de Artemisia lo denuncia. El juicio, cuyas actas quedan para la historia, supone una nueva y terrible humillación para la artista.

Artemisia Gentileschi es torturada para comprobar si dice la verdad. Sus dedos son aplastados. Tassi será finalmente condenado, pero la protección del Papa logra que solo sea condenado al exilio. La leyenda Gentileschi acaba de empezar: se casa, se muda a Florencia, se aleja de su padre y empieza una nueva vida.

Autorretrato tocando un laúd

Una personalidad extremadamente fuerte

“Artemisia, heroína del arte” (hasta el 3 de agosto), busca resituar su lugar en la historia de la pintura europea y también respecto a su padre, que por demasiado tiempo hizo sombra a su hija primogénita.

“Es una mujer de gran carácter, con una personalidad extremadamente fuerte. Una mujer pintora en un medio extremadamente masculino”, declara Pierre Curie, conservador del museo y uno de los curadores de la exposición, junto a Patrizia Cavazzini y Maria Cristina Terzaghi.

Artemisia empieza rápidamente a trabajar para la poderosa familia Medici en Florencia. Pinta retratos y escenas mitológicas y religiosas, y a menudo las mujeres protagonizan sus telas.«Judith decapitando a Holofernes» de Artemisia Gentileschi

Así, su cuadro más famoso, “Judith decapitando a Holofernes”, pintado en la época de su denuncia por violación (1612). Una escena de gran violencia que según algunos expertos, supera a la obra equivalente del maestro Caravaggio.

En la actualidad hay poco más de un centenar de cuadros de Gentileschi identificados, pero “con las investigaciones que se han hecho en los últimos años, no cesan de aparecer otros”, explica Curie. “No es en absoluto una artista menor, es muy conocida” en su época, explica.

Trabaja para el emperador de Alemania, para el rey español Felipe IV y al final de su vida vuelve a reunirse con su padre unos años, en Londres, en la corte real. Tuvo cinco hijos, de los cuales solo una niña sobrevivió.

Vestida de hombre«Retrato de Artemisia como un hombre con bigote», de Leonaert Bramer, ca. 1620 (Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica, Bruselas)

Pero la exposición de París no quiere simplemente emular la fascinación que Gentileschi ha provocado durante generaciones entre estudiosas del arte y feministas.

La complejidad de su recorrido se demuestra con una serie de dibujos realizados por amigos pintores en Roma. Uno de ellos, Leonaert Bramer, la retrata vestida de hombre, con sombrero y bigote, “una alusión evidente al estatuto fuera de toda norma de la joven”, que posa sonriendo.

Artemisia se retrata también a sí misma, con un laúd en la mano (1614). Aprendió música, incluso compuso poemas. También se retrata como una bella “Alegoría de la inclinación” (hacia 1615-1616), recientemente descubierta, en la que aparece casi desnuda.«Venus y Cupido» de Artemisia Gentileschi

Hasta el final de su vida (probablemente murió hacia 1656 en Nápoles, a causa de la peste), Artemisia Gentileschi no dejará de alternar entre esos momentos dulces y los más sombríos.

Como el impactante “Yael y Sísara” (1620), en donde la heroína del libro bíblico de los Jueces se dispone a clavarle una estaca de metal en la sien al general cananeo, mientras éste duerme.

El pintor angélico

24 marzo, 202524 marzo, 2025 infoarte

Fuente: Perfil – La galería Calvaresi presenta la muestra de Luis Centurión, “Y de hay”, primera exhibición individual del artista nacido en Concepción del Uruguay. Se expondrán veinticuatro óleos de distintos períodos que van de la década del ‘50 a principios del ‘80. Curada por Santiago Villanueva, la muestra se desprende de un trabajo de investigación, restauración y puesta en valor que la galería inició en 2019.

Claudio Iglesias refuerza el cierre de La pintura ingenua de Manuel Mujica Láinez, un texto que había salido de fascículos en 1966 y fue publicado como libro en 2018 por la editorial rosarina Iván Rosado, con un epílogo donde escribe: “¿Quién sabe si, para terminar, la cuestión del arte ingenuo y su definición no debe quedar abierta, irresuelta? Me animaría a dar una única caracterización. O más bien un diagnóstico: es increíble la cantidad de violencia que una obra de arte sufre a lo largo de su vida. El arte ingenuo trata a la idea de la obra de arte sin violencia, exige para la obra un trato no violento, cariñoso, sentimental, protector”.

El autor de Bomarzo, viajero y reconocido crítico de arte, fue el que escribió los catálogos de la galería que abrió en 1963 en un departamento en la ciudad de Buenos Aires, de la que Leonor Vassena, Nini Gómez Errázuriz de Paz y Niní Rivero fueron las directoras. El espacio de arte se llamaba El Taller y se dedicó, sobre todo, a exponer y promocionar una tendencia que se llamó “arte ingenuo”. Con estos breves y deliciosos textos, la editorial Viscontea hizo un diccionario que tenía a modo de prólogo el mencionado ensayo de Mujica Láinez. La lista es múltiple y sorprendente, aún para esos años: Susana Aguirre, Adelia Borda Bortagaray, Caruso, Luis Centurión, Casimiro Domingo, Juan Eichler, Estanislao Guzmán Loza, Cristina Hopffer, María Eugenia Iriarte de Allende, Valerio Ledesma, José Luis Menghi, Nicolás Olivari, Adolfo Ollavaca, Dignora Pastorello, Ileana Rabín, Carlota Reyna, Orlando Ruffinengo, María Laura y Augusto Schiavoni, Ana W. de Sokol, Alfredo Spampinatto y José Torre Zapico.

El pintor Luis Centurión aparece en el universo de este tipo de pintura, aunque no sea su única filiación, o quizá nunca se había sentido demasiado cómodo con algún tipo de etiqueta. Esto se refuerza en el texto de Santiago Villanueva, curador de la muestra Y de hay, en la galería Calvaresi: Luis Centurión fue el borde de más de una generación. A pesar de su tendencia a la grupalidad, el movimiento y el pensamiento sobre lo propio siempre pareció no integrarse del todo “al algo” de cada momento. Por eso la figura del solitario que muchos aplican a su obra, no alcanza. Eso mencionaba Julián Borobio Mathus en 1977 cuando pensaba a Centurión como el gran solitario de la pintura nacional. También decía que “El testimonio del contorno constituye –en todo sistema cultural– la vena más rica, más intensa y más legítima de su propia individualidad”. Conviene fijarse en el impulso a estar rodeado que Centurión marcó en grupos muy diferentes, algunos más difuminados que otros: Escuela de Altamira, Grupo de los XX, Café Rubí, o a participar en revistas como en Sed, Contrapunto, Correo Literario, La Actualidad en el Arte, entre otras”.

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Esa impronta que se destaca sobre la idea de “grupalidad” externa, o dicho en palabras de Guillermo Cabrera Infante eso de “inclúyanme afuera”, excede a las artes visuales. El artista entrerriano que había nacido en 1922 y murió en 1985 aparece mencionado en el prólogo a la edición de Ferdydurke de Witold Gombrowicz, publicada en 1947 por Argos, exactamente diez años después de su primera aparición en polaco, lengua del original. En ese prólogo, el escritor que había llegado a la Argentina de manera premeditada, un viaje con una comitiva de artistas eslavos, pero que se transformó en una estancia obligada, el estallido de la Segunda Guerra y delirante de 24 años sin poder volver, escribió: “Bajo la presidencia de Virgilio Piñera, distinguido representante de las letras de la lejana Cuba, de visita en este país, se formó el comité de traducción compuesto por el poeta y pintor Luis Centurión, el escritor Adolfo de Obieta, director de la revista literaria Papeles de Buenos Aires y Humberto Rodríguez Tomeu, otro hijo intelectual de la lejana Cuba. Delante de todos esos caballeros y gauchos me inclino profundamente”.

Sabemos por Virgilio Piñera en su texto “Gombrowicz por él mismo”, la notable, pero atosigada y a ratos patética obstinación del escritor polaco por rescatar del limbo su novela Ferdydurke. Sabemos por el autor de Kronos que no sabía castellano, que no había un diccionario polaco-español; sabemos que los traductores del Comité no sabían polaco. Sabemos que no solo ellos traducían sino los parroquianos del Café Rex, donde se realizó, aportaban lo suyo. Sabemos por Ricardo Piglia que esa traducción estrafalaria hizo que el Ferdydurke “argentino” de Gombrowicz sea “uno de los textos más singulares de nuestra literatura”.

En 1981, Centurión publica Y de hay: Fundamentos para una Pintura Argentina para poner en letras lo que había sido su propia práctica pictórica. La de mujeres sentadas y recostadas, paisajes sencillos, una figuración al límite de lo abstracto. Eso sí, con un trazo firme y grueso en algunos costados del cuerpo, en las ramas de los árboles, en los barrotes de una jaula. Esa línea premeditada y sugestiva que muestra su estilo. La que evidencia la falta, al tiempo que refuerza lo que hay.

J. A. García Martínez, quien escribió el prólogo a ese libro de Centurión se refiere a los retratos como que “representan el doble proceso de un pintor de nuestro tiempo llevado técnicamente hacia la abstracción y de vuelta de ella por la cálida expresividad y las resonancias humanas y figurativas que encierra su obra. Tal actitud, ¿no es la respuesta a uno de los más palpitantes problemas que pueda plantearse el arte contemporáneo? Para resolverlo, Centurión aporta sabiduría plástica, refinamiento expresivo y una técnica a base de experiencia estética. Este mundo de formas puras y sencillas no es de ninguna manera, complicado. Es el mundo simple del hombre sin pecado. Anterior al ángel caído y al margen del bien y del mal. Si se lo ubicó entre los “ingenuos”, yo quisiera precisar y ampliar el concepto: Centurión es un pintor angélico que puede ubicarse sin reticencias junto a los grandes primitivos.”

Ficha de la muestra

“Y de hay”

Luis Centurión

Curaduría Santiago Villanueva

De martes a domingo de 13 a 18; miércoles de 11 a 20 hasta el 16 de mayo

Galería Calvaresi, Defensa 1136, CABA.

Martes cerrado.

Paula Rivero: “Ser artista es una manera de ver la vida”

24 marzo, 202524 marzo, 2025 infoarte

Fuente: Perfil – La artista plástica viene de formar parte del prestigioso programa “Mission Zero Hunger”, cuyo propósito es erradicar el hambre en el mundo.

Profesora de arte en una escuela secundaria se queda dormida en las clases una y otra vez. Adolescente de 14, aprovecha esa falta laboral grave para atacar el armario lleno de materiales y empezar a experimentar: tinta china, acrílicos, óleos. El universo entero. Así se despertó la vocación de Paula Rivero.

Noticias: Uno de los conceptos que identifican su obras es la libertad, ¡y qué mejor que el camino esté allanado porque la profesora se duerme!

Paula Rivero: Sí, el hecho de que no te pongan un límite ayuda un montón. Como decís, la libertad es una gran búsqueda dentro de lo que es mi proceso artístico y siempre estoy desafiándola. Creo que una pregunta que me hago desde toda la vida es qué es la libertad. Desde el lugar que yo la busco o indago a través de mi arte tiene que ver con una con mucho respeto hacia el prójimo, considerar al ser humano como algo sagrado, que estemos vivos es un milagro.

Noticias: Durante su infancia y adolescencia vivió en Italia, México, Perú y Uruguay. ¿Tuvo que ver con que su familia buscaba libertad, con un exilio por ejemplo?

Rivero: No, los muchos cambios de países fueron por el trabajo de mi papá. Él era director de una empresa italiana y nos movían, hasta mis 22 años. Hoy agradezco que la vida me permitió vivir todo eso porque me permitió mirar las cosas siempre desde ángulos distintos. Cambiás de país y las cosas se ven totalmente al revés, todo lo que era correcto allá, acá te dicen que es una mala palabra, que si se usaba pollera corta en un colegio, se usaba hasta los tobillos en otro. Eran todos cambios, mucha diversidad.

Noticias: ¿Cómo lo vivió en aquel momento?

Rivero: Fueron muy fuertes los desarraigos, dejando a amigos, novio, taller de arte; cambiar e ir a buscar nuevos. Y no por decisión mía… creo que estoy llegando a algo interesante… sino porque me tenía que ir, porque mi familia se iba, no era decisión propia.

Noticias: No había libertad allí.

Rivero: Me acabas de hacer una terapia de 52 años de vida (risas). Qué interesante esto. Me acaba de hacer un clic de algo más profundo: es verdad, siempre dependía de una decisión que no era mía. Yo me creaba mi mundo dentro de lo que me decían y “nos tenemos que ir para allá” o “ahora nos vamos para el otro lado”. Y arrancar de nuevo, de cero, extrañar, nostalgia.

Noticias: ¿A los 22 se rebeló y se cortó de esa decisión familiar?

Rivero: No, a los 22 fue el último cambio de país que fue de México a Argentina. Mis papás volvían y yo me quería quedar allá, que era mi mundo. Y me convencieron de que venga aunque sea 6 meses a Argentina. Se vé que mi papá me tenía el timing de que a los 6 meses me adaptaba y me dijo: “Si en 6 meses no te adaptás, te prometo que volvemos a México”. Fue muy traumático el cambio a mis 22 años.

Le faltaba un año para terminar la carrera de Diseño Gráfico en la Iberoamericana de México y, desde sus 14 años, hacía talleres de arte en paralelo. Iba casi todos los días a tomar clases con un maestro mexicano con el que aprendió técnica. Pero en esos 6 meses echó raíces en Argentina y descubrió la carrera de Bellas Artes. Fue de la última camada de egresados de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón (luego IUNA y ahora UNA).

Noticias: ¿Qué es un artista?

Rivero: Es una pregunta que yo les hago mucho a los artistas y que me encanta. Para mí es una manera de ver la vida, es tener tu propia filosofía. Es estar conectada con la creatividad constantemente, no entender la vida sino es creativamente y a través del arte. Es encontrarle el ritmo a todo, saber que todo tiene una respuesta y que todo fluye, todo tiene su momento.

Noticias: ¿Cuánto importa el aval externo?

Rivero: Yo pasé por muchas etapas y esto que me estás preguntando me lleva directo a un momento donde encontré mi identidad como artista. A los 14, era experimentar con los materiales, era algo hasta sanador, no era mental, era muy visceral. A medida que empecé a estudiar en talleres, era querer aprender a pintar bien. Ahí entra el aval de la gente, ya me resultaba necesario que me dijeran “qué lindo pintás”, “qué bien que pintás”. Y a los 17, cuando adquirieron dos obras mías por primera vez, hasta me salió la pregunta: “¿Están seguros?”. Porque yo no lo podía ni creer, fue fuerte y a partir de ese aval, me afirmé en que iba por el camino correcto, pero no es lo que me dijo a mí internamente que era un artista.

Noticias: ¿Qué fue?

Rivero: Cuando ya fui sintiendo que sabía pintar, me empecé a plantear buscar un estilo propio. Quería entrar en la abstracción pero el profesor que tuve cinco años en México decía: “La abstracción lleva a la frustración”. Fue una búsqueda muy silenciosa, a solas con mi arte. Un día me rebelé y usé unos quesos que había en mi casa y fue mi primera abstracción: pintar esas figuras de los quesos, pero en colores magentas, turquesas. Entonces me creí que había entrado en la abstracción, pero no. Cuando me vine a vivir a Argentina, me empezó a brotar una necesidad de escribir en las obras.

Noticias: Habla de pasar del texto a la textura.

Rivero: Sí, era el año 98, yo en paralelo a estudiar en Bellas Artes, trabajaba en una empresa para tener mis ingresos, y había entrado en una etapa que me estresaba porque yo era muy sensible y estaba en un mundo muy hostil, donde las personas eran números. Entonces empecé a desahogarme en mis obras, a escribir arriba, porque no podía pintar.

Noticias: ¿No podía pintar?

Rivero: No podía pintar lo figurativo de antes, fue un impulso que me ganó y salió una escritura necesaria en mí, pero tampoco quería que leyeran lo que yo escribía. Entonces volvía a escribir arriba de lo que escribía y aparece ese juego del concepto del texto que se vuelve textura y deja de ser un texto. Ahí es donde realmente siento que salió el artista que tenía dentro, cuando fue más fuerte que mis pensamientos, era algo necesario en mí que brotaba. Mi vida es como una película, todo muy intenso. Y miro para atrás y todo tiene un porqué. No hay nada que no encaje, aunque en el momento uno lo vive distinto. Hoy con los años ya no me asusta lo que pasa en el momento presente, lo disfruto, aunque sea malo. Sé que la respuesta viene después, todo tiene una perfección, por esto que te digo de los ritmos: en todo para mí hay una perfección, en todo hay un ritmo, es música. Entonces el arte es ritmo, es música; puede haber ruido, pero hay un caos que va al orden, y un orden que va a un caos.

Noticias: Fue convocada para donar obra para India, ¿Cómo vivió la experiencia?

Rivero: Sí, fue muy lindo. Si toda mi vida dedicada al arte sirve para ayudar en este poquito a combatir el hambre del mundo, ya valió la pena. Aparte el haber estado allá y conocer lo que es la pureza de almas. Si algo me llevo de India es sentir que las personas no tienen corazas, no tienen armaduras. En mis obras yo hablo también a través de los corsés, de las armaduras, que tienen que ver con los preconceptos y con esa necesidad de mostrar lo que no somos cuando podemos ser lo que somos. Y en India noté esa no coraza y que te entregan el alma. Es todo un caos, pero si hacés foco en el detalle o en alguien, tienen una paz interior que es como contradictoria con el caos que estás viendo. Y creo que eso es lo mismo que una obra de arte, el caos pero que tiene un orden, hay una armonía, una armonía caótica, un caos armonioso.

Noticias: ¿Qué cosas se está preguntando hoy, a los 52?

Rivero: Me sigo preguntando lo mismo que el primer día: qué es la libertad y qué es ser artista. Porque la libertad por libertad no existe, a través de mi obra lo fui notando: cuando rompés la estructura, entrás en otra. Siempre hay un límite, siempre, y en un punto yo lo necesito porque es lo que me da seguridad y me deja hacer, es como nadar en una pileta que tiene agua, ¿no? Pero esa libertad tiene que tener ese lugar de respeto hacia el otro y de saber por lo menos coordenadas de dónde está.

Noticias: ¿Qué quiere lograr?

Rivero: Me propongo poder seguir siempre en contacto con el proceso creativo. Me llegué a preguntar si pintaba para trascender y llegué a la conclusión de que no. Pinto por el solo hecho de estar en contacto con el proceso creativo, que es donde siento que le hago un tajo a la vida y entro en otro lugar, en otro plano, donde no hay tiempo y no hay espacio. Ahí llego a la respuesta de qué es arte: para mí el arte es todo lo que hace que pierdas el tiempo y el espacio cuando te ponés a hacerlo. Yo vivo la vida así.

Arte sin fronteras: Córdoba se proyecta al mundo con grandes exposiciones

21 marzo, 202521 marzo, 2025 infoarte

Fuente: Cultura CBA .org – Con una serie de propuestas en artes visuales, la provincia se posiciona como un referente en el circuito cultural global, favoreciendo el intercambio creativo y el enriquecimiento de nuestra identidad a través del arte. Una invitación abierta a vivir la cultura sin fronteras y a ser parte de una experiencia artística de alcance internacional.

En línea con la estrategia de internacionalización de la cultura que promueve el Gobierno de la Provincia a través de la Agencia Córdoba Cultura, las actividades culturales programadas para estos días y los próximos meses son una muestra más del objetivo irrenunciable de llevar la cultura cordobesa hacia el mundo y traer a Córdoba lo mejor de la escena internacional. De esta forma, los cordobeses podrán acceder a propuestas y bienes artísticos provenientes de diferentes partes del mundo, enriqueciendo su experiencia y el panorama cultural de la provincia.

Uno de los eventos más relevantes fue la intervención del reconocido artista holandés Pat Andrea en el Centro de Arte Contemporáneo Antonio Seguí. El artista, nacido en 1942 en La Haya, presentó un “work in progress” en el muro de la sala de proyección, brindando al público la oportunidad única de presenciar y participar del proceso creativo de su obra. Con una sólida trayectoria internacional, que incluye participaciones en eventos como el Festival de Otoño de París y la obtención de múltiples premios, Pat Andrea es una figura clave en el arte contemporáneo global.

Además, el espacio presentó su nueva propuesta expositiva en homenaje a los 100 años del natalicio de Osvaldo Pons, “Celebración. 100 años de luz y forma”. El arquitecto nacido en Arroyito en 1925 trascendió las fronteras de Córdoba, desarrollando una obra multidisciplinaria que abarca el arte, la arquitectura y tecnología, entre otras disciplinas.Esta muestra, que estructura una serie de recorridos para reflexionar sobre lo humano frente a las partes a través del hacer en la arquitectura y el diseño, ofrece un acceso a la producción artística fotográfica retroiluminada, restaurada y revalorizada de Pons. La exposición invita a los públicos a interactuar con el acervo patrimonial de este arquitecto a través de diferentes recorridos y acciones interactivas con recursos tecnológicos. Estará disponible hasta el 8 de junio de 2025.

Más adelante, el Museo Palacio Dionisi será escenario de una exposición muy especial. Del 9 de abril al 27 de julio, el museo recibirá a la fotógrafa española Isabel Muñoz, quien presentará una muestra que abarca lo más destacado de su carrera. La artista reconocida por su exploración en torno al cuerpo humano, la vida y la naturaleza, exhibirá obras pertenecientes a la serie “Agua”, que además de establecer una vinculación estética entre estas temáticas, cuestiona la relación del ser humano con los ecosistemas y el impacto ambiental de la explotación, contaminación y escasez de este recurso vital, invitando a reflexionar sobre la crisis ecológica global. Muñoz ha sido galardonada con importantes premios internacionales, incluidos dos World Press Photo Awards y su trabajo ha sido exhibido en prestigiosos museos del mundo. La inauguración de la exposición contará con la presencia de la artista, brindando al público la oportunidad de conocer más sobre su proceso y visión artística.

Y, como parte de una serie de homenajes que colocan a Córdoba en el mapa internacional de las artes visuales, el Museo Evita Palacio Ferreyra inaugurará el 2 de abril la exposición “Joaquín Torres García. Ensayo y Convicción”. En el marco de conmemorarse el 150° aniversario del nacimiento del maestro uruguayo, la muestra reunirá una significativa selección de obras que dan cuenta de la versatilidad de Torres García a lo largo de su carrera, desde pinturas hasta grabados, ilustraciones y juguetes. Esta exposición, que ya se presentó en el Museo Nacional de Bellas Artes, posiciona a Córdoba como un destino clave para el arte latinoamericano, permitiendo que los cordobeses se acerquen al patrimonio cultural de uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

Estas actividades son solo una parte del esfuerzo continuo por internacionalizar la cultura en Córdoba, acercando propuestas de artistas de renombre mundial y enriqueciendo el panorama cultural de la provincia. Gracias al trabajo conjunto de la Agencia Córdoba Cultura, junto al sector público, privado y el académico que se replica, los cordobeses tienen la oportunidad de disfrutar de una programación que no sólo amplía sus horizontes artísticos, sino que también proyecta a Córdoba en el escenario internacional.

Es importante destacar que todas estas iniciativas tienen como objetivo primordial brindar accesibilidad a la cultura, un pilar fundamental en la gestión del Gobierno de la Provincia, asegurando que cada ciudadano tenga la oportunidad de participar y disfrutar de la riqueza cultural que Córdoba ofrece.

Presente Continuo: sigue abierta la convocatoria para participar del programa de arte, ciencia y tecnología

21 marzo, 202521 marzo, 2025 infoarte

Fuente: Rosario3 – Con artistas invitados internacionales, el programa incluye masterclasses y workshops con destacados profesionales del ámbito artístico, científico y tecnológico así como la oportunidad de producir y mostrar un proyecto colaborativo a realizar durante el año.

El programa Presente Continuo Org lanzó su tercera edición e invita a artistas, investigadores, curadores, tecnólogos, científicos y a todas aquellas personas interesadas en la intersección entre ciencia, arte y tecnología, a postularse para la convocatoria 2025.

Cuenta con hasta 24 cupos, de los cuales la mitad son para residentes fuera del Área Metropolitana de Buenos Aires (AMBA). Además, en 2026 los becarios podrán aplicar a residencias en universidades de la región, asociadas al programa. La convocatoria estará vigente hasta el 28 de marzo, inclusive.

Organizado por la Fundación Bunge y Born y la Fundación Williams, el programa se ha consolidado como un espacio de formación, investigación y producción que reúne a destacados profesionales y referentes internacionales. Durante 2023 y 2024, más de 60 becarios se formaron con especialistas como Marcela Armas, Oscar Santillán, Mónica Bello, Rafael Lozano-Hemmer, Guto Nóbrega y Maurice Benayoun. Presente Continuo Org indaga cómo las tecnologías de la cuarta revolución industrial están modificando la forma de producir arte y cómo puede el arte ayudar a comprender el mundo que esas tecnologías están forjando.

En esta nueva edición, Presente Continuo Org tendrá como invitados a la artista y bio-haker Heather Dewey-Hagborg (EE.UU.); el artista Juan Cortés (Colombia), quien trabaja naturaleza y tecnología, y Daniel Canogar (España), artista tecnológico, especialista en imagen proyectada e instalación artística.

Fecha límite: 28 de marzo (inclusive).
Los resultados se difundirán a través de los canales oficiales de Presente Continuo Org.

Bases y condiciones
Toda la información está disponible en www.presentecontinuo.org

Más información en:
Correo electrónico: info@presentecontinuo.org
Redes sociales: @presente_continuo_org

Claudio Pairoba es bioquímico, farmacéutico y doctor por la Universidad Nacional de Rosario. Máster en Análisis de Medios de Comunicación y Especialista en Comunicación Ambiental. Miembro de la Escuela de Comunicación Estratégica de Rosario y la Red Argentina de Periodismo Científico. Acreditado con la American Association for the Advancement of Science (Science) y la revista Nature.

Arte Bestial: gigantescas esculturas de barro dan refugio a zorros, lechuzas y renacuajos

20 marzo, 202520 marzo, 2025 infoarte

Fuente: La Nación – En un nuevo parque escultórico que abrirá en mayo en San Juan, varios reconocidos artistas argentinos trabajan en obras vivas que se integran al paisaje y la naturaleza

En el medio del Valle de Zonda, en San Juan, un parque con enormes esculturas abrirá sus puertas en mayo. Ahí, en Arte Bestial, el artistaCharly Nijensohn creó, junto con biólogos argentinos y alemanes (como el reconocido Frank D. Steinheimer), una impactante estructura de barro, con túneles y un espejo de agua cristalina que se transformó en hábitat de zorros, lechuzas y ranas. Arte y vida se fusionan con sello indeleble en la obra de Nijensohn, convertida en un refugio para la vida silvestre: donde antes había rocas y tierra quebradiza ahora habitan diferentes especies, además de abejas y aves rapaces. Arte Bestial –creado por Ezequiel Eskenazi Storey, con curaduría de Fernando Farina— se encuentra a unos 22 km de la capital de San Juan.

La ballena de Adrián Villar Rojas se instaló también en el predio de Arte BestialGentileza Arte Bestial y Bodega Xumek

La instalación —viva, en constante cambio— convive con la famosa Ballena de Adrián Villar Rojas, y trabajos de Nicola Costantino y Mariana Telleria aún en proceso. Eduardo Basualdo está terminando una mega escultura y luego hará otra Elba Bairon. “La idea –cuenta Eskenazi Storey— es que los mejores artistas argentinos tengan la posibilidad de hacer una obra a gran escala, algo que no ocurre frecuentemente en el país”.

En los túneles de las grandes esculturas de barro instalaron cámaras para observar el comportamiento de los animales, habitantes de estas "obras vivas" — En los túneles de las grandes esculturas de barro instalaron cámaras para observar el comportamiento de los animales, habitantes de estas «obras vivas»Tamalet / Borghi / Nijensohn

Para ver qué les inspira el lugar, los creadores pasaron en el parque, que en principio ocupa 200 hectáreas montañosas, donde también hay un viñedo. “Obras que le despierten al artista lo bestial, desde el tamaño, lo cruel, lo disparatado”, pensó Eskenazi Storey. Es que el paisaje es tan descomunal que el desafío radica en concebir una obra que pueda integrarse al escenario natural y, a la vez, estar en escala con él. El visitante tendrá que ir caminando para ver las obras, incluso, subir la montaña. “La obra de Basualdo se encuentra arriba de todo, tras recorrer un camino difícil”, anticipan.

La obra en barro del artista Charly Nijensohn que está en el nuevo parque de esculturas de Valle de Zonda, San Juan

Un lugar donde protegerse y reproducirse

Estrategias de regeneración es un proyecto multidisciplinario que Nijensohn desarrolla desde hace seis años y que une arte, ciencia y tecnología, un trabajo de investigación con la Universidad de San Juan y con el Conicet. El observatorio está conformado por tres esculturas de barro, preparadas para ser utilizadas por los animales regionales como refugio. Ofrecen a las especies, al mismo tiempo, refugio contra sus depredadores, protección contra las inclemencias del tiempo y condiciones favorables para la cría y la reproducción. Se diseñaron módulos internos específicos para zorros y cuises, así también como túneles de entrada que se adaptan a sus necesidades.

“Pampas del Zonda”, la primera estación de investigación de Estrategias de regeneración se encuentra ubicada en el corazón del Valle de Zonda. Un equipo de 8 cámaras trampa permitió corroborar los alcances del proyecto y ver a los animales, por ejemplo, en pleno proceso de gestación. Estremece observar a los zorros saltar y jugar en la escultura de barro (el video se puede ver en el Instagram del artista y en el del Museo Nacional de Bellas Artes).

Obra en proceso de Nicola Costantino, otra de las artistas argentinas que participa del nuevo proyecto en San JuanGentileza Arte Bestial y Bodega Xumek

En los próximos meses, se instalará un sofisticado sistema de streaming para poner en relación distintas estaciones de investigación que el artista quiere montar en diferentes latitudes.

Nijensohn tiene mucha experiencia en hacer obras colaborativas en sitios inhóspitos. Lo suyo es sumergirse en viajes que representan experiencias intensas, que marcan su vida. Trabajó en la Antártida. Hizo vínculos estrechos con las comunidades inuits (nombre con el que se autodenominan los esquimales de Groenlandia), donde desató inolvidables obras. Con un sistema de seguridad montado por cualquier imprevisto, fotografió a los inuits sobre témpanos a la deriva.

En el Amazonas, filmó con el agua hasta el cuello. Trabajó con los waimiri atroari, una tribu de Brasil que en los años setenta fue relocalizada compulsivamente tras una inundación planificada para crear una represa.

En este proyecto colaborativo en San Juan participan también habitantes del lugar y un equipo que se dedica a la construcción de viviendas sociales. Ricardo Tamalet y Froilán Paz, dos bioconstructores de la región pampeana especializados en proyectos sociales y en la utilización de los materiales locales, dirigieron el trabajo. También resultaron clave Las mujeres del desierto, una agrupación integrada por artistas de diferentes provincias. “Es un grupo liderado porDesirée De Ridder. El 60 por ciento del barro de las esculturas lo pusieron ellas con mucho amor”, señala el artista.

Para realizar la construcción, Nijensohn viajó entre septiembre y diciembre de 2022, desde Berlín, donde vive, hasta San Juan, para construir y monitorear la estación de investigación. Tres esculturas de diez metros de diámetro por seis metros de alto conforman esta imponente construcción con formas inspiradas en nidos de hormigas y en termiteros. Cada una de las esculturas contiene módulos internos capaces de albergar distintos tipos de vida. También incluye un ojo de agua (3 metros de diámetro por 30 centímetros de profundidad), central en esta construcción.

Además de los zorros, se detectó que lechuzas vizcacheras y otras aves rapaces estan usando la estructura de Charly NijensohnTamalet / Borghi / Nijensohn

A partir de las imágenes obtenidas con la cámara trampa que funcionan con energía solar (se dejan en un medio salvaje y cada vez que hay movimiento se activan y filman), el Doctor Borghi, uno de los especialistas, escribió un informe titulado “La vida encuentra su camino”. Como se detectó que un panal que las abejas habían construido se encontraba seco, uno de los científicos del equipo propuso en su informe hacer una serie de agujeros para mejorar la ventilación. Luego, las abejas construyeron otro panal que perduró en el tiempo. También se detectó que algunas lechuzas vizcacheras y otras aves rapaces estaban usando la estructura. En la recolección de datos más reciente, en enero de 2025, se observó que en el espejo de agua había renacuajos. Se preguntaron, entonces, cómo habrían descubierto los anfibios ese ojo de agua para desovar.

También la artista Mariana Telleria tendrá instalada una obra en el parque de esculturas de Valle de ZondaGentileza Arte Bestial y Bodega Xumek

Con esta pieza, Nijensohn pone en cuestión cuáles son los alcances del arte. ¿Hasta dónde se puede interactuar y potenciar uno con otro? Cada estructura de barro se pensó para los posibles habitantes. Tan adecuada resultó la construcción que allí el 20 de enero tuvieron cría los zorros y hoy, aún, viven en el mismo sitio. Resulta hipnótico verlos.

Desafiante, su próximo paso va más allá. El artista quiere desarrollar diferentes estaciones en otras partes del mundo, trabajando colaborativamente con universidades regionales y grupos de biólogos y pobladores de la zona. Hará un streaming continuo para analizar los movimientos en los distintos sitios. Y luego, a partir de todo el material recolectado —y el que ya tiene de San Juan— trabajará en una videoistalación inmersiva, multipantalla. Piensa en sitios que conoce bien, como Groenlandia. A través de internet, con cámaras, micrófonos y sensores que proporcionen una visión integral del desarrollo interno en las estructuras, las imágenes se transmitirán en tiempo real. Una vez más el sueño de unir arte y vida puede ser realidad.

Un redescubrimiento histórico: una obra maestra del Renacimiento emerge tras siglos de olvido

20 marzo, 202520 marzo, 2025 infoarte

Fuente: infobae – La obra “Deposición de Cristo” de Andrea Mantegna se encontraba perdida desde el siglo XVI. Tras una restauración será expuesta en los Museos Vaticanos

Un cuadro que permaneció durante años en condiciones precarias en una iglesia de Pompeya ha sido identificado como una obra original del maestro renacentista Andrea Mantegna y será exhibida temporalmente en los Museos Vaticanos en Roma a partir del 20 de marzo, antes de regresar a su ubicación original.

La pintura, que representa el descenso de Cristo de la cruz, no solo devuelve a la historia del arte una pieza que se creía perdida, sino que también arroja luz sobre el legado de uno de los artistas más influyentes del Renacimiento.

La atribución de la obra a Mantegna fue confirmada hace algunos años, aunque el anuncio oficial se realizó esta semana. Barbara Jatta, directora de los Museos Vaticanos, explicó que el proceso de restauración permitió descubrir detalles iconográficos y técnicos que corroboran la autoría del pintor.

“La restauración reveló detalles que confirman la autoría de Mantegna, devolviendo a la historia del arte una obra maestra que se creía perdida”, afirmó Jatta en declaraciones recogidas por Artnet.

El rastro de esta obra, conocida como la “Deposición de Cristo”, se había perdido desde el siglo XVI. La última referencia documentada proviene de una carta escrita en 1524 por el humanista napolitano Pietro Summonte, quien describió el cuadro como una representación de Cristo siendo bajado de la cruz y colocado en un sudario, destacando la maestría de Mantegna. En aquel entonces, la pintura colgaba en la basílica de San Domenico Maggiore en Nápoles, pero posteriormente desapareció sin dejar rastro.

Andrea Mantegna

Siglos después, una pintura deteriorada y con intervenciones de restauración fallidas permanecía en el Santuario de la Virgen del Rosario en Pompeya, sin que nadie sospechara su verdadera importancia. Fue gracias a una imagen publicada en una base de datos en línea que el historiador del arte Stefano De Mieri, profesor de la Universidad Suor Orsola Benincasa de Nápoles, comenzó a sospechar que podría tratarse de una obra original de Mantegna. Estas sospechas llevaron al obispo de la catedral de Pompeya, Tommaso Caputo, a contactar a los curadores de los Museos Vaticanos en marzo de 2022 para una evaluación más detallada.

El equipo de los Museos Vaticanos, liderado por Francesca Persegati, jefa de restauración, y Fabio Morresi, del Gabinete de Investigación Científica, llevó a cabo un exhaustivo proceso de análisis y restauración. Según explicó Jatta, el uso de una lámpara de luz ultravioleta permitió identificar materiales pictóricos extraordinarios ocultos bajo capas de repintado. Este descubrimiento marcó el inicio de un trabajo meticuloso que incluyó investigaciones diagnósticas y restauraciones en los laboratorios internos del Vaticano.

El resultado de estos estudios confirmó de manera concluyente que la pintura no era una copia, sino un original de Mantegna. Fabrizio Biferali, curador de los Museos Vaticanos, destacó que la iconografía de la obra está profundamente vinculada a los modelos renacentistas y al clasicismo característico del artista, con referencias a la antigüedad que la hacen única dentro de su producción. Este hallazgo no solo reafirma la autenticidad de la obra, sino que también subraya la importancia de los avances científicos en la conservación del patrimonio artístico.Museo Vaticano

El redescubrimiento de esta obra pone de relieve la relevancia de Andrea Mantegna en la historia del arte. Nacido en 1431 en la República de Venecia y fallecido en 1506, Mantegna es reconocido por su papel en la revitalización de la antigüedad clásica durante el Renacimiento italiano. Su trabajo, que incluye frescos y pinturas de gran complejidad técnica, marcó un antes y un después en la representación artística de su época.

Aunque aún se desconoce cómo la pintura llegó desde la basílica de San Domenico Maggiore en Nápoles hasta el santuario de Pompeya, se sabe que existen al menos dos copias conocidas de la obra. Este misterio añade un elemento intrigante al ya fascinante redescubrimiento.

Bajo el título “El Mantegna de Pompeya. Una obra maestra redescubierta”, la pintura será exhibida en la Sala XVII de la Pinacoteca Vaticana durante tres meses, a partir del 20 de marzo. Esta muestra ofrecerá al público la oportunidad de apreciar de cerca una obra que, tras siglos de olvido, ha sido restaurada a su esplendor original. Posteriormente, la pintura regresará al Santuario de la Virgen del Rosario en Pompeya, donde continuará siendo parte del patrimonio cultural de la región.