El centenario de una galería que es un hito

Fuente: Página12 – La galería de arte van Riel cumple cien años ininterrumpidos. Es un hito en la historia del arte argentino y regional.

Cuando la galería van Riel abrió por primera vez sus puertas el 7 de junio de 1924 en Florida 659, el presidente Marcelo T. de Alvear asistió a la inauguración. Los diarios del día siguiente dieron cuenta de aquel acontecimiento cultural y social al cual, como se decía, no faltó nadie. Si tomamos en cuenta el desprecio por la cultura por parte del gobierno actual, tal gesto presidencial de hace un siglo hoy resulta impensable.

Frans van Riel, un inmigrante italiano nacido en Roma en 1879, abrió la primera galería de arte construida para ese propósito en la Argentina. Van Riel llegó a estas costas en 1906 y luego de establecerse trabajó como ilustrador en el diario La Prensa. Más tarde abrió un salón de fotografía cuyo estudio estaba ubicado en Viamonte esquina Florida.

En 1918 fundó la primera revista local especializada en arte: Augusta. Seis años después fundó la galería, que con los años se transformaría –en la práctica– en un centro de irradiación cultural, que le daba lugar a lo consagrado y a lo nuevo, así como, eventualmente, a la tarea editorial.

La muerte sorpresiva del fundador en 1950 dejó la galería en manos de Frans van Riel hijo (1921-2014), quien la dirigió durante más de cuarenta años, llevándola a su esplendor.

Frans Van Riel hijo fue un galerista de una gran modestia, sensibilidad y pudor, que apostó siempre por el arte nuevo, por los jóvenes y que ayudó a difundir el arte moderno y contemporáneo argentino. Bajo su dirección -primero en la sede de Florida y luego en Talcahuano 1257- allí surgieron y se exhibieron muchos de los proyectos artísticos más audaces de la segunda mitad del siglo XX.

A la galería asistían Borges, Oliverio Girondo y Xul Solar (quien además expuso en van Riel). Fue sede del Instituto de Arte Moderno. También por muchos años se estableció en el primer piso de la galería la Asociación Ver y Estimar, dirigida por Jorge Romero Brest, donde se reunía la vanguardia.

Algunos de quienes exhibieron en sus salas fueron Daneri, Forner, Spilimbergo, Batlle Planas, Butler, Pettoruti, Berni, Diomede, Victorica, Xul, Seoane, Torrallardona, Yente, del Prete, Badii, Cogorno, Gertrudis Chale; artistas de Rosario, de Córdoba, del Grupo del Litoral.

Ediciones van Riel publicó a Julio Payró o la audaz Antiestética de Luis Felipe Noé (en 1965), así como el bellísimo Odiseo confinado (1992), del poeta Leónidas Lamborghini, con grabados de Blas Castagna.

Para seguir con los artistas que exhibían allí sus obras: Raúl Lozza; el “Salón Nuevas Realidades-Arte abstracto, concreto no figurativo”, en el que estaban Arden Quin, Blaszko, Del Prete, Hlito, Iommi, Kosice y Maldonado, entre otros.

La galería van Riel fue sede muchos años de la Asociación Argentina de Críticos de Arte.

A fines de los noventa comenzó a organizar exposiciones Gabriela van Riel (GvR)-nieta del fundador e hija del continuador, Frans van Riel- quien se hizo completamente cargo de la galería en 2007.

¿Cuáles fueron algunas de las exposiciones históricas más importantes de la galería?

-En 1937 se presentó la primera muestra individual de Juan Del Prete -cuenta GvR-. En el 38 hubo muestras individuales de Figari, Soldi y Urruchúa. En 1948, el primer salón Nuevas Realidades, arte abstracto-concreto-no figurativo. En el año 1952 se hace la muestra de Alfredo Hlito, Batlle Planas y Clorindo Testa. En el 57, siete pintores abstractos del grupo Boa: Macció, Peluffo, Borda, Chab, Testa, Robirosa y Sakai. En 1959, la primera muestra del Movimiento Informalista: Barilari, Kemble, Maza, Pucciarelli, Greco, Towas, Wells, Sakai. En el mismo año, hubo individuales de Berni, Paparella y Gambartes. En el 60, Luis Felipe Noé. En 1966 se hizo la emblemática muestra Homenaje a Vietnam, donde León Ferrari presentó su ahora célebre obra La Civilización Occidental y Cristiana -Cristo crucificado en un avión de combate norteamericano (NOTA: que en estos días se puede ver en una muestra temporaria en la Fundación Proa de La Boca)-. En 1969, tres pintores uruguayos: Barradas, Figari y Torres García.

La galería van Riel organizó también exposiciones de Kirin, Alejandro Corujeira y Blas Castagna. Y organizadas por GvR: Sergio Avello, Daniel Herce, Ana Casanova, Richard Sturgeon, Alfredo Prior, Juan Astica, Eduardo Stupía, Santiago García Sáenz, Cristina Schiavi, Roberto Elía, Irene Banchero, Diana Dreyfus, Roberto Elía, Egar Murillo, Carmen Pérez, Jorge Sarsale, Mariano Vilela, Florencia Wallfish, entre otros. En mayo hubo una exposición de Lía Porto.

“Varios artistas -cuenta GvR- se fueron yendo a galerías económicamente más poderosas. Son las reglas del juego y contra eso no hay nada que hacer. Pero puedo decir con mucho orgullo que van Riel sigue vigente desde hace un siglo y es la galería más antigua de Argentina y de Latinoamérica.

La galería, ubicada en Juncal 790, dedicará todo el año a celebrar el centenario, no solo a través de exposiciones, sino también con la publicación de un libro con textos e investigaciones de Malena Babino, Adriana Lauria y Graciela Sarti.

La galería virtual «Arte de San Luis» cumplió su primer año

Fuente: El Diario de la República – La página web comandada por Eduardo Sallenave celebra su aniversario con promociones para el Día del Padre. 

Con 35 artistas y 315 obras disponibles, la galería virtual Arte de San Luis cumplió un año de trabajo y se mantiene vigente y renovada. Ahora, para adelantarse al Día del Padre, se abrió la sección «Oportunidad», donde los visitantes tendrán la posibilidad de encontrar obras a muy buen precio con valores menores e iguales a 45.000 pesos.

«Más de cincuenta obras están disponibles para que los compradores elijan las que más les gusten. Hay fotografía, acrílicos, bordados, óleos, objetos intervenidos y acuarelas, entre otras obras muy hermosas que pueden elegir y tener la posibilidad de llevar para decorar algún rincón del hogar o regalar a sus seres queridos en esta fecha especial», contó Eduardo Sallenave, impulsor y dueño de la galería.

Además, agregó que hasta el próximo 16 de junio se habilitará un cupón de descuento para quienes puedan y quieran aprovechar. «Facilitamos un diez por ciento porque creemos que en San Luis el arte es increíble», explicó Sallenave.

Eduardo describió el primer año de la galería como «apasionante, vertiginoso y lleno de felicidad». Además de la compra y venta de obras, también se dedicó a realizar entrevistas a los artistas vía redes sociales para que cuenten sobre sus carreras y trabajos realizados.

«Solo resta agradecer a los artistas que me brindaron su confianza y entusiasmo para formar parte de la galería que crece día a día», expresó Eduardo, quien se encuentra en permanente contacto con nuevos colegas que desean sumarse a esta ola digital y creativa.

«Hay muchos proyectos e ideas muy buenas para desarrollar, siempre en una índole privada e independiente, y con un solo objetivo, que es potenciar a los artistas de la provincia», destacó Sallenave.

Quienes deseen visitar la galería pueden entrar al link: https://artedesanluisgaleria.com/

Julieta Kishimoto – La salida es después.

Fuente: @galeriadeartepalermoh by Por Matías Mansilla – Tuvimos la oportunidad de conversar con Julieta Kishimoto en las instalaciones de la Galería Palermo H, en pleno centro de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. La artista, llegada hace relativamente poco a la Argentina, comienza a exponer sus trabajos en el país después de más de veintiocho años viviendo en Japón. Su estilo, atravesado por el cruce de culturas, la empatía y la resiliencia frente a la adversidad, es un claro ejemplo de un elemento biográfico que delimita una visión particular del mundo.

En esta ocasión, nos cuenta sobre el panorama cultural en Japón y cómo es que llegó a formar la perspectiva que la hace una de las artistas emergentes más interesantes de la escena en Buenos Aires.

Descendiente de japoneses, Julieta Kishimoto nació en Argentina y vivió sus primeros once años en el país. Durante este tiempo, desarrolló un fuerte vínculo con el arte gracias al apoyo de su familia. En especial de su madre, Irene, y de su tía, Ana María, que solía llevarla a exposiciones de arte. Julieta recuerda una de esas exposiciones como un momento clave:

“…esa vez, era un día de lluvia. Yo no quería salir, pero mi tía insistía. Al final me terminó llevando a una exposición de Picasso. Como dije, al principio no quería, pero de repente vi al Guernica y quedé maravillada. Fue en ese momento que pensé: quiero ser artista. Tendría alrededor de ocho años…”

Julieta Kishimoto junto a Matias Mansilla en Galería Palermo H. La obra en exposición en la foto actual corresponde a Hugo Dinzelbacher (izq.) y Miguel Angel Ferreira (der.).

A partir de ahí, cuenta, nunca más se despegó del arte, en particular, de la pintura.

Llegaron sus once años. El padre consiguió empleo en Japón. Al poco tiempo, la familia entera se había instalado en un pueblo de la provincia de Shizuka. Pero ese lugar casi no tenía extranjeros, por lo que el choque cultural era abrupto, total. 

El contraste de culturas fue el gran drama de una joven decidida a volverse artista. La imposibilidad de relacionarse fluidamente con el resto de los habitantes del pueblo, la sumió en un periodo de profundo bloqueo y tristeza.

Cumplidos los quince años, Julieta tomó la decisión de entrar a la escuela artística. Pero el golpe fue inmediato:

“…me dijeron que por la cantidad de faltas que había tenido en la escuela hasta ese momento, no podía entrar. Lo único que quedaba era la escuela comercial: contaduría, informática, todas esas cosas. Tuve que ir. En esta escuela íbamos todos los que no habíamos encajado. Era una escuela mal vista, pero por lo menos nos daban el título para después poder salir a trabajar. Ahí, me encontré con personas con problemas de conducta, motoristas de pandillas… ese era mi tipo de compañeros. Creo que lo bueno fue eso: yo era extrajera, el otro era otaku, el otro era motorista… ¡eramos todos raros!”

En el contacto con otras personas de trasfondos tan disímiles, Julieta ganó perspectiva sobre la complejidad de la sociedad que la rodeaba. Una perspectiva que tomó forma definitiva con el intento de ingresar a la universidad de arte. En este punto, ella recuerda su examen de ingreso, se toma un segundo y luego reproduce las palabras de su evaluador: “tus colores son muy llamativos, poco japoneses”.

El veredicto era tajante, pero frente a él vuelve a aparecer uno de los profesores de la escuela comercial: “¿por qué tanto lío? Andá al extranjero, vos sos extranjera. Tenés una buena base en español, reforzá eso”.

Recuerda la artista, sonriendo y reflexionando sobre la importancia de esas palabras:

“me lo dijo entendiéndome.”

Poco tiempo después, Julieta logró viajar a España para estudiar dibujo y alfarería. Volvería a Japón cuatro años más tarde y tendría finalmente sus primeras exposiciones, con la ayuda de sus hijos, Emi y Ryuichi.

Recientemente regresó a Argentina y su primera exposición en el país fue realizada en la Galería Palermo H.

Hoy, la historia de Julieta Kishimoto está marcada por el contraste cultural:

“Argentina es multicultural, muy abierta. Es normal ver tanta variedad. Allá en Japón es al revés. Darme cuenta de eso, me ayudó, aunque tardé años. (…) Cuando no tenés fronteras, aprendes a negociar, incluso te podés escapar. Eso te salva, al menos mentalmente. En cambio, otras culturas como la japonesa son tan herméticas que no podés irte, ahí empezás a entender a la gente. Yo siento que descubrir el hermetismo, la no-escapatoria, me relajó mucho. Por supuesto que en un principio sufrí la presión, de hecho, me quedé en ese sufrimiento por muchos años. Pero después fui entendiendo. Creo que se trata de eso, de entender. Nunca de señalar.”

Entender que el hermetismo cultural del Japón de aquel momento no era una cuestión de restricción malvada sino de un arraigo estrecho a las tradiciones del país, hizo que Julieta desarrolle un sentimiento de empatía que practica con las personas que se encuentra en su trabajo como traductora. Un nexo entre pueblos, costumbres, lenguajes y culturas, tal como lo habría sido con sus padres en sus primeros años viviendo en la provincia de Shizuka. 

De esta forma, la artista aprendió a situarse entre ambas culturas, la argentina y la japonesa, aceptando las herencias que forman su identidad e impactan en sus obras. Actualmente, sigue sosteniendo que sin importar lo fuerte que golpeen los cambios, la salida viene después y viene de la mano del arte.

“El arte siempre me salvó. Y me sigue salvando.”

Para más información sobre eventos y exposiciones, visite los perfiles @galeriadeartepalermoh en Instagram y Galeria de Arte Palermo H en Facebook. También puede encontrarnos en la web como www.galeriadeartepalermoh.com. Por consultas o asesoramiento, pueden comunicarse al 011 4583-1369 o al correo info@galeriadeartepalermoh.com

NODO: cuatro recorridos para descubrir en la Ciudad las mejores galerías de arte del país

Fuente: Clarín – Las galerías de la ciudad abren sus puertas entre mañana viernes y el domingo para que todas las personas interesadas en descubrir los caminos del arte contemporáneo se animen a hacer su primera compra, al tiempo que quienes ya conocen del tema también descubran novedades. La nueva edición de NODO Circuito de Galerías a la Ciudad de Buenos Aires propone en tres días, cuatro recorridos y más de 50 muestras. Mariano Vega, Diego Obligado, Guadalupe Creche y Gonzalo Lagos en el lanzamiento de NODO 2024. Foto: gentileza NODO.Mariano Vega, Diego Obligado, Guadalupe Creche y Gonzalo Lagos en el lanzamiento de NODO 2024. Foto: gentileza NODO.

NODO se presentó ayer por la tarde en Núñez, en el Centro Empresarial Libertador –desarrolladora Raghsa, aliada en el evento en su deslumbrante torre de oficinas acristaladas por cuyo lobby ingresan cada día entre 3000 y 5000 empleados. De hecho, en el amplísimo espacio se abrieron al público varias galerías de fuera de CABA, como María Casado, en su home gallery de Beccar (con obra de Andrés Pasinovich y Santiago Poggio), las cordobesas Tierra arte contemporáneo (que ha traído obra de Marcos di Mattía), y The White Lodge (con piezas de Rosa Mercedes González), entre otras.

Los distintos actores del ecosistema del arte aseguran –y suena irrefutable– que es un momento espectacular para iniciarse en el coleccionismo: la crisis del sector ha hecho que se hayan mantenido los precios en dólares de 2023 (y hasta bajado en algunos casos), mientras el resto de los bienes y servicios aumentaron incluso en divisa. Las galerías pasan un año acuciante, debido a los achiques en cada hogar que suprime gastos optativos, de manera que están más proclives que nunca a facilitar cuotas para la compra.

Organizado por Meridiano, la Cámara Argentina de Galerías de Arte Contemporáneo, NODO tendrá lugar mañana viernes, el sábado y el domingo de 14 a 20 en distintos barrios porteños. El programa incluye charlas, performances, exposiciones y visitas guiadas, para principiantes o iniciados.

Para este entramado de circuitos simultáneos, 58 galerías recibirán a los visitantes para ofrecer el trabajo de algunos de sus más de mil artistas representados.

Estas galerías se distribuyen en cuatro circuitos correspondientes a diferentes zonas de la ciudad: el primero abarca Recoleta, Retiro y Barrio Norte; el segundo, Palermo, Villa Crespo y Chacarita; y el tercero, San Telmo, La Boca y Centro.

Además, este año el cuarto circuito corresponde a las galerías de Santa Fe, Córdoba, provincia de Buenos Aires y Tucumán, que participarán en una exposición colectiva en Centro Empresarial Libertador, ubicado en el barrio de Núñez (Av. del Libertador 7208), y que podrá visitarse hasta el 13 de junio.

Los sonidos de Ferrari

Por su parte, en este contexto Banco Macro inaugurará mañana viernes una exposición en su Torre, ubicada en Av. Madero 1172, titulada Otra música de León Ferrari, uno de los más reconocidos artistas argentinos, que expone una mirada sobre la búsqueda sonora, visual y espacial que él mismo desarrolló a partir de la experimentación con el lenguaje musical, con la curaduría a cargo de Natalia Revale y Javier del Olmo.

Como parte del programa, NODO organizó visitas guiadas a cargo de especialistas en arte de The Art Break. Estos recorridos de tres días permitirán explorar galerías, aprender conceptos sobre el arte contemporáneo, conocer la singularidad de cada uno de los espacios y descubrir las claves para leer e interpretar las obras de arte.

Cada circuito se puede recorrer a pie, en combi o combinando las dos opciones y no será necesario incribirse previamente. Los interesados deberán presentarse en el punto de partida en el horario indicado y para eso podrán consultar la programación en el sitio web de NODO.

La semana de las galerías de arte es un evento que se realiza anualmente en las principales capitales del mundo. En Buenos Aires, ya se han celebrado cuatro ediciones en las que participaron más de 30.000 visitantes. La primera tuvo lugar en septiembre de 2018 en el marco del programa Art Basel Cities Buenos Aires, seguida por la segunda en noviembre de 2019 y la tercera en 2022, y la última en 2023.

Más de 30 artistas marplatenses en la muestra “Mirada de Mar”

Fuente: La Capital de Mar del Plata – Presentada por la galería Fulle, la exposición será este jueves 23 de mayo desde las 19.

“Mirada de Mar”, una muestra de fotografía que invita a explorar el pulso urbano, se inaugurará el próximo 23 de mayo, desde las 19, en Chauvin. Presentada por la galería Fulle, reúne el trabajo de más de 30 talentosos fotógrafos marplatenses que han tomado la esencia e historia de la ciudad como material de partida para nuevas obras, procedentes de una convocatoria abierta que busca poner en diálogo múltiples generaciones de artistas y espectadores.

La propuesta celebra la esencia de las ciudades portuarias, con sus colores y texturas, la arquitectura y la memoria afectiva en los espacios cotidianos.

Los Fotógrafos y fotógrafas participantes son Mauro Rodrigo Ubeda, Alejandro Dario Calancha, Ezequiel Cabrera, Gabriela Funes Balza, Daniel Antonio Di Iorio, Hugo Marchena, GeronimoVillaba, Pablo Jorge Soler, Julieta Viñuela, Marcos Cabral, Vera Capilla, Macarena Felice, Denise Sartal, Oscar Sosa, Adriana Lucarini, Lorena Jakubowicz, Facundo Galella, Agustin Boubee, Florencia Lucero, Francisco Casamayor, Eduardo Requena, Paul Carballeira, Abel Raffo, Juan Antonio Albo, Leandro Sbarra, Gabriel Nebular, Estefania Santana, Marina Colamarino, Agustina Andrea Olaizola, Candela Suarez, Maire Irene Salgán, Leticia Fuentes, Angelucci Marina, Victoria Freijo, Morena Costa Spagnol, Sergio Pidutti, Bianca Lucero, Santiago Castillo, Lautaro MalbinaKilp, Sandra Mariela Sierra, Lucas Nicolas Calderón, María Soledad Verbel, Katherine Portas, Ali Eraso, Andrea Paula Spina, Facundo Gallego, Verónica Pendás, Pedro Patricio Soto, Sofía Bonecco, AleksandraOrlova, Flor Arroyos, Silvia Novoa, Rosana Sandra Kalliani, Lorena Wanda Gende.

La exhibición se llevará a cabo en el Project room y las entradas se pueden adquirir online y en boletería.

Otro récord de Eduardo Costantini en subastas: pagó US$28,4 millones por la obra más cara de Leonora Carrington

Fuente: La Nación – El fundador del Malba fue uno de los seis postores que pujaron en Sotheby’s por “Las distracciones de Dagoberto”, pintura que alcanzó un valor nueve veces superior al anterior registrado por su creadora en un remate.

Fue otra noche memorable en la sala de ventas de Sotheby’s de Nueva York. Seis postores pujaron por Les Distractions de Dagobert (Las distracciones de Dagoberto), pintura de Leonora Carrington, que logró un récord nueve veces superior al anterior registrado por la artista en subastas al venderse por 28,4 millones de dólares. El comprador allí presente fue Eduardo Costantini, fundador del Malba y reconocido al año pasado con el Premio arteba al Coleccionismo.

“Es una pintura icónica, una de las obras más admiradas en la historia del surrealismo y una obra maestra incomparable del arte latinoamericano –dijo Costantini en un comunicado difundido por Sotheby’s -. Yo fui el mejor postor cuando ella alcanzó el récord de la artista hace 30 años y esta noche, una vez más, ¡hicimos un nuevo récord en la subasta! Esta obra maestra formará parte de una colección donde, entre otras, también se encuentran dos obras importantes de Remedios Varo y otra de Frida Kahlo que batió récords”.

Les Distractions de Dagobert, de Leonora Carrington
Les Distractions de Dagobert, de Leonora CarringtonGentileza Sotheby’s

Esta última, Diego y yo, es la más cara del arte latinoamericano vendida en subastas desde que Costantini pagó por ella en 2021 34,8 millones de dólares, también en Sotheby’s. Actualmente se exhibe en la Bienal de Venecia, como parte de las muestras curadas por Adriano Pedrosa. Es la primera ver que la artista mexicana participa de este encuentro internacional, en cuya edición anterior se exhibieron dos obras de Remedios Varo también cedidas por el coleccionista argentino.

Night Nursery Everything (1947), de Leonora Carrington, fue exhibida en la muestra México moderno. Vanguardia y revolución, en 2017 en Malba
Night Nursery Everything (1947), de Leonora Carrington, fue exhibida en la muestra México moderno. Vanguardia y revolución, en 2017 en Malba

Carrington y Frida se conocieron en 1944, mientras esta última pintaba postrada La columna rota. Los autorretratos de ambas habían coincidido dos años antes en una muestra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York: Kahlo se representó con una larga trenza recogida sobre su cabeza, que formaba la figura del infinito; Carrington, con una voluminosa melena despeinada y las piernas abiertas. En 2017, sus obras volvieron a compartir sala en el Malba, en el marco de la muestra México moderno. Vanguardia y revolución.

Diego y yo (1949), de Frida Kahlo, es récord para el arte latinoamericano en subastas desde que Costantini la compró por US$34,8 millones en Sotheby's; actualmente se exhibe en la Bienal de Venecia
Diego y yo (1949), de Frida Kahlo, es récord para el arte latinoamericano en subastas desde que Costantini la compró por US$34,8 millones en Sotheby’s; actualmente se exhibe en la Bienal de VeneciaGentileza Eduardo Costantini

Ahora Carrington -nacida en Gran Bretaña en 1917 y radicada en México, donde murió en 2011- se convirtió en la cuarta artista surrealista con mayores ventas de todos los tiempos -superó a Max Ernst y a Salvador Dalí-, la quinta mujer con mayores ventas de cualquier época y la británica mejor cotizada en subastas. Lo logró con una obra que se vendió por primera vez en Pierre Matisse Gallery de Nueva York y salió a subasta pública por primera vez en tres décadas, y que según Sotheby’s “revela un reino de posibilidades infinitas, donde lo divino y lo terrestre, la flora y la fauna se entrelazan en una danza cautivadora”.

La casa de subastas agrega que esta pintura, creada por Carrington a los 28 años en “la apoteosis” de su carrera, “ofrece un manifiesto del mundo visual que se desarrolla a lo largo de su producción posterior. Citando iconografía e ideas de fuentes que van desde la historia europea medieval y la literatura científica contemporánea hasta los mitos irlandeses y mexicanos, presenta una visión humanista e inventiva de un universo no como es, sino como podría ser”.

La obra de Lucio Fontana vendida el lunes en Sotheby's por US$22,9 millones
La obra de Lucio Fontana vendida el lunes en Sotheby’s por US$22,9 millonesSotheby´s

En tanto,otro argentino fue noticia en esta semana de subastas en Nueva York: el rosarino Lucio Fontana, considerado italiano en el mercado internacional, fue uno de los highlights del remate de arte contemporáneo en Sotheby’s. Una obra de su famosa serie Concepto espacial se vendió el lunes por US$22,9 millones, y superó así a una pieza récord realizada en conjunto por Andy Warhol y Jean-Michel Basquiat.

“¿Quién es Leonora Carrington? Quizá alguien que ha sobrevivido hasta ahora con mucho cabrón trabajo, como se dice en México. Por eso tampoco me gusta que me llamen musa.” Eso sostenía al referirse a sí misma, mientras pitaba un cigarrillo tras otro a los 75 años, la artista y escritora inglesa que impactó al mundo con sus misteriosas imágenes surrealistas. La misma actitud indómita se percibe en las mujeres que pintó.

En 2023, Fundación Mapfre expuso en Madrid la muestra "Revelaciones", de Leonora Carrington, junto con fotografías del argentino Facundo de Zuviría
En 2023, Fundación Mapfre expuso en Madrid la muestra «Revelaciones», de Leonora Carrington, junto con fotografías del argentino Facundo de Zuviría

Criada en una familia aristocrática que le agendaba clases de equitación y esgrima, Carrington comenzó a cuestionar desde muy chica el rol que se esperaba de ella. Creía en que la igualdad para las mujeres “solo se concretaría después de que ellas aprendieran a decir ‘no’, lo hicieran en serio y se mantuvieran firmes hasta que consiguieran lo que les pertenecía por derecho”, según recuerda Salomon Grimberg en el catálogo de la muestra del Malba.

Ella dijo “no” por primera vez a los veinte años, cuando rechazó su vida acomodada para encontrarse en París con el artista alemán Max Ernst, casado y 26 años mayor. Con él frecuentó a André Breton, Joan Miró, Pablo Picasso y Salvador Dalí. “Era un grupo compuesto por hombres que trataban a las mujeres como musas. Eso era bastante humillante”, reconoció en una entrevista publicada en 1993 por el diario español El País.

Max Ernst y Leonora Carrington en St. Martin d’Ardèche, Francia, en 1939
Max Ernst y Leonora Carrington en St. Martin d’Ardèche, Francia, en 1939Lee Miller

Volvió a decir “no” cuando la internaron en un hospital psiquiátrico en España, después de que el artista alemán fuera enviado por los nazis a un campo de concentración. Atada de pies y manos, desnuda sobre sus propios excrementos, le dijo “no” a la locura. Y eligió, una vez más, el arte como salvación.

En Memorias de abajo (1943) registró aquel descenso al infierno, ya radicada en México después de una corta estadía en Nueva York. Se divorció de Renato Leduc, el escritor que la ayudó a emigrar de Europa, y formó una familia con el fotógrafo húngaro Emerico Chiqui Weisz, compañero inseparable de Robert Capa. Allí se reencontró también con muchos de los surrealistas que había conocido en París, entre los cuales se encontraba la española Remedios Varo, y sorprendió con sus pinturas al exhibirlas en una mueblería.

La subasta en la que alcanzó su récord
La subasta en la que alcanzó su récordGentileza Sotheby’s

“Las mejores obras de Carrington pueden incluir una especie de exorcismo de los momentos más oscuros de su historia personaldice Sotheby´s en su sitio web, donde las compara con las de Varo y Frida-. La alegría radical y la belleza lírica tan abundantes en Les Distractions de Dagobert se vuelven más poderosas por el dolor y el horror agudos que también están presentes; su resonancia emocional es profunda y duradera”.

La casa de remates agrega que, cien años después de que Breton publicara su Manifiesto Surrealista, “no se puede subestimar la importancia fundamental de esta espectacular pintura en la historia no sólo del surrealismo, sino de la creatividad humana en general. El logro supremo, caleidoscópicamente hermoso, de Carrington es un testimonio del ingenio y la fuerza del espíritu humano”.

arteBA 2024 convoca a galerías y proyectos artísticos


Fuente: Recursos Culturales – Desde Fundación arteba abrimos la convocatoria para participar de la nueva edición de la feria que se realizará del 1 al 3 de septiembre (pre-inauguración el 30 y 31 de agosto) en Costa Salguero, Ciudad de Buenos Aires. Invitamos a todas las galerías y proyectos artísticos a presentar sus propuestas.

Desde Fundación arteba abrimos la convocatoria para participar de la nueva edición de la feria. Un comité autónomo integrado por Mora Bacal (galerista de Ruth Benzacar Galería de arte, Buenos Aires), Carla Barbero (curadora, Buenos Aires), Amparo Discoli (directora de Cosmocosa, Buenos Aires), Florencia Malbrán (curadora, Buenos Aires) y Ricardo Ocampo (director de W, Buenos Aires y Pueblo Garzón) será el encargado de la selección de las propuestas recibidas.

Este comité especialmente conformado seleccionará las galerías y proyectos que podrán participar en esta edición a través del diálogo y la discusión. Los criterios generales que arteba propone se tengan en cuenta para la selección son los siguientes:

la trayectoria de la galería
la cantidad de artistas (recomendado 1 artista cada 10 m2)
la trayectoria y selección específica de los artistas según la propuesta
el diseño de montaje del stand
la claridad conceptual de los textos
la cantidad y selección de obras
Desde arteba, se trabaja año a año en la constante mejora y profesionalización del sector. Las aplicaciones enviadas son cartas de presentación de sus espacios y de su identidad, es por ello que alentamos a que se desafíen con propuestas conceptuales elaboradas y con un claro diseño de stand, todos elementos que serán evaluados según la categoría de participación en el que la galería se inscriba y que forman parte de las herramientas de evaluación para el Comité de Selección.

Fecha límite de aplicación: miércoles 15 de mayo 2024

Las galerías y espacios participantes deberán postularse con proyectos de exhibición para las siguientes categorías:

Categoría Sección Principal

Participación para galerías establecidas y de reconocida trayectoria, con una apertura mínima de dos años, que representen artistas y que tengan un programa activo de muestras en sus espacios de exhibición.
Participación en stands modulares de 40, 60, 80, 100 y 120 m2
Esta categoría permite compartir espacio con otra galería
Esta categoría permite trastienda y diseño personalizado de stand (costo a cargo del expositor)
No hay límite de artistas pero se priorizarán las propuestas en las que el diálogo entre los artistas participantes sea distinguible y enriquecedor como se mencionó anteriormente.
*Stage

Stage es un programa de subsidios a través del cual arteba apoya a galerías en proceso de formalización. Podrán aplicar quienes ya se encuentren participando del programa de subsidios Stage y aquellas galerías que provengan de Utopia.

Fundación arteba apoya a estas galerías con un subsidio escalonado durante tres años.

Esta categoría no permite volver a postular a la sección UTOPIA en años siguientes.

ESTE PROGRAMA DE INCENTIVO YA NO APLICA A NUEVAS GALERIAS.

Participación en stands de 40 m2 dentro de la Sección Principal
Esta categoría no permite compartir espacio con otra galería
Esta categoría requiere la presentación de un proyecto curatorial articulado
Esta categoría permite trastienda y diseño personalizado de stand (costo a cargo del expositor)
Esta categoría se encuentra bajo el Programa Subsidio Escalonado (ver apartado Tipo de Stand)

Categoría Sección Utopia

Stands de 18 y 25 m2
Participación para galerías, espacios gestionados por artistas, organizaciones con y sin fines de lucro y otras plataformas experimentales de comercialización.
Orientada a las más recientes producciones
Esta categoría no permite compartir espacio con otra galería y/o proyecto
Esta categoría requiere la presentación de un proyecto curatorial articulado
Esta categoría no permite trastienda ni un diseño personalizado de stand.
La arquitectura del stand estará sujeta a la propuesta arquitectónica general de la feria.

*Todas las categorías se encuentran sujetas a disponibilidad del espacio y la participación quedará a exclusivo criterio del Comité de Selección anteriormente mencionado.

*El anuncio de las galerías seleccionadas se realizará antes del 24 de mayo.

*El Comité de Selección confeccionará una lista de espera para galerías y proyectos en caso de que exista la posibilidad de participar. La fecha límite para su anuncio será el 17 de junio 2024.

Aplicar aquí:

https://convocatoria.arteba.org

Partículas de fuego: troncos quemados, una motosierra y “remixes” de obras canónicas de la pintura argentina

Fuente: La Nación – Romina Orazi expone en Praxis una retrospectiva que va de obras en cerámica y una pintura de diez metros de largo a reversiones de “Sin pan y sin trabajo” y “La vuelta del malón” en clave ambiental.

Una retrospectiva de la artista Romina Orazi (Trelew, 1972) en la galería Praxis (Arenales 1311) agrupa reversiones de obras canónicas de la pintura nacional –El rodeo de Prilidiano Pueyrredón, La cascada del Iguazú de Augusto Ballerini, La vuelta del malón de Ángel Della Valle y Sin pan y sin trabajo, de Ernesto de la Cárcova, que integran la colección del Museo Nacional de Bellas Artes-, la monumental Incendios (de diez metros de largo, que se pudo ver en el CCK en 2021), cerámicas, troncos quemados e intervenidos con escenas coloridas. En Partículas del fuego, que ocupa dos pisos de la galería, hay además una instalación con el sonido de una motosierra que se abre paso en un bosque.

La impactante obra "Incendios", de diez metros de largo; en primer plano, obras en cerámica
La impactante obra «Incendios», de diez metros de largo; en primer plano, obras en cerámicaFRANCISCO NOCITO

La muestra incluye trabajos de distintos periodos, como los “remixes” de clásicos del arte nacional; a la emblemática escena de Sin pan y sin trabajo, que registra la crisis social en el seno de una familia, se suma el impacto ambiental. “La idea de estas piezas es empezar a pensar la idea que manejamos de progreso y cómo este afecta el paisaje y la naturaleza -dice Orazi a LA NACION-. En 1900 comienza la época en que el paisaje pampeano empezó a industrializarse; por eso me gusta hacer el antes y el después de estas formas de pensamiento comunitarias. Si hubiéramos adoptado otra idea de progreso, que no es intrínsecamente malo, quizás hoy tendríamos otra relación con el agua, con el paisaje”.

Troncos quemados e intervenidos con escenas; detrás, imágenes inspiradas en los incendios en las islas rosarinas en 2022
Troncos quemados e intervenidos con escenas; detrás, imágenes inspiradas en los incendios en las islas rosarinas en 2022FRANCISCO NOCITO

En el primer piso se puede ver la gran panorámica de incendios que Orazi realizó durante la pandemia. “Provienen de imágenes de lo que sucedía en ese momento en la Argentina y América Latina”, dice la artista. También se exhiben obras inspiradas en los incendios en las islas rosarinas, durante 2022, desde una perspectiva “acuática” (el río Paraná).Pinté el fuego por primera vez -revela-. Por un lado, ejerce fascinación y, por otro, miedo y terror. Es un elemento de transmutación y de destrucción”.

Una barca vegetal; detrás, reversiones de obras canónicas de la pintura argentina del siglo XX
Una barca vegetal; detrás, reversiones de obras canónicas de la pintura argentina del siglo XXFRANCISCO NOCITO

Orazi avanza en la experimentación con materiales que dan lugar a formas “mulitespecie”. “Este año hice algunas piezas en cerámica y la serie de los troncos quemados, con una suerte de memorias de una vuelta a la vida constante mediante la pintura. Las escenas son citas de imágenes ilustrativas científicas. Los árboles viven en la Tierra mucho antes que los humanos y, en momentos en que los estamos corriendo al costado, resalté esa memoria, ese conocimiento e inteligencia, que llevan todos estos seres”. Los troncos fueron quemados con soplete y algunos tienen pegados plumas de pájaros. “Como nuevas versiones de vida”, grafica.

Romina Orazi exhibe en Praxis pinturas, herbarios, dibujos y esculturas
Romina Orazi exhibe en Praxis pinturas, herbarios, dibujos y esculturasGentileza: Romina Orazi

Se exhiben además dibujos, herbarios y pinturas donde la fronda adopta contornos humanos y fantasmales. “Tienen algo más animista; al darle al paisaje una forma humana se genera una empatía distinta, que nos permite reconocernos en la naturaleza -afirma-. Los pueblos premodernos daban nombre a lagos, montañas, animales”.

"La vuelta del malón", pero en una pampa anegada
«La vuelta del malón», pero en una pampa anegadaFRANCISCO NOCITO

Hace tiempo que el hacer de Romina se emparenta con la naturaleza desde una perspectiva política y ecofeminista -sostiene la curadora e investigadora mexicana Tania Puente en el texto de sala (disponible en este enlace y por QR)-. Ha creado refugios, estructuras móviles y jardines, y ha generado condiciones de posibilidad para que la vida suceda. En Partículas del fuego, no obstante, la violencia, la destrucción y el duelo irrumpen con contundencia. Las obras que conforman esta muestra le abren la puerta al horror y exhiben las heridas de la Tierra para que se impriman en nuestras retinas en un vaivén entre pasados especulativos, tiempos trastocados y desastres en permanente presente”.

Además de las esculturas en cerámica, de la serie Epifitas, se exhibe una instalación escultórico-sonora hecha con el artista Gerardo Sirolli, y con la colaboración de Valentín Kohen Lumer y Valeria Roberta González, donde se escuchan ruidos de motosierras, sonidos de animales y el grito “No puedo respirar”. “Veníamos trabajando en un ‘bosque de sonidos’ ante una amenaza antropocénica y también en esta escultura con tapados de pieles, troncos, plumas y seres híbridos que se vuelven animales de otra especie”, concluye la artista, para quien hay en el arte argentino actual una búsqueda vinculada con la revalorización de la naturaleza y de los saberes de pueblos ancestrales, además de una profunda crítica al extractivismo desmesurado.

Para agendar

Partículas de fuego, de Romina Orazi, se puede ver en Praxis (Arenales 1311) de lunes a viernes, de 10.30 a 19.30m y sábados de 10.30 a 14, hasta el 9 de mayo. También se exhibe, en el segundo piso de la galería, la muestra de pinturas Blanco, de Carina López Winschel (General Pico, 1971).

Tocar obras de Van Gogh: una invitación de los amigos del Bellas Artes

Fuente: La Nación – Dos reproducciones de pinturas del artista holandés fueron donadas por el Museo Van Gogh de Ámsterdam para un programa educativo dirigido a alumnos de escuelas primarias.

¿Se puede tocar una obra de Van Gogh? “Sí, claro”, es la respuesta unánime de las autoridades de la Asociación Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes (Aamnba). Al menos las dos reproducciones que se exhiben hasta el 1° de agosto en su sede de la Avenida Figueroa Alcorta 2270, certificadas y donadas por el Museo Van Gogh de Ámsterdam, desde donde se enviaron muy bien embaladas.

Solo un experto podría notar la diferencia con las pinturas originales, ya que son copias que respetan la textura tridimensional de las pinceladas. Como las que se exhibieron el año pasado en la muestra inmersiva Meet Vincent van Gogh, en el Campo Argentino de Polo.

Maleza, de 1889, fue pintada por el artista holandés meses después de que se cortó la oreja izquierda
Maleza, de 1889, fue pintada por el artista holandés meses después de que se cortó la oreja izquierdaGentileza Museo Van Gogh de ´Ámsterdam

Una de ellas es nada menos que la famosa Almendro en flor: la que el artista holandés realizó en 1890 para su sobrino, cuando se enteró de que su hermano Théo tendría un hijo con su flamante esposa, Johanna “Jo” Bonger. La pareja decidió llamarlo Vincent, como su tío. La otra es Maleza, de 1889, pintada meses después de que se cortó la oreja izquierda tras amenazar a Paul Gauguin con una navaja, y se la dio a una prostituta envuelta en papel de diario.

Las versiones didácticas de ambas obras contribuirán ahora a que “la distancia entre el público y la obra sea cada vez más corta”, dicen desde la Aamnba, ya que participarán de un programa educativo titulado Latidos del arte, impulsado desde el año pasado junto con el Museo Van Gogh y DHL. Tras una capacitación gratuita para más de mil docentes, mediadores y guías de museos de todo el país, durante la cual se abordaron aspectos fundamentales de la vida del artista como la identidad, la realización de los sueños y la autosuperación, en mayo les llegará el turno a los alumnos de escuelas primarias.

Las reproducciones de las obras exhibidas en la Aamnba
Las reproducciones de las obras exhibidas en la AamnbaGentileza Aamnba

“Vamos a aclararles muy bien por qué estas obras se pueden tocar y otras no, y a vincularlas por ejemplo con el disco Artaud, de Spinetta –dijo a LA NACION Mariano Gilmore, coordinador del área de Educación de la Aamnba, que organizará las visitas guiadas-. Para que sepan que el arte es como la música, una película: no necesitás que te lo expliquen”.

Tampoco es necesario explicar el rol clave que tiene la Aamnba en el apoyo sostenido durante casi un siglo a uno de los museos más importantes de América Latina, que en 2023 se reflejó en aportes equivalentes a 185 millones de pesos. Con 3000 socios de todas las categorías –con aportes que van desde 12.000 pesos al año, y que entrarán gratis al museo si se aprueba la iniciativa de cobrar entradas– mantuvo desde el comienzo sus principios: promover la difusión artística y la acción docente, y transformar aportes privados en patrimonio público.

En la muestra Meet Vincent van Gogh también fue posible tocar reproducciones de sus obras
En la muestra Meet Vincent van Gogh también fue posible tocar reproducciones de sus obrasSantiago Filipuzzi

A su tradicional comida para recaudar fondos-que este año se realizará el 26 de agosto- y sus cursos de formación en historia del arte, se suman un renovado sitio web y proyectos para empresas e instituciones como ChangoMâs, la Fundación Bunge y Born y el Jockey Club.

Para agendar:

Latidos del arteen la Asociación Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes (Aamnba), hasta el 1 de agosto. Visitas guiadas para menores de 12 años: miércoles y viernes a las 10. Gratis con reserva previa en educacion@amigosdelbellasartes.org.ar.

Exposición «Moderno y MetaModerno»

Fuente: Página12 – En una puesta ambiciosa, ofrece un panorama artístico de los últimos sesenta años y propone un modo de entender las artes visuales. En casi todas las obras hay algún código QR que lleva a distintos portales y minisitios del museo en los que se puede ampliar la información. “Es un momento para apoyar las instituciones públicas de la cultura del país», señaló Victoria Noorthoorn, directora del Moderno y co-curadora de la muestra junto a Francisco Lemus.

Desde el sábado pasado se puede visitar la flamante exposición Moderno y Metamoderno con la cual el Museo Moderno (Av. San Juan 350) inauguró su programa 2024. Se trata de una muestra monumental que traza la historia de la institución, destaca 300 de las más grandes obras de su patrimonio (que asciende a más de 9000 piezas en total), desde su inauguración hasta el día de hoy. En una puesta ambiciosa, ofrece al mismo tiempo un panorama del arte –sobre todo el argentino- de los últimos sesenta años y propone un modo de entender las artes visuales. La muestra se alinea con el lema del Moderno, que este año reza “Arte es Educación”. En ese punto, en las cinco salas que ocupa la exposición y prácticamente en todas las obras hay algún código QR (en ocasiones dos) que lleva a distintos portales y minisitios del museo en los que se puede ampliar la información, acceder a catálogos de antaño digitalizados, entrevistas en video y diverso material de archivo. “Casi se puede hacer un master sobre arte moderno a partir de estos QRs”, celebró Victoria Noorthoorn, directora del Moderno y co-curadora de la muestra junto a Francisco Lemus. Además, el Museo también inauguró La trama sensible, una sala dedicada a obras que la Fundación Supervielle (el banco es uno de los principales apoyos del Moderno) dejó en comodato al museo ubicado en el barrio de San Telmo. En este caso se trata de obras mayormente de artistas emergentes y con un especial énfasis en el dibujo y su potencial para desplegar la imaginación.

En cuanto a MetaModerno, la directora expocó que “en los últimos años el Moderno inició el proceso de catalogar y digitalizar los documentos vinculados a sus exposiciones históricas y puso a disposición del público los resultados de este trabajo en su sitio web. Moderno y MetaModerno se despliega como una ‘meta-exposición’ donde cada obra o conjunto de obras exhibidas, se abre literalmente como un portal a la información sobre las exposiciones históricas del Moderno en las que participó cada pieza o artista o sobre las investigaciones realizadas y plasmadas en libros y registros audiovisuales”. A través de esos QRs también se accede a distintas investigaciones que realizó a lo largo de los años el equipo de curadores e investigadores de la institución. Noorthoorn destacó que la idea de este año es considerar al arte “como vehículo para el conocimiento sobre la realidad y sobre nosotros mismos y la imaginación como motor para el desarrollo humano y educativo”.

Durante la recorrida que ofreció a la prensa, la coyuntura tampoco escapó a las palabras de la directora del Moderno. “Es un momento para apoyar las instituciones públicas de la cultura del país, y es importante entender el esfuerzo que implica sostenerlas, hacerlas crecer y dar lo que tienen para ofrecer a la sociedad”, destacó en varias oportunidades. Aunque el Moderno pertenece a la órbita del Ministerio de Cultura de la Ciudad, lo de Noorthoorn fue en clara alusión a la situación que atraviesan otros organismos públicos del ámbito cultural, especialmente los vinculados a la Nación.

Metamoderno se erige como una exposición especialmente ambiciosa que, según explicaron sus curadores, les demandó más de dos años de trabajo a gran parte de los equipos del Museo. El resultado está más que logrado y el público tiene a disposición algunas obras que tuvieron exposición frecuente en tiempos recientes (Greco, algún León Ferrari, alguna Minujín), o jóvenes emergentes como la Chola Poblete) pero también joyas que por volumen o requerimientos hace rato no se exhibían, como una importante instalación de Liliana Maresca dedicada a la conquista del continente americano. No sólo eso, sino que tanto Noorthoorn como Lemus prometieron que será una exposición dinámica, que renovará las obras exhibidas. “Quizás vengan la semana que viene y se encuentren con cosas nuevas que querramos resaltar, así que sugerimos que vengan a verla seguido”, anticiparon.

De las salas, la central está dedicada a los dos movimientos que el Moderno alberga con más celo: el de arte abstracto y el informalismo. “No seguimos en esta muestra un criterio cronológico, porque además queríamos mostrar que tanto estos movimientos como otros que son importantes para nosotros ocurrieron casi en paralelo”, apuntó la directora. “Eso habla de una escena de arte poderosa, de una reflexión sobre una ciudad que crece creando y cuyos artistas hablaban de igual a igual con el resto del planeta”, planteó. “Creo que hoy se produce con igual vigor que ayer, ¿hace falta más apoyo? Por supuesto, pero no hay escena del mundo que reúna 700 portfolios de primera línea en tres semanas como hicimos nosotros hace poco”, destacó.

Moderno y MetaModerno es una excusa, reconocieron, para exhibir también algunas de las adquisiciones más recientes del Museo. Algunas llegan como corolario de otras exposiciones del pasado, “completándolas”, en cierto modo y a posteriori, con la adquisición de obras o su donación por parte de los artistas o sus allegados, una muestra de cómo la institución contruyó su vínculo con el arte. Todo Moderno.