Categoría: Dibujo

Fuente: La Nación – Artista de la imagen y de la palabra, el ilustrador y diseñador gráfico revisa su carrera y pide que “nunca dejemos de jugar”.

El placer de jugar y el desafío de enfrentar el aburrimiento. La curiosidad por aprender y combinar distintas disciplinas. Animarse a experimentar y a equivocarse sin temor al fracaso. Esos son los caminos creativos que le gustan transitar a Pablo Bernasconi, autor, ilustrador, artista y diseñador gráfico, tanto cuando crea un libro para chicos, cuando pinta cuadros en su estudio de Bariloche o cuando pega un salto al vacío y decide fundar una galería de arte en plena pandemia para exhibir y vender sus trabajos y de colegas emergentes. También, cuando explora temas que primero lo desconciertan y, luego, lo apasionan.

Algo así le sucedió hace unos años con el infinito, un concepto tan fascinante como inasible que lo llevó a internarse en materias como la física cuántica y la filosofía. De ese recorrido surgió uno de sus libros más complejos y exquisitos (El infinito, publicado por Sudamericana) y una muestra itinerante con ilustraciones originales y objetos curiosos, que ya se presentó en Buenos Aires, Córdoba y Mendoza.

Uno de sus juegos creativos preferidos es inventar personajes con piezas de uso cotidiano: con una tapa de un cesto de basura, una pluma y un serrucho representa a Don Quijote y con un rallador de verduras le da forma a un cohete. Bernasconi es mucho más que un ilustrador: es un creador de un universo lúdico fantástico, un artista de la imagen y la palabra. Y esas creaciones se pueden descubrir en el magnífico álbum de colección Retratos, editado por Edhasa.

Hijo de científicos (su madre era química y su padre, ingeniero nuclear), creció en un ambiente de estudio y experimentación, rodeado de libros y fórmulas matemáticas. Nació en Buenos Aires en 1975, pero a los cinco años se mudó con su familia a Bariloche. En 1978, su madre, que trabajaba en la Comisión Nacional de Energía Atómica, en Ezeiza, pidió el traslado a Bariloche. En la ciudad patagónica, donde Bernasconi volvió a vivir en plena crisis de 2001 y formó su propia familia, cursó la primaria y la secundaria. Allá, entre lagos, cerros y paisajes nevados, empezó su relación con la lectura, el arte, el cine y la ciencia.

Un recuerdo (“una imagen”, según sus propias palabras) de la infancia que permanece indeleble es el “desordenado orden” de la biblioteca de sus padres. En los estantes de abajo, su madre ubicaba los libros “aptos” para chicos (María Elena Walsh, Mafalda); en los más altos estaban los otros, los de “grandes”. Como, por su estatura de niño, no llegaba a los de arriba, él se las ingeniaba para alcanzar algún ejemplar que le despertaba curiosidad. “Los estantes, a medida que estaban más altos, se ponían más ásperos. Entonces, yo recuerdo las alturas de la biblioteca como una experiencia ‘escalable’. Me trepaba para alcanzar un ejemplar y descubrir por qué estaba ahí arriba. Por supuesto que, cuando lo abría, no lo entendía. Me llamaban la atención esos signos, que parecían jeroglíficos. Era muy seductora la idea de pensar qué decía ahí y un verdadero desafío asomarse a lo incomprensible, a la abstracción total”, recuerda.

En aquella altísima biblioteca familiar que se desafiaba a escalar había libros de física, de matemática, de química mezclados con títulos de Wilde, Camus, Miller, Borges. De aquellos años proviene un hábito, que mantuvo siempre: empezar a leer por el final. No importa si se trata de un texto breve o de varias páginas: empieza, siempre, por el último párrafo. Lo hacía, también de niño, con el diario que compraban todos los días en su casa. Lo primero que leía era la página de atrás, la de las historietas.

El ritual de leer primero el final lo impulsó hace unos años a imaginar escenas que narran con palabras e ilustraciones la trama de las historias que más lo conmueven. Esas obras dieron lugar al libro Finales (Edhasa) y a una muestra integrada por gigantografías de las ilustraciones originales y también construcciones metafóricas alrededor de la literatura y los autores.

Fue su primera exhibición itinerante y estuvo de gira durante diez años. Ahora, mientras su muestra El infinito, una interesante ampliación de su libro homónimo publicado por Sudamericana en su colección infantil, se presenta en Mendoza, Bernasconi está sumergido en otro universo que lo desvela: el arte abstracto.

Por todas las búsquedas creativas que emprendió a lo largo de su carrera que dieron frutos como los libros, las muestras, las obras que vende en el país y en el exterior, entre otros desafíos, fue premiado este año con el Konex de Platino a las Letras, en la categoría literatura infantil. Compartió distinción con la prestigiosa autora patagónica María Cristina Ramos. Ya había sido nominado como candidato argentino a los dos premios internacionales más importantes del género infantil: el Andersen, conocido como el “Pequeño Nobel” y el Astrid Lindgren Memorial Award (ALMA). “Ayer estaba ordenando mi estudio y encontré un premio que me dieron hace unos años y me parece hermoso: amigo de las bibliotecas populares. Hay ciertos galardones, como el Konex, que distingue la trayectoria, que te reafirman la idea de seguir arriesgando o seguir fracasando, que es toda una rareza. Que te permitan seguir equivocándote me parece que es lo mejor de los premios”, dice muy convencido mientras desayuna en un café de Núñez, recién llegado del aeropuerto Jorge Newbery. Bernasconi viajó en noviembre a Buenos Aires para recibir su estatuilla en un acto a sala llena en Ciudad Cultural Konex, donde agradeció el reconocimiento y pidió (casi como un niño grande) que “nunca dejemos de jugar”.

–¿Eras el típico tímido que se “escondía” de los demás dibujando todo el día?

–Sí, era el típico que dibujaba todo el día, pero mal. No tenía ningún don extra frente a mis amigos en ese momento, solo que me pasaba más tiempo haciendo dibujos y, obviamente, tenía más práctica. Me pasaba mucho más tiempo mirando también libros, cómics, todo lo que fuese visual. También, todo lo que fuese literario. Le dediqué mucho tiempo a todo eso en mi infancia. Y así, a medida que mis amigos fueron dejando de dibujar, yo seguía y seguía. Mis dotes seguían iguales, pero me generaba más confianza, me sentía cómodo con el dibujo. Dibujaba solo, nunca fui a un curso. Me hubiera gustado, pero en esa época no era común o, al menos, no donde yo vivía, en las afueras de Bariloche.

–A los 18 años viniste a Buenos Aires a estudiar Diseño Gráfico en la UBA. ¿Cómo fue el encuentro con la gran ciudad?

–Vine a esta ciudad porque quería estudiar algo que era infrecuente; de hecho, prácticamente no existía la carrera de Diseño Gráfico en ese momento. Existía, pero no había egresados. En Buenos Aires vivía mi abuela, así que tenía dónde parar y me vine a los 18. La Universidad de Buenos Aires me pareció un lugar faraónico. Me acuerdo que la vinimos a conocer con mi mamá y esas aulas, donde después di clases, eran gigantes. Todo acá me parecía exacerbado.

–¿Y cómo fue que volvió a aparecer Bariloche como lugar para vivir?

–Bariloche volvió a mi vida en 2001 por el corralito. En Buenos Aires trabajaba en el diario (era ilustrador y diseñador de Clarín) y daba clases en la facultad. Tenía un dinero para comprarme un departamento, pero me agarró el corralito y perdí todo. Había recibido ofertas para irme a trabajar a otros países y era muy tentador, pero también era muy triste la situación, muy angustiante. Me daba la impresión de que me iba a costar volver si me iba. Entonces, decidí renunciar a todo acá y volver a empezar de cero en Bariloche. Dije: “Me voy, pero no del país”. Mi familia vivía allá y eso me facilitaba mucho la logística. Fue lo mejor que me pudo pasar.

–¿Por qué?

–Hoy yo lo agradezco. Creo que, si no hubiera sido un momento tan trágico, probablemente no hubiese vuelto a Bariloche. Yo estaba bien en Buenos Aires, tenía trabajo, pero por una cuestión de sanar decidí irme y todo lo que vino después fue genial.

–¿Vivir en las afueras de una ciudad patagónica, rodeado de esos paisajes, te inspiró a crear?

–Me parece que, en lo personal, lo emocional, lo madurativo, en la salud y en mi mente, la construcción de mi carrera en Bariloche me llevó a ver las cosas con perspectiva: físicamente me alejo y lo veo mejor. Y entendí que eso me funcionaba más que estar en el ojo de la tormenta. En Buenos Aires me sentía como agredido por tanto estímulo y comprendí que alejándome podía disfrutarlo más, observar todo con otra contextura.

–¿Cuál fue el primer trabajo profesional que te encargaron, ese que recuerdes como “mi primer sueldo”?

–Todavía estudiaba en la facultad cuando me empezaron a pedir logos para algunas marcas, que era lo peor que yo podía hacer. Cosas muy chiquitas y yo, ilusionado con pertenecer un poco al mundo del diseño gráfico pago, aceptaba. Y después entré por un brevísimo período en una agencia de publicidad. Huí enseguida porque me di cuenta que eso no era lo mío. Fue a mediados de los 90. Por esa época, empecé en el diario en diagramación, infografía e ilustraciones. Como en todo medio, siempre había urgencias. Venían los jefes a pedir ilustraciones urgentes y si no llegaba la foto, me ponía a hacer collages con imágenes de archivo. Así empecé a tener muchísima práctica porque otros me empezaron a usar también como bombero para apagar incendios de inmediato. Fue una práctica salvaje.

–¿Y cuándo pasaste de “bombero que apaga incendios con ilustraciones” a crear una obra de arte, un libro álbum?

–Cuando me empezaron a convocar para trabajos como diseñador, me pedían lo mismo: solucionar problemas. Empecé a ilustrar libros, manuales, revistas de distintas clases, a expandir ese universo. Y los libros tomaron un cuerpo más parecido a lo que yo había aprendido y ahora estaba enseñando en la facultad, que era lo proyectual: tengo más tiempo, más páginas; tengo un criterio, un estilo. Tengo una relación con la narrativa y tengo que contar algo. Claro que todo eso era diferente a una tapa de un suplemento o a la urgencia del cierre de un diario: era otra cosa, otro tiempo, y me empecé a fascinar con ese proceso de trabajo.

–¿Cuál es el primer libro que contenía todos esos elementos?

–Cuando empecé a ilustrar, ya empecé a narrar. Era jugar, siempre la búsqueda fue jugar. El primer libro que ilustré profesionalmente fue uno de Cecilia Pisos que se llama Un cuento por donde pasa el tiempo, de la colección Los caminadores de Sudamericana. Me convocó la editora Mariana Vera, que acababa de ingresar a la editorial en el lugar de Canela. Era su primer proyecto también. Y ahí nomás me ofrecieron otros y le presenté a Mariana un proyecto que ya había presentado (me lo habían rebotado y ella me lo publicó). Era El diario del capitán Arsenio.

Dedicado a su padre, que le “enseñó a volar”; y a su madre, que le “enseñó a aterrizar”, el primer libro de Bernasconi como autor integral fue relanzado en 2023 dentro de la colección del sello Sudamericana que lleva el apellido del ilustrador y está integrada por diez títulos. Este año, en una edición de tapa dura, salió una “precuela” y una continuación: El joven capitán Arsenio y la máquina imposible y El sueño del pequeño capitán Arsenio. Todos están protagonizados por Manuel J. Arsenio, un “maestro quesero, herrero, buzo y, sobre todo, un precario capitán de navío, al que se le asignaban las tareas más sencillas, que aun así arruinaba”. La historia de Arsenio llega a las manos de los lectores gracias a un diario que escribió en 1780 y pico, cuando el capitán se retira de los mares para dedicarse a su verdadera pasión: crear una máquina de volar.

Su primer libro infantil se publicó en el país a fines de la década de los 90. Pero (con Bernasconi siempre hay sorpresas), unos años antes había salido en el exterior. “Es paradójico, pero publiqué primero afuera que en la Argentina: en Inglaterra y en los Estados Unidos. Los proyectos que acá no me querían publicar, los presentaba a editores extranjeros. Así que El diario del capitán Arsenio salió primero en los Estados Unidos y el segundo libro, El brujo, el horrible y el libro rojo de los hechizos, en Inglaterra”, cuenta.

Con el humor que caracteriza sus historias y juegos de sentido, está protagonizado por Leitmeritz, un brujo que resuelve los problemas de todo el mundo gracias a su libro de hechizos, pero no logra alegrarle la vida a su asistente, Chancery, un hombre azul y triste a quien le dicen el Horrible. Es el único título argentino que integró en 2020 la lista de recomendados del jurado del premio Hans Christian Andersen. Además de elegir a los ganadores del “Pequeño Nobel”, la prestigiosa asociación sueca selecciona veinte libros para chicos y jóvenes de los autores nominados en cada categoría. También en 2020, Bernasconi (junto con María Wernicke) fue propuesto por Alija (Asociación de Literatura infantil y Juvenil de la Argentina) como candidato de la Argentina al premio Alma, organizado por el Consejo de Cultura de Suecia.

Los relatos de Bernasconi son simples y, al mismo tiempo, muy profundos. En Mentiras y moretones reunió veinticuatro historias ilustradas y se animó por primera vez a escribir textos más largos y más personales demostrando así su madurez como autor. Siempre con el recurso del humor y los juegos de palabras, en los cuentos aparecen miedos, golpes, preguntas filosóficas, historias y leyendas de personajes entrañables. “Quería abordar un libro sobre los golpes, el fracaso, las desventuras, las pérdidas, la desilusión. Sucedió que me tocaron vivir muchas de esas cosas mientras el libro fue tomando forma. Los cuentos reflejan en parte estos procesos de forma metafórica. Lo que propongo, como eje temático, es que la relación entre los golpes, el dolor y la memoria, tiene un componente enorme de imaginación, de interpretación posterior, de digestión anímica”, declaró a LA NACION en agosto de 2016, cuando se publicó el libro. Por entonces ya hacía seis años que publicaba sus ilustraciones en este diario, que pueden “leerse” todos los domingos en la contratapa.

De Mentiras y moretones surgió otro libro magnífico, Recíproco, protagonizado por Lucía, una nena que “no quiere dormir si antes no le leen un libro. Siempre el mismo. Lo sabe de memoria, lo recita palabra por palabra y de principio a fin”. También de allí surgió un “salto” (que él llama “desafío”) que se impuso como método creativo: animarse a subir a un escenario para jugar con las metáforas y los dibujos de Mentiras y moretones y vencer, así, su aversión al teatro.

“Ese libro incluye muchas historias de golpes que yo me había dado: la muerte de mi madre, la enfermedad de mi hija (tiene diabetes), mi separación. Todo eso sucedió más o menos en la misma época y, claro, el libro se ve afectado por la catarsis. Una vez que salió, se me ocurrió hacer una obra de teatro que me gustara como los libros que me gustan a mí. Yo tenía un problema con el teatro: la pasaba muy mal, pero muy mal, como espectador. Me daba vergüenza ajena. Me agarraba un ataque en plena función y me tenía que ir. De hecho, siempre buscaba las butacas de los costados para salir sin molestar. Más allá de si la obra fuese buena o no, yo sentía mucha incomodidad. Y la manera de resolverlo, que no me siguiera pasando, fue hacer una obra que me gustara y subirme al escenario así no me podía ir porque iba a ser yo el que estaría ahí arriba”.

La idea resultó. Bernasconi convocó a un grupo de amigos (un abogado que también es actor y un músico) y empezaron a jugar. Por entonces pensaba: “No sé qué va a pasar con esto, no sé si va a ser una obra de teatro o si lo vamos a presentar en el living de mi casa, pero vamos a jugar con los textos, con las imágenes y con los objetos”. El juego entre amigos comenzó a crecer y a tomar forma de espectáculo. “Aprendí a querer el teatro y a disfrutar del escenario. Me pareció realmente maravilloso. Descubrí que es cierto eso que dicen los actores que no hay una función igual a la otra, no hay un público igual al otro. Aprendí a ver lo orgánico del teatro y me encantó”.

Además del escenario, donde se animó a bailar y a cantar, Bernasconi da conferencias estilo TED y este año fue el elegido por la Fundación El Libro para dar el discurso inaugural de la Feria del Libro Infantil y Juvenil. En todos los casos prepara antes unos apuntes y listo. No le gusta leer en público, prefiere improvisar.

–Hace unos años, en una charla en el espacio cultural de la Biblioteca del Congreso contaste que te da cierto pudor enfrentar a un auditorio. Pero recuerdo que empezaste a hablar y no paraste durante dos horas.

–Hay algo de una timidez puesta en escena. Es como decir: “Esto también es un desafío”. Siendo autor e ilustrador podría estar tranquilamente refugiado dentro de mi propia cabeza, pero creo que exponerse requiere un nivel de clarificación del pensamiento que me parece importantísimo. Eso lo aprendí en la universidad también: entender que lo que sabía no lo sabía hasta que lo podía explicar a los demás. Tengo una charla que se llama “Un dibujo chiquitito”, que resume mi idea sobre la creatividad: yo dibujo en cuadernos y empiezo con dibujos muy chiquitos y voy explorando hasta desarrollar un proyecto, una idea. En el camino, puedo equivocarme un montón de veces y eso es, justamente, lo que interesa.

–Este verano, en Bariloche, presentaste un “maridaje” original con una bartender que creó cócteles a partir de tus personajes. Fue como dar todavía un paso más en la interdisciplina.

–Sí, es que yo adoro esos cruces. Me gusta combinar lo literario con la ciencia, el teatro, el cine, la filosofía. Me parece que enriquece. Creamos tragos a partir de obras y de personajes. Fue muy divertido. Por ejemplo, “El viejo y el mar” tenía espuma de sal y ron por Hemingway y “El Principito” era un whisky clásico con un hielo hecho con agua de rosas y pétalos.

–Tu galería de arte La ridícula idea nació en plena pandemia. Cuando todo cerraba, vos decidiste abrir un espacio para artistas.

–Era un momento en donde lo tangible estaba en crisis. Cualquier proyecto que no fuera virtual parecía ridículo en ese contexto. Yo recibía consultas de mucha gente que quería ir a mi estudio, que está en mi casa, donde tenía mis obras. Pero no quería que la gente que no conocía fuera a mi casa. Entonces dije: “Voy a armarme un estudio en otro lado para exhibir mis obras y dar espacio a los artistas de la zona”. Así surgió la galería. Lo de “ridícula idea” nació porque me parecía que en la pandemia poder encontrarnos, compartir, era algo ridículo.

En la actualidad, la galería (una casita de madera ubicada sobre la avenida Bustillo, frente al lago) abre al público los sábados por la tarde. Además, organizan visitas a muestras, charlas y presentaciones. Todo, siempre, con una invitación a jugar, a sorprenderse. “Estoy convencido de que el juego es lo último que se va a extinguir en el planeta”.

Fuente: Clarín – Su obra es de todos hace tiempo: de sus colegas, editores prestigiosos y miembros de la Academia Nacional de Periodismo que ayer lo recordaron, en un encuentro muy emotivo en el hall central del Museo Nacional de Arte Decorativo (MNAD), de sus compañeros de redacción, con quienes compartió experiencias, y de sus lectores. Incluso de aquellos caricaturizados que, más de una vez, pese a la ironía de sus ilustraciones, le pedían los originales de sus trabajos.

La muestra “Hermenegildo Sábat, maestro del retrato” concluirá el próximo domingo, luego de cuatro meses exitosos. Pasaron por el MNAD más de 120 mil personas. Un récord para un artista, dibujante, periodista, autor de libros maravillosos, que partió hace casi seis años, a los 85 años.

En una charla impulsada por la Academia Nacional de Periodismo que Sábat presidió, se reunieron los académicos José Ignacio Nacho López (quien hoy ocupa el sillón Manuel Belgrano); Ricardo Kirschbaum, secretario general de la Redacción de Clarín; Joaquín Morales Solá (hoy analista político de La Nación pero que recibía sus ilustraciones durante la guerra de Malvinas en este diario); Eduardo Van der Kooy, editor y secretario de Redacción de Clarín, coordinados por el periodista Pablo Sirvén. La idea del encuentro, titulado “Memoria periodística”, fue recordar a Sábat en su trabajo como caricaturista, pero también como compañero del espacio profesional.

https://92c572389323b0fc0baa48f912c95c53.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-40/html/container.htmlTributo a Hermenegildo Sábat, de der. a izq. José Ignacio López, Ricardo Kirschbaum, Joaquín Morales Solá, E. van der Kooy y, en el extremo izquierdo, Pablo Sirvén. Fotos de Ariel Grinberg

Reconocido hace un mes como Personalidad Destacada de la Cultura y, sin duda, el mejor vocero presidencial en 40 años de democracia (lo fue del Presidente Raúl Alfonsín, en los primeros años de una democracia en vilo), José Ignacio López hizo –tal vez sin querer- un anuncio: está en proyecto la realización de un documental sobre Menchi Sábat. Y si, como le cuenta a Cultura el director del Museo Decorativo, Hugo Pontoriero, la expo fue visitada por mucha gente joven, es un proyecto muy auspicioso que exista un registro audiovisual del inolvidable artista.Tributo a Hermenegildo Menchi Saáat en el Museo de Arte Decorativo. Fotos de Ariel Grinberg

Tras agradecer a su viuda Blanca, y a sus hijos Rafael y Alfredo Sábat (quien heredó el gen y el oficio paterno), López dijo luego haber prestado tanta obra inédita para la muestra, que “nadie como Menchi retrató mejor nuestra larga decadencia, nuestra inestabilidad permanente, la crisis moral de las dirigencias, el derrumbe económico y social, la tragedia de la dictadura. Nadie como él nos interpeló con toda esa historia que está sobre los hombros de todos nosotros”. Y agregó: “Menchi no se fue. Está entre nosotros, interpelándonos a través de sus dibujos. Es un «Imprescindible», y lo es en este tiempo. Pocos como él contribuyeron de tal manera al ejercicio de la libertad de expresión en todos los tiempos y a la recuperación de la democracia. Según Nacho López, la exhibición de Sábat es el mejor exponente de “una memoria para construir” y no para dividir.Registros de video que alimentarán un documental. Fotos de Ariel Grinberg

Tras mencionar a sus compañeros de mesa, Kirschbaum, Morales Solá y Van der Kooy, que compartieron horas intensas de redacción con Sábat, el académico anunció el video que se proyectó seguidamente, donde se pudo ver a Sábat conversando primero con Hugo Alconada Mon, durante una entrevista, y luego con Graciela Fernández Meijide, en los que cuenta con pocas palabras su proceso de creación: “El asunto es dibujar las ideas que vos tenés. Cuando me preguntan qué pensaba cuando hice determinado dibujo, creo que tiene que ver con el momento que vivía en ese instante. Y por otro lado sé que hay límites, lo que no significa que un dibujo mío no vaya a publicarse. No es un juego ver un dibujo publicado”, dice Sábat en el video.

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Con varios de sus retratados, Sábat tuvo luego una amistad. Por ejemplo, con Dante Caputo y Juan Sourrouille, Canciller y Ministro de Economía respectivamente durante el gobierno del presidente Alfonsín. Con su sentido del humor austero dice Sábat, amante del jazz y del tango, en el video: “Dormir es lo que mejor hago y nadie me felicita por eso”.

Sirvén, quien coordinó a los participantes, acotó que “con Menchi se terminaba esa tensión entre la palabra y la imagen que existe en las redacciones, quizá por esa franqueza y esa simplicidad con que se expresaba”. La pregunta fue si era un humanista quien dibujaba, teniendo en cuenta que también se abrió al mundo de la música, del arte y de la literatura.Autoeretrato de Menchi Sábat, eterno habitante de la redacción.Viudas de la dictadura; los generales en procesión a su propio velorio. Una histórica caricatura del dibujante.

Recogió el guante Morales Solá, quien subrayó: “En primer lugar, con Menchi nunca hubo tensiones. Fue el mejor analista político de su tiempo. No recuerdo haberle pedido algo en particular. Tenía una singularidad y es que con pocos trazos y ninguna palabra decía muchas cosas. Sin dudas de aquella época (en la que Morales Solá era el segundo hombre a la cabeza de la Redacción de Clarín). Recuerdo el dibujo titulado “Las viudas”, en la época en que terminaba la dictadura militar y empezaban las impugnaciones por los derechos humanos; todo eso se expresaba en ese grupo de altos jefes militares. Desde el poder nadie se quejaba”.

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Morales Solá recordó luego la cantidad de gente “importante que pedía los dibujos de Menchi. Pero no las copias, sino los originales en los que los había dibujado”. Y agregó que su aspecto de “hombre duro” era para esconder su timidez», “no recuerdo haberlo visto enojado.

Cómo lo recordaron sus compañeros

De inmediato Ricardo Kirschbaum se refirió al famoso dibujo de Hermenegildo Sábat que causó un gran revuelo en el país: Sábat dibujó a la entonces presidenta Cristina Fernández de Kirchner con dos tiritas cruzadas sobre la boca, en medio del conflicto con el campo por el frustrado proyecto de retenciones móviles, ideado por el entonces Ministro de Economía kirchnerista, Martín Lousteau.Ricardo Kirschbaum, al recordar al maestro Sábat. Fotos de Ariel Grinberg

El hecho ocurrió en 2008 y la presidenta usó por primera vez el atril público, durante un acto en Plaza de Mayo, para atacar a un periodista a quien acusó de enviar “un mensaje cuasimafioso”. Así lo recordó Ricardo Kirschbaum. Un año antes lo había acusado de “machista”.

Kirschbaum recordó el momento como “algo muy particular. Fue el famoso dibujo donde esa Cristina, con las tiritas en la boca, aludían a que hablaba demasiado. Y ella había dicho que la querían censurar. Pero Menchi nunca contestó. Salvo una vez que escribió un texto que tengo guardado, citando a un músico de jazz que hablaba sobre los códigos no escritos de la mafia. Es la única referencia que hizo sobre el hecho. Nunca quiso hablar sobre el tema”.Cristina Fernández en medio del conflicto con el campo, en 2008. Ésta y otras caricaturas de ese año beligerante enfurecieron a la presidenta.

El secretario general de Clarín agregó un recuerdo: un general muy prominente hizo llegar a la redacción un mensaje y era que si Sábat lo seguía dibujando, iba “a aparecer flotando en el Río de la Plata”. Kirschbaum continuó: “El periodista que en ese momento cubría Ejército trajo esta recomendación al diario. Y Menchi respondió: ‘Bueno, yo soy rioplantese‘”. Lo que provocó sonrisas perplejas en la audiencia, que colmó ayer el hall del MNAD.

“Quiero aclarar algo y es que Menchi era un periodista que iba a la Redacción todos los días porque necesitaba un contacto más cercano con lo que se estaba cocinando –compartió Kirschbaum–. Uno hablaba con él sobre lo que iba a escribir y él hacía lo que quería, pero se adaptaba a los espacios del periodismo. No era un artista que hacía su obra con independencia del vehículo donde sería publicado. El sabía de qué se trataba y dónde se iba a publicar su dibujo”.Desde el comienzo del segundo período de Carlos Menem, no volvió a dibujarlo sino pegado a su sillón presidencial.

Y contó que en la redacción de Clarín hay un dibujo de Sábat, al estilo de un retablo, que retrata desde la presidencia de Roca hasta Menem, sentado en el sillón de Rivadavia.

Kirchsbaum rindió un sentido homenaje a Sábat al señalar que el dibujante “dijo muchas más cosas que nosotros en épocas muy difíciles. El se animaba a decirlo de una manera mucho más sutil. No era directo, sino simbólico”.R. Kirschbaum y el columnista dominical Alejandro Borensztein, en la inauguración de la muestra en el Museo Arte Decorativo. Foto de Emmanuel Fernández.

Luego lo recordó Van der Kooy, quien recordó algo entrañable y es que “a veces en la redacción, uno lo veía de espalda en posición de meditación profunda. En verdad, estaba cabeceando. Pero había un aspecto de Menchi para destacar y es que desmistifica con su forma de ser, con su imaginación y con su arte, eso de asociar la rutina como algo burocrático, poco creativo, Menchi era muy rutinario. Iba a la Redacción incluso los feriados, pero esa relación con ese mundo para él era imprescindible y consiguió convertirlo en algo creativo. Demuestra que la creación también requiere disciplina”.

Del encuentro, cálido y colmado de recuerdos, surgieron calificaciones para Sábat como “un clásico”, “un hombre de cultura erudita”, “un maestro” reelegido por unanimidad como presidente de la Academia Nacional de Periodismo, lo que habla de su empatía y de la admiración que se le tenía.

https://92c572389323b0fc0baa48f912c95c53.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-40/html/container.htmlRetratos de J.L. Borges y Julio Cortázar; la literatura, siempre. Foto de Emmanuel Fernández

Fue interesante un concepto que compartieron los expositores: Menchi Sábat, un defensor de la libertad de expresión, no necesitaba que nadie le pusiera límites “porque los conocía. Y ampliaba esos límites, lo que nos daba más posibilidades en el periodismo”.

También hubo un comentario jocoso sobre su carácter y sus pocas pulgas. Si había que decirle algo que podía no gustarle, había que pensarlo y enviar en todo caso a quien se atreviera. Pero en todos los casos, se subrayó que buscando nuevos recursos narrativos y nuevas técnicas, Menchi Sábat tuvo un modo singular de relacionarse con el mundo.Aníbal Troilo, «Pichuco», visto por Sábat. Foto de Emmanuel Fernández

Quizá su dimensión, que cruzó fronteras, quede sintetizada en esta anécdota contada por Kirschbaum: “El despacho de Menchi en la Redacción quedó como estaba, intacto. Hace poco vino un dibujante español y se lo mostramos. Y apenas entró se puso a llorar”.

Fuente: Clarín – Es 2004. III Congreso Internacional de la Lengua Española en Rosario. Roberto Fontanarrosa está invitado. Su participación tiene que ver con el uso de ciertas palabras que la RAE considera “malas”. Su conferencia resulta memorable –la recordada sonoridad de algunos términos bien argentinos, que no sería lo mismo si no se los usara–. Hoy, aquella ponencia llena de comicidad se puede revivir en YouTube, donde cuenta con millones de visualizaciones.“Fontanarrosa: influencia en las nuevas generaciones de historietistas”.Fotos: Enrique García Medina

Así es como Fontanarrosa se metió en cierto imaginario cultural del siglo XXI: de alguien que comprende, desde muchos niveles (la lengua, la narración, reconocer la carnalidad de ciertas palabras, el encantamiento de masas) que el humor es la forma más elevada de la inteligencia y la sensibilidad.

Pero Roberto “el Negro” Fontanarrosa, historietista, escritor, humorista, dibujante, hincha ferviente de Rosario Central, ya hacía tiempo que estaba en la historia grande de la cultura en Argentina.

Por esto mismo que nos demuestra que su figura se mira desde esta parte del almanaque pero se vive su obra en pleno presente, en el espacio cultura de Clarín en la Feria del Libro de Buenos Aires se decidió recordarlo organizando esta noche una mesa llamada “Fontanarrosa: influencia en las nuevas generaciones de historietistas”.

Un universo para el Negro

Moderada por el periodista Diego Marinelli, la actividad contó con los reconocidos Max Aguirre, El Niño Rodríguez, Miguel Rep y Flor Balestra. ¿Cómo ingresar en el universo vasto de Fontanarrosa?“Fontanarrosa: influencia en las nuevas generaciones de historietistas”.Fotos: Enrique García Medina

Balestra comezó por recordar su figura: “Yo era la única mujer que dibujaba dentro de un círculo propio de varones. Sin embargo, el Negro a mí me habilitó un montón, me presentaba dónde podía, me dio un espacio de reconocimiento. Yo, que soy de Rosario, lo veía en el mítico bar El Cairo con su grupo de amigos con los que solo hablaba de fútbol, política y mujeres y veía que el también le prestaba atención a los que ocurría afuera de la mesa. Creo que los cuentos, disparatados y hermosos, los saco de ahí, de tener esa actitud de estar adentro y afuera. Por eso creo que el bar le daba material de laburo. Cuando enfermó, todos sus amigos lo siguieron viendo hasta el final. De todas maneras, nunca lo recuerdo mal, siempre lo pienso contento. Debo ser la única que no tiene un dibujo del Negro.”

Autor de Clarín desde 1973, Fontanarrosa hizo de Rosario (y su amor por Central) un territorio que lo volvió un personaje reconocible. En ese aspecto siempre se mantuvo fiel a sus orígenes, y de ahí fue hacia el resto del mundo. Eso le dio un lugar extraño (por nuevo) en la historieta argentina.“Fontanarrosa: influencia en las nuevas generaciones de historietistas”.Fotos: Enrique García Medina

Opinó Rep: “Tengo sensaciones alrededor del Negro. Yo era lector de cosas infantiles y recuerdo que de ahí pude pasar a cosas de adultos. Él aparece en ese pasaje. También está Crist. Entonces creo que Crist y Fontanarrosa construían algo nuevo. Eso es producto de un boom argentino en la historieta de ese momento. Los dos la renuevan desde un lado extraño, deudor de la historieta sería. Fontanarrosa en realidad quería ser Pratt pero no le salió. Le salió lo grotesco, la parodia, con una gran deuda al cine y la literatura. Algo novedoso y a la vez tenía un poco de chanta, lo digo en el mejor sentido de la palabra”.

Humor novedoso, fresco y que provenía de las provincias: la trilogía de la reinvención de un territorio que ya estaba mirando hacia el futuro y estaban naciendo Boogie, el aceitoso, por ejemplo. Y continuó Rep: “Eso a mí me rompió. Fontanarrosa me parecía algo de nosotros, de los nuestros”.“Fontanarrosa: influencia en las nuevas generaciones de historietistas”.Fotos: Enrique García Medina

Un trabajo posible

Esa sensación de cercanía fue muy vital para que la historieta pareciese un trabajo posible.

Aportó Max Aguirre: “Yo soy de conurbano. Y lo descubro en la Skorpio Extra. Lo que Fontanarrosa hacía no tenía nada que ver con lo que yo leía. Y metía muchos chistes. Me hacía reír mucho, no podía creer que se pudiese hacer eso .Y es un lujo increíble generar eso. También me voló la cabeza. De ahí me hice fanático. Por otra parte descubrí sus cuentos y comprendí otra manera de mirar el mundo. Fui muy lector de él, muy fiel. Y eso estaba en consonancia con la cultura popular que siempre disfruté”.

Esa mixtura de unir alta y baja cultura, cuando pocos lo hacía, ya sea en sus historietas o en su narrativa, hacían de Fontanarrosa un animal complejo.

Contó El Niño Rodríguez: “El mecanismo es el chiste. Siempre laburás con eso. Fontanarrosa laburaba mucho con los géneros. Le tiraba hacer la sátira. Y en ese sentido es interesante ver sus distintas décadas de sus dibujos. Son piezas de una evolución muy clara y atractiva”.“Fontanarrosa: influencia en las nuevas generaciones de historietistas”.Fotos: Enrique García Medina

Evocar a Fontanarrosa se percibe como poner en relieve la existencia de un clásico, y que también se puede ver como un ícono de la Feria del Libro de Buenos Aires. El legado de la historieta y el humor gráfico están en su figura de autor, sus innovaciones y su estela en sus lectores (que siguen creciendo).

Además, Fontanarrosa es sinónimo de humor gráfico a lo argentino, desde este país. Y de poner a la risa (tanto como el fútbol) en un sitio de privilegio de los materiales literarios. ¿Qué le espera a Fontanarrosa hacia el futuro con todo el trabajo que dejó? Rep se arriesgó con un pronóstico: «Para la inmortalidad, el Negro quedará por sus cuentos y no por sus historietas.”