Categoría: Eventos

Fuente: La Nación ~ Con un festejo postergado por la pandemia, se celebran esta semana las cuatro décadas de una feria que le abrió las puertas del primer mundo a la creación local.

“Ya me dijeron que hay de todo para ver”, dice a LA NACION Eleonora Jaureguiberry. Son las seis de la mañana del martes y la subsecretaria general de Cultura de San Isidro acaba de aterrizar en el aeropuerto de Barajas. El mismo avión trajo desde Buenos Aires a Madrid aTeresa Bulgheroni, presidenta de la Fundación Malba, para unirse al equipo de arteba que la espera en la capital española. Ambas se reunirán con los galeristas, artistas, curadores y coleccionistas argentinos que celebrarán esta semana las cuatro décadas de ARCO, feria que le abrió la puerta al arte latinoamericano en Europa.

Mientras el montaje de los stands se aceleraba en el centro de convenciones Ifema, donde mañana entrarán las primeras visitas y pasado los reyes para la inauguración oficial, ya se enviaron las invitaciones para la recepción que se ofrecerá el viernes en la residencia de Ricardo Alfonsín, embajador argentino en España. Representantes de arteba y de la asociación de galerías Meridiano –que impulsarán además visitas guiadas por la feria- brindarán allí por este regreso presencial, tras dos años de pandemia que obligaron a postergar los festejos.

“Celebraremos cuando nos podamos reunir todos”, había prometido en julio a LA NACION Maribel López, directora de ARCO, cuando se disponía a inaugurar en fecha inusual una 40ª edición muy reducida. Junto a Mariano Mayer, curador argentino radicado en España, ideó entonces una manera de que 14 galerías latinoamericanas pudieran estar presentes sin necesidad de cruzar el Atlántico en forma física. Mientras unas enviaron obras que ya se encontraban en Europa, otras lo hicieron en formato digital o apelaron a aquellas capaces de ser producidas mediante instrucciones.

“Como dicen los españoles, me hace mucha ilusión volver a estar acá. Para mí es fundamental. Porque parte del rol de las ferias es el contacto físico, real, el encuentro no solo con las personas sino también con las obras”, dice Orly Benzacar mientras se dispone a presentar las obras de Marie Orensanz y Catalina León en la sección llamada “40 (+1)”. Toda América Latina estará representada en este espacio dedicado al aniversario por la galería fundada hace más de medio siglo por su madre, Ruth, gran protagonista de esta historia.

“La galería participó más de treinta años en forma casi consecutiva en ARCO –recuerda Orly-. Mi mamá y Rosina Gómez-Baeza [directora de ARCO durante dos décadas] generaron un vínculo muy fuerte. A tal punto que Rosina la invitó a hacer una gira latinoamericana para conocer la escena, en los tempranos 90. Para la galería, ARCO fue el escenario que nos permitió vincularnos con Europa y con el primer mundo. Desde acá se construyó una presencia internacional”.

Otro galerista experimentado, Mauro Herlitzka, coincide en señalar a ARCO como “un portal permanente para el arte de la región”. Por eso apostará fuerte en lo que define como “una vuelta al ruedo europeo después de dos años de impasse”, con obras de grandes artistas -Mirtha Dermisache, Gonzalo Elvira, Carlos Ginzburg, Leandro Katz y Susana Rodríguez- atravesadas por el tema de la escritura.

También Rolf Art sorprenderá con una artista consagrada que acaba de incorporar a su staff: nada menos que Sara Facio. Su emblemática serie Perón 1972-1974, que registra los acontecimientos sociales vinculados con el desarrollo del peronismo durante los primeros años de la década de 1970 en la Argentina, se exhibirá junto a 1968: El Fuego de las Ideas, serie de Marcelo Brodsky basada en manifestaciones políticas públicas en todo el mundo. Ambas compartirán stand con una instalación fílmica de gran formato de Andrés Denegri, que proyectará imágenes del archivo nacional. “Participar en esta edición 40 (+1) de ARCO significa ser parte de una iniciativa que inaugura y activa el calendario anual de ferias de arte en el mundo”, dijo a LA NACION su directora, Florencia Giordana Braun.

“Para el arte latinoamericano, ARCO representa la posibilidad del ingreso al mercado europeo”, opinó por su parte Silvina Pirraglia, codirectora de la galería Hache, que realizará otro gran homenaje a un artista argentino: exhibirá pinturas de Santiago García Sáenz, fallecido en 2006, que formaron parte de la muestra antológica que le dedicó el año pasado Colección Amalita. Tras su presentación en Madrid en 2017, en el programa paralelo a la feria cuando la Argentina fue país invitado en ARCO, su obra es incluida ahora en la sección de arte latinoamericano Nunca lo mismo, curada por Manuela Moscoso y Mayer.

En este último espacio habrá también obras de Jimena Croceri, aportadas por la galería Piedras. La misma que representa a Mónica Heller, artista que realizará el envío de la Argentina a la próxima edición de la bienal de Venecia. “Participamos desde 2018 en ferias de distintas ciudades europeas como París, Basilea y Madrid, y sin duda es en ARCO donde mejor confluye el público latinoamericano y europeo -señaló su codirector, Rafael Beltrán-. Los festejos por el aniversario suman mucho interés; muchos argentinos viajan para visitar la feria en esta ocasión. Ese apoyo es fundamental y renueva un compromiso, será el reencuentro con muchas figuras clave para nuestra escena. Hay una sensación de inicio de una nueva etapa luego de estos dos años de pandemia”.

Ese reencuentro tendrá clima festivo gracias al humor y el color en las obras de Mauricio “La Chola” Poblete, artista multidisciplinar que aborda los dilemas de su herencia mestiza –también en la sección Nunca lo mismo, con la galería Pasto-; las de Alfredo Dufour y Alberto Passolini –representados por Constitución en Opening, sección dedicada a las galerías más jóvenes-, y a los exuberantes textiles de gran formato realizados en los años 70 por Marta Palau –española nacionalizada en México- en el stand de Waldengallery.

Y esto no es todo: a la presencia de artistas argentinos representados en la feria por galerías extranjeras -como Liliana Porter (Espacio Mínimo/Mor Charpentier), Tomás Saraceno (Esther Schipper), Jorge Macchi (Continua), David Lamelas (Jan Mot) y Leandro Erlich (Nogueras Blanchard), entre otros- se suman muestras de Diego Bianchi y de Ad Minoliti en el Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M) y en La Casa Encendida, relevantes instituciones madrileñas.

“Sostener durante 40 años esa tarea titánica de llevar adelante una feria es motivo de orgullo –opinó Ricardo Ocampo, director de Waldengallery, que acaba de inaugurar un nuevo proyecto en Uruguay-. Luego de prácticamente dos años convulsionados por la pandemia, que golpeó en muchos aspectos, celebrar junto a las demás galerías argentinas es grandioso. Tenemos las mayores expectativas para esta edición aniversario de la feria, y seguiremos apostando a ARCO como motor clave para promover el arte latinoamericano en Europa”.

Para agendar:

ARCO 40 (+1), del 23 al 27 de febrero en Ifema Madrid. Edición virtual en arco-exhibitions.ifema.es

Fuente: Canal C ~ La muestra de uno de los máximos referentes del arte mundial se expondrá en la sala protocolar de la Agencia Córdoba Cultura.

El jueves 17 de febrero, a las 19 hs, se inaugurará la muestra del artista renacentista italiano Raffaello Sanzio en el edificio ex Legislatura de la Provincia de Córdoba (Rivera Indarte 26), donde se encuentra ubicada la sede central de la Agencia Córdoba Cultura, se inaugurará oficialmente una nueva sala de exposiciones que se suma al circuito de arte de la ciudad.

En este nuevo espacio ya se exhibe la muestra itinerante Opera Omnia: Reflejos del Cielo sobre la tierra, del artista producida por Rai.com. El proyecto Opera Omnia, del cual forma parte esta muestra, nació de la conciencia de que el patrimonio artístico de Leonardo, Rafael, Caravaggio y otros maestros de la pintura italiana está disperso por el mundo en diversos museos, iglesias y colecciones privadas y esto hace imposible realizar grandes exposiciones monográficas.. En ese contexto, Opera Omnia es un intento por acercar la obra de artistas clásicos a la comunidad.

La muestra se realiza con motivo de los 500 años de la muerte de Raffaello y tiene la curaduría de Antonio Paolucci, historiador del arte y especialista en el Renacimiento italiano. La exposición, que ya ha estado en Moscú, Lyon y Buenos Aires, presenta 19 réplicas de alta calidad a escala real y retroiluminadas y puede visitarse, de lunes a viernes, de 10 a 19, con entrada libre y gratuita, hasta fines de marzo.

Fuente: La Nación ~ Las pinturas pertenecen a una serie de tangueras y también hay dibujos realizados en los años 70, que se expondrán próximamente; el acervo del museo inglés ya cuenta con obras de Marta Minujín, Jorge Macchi y Liliana Maresca.

La Tate Modern compró seis obras de la artista argentina Marcia Schvartz, una serie que representa mujeres que van a contrapelo de los prototipos del tango, que se expondrán en el museo londinense próximamente. La adquisición fue realizada con fondos proporcionados por la Tate Americas Foundation, cortesía del Comité de Adquisiciones de América Latina 2021, tras una negociación que llegó a buen término luego de tres años, cuando Michael Wellen, especialista en arte latinoamericano de la institución londinense, visitó la Argentina.

“Fuimos al taller de Marcia y unos meses después envió un mail para comprar las piezas. Acordamos el precio, pero las obras quedaron bloqueadas porque empezó la pandemia y no había vuelos, incluso la Tate cerró sus puertas. En 2021 retomamos el contacto y enviamos las obras: los conservadores del museo evaluaron, aprobaron el ingreso y las van a exponer”, dice desde París a LA NACION Marina Pellegrini, directora de la galería Vasari.

Schvartz hizo las dos pinturas sobre arpillera de la serie de Tangueras en 2004, con una bailarina como modelo. “Son mujeres que van contra el estereotipo del tango, en el que el hombre es víctima. Ese estereotipo de la mujer es feroz: ellas son malas y se venden por un vestidito de percal, cuando la realidad es que muchas de estas mujeres llegaban con una mano atrás y otra adelante, estaban acá y tenían sus propias historias densas, eran inmigrantes que venían solas o las traían en redes de trata como Zwi Migdal [conformada por delincuentes judíos que operó entre 1906 y 1937 con sede en la ciudad de Buenos Aires]”, señala la artista. Y añade: “el Moyano estaba lleno de polacas, alemanas, españolas que habían llegado a nuestro país solas”.

Sábado –una de las pinturas que ya se puede ver en la página de la Tate- representa a una mujer que se prepara para ir a la milonga. En Tabernero, que hace alusión al tango, la figura del hombre embriagado es reemplazada por una mujer que bebe en la intimidad de su casa, sobre un charco de vino (¿o sangre?).

Schvartz, cuya obra se vendió en plena pandemia al Malba y al Museo Reina Sofía de Madrid, y en el último año expuso en Nueva York, hizo unos dibujos en grafito sobre papel que también integran la adquisición cuando vivía en una pensión en Barcelona, a fines de la década del setenta. “No tenía dinero ni lugar: pintaba mucho en los cafés, en el barrio Gótico, frente al Teatro del Liceo, en la rambla”, dice la artista. A la colección de la Tate pertenecen también obras de los artistas argentinos Marta Minujín, Jorge Macchi y Liliana Maresca.

Fuente: Clarín ~ Una obra iniciada en los 80, que el artista terminó en 2020, se conecta y dialoga con trabajos de 12 artistas contemporáneos en una deriva de muchas direcciones. En ella resuena el color y vibran las líneas.

«La complejidad es propia de la idea de caos que propone Noé. Es decir, la complejidad como término positivo, como la combinación de elementos disímiles que logran convivir”, reflexiona la curadora Cecilia Ivanchevich mientras recorre Trama Sinfónica, en el Museo de Arte Contemporáneo de La Boca (MARCO). “Según Yuyo –continúa la curadora–, la vida se compone de eso, de diferentes cuestiones que parecieran no compaginar pero que, al final, una deviene en la otra”. Hasta fines de febrero, la exposición, producida en conjunto por la Fundación Noé y la Fundación Tres Pinos, traza diálogos entre la obra “Sinfonía” de Felipe “Yuyo” Noé, y piezas de otros 12 artistas de diferentes generaciones. El tiempo, la explosión del color y la línea como huella, conectan las búsquedas y sostienen la conversación.

La obra “Sinfonía”, de la que parte la muestra, fue trabajada en dos tiempos. Iniciada en los años 80, fue interrumpida por Noé hasta el 2020, que la terminó y completó con un título que la vincula con la música. Mientras que las demás obras que la componen, fueron seleccionadas por las curadoras: Ivanchevich y Natalia Revale –miembros de la Fundación Noé– junto con Luciana Salvá –parte del equipo curatorial de MARCO–, con el fin de profundizar en ciertas derivas que el artista y ensayista del caos planteó a lo largo de su obra. Así, dieron vida a esta orquesta pictórica, donde lo que resuena es el color y lo que vibra son las líneas.

«SIN-fonía», Luis Felipe Noé, 2020. Acrílico y tinta sobre tela. 113x194cm.

A diferencia de otras obras en las que partió de una mancha para encontrar la figura, en “Sinfonía” Noé repintó las figuras de la primera versión de la pieza –donde podían verse un piano, animales o algunos rostros–, y las volvió abstractas. La obra recuerda así uno de los principales postulados de la Nueva Figuración: allá por los 60, Ernesto Deira, Rómulo Macció, Jorge de la Vega y Yuyo patearon el tablero, terminando con la distinción entre arte figurativo y arte abstracto, demostrando que ambas expresiones podían convivir o hasta ser lo mismo.

En un rincón de la primera sala, donde los colores vivos se expanden por el espacio, está “Fuera de contexto”, una reinterpretación tan grande y profunda como inexplicable que el mismo Noé hizo de su obra “Reflexiones con y fuera de contexto”. La pieza aparece para reafirmar todo lo poderoso del arte visual: generador de sensaciones a veces innombrables. En ella, el artista integró otras de sus obras, como un espejo de los años 60, un paisaje que brilla en una tela de los 80, o un libro de los 90. “Si algo te da el arte, es libertad. Te permite ir y venir en el tiempo”, dice Ivanchevich, y apunta a los autorretratos dispersados en la pieza, en los que Noé es uno y otro totalmente distinto, al mismo tiempo. Algo similar sucede con el protagonista de Códice rompecabezas sobre Recontrapoder en cajón desastre, la novela que publicó en 1974 inspirado en una serie de personajes que había dibujado previamente, en sus sesiones de terapia con el doctor Gilberto Simoes. En aquel libro, el personaje principal –que, si se mira de cerca, se lo encuentra también en esta obra– cambia de nombre, de forma e identidad según las situaciones que se le presentan.

«Kirin», 2018, de Agustín González Goytía. Acrílico, marcador y grafito sobre gabardina. 220 × 300 cm.

En el caso de Catalina León, una de las artistas invitadas, los colores explotan sobre dos tablas de durlock rascadas por el paso del tiempo, que la artista abordó con pintura, hilos, flores artificiales o anotaciones. El tiempo también deja su huella en la obra de Lucrecia Lionti: en “200 días”, la tucumana teje el paso de los días de cuarentena, y elabora así una suerte de calendario de colores, compuesto de materiales que se encontró durante el proceso. “Ella no compra los materiales, le interesa la procedencia mixta de donde vienen. Podría ser tanto una tela de alta costura como una povera. El propio género cuenta del entramado social detrás de ese desperdicio”, indica Revale sobre la producción de la artista, que ha incorporado hasta uniformes de trabajo en otras de sus series.

Por su parte, en “El río era todo el tiempo”, Mónica Millán resignifica un mantel tradicional, y se asemeja, técnicamente, a los textiles de Lionti y León. Pero las tres obras construyen gramáticas totalmente diferentes: “Millán refiere a su propia historia, la selva atraviesa toda su obra y hay algo de la línea del dibujo que es una constante en su producción”, cuenta Salvá de la artista oriunda de Misiones. En general, Millán parte de servilletas, individuales o manteles –elementos del cotidiano que la cultura ha vuelto, a menudo, descartables–, que luego revaloriza y transforma.

Los colores oscuros que priman en la sala del primer piso comienzan a asomarse debajo, en la obra del también tucumano Agustín González Goytía: en esta tela, se reproduce en negro la figura de Kirin, personaje mitológico de Japón –país donde el artista residió–, entre dragón y león, con piel de pez y cuernos de ciervo. Diferentes situaciones transcurren allí a la vez. Son las “melodías del mundo”, según anota el artista en la pieza. Se parecen al acontecer caótico de la vida del que tanto habla Noé. La criatura mágica que Goytía pintó en diferentes sectores, desprendiéndose de la pared, representa para la cultura china y japonesa la llegada de un sabio. Y con ella, la prosperidad.

Dibujos de Mauricio “La Chola” Poblete.

La obra de Yuyo “Lo dejo a tu criterio” funciona como puente entre las dos salas. De formato irregular –no es un círculo, ni cuadrado, ni triángulo, es otra cosa–, la pieza está entre el dibujo y la pintura, no tiene ni arriba ni abajo porque está moviéndose, en rotación, y el movimiento remite al “estar” en el tiempo. Uno de los ejes conceptuales de la exposición.

En la sala de arriba los dibujos y las líneas huyen de los espacios canónicos. “Romper con los estándares es nutritivo para los artistas. Según Noé, el dibujo es la línea: al trazar una línea el artista deja su huella. Es una forma de ir pensando y respirando, la línea construye la imagen propia, resalta formas y las conecta, es el elemento del dibujo que nosotras tomamos para unificar todas estas búsquedas”, explica Ivanchevich. Y la obra “Propagación de las ondas sísmicas”, de Julia Masvernat, ilustra su idea: allí las líneas, cortadas con láser, cuelgan en el aire y habitan las paredes. Se sacuden y enredan entre sí como si tuvieran vida propia. Parecen estar bailando, liberándose o escapando de algún lugar. Para la serie que integra esta pieza, la artista se puso a ensayar la geometría deformada de los pavimentos derretidos, cables enredados, hierros retorcidos y otros accidentes urbanos.

En el caso de Mauricio “La Chola” Poblete, se exhibe una serie de dibujos en tinta donde el artista mendocino –que se puso en boca de todos desde su performance en ArteBA, en la que bailó dentro de una caja de papas Lays–, plasmó un relato donde diferentes mitogramas interactúan entre sí. El carácter multidisciplinar del artista de herencia mestiza que oscila entre los pronombres femenino y masculino, de no aferrarse a una sola búsqueda o técnica, también se adhiere a la noción de “expandido” de las curadoras. “Lo imaginamos a él en muchas de estas situaciones, en ese sentido la serie podría ser performática”, señala Ivanchevich.

Y como en todo caos hay orden, estas obras complejas parten de elementos tan simples como líneas. El trabajo que Matías Ercole exhibe nace de pequeñas líneas que él rayó sobre la materia. Hizo visible un paisaje –que bien podría representar un sueño tenebroso, o un bosque escondido bajo la oscuridad de un pantano de pintura negra– por medio de la técnica sustractiva del esgrafiado.

Artistas participantes: Marina De Caro, Matías Ercole, Agustín González Goytía, Mauro Koliva, Catalina León, Lucrecia Lionti, Julia Masvernat, Mónica Millán, Luis Felipe Noé, Alexis Minkiewicz, Mauricio “La Chola” Poblete y Cristina Schiavi (colaboración con Raúl Flores).

Trama sinfónica – VVAA

Lugar: Museo Marco, Alte Brown 1031
Horario: mié a dom de 11 a 19
Fecha: hasta el 27 de febrero
Entrada: gratuita

Visitas guiadas sáb a las 16; viernes de 18 a 22 noches en el museo: ambas actividades requieren reserva previa desde la web.