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“Romper la hermeticidad”. Con un nuevo concepto se reinauguró la sala de arte del Buen Pastor

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Fuente: La Nación ~ El rediseño de este espacio, en Córdoba, apunta a ser una “reflexión” sobre la pandemia y sus efectos, permite ver desde adentro hacia afuera y, desde afuera, contemplar el arte.

La pandemia y las cuarentenas impulsaron a la Agencia Córdoba Cultura a repensar algunos de los espacios que tiene en la ciudad y a reacondicionarlos. Guillermo Alonso, director de Museos y Patrimonio de la Provincia, explica que se buscó “romper la hermeticidad” y que tanto quienes ingresan a un museo o centro cultural, como quienes están afuera, puedan acceder a los contenidos.

En ese contexto, hace unos días se inauguró la nueva sala de exposiciones del Paseo del Buen Pastor, ubicada en un punto neurálgico del barrio de Nueva Córdoba, frente a la iglesia de Los Capuchinos, diseñada por Augusto Ferrari.

“Es el resultado de una reflexión en la concepción del museo que tiene que ver con la pandemia y con el trabajar desde distintos puntos de vista del espectador, tanto de quien está adentro, como de quien no”, dice Alonso a LA NACION. Ratifica que el diseño rompe los criterios de hermeticidad y “abre una gran ventana desde el museo a la ciudad -los que están en una sala ven hacia afuera- y desde el afuera al arte, que se puede contemplar desde la calle con mayor o menor proximidad”.

Ver desde adentro hacia afuera y, a la inversa, es el eje de la nueva concepción
Ver desde adentro hacia afuera y, a la inversa, es el eje de la nueva concepción

Alonso admite que esa concepción no es “repetible” en todos los espacios culturales, pero sí entiende que los museos “no van a poder ignorar los cambios que generó la pandemia en todo el mundo”. Junto con el rediseño del Buen Pastor nació el Museo del Cuarteto, con una propuesta similar pero basada en la tecnología que permite generar contenido virtual que puede migrar a redes sociales fácilmente, lo que le permite ser “un museo tanto presencial como virtual”.

La estructura prexistente del Buen Pastor tenía algunas limitaciones para la refuncionalización que, finalmente, se usaron “a favor del arte” en especial por la altura ya que, en los estándares internacionales de exhibición de obras de arte la altura mínima es de 4,5 metros, y ésta tiene seis metros. Se realizó una obra reversible -sin ninguna modificación patrimonial ni de la fachada- de piel de durlock mediante la cual se ganaron 30 metros lineales para exposiciones. Los trabajos incluyeron adaptaciones de luces y climatización para estar acorde a las exigencias internacionales.

El esquema de funcionamiento sigue el que tienen otras instituciones en el mundo: los artistas visitan el lugar y proponen proyectos y muestras en función del espacio. “El Buen Pastor es una lugar ideal para generar arte a partir de la estructura”, dice Alonso. El espacio incluye, también, un lugar para exhibir las colecciones de la Provincia.

La exposición de Marcos Acosta inauguró la nueva sala
La exposición de Marcos Acosta inauguró la nueva salaALBERTO SILVA

La apertura es con una exhibición del artista cordobés Marcos Acosta, con quien el equipo del Buen Pastor trabajó en paralelo al inicio de las obras de remodelación, un período de algo más de tres meses. “Afuera el viento, adentro el mundo” es el nombre de la exposición. Acosta subraya que la elección fue porque en su obra “trabaja mucho el paisaje, la ciudad, y nos parecía que se adaptaba a los espacios de la sala y a la nueva concepción”.

Las pinturas están acompañadas por textos de María Paula Zacharías y Tomas Bondone. “La ciudad también es para él un entorno natural. Si pensamos que un hormiguero es naturaleza, ¿por qué no lo sería lo que construimos nosotros?, pregunta el artista. La dualidad entre geometría y organicidad no existe. Las líneas y los planos que introduce Acosta parecen una intromisión, una huella del recorrido de un hombre (o de la mano de un creador). No lo son: no hay diferencia entre lo artificial y lo dado. La dualidad es una ilusión. Somos un fragmento del todo. El arte permite salir del plano físico: celebra una esencia”, dice Zacharías.

El Palacio de Hacienda como referencia y Punto de Encuentro de los artistas plásticos

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Fuente: Argentina ~ A través de la Coordinación de Recuperación y Conservación del Patrimonio Cultural, el Palacio de Hacienda ofrece dos corredores culturales donde se gestionan muestras de distintos artistas plásticos contemporáneos, como así también muestras realizadas con obras de la pinacoteca del Ministerio de Economía y la constante puesta en valor de los bienes culturales que pertenecen a nuestro universo patrimonial.

Hace 30 años en un hecho sin precedentes y a través de la decisión política del entonces funcionario del Ministerio de Economía, Ingeniero Manuel González se creó un área técnica calificada como la actual Coordinación de Recuperación y Conservación del Patrimonio Cultural, con la dirección del prestigioso artista plástico y empleado del Ministerio, Profesor Osvaldo Attila, con el objetivo de llevar a cabo la investigación, el relevamiento, la reconstrucción y preservación del Patrimonio Cultural de la cartera economica pero también de otros organismos del Estado Nacional. En todos nuestros años de trabajo supimos abrir (y ganar) distintos canales de comunicación vinculados a la preservación y recuperación de Bienes Culturales.

Pero no fue hasta el año 2006 -en el cual se formuló la necesidad de establecer un equipo multidisciplinario- que se propició una apertura real de la Coordinación (y del Ministerio) de cara a la sociedad, a los artistas plásticos contemporáneos, a las entidades sin fines de lucro, a los museos públicos y privados y a todos los organismos que necesitaran asistencia técnica, no solo en la recuperación, conservación y restauración, sino también en la difusión, divulgación y promoción cultural.

Es en este marco que gestionamos dos corredores culturales dentro del Palacio de Hacienda, el Corredor Espacio Cultural Micronice ubicado en el 5º Piso del Palacio y el Salón de Exhibiciones Eva Peróm ubicado en el 2º Piso del Palacio, donde constantemente artistas nacionales e internacionales (invitados y empleados del Mecon) suele realizar sus muestras.

En estos últimos días Diciembre queremos realizar un repaso por todos los artistas que han pasado durante el 2021 por el Palacio de Hacienda.

Comenzamos el año con dos muestras muy importantes. En los meses de Enero y Febrero la artista plástica Marta Anuch expuso en el 5º Piso la muestra “Empoderadora de Mujeres” donde la autora refleja a través de los paisajes la relación de la mujer y la tierra madre.

Mientras que en el Salón Eva Perón hizo lo propio el artista plástico Marito Almaraz (además trabajador del Ministerio) con la muestra “Arte con Humor” , muestra de viñetas gráficas que vinculan el arte y la promoción del mismo en tiempos pandémicos.

En el mes de Marzo junto a la Unión Nacional de Artistas Visuales presentamos la muestra “Tiempo de Mujeres”. Las obras pertenecen a siete mujeres artistas: Eva Farji, Pamela Ferreyra, Patricia Aballay, Florencia Coschignano, Laura Mercado, Gladys Abitante y Marila Tabaray. Las pinturas se encuentran exhibidas en el quinto piso del Palacio de Hacienda y se pueden visitar de manera virtual.

Durante Julio y Agosto en el Corredor Cultural del 5° piso del Palacio de Hacienda se emplazó la muestra de grabados “Entre el juegos y la lucha” de las artistas plásticas Mónica Vidal y Mónica Milikowski. La obra grafica planteada por las dos artistas representada en 16 grabados, procuró el dialogo entre imágenes que plasman la cruda realidad de muchas personas en situación de calle o de trabajadores extremadamente precarizados. Y el reflejo de ese pueblo, que como contrapartida goza y se identifica con lo poco que le queda, que muchas veces se plasma en el futbol.

Desde el Martes 15 de junio tuvimos el placer de disfrutar de 16 obras del artista plastico Juan Manuel Lencinas quién participó este año con la muestra “La vuelta de Santos Vega”

En el mes de Septiembre retomamos las actividades cotidianas con cuidados y protocolos. La artista plástica Gloria Audo presentó en el Espacio Cultural Microcine “Buenos Aires ¿eterna o globalizada?”, en donde se pudo apreciar el espíritu del paisaje urbano que le imprime la artista, además de la memoria e identidad de sus habitantes en medio de la globalización, como herramienta para conservar nuestro patrimonio tangible e intangible.

En el “Espacio Cultural Eva Perón” la artista plástica Alejandra Repetto Escardó presentó “Substantia (naturaleza inmutable)”; 10 obras que componen una producción que plasma la geometría con una marcada alusión a la alquimia, al círculo y al infinito pero nombrados de manera simbólica y oculta a través de los títulos de las series y nombres de la muestras

La última etapa del año fue coronada por dos muestras imperdibles (seguirán vigentes hasta Enero 2022). En el Corredor Cultural Microcine se presenta desde Noviembre pasado la muestra “Expectativa Urbana” del reconocido artista plástico Daniel Corvino.

Su obra autodefinida como “pintura social”, invita a reflexionar sobre la historia reciente de nuestro país e “invoca sentimientos profundos para que un individuo pueda ponerse en el lugar del otro.

Y en el Salón Eva Perón el artista plástico Nicolas Taraborrelli nos visita para presentar una muestra única y personal que invita al asistente a un recorrido con una paleta particular, un trazo que describe un viaje interior sublimado a través del color y las textutas.

Hemos transitado un año muy complejo lleno de dificultades y nuevos desafíos, pero también hemos sabido sortear los obstaculos y proponer un espacio cultural abierto a toda la comunidad, el cual seguiremos explorando y gestionando en pos de la promoción.

Justa vindicación de Juana Butler, artista frecuentemente olvidada

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Fuente: Ámbito ~ Pese a su rigurosa carrera, de las cualidades de sus obras y exposiciones, su nombre suele omitirse en las historias de la pintura argentina.

La galería Calvaresi alberga en estos días una muestra de Juana Butler (1928-2017), artista perteneciente al movimiento que surgió en Latinoamérica, afín al surrealismo y también a la escuela metafísica. El crítico Damián Bayón, dadas las características especiales del movimiento al cual pertenece Butler, conocido como “surrealismo tardío”, plantea diferencias con las tendencias europeas y lo denomina “fantástico”. La figura dominante de esa época es Roberto Aizenberg, discípulo de Batlle Planas. “Los susurros de la luz”, la muestra curada por Paola Vega y Rosario Villani, exhibe en Calvaresi 16 pinturas “fantásticas” de Butler pertenecientes a los años 60 y 70. El recorrido cronológico se inicia con “Un verano más”, un óleo de la serie de Las Pampas. A su lado se encuentra “Foresta mágica”, un cuadro de la serie “Homenaje al Reino Vegetal”, acaso un sol que despliega una ondulante zona luminosa entre las plantas. Ambas pinturas se destacan por su obscuridad, pero, sobre todo, por su poderoso atractivo visual. A partir de allí, de esa densidad poética, las obras de Butler se aligeran, los colores malvas, azules y violetas invaden su paleta y el tiempo se detiene. Hay un juego de ajedrez con un peón, una torre y un caballo sobre el damero y, hay, también, paisajes con territorios vacíos, iluminados con una luz turquesa o amarilla y, habitados por edificaciones que recuerdan vagamente a las de Xul Solar. La conjunción de lo real y lo imaginario, meta del surrealismo, coincide en las pinturas.

Sobrina del conocido pintor Horacio Butler, quién fue su maestro desde sus 14 años, mientras cursaba la Escuela Nacional de Bellas Artes, Juana reconoce su vocación temprana. Su primera muestra individual la realizó en 1955 en la Galería Antígona y desde entonces se sucederían Van Riel, Rubbers, Arte Nuevo, Ruth Benzacar, Del Retiro, Jacques Martínez, el Centro Cultural Recoleta; las exhibiciones itinerantes por Ecuador, Colombia, Venezuela y México, organizadas por el Ministerio de Relaciones. Exteriores; los premios y salones y el envío de sus pinturas a la Primera Bienal Latinoamericana de Arte de San Pablo de 1978. En la Sociedad Hebraica integró “Tendencias Surrealistas en la Argentina” (1965); en Rubbers expuso con Roberto Aizenberg, Juan Batlle Planas, Antonio Berni, Juan Grela y Ricardo Garabito y, en la Galería Proar, participó de la “Exposición Surrealista. Homenaje a Juan Batlle Planas” (1967).

A pesar de esta notable y rigurosa carrera artística, de las cualidades de las obras y de la gran muestra retrospectiva que le dedicaron en el año 2003, el nombre de Juana Butler cayó prácticamente en el olvido. Su ausencia en el libro “Panorama de la pintura argentina contemporánea” y en la mega- muestra de Aldo Pellegrini, crítico y fundador del primer grupo surrealista argentino, en el Instituto Di Tella, no fue gratuita.PUBLICIDAD

Hoy, han transcurrido más de tres décadas desde el despertar del neofeminismo, cuando el grupo Guerrilla Girls, que aspiraba a ser la “conciencia del mundo”, pegó en las calles de Nueva York el póster titulado “Las ventajas de ser una mujer artista”.

La primera, “Trabajar sin la pretensión del éxito”; luego, “Tener la posibilidad de escoger entre la carrera artística o la maternidad” o “No tener que padecer el compromiso de ser llamada un genio”. Desde entonces, gran parte de las instituciones del mundo del arte se han puesto de acuerdo para apoyar a las mujeres artistas que pueblan este mundo.

Entre los cuadernos y papeles de Juana Butler, llama la atención por su creatividad, el diseño del cuadro “Ciudad para un rey ciego”, expuesto en Rubbers en 1968. Las crónicas de esos años señalan la presencia de un mundo suprasensible que subyace bajo sus figuraciones y la influencia de las pinturas de Carrá y De Chirico. La curadora Paola Vega subraya la importancia de la música y la propia Juana Butler escribe de puño y letra: […] “encontré en el surrealismo la libertad que buscaba. La música y la meditación me llevaron al color, el automatismo al ritmo y la emoción a la luz. Los mundos que aparecen surgen por la danza de mi mano. El ojo descubre lo que la mano hace, así aparecen ciudades, figuras, paisajes que mi mente ignoraba. […] Agradezco a Dios que me dio la sensibilidad y la posibilidad para gozar de los mundos internos”.

Artista y curadora, Vega observa los pasos que guiaron a Butler por la senda que lleva a la abstracción y así, a la pintura por la pintura en sí misma, emancipada finalmente de cualquier sujeción a un relato.

El error por el que se vendió un NFT valorado en US$300.000 por solo US$3000

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Fuente: La Nación ~ En las transacciones bancarias tradicionales, esto se suele revertir fácilmente si se informa rápidamente al banco, pero en el mercado de comercio no regulado, generalmente no.

Fue un error de digitación con el que se esfumaron más de US$250.000. Ocurrió en en un instante en el que el dueño de una obra de arte que no existe físicamente, sino solo en forma digital, se “comió” dos dígitos. La pieza se llama “Bored Ape #3,547″ (Mono aburrido #3.547, en español), que forma parte del nuevo género del arte NFT, las siglas en inglés de ‘token no fungible’.

Su dueño decidió ponerla a la venta, pero la ofreció por US$3000 en vez de US$300.000, su valor aproximado. La pieza fue instantáneamente adquirida por una cuenta automatizada que, a su vez, la puso inmediatamente a la venta por cerca de US$250.000.

Bored Ape #3,547 forma parte de la colección de NFT “The Bored Ape Yacht Club”, que contiene una producción limitada de 10.000 piezas únicas de la imagen de un mono con variaciones menores.

El vendedor, maxnaut, le dijo al medio online CNet que tenía la intención de poner a la venta el Bored Ape #3,547 a 75 ethereum (ETH), la criptomoneda utilizada para muchas operaciones de NFT. Pero un “lapso de concentración” durante una de las muchas operaciones que realiza en línea diariamente, lo llevo a escribir “0.75 ETH” (US$2.989).

Bored Ape #3.547 salió a la venta a cerca de US$250.000
Bored Ape #3.547 salió a la venta a cerca de US$250.000OPENSEA

“Instantáneamente vi el error cuando mi dedo hizo clic en el mouse, pero fue instantáneamente disparado antes de que pudiera hacer clic en ‘cancelar’, y así, US$250.000 dólares se habían ido”, dijo.

El presunto comprador también pagó una tarifa muy alta, de 8 ETH (US$32.000), para asegurar la rapidez con la que la red de Ethereum procesa una transacción y así garantizar que la venta se realizara al instante.

En las transacciones bancarias tradicionales, estos errores suelen revertirse fácilmente si se informa rápidamente al banco. Pero en el mercado de comercio no regulado generalmente no hay forma de revertir dicha venta.

Monos aburridos

Los Bored Apes, lanzados en abril de 2021, se generan mediante programación. Un guión de computadora mezcla y combina una variedad de colores, diseños y accesorios para hacer que cada uno sea único.

Inicialmente se vendían por por 0.08 ETH cada uno (US$320 a precios de hoy), pero ahora se venden por al menos 50 ETH (US$200.000). Muchos propietarios, ya sean fanáticos de los NFT o celebridades, usan sus simios como imagen de perfil de Twitter.

Más allá de eso, hay beneficios de ser parte del “club de yates”, incluidas las invitaciones a eventos comunitarios y el acceso a contenido digital exclusivo.

Pero los críticos del mercado NFT en general cuestionan que obtienen los compradores por su dinero cuando compran arte no físico y si el “certificado de propiedad” almacenado en la cadena de bloques, la misma tecnología que sustenta las criptomonedas, vale las enormes sumas que se pagan.

Esta tecnología también consume mucha energía, debido a la forma en que las transacciones son verificadas por la computación de alta potencia, lo que genera críticas de que la industria es mala para el medio ambiente.

Construyen una enorme escultura con 425.000 palillos

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Fuente: La Nación ~ Bob Morehead, de 57 años, ha construido una impresionante escultura utilizando 425.000 palillos dentales. El estadounidense, lleva casi 40 años construyendo obras de arte con este material tan particular.

Inspiradas en la costa amalfitana, Bob ha recreado algunas de las obras arquitectónicas que le han inspirado este zona del sur de Italia. La mayor escultura de este artista, lleva por nombre ‘Bob’s Toothpick City’ y está construida con 425.000 palillos.

Una hazaña que le ha llevado casi 40 años dado que no ha utilizado moldes ni formas ya construidas. Los únicos materiales que ha utilizado son palillos y cola de madera.

El artista norteamericano, ha afirmado que le inspiran las cosas cotidianas de la vida como una buena película, la naturaleza o la música.

¿Democratización de las obras de arte?: una pintura de Renoir se venderá por primera vez dividida en 1125 tokens

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Fuente: Ámbito ~ La primera obra maestra que se subastará será el cuadro del famoso artista francés Pierre Auguste Renoir «Retrato doble de Jeanne Baudot», pintado precisamente hace 125 años.

Una obra de Renoir será vendida en forma de una serie limitada de tokens NFT por Third Place NFT. La plataforma de NFT Third Place anunció el lanzamiento de una colección premium de verdaderas obras maestras del arte pictórico mundial «The Greatest Works of Art», que se venderá en una subasta en forma de una serie limitada de tokens NFT.

La primera obra maestra que se subastará será el cuadro del famoso artista francés Pierre Auguste Renoir «Retrato doble de Jeanne Baudot», pintado precisamente hace 125 años. Según la página web del proyecto, la venta global comenzará el 22 de de diciembre. Como parte de la tokenización, el cuadro de Renoir se dividirá en 1125 tokens NFT exclusivos, cuyos titulares recibirán los derechos de uso del cuadro, derechos exclusivos sobre copias digitales de los NFT adquiridos, así como derechos no exclusivos sobre una copia digital completa del cuadro del famoso artista. Acerca de la colección «The Greatest Works of Art» es el primer proyecto especial de Third Place NFT, cuya misión principal es crear la mayor colección de arte clásico.

Como parte de este proyecto, la plataforma planea localizar objetos de arte mundialmente famosos verificando su autenticidad en colaboración con varios museos importantes y con la ayuda de la tecnología de NFT, hacerlos accesibles a todo el mundo.

Gracias a NFT, los derechos de uso de los objetos de arte obtenidos se certificarán en fragmentos únicos y los participantes en la plataforma podrán comprar obras maestras famosas del arte mundial en partes mediante tokens. Así, cualquiera puede poseer los derechos de obras maestras de artistas reconocidos decorando las paredes de los espacios púbicos de arte.

¿Qué son los NFT?

Un NFT, del inglés Non Fungible Token, se define como un token no fungible, ¿qué significa esto? Significa que estos tokens no pueden ser remplazado por otro de igual calidad y características. Un bien fungible, por el contrario, es aquel que puede ser reemplazado por otro de igual calidad y características, como el dinero fiduciario (dólar estadounidense, pesos, etc.) ya que un billete de $100 tiene el mismo valor que otro de $100. Por el contrario, un bien no fungible es aquel que no puede ser reemplazado por otro igual calidad o características, como por ejemplo las obras de arte. Si le ofrecemos al Louvre intercambiar “La Gioconda” por una réplica pintada por alguien anónimo y desconocido, este último no tendrá el mismo valor, ni utilidad. En conclusión, un bien no fungible no puede ser reemplazado por otro, ni puede haber otro igual.

Con los NFT´s sucede lo mismo que con “La Gioconda”. Al ser bienes no fungibles, los NFT´s son únicos y no se pueden generar dos iguales. Esto es posible gracias a la tecnología blockchain, ya que cada NFT es generado y almacenado en uno de los bloques de la red. Si quisieran generarse dos NFT´s idénticos, si bien estos podrían verse iguales, no tendrían el mismo indicador, ya que cada NFT tiene un indicador único dentro de la blockchain, que no puede ser modificado ni replicado.

De Mar del Plata al cosmos: una muestra de arte se mete con la industria del turismo

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Fuente: Clarín ~ Quienes vayan a “La Feliz” podrán ver obras que piensan qué tienen que ver los viajes con la emergencia climática, la política y la economía. Gratis.

¿Qué expectativas ponemos en juego cuando intentamos un destino vacacional? ¿Cuál es el motor de la curiosidad humana para aspirar salir de la tierra al espacio? ¿Cómo funcionan los sistemas que nos permiten llegar a concretar un viaje, real o imaginario?

Algo de estas cuestiones se abordan en la muestra Destino. Del balneario al cosmos, que exhibe el MAR (Museo de Arte Contemporáneo de la Provincia de Buenos Aires), una propuesta pensada especialmente para la ciudad de Mar del Plata por BIENALSUR y que se transforma en el Km: 383 de esta edición del gran proyecto iniciado por la UNTREF hace unos años. Y que cuenta con el auspicio de revista Ñ.

Se trata una exhibición colectiva curada por Leandro Martínez Depietri y Florencia Qualina que invita a reflexionar sobre los modos de habitar el territorio concebido como foráneo, imaginar futuros más sustentables y enriquecedores para una importante vía de intercambio cultural y de ampliación del mundo como es el turismo, actualmente condicionado por la pandemia.Del Museo Petorutti. Con obras de Roberto Viola, Miguel Burgoa Videla y Augusto Longo. Foto: Prensa

Del Museo Petorutti. Con obras de Roberto Viola, Miguel Burgoa Videla y Augusto Longo. Foto: Prensa

Al interesante recorrido de artistas extranjeros provenientes de países como Dinamarca, Rusia, Finlandia o Chile, se suman artistas locales que trabajan en la ciudad balnearia más importante del país confrontados con otras visiones de épocas muy distintas a la nuestra, con obras de artistas consagrados y fallecidos como Gyula Kosice, Raquel Forner, Roberto Aizenberg, Aldo Paparella y un grupo de artistas de los 40 y 50, que tomaron la idea del ocio como de lo exótico de otros destinos.

La posibilidad de visitar como turistas ciertas zonas de desastres nucleares como Chernóbil (Rusia 1986) o Fukuyima (Japón 2011) tienen presencia en las fotos de la dupla del finlandés Inka y el sueco Niclas, una ventana que nos acerca un grupo de humanos observando un espacio casi sin atracciones en Watching Humans Watching de 2018.

Por el contrario, la joven artista rusa Mariia Fedorova instala en un pie de atril, una tablet donde se pueden ver algunas imágenes borrosas de Fukuyima, mientras dos altavoces vintage permiten escuchar la voz del guía narrando lo que se puede ver.

Un celular instalado debajo que conecta en tiempo real con una ONG que monitorea la vida silvestre reorganizándose, en una curiosa obra denominada Nightingale singing from Fukuyima radioactive forest (Ruiseñor cantando desde el bosque radiactivo de Fukushima).

Una enorme construcción modulada como un castillo de arena de 9 x 9 metros ocupa la Sala 1: se trata de una obra efímera producida con una mezcla de arena y cemento blanco que el artista dinamarqués Adam Jeppensenconstruyó in situ.   En primer plano, Mariia Fedorova "Nigthingale singing from Fukuyima radioactive forest". Foto: Prensa

En primer plano, Mariia Fedorova «Nigthingale singing from Fukuyima radioactive forest». Foto: Prensa

The Great Filler es una obra pensada bajo una afirmación que el artista hace sobre el mundo contemporáneo: ‘nada es permanente’.

Mientras el artista chileno Gianfranco Foschino despliega en seis televisores un viaje en tren rápido de Japón en Skinkasen.

Sobre otra pared, se agrupan una serie de miradas de otros tiempos, con obras de Francisco Vechioli con Interior mallorquín, Miguel Burgos Videla con Botánico de Río de Janeiro o Emilio Coutaret con Ráfagas de verano y Marina, todas del acervo del Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti.

Viejos registros familiares de vacaciones editados y algunos relatos de lugares comunes al mundo playero completan la primera sala.

Como parte de esta muestra colectiva, pueden verse viejos registros familiares de vacaciones editados.

En la Sala 2, es posible entrar en una dimensión completamente distinta. Un astronauta conectado a una aspiradora sobrevuela sobre un cielo pintado de negro en la instalación de la dupla Pipisherman In the space, de 2011.

Al costado una construcción que parece parte de una escenografía de ciencia ficción, puede atravesarse y sentir que estamos siendo parte de un film del estilo: se trata de la obra construida en base a planos que mandó el artista alemán Stefan Eichhor, I went on board in a evil hour again the 15th of september (Subí a bordo en una mala hora, otra vez el 15 de septiembre).

​ Cerca, los argentinos Julieta Tarraubella y Pablo Lozano montan una ficción: un viaje a Marte en News from Mars.La instalación del danés Adam Jeppersen, con “The Great Filler”. Detrás, Inka & Niclas, “Watching Humans Watching”. / Foto: Prensa

La instalación del danés Adam Jeppersen, con “The Great Filler”. Detrás, Inka & Niclas, “Watching Humans Watching”. / Foto: Prensa

El impacto de la carrera espacial de la década del 60 reúne una serie de obras poco vistas de Raquel Forner (1902-1988) del acervo de la Fundación Forner-Bigatti. Son de mediano formato y llevan títulos sugerentes como Terráqueos víctimas o Astronauta en problemas.

Hacen contrapunto con otro gran artista como Gyula Kosice (1924-2016) quien no sólo introdujo líquido en movimiento en sus esculturas, sino que trabajó proyectando su sueño de una ciudad aeroespacial de la que puede verse la bella maqueta proveniente del Museo Kosice.

El mismo extrañamiento de algo desconocido en dos figuras que están hechas de restos: bellas piernas de mujer con un bloque edilicio como tronco y cabeza en la obra de Roberto Aizenberg (1928-1996) y otra de Aldo Paparella (1920-1977), cuya corporalidad está abierta como un precario robot.

Una gran instalación que invita a recorrerla como a un laberinto, montada con paneles traslúcidos de cuatro metros de alto, indica un posible desencanto con el resultado, es la obra de Marcos Calvari, Promenade II.

En el final de recorrida Como es arriba es debajo de Miguel Harte, una de sus obras hechas en moldes de resina cubiertos de pintura industrial brillante junto a una gran pieza del mismo autor que confiere otro sentido a esta colectiva pues se trata de Maternidad un raro espécimen que parece volver la mirada al principio de toda vida. Un amplio paseo por territorios reales y simbólicos que pueden verse hasta marzo de 2022 en el gran museo de Mar del Plata.

Ficha

Título: Destino. Del balneario al cosmos

Lugar: Museo MAR, Av. Félix U. Camet & López de Gomara, Mar del Plata Horario: sábados y domingos de 14 a 19.30 Fecha: hasta el 6 de marzo 2022

Entrada: gratuita

«Muralistas Argentinas», el concurso que impulsa los cambios culturales a través del arte

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Fuente: Cronista ~ El certamen de muralismo es el primero en ser gratuito y federal con temática de género.

L’Oréal Argentina junto al Institut français d’Argentina / Embajada de Francia y la Fundación Andreani -con el apoyo de Plavicon y la Comuna 1 del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires- inauguraron por primera vez el mural del concurso «Muralistas Argentinas» y las encargadas de realizarlo fueron Irene Lavisita y Dana Alessi, dos de las cuatro muralistas ganadoras del certamen.

La escala de la pintura convoca sensaciones multiplicadas y potencia mensajes sociales. Lasivita y Alessi, pintaron con maestría y destreza a otras mujeres. Cada una lo realizó con su propio universo», explicó Lionel Paradisi-Coulouma, Director del Instituto Francés de Argentina.

Y remarcó que «el paisaje de Dana Alessi camufla los rostros y cuerpos de las mujeres como una metáfora de la invisibilidad/visibilidad de las mujeres en nuestra sociedad. A su lado, Irene Lasivita nos lleva a un tiempo de antaño, soñado, imaginario en que las mujeres eran los pilares de las sociedades. Ellas, nos traen una historia y una voz al espacio público».

El premio lo recibirán cuatro artistas. Dos de las ganadoras intervendrán la pared de la plaza Mujeres Argentinas en Puerto Madero, que se inaugurará el 2 de diciembre de 2021. Y obtendrán además la suma de $310.000 pesos cada una.

Mientras que la segunda pared a intervenir será en la central de distribución de L’Oréal Argentina, situado en el complejo industrial Norlog de Andreani en Tigre, donde las otras dos artistas ganadoras, Ana Gabillot junto a Javiera Gara, recibirán la suma de $240.000 pesos cada una y descubrirán sus murales el 1° de febrero de 2022.

Lavisita explicó que su propuesta está relacionada con la influencia del pensamiento francés en los primeros movimientos feministas locales, haciendo foco en la figura de Alicia Moreau de Justo, precursora feminista argentina de ascendencia francesa. Por su parte, Alessi aporta una mirada interdisciplinaria gracias a su trabajo con múltiples soportes artísticos tales como el cuerpo, la pintura, el dibujo, el diseño textil, entre otros.

El valor de los importes a pagar surge de la nueva denominación consensuada por la agrupación de artistas que intervienen en los distintos espacios públicos en la ciudad, atendiendo la igualdad de género y remuneraciones equitativas. Por su parte, Plavicon, uno de los auspiciantes del concurso, aporta todos los materiales para la realización de los murales.

Un reconocido jurado a cargo de seleccionar a las artistas finalistas conformado por Brenda Bianquet, Gerenta de Asuntos Corporativos de L Oréal Argentina; Laura Buccellato por Fundación Andreani; Pauline Fondevila, artista visual francesa; Lucie Haguenauer, adjunta para la cooperación artística del Institut français d’Argentine / Embajada de Francia y Laura Spivak, curadora independiente; realizó una preselección de seis artistas sobre más de 220 mujeres inscriptas.

«Nos complace poder hacer visible problemáticas que nos permitan impulsar la equidad de género en el país. Hoy estamos viviendo una revolución global muy positiva, que busca igualdad de oportunidades», comentó Jean Noël Divet, CEO de L’Oréal Argentina.

Y agregó, que, desde L’Oréal están convencidos, «que desde el ámbito privado, debemos participar activamente en esta revolución que, en este momento de la historia, está marcada por la diversidad, la incorporación del universo digital, igualdad de oportunidades y apertura a otros colectivos. Por tal motivo, es un desafío que tomamos y con el que nos comprometemos para seguir generando un impacto social positivo que promueva la igualdad en todos los espacios de la vida.»

El objetivo principal del concurso es impulsar los cambios culturales que construyen una sociedad igualitaria ya que el rol de la mujer y el muralismo en el espacio público sigue estando por debajo del papel de los varones; y plantea un espacio de expresión en el que las artistas mayores de 18 años, tienen la posibilidad de destacar el rol de la mujer y quienes se auto-perciban mujeres dentro del espacio público.

La temática central fue: «La mujer ocupando los espacios públicos», «Nuevos espacios en el género», «Mujer instalada definitivamente en el espacio público», «Francia – Argentina: las luchas feministas en común».

Acerca de Mujeres Argentinas

Se trata de una iniciativa de L’Oréal Argentina junto al Institut français d’Argentine – Embajada de Francia que contribuye a promover la equidad de género y el empoderamiento femenino, buscando inspirar a más mujeres a conectarse con su propia ambición y

perseguir sus sueños, alentadas por el descubrimiento de experiencias de vida e historias verdaderas.

En 2018 se lanzó el programa a través de una muestra fotográfica realizada por el prestigioso estudio «Harcourt» ubicado en la ciudad de París, que retrató a 40 mujeres de nuestro país que se han destacado a lo largo de su vida por su liderazgo y trascendencia profesional.

La muestra fotográfica recorrió museos de distintos puntos del país y también, fue plasmada en un libro de edición limitada.

Se inaugura el mayor mural en homenaje a Lionel Messi

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Fuente: El Ciudadano ~ Este lunes 13 se estrena la obra “De otra galaxia y de mi ciudad”, de 69 metros de alto en avenida De La Libertad 328; el municipio estará presente con un taller artístico para escolares.

Este lunes 13 se inaugura la obra “De otra galaxia y de mi ciudad”, el mayor mural rosarino en homenaje a Lionel Messi, de 69 metros de alto y emplazado en avenida De La Libertad 328; en la ocasión, la Municipalidad de Rosario, a través de la Secretaría de Cultura y Educación, desplegará un taller artístico destinado a alumnos y alumnas de la Escuela N° 92 “Aristóbulo del Valle”, que se desarrollará entre las 10 y las 12 sobre el parque Urquiza, frente al flamante ícono urbano.

De esta manera, chicos y chicas de quinto y sexto grado de la escuela de zona sur podrán ser los primeros en ver la obra finalizada, gracias al apoyo del Fondo de Asistencia Educativa. Además, disfrutarán de una jornada de expresión artística a cargo de los muralistas Marlene Zuriaga y Lisandro “Lichi” Urteaga, y del artista local Carlos Barocelli. La propuesta consiste en aprender a componer personajes de historietas, tomando como referente a La Pulga y sus logros deportivos. Toda la producción de dibujos, mensajes y deseos para el 2022 será enviada a Lío Messi.

Una vez finalizado el taller, a las 12 tendrá lugar la presentación a la prensa con la presencia de los artistas de Imagina Pintura Mural, autoridades locales y todos los vecinos y vecinas que deseen participar.

El proyecto Común Messi

“Común Messi” es un proyecto de arte urbano a gran escala que busca posicionar a Rosario como cuna del futbolista más grande del mundo, por medio de dos obras murales de gran escala en la ciudad. La primera obra de este proyecto, ya realizada en junio pasado en el barrio La Bajada, en el distrito Sur -barrio de la infancia de Lionel Messi- fue titulada “De otra galaxia y de mi barrio” con una altura de 12 metros y repercusión a nivel mundial.

Esta obra pintada en el marco de la Copa América 2020 fue reproducida por toda clase de medios en el plano nacional y mundial.

La obra restante, aún más ambiciosa, es el mural más grande de la ciudad y uno de los más grandes del país y del mundo, emplazado en un edificio de la costanera con una altura de 69 metros, a metros del Monumento a la Bandera.

Messi: alto en el cielo y de cara al río

Luego de un mes de trabajo, el mural de 69 metros de altura ya es visible desde varios puntos de la costanera central. Los artistas del grupo Imagina Pintura Mural fueron los encargados de idear y llevar a cabo esta obra de 534 metros cuadrados con la figura de Lionel Messi de cara al río.

“Quisimos representar a ese chico que tantas veces dijo que desea que lo recuerden por ser un buen tipo, por encima de la idea de ser el más grande jugador de fútbol del mundo”, dijeron los artistas.

Esta idea monumental pudo realizarse gracias a la donación de la medianera del edificio Scuba 42, proyecto inmobiliario de la firma local BBZ Constructora; y de 180 litros de pintura y otros elementos cedidos por la empresa Sipp Pinturerías.

Además, hicieron posible este proyecto las firmas Paladini, Remax, Abut Transportes, Andiamo, IMG Rental y Paraná Bike. Acompañan el Concejo Municipal, la Cámara de Diputados de la Provincia de Santa Fe y la Universidad Nacional de Rosario.
Cronograma de la jornada inaugural

  • 10 a 12hs: jornada con infancias dibujando a Messi a cargo de Carlos Barocelli en conjunto con Marlene y Lisandro (artistas que pintaron el mural).
  • Desde las 12 se hará la presentación formal, se firmará un convenio con la firma BBZ y se entregará un reconocimiento a los artistas de parte del Concejo Municipal.

Murió Gumier Maier, artista ícono de los noventa y “curador doméstico”

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Fuente: Infobae ~ Tenía 68 años y fue una figura clave en la renovación de las artes visuales argentinas. Estaba internado hacía varios meses.

El artista y curador Jorge Gumier Maier, figura clave para pensar la renovación de las artes visuales en la Argentina y referente de un estilo que construyó desde la galería del Centro Cultural Rojas, que dirigió desde su creación en 1989, hasta 1996, murió hoy a los 68 años, luego de estar internado en los últimos meses.

La noticia fue confirmada por Florencia Battiti, crítica de arte, docente y curadora del Parque de la Memoria, donde la obra del artista había formado parte de una exposición colectiva este año.

Desde el Rojas, Gumier Maier (Buenos Aires, 27 de julio de 1953) consolidó un lugar de resistencia y experimentación e impulsó una renovación generacional en el arte, pero en los 80 ya había desarrollada una importante actividad como artista, periodista y militante del GAG (Grupo de Acción Gay) participando en numerosas exposiciones individuales y colectivas.Crédito: verrevCrédito: verrev

Asimismo, promovió a una nueva camada de artistas, conocida como El grupo del Rojas, que fue parte de una renovación generacional e inició un debate político y cultural sobre las tendencias del arte argentino de los 90. Publicó en revistas como El porteño, Vox y Cerdos y Peces y en 2002 recibió el Diploma al Mérito en Artes Visuales de la Fundación Konex.

Creador del término “curaduría doméstica”, un concepto-estampa con algo de metodología informalista y un entusiasmo ascético en el carácter sagrado laico de las obras, su primera muestra individual fue en 1982 y entre sus principales exhibiciones se destacan la del emblemático Instituto de Cooperación Iberoamericano, en 1993, y otro ícono de la época como la de la galería Belleza y Felicidad, en 1999.Crédito: Gian Paolo MinelliCrédito: Gian Paolo Minelli

En el último tiempo, Gumier Maier trabajaba en la catalogación de su obra y sus trabajos habían formado parte de la muestra Inventar a la intemperie. Desobediencias sexuales e imaginación política en el arte contemporáneo, que se puede ver hasta mañana en el Parque de la Memoria, un recorrido por más de 40 años de expresiones artísticas, activismos y emergentes sociales que impulsaron nuevos sentidos.

A su vez, de marzo a agosto pasados se presentó en el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (Macba) la muestra colectiva Neo Post, 50 años de pintura geométrica en la Argentina 1970-2020 en la que sus obras se exhibieron junto a las de 80 artistas, entre ellos Alfredo Londaibere, Pablo Siquier y Magdalena Jitrik.