Categoría: Dibujo

Fuente: Clarín – Su obra es de todos hace tiempo: de sus colegas, editores prestigiosos y miembros de la Academia Nacional de Periodismo que ayer lo recordaron, en un encuentro muy emotivo en el hall central del Museo Nacional de Arte Decorativo (MNAD), de sus compañeros de redacción, con quienes compartió experiencias, y de sus lectores. Incluso de aquellos caricaturizados que, más de una vez, pese a la ironía de sus ilustraciones, le pedían los originales de sus trabajos.

La muestra “Hermenegildo Sábat, maestro del retrato” concluirá el próximo domingo, luego de cuatro meses exitosos. Pasaron por el MNAD más de 120 mil personas. Un récord para un artista, dibujante, periodista, autor de libros maravillosos, que partió hace casi seis años, a los 85 años.

En una charla impulsada por la Academia Nacional de Periodismo que Sábat presidió, se reunieron los académicos José Ignacio Nacho López (quien hoy ocupa el sillón Manuel Belgrano); Ricardo Kirschbaum, secretario general de la Redacción de Clarín; Joaquín Morales Solá (hoy analista político de La Nación pero que recibía sus ilustraciones durante la guerra de Malvinas en este diario); Eduardo Van der Kooy, editor y secretario de Redacción de Clarín, coordinados por el periodista Pablo Sirvén. La idea del encuentro, titulado “Memoria periodística”, fue recordar a Sábat en su trabajo como caricaturista, pero también como compañero del espacio profesional.

https://92c572389323b0fc0baa48f912c95c53.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-40/html/container.htmlTributo a Hermenegildo Sábat, de der. a izq. José Ignacio López, Ricardo Kirschbaum, Joaquín Morales Solá, E. van der Kooy y, en el extremo izquierdo, Pablo Sirvén. Fotos de Ariel Grinberg

Reconocido hace un mes como Personalidad Destacada de la Cultura y, sin duda, el mejor vocero presidencial en 40 años de democracia (lo fue del Presidente Raúl Alfonsín, en los primeros años de una democracia en vilo), José Ignacio López hizo –tal vez sin querer- un anuncio: está en proyecto la realización de un documental sobre Menchi Sábat. Y si, como le cuenta a Cultura el director del Museo Decorativo, Hugo Pontoriero, la expo fue visitada por mucha gente joven, es un proyecto muy auspicioso que exista un registro audiovisual del inolvidable artista.Tributo a Hermenegildo Menchi Saáat en el Museo de Arte Decorativo. Fotos de Ariel Grinberg

Tras agradecer a su viuda Blanca, y a sus hijos Rafael y Alfredo Sábat (quien heredó el gen y el oficio paterno), López dijo luego haber prestado tanta obra inédita para la muestra, que “nadie como Menchi retrató mejor nuestra larga decadencia, nuestra inestabilidad permanente, la crisis moral de las dirigencias, el derrumbe económico y social, la tragedia de la dictadura. Nadie como él nos interpeló con toda esa historia que está sobre los hombros de todos nosotros”. Y agregó: “Menchi no se fue. Está entre nosotros, interpelándonos a través de sus dibujos. Es un «Imprescindible», y lo es en este tiempo. Pocos como él contribuyeron de tal manera al ejercicio de la libertad de expresión en todos los tiempos y a la recuperación de la democracia. Según Nacho López, la exhibición de Sábat es el mejor exponente de “una memoria para construir” y no para dividir.Registros de video que alimentarán un documental. Fotos de Ariel Grinberg

Tras mencionar a sus compañeros de mesa, Kirschbaum, Morales Solá y Van der Kooy, que compartieron horas intensas de redacción con Sábat, el académico anunció el video que se proyectó seguidamente, donde se pudo ver a Sábat conversando primero con Hugo Alconada Mon, durante una entrevista, y luego con Graciela Fernández Meijide, en los que cuenta con pocas palabras su proceso de creación: “El asunto es dibujar las ideas que vos tenés. Cuando me preguntan qué pensaba cuando hice determinado dibujo, creo que tiene que ver con el momento que vivía en ese instante. Y por otro lado sé que hay límites, lo que no significa que un dibujo mío no vaya a publicarse. No es un juego ver un dibujo publicado”, dice Sábat en el video.

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Con varios de sus retratados, Sábat tuvo luego una amistad. Por ejemplo, con Dante Caputo y Juan Sourrouille, Canciller y Ministro de Economía respectivamente durante el gobierno del presidente Alfonsín. Con su sentido del humor austero dice Sábat, amante del jazz y del tango, en el video: “Dormir es lo que mejor hago y nadie me felicita por eso”.

Sirvén, quien coordinó a los participantes, acotó que “con Menchi se terminaba esa tensión entre la palabra y la imagen que existe en las redacciones, quizá por esa franqueza y esa simplicidad con que se expresaba”. La pregunta fue si era un humanista quien dibujaba, teniendo en cuenta que también se abrió al mundo de la música, del arte y de la literatura.Autoeretrato de Menchi Sábat, eterno habitante de la redacción.Viudas de la dictadura; los generales en procesión a su propio velorio. Una histórica caricatura del dibujante.

Recogió el guante Morales Solá, quien subrayó: “En primer lugar, con Menchi nunca hubo tensiones. Fue el mejor analista político de su tiempo. No recuerdo haberle pedido algo en particular. Tenía una singularidad y es que con pocos trazos y ninguna palabra decía muchas cosas. Sin dudas de aquella época (en la que Morales Solá era el segundo hombre a la cabeza de la Redacción de Clarín). Recuerdo el dibujo titulado “Las viudas”, en la época en que terminaba la dictadura militar y empezaban las impugnaciones por los derechos humanos; todo eso se expresaba en ese grupo de altos jefes militares. Desde el poder nadie se quejaba”.

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Morales Solá recordó luego la cantidad de gente “importante que pedía los dibujos de Menchi. Pero no las copias, sino los originales en los que los había dibujado”. Y agregó que su aspecto de “hombre duro” era para esconder su timidez», “no recuerdo haberlo visto enojado.

Cómo lo recordaron sus compañeros

De inmediato Ricardo Kirschbaum se refirió al famoso dibujo de Hermenegildo Sábat que causó un gran revuelo en el país: Sábat dibujó a la entonces presidenta Cristina Fernández de Kirchner con dos tiritas cruzadas sobre la boca, en medio del conflicto con el campo por el frustrado proyecto de retenciones móviles, ideado por el entonces Ministro de Economía kirchnerista, Martín Lousteau.Ricardo Kirschbaum, al recordar al maestro Sábat. Fotos de Ariel Grinberg

El hecho ocurrió en 2008 y la presidenta usó por primera vez el atril público, durante un acto en Plaza de Mayo, para atacar a un periodista a quien acusó de enviar “un mensaje cuasimafioso”. Así lo recordó Ricardo Kirschbaum. Un año antes lo había acusado de “machista”.

Kirschbaum recordó el momento como “algo muy particular. Fue el famoso dibujo donde esa Cristina, con las tiritas en la boca, aludían a que hablaba demasiado. Y ella había dicho que la querían censurar. Pero Menchi nunca contestó. Salvo una vez que escribió un texto que tengo guardado, citando a un músico de jazz que hablaba sobre los códigos no escritos de la mafia. Es la única referencia que hizo sobre el hecho. Nunca quiso hablar sobre el tema”.Cristina Fernández en medio del conflicto con el campo, en 2008. Ésta y otras caricaturas de ese año beligerante enfurecieron a la presidenta.

El secretario general de Clarín agregó un recuerdo: un general muy prominente hizo llegar a la redacción un mensaje y era que si Sábat lo seguía dibujando, iba “a aparecer flotando en el Río de la Plata”. Kirschbaum continuó: “El periodista que en ese momento cubría Ejército trajo esta recomendación al diario. Y Menchi respondió: ‘Bueno, yo soy rioplantese‘”. Lo que provocó sonrisas perplejas en la audiencia, que colmó ayer el hall del MNAD.

“Quiero aclarar algo y es que Menchi era un periodista que iba a la Redacción todos los días porque necesitaba un contacto más cercano con lo que se estaba cocinando –compartió Kirschbaum–. Uno hablaba con él sobre lo que iba a escribir y él hacía lo que quería, pero se adaptaba a los espacios del periodismo. No era un artista que hacía su obra con independencia del vehículo donde sería publicado. El sabía de qué se trataba y dónde se iba a publicar su dibujo”.Desde el comienzo del segundo período de Carlos Menem, no volvió a dibujarlo sino pegado a su sillón presidencial.

Y contó que en la redacción de Clarín hay un dibujo de Sábat, al estilo de un retablo, que retrata desde la presidencia de Roca hasta Menem, sentado en el sillón de Rivadavia.

Kirchsbaum rindió un sentido homenaje a Sábat al señalar que el dibujante “dijo muchas más cosas que nosotros en épocas muy difíciles. El se animaba a decirlo de una manera mucho más sutil. No era directo, sino simbólico”.R. Kirschbaum y el columnista dominical Alejandro Borensztein, en la inauguración de la muestra en el Museo Arte Decorativo. Foto de Emmanuel Fernández.

Luego lo recordó Van der Kooy, quien recordó algo entrañable y es que “a veces en la redacción, uno lo veía de espalda en posición de meditación profunda. En verdad, estaba cabeceando. Pero había un aspecto de Menchi para destacar y es que desmistifica con su forma de ser, con su imaginación y con su arte, eso de asociar la rutina como algo burocrático, poco creativo, Menchi era muy rutinario. Iba a la Redacción incluso los feriados, pero esa relación con ese mundo para él era imprescindible y consiguió convertirlo en algo creativo. Demuestra que la creación también requiere disciplina”.

Del encuentro, cálido y colmado de recuerdos, surgieron calificaciones para Sábat como “un clásico”, “un hombre de cultura erudita”, “un maestro” reelegido por unanimidad como presidente de la Academia Nacional de Periodismo, lo que habla de su empatía y de la admiración que se le tenía.

https://92c572389323b0fc0baa48f912c95c53.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-40/html/container.htmlRetratos de J.L. Borges y Julio Cortázar; la literatura, siempre. Foto de Emmanuel Fernández

Fue interesante un concepto que compartieron los expositores: Menchi Sábat, un defensor de la libertad de expresión, no necesitaba que nadie le pusiera límites “porque los conocía. Y ampliaba esos límites, lo que nos daba más posibilidades en el periodismo”.

También hubo un comentario jocoso sobre su carácter y sus pocas pulgas. Si había que decirle algo que podía no gustarle, había que pensarlo y enviar en todo caso a quien se atreviera. Pero en todos los casos, se subrayó que buscando nuevos recursos narrativos y nuevas técnicas, Menchi Sábat tuvo un modo singular de relacionarse con el mundo.Aníbal Troilo, «Pichuco», visto por Sábat. Foto de Emmanuel Fernández

Quizá su dimensión, que cruzó fronteras, quede sintetizada en esta anécdota contada por Kirschbaum: “El despacho de Menchi en la Redacción quedó como estaba, intacto. Hace poco vino un dibujante español y se lo mostramos. Y apenas entró se puso a llorar”.

Fuente: Clarín – Es 2004. III Congreso Internacional de la Lengua Española en Rosario. Roberto Fontanarrosa está invitado. Su participación tiene que ver con el uso de ciertas palabras que la RAE considera “malas”. Su conferencia resulta memorable –la recordada sonoridad de algunos términos bien argentinos, que no sería lo mismo si no se los usara–. Hoy, aquella ponencia llena de comicidad se puede revivir en YouTube, donde cuenta con millones de visualizaciones.“Fontanarrosa: influencia en las nuevas generaciones de historietistas”.Fotos: Enrique García Medina

Así es como Fontanarrosa se metió en cierto imaginario cultural del siglo XXI: de alguien que comprende, desde muchos niveles (la lengua, la narración, reconocer la carnalidad de ciertas palabras, el encantamiento de masas) que el humor es la forma más elevada de la inteligencia y la sensibilidad.

Pero Roberto “el Negro” Fontanarrosa, historietista, escritor, humorista, dibujante, hincha ferviente de Rosario Central, ya hacía tiempo que estaba en la historia grande de la cultura en Argentina.

Por esto mismo que nos demuestra que su figura se mira desde esta parte del almanaque pero se vive su obra en pleno presente, en el espacio cultura de Clarín en la Feria del Libro de Buenos Aires se decidió recordarlo organizando esta noche una mesa llamada “Fontanarrosa: influencia en las nuevas generaciones de historietistas”.

Un universo para el Negro

Moderada por el periodista Diego Marinelli, la actividad contó con los reconocidos Max Aguirre, El Niño Rodríguez, Miguel Rep y Flor Balestra. ¿Cómo ingresar en el universo vasto de Fontanarrosa?“Fontanarrosa: influencia en las nuevas generaciones de historietistas”.Fotos: Enrique García Medina

Balestra comezó por recordar su figura: “Yo era la única mujer que dibujaba dentro de un círculo propio de varones. Sin embargo, el Negro a mí me habilitó un montón, me presentaba dónde podía, me dio un espacio de reconocimiento. Yo, que soy de Rosario, lo veía en el mítico bar El Cairo con su grupo de amigos con los que solo hablaba de fútbol, política y mujeres y veía que el también le prestaba atención a los que ocurría afuera de la mesa. Creo que los cuentos, disparatados y hermosos, los saco de ahí, de tener esa actitud de estar adentro y afuera. Por eso creo que el bar le daba material de laburo. Cuando enfermó, todos sus amigos lo siguieron viendo hasta el final. De todas maneras, nunca lo recuerdo mal, siempre lo pienso contento. Debo ser la única que no tiene un dibujo del Negro.”

Autor de Clarín desde 1973, Fontanarrosa hizo de Rosario (y su amor por Central) un territorio que lo volvió un personaje reconocible. En ese aspecto siempre se mantuvo fiel a sus orígenes, y de ahí fue hacia el resto del mundo. Eso le dio un lugar extraño (por nuevo) en la historieta argentina.“Fontanarrosa: influencia en las nuevas generaciones de historietistas”.Fotos: Enrique García Medina

Opinó Rep: “Tengo sensaciones alrededor del Negro. Yo era lector de cosas infantiles y recuerdo que de ahí pude pasar a cosas de adultos. Él aparece en ese pasaje. También está Crist. Entonces creo que Crist y Fontanarrosa construían algo nuevo. Eso es producto de un boom argentino en la historieta de ese momento. Los dos la renuevan desde un lado extraño, deudor de la historieta sería. Fontanarrosa en realidad quería ser Pratt pero no le salió. Le salió lo grotesco, la parodia, con una gran deuda al cine y la literatura. Algo novedoso y a la vez tenía un poco de chanta, lo digo en el mejor sentido de la palabra”.

Humor novedoso, fresco y que provenía de las provincias: la trilogía de la reinvención de un territorio que ya estaba mirando hacia el futuro y estaban naciendo Boogie, el aceitoso, por ejemplo. Y continuó Rep: “Eso a mí me rompió. Fontanarrosa me parecía algo de nosotros, de los nuestros”.“Fontanarrosa: influencia en las nuevas generaciones de historietistas”.Fotos: Enrique García Medina

Un trabajo posible

Esa sensación de cercanía fue muy vital para que la historieta pareciese un trabajo posible.

Aportó Max Aguirre: “Yo soy de conurbano. Y lo descubro en la Skorpio Extra. Lo que Fontanarrosa hacía no tenía nada que ver con lo que yo leía. Y metía muchos chistes. Me hacía reír mucho, no podía creer que se pudiese hacer eso .Y es un lujo increíble generar eso. También me voló la cabeza. De ahí me hice fanático. Por otra parte descubrí sus cuentos y comprendí otra manera de mirar el mundo. Fui muy lector de él, muy fiel. Y eso estaba en consonancia con la cultura popular que siempre disfruté”.

Esa mixtura de unir alta y baja cultura, cuando pocos lo hacía, ya sea en sus historietas o en su narrativa, hacían de Fontanarrosa un animal complejo.

Contó El Niño Rodríguez: “El mecanismo es el chiste. Siempre laburás con eso. Fontanarrosa laburaba mucho con los géneros. Le tiraba hacer la sátira. Y en ese sentido es interesante ver sus distintas décadas de sus dibujos. Son piezas de una evolución muy clara y atractiva”.“Fontanarrosa: influencia en las nuevas generaciones de historietistas”.Fotos: Enrique García Medina

Evocar a Fontanarrosa se percibe como poner en relieve la existencia de un clásico, y que también se puede ver como un ícono de la Feria del Libro de Buenos Aires. El legado de la historieta y el humor gráfico están en su figura de autor, sus innovaciones y su estela en sus lectores (que siguen creciendo).

Además, Fontanarrosa es sinónimo de humor gráfico a lo argentino, desde este país. Y de poner a la risa (tanto como el fútbol) en un sitio de privilegio de los materiales literarios. ¿Qué le espera a Fontanarrosa hacia el futuro con todo el trabajo que dejó? Rep se arriesgó con un pronóstico: «Para la inmortalidad, el Negro quedará por sus cuentos y no por sus historietas.”

Fuente: Página12 – Se trata de una nueva recopilación de viñetas mudas en las que el artista uruguayo se muestra más a sí mismo. «El dibujo fue un lugar donde pude encontrar raíz y vivir tranquilo, haber vivido tantos cambios de territorio, afectivos, el exilio…», señala.

“Cuando me siento frente a la hoja tengo una necesidad de descifrar, contar o calmar algo que está sucediendo dentro mío”, plantea Troche. El dibujante uruguayo acaba de publicar Lumbre, otro universo en forma de libro. Una nueva recopilación de viñetas mudas en las que –confiesa- se muestra más a sí mismo. “Nunca me interesó mucho la historieta autobiográfica, pero creo que mi manera de hacerla sería esta, en Lumbre hay algo de desnudarme más”, reflexiona.

Saul Steinberg decía que “dibujaba para calmar sus terrores”. Y Troche explica que lo suyo anda bastante cerca. “Con el tiempo me di cuenta que el dibujo fue un lugar donde pude encontrar raíz y vivir tranquilo –recuerda-, haber vivido tantos cambios de territorio, afectivos, el exilio, bueno, el dibujo fue un lugar donde echar raíz y hacer patria”. Por eso, repasa las hojas, en este nuevo libro los personajes hacen menos y muestran más su interior.

Entre el primer libro que se le conoció en la Argentina (Dibujo invisibles), el segundo (Equipaje) y este, pasaron cosas. Muchas mudanzas: a San Pablo, Brasil, de ahí vuelta a Uruguay, en medio del monte, del monte a la costa y de ahí al fabril barrio montevideano de La Teja. Mudanzas que, en cierto modo, le tocaron la fibra de hijo de exiliados políticos que vivía yendo de un lugar a otro. “Mi vida siempre fue de movimiento constante, siendo hijo de exiliados políticos y bueno, siéndolo yo mismo también, porque viví ese exilio y en un sinfín de lugares, países y casas diferentes, siempre estaba en nosotros el ‘nos tenemos que ir’ y como familia nunca echábamos raíz porque sabíamos que en algún momento nos teníamos que ir”. En todo este movimiento aparecieron las relecturas, como la de la obra de Steinberg. Quizás por esos dos factores en Lumbre aparecen fuerte las situaciones hogareñas.

-Hay mucho menos dibujos “musicales”.

–Es verdad. Hay menos universos también. En mi primer libro había muchos más telescopios, universos y mucho más músicos, pero también en el primer disco la música y el dibujo estaban muy entrelazados porque escuchaba mucha música todo el tiempo. Fue un momento de escuchar mucho, Radiohead, mucho jazz. Ahí en mis dibujos había un recurso que usé toda mi vida, que es la relación del personaje con un objeto, que yo le digo elemento de utilería, como en el teatro. Me acuerdo que en mi primer libro los primeros objetos que aparecieron para poder dibujar situaciones eran personajes con linternas, paraguas, telescopios. Ahí empezaron a aparecer las trompetas, la guitarra, el piano, como para poder jugar. Pero era porque también estaba muy enroscado con los músicos. También me hubiese gustado ser músico, pero no pude y creo que de alguna manera lo pude hacer ahí. Eso desapareció porque uno se aburre de dibujar siempre lo mismo y empezaron a aparecer otros elementos. Por ejemplo, en Lumbre vuelven las linternas pero aparecen cosas nuevas.

-También hay menos juego gráfico, pero no por eso menos metáfora. ¿Cómo fue ese desarrollo?

-Hay menos juego o humor gráfico, ese lenguaje muy propio del gag visual o el humor de situación porque fui como intentando encontrar cosas nuevas porque ya el humor gráfico me empezó a desgastar. Pensá que yo consumo y hago humor gráfico desde que tengo 14 o 15 años y pasé ya por varias etapas: una más punk y agresiva cuando era adolescente, otra de buscar el remate absurdo, después una cosa más poética-existencialista, tal vez hablar un poco más de mí o más de la gente pero desde una mirada un poco más nostálgica y creo que ahora estoy como un momento mucho más fuerte de hablar de mí o de mis vivencias.

–Cambió también cómo usás a los personajes.

-Sí, mis personajes ya no son los vehículos que llevan al guión o a la situación y empezaron a aparecer más. Es como que lo que sucede, sucede adentro del personaje mismo. La metáfora sigue estando pero pasa por otro lado. Ahora los dibujos son un poco más abiertos, no está tan cerrado el remate, hay más interpretaciones. También mi dibujo se soltó un poco más. Mis procesos son muy lentos, no es que yo cambio de un libro a otro, hay un degrade, pero sí hay una intención de soltar el pulso, de soltar la muñeca y que mi boceto termine siendo el original.

–Ahora a esos personajes se los ve mejor por dentro, sabemos quiénes son, qué desean. Representás sus pensamientos.

-Esto es todo muy intuitivo, no es algo que fui buscando. Pero antes tenía la necesidad de hacer personajes que fueran caminando ahí y por más que todos ellos son yo mismo, no quería dibujarme. Tampoco lo hago ahora, pero sí reconozco que al sentarme frente a la hoja estoy buscando descifrar o calmar algo de mí mismo.

–Desde hace años dibujás viñetas mudas. ¿Cómo evolucionó tu modo de abordarlas?

-Bueno, si bien seguí ese camino con mucha firmeza, también tropecé y esa firmeza me costó un montón. Intenté en algún momento escribir, pero me es imposible, mi lenguaje, mi manera de hablar es con el silencio. No elegí nunca hacer humor mudo, se fue dando porque tengo una conexión muy familiar con eso: mi madre era clown, mi padre también pero hacía más el guión, y lo que hacían era todo en silencio. Mucho del trabajo de mi madre era con objetos: un globo, una silla, una pulga, elementos de utilería, y me doy cuenta de que habiendo visto esa gimnasia, la seguí haciendo como dibujante. Y más allá de ver los gags visuales, de Quino, por ejemplo, desarrollé este mensaje mudo dentro de mí. Si evolucionó es porque hoy intento soltar la mano, dibujar más sin pensar. Antes caía con el dibujo ya pensado a la hoja, ahora voy haciendo y jugando, dejando que al dibujo le pasen cosas.