Muestra de los Premios Trayectoria en la Casa de la Cultura del Fondo Nacional de las Artes

Fuente: Argentina ~ Las obras de Aldo Sessa, Lucía Pacenza y Tulio de Sagastizábal, ganadores en la última edición de los Premios Trayectoria se expondrán desde el 3 de febrero en la Casa de la Cultura del Fondo Nacional de las Artes.

Los Premios Trayectoria son reconocimientos que otorga el Fondo Nacional de las Artes (FNA), desde 1992, a quienes se destacan en las distintas disciplinas de la cultura.

La muestra que se inaugura el próximo jueves 3 de febrero en la Casa de la Cultura del Fondo Nacional de las Artes reúne más de treinta obras de Aldo Sessa (Premio Trayectoria de Fotografía), Lucía Pacenza (Premio Trayectoria de Escultura) y Tulio de Sagastizábal (Premio Trayectoria de Pintura), como representación del arte argentino de las últimas décadas.

“La idea de exponer algunas obras de quienes habían sido designados por el Directorio en la categoría Artes Visuales 2021 surgió con la intención de acercar al público la posibilidad de conocer una mínima parte de los trabajos de quienes han consagrado su vida al arte en diferentes expresiones, teniendo en cuenta que, en esta ocasión, se eligió cubrir tres disciplinas: la escultura, la pintura y la fotografía. La excelencia de cada uno de los artistas distinguidos permitió reunirlos en un mismo espacio. Así, las contundentes esculturas de Lucía Pacenza, las poéticas pinturas de Tulio de Sagastizábal y las elocuentes fotografías de Aldo Sessa dialogan sin perder singularidad y creando, a la vez, una atmósfera interesante y un conjunto atractivo. Es una muestra que recomiendo visitar”, sostiene Diana Saiegh (presidenta del Fondo Nacional de las Artes) respecto a esta muestra.

Lucía Pacenza es una escultora de larga trayectoria que realizó su primera muestra individual en 1971 y desde entonces ha exhibido sus obras en los principales museos de Argentina y en espacios de España, México y Australia.

“Siento que participar en esta muestra, como parte del Premio Trayectoria del Fondo Nacional de las Artes, es algo trascendente para mí, en este momento de mi carrera. Un estímulo para continuar con mis proyectos, difundir mis esculturas anteriores y seguir tratando de mostrar mis obras actuales e inéditas”, destaca la artista sobre su participación en la muestra.


«Sol de Buenos Aires» de Lucía Pacenza.

En su extensa carrera como fotógrafo, Aldo Sessa registró el rostro de figuras como Arturo Frondizi; Raúl Alfonsín; Carlos Menem; Manuel Mujica Lainez; Ernesto Sábato; Enrique Cadícamo y Charly García entre otros.

“Este premio es muy importante para mi y lo agradezco profundamente. El Fondo Nacional de las Artes cumple una misión muy importante y reconfortante para los artistas, porque un premio a la trayectoria califica muy alto, da un impulso final, y me siento muy orgulloso por esta generosa distinción”, reconoce el reportero gráfico. “Lo único que he podido hacer a lo largo de mi vida es trazar un sendero, que es mi sendero, con los ojos puestos en el país, para tratar de valorizar y transmitir a los argentinos las bellezas, lo desconocido de un país verdaderamente maravilloso”.


«Rito del mate» de Aldo Sessa.

El pintor Tulio de Sagastizábal es además docente y gestor cultural, quien desde mediados de los 90 se distingue por la persistente voluntad de extraer el lado sensible de la geometría y profundizar el acto óptico del color. Fue discípulo de Alejandro Vainstein, Yuyo Noé, Roberto Páez y Guillermo Kuitca, y sus obras se encuentran en colecciones como las del Museo Nacional de Bellas Artes y el Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca.

“El Fondo Nacional de las Artes es una institución muy querida por los artistas argentinos. Siempre estuvo presente para muchos en sus horizontes de crecimiento y consolidación. Por ello, y por muchas otras razones, este premio significa un particular estímulo para continuar con las ganas, el esfuerzo y la perseverancia que siempre pusimos en el logro de nuestras obras”, reflexiona el ganador del Premio Trayectoria en la categoría pintura.


«La cosa en sí» de Tulio de Sagastizábal.

Desde el 3 de febrero hasta el 6 de marzo, el público podrá disfrutar en forma gratuita de los magníficos retratos de José Luis Cabezas y Daniel Barenboim, entre otros, captados por la cámara de Aldo Sessa; las esculturas en mármol de carrara realizadas por Lucía Pacenza y las obras en acrílico sobre papel de Tulio de Sagastizábal. De jueves a domingos de 14 a 19 h en Rufino de Elizalde 2831, CABA.

Convocan a la nueva edición del Salón Nacional de Artes Visuales

Fuente: El Diario del Centro del País ~ El hito cultural es organizado por el Museo Bonfiglioli y lleva 76 años de trayectoria. Comenzó siendo solo local y creció en propuestas a lo largo del tiempo.

El Museo Municipal de Bellas Artes Fernando Bonfiglioli se inauguró en 1968, pero para que eso fuera posible, ya hacía tiempo que se venía trabajando: la colección empezó a tomar forma con una política de adquisición de obras que inició veintidós años antes, en 1946. Ayer a las 10 de la mañana, en una conferencia de prensa de la que participaron el secretario Educación, Cultura y Promoción de la Ciencia, Rafael Sachetto; la directora de Museos y Patrimonio Histórico, Analía Godoy; y la directora de Relaciones Institucionales de la Agencia Córdoba Cultura, Silvia Longo, se presentó la convocatoria en el marco de la organización del Salón Nacional de Artes Visuales Domingo José Martínez.
Godoy contó que los salones se empezaron a desarrollar donde era la Biblioteca Mariano Moreno. O sea, en ese momento se empezaron a adquirir obras que eran de diferentes disciplinas: pintura, escultura, dibujo, grabado. “Estos salones, en principio, fueron locales, regionales, provinciales, hubo alguna instancia nacional”, comentó y explicó que después de la creación del museo se produjo una pausa (a pesar de que hubo algún salón en los setenta) hasta 1985. En ese año se creó la ordenanza que reguló el salón, casi sostenidamente, hasta 2018, cuando se modificó. 
El cambio tuvo un sentido, lo tiene: la ordenanza de los 80 “regulaba solo la adquisición de obras de pinturas y esculturas y no respetaba el espíritu con el que el salón había surgido, que era adquirir obras que sean contemporáneas a la época en la que se desarrollaba el salón”. Entonces, con aquella normativa, “muchos artistas quedaban fuera de esta instancia”.
Por eso, desde 2018 se llama salón de Artes Visuales: por supuesto, están la pintura y la escultura, pero también el grabado, el dibujo, objetos, fotografías, instalaciones y videoarte. “Eso nos permitió y nos va a permitir poder incorporar obras más contemporáneas pensando que los jurados a los cuales convocamos están vinculados a la escena o al mundo de las artes visuales de manera contemporánea”, resaltó Godoy.
Por su parte, Sachetto subrayó la importancia del salón “en la vida institucional” y, en consonancia con la directora de Museos y Patrimonio Histórico, coincidió con que la incorporación de nuevas categorías “implica un aggiornamiento” y, además, posibilita que más artistas sean alcanzados. En otra dirección, se refirió a los premios adquisición que se entregarán: el primero será de 200 mil pesos, el segundo de 150 mil y, a su vez, habrá un premio al artista villamariense de 140 mil. En este punto, sostuvo que estos montos, de algún modo, hacen que sea “interesante la participación”. Luego, le agradeció a la Agencia Córdoba Cultura, al intendente Martín Gill “por pensar en la cultura como algo distintivo” y al jefe de Gabinete del Ministerio de Cultura, Esteban Falcón. Cabe mencionar que Longo, en su discurso -entre otras cosas- dijo que era “un placer acompañar a todas las políticas culturales a lo largo de la provincia”.

Fechas y jurados
En otro plano, es necesario precisar que el cierre de la convocatoria es el 21 de marzo. La selección, por otra parte, se hará del 22 al 1 de abril y el anuncio de quienes queden elegidos será entre el 4 y el 8 de ese mismo mes. Además, el envío de obras tendrá lugar entre el 11 y el 25 de abril, la selección de los premios se hará entre el 2 y el 13 de mayo, y la inauguración será el 20, también de este mes.
Godoy, al tomar la palabra, resaltó a los integrantes del jurado, que estará conformado por el artista cordobés Lucas Di Pascuale, la docente, investigadora y referente villamariense Cristina Gonzalo y la directora del Palais de Glace (Buenos Aires), Feda Baeza. Además, estará el coordinador de Museos y Patrimonio Cultural de la Agencia Córdoba Cultura, Guillermo Alonso.

“Hay producciones contemporáneas”
Respecto a la producción de obra contemporánea en la ciudad, Godoy comenzó señalando que las diferentes instituciones educativas, entre las que se encuentra la Escuela Superior de Bellas Artes Emiliano Gómez Clara, “continúan su formación disciplinar” con carreras como las de pintura y escultura. “Pero hubo una tendencia en estos últimos años de pensar en una producción más extendida en relación a lo disciplinar”, aclaró y mencionó que se está borrando “un poco esta cuestión de la fuerza de la disciplina”. Al mismo tiempo, relató que había una necesidad de cambiar el salón “porque las producciones no se encasillan en una disciplina”. En esta dirección, sostuvo que en Villa María, si bien la producción “no es muy contemporánea”, hay algunas que sí lo son y esto es lo que hay que valorar. “El museo ha sido una gran escuela en estos años abriendo convocatorias para participar de clínicas de obra, talleres de escritura, de curaduría”, dijo. En este sentido, y por último, destacó que para este año se viene una muestra de artistas locales, “que está siendo acompañada por Eugenia González Mussano, en donde cada uno produce y las disciplinas de pintura aparecen, pero de manera aislada”. Y cerró: “Va a ser más performática, instalativa, con técnicas muy diversas”.  

Fundación Arthaus lanza sus convocatorias

Fuente: Arte Online ~ Arthaus, impulsa programas de incentivo al arte contemporáneo. Está comprometida con el estímulo al arte, promoviendo el desarrollo de proyectos, premios y subsidios a creadores. Su identidad se construye a partir de la diversidad de la producción artística.

Concebido como un espacio de producción e investigación atravesado por el cruce de las prácticas artísticas contemporáneas la Fundación sostiene un proyecto de premios y subsidios a los creadores en cooperación con instituciones como el Museo Nacional de Bellas Artes. En el caso del MNBA los acuerdos de trabajo contemplan también la adquisición anual de una obra que será incorporada al patrimonio del Museo.

-Convocatoria para artes visuales en colaboración con el Museo Nacional de Bellas Artes. Esta primera edición está destinada a las artes electrónicas. Se convoca a la presentación de proyectos en los cuales serán admitidas todas las expresiones de las artes electrónicas experimentales. Serán otorgados tres premios: Primer premio de 600.000 pesos y dos premios de 300.000 pesos cada uno, destinados a la producción de obras cuyo resultado será exhibido en el MNBA.

Fecha de cierre de la convocatoria: 31 de marzo de 2022

-Convocatorias para laboratorio de prácticas escénicas contemporáneas bajo la coordinación de la directora Ana Alvarado. El mismo está destinado a artistas con experiencia previa en actuación teatral, interpretación en teatro de objetos, danza, performance y/o artes audiovisuales o multimediales con prácticas performáticas. El laboratorio será de carácter presencial.

Cierre de la convocatoria: 31 de marzo del 2022

Para conocer los requerimientos de la convocatoria y toda otra información ingresar al sitio web: https://www.arthaus.ar/calls o dirigirse la siguiente mail: info@arthaus.ar

Arte inmersivo y experiencia colectiva: en febrero, la primera gran muestra

Fuente: BAE ~ Llega a Buenos Aires una tendencia que agota entradas y suma eventos en todo el mundo. Creación, negocio y un formato convocante. Imagine Van Gogh: aún hay entradas para marzo y abril.

A partir de febrero desembarcan en Argentina dos de las grandes muestras inmersivas en torno a la obra de Vincent Van Gogh. Son exponentes de un fenómeno que es éxito de público en todo el mundo, con entradas agotadas, selfies y entusiasmo por sumergirse en el mundo de artistas como Klimt, Monet y Frida Kahlo.

En un par de semanas, las redes sociales serán repletas de fotos de personas deambulando entre girasoles amarillos y noches azules estrelladas. El 16 de febrero llega a La Rural «Imagine Van Gogh», que agotó en pocos días las entradas para febrero (quedan para marzo y abril). En marzo, llega a Parque Norte «Meeting Van Gogh «, que aún no tiene entradas en venta. 

Nombres de artistas plásticos, giras que parecen de banda de rock. ¿Con qué se encuentra el público cuando va a ver estos espacios? ¿Se parece a una exposición, a una película, a un show? Nada de eso

«Una experiencia inmersiva es diferente a todos esos eventos. ‘Imagine Van Gogh’ es un lugar libre donde se puede hablar, reír, cantar; donde los niños pueden correr y ¡saltar en las imágenes! En una exposición de arte, el protocolo es estricto: tenés que estar en silencio, tenés textos para leer, hay una distancia que hay que respetar con las pinturas y esculturas. esta es una exposición para todos, independientemente de su edad, cultura o idioma. no hablo español y supongo que la mayoría de la gente en Buenos Aires no habla francés, pero podemos compartir un hermoso momento de arte inmersivo juntos, ambos tocaron por el arte de Vincent. Tal vez, la mejor comparación sea una experiencia donde tus emociones están en fuerte comunión con un artista y las personas a tu lado» , explica a BAE NegociosAnnabelle Mauger, Co-directora con Julien Baron de las exhibiciones inmersivas «Imagine Totale» que, además de la de Van Gogh tiene en gira por países de América del Norte muestras de Picasso y Monet. Mauger comentó que están muy felices de que ésta sea la primera exhibición inmersiva que llega a la Argentina. En la oscuridad y con música clásica el público deambulará entre las proyecciones gigantes de 200 obras del pintor postimpresionista. 

Por su parte, «Meet Vincent van Gogh» se titula la muestra inmersiva que llega en marzo del año entrante a Parque Norte, y que cuenta con la virtud de ser «la experiencia única oficial» -se anuncia- ya que fue creada por los expertos del Museo Van Gogh, la institución que fundó en su momento un sobrino de Van Gogh (hijo de Theo) que había heredado todas las obras del gran pintor. El sitio promete que pronto estarán a la venta las entradas.

Qué son las exposiciones inmersivas

A pesar del boom actual, el concepto no es nuevo. «Llevamos mucho tiempo trabajando con exposiciones inmersivas. «Cathedrale d’Images» era parte de mi familia y Julien se unió al equipo de Cáthedrale d’Images en 2005, en el sur de Francia, donde Albert Plécy inventó en 1977 el primer concepto/ técnica de inmersión: Image Totale©. Plécy quería lograr un método de «visión total» que sumergiera por completo al espectador, rodeado de enormes imágenes proyectadas. Hoy continúo su legado, siempre destacando, realzando y respetando la autenticidad y la artesanía de cada artista En Imagine Van Gogh, los espectadores pueden caminar dentro de las imágenes y experimentar la emoción y profundidad de la obra de Vincent de una manera mucho más personal, sintiendo esta conexión con el artista»,

A lo largo de los años, aparecieron voces que matizan con reparos la mirada de este tipo de propuestas. Aunque tal vez no sería pretendido acertado asimilar las intenciones y expectativas a las de una exposición de museo tradicional. Si hasta se realizaron clases de yoga en algunas de las muestras: asanas entre proyecciones de colores. Para muchos, además, obliga a los propios museos a repansar sus propuestas. 

«Este formato, al principio crítico y después muy visitado, perforó venta record en Europa. En tickets culturales estuvieron en segundo puesto en 2019 por encima del Louvre. Las personas antes vieron el arte y ahora quieren ser el arte , quieren estar inmersos y acercarse a las obras del artista. Estos espectáculos permiten la democratización del arte. Antes para ver los trabajos de Van Gogh uno tenía que ir a Europa, ahora se puede hacer así una aproximación a su obra de manera poética y de alto impacto», explica Felipe Duran, co creador de la Isla el Descanso junto a Claudio Stamatto, y fundador de XReal, festival de NFTs y espectáculo de Mapping y hologramas que se realiza en la isla del Tigre, con proyecciones sobre la naturaleza. Trabajaron con Julio Le Parc en el mapping del obelisco en 2019 y después con la obra de artistas cinéticos de la generación del 60, vinculando las piezas físicas con las piezas virtuales, en sintonía con la propia poética del autor. «Son obras que se reconstruyen y se conciben como obras nuevas», dice, marcando la diferencia. 

Hay coincidencias en que estas muestras son una manera de hacer conocer las obras de los artistas a un mayor número de personas. «Como director pero también como madre, que las experiencias inmersivas son una gran manera de acercar el arte a la familia ya las «nuevas generaciones», las «conectadas». Los jóvenes buscan experiencias que pueden comprender y compartir de inmediato. Pero también es una excelente manera para que los visitantes de los museos o los fanáticos de Van Gogh experimenten su arte de una manera nueva e inesperada», dice la directora de la muestra y menciona entre las virtudes la cuestión práctica: «Parece imposible reunir las 200 pinturas más importantes de Van Gogh en Buenos Aires (o en cualquier otra ciudad del mundo), porque están repartidas por todo el mundo y forman parte de museos tan prestigiosos como el Musée d’Orsay en París, la Galería Nacional de Arte de Londres, el Museo Van Gogh en Ámsterdam, el Museo de Arte Moderno y el Museo Metropolitano de Arte en Nueva York. Esta es una forma única de descubrir y dialogar con todas esas pinturas».

Precios de las entradas

Van Gogh es uno de los artistas más populares para este tipo de experiencias. El último verano en Estados Unidos hubo por lo menos 54 exposiciones inmersivas que lo tuvieron como protagonista. Pero Monet gana espacio, entre otras propuestas que abarcan también por ejemplo los frescos de la Capilla Sixtina. Duran puntualiza que podemos acceder a grandes maestros porque sus derechos de autor ya son universales dado que aparecieron hace más de 70 años.

El fenómeno tiene, por supuesto, un costado económico. Las entradas se venden a un precio que pueden ir de 25 a 40 dólares. Imagine Van Gogh, por ejemplo, vendió más de 1.000.000 de entradas desde su estreno en La Grande Halle de La Villete de París. En Argentina, la entrada para adultos tiene un precio de $3000 y hay pack familiar a $8000.

Una experiencia en auge que cautiva a un público creciente, suma entradas e invita a la contemplación colectiva.

El modo Minujín

El año pasado, Marta Minujín presentó en la Fundación Santander una muestra que utilizaba herramientas similares, aunque con diferencias. «Si bien hoy las muestras inmersivas son un fenómeno cultural que rompe récods de taquillas en todo el mundo,  Arte inmersivo (2021), la obra que presentó Marta Minujín se diferencia de las anteriores ya que es una obra en sí misma. Si pensamos en las experiencias inmersivas de Van Gogh o Klimt, artistas ya fallecidos, la proyección de imágenes y sonido en las pantallas es la interpretación post mortem de sus obras llevada a las tres dimensiones», indicó a BAE Negocios Elena Tavelli de la Fundación Santander.

Según explica, fue una instalación pensada y ejecutada por Minujín en medio de la crisis sanitaria universal que obligó a todos los humanos a comprimir sus vidas y sobre todo, su sociabilidad a la pantalla, es de alguna forma la evolución de aquella Galería Blanda que la artista presentó en 1973 invitando al público a una sala donde las paredes, techo y piso, estaban cubiertos por colchones a la tecnología del siglo XXI. Esa “digitalización” de la experiencia, además es heredera del trabajo que Minujín viene haciendo desde la década del ’60.

«Creo que el fenómeno actual está relacionado con nuestro vínculo con las redes sociales que nos ha habituado -y nos exige al mismo tiempo- transitar el plano real y digital en simultáneo. Estas experiencias culturales proponen recrear ese espacio hibrido y compartir esa experiencia que suele ser individual, de manera más social», agrega Tavelli.

Convocatoria al XVIII Salón de Arte Textil

Fuente: Buenos Aires ~ Ministerio de Cultura, el MAP y su Asociación de Amigos invitan a participar del XVIII Salón de Arte Textil en Pequeño y Mediano Formato y anuncian que vuelve a su formato presencial con exposición de los seleccionados y premiados en la sede del MAP.

La Asociación de Amigos y el MAP Museo de Arte Popular José Hernández organizan este Salón, que conforma uno de los más importantes certámenes y estímulos a la labor de artistas textiles del país, y que cumple 18 años. En cada edición es reconocido por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires.

Se trata de una convocatoria anual en la que participan artistas nacionales y extranjeros. Las obras seleccionadas y premiadas por el jurado brindan al visitante una muestra amplia y actual de este campo artístico. Durante dos años, en periodo de pandemia, se realizó de manera virtual y este año, 2022, vuelve a la tradicional exposición en las salas del Museo.

La convocatoria estará abierta a todos los artistas que trabajen cualquier expresión del arte textil, la convocatoria es libre y gratuita. Las obras seleccionadas y premiadas en cada convocatoria por el jurado muestran técnicas que combinan lo tradicional con lo experimental, que utilizan materiales orgánicos, inorgánicos o sintéticos, y que son expresión de texturas, volumen y color. La expresión de arte textil refiere a las obras que se componen de urdimbre y trama por lo que, a diferencia de las artesanías, no requiere una función utilitaria.

La selección de las obras a participar de la muestra se realizará a través del envío de imágenes digitales. Luego de la primera selección los artistas enviarán las piezas y el jurado realizará una segunda ronda para elegir los premios y menciones del concurso.

Descarga las Bases y condiciones

Cronograma
Período de recepción de fotos y documentación: desde el lunes 4 de abril hasta las 24 hs del viernes 8 de abril de 2022 inclusive.
Comunicación de las obras seleccionadas: 19 de abril de 2022
Período de recepción de obra seleccionada: desde el lunes 9 de mayo hasta el viernes 13 de mayo de 10 a 15 hs en el Museo de Arte Popular José Hernández – Av. del Libertador 2373 (CP 1425)
Inauguración de la exposición y premiación: miércoles 15 de junio de 2022
Exposición: Del miércoles 15 de junio al 7 de noviembre de 2022

Bases y condiciones del XVIII Salón de Arte Textil -2022

Obras de César Aira, Alfredo Prior, Federico Manuel Peralta Ramos y su “alma gemela”, Pier Cantamessa, en Bajo Belgrano

Fuente: La Nación ~ En Ciclo, nueva galería porteña, se exhiben obras de artistas argentinos reconocidos y rupturistas, surrealistas y de culto, en una original narrativa documental; se pueden ver las únicas tres pinturas hechas por el premiado escritor del barrio de Flores.

Atención, amantes del arte. ¿Les gustaría incorporar a su colección pinturas de César Aira (las únicas tres que el escritor hizo hasta ahora), Federico Manuel Peralta Ramos, Juan Batlle Planas, Roberto Plate, Fernanda Laguna y Alfredo Prior o, por lo menos, verlas “cara a cara”? Entonces hay que agendar una visita en la flamante galería Ciclo, ubicada en Sucre 1073, en Bajo Belgano, y visitar la caleidoscópica muestra Fondo y figura: Aira, Borges y Peralta Ramos, al cuidado de Alejandro María Correa, creador de Canal (á) y galerista debutante, donde se exponen rarezas y obras de la vanguardia criolla en una narrativa original. Distribuida en tres espacios, reúne pinturas, dibujos, collages, libros, fotos, documentos, videos, manifiestos y música (a cargo del editor, poeta y trovador Francisco Garamona). En la casona de Bajo Belgrano cohabitan, no sin fricciones, Jorge Luis Borges y Fabio Kacero, Annemarie Heinrich y Silvina Benguria, Copi y Cecilia Pavón, Luisa Mercedes Levinson y Juan Andralis, el surrealista argentino al que André Breton le organizó una muestra en París. El nombre de la galería es un homenaje a la revista bimestral homónima editada entre 1948 y 1949 por Aldo Pellegrini, Enrique Pichon-Rivière, Elías Piterbarg y Tomás Maldonado, cuyo lema era Arte, literatura, pensamiento modernos.

Una de las únicas tres pinturas de César Aira, de 2003, en "Fondo y figura: Aira, Borges y Peralta Ramos"
Una de las únicas tres pinturas de César Aira, de 2003, en «Fondo y figura: Aira, Borges y Peralta Ramos»Gentileza muestra Fondo y Figura

“El título de la muestra hace referencia al ‘fondo’, es decir, el contexto de las figuras de Aira, Borges y Peralta Ramos -dice el director de Ciclo a LA NACION-. Mediante relaciones y cruces azarosos se presenta un ambiente en el que el soporte pierde protagonismo: pueden ser pinturas, manifiestos, fotos o libros”. En cierto sentido, Fondo y figura permite que los espectadores creen una fábula del arte argentino contemporáneo en forma de “selva” de influencias, amistades (y enfrentamientos), estirpes y tradiciones olvidadas o inventadas. Se exhibe, incluso, un retrato de la actriz Graciela Borges (quien le debe su apellido al autor de El Aleph) que versiona una obra del neerlandés Frans Hals realizado por la artista Sonia Thomsen por encargo de la revista Gente (y que el galerista encontró en un mercado de San Telmo).

Uno de los axiomas de Federico Manuel Peralta Ramos se exhiben en la galería Ciclo
Uno de los axiomas de Federico Manuel Peralta Ramos se exhiben en la galería CicloGentileza muestra Fondo y Figura

En el área de la muestra destinada a Aira, además de las únicas tres pinturas realizadas por el autor de El mago, se presentan obras de artistas amigos sobre los que escribió, como Sebastián Gordin, Alfredo Prior y Fabio Kacero. También se exhiben algunos de los dibujos de Nahuel Vecino para el libro Haikus (en la edición de Mansalva) y una pintura de Daniel García, artista a cargo de las tapas de los libros que Aira publicó en la editorial rosarina Beatriz Viterbo. En la “galaxia Aira”, además de que se exhiben ejemplares de su vasta obra, están presentes algunos protagonistas de sus libros, como Alejandra Pizarnik (retratada por Anatole Saderman) y Copi, a través de las pinturas de Roberto Plate de la novela El uruguayo. También se exhiben obras de las dos creadoras de la galería Belleza y Felicidad, Cecilia Pavón y Fernanda Laguna, donde Aira mostró sus pinturas en 2003.

Consultado por LA NACION, Aira confirmó que ya no pintaba. “Esos cuadros, tres nada más, los hice un poco en broma, un poco por participar en el juego de Belleza y Felicidad, donde yo pasaba mucho tiempo -recuerda-. Se los quedó Fernanda [Laguna], y ahora los tiene Garamona. No creo que valgan nada, no hubo ningún compromiso serio de mi parte”. En una de las pinturas, tal vez la más surrealista de las tres, un sol le guiña un ojo a un gallo madrugador que navega en una balsa en medio del oceáno. Correa dice que es una especie de autorretrato cómico del escritor, por el hábito de Aira de levantarse temprano para aprovechar bien el día.

Jorge Luis Borges retratado por Anatole Saderman
Jorge Luis Borges retratado por Anatole SadermanGentileza muestra Fondo y Figura

El segmento dedicado a Borges agrupa un tapiz de la “alegre” Norah Borges, monocopias de Juan Batlle Planas -que conoció al escritor- realizadas con un procedimiento automático; fotos y documentos de Luisa Mercedes Levinson (autora junto a Borges de La hermana de Eloísa), el célebre retrato del escritor hecho por Saderman, una pintura de Benguria con Rómulo Macció y su doble, y un ejemplar del relato “El Congreso” publicado en el sello Archibrazo, de Juan Andralis, uno de los artistas “rescatados” en la muestra y del que se exhiben manifiestos (algunos polémicos, como el que dedica a la galerista Ruth Benzacar), libros y objetos. “Era muy amigo de Peralta Ramos y se formó en el taller de Battle Planas -cuenta Correa-. Fascinado por los surrealistas, viaja a París, donde conoce a Breton, que le curó una muestra junto con Leonora Carrington y Max Ernst. Cuando le quisieron comprar una obra, él se negó; dejó de pintar en los años 1960”.

"Metarretrato del pintor Xul Solar", de Pier Cantamessa
«Metarretrato del pintor Xul Solar», de Pier CantamessaGentileza muestra Fondo y Figura

De regreso en la Argentina, Andralis comenzó a trabajar en el Instituto Di Tella con Juan Carlos Distéfano y Rubén Fontana, “que consideraba a Andralis un tipo fuera de serie”, acota Correa. En la década de 1960, él y Mario Pellegrini fundaron la editorial Insurrexit, con la imagen de un dragón como emblema y donde se publicaron Diálogo entre un sacerdote y un moribundo del marqués de Sade, Carta a los poderes de Antonin Artaud y las primeras obras teatrales de Griselda Gambaro, entre otros títulos.

César Aira expuso sus pinturas en la galería Belleza y Felicidad; hoy vuelven a mostrarse en público en Ciclo
César Aira expuso sus pinturas en la galería Belleza y Felicidad; hoy vuelven a mostrarse en público en CicloGentileza muestra Fondo y Figura

El otro gran protagonista de la primera muestra de Ciclo es Federico Manuel Peralta Ramos. Además de fotografías, documentos, textos y un video donde el artista aparece en el Centro Cultural Recoleta (en sus buenos tiempos), se exponen obras de los integantes del grupo Cruz del Sur, del que formaba parte junto con Pedro Roth, Julián Borobio y Pier Cantamessa, “alma gemela” de Peralta Ramos, y otro de los artistas a descubrir o redescubrir por gran parte del público. “Mi único interlocutor válido es Pier Cantamessa”, decía Peralta Ramos. Algunos títulos de las obras de Cantamessa, de quien se muestran varias pinturas, son tan desconcertantes como inspiradores: Estudio de fantasma de un cosmólogo que sabe todo sobre los neutrinos o Retrato de un fantasma de un estudiante lituano de Eules que siempre creyó haberle enseñado geometría a las hermanas Brontë.

Una de las pinturas de Roberto Plate sobre "El uruguayo", de Copi, otro "invitado" a la muestra antológica organizada en Ciclo
Una de las pinturas de Roberto Plate sobre «El uruguayo», de Copi, otro «invitado» a la muestra antológica organizada en CicloGentileza muestra Fondo y Figura

También se exponen dos “calendarios-collage” de Nora Iniesta expuestos en el Recoleta en 1986 (con texto de sala de Peralta Ramos); libros de Lotty Inchauspe, y pinturas de Roth y Borobio. Aunque por la crisis económica hoy sea difícil adquirir obras y pese al Covid (que “mató” los catálogos en papel de las exposiciones), los espectadores no se van con las manos vacías de Ciclo: pueden llevarse textos de artistas y el número 1 de la revista Ciclo, desplegable y con imágenes y textos de María Gainza, Trilce Andralis, Silvia Batlle, Jorge Glusberg, Juana Schindler y Claudio Golonbek.

En la segunda sala de la galería se exponen pinturas de Boto Jordan, creador del restaurante y galería Le Chevalet, fotografías de músicos y una biblioteca con libros sobre rock y cultura. “Es más que nada un puntapié inicial para contar el punk como expresión artística y la idea es que sea un espacio en metamorfosis -dice Correa-. La referencia es el bar ‘que inauguró los años 80′ y que de alguna manera sigue resonando”. En Le Chevalet actuaron Los Violadores, Andrés Calamaro, Gamexane, Diana Nylon y Los Laxantes, entre otros. Además de Peralta Ramos, Renata Schussheim, los intergantes del grupo Caviar, Federico Moura y Daniel Melero concurrían al bar de la calle Ecuador al 1600.

Para agendar

La muestra Fondo y figura: Aira, Borges y Peralta Ramos se puede visitar hasta finales de febrero; por protocolos de salud, debe hacerse con cita previa que se puede solicitar por las redes sociales de la galería: @galeriaciclo en Twitter e Instagram.

Tecnología y arte, generan una experiencia inmersiva de la que somos parte.

Fuente: Buenos Aires ~ Alguna vez imaginaste entrar a la obra de tu artista favorito? Mirar de cerca a las bailarinas de Degas o pasar el tiempo dentro de los relojes de Salvador Dalí?

Para poder vivir una experiencia así vamos a tener que hablar de experiencias inmersivas, tal y cómo indica su nombre, permite la inmersión del espectador en la obra de arte. De este modo, el espectador no solo mira la obra, sino que pasa a formar parte de esta y a usar otros sentidos que no solo la vista, se convierten en un elemento más dentro de la obra.

La primera exposición inmersiva de arte fue inventada en 1977 por Albert Plécy, un fotógrafo francés, en Les Baux-de-Provence, al sur de Francia. Transformó una antigua cantera subterránea en un lugar inmerso llamado Cathédrale d’Images. Los visitantes se podían sumergir de lleno en las proyecciones de las pinturas a través de su nueva técnica de Image Totale.

Hoy contamos con la tecnología inmersiva que intenta imitar una experiencia real a través de una réplica digital o simulada. Esta busca ser cada vez más realista, y que al espectador le sea más difícil diferenciar lo virtual de lo real.

La muestra inmersiva «Imagine Van Gogh», te invita a entrar de forma completa a las Obras de Vicent Van Gogh: vas a poder deambular entre proyecciones gigantes de las pinturas del artista, que te van a arrastrar con cada pincelada, detalle y color de obra en obra, pasando por todas las emociones y diferentes etapas del genio neerlandés, quien fue uno de los principales exponentes del postimpresionismo. Una experiencia extraordinaria donde todos los sentidos se te van a despertar por completo. Vas a poder descubrir más de 200 pinturas de Van Gogh, incluidas sus obras más famosas, pintadas entre 1888 y 1890 en Provenza, Arles y Auvers-sur-Oise.

Imagine Van Gogh será la primera muestra inmersiva que se verá en la Argentina, a partir de febrero en el Pabellón Frers de La Rural. La exposición, ya pasó por las principales capitales del mundo y vendió más de un millón de entradas.

Para conseguir tu entrada ingrese al sitio oficial. En el mes de febrero se agotaron, la muestra va a estar en nuestro país hasta el 15 de abril del 2022.

Guerra ganada: Art Basel conquista París, una capital clave del mundo del arte

Fuente: La Nación ~ La feria suiza obtuvo un contrato de siete años para impulsar otra nueva en el Grand Palais que desplazará a la Fiac, la más importante de Francia.

Con la conquista de París, Suiza ganó otra capital clave para el mundo del arte: Art Basel, la feria más importante del planeta -nacida hace más de medio siglo en Basilea y expandida hacia Miami y Hong Kong– anunció hoy que su empresa matriz, MCH Group, obtuvo un contrato de siete años para impulsar una nueva feria de arte moderno y contemporáneo en el Grand Palais. Desplazará nada menos que a la Feria Internacional de Arte Contemporáneo (Fiac), la más importante de Francia.

Aún sin nombre propio, este proyecto internacional que se inaugurará en octubre buscará tender “puentes con las industrias culturales de Francia, desde la moda y el diseño hasta el cine y la música”. Hasta que se complete la restauración del Grand Palais, en 2024, se alojará en su sede temporaria, el Grand Palais Éphémère, ubicado en el corazón histórico de París.

Obra del artista argentino Tomás Saraceno en el interior del Grand Palais
Obra del artista argentino Tomás Saraceno en el interior del Grand PalaisGentileza Studio Saraceno

Algunos puentes, sin embargo, se quemaron en diciembre. Entonces la Réunion des Musées Nationaux-Grand Palais (RMN-GP), el organismo cultural francés que administra el Grand Palais, abrió un concurso público para cubrir las fechas de Fiac y Paris Photo. Ambos encuentros eran organizados hasta entonces por RX France, parte de un grupo anglo-holandés que continuará a cargo de Paris Photo en noviembre.

En un artículo titulado “Guerra de ferias: el propietario de Art Basel echa a Fiac del Grand Palais de París”, The Art Newspaper reveló que RMN había recibido a fines de noviembre “una muestra espontánea de interés para la organización de una feria de arte contemporáneo y arte fotográfico en las fechas que habitualmente realizan la Fiac y Paris Photo”.

La publicación especializada agregó que Michel Filzi, presidente ejecutivo de RX, escribió en enero una carta a los expositores de Fiac y Paris Photo. En ella aseguró que su empresa no había sido consultada, que la situación tenía “consecuencias muy preocupantes” para las ferias y que se habían iniciado “procedimientos [legales] sumarios”.

La nueva feria se alojará en en el Grand Palais Éphémère, un edificio de 10.000 m² ubicado en el corazón histórico de París, hasta que termine la renovación del Grand Palais
La nueva feria se alojará en en el Grand Palais Éphémère, un edificio de 10.000 m² ubicado en el corazón histórico de París, hasta que termine la renovación del Grand PalaisPilar Velazquez

Su autora, Anna Brady, citó también a Marc Spiegler, director global de Art Basel: la nueva feria “definitivamente no será Art Basel París”, aclaró este último. Según él, la fecha de octubre “era la única que nos funcionaría, ya que tenemos la feria Art Basel en Hong Kong en primavera, Basilea en verano y Miami Beach en invierno [boreales]”.

El sitio Artnet comparó esta movida con un golpe de Estado. “Toma del Palacio: Art Basel ha expulsado a la FIAC de su sede histórica en el Grand Palais en una apuesta audaz por una nueva feria de París”, se titula el artículo de Kate Brown, donde se asegura que RX France calificó la convocatoria abierta el 8 de diciembre como un “intento hostil de desalojo”.

“No hemos descartado a nadie, sino que hemos elegido la candidatura que mejor representaba la ambición de sacar partido de la singularidad de París”, señalaron fuentes del Grand Palais a la agencia AFP. Esta última informó además sobre la preocupación manifestada por las pequeñas galerías de Francia, que tenían asegurado un 30% del espacio de la Fiac.

En el extremo derecho Marc Spiegler, director general de Art Basel, durante la inauguración del programa Art Basel Cities: Buenos Aires
En el extremo derecho Marc Spiegler, director general de Art Basel, durante la inauguración del programa Art Basel Cities: Buenos Aires

Según el comunicado difundido por Art Basel, impulsora del programaArt Basel Cities: Buenos Aires que promovió el arte argentino entre 2017 y 2019, los suizos formarán un equipo local y trabajarán “en estrecha colaboración con la comunidad de galerías de Francia”, además de asegurar su “fuerte representación en el Comité de Selección de la feria”.

“Art Basel tiene la intención de desarrollar una identidad y una marca específica para la feria parisina” que se anunciará en las próximas semanas, agregó, luego de prometer una “estrecha colaboración con los museos de París, instituciones privadas, galerías y otros espacios culturales para crear un programa cultural activo desde de la mañana a la noche, toda la semana y en toda la ciudad”.

“Con su incomparable historia y dinamismo contemporáneo, París se encuentra en una posición única como un epicentro fundamental de la escena cultural internacional -declaró Spiegler-. Nuestro objetivo es aprovechar la posición sin igual de París como metrópolis global para ayudar a crear una semana vibrante, que amplifique aún más la resonancia internacional de la ciudad como capital cultural”.

Arte de verano: el Museo Marc y dos exposiciones para visitar en Rosario

Fuente: Impulso ~ Una de las propuestas es sobre fotografía y la otra forma parte de un programa de corte contemporáneo de la institución. ¿Qué días son las visitas?

El Museo Histórico Provincial de Rosario “Dr. Julio Marc” invita a visitar durante el verano dos exposiciones temporarias: una sobre fotografía y otra que forma parte del programa de arte contemporáneo de la institución. Las mismas se podrán recorrer de manera libre y gratuita.

CALÓGERO

Qué puede una exposición. Derivas en torno a Hiram Calógero”, curada por Francisco Medail. La exposición recupera algunas iniciativas vinculadas al trabajo del fotógrafo, que sucedieron a partir de una muestra que realizó el Museo Marc en 2018.

Una selección de obras –donadas recientemente por José Ramón García Menéndez–, documentos inéditos y nuevos proyectos artísticos que surgieron a partir de aquella muestra, son una excusa para preguntarse por todo lo que puede generar una exposición.

ALITA OLIVARI

“Naif brutal”, de la artista Alita Olivari (Buenos Aires, 1973), curada por Verónica Rossi. Esta exposición se inscribe en el programa de arte contemporáneo del Museo Marc.

La muestra parte de una propuesta en la que su autora, en palabras de Rossi, “es constructora de fábulas, con criaturas que habitan en un jardín de maravillas, princesas, patos, monos, reinas y ninfas, que deambulan entre los objetos del museo”.

HORARIOS DE VISITA

Las exposiciones pueden visitarse de jueves a domingo, de 10:00 a 13:00, en el museo, ubicado en el Parque de la Independencia, en Rosario.

La entrada es gratuita, sin cita previa. Es obligatorio el uso de barbijo durante el recorrido y la presentación del Pase Sanitario al ingreso.

El artista plástico Rubén Farias expone sus obras en el Centro Municipal de Distrito “Antonio Berni”

Fuente: El Ciudadano y la Región ~ “Colores que habitan” es el nombre de la muestra de pinturas del artista rosarino que quedará inaugurada este viernes 21 de enero a las 19 y que podrá verse hasta el próximo 8 de febrero.

A partir del viernes 21 hasta el martes 8 de febrero se podrá disfrutar de la muestra de pinturas de Rubén Farías en el Centro Municipal de Distrito (CMD) Centro “Antonio Berni”, de Wheelwright 1486. De esta manera “Colores que habitan” se inaugurará mañana a las 19. Las visitas se podrán realizar todos los días de 8.30 a 13.

“Entiendo la pintura como forma de expresión del alma, los colores me habitan, amo la tarea de manifestarlos, me es imposible no hacerlo”, dice Farias. De allí el nombre de la exposición que reúne más de una decena de trabajos expuestos en un espacio no convencional: uno de los centros municipales de distrito que abre sus puertas para que artistas emergentes puedan mostrar sus obras.

“El trayecto de la obra de Rubén Farias, no solo está permeado por el color que habita el espacio pictórico, sino que también en él habitan seres que bailan, se aglutinan y emergen, sin embargo, pareciera que ellos son solo una excusa para representar grandes abstracciones de color”, señala la artista plástica y curadora de la muestra Alicia Galeano.

En esta suerte de excusa o quizás un medio como lo son figuras, objetos o personajes que bordean lo imaginario, el artista enfatiza en la búsqueda del color, de los trazos que utiliza para crear, de la magia que combina lo urbano con lo místico; lo cotidiano con la imaginación.

“En la obra de Rubén Farias – escribe Galeano en su texto curatorial–, el color habita y se multiplica, todo lo que existe en el espacio es color y nace del color. Él dice: “Amo la tarea de manifestarlos” y pareciera que el color mora en su ser y surge vehemente y expresivo en cada pincelada para habitar el espacio, como si el color poseyera la voluntad del artista, como si migrara de su ser a la obra, los colores salen de su espacio cuerpo – alma y habitan el espacio pictórico mediante capas yuxtapuestas o superpuestas que cumplen también un proceso de experimentación de la forma a través del color”.

Farías nació en Rosario (1963). Sus inicios con la pintura se dieron de manera esporádica, en distintos momentos de su vida. No obstante, cuenta que desde hace aproximadamente seis años comenzó a tomar clases con Galeano quien lo guió hacia “un proceso de aprendizaje que no termina nunca” y que es, según sus palabras, “un desarrollo hacia el objetivo de la pintura”.