Categoría: Galerías de Arte

Fuente: La Nación – Se trata de Asterismo, la muestra inaugurada el jueves pasado que presenta el trabajo premiado por Fundación OSDE en 2023.

Una constelación de diversas propuestas artísticas forma parte de la primera exposición del 2025 del Espacio de Arte de la Fundación OSDE. Hasta el 10 de mayo, en la calle Arroyo 807, pueden verse las obras de seis artistas distinguidos con los Premios Regionales y el Premio Joven en la edición 2023 del Premio Argentino a las Artes Visuales de la fundación.

La muestra incluye esculturas, objetos, instalaciones, fotografías, pinturas, así como producciones audiovisuales y performáticas, que emergen de una dimensión política, inquietudes personales y colectivas. Entre los expositores se encuentran Valentín Asprella Lozano, oriundo de La Plata; Samantha Ferro, de la provincia de Córdoba; Andrés Romero von Zeschau, de Corrientes; Malen Otaño y Suyai Otaño, de Neuquén; todos ellos galardonados con los Premios Regionales; y Tamara Goldenberg, de Capital Federal, ganadora del Premio Joven.

Seis miradas

“Esta muestra es el resultado de una convocatoria que se hizo en el 2023 y parte del premio que gané se trata de realizar una exposición en este espacio de Fundación OSDE. Para mí es muy significativo poder realizar esta muestra por la gran visibilidad que nos da”, aseguró Ferro, durante la inauguración. En su caso, exhibe obras pertenecientes a tres series realizadas desde el 2020. “Las obras están relacionadas con temáticas como el disciplinamiento de los cuerpos, estructuras de sostén, moda y energía; también hago mucho hincapié en la materialidad. En estos trabajos utilicé hierro, resinas con inclusiones de flores, pétalos, cenizas y tela “, detalló.

Por su parte, Asprella Lozano también destacó la relevancia de formar parte de la exposición. “Es mi primera muestra individual en Capital Federal, un lugar que permite el acceso a otras miradas y a poder difundir y visibilizar el trabajo que uno hace”, destacó. El artista platense invitó al público a explorar los temas e intereses que pone de manifiesto en su trabajo. “En mis obras me interesa investigar la energía, a veces imperceptible, que atraviesa todos los cuerpos que viven y se mueven en la ciudad y en la naturaleza, en general. También, un poco, la emocionalidad,”, detalló.

Goldenberg, otra de las expositoras, se presenta con un trabajo que incluye material del archivo fotográfico del Museo Nacional de Brasil, situado en Río de Janeiro, que la artista pone en relación con acciones performáticas u objetos. “El objetivo es darle vida al archivo de este museo que se incendió en 2018. Pongo en relación a la fotografía con diferentes medios para forzar la imagen y llevarlo a otros lugares de pensamiento fotográfico”, explicó.

En el caso de Romero von Zeschau, otro de los premiados por la fundación en 2023, su trabajo aborda la temática de la construcción en óleos sobre lienzo o pequeños ladrillos pintados al fresco; y también incursiona en la carbonilla sobre papel. “Nací en una casa donde siempre estaban dando vueltas los ladrillos o los caballetes de construcción. Mi papá es albañil, de manera que, por ese lado, aparece ese trasfondo personal”, señalaba.

Por último, Malen Otaño y Suyai Otaño presentaron “La común amnesia”, una obra que forma parte de una trilogía de videoinstalaciones, que aborda desde la imagen y sonido problemáticas territoriales, socio-ambientales, genocidios, colapso y policrisis, a partir de ejercicios, movimientos y acciones como dispositivos vitales. “Activamos esta serie de ejercicios de imaginación política y afectiva, señales de ayuda, danzas de resistencia y acciones de recuperación”, señalaron.

Ambas sostuvieron que la muestra es una reflexión sobre las problemáticas territoriales como los incendios intencionales para negocios inmobiliarios y extractivos en la Patagonia; los genocidios y el colapso medio ambiental. “Es un llamado a destruir el sálvese quien pueda, alejarse del malestar de la vida neoliberal para construir otras formas de organización colectiva, política y afectiva”, enfatizaron. En tanto que subrayaron: “El premio de Fundación OSDE fue una puerta para continuar con nuestras investigaciones, proponiendo nuevas formas en nuestros proyectos”.

Asterismo se presenta de lunes a sábados de 12 a 20. Más información en www.fundacionosde.com.ar

Fuente: @galeriadeartepalermoh – Dispuestas en ese lugar intermedio que los griegos llamaron Orkhéstra, las obras de Alejandrina Cappadoro (San Nicolás de los Arroyos, Buenos Aires, Argentina, 1954) se despliegan en la Galería de Arte Palermo H, entre la escena ciudadana que transcurre en la calle y la mirada de los espectadores protegida del trajín cotidiano.

La exposición constituye la primera individual de la artista en Buenos Aires, una antología de su producción, una selección aleatoria de tramos de su trabajo a partir de los años 1990. Un ramillete de piezas escogidas por el curador, el arquitecto Néstor Julio Otero, con la finalidad de dar cuenta de un extenso y sostenido itinerario creativo que, a partir de un impulso inicial hacia la música, escogió el rumbo de las Artes del Fuego. El resultado es este coro de creaciones que han migrado desde su hogar en la ciudad de San Nicolás hasta el escenario temporal del microcentro de la ciudad de Buenos Aires. Todas ellas informan de la existencia de otras obras, dispersas en una amplia geografía global.

El trayecto artístico de Alejandrina Cappadoro se inicia hacia fines de la década de 1970, intercalando períodos de formación y de docencia previos a lo que aquí se expone. En ese lapso aparecen, rodeados de su emotivo agradecimiento, los nombres de Vilma Villaverde, Leo Tavella, Nélida Álvarez y Buyi Presas. Y una vocación de compartir que atestiguan la fundación, junto a Hernán Miró, de la Escuela Provincial de Cerámica de San Nicolás ―germen de la actual Escuela de Arte de Liliana Grinberg―, así como el diseño y ejecución del mural del Santuario de Nuestra Señora del Rosario de la misma ciudad, entre otros trabajos colaborativos. También la pertenencia a diversas asociaciones, viajes artísticos grupales y la organización de reuniones académicas y profesionales nacionales e internacionales. En referencia a sus proyectos comunes ―por caso, la creación de ACIA-Asociación Cerámica Internacional Argentina y las jornadas que ésta ha llevado a cabo en nuestro país―, Vilma Villaverde ha sintetizado: “Junto a Alejandrina puedo hacer posible lo imposible”. En correspondencia, los relatos de Alejandrina están poblados de nombres propios: Jaly, Daniel, Oskar, Walter, Carmen, entre otros.

Con gentileza didáctica, para una conferencia organizada por el Centro Argentino de Arte Cerámico en 2021, Alejandrina categorizó su producción, “a la manera antigua”, en esculturas, cabezas, cacharros y murales, lo cual puede dar una idea del reparto de sus búsquedas en la práctica cerámica. Frente a los temas y problemas de este ancestral hacer ha encontrado resoluciones a la vez clásicas y modernas, sin inquietud por su disímil consideración.

En cuanto a géneros, se destaca su tránsito por la figuración humana y por los contenedores. A través del fragmento, aludiendo a lo femenino tanto como a lo sagrado, la representación del cuerpo se logra por vía de supresión, resguardando rasgos significativos: cabezas cuyos rostros concentran una intensa expresividad, piernas femeninas en poses que sintetizan el poder seductor al que se las asocia. A veces, en un parpadeo entre el uso y la contemplación, la adición de un cuello, un asa o un tirador permite avenir la forma y la función.

Sus estilos discurren en vínculo a los formatos, desde el pequeño al gran tamaño, y permanecen disponibles a través del tiempo. Entre las técnicas se destacan la potencia del ensamble ―con elementos de otras artes del fuego, como hierros de fundición y vidrios—, la vibración ritual del raku ―iluminado con óxidos de cobre o nitratos de plata―, y la delicadeza de texturas y tratamientos de superficie —esmaltados sobre y bajo cubierta—, con recurso a elementos gráficos y a la línea —en los rastros de un hilo de metal o la presencia de una calcomanía— que proveen una ornamentación discreta de acentos abstractos. Toda la producción queda atravesada por un deseo de síntesis, estilización y equilibrio que la artista exterioriza a partir de la intuición.

El pensar artístico de Cappadoro es fundamentalmente escultórico; modelar es su actividad principal, a partir del bloque, del macizo, luego ahuecar; también construye por rollos y planchas de arcilla. Este modelado elogia el concilio entre lo rígido y lo blando, indaga entre la forma y lo informe, devela la gravedad tanto como el humor.

Pero su acción desafía algunos preceptos tradicionales cuando sus obras ponen el acento en la suntuosidad del color, el protagonismo de la gracia, la evidencia de lo liviano, la dicha de lo brillante, la voluntad de tacto, la intuición de sonoridad, todos aspectos en los que el Arte Cerámico se regocija.

Porque de cerámicas se trata, este conjunto de presencias nos invita a comprometer el cuerpo, a danzar (orcheisthai), a ejecutar nuestro recorrido movilizando una sensibilidad a la vez visual, táctil y sonora. Podríamos imaginar, junto al curador, que las piezas son los instrumentos de una orquesta que, solos o en simultaneidad, ejecutan diferentes líneas melódicas; cuando son acordes, originan armonías.

Alejandrina asocia la idea de “Orquesta” a un modelo de sociedad coherente, eficaz, participativa, basada en el respeto mutuo, la comprensión, la comunicación y la colaboración. Un concepto que, muy ligado al arte, podría ayudar en la construcción de una identidad social, cultural y comunitaria. Para ella es imposible pensar el resultado de su hacer sin el calor que impele una causa común, sin el deseo que incita el trabajo en comunidad. Como ha señalado el músico Juan María Solare, la armonía entre quienes componen una orquesta es tan importante como la armonía entre las notas. Por ello, Alejandrina se ha trazado un horizonte donde concertar aportes plurales para la concreción de un arte sentido y percibido como común-unión. De este modo se ha sumado a la ética las artes que danzan en torno al fuego. Porque de cerámicas se trata, se ha orquestado aquí, como desde sus remotos orígenes, una ética de la convivencia.

Alicia Romero, Marcelo Giménez
CABA, febrero de 2025

Galería Palermo H

 Lunes a Viernes de 11 a 18 hs. Sábados de 10 a 13 hs.

Tucumán 712, casi esquina Maipú (C.A.B.A)

Tel.:011 4583-1369

WhatsApp: +54 9 11 3561-6375

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Fuente: Perfil – La puesta reúne pinturas, esculturas y documentos de este artista cordobés de 94 años que atraviesan la naturaleza del Litoral y, como contrapartida, los flashes de la ciudad estadounidense donde residió por cuatro décadas.

El Museo Nacional de Bellas Artes inauguró el jueves 20 de febrero, con la presencia del artista de 94 años, la muestra temporaria “Raúl Conti. Obras de Itatí y Nueva York”, que reúne en las salas del segundo piso una selección de pinturas y esculturas de dos períodos clave de su extensa producción.

“Con este conjunto de pinturas, esculturas y fotografías intervenidas, el Museo Nacional de Bellas Artes celebra la trayectoria de Raúl Conti a partir de dos momentos significativos y menos transitados de su trayectoria, que, a la vez, son complementarios de su extensa producción: las pinturas de Itatí y las de Nueva York”, expresó el director del Bellas Artes, Andrés Duprat.

Nacido en Morteros (Córdoba) en 1930, en su juventud el artista se instaló en la ciudad correntina de Itatí: “Era un lugar desconocido para mí –evocó Conti al hablar sobre sus primeras experiencias–, con los arrozales, las gavillas, con la gente cosechando con hoz: eran como cuadros de Van Gogh. Y ni hablar de las lagunas, esa agua mansa que reflejaba el río y todo el monte, los lapachos florecidos, las garzas blancas, las aves… Me enloquecía viendo todo eso”.

Emocionado, el pintor recordó también que en esa época conoció a “una muchachita de pelo negro largo y blusita blanca, que más tarde sería mi esposa”, en referencia a su compañera de vida, la poetisa Edith Fariña Conti, con quien tuvo cinco hijos.

La vida en Nueva York

Luego de una serie de viajes por diversos países de Latinoamérica, donde estudió el arte precolombino en sus propias fuentes, a fines de la década del 70 Conti se estableció en Nueva York y residió allí durante cuatro décadas. Su experiencia en Estados Unidos es el foco del segundo núcleo de la exposición.

Una de esas piezas de esta serie es el tríptico “Spanglish” (1981), ofrecido en donación por el artista para ingresar a la colección del Bellas Artes. “Es una obra grande que refleja el barrio donde vivía en Nueva York, que hasta hace poco se llamaba Hell’s Kitchen (“La cocina del infierno”). Era un lugar complicado pero jamás tuvimos un problema”, contó.

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En la sala también se exhibe una serie de trabajos escultóricos de Conti, en los que prevalecen las referencias a temas e iconografías de las culturas originarias, presentes en toda la producción del artista, así como material documental sobre su vida y su obra.

El creador del logo de Abuelas de Plaza de Mayo

Conti es el creador del logo de Abuelas de Plaza de Mayo. Lo realizó cuando formaba parte de “El grupo de los jueves”, conformado por artistas como Norman Briski, Nacha Guevara y otros.

“Nos reuníamos en la casa de una argentina que tenía un loft, y desde ahí ayudábamos a los que escapaban de acá. Cuando llegaba uno lo recibíamos, le conseguíamos trabajo y lo ayudábamos a instalarse. Incluso había un psicólogo para ayudarlos a recuperarse. Esa era nuestra misión, aunque un día me llamó desde Argentina mi hijo Carlos para decirme que acá se decía que el grupo era un campo de entrenamiento revolucionario. Después vino la guerra de Malvinas, y se formó otro grupo de ayuda. En ese tiempo hacía rato que las Madres estaban dando vueltas por la Plaza de Mayo, y me llegó la propuesta de hacer un afiche para la Semana Internacional del Desaparecido. Hice tres, y uno se aprobó. Se hizo de modo anónimo, porque sabíamos que en nuestras reuniones siempre había un espía… A los años volví a Buenos Aires, fui a la institución de las Madres, y les llevé un afiche firmado. Me dijeron que siempre habían creído que se había hecho en Suiza”, reveló Conti en una entrevista con Revista NOTICIAS.

En Argentina, además, ayudó enseñando a pintar a niños de la Villa 31 junto al Padre Mujica y en New York City en Ward’s Island para rehabilitar a los pacientes psiquiátricos. Por décadas donó obras para causas humanitarias en Argentina y EEUU.

“Raúl Conti. Obras de Itatí y Nueva York” puede visitarse hasta el 30 de marzo de 2025 en las salas del segundo piso, de martes a viernes, de 11 a 19.30 (último ingreso), y los sábados y domingos, de 10 a 19.30.