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Final feliz para la segunda edición de AFFAIR

6 septiembre, 20246 septiembre, 2024 infoarte

Fuente: Arte por Excelencias – Como de exitosa califican los organizadores a la segunda edición de AFFAIR. Con entrada gratuita y transporte que la conectó con arteba, dejó un buen criterio entre galeristas y creadores, y movilizó a numeroso público.

Fue la semana más importante para el arte en Buenos Aires. Y si algo predominó en todas las ferias que se realizaron fue el disfrute de artistas ya conocidos y el descubrimiento de artistas nuevos de distintos puntos del país. AFFAIR, en su segunda edición en las Galerías Larreta de la calle Florida, tuvo muy buenas ventas.

“Concretamos más de 100 operaciones, con una repercusión importante, en un rango de precios que van de los 200 dólares hasta los 7.000. Más allá de las ventas puntuales, las 9.000 personas que pasaron por la feria se llevaron muchísima información, datos de artistas y de galeristas, conocieron obras que no habían visto antes, estamos felizmente sorprendidos”, comienza contando Sasha Dávila, co-organizador y galerista.

Es que esta edición de AFFAIR se realizó en pleno microcentro porteño, pero tuvo participación de varios puntos del país. Las galerías fueron 17, con la organización de Oli Martínez, de TokonOMa; Bárbara Echevarría, de Acéfala y Nacho Meroni de Wunsch,de la Ciudad de Buenos Aires; Gab Gabelich de Gabelich Contemporáneo de Rosario; y Sasha Dávila, que tiene galerías en Córdoba y en Buenos Aires.

“Nos dimos cuenta en estos días que esa apuesta que hicimos el año pasado, con mucho entusiasmo, terminó de consolidarse en esta edición. Nos estamos posicionando y tenemos ya un rol importante dentro del mercado y el interés en general. Además, se sumó muchísima gente joven y esto es realmente muy interesante”, agrega Bárbara Echevarría, otra de las organizadoras.

Pero también, hubo coleccionistas, artistas, galeristas y gestores culturales, curadores y críticos de arte.

“Las galerías a las que convocamos están muy contentas, venían con ciertas inquietudes porque es lo que sucede cuando uno realiza un cambio y una nueva apuesta, pero el resultado ha sido inmejorable. Por otro lado, el apoyo del Centro Cultural de España en Buenos Aires y el transporte gratuito del gobierno de la ciudad han sido de mucha ayuda. El móvil gratuito fue usado por más de 400 personas que visitaron arteba y AFFAIR, de una punta a la otra de Buenos Aires, en jornadas frías y lluviosas, totalmente gratis”, cuenta Oli Martínez.

Sasha Dávila finaliza con un comentario importante sobre el espíritu de esta feria, que es colaborativa y autogestionada: “Esa idea ha sido muy bien aceptada y llevada a cabo por todos. Todas las visitas guiadas han sido dirigidas a todas las galerías sin distinción y eso hace que entre todos trabajemos comunitariamente. Todos nos ayudamos en las ventas y todos queremos y deseamos que nuestros colegas vendan porque en definitiva las Ferias de arte están hechas para que se pueda vender, difundir y que los artistas puedan vender ya que de eso viven, es su profesión. Y hacia eso apuntamos, con calidad y con esfuerzo y comunitariamente”.

Galerías que fueron parte de AFFAIR:

Acéfala (CABA) – Bárbara Echevarría
Almacén |arte contemporáneo| (San Nicolás, Prov. de Buenos Aires) – Leo Mayer
Ankara (Colonia Caroya, Córdoba)
Centro de Edición (Villa Lynch, San Martín, Buenos Aires) – Natalia Giacchetta
Crudo (Rosario) – Yuyo Gardiol y Fepi Farina
La Cúpula (Córdoba) – Jorge Castro
Futbolitis (CABA) – Ezequiel Suranyi
Gabelich contemporáneo (Rosario) – Gab Gabelich
Julia Baitalá (CABA)
Local 15 (Rosario)
María Wonda (Córdoba) – María Belén Wonda
Sasha D. (Buenos Aires|Córdoba) – Sasha Dávila
Tiempo (San Isidro, Buenos Aires) – Maggie Espósito
Tierra (Córdoba) – Fernando Ferreyra
TokonOMa (CABA) – Oli Martínez
Wunsch (CABA) – Nacho Meroni
Zona (San Isidro, Buenos Aires) – Paula Bladimirsquy

Un nuevo comienzo, desde fines de mes queda abierta CENTRAL AFFAIR

Para la segunda edición de AFFAIR, se puso en valor el entrepiso de las Galerías Larreta, en Florida 971, pleno centro porteño. De reojo a la Plaza San Martín, este lugar abarca 800 m2 y tiene uno de los primeros murales abstractos realizado por el artista Luis Seoane en 1958.

En este lugar, a fines de septiembre, quedarán quince galerías y proyectos, que tendrán inauguraciones simultáneas. A gran parte de las galerías participantes en la feria, se sumará Antena, proyecto sonoro de Nicolás Varchausky, Guadalupe Chirotarrab, Julia Rossetti y Julián Teubal, la galería Camarones de Lola Silberman, Casa Equis de Josefina Hagelstrom (con sede en México), el espacio editorial FAN de Sol Echevarría, y un espacio expositivo y de comercialización de la residencia URRA-HIPHip.

“Compartiremos un espacio central, habilitado como centro cultural independiente, donde habrá gastronomía, un lugar de encuentro, performance, presentaciones de libros y conciertos”, detalla una de las organizadoras de la feria y que se instalará allí con TokonOMa, Oli Martínez.

Fuente: Mariana Rolandi Perandones/ Prensa y Comunicaciones

La semana más importante del arte local tuvo un cierre por todo lo alto

4 septiembre, 20244 septiembre, 2024 infoarte

Fuente: Clarín – arteba, Affair y BADA fueron multitudinarias, pese a la tormenta del sábado y las nubes del domingo.Hubo público joven, primerizos y coleccionistas expertos y ventas para todos los presupuestos.Una recorrida bajo la lluvia para trazar un análisis de un fin de semana vertiginoso.

¿Sudestada anunció el Sistema Meteorológico Nacional? Pues para los visitantes de BADA, Affair y arteba no hubo frío helado, lluvia intensa ni ráfagas fuertes de viento que los detuvieran. Desde temprano en la tarde, el anteúltimo día, las tres ferias de arte en La Rural, Galerías Larreta y Costa Salguero, estuvieron atiborradas de públicos. Así en plural. Si algo predominó en los tres eventos fue un deseo de disfrute de la belleza y el color, de conocer más a los artistas y la oferta de arte que existe hoy en el país.

Personas reaccionan dentro de una instalación exhibida durante la 33 edición de feria de arte contemporáneo «arteba» en el predio ferial Costa Salguero, en la ciudad de Buenos Aires, capital de Argentina, el 29 de agosto de 2024. (Xinhua/Martín Zabala)

Llegar a arteba requirió de paciencia. El embotellamiento de autos y transportes especiales fue fenomenal. La cosa mejoraba por avenida Sarmiento para arribar a BADA, no tanto por Plaza Italia, y el tránsito fue igualmente lento hacia el centro donde están las Galerías Larreta, nueva sede de la segunda edición de Affair. Todo empeorado por la tormenta.

BADA en La Rural se colmó de gente, mayoritariamente joven, en el Pabellón Verde. Feria de artistas que vende directamente al púbico, ¡aguanten las mujeres! que fueron más que los hombres entre los 300 seleccionados de 8.000 postulantes que aplicaron para la Feria. Increíble la creatividad que grita por tener un lugar donde exhibirse.

Clarín Cultura conversó con varios artistas y este sábado muchos celebraban con familia y amigos los circulitos rojos pegados en cada stand. Las pegatinas significan “obras vendidas”.

Vale una línea: a BADA se ingresaba por el espacio de la marca Dove que propuso el hashtag #Enfrentemoslairritación. Y no precisamente de la piel femenina, sino de la piel “social”. Se exponían fotos de mujeres extraídas de sus cuentas de Instagram y al costado una tablet mostraba los mensajes de “odio” de sus seguidores.

La propuesta invitaba a los visitantes a dejar un mensaje positivo. Nota al pie: la encargada del espacio contó que hubo mensajes que omitieron por irreproducibles. Verlos todos juntos en una muestra resulta impresionante porque nos habla de la sociedad “glocal” que nos acoge.la artista Ana Monjeau, de Lago Puelo, en la Patagonia andina, provincia de Chubut. Su arte se mueve entre lo simbólico, lo sagrado y el realismo mágico, aquí en BADA. Foto: Clarín.

De inmediato nos sumergimos en la Feria y la primera observación arrojó que predominaba el público joven, que había obras muy buenas a precios increíbles, y que se percibía una energía revitalizante. Nos acercamos a un primer stand y encontramos a la artista Ana Monjeau, de Lago Puelo, en la Patagonia andina, provincia de Chubut. Su arte se mueve entre lo simbólico, lo sagrado y el realismo mágico. Contó a Clarín Cultura que es una de las seis artistas (todas mujeres) que ganó el concurso del último MICA (Mercado de Industrias Culturales Argentinas), dependiente del gobierno nacional.

Precisamente compartió el stand con otras dos concursadas, una de ellas, Agustina Gear, de Córdoba, cuyas pinturas son tan hiperrealistas que parecen fotografías. El valor promedio de las obras de ambas está entre los 100 y los 400 dólares (las de mayor tamaño).

Ambas tuvieron que costearse traslados y hoteles. “El concurso nos cubría el costo del stand y estamos agradecidas”, subrayaron. El costo de un stand en BADA estuvo este año entre los 900 y los 2.000 dólares dependiendo de su dimensión. Cuesta creer que el Estado no pudiera pagarle a artistas ganadoras del interior un pasaje en colectivo y un hotel por cuatro días. El MICA debería mejorar las condiciones de sus concursos en artes visuales si quiere que el interior también exista.Sofi Wiñazki día vendió ocho obras el primer día. Foto: Clarín.

Seguimos recorriendo y dimos con dos artistas conocidas por la difusión de su obra en redes. En un caso, Sofi Wiñazki, hija del filósofo Miguel y hermana del periodista Nicolás. Sus árboles de estilo naif, en colores o en blanco y negro oscilan en torno a los 400 mil pesos. La artista que el primer día vendió ocho obras en un abrir y cerrar de ojos tiene vasta difusión de su trabajo en Instagram.Ceci Brook interviene con rostros descubiertos de mujeres las alfombras iraníes que compró en Jordania. Foto: Clarín.

En otro stand, Ceci Brook interviene con rostros descubiertos de mujeres las alfombras iraníes que compró en Jordania. Vendió obra con precios ìncreíbles entre los 400 y los 1800 dólares. Mañana lunes parte a exponer a Nueva York.

Con pintura asfáltica y acrílico metalizado, Carolina Filice realiza en bastidor de tela unas obras bellísimas que toman la flor del cerezo japonés (sakura) desde arriba. El efecto y los formatos son tan sorprendentes como sus precios. Entre 200 y 700 dólares. “El mensaje de estas obras es comprender lo efímero de la vida y disfrutar los momentos”, nos dijo.

En otro de los pasillos, recorridos de forma incesante por muchos visitantes, nos encontramos con Micaela Mendelevich, que cada tarde conduce un programa por Radio Ciudad. “Me divorcié y empecé a dibujar sin parar. Yo soy ilustradora, pero creo que la pintura me cooptó por completo. No sé si habrá sido para llenar un vacío existencial”, dijo mientras se reía. Tuvo stand propio y se notaba que es una artista prolífica. Su maestra es Verónica Gómez. Precisamente el Malba adquirió una obra de Gómez en esta edición de arteba.

Una Feria inabarcable

Entre stand y stand fuimos observando la diversidad de estilos, técnicas, materiales, soportes, así como la calidad artística de muchos trabajos y el entusiasmo de quienes venían por primera vez a BADA que ya lleva 12 ediciones, tanto como de quienes ya acumulan experiencia. Había mucha pintura, menos escultura, mucho arte textil, trabajos más originales en papel y técnicas mixtas, y observamos que eran numerosos los visitantes que salían con su obra bajo el brazo.Soledad González y su obra textil expuesta en BADA. Foto: Clarín.

Otro dato por resaltar: el trabajo de meses que llevan muchas de las obras expuestas para la venta. Por ejemplo, Soledad González aceptó posar junto a una obra textil de su autoría, trabajada parte por parte. No solo es arte, es también diseño, dijo la artista en el stand 178. El trabajo que realiza es impresionante. Con un proceso de “tufting” crea estas bellezas artesanales con ilustraciones digitales que lleva al arte textil.Romina Hereñú y su técnica crafts para reflejar su entorno litoraleño en BADA. Foto: Clarín.

Llegamos al espacio de Romina Hereñú, de Santa Fe, quien declaró que su obra aborda su entorno “litoraleño, la naturaleza y lo sagrado”. Dijo que se siente una artista-artesana y que ha creado su propia técnica que llama “crafts”. Sobre fibrofácil con distintas texturas da forma a sus piezas. Las ventas no han colmado sus expectativas, dice, pero sí los puente tendidos. “Hice muchísimos contactos con galeristas, escritores (es ilustradora) y biólogos interesados en la naturaleza que refleja mi trabajo”, expresó.

A las 19 en BADA crecía el bullicio y los stands comenzaban a llenarse de circulitos rojos que registraban las obras vendidas. Así encontramos a la artista de Palermo Indiana Kohen Lumar envolviendo una pieza recién vendida. Sus trabajos oscilan entre 70 y 700 dólares. Y llevaba 10 trabajos vendidos.La obra de Wanda Matulionis, de Adrogué, también gozó de buena suerte en BADA. Foto: Clarín.

La obra de Wanda Matulionis, de Adrogué, también gozó de buena suerte. Trabajada en papel y collage en fibrofácil, la artista llevaba ocho ventas cuando visitamos su stand. Hay que decir que son trabajos muy originales que oscilan entre los 200 y los 2000 dólares.

Nos fuimos de BADA, camino a Affair en Galerías Larreta, con la certeza que esta Feria directa de los artistas al público ha tenido una edición vibrante en el contexto de la recesión económica nacional.

Affair, la Feria que crece con fuerza

El transporte que el Gobierno de la Ciudad puso para trasladar a los visitantes desde arteba a Affair y viceversa fue bendito en la jornada lluviosa y fría del fin de semana. “Estamos muy sorprendidos por la cantidad de gente que nos visitó”, dijo Saha Davila a Clarín Cultura. El galerista cordobés y co-organizador de Affair, que abrió ya su segunda galería en Buenos Aires, es un gestor esencial en la Feria de Arte Contemporáneo de Córdoba que tendrá lugar entre el 7 y el 10 de noviembre de este año en la Docta.En las Galerías Larreta cierra hoy la nueva edición e Affair. Foto: Clarín.

Se concretaron más de 90 operaciones en Affair, según nos dijo Sasha. Se trata de una Feria que reúne este año a 17 galerías. La repercusión de consultas y de público creció en relación con la primera edición realizada el año pasado en Polo Saldías, a 10 minutos de caminata de Costa Salguero.

Los rangos de precios de las obras vendidas en esta Feria estuvo entre los 200 dólares hasta los 7000 dólares, “valores con los cuales nos hemos manejado”, dijo Dávila.

“El público contribuye mucho a que la Feria se haya posicionado dentro del mercado y eso nos da mucho empuje para seguir”, dijo otro de los galeristas consultados.

Explicó Dávila que el público ha sido de una enorme diversidad. Desde muy jóvenes a coleccionistas con el ojo habituado a detectar buenas obras en la oferta enorme que se presentó esta semana. “Vinieron otros galeristas, curadores, críticos de arte, artistas, nos visitaron muchas personas. Y eso también nos gratifica porque significa que la comunicación fue muy buena y nos da mayor entusiasmo”, dijo el co-organizador.Recorrida durante la inauguración de la segunda edición de Affair. Foto: Gentileza Affair.

Todas las galerías están satisfechos con el desarrollo de esta edición sobre todo porque al mudar de sede había inquietudes sobre la respuesta del público. Más allá de las dudas, Affair fluyó con propuestas bien diferenciadas y ahora continuará con Central Affair en la post-Feria con actividades que hagan crecer esta comunidad de galerías que, no obstante ser parte de Meridiano, entidad que agrupa a las galerías de arte de todo el país, eligen un modo diferente de exhibir su obra, con otros costos y, sobre todo, potenciando a artistas con muy buen nivel artístico.

“El transporte gratuito de la Ciudad de Buenos Aires fue maravilloso. Más de 200 personas lo han utilizado y creo que ha sido un punto muy importante para el traslado puerta a puerta entre arteba y Affair”, subrayó Sasha.

La coparticipación entre galerías y el trabajo colectivo son dos de los puntos que se destacan desde la organización. Como dice la curadora Analía Solomonoff: compartir además de competir es la clave.

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Arteba se superó a sí misma

Algunos datos para el estribo, de esos que nos dejan pensando mientras vamos guardando las postales de las tres ferias de arte que han colmado las expectativas de distintos públicos.

Mientras recorrimos arteba, un curador reconocido, de los que integran jurados, nos dijo que algo lo había sorprendido en esta edición: “arteba se ha convertido en un mercado secundario. Antes existía una tensión entre las galerías, que son además casas de subasta, (N. de la R.: no lo dijo pero se refería quizá a Roldán que vendió mucho en esta Feria) y las que venden obra de artistas propios. Lo que veo hoy es que en la mayoría hay obras de coleccionistas que no pertenecen a los artistas de esas galerías”.

Con el ojo puesto en ese dato fuimos recorriendo aquí y allá, y en efecto varias confirmaron que algunas obras de las más caras eran “consignaciones” de coleccionistas que prefirieron la vidriera de arteba para vender.

Otro dato que recogimos en la caminata por varias galerías fue que hubo compradores “de primera vez”. “Siento que arteba le habilita a la gente darse un gusto y que muchos se reservan para este momento”, dijo María Casado a Clarín Cultura. No es menor en un país cuyos índices de pobreza no disminuyen, el transporte aumenta y salvo el ministerio de Cultura porteño, el Estado nacional está ausente.

Seguimos el derrotero y dimos con el curador y coleccionista Joaquín Rodriguez, a quien encontramos guiando a un grupo de alumnos de Delfina Helguera, directora del Museo Larreta de la Ciudad de Buenos Aires. Rodríguez reflexionó que en esta edición pisó “muy fuerte el mercado de los modernos”. Y Helguera destacó que el Premio a la Obra fue un incentivo muy importante, a la par que ponderó el diseño de la Feria este año.

AMIA tuvo su stand institucional donde puso a a venta serigrafías de Lilia Porter, Pablo Siquier, Nicola Costantino, Eduardo Stupia, Jorge Machi y Guillermo Kuitca con un descuento del 20% sobre su precio de 1500 dólares. Elio Kapszuck, a cargo del Espacio AMIA Arte, ponderó la idea de realizar las tres ferias en la misma fecha por «la tracción de público que se realimenta».

Otras galerías como Piero Atchugarry, de Uruguay, o VigilGonzales de Cusco, Perú, hoy instalada también en Buenos Aires, ponderaron que, más allá de sus ventas, arteba es una Feria que permite tender muchos contactos y que la “post Feria es muy importante”. La semana siguiente a que termina, las compras se siguen sucediendo.

Y un renglón dedicado al público que este fin de semana causó un embotellamiento de tránsito sobre avenida Costanera, camino a Costa Salguero. Según nos dijo el galerista peruano Arístides Vigil Gonzales, “la gente es muy educada, curiosa y culta. Hace preguntas sobre los artistas y sus obras que no hace en otras Ferias del mundo de las que participamos; eso es siempre alentador”.

Contra viento y marea, frente al agorero “no hay plata”, la gente halló siempre sus huecos respiratorios de supervivencia. Siempre.

Genoveva Fernández: un arte que cautiva el ojo del espectador

3 septiembre, 20243 septiembre, 2024 infoarte

Fuente: Ámbito – En su nueva muestra en el Palacio Duhau, «El círculo y la sombra», la artista vuelve a exhibir la vitalidad a través de una geometría expansiva que no deja de seducir al visitante.

El crítico de arte Gabriel Palumbo (1966- 2023) se refirió a la obra de Genoveva Fernández, en la que actuó como curador de “El tiempo y la proximidad”, muestra anterior en Cott Gallery, con estas palabras: “su obra es orgánica, hay un juego de permanencia y escape que impone el movimiento, lo que confirma su experiencia vital”. La artista actualmente realiza su nueva muestra en el Paseo de las Artes Duhau titulada “El círculo y la sombra”.

La vitalidad en sus obras siempre quedó demostrada al crear flores gigantes en blanco y negro; también su desparpajo al mostrar figuras exuberantes, mitad vestidas, mitad desnudas, con melenas sexy enruladas, cuando exhibía en Elsi del Río.

¿Qué hace ya desde hace algunos años? En el texto escrito por la artista señala que “busca una geometría expansiva compuesta por tramas y motivos ornamentales que se caracterizan por signos que se repiten, tendiendo a cubrir la totalidad de las superficies”.

A propósito de la palabra ornamental y de talante geométrico también la usamos en un comentario sobre su obra al asociarla al movimiento social y estético “Arts & Crafts”, creado a fines del siglo XIX por el escritor, pintor, diseñador inglés William Morris (1834-1896), que rescataba lo artesanal ya que Fernández atesora restos de pinturas en frasquitos perfectamente etiquetados con los que fabrica sus colores que son blanco, negro, gris, plateados, ocres.

Colores que le van a una geometría de rigor extremo, plena de curvas, con círculos en blanco y negro, un poco a la manera de Manuel Espinosa en algún momento de su quehacer, quien escribió: “la pintura , liberada por la invenciones mecánicas de la necesidad de la copia, se encuentra hoy en mejores condiciones que nunca para atender sus valores propios, este es el sentido que reviste, en general, el arte no representativo, que no es alejamiento del hombre o desinterés de sus problemas esenciales, sino por el contrario, afirmación de su poderío mental y técnico”. Concepto válido para todas las nuevas generaciones de artistas que han adoptado esta disciplina.

¿Y por qué no remitir a Vasarely en su período blanco y negro entre 1951 y 1963? Se destacan sus dibujos realizados a mano alzada, en los que usa tapitas, o cualquier otra forma redondeada, una de sus constantes, lo que explica la cantidad de círculos negros o blancos. Con esta exposición queda demostrada, una vez más, su destreza y su madurez pictórica.

(Hasta el 20 de octubre. Av. Alvear 1661 Paseo de las Artes del Palacio Duhau.)

Federico Telerman exhibe en Galería Praxis sus obras sin límite entre lo onírico y lo real

31 agosto, 202431 agosto, 2024 infoarte

Fuente: Infobae – La muestra “Duermevela”, abierta al público hasta el 16 de octubre, transmite noción de movimiento y un rastro físico. “No utilizo pinceles sino los dedos y las manos”, dice el artista argentino.

La muestra Duermevela, de Federico Telerman, se exhibe en la Galería Praxis hasta el 16 de octubre. Se trata de una idea compuesta por cuatro obras, dos de ellas polípticos de gran formato, presentes en una Sala que sugiere una dualidad de dos estados lumínicos opuestos, como lo pueden ser el día y la noche, lo frío y lo cálido.

“Duermevela”, como su palabra lo define, es ese sueño ligero en el que se encuentra la persona que dormita. Por esto mismo, la pintura de Federico Telerman sugiere, no obliga.

Se produce, entonces, la sensación de estar en un espacio conocido y desconocido a la vez. “Es ese estado donde los límites entre lo onírico y lo real se mezclan, es un momento de vulnerabilidad, donde estamos más permeables a absorber las impresiones del color y el movimiento”, indica la galerista Lucía Matusevich quien aconseja detenerse y concentrarse frente a los acrílicos para contemplarlos, “exigen salirse del tiempo corriente, del apuro”.

«Duermevela» puede visitarse de lunes a viernes de 10.30 a 19.30 y los sábados de 10.30 a 14 hs.

Federico Telerman presenta una muestra en la que, según Matusevich, “no se distingue qué es real y qué inventado, lo que puedo asegurar es que las obras que conforman Duermevela son íntimas, producto de una búsqueda larga y personal”, y resalta aludiendo a Telerman, “el cuerpo entero es su pincel”.

Esto último hace referencia a una particularidad del artista, y es que desde hace tiempo Federico pinta con sus manos. En diálogo con Infobae, Telerman comenta “hace algunos años vengo trabajando con gestos drásticos, corpóreos. No utilizo pinceles sino los dedos y las manos. El gesto físico funciona como rastro, es la prueba más fiel de que estuve ahí. Del movimiento.”

La muestra de Federico Telerman permanecerá abierta al público hasta el 16 de octubre

Quién es Federico Telerman

Federico Telerman es un artista argentino creció y vivió durante muchos años fuera del país. Posee una trayectoria ligada al arte y la cultura. Su formación en cine lo llevó a producir obras que participaron en festivales internacionales, como lo fue su cortometraje Albino, estrenado en el 29° Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Y en contemporáneo, desarrolló su carrera artística, formando parte de muestras que se lucieron, por ejemplo, en el Centro Cultural Borges y en el Museo de Arte Contemporáneo MAR.

Para concluir, Federico Telerman resalta “el movimiento es lo que me hace sentir vivo, por ende mi interés plástico está puesto ahí”, en cambio para el público, Duermevela invita a desacelerar. Como lo define Matusevich “Federico se ocupa de suspender el tiempo, a nosotros solo nos queda flotar”.

* Duermevela puede visitarse hasta el 16 de octubre, de lunes a viernes de 10.30 a 19.30 y los sábados de 10.30 a 14hs., en la sala 2 de la Galería Praxis (Arenales 1311, C.A.B.A.).

[Fotos: Francisco Nocito]

Llega la segunda edición de la feria Affair, con fuerte participación cordobesa

16 agosto, 202416 agosto, 2024 infoarte

Fuente: La Voz – El evento reunirá en Buenos Aires a 18 galerías de varias provincias. Ankara, La Cúpula, María Wonda, Sasha D. y Tierra son los espacios locales que dirán presente con sus propuestas.

Por segundo año consecutivo, la feria de arte Affair apostará a la divulgación de las expresiones contemporáneas, y buscará además potenciar su espíritu federal con la participación de 18 galerías de distintas provincias.

La nueva edición se realizará desde el 29 de agosto al 1° de septiembre, en la ciudad de Buenos Aires. El ámbito elegido son las icónicas galerías Larreta de la calle Florida, recientemente restauradas.

Affair busca generar un nuevo tipo de feria de arte, más colaborativa, autogestionada y accesible, con entrada gratuita y la mirada puesta en los nuevos públicos.

El equipo de galeristas que organiza Affair: Nacho Meroni, Oli Martínez, Fernando Ferreyra, Bárbara Echevarría, Sasha Dávila y Gab Gabelich.

La participación cordobesa será importante, no sólo en cuanto al número de galerías que desembarcarán en la feria con sus propuestas, sino también porque entre los organizadores están María Belén Wonda (María Wonda), Fernando Ferreyra (Tierra) y Alejandro Dávila (Sasha D), galeristas y gestores culturales de la provincia.

El equipo que impulsa el evento se completa con Oli Martínez, de TokonOMa; Bárbara Echevarría, de Acéfala; Nacho Meroni, de Wunsch, y Gab Gabelich, de Gabelich Contemporáneo.

Nuevo formato

Caba, la provincia de Buenos Aires y Rosario dirán presente con Acéfala, Almacén Arte Contemporáneo, Centro de Edición, Crudo, Futbolitis, Gabelich contemporáneo, Local 15, Tiempo, TokonOMa, Wunsch y Zona.

Las galerías participantes de Córdoba serán Ankara (Colonia Caroya), La Cúpula, María Wonda, Sasha D. y Tierra.

“El año pasado armamos esta feria en tres meses y fue una gran experiencia, muy fresca, cero acartonada, y haciendo desde el principio mucho hincapié en el comienzo de una nueva forma de hacer una feria de arte”, señala Oli Martínez.

El galerista añade que Affair se genera en un “contexto de crisis para un sector de galerías que participábamos en ArteBa en el sector Stage”. Se trata de un sector intermedio entre el espacio de galerías emergentes y las galerías de la sección principal de esa feria.

Bárbara Echevarría aporta su mirada: “Este es un formato nuevo. La escena de todo el país es inmensa, hay muchísimas galerías, muchísimos artistas, pero nos enfrentamos a que el público interesado en adquirir obras de arte es muy pequeño y de nicho. Uno de nuestros objetivos es generar espacios más accesibles y nuevas estrategias que permitan ampliar el mercado”.

Los organizadores de Affair. La segunda edición de la feria de arte abrirá al público el 29 de agosto, en Buenos Aires.

Por esa razón, explica la galerista, es necesario cambiar los antiguos paradigmas y la idea de que un espacio compite con otro: “Crecer implica potenciar los espacios, los proyectos y trabajar en forma colaborativa. Este es un emprendimiento autogestionado, un modelo de feria de arte que convoca y articula el diálogo y habilita la coexistencia equilibrada entre actores. Buscamos posicionarnos como un evento de arte contemporáneo renovador, que fomente el acceso a nuevos públicos”.

La curadora de esta nueva edición de la feria es la gestora rosarina Analía Solomonof, directora del Museo Rosa Galisteo de Rodríguez, de la ciudad de Santa Fe.

Continuidad

En el nuevo espacio, los organizadores prevén crear un dinámico escenario para realizar experiencias colectivas. La idea es que se convierta en un epicentro de actividad cultural, al que llamarán “Central Affair”.

Uno de los objetivos es que, además de la feria, “Central Affair” le otorgue continuidad a “acontecimientos artísticos durante los próximos años, de manera tal de mantener vivo el encuentro entre artistas, colegas, galeristas y amantes del arte”, cuenta Oli Martínez.

Feria. Affair se realizará desde el 29 de agosto al 1° de septiembre en el entrepiso de las galerías Larreta (Florida 971, Ciudad Autónoma de Buenos Aires). Entrada gratuita.

Gestos del arte infinito: conoce a Adela Pecorino, artista destacada de la Galería Palermo H

7 agosto, 20247 agosto, 2024 infoarte

Fuente: @galeriadeartepalermoh by Mailén Z. Lazzarone – Adela Pecorino es una artista visual argentina que se especializa en la creación de piezas abstractas, explorando la gestualidad y el color. Tanto sus obras como la inspiradora historia de su conexión con el arte son un faro de motivación para cualquier persona que tenga una creatividad artística a punto de florecer.

Hace casi 17 años, asistió por primera vez a un taller artístico llamado “Arte para todos”, coordinado por el profesor Jorge González Perrín. En ese momento trabajaba como empleada administrativa y profesora de piano, por lo que el contacto con la pintura era una experiencia completamente nueva en su vida adulta. Durante ese primer encuentro, descubrió en sí misma un mundo que se fue revelando con cada pincelada, motivándola a asistir a talleres de pintura y a explorar continuamente su creatividad emergente.

Aunque en su familia no había artistas reconocidos, sí existieron influencias artísticas que despertaron en ella un primer deseo: recuerda a su padre, profesor de dibujo técnico, quien solía dibujar retratos en carbonilla durante la madrugada. También guarda en la memoria a su abuelo, joyero de profesión, realizando grabados con diversos motivos y mucho detalle.

Adela comenzó su exploración artística copiando paisajes y flores, familiarizándose con el mundo a través de las técnicas que aprendía. Luego se sintió atraída por una exploración más personal, enfocándose en los colores y las combinaciones posibles entre ellos, como también las tramas y escalas cromáticas. Inmersa en su práctica, descubrió un universo interno e inesperado, encontrando en cada creación una nueva identidad artística.

Su primera exposición tuvo lugar en 2006, y desde entonces ha desarrollado su carrera de manera continua, exhibiendo su trabajo en diversas galerías de Argentina, Italia, Francia y España. En la actualidad, la Galería Palermo H ha jugado un importante papel en la difusión de su obra. Esta prestigiosa galería no solo ha proporcionado un espacio excepcional para exhibir sus creaciones, sino que también ha brindado el apoyo y reconocimiento que Adela merece. Esta notable galería se destaca por su compromiso con la promoción del arte local e internacional, y por apoyar a artistas con visiones únicas y transformadoras.

***Entre curvas***
**por Adela Pecorino. Acrílico sobre tela, 50×60 cm.**

Las obras de la artista se desarrollan mayormente en tiempo real, comenzando y acabando cada lienzo en un diálogo visual que es una experiencia artística envolvente. En sus creaciones, mezcla colores y forja un vínculo con entidades coloridas que emergen sin planificaciones previas; son gestos espontáneos que devela el pincel. “Entre curvas y colores” es una de sus obras más llamativas, compuesta por tres cuadros en los que se pueden ver colores complementarios que surgen y se combinan. Adela explica que el inicio de una obra es un proceso visualmente atractivo y evoluciona hasta convertirse en una creación que resulta placentera tanto al momento de producirla como al observarla. “Te tiene que gustar o tiene que cambiar hasta que te guste”, expresa, “no hay que tenerle miedo al lienzo en blanco”. Para la artista, el arte es infinito, por lo que una vez que se accede al ejercicio artístico se habilita una fuente inagotable de inspiración y mundos por crear. A través de sus pinceladas, traduce los gestos que precisa ese lienzo en blanco tan poco temido, invitándonos a explorar las variadas perspectivas de este lenguaje y sus danzas cromáticas.

En una sociedad que comúnmente prioriza la juventud como el mejor momento para desarrollar una carrera artística, la historia de Adela Pecorino desafía estas convenciones. Su trayectoria demuestra que el deseo y la pasión por el arte pueden florecer en cualquier etapa de la vida, incluso sin haberlo buscado ni imaginado antes. También prueba que esta pasión puede crecer hasta el punto de realizar numerosas exhibiciones y tener un lugar en el ámbito social artístico. Nunca es tarde para descubrir y cultivar una pasión creativa; si se despiertan, es importante darle la oportunidad a los gestos que puedan surgir de la propia creación. Porque si el arte es infinito, entonces es para todos.

Es posible conocer más acerca de la artista visitando el espacio físico o virtual de la Galería Palermo H, ubicada en el barrio Microcentro de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. De esta manera, vas a poder disfrutar de una increíble muestra de esta apasionada artista desde el Viernes 9 al Sábado 24 de Agosto en Galería Palermo H.

Inauguración de la muestra “Gestos del infinito” de Adela Pecorino: Viernes 9 de Agosto, 2024. A las 18 hs.

Entrada libre y gratuita.

Horarios de atención: Lunes a Viernes de 11 a 18 hs. Sábados de 10 a 13 hs.

Dirección: Tucumán 712, casi esquina Maipú (C.A.B.A)

Contacto: 011 4583-1369 / wpp: +54 9 11 3561-6375 / info@galeriadeartepalermoh.com

Página web: https://galeriadeartepalermoh.com/

“Latinvol”, un viaje entre la danza y el arte por Argentina, Brasil, Chile, Perú y Colombia

7 agosto, 20247 agosto, 2024 infoarte

Fuente: Infobae – El show gratuito, creado e interpretado por el artista y abogado Daniel Goytia, incluye coreografías, narraciones, canciones y pinturas en la Galería El Socorro. También se presentará el proyecto social Capacitor de la ONG ‘Un corazón’.

Creado e interpretado por el artista y abogado Daniel Goytia, el espectáculo Latinvol recorrerá la cultura de Argentina, Brasil, Chile, Perú y Colombia a través de la danza, la literatura, la plástica y la música en la Galería El Socorro. El show se presentará desde el lunes 19 de agosto al lunes 2 de septiembre.

Des de la organización comentaron que la idea es “profundizar en hechos icónicos de diferentes países de la región, a través de una performance multidisciplinaria, que incluye coreografías dirigidas por Marina Svartzman”.

Como continuación de Maldito Tango! (Damm Tango!), espectáculo que se presentó con éxito en 2019 y 2020, en la Contemporary Art Gallery de Nueva York y en la Galería Soleil de Tokio, donde los japoneses bailaron al ritmo del tango argentino, Latinvolse exhibirá en la Galería del Socorro, donde también ensayarán el show en inglés, japonés, francés italiano y portugués, antes de su gira.

Latinvol se presentará en la Galería El Socorro en Buenos Aires desde el 19 de agosto al 2 de septiembre

En el marco de Latinvol, Goytia presentará el proyecto Capacitorde Un corazón, la ONG en la que auspicia, entrena y acompaña personas en situación de pobreza de Buenos Aires para impulsarlos a reinsertarse en el mercado laboral.

El viaje por Argentina, Brasil, Chile, Perú y Colombia, será representado por las narraciones y pinturas de Daniel Goytia y los bailarines Tomás Barrionuevo y Mailén Bisso, coordinados por Svartzman y el vestuario, que exhibirá las banderas nacionales, será de Mariana Torrecilla. Daniel Goytia interpretará, además, composiciones originales de canciones locales como “La flor de la canela”, de Perú, “Eu sei que vou te amar”, de Brasil, “Gracias a la vida”, de Chile, “La pollera colorá”, de Colombia y “Adiós” (Cerati) y la zamba “Para qué volviste”, de Argentina, entre otras.

“Los visitantes podrán introducirse en la cultura de cada país con pinturas, danzas, cuentos y canciones que crearán el viaje directo a momentos como el de La Fiesta Nacional de la Flor, en Argentina, el Carnaval de Brasil, el impacto que tuvo en Chile la caída del vuelo 571 en los Andes, un viaje por el Machu Picchu y la esencia de la colombiana Cartagena de Indias”, adelanta Goytia.

Latinvol sumará ensayos en inglés, japonés, francés, italiano y portugués antes de su gira internacional

Abogado especialista en propiedad intelectual, Daniel Goytia explora su faceta artística con propuestas innovadoras que recorren el mundo, sin olvidar su misión social. Latinvol será, además, escenario de la presentación oficial del proyecto Capacitor, que lleva adelante en su ONG Un corazón, en la que, junto con sus hijos, ha asistido a más de 450 personas en oficios con habilidades blandas.

Al final de cada show, se contará la labor de la ONG en busca de voluntarios y se producirá un “remate” de los cuadros, para el que quiera colaborar con el proyecto.

El espectáculo, que tiene una duración de cincuenta minutos, se desarrollará en agosto, los lunes 19 y 26, los miércoles 21 y 28, los viernes 23 y 30 y el lunes 2 de septiembre, a las 19:30, en la Galería El Socorro. Suipacha 1331, CABA. La exhibición de las pinturas de Latinvol se podrá visitar desde las 17.00.

Fotos: Gentileza de Daniel Goytia.

Horizontes de pintura insumisa y resistente

7 agosto, 20247 agosto, 2024 infoarte

Fuente: Página12 – Un despliegue pictórico de obras de los últimos años que no habían sido seleccionadas para exposiciones anteriores. Ahora es momento de verlas.

El enorme despliegue de esta exposición de Eduardo Stupia reúne obras de los últimos años que habían sido descartadas o, más precisamente, no seleccionadas, para exposiciones anteriores. Primer dato atractivo; luego vienen todos los demás.

La exhibición contiene el magma y la inquietud de algo que hasta ahora no se adaptaba a formatos expositivos previos. Estamos ante una potente galería de (trabajos) inadaptados e insumisos que esperaban ser exhibidos en el momento apropiado. En este despliegue y este magma se dirime la muestra, que de manera especialmente lúcida y oportuna reivindica la categoría de lo resistente.

La directora de la sala y curadora, Cecilia Cavanagh, explica en la presentación de la muestra, que las composiciones de color del artista “aluden a la búsqueda de una relación íntima con los elementos y fenómenos naturales, o con su cosmovisión del mundo ‘de este lado del horizonte’: el color tierra firme, emerge en variadas mezclas de rojos, amarillos y grises; la distinción del pigmento azul que utiliza Stupia en diferentes tonos de intensidad, transmite una marcada sensación de libertad, como la que nos permiten soñar los cielos; y con la energía radiante del rojo, acentúa la vitalidad de la existencia. En una serie de tintas en blanco y negro, Stupia impulsa rasgos, paleteadas, brochazos, o simples pinceladas, con el ímpetu de disturbios y tempestades, tal vez mundanas”.

Toda obra supone, entre otras cosas un manual de instrucciones que va modulando, sugiriendo, (conjeturando también) el lugar y la distancia del espectador. Cuando hay perspectiva, ese lugar remite a un punto o a un sector puntual. Cuando no la hay, y la hipótesis es el horizonte, ese lugar sugiere una distancia pero no un punto, sino una línea, sobre la que podemos desplazarnos horizontalmente, pero de todos modos ambas implican al espectador. Porque la perspectiva está trazada desde un punto de vista y el horizonte desde una línea de vista. Esa línea, ¿piensa? En principio, sugiere: un movimiento lateral y una distancia, que a medida que se acorta o aleja, lo hace con el horizonte.

El horizonte es un límite, una línea imaginaria que se extiende para separar aparentemente tierra y cielo.

Y esto es motivo de las pinceladas, manchas y trazos de los polípticos pictóricos, con los que Stupia se sumerge, más que nunca en esta muestra, de lleno en la pintura.

Dos de los conjuntos de pinturas (uno, de siete metros de largo por dos metros diez de alto; 2015, compuesto por 21 piezas de 70 x 100 cm; y el otro compuesto por nueve piezas de 50 x 70 cm, realizada entre 2015 y 2024), proponen, construyen/diluyen posibles paisajes de un horizonte evocado con total intensidad a partir del cual se derivan todo tipo de fenómenos visuales, y desde lo imaginado, toda clase de atmósferas en mutación, de una pieza a otra.

Según describe el artista algunos aspectos de su exposición: “Por un lado, la disposición de las piezas, instaladas bajo el sistema de polípticos, dameros y grillas, examina la relación del motivo en continuidad y contigüidad y no tanto según la presunta supervivencia y pregnancia del cuadro, singular y autónomo. Por otro, aquí no hay perspectiva lineal ni la lógica centralidad mandataria de ningún eventual punto de fuga, pero sí un punto de vista donde el horizonte no es sino una latencia apenas compositiva que, en el mejor de los casos, se debate enredada en una irregular modulación de trazos, pinceladas, manchas y grafismos”… y sigue: “Este incómodo espectador dual mira cobijado en la razón perspectivista y es al mismo tiempo virtualmente emplazado a verse ‘a si mismo’, en ese punto virtual donde lo ‘onírico’ ya no es una cualidad poética del objeto sino una constatación fenoménica. Un momento único y conjetural en que el sujeto contemplativo queda alterado, extrañado, transitoriamente ‘fuera de lugar’, aunque inexorablemente ‘de este lado’.»

Es de una bienvenida justicia poética la propuesta expositiva, cuando gran parte del paisaje del país está abatido, sin perspectiva y sin horizonte.

* La exposición “De este lado del horizonte”, de Eduardo Stupía, se exhibe con entrada libre y gratuita, en el Pabellón de las Artes de la UCA, Alicia Moreau de Justo 1300, de Puerto Madero, de martes a domingo, de 11 a 19, hasta el 22 de septiembre.

Patrimonio del Palais de Glace: Un aleph histórico de premiados

4 agosto, 20244 agosto, 2024 infoarte

Fuente: Clarín – A todo trapo y para todos los gustos, el arte se apropia del Centro cultural Borges con Experiencias Contemporáneas de Arte Argentino, la flamante puesta desembarcada desde el Palais de Glace –cuya sede está en reforma desde hace años y que solo funciona como reserva en sus oficinas de la Manzana de las Luces–. La expo genera emociones al instante mismo de ingresar al universo propuesto, una amplia sala con el festín sensitivo de las 75 obras exhibidas. Colma todos los rincones disponibles. Las hay tiernas, osadas, intrigantes, polémicas, de estilos clásicos o vanguardistas, en todas las dimensiones posibles. La heterogeneidad de las piezas reunidas es el factor dominante: todas ellas pertenecen a la centenaria colección del Palais de Glace, que otorga el Salón Nacional, el más alto premio del país, y que cuenta con un acervo voluminoso.

La creación más antigua data de 1910-15, es Torso de hombre, de autoría desconocida. De 1943, y con la firma de Onofrio Pacenza, Paisaje de Barracas. En el resto predominan las obras adquiridas en los últimos 80 años de premios del Salón Nacional de Artes Visuales (SNAV), el certamen artístico más antiguo del país. Una minoría de obras son donaciones.Autorretrato, fotoperformance de Nicola Costantino. Una maternidad con porcino (arriba, a la izq.).

La exhibición condensa el recorrido y carácter multidisciplinario del SNAV, en un despliegue coral en el que las cerámicas, esculturas, textiles, pinturas, grabados, dibujos y fotografías convergen articulando nuevos sentidos.

Con 263 m² en la Sala Bon Marché, la expo resulta inmersiva en sentido literal. Las obras se distribuyen por todos los lugares de la enorme sala e invitan al público a vincularse con las piezas con una cercanía inusual. “Para esta muestra fue fundamental indagar en el concepto de experiencia; y, al tratar sobre esta categoría, fue primordial pensar la noción de espectador» –cuenta a Ñ Danila Desirée Nieto, del equipo curatorial del Palais–. “A menudo las instalaciones artísticas ocupan toda una sala, que el visitante debe recorrer para abarcarla plenamente. Es por ello que buscamos constituir una experiencia completa, en la que el espectador abandona el lugar pasivo de mero observador y se convierte en protagonista” .Sin título, escultura de Vilma Villaverde.

La pared principal está colmada de obras. Parece buscar el estilo expositivo típico del siglo XIX, sin espacio vacío. Si el muro estuviera pintado de un color vivo, evocaría la sala “Guerrico” del Museo Nacional de Bellas Artes, y por lo tanto, los salones franceses e ingleses decimonónicos. Los cuadros –varios, de gran tamaño– incluyen Autorretrato (2007), fotoperformance de Nicola Costantino, quien sostiene un cerdo en su falda alterando radicalmente el género pictórico de la maternidad. En otra foto, aunque sin título, un perro salta y parece sonreír en la imagen de Hugo Aveta. Los acompañan «Totempicololo» (acrílico sobre tela, 1993), de Kenneth Kemble; Sonido memorial, trama humana (tinta y laca sobre papel, 2015), de Carolina Antoniadis. En Tomorrow (2001), de Fernando “Coco” Bedoya, asoman rostros de políticos –algunos, nefastos, vistiendo uniforme militar–: cada uno lleva la frase “Argentina país del mañana”.

Solitaria, como escombros hecha de yesos y ladrillos refractarios, es la creación horizontal de la gran escultora Elba Bairon. Sobresale desde otra parte el Jarrón con figuras (1966) por Rodolfo Eduardo Curcio, junto a una pieza de Juan Pablo Marturano con montañas talladas sobre una placa en granito rojo. Cercanos, en cuatro atriles bajos, más cuadros; uno con el aguafuerte Sonatas y destrucciones. Sombras que crecen y alas que tiemblan… (1962), de Liliana Porter.

Dentro de una columna surge una pecera: la originalidad brilla en la instalación, de Isabel Chedufau. Junto a ella, dos desnudos: una pintura sin fecha de Miguel Victorica; la otra, una “toma directa” en blanco y negro (1986), donde Alicia Sanguinetti captura el cuerpo femenino de espaldas, cuya similitud visual en la pose remite a las formas del test de Rorschach. «Figuras en el patio» (lápiz color sobre papel, 1955) de la eximia Aída Carballo.

Superando las disciplinas

Eugenia González –otra de las curadoras de la muestra– explica: “El Premio Salón Nacional de Artes Visuales abarca nueve disciplinas: artes del fuego, dibujo, fotografía, escultura, instalaciones y medios alternativos, gráfica, pintura, arte textil y espacio no disciplinario. Este esquema se basa en una idea de compartimentación disciplinar del arte. Sin embargo, desde hace años, también se entiende al arte como una práctica que atraviesa las estructuras y lenguajes de las diversas disciplinas, superando la maestría sobre una técnica específica o incluyéndolas. En ese sentido, la construcción de esta exposición nos pareció una buena manera de congeniar ambas posturas en debate. Permite exhibir piezas de todas las disciplinas, donde es posible apreciar cada una de ellas y cómo se afectan entre sí».

Como una contorsionista en pose circense, emerge una figura femenina: porta mingitorios reales por glúteos, pechos al aire y sus piernas en v como un –imposible– doble développé de ballet, su autora Vilma Villaverde (chamote esmaltado, sin título ni fecha) mereció el 1° premio del IV Salón Nacional de Arte Cerámico, 1979. Al centro del espacio, todo tipo de creaciones escultóricas de gran o mediano porte: sobresale un nadador desde Vértigo (cerámica, 2001), de Adriana Cerviño; la dulce y bella Maternidad (yeso, 1958), de Antonio Devoto; la vertical Galaxia en torbellino (tejido en red con pintura, 2015), de Susana Bredt; la pareja Acróbatas (bronce, 1958), de Ferruccio Polacco –Premio a Extranjeros edición del año 58-; y Negrita (2012), de Ernesto Arellano, una figura multicolor semejante a a una muñeca descomunal, con una mano de garfio.

El montaje se quiere disruptivo. Nieto señala que se hallan obras “muy poco exhibidas” junto a “lecturas novedosas” desde la curaduría, “ante piezas históricas, dispuestas a partir de un montaje instalativo que produce encuentros y disonancias. Frente a esa dialéctica, las obras se potencian y se resaltan diferencias y similitudes que anteriormente no habían sido investigadas”.

Más al fondo, El futuro de la humanidad no está en el guerrero sino en el libro/ Libro IV (2016), de Myriam Jawerbaum compuesto de materiales diversos, incluso ventanillas de autos vandalizados recogidas de la calle y papel artesanal.Negrita, de Ernesto Arellano, 2012.

Mariposas posadas sobre varias estructuras integran Dulce feromona (alfarería, gres y porcelana; serie Primavera, sin fecha), de Carlos Leporace, que fue el Gran Premio Adquisición de 2007.

La gestión actual del Palais

Se aprecia en esta ambiciosa muestra la firma de un equipo que viene de estrenarse para la dirección actual en la institución con entusiasmo, y pese a sus vaivenes inciertos. Así, María Paula Zingoni –hoy responsable del Palais de Glace– remarca la profesionalidad del quinteto encargado de la curaduría, que integra distintas áreas del organismo. “Aquí acentuamos la fuerza del conjunto. Nuestra invitación es a recorrer la muestra como una gran obra coral, en la que cada pieza potencia la totalidad. La propuesta es abordar el arte argentino con una mirada poliédrica, donde cada pieza no se concibe aislada sino formando las distintas caras de un mismo prisma”, enfatiza.

El equipo del Palais de Glace a cargo de la curaduría incluye además a Cecilia Martínez, Carlos Badillo y Nora Lobo. “La exhibición es una oportunidad valiosa para mostrar la riqueza del acervo institucional. Se exhiben obras sin ningún tipo de jerarquía, de diferentes disciplinas, lo que permite al visitante ir hilvanando una trama de lo que hoy llamamos arte argentino”, resume su directora.

Nieto, describe: “La noción de instalación remite a una práctica artística cuya materialidad principal es el espacio y el tiempo; por lo tanto: un aquí y ahora. Puede estar compuesta por objetos de la vida cotidiana o por piezas diseñadas y creadas por un artista. No se trata de una mera agrupación de objetos individuales, sino de esa interacción entre sí y con su contexto”. Sugiere, al recorrerla “prestar atención a los vínculos que se crean entre las distintas piezas en el espacio; es decir, a las nuevas lecturas que se presentan en la cercanía de obras que en un principio parecen disímiles en tiempo, forma, tema y técnica pero que, en su disposición coral, amplían los universos de significación”.

“Más que un guión, pensaría en la idea de un ejercicio curatorial, una forma más elástica que se ve afectada constantemente. En el montaje, te encontrás con la obra física. La contingencia del proceso del arte se ve en los materiales, cuando te enfrentás a la obra y deja de ser una imagen abstracta de representación para convertirse en realidad”, sostiene González.

Entrada: libre y gratuita

Experiencias Contemporáneas de Arte Argentino

Lugar: Viamonte 525, 2º piso, CABA

Horario: mié a dom, 14 a 20

Fecha: hasta el 1 de septiembre

Tres muestras de la argentina Annemarie Heinrich deslumbran en Berlín

31 julio, 202431 julio, 2024 infoarte

Fuente: Clarín – Tres muestras de la reconocida fotógrafa argentina nacida en Alemania Annemarie Heinrich se exponen por primera vez en Berlín y recogen su trabajo desde la experimentación con técnicas fotográficas hasta su defensa de las mujeres y la literatura de la época a través del arte fotográfico.

Heinrich fue la principal exponente en Latinoamérica de un género dentro de las artes visuales que creció con el desarrollo de la industria cultural de la época y a su vez fue protagonista y testigo del periodo de profunda transformación en el rol de la mujer.

La primera exposición se realiza en el marco 30º aniversario del hermanamiento entre Berlín y la ciudad de Buenos Aires. Está compuesta por más de 120 fotografías que retratan la escena artística de ambos países entre 1933 y 1987 y se presentan en tres sedes simultáneamente.

Esta muestra quedó inaugurada el 18 de julio en la Willy-Brandt-Haus – Galerie I, en el moderno edificio lo que fue la sede del partido de centroizquierda SDP, construido en los 90. En el Instituto Ibero-Americano (IAI), el jueves 19 inauguró De Berlín a Buenos Aires: la fotógrafa Annemarie Heinrich y la vida literaria argentina.«El deseo de Annemarie fue lograr exponer sus obras en la ciudad alemana que la vio crecer», dijo a EFE el hijo de la fotógrafa, Ricardo Sanguinetti (c). EFE/ José Manzaneque

Mientras que el 4 de septiembre se inaugurará en la Embajada Argentina en Alemania Annemarie Heinrich: Berlín – Buenos Aires – Berlín, con la serie Tabarís, una de sus primeras series comerciales realizada entre 1935 y 1941, con las estrellas del célebre centro de diversión nocturna de la clase alta y bohemia porteña.

En el marco de estas muestras, se presenta además Inkomplett, un nuevo libro sobre su trabajo, editado por Paripé books, con texto de Agustín Perez Rubio.

«El deseo de Annemarie fue lograr exponer sus obras en la ciudad alemana que la vio crecer y dar a conocer su trascendental trabajo más allá de Latinoamérica», dijo el hijo de la fotógrafa, Ricardo Sanguinetti.

Mujeres

La muestra expone por primera vez las fotografías recuperadas de un archivo que Heinrich capturó durante sus viajes y conservó para sí misma en una carpeta que tituló «Mujeres».

Esta colección de fotografías se centra en el trabajo femenino de la época, pues la fotógrafa documentó, entre otras profesionales, costureras, hilanderas, enfermeras y pescadoras en su ambiente natural.

Los retratos muestran mujeres libres y seguras de sí mismas, contrario de la representación femenina de la época de mujeres relegadas al ámbito doméstico.

«Ella entró en una industria cuando la mayoría por no decir todos eran varones», agregó Sanguinetti y confirmó que «usó pantalones por comodidad» ignorando que con ello produciría interrogantes en la comunidad femenina.

Annemarie fundó la primera agrupación fotográfica en Latinoamérica que llamó «La carpeta de los diez» y constaba de 10 fotógrafos profesionales que se agrupaban y discutían sobre sus propias obras y las analizaban de modo conjunto.

Sanguinetti agregó que su madre quería comprobar qué efecto producían sus imágenes en el público y en el ambiente fotográfico de la época.«Muestra Museo MAR enero 2021». Annemarie Heinrich Foto Gentileza Museo MAR

Además la retratista argentina experimentó con técnicas y recursos tanto en la toma como en el revelado incluyendo solarizaciones, duplicaciones o exposiciones múltiples con ello trascendió la herencia de las vanguardias europeas de comienzos de siglo a otros horizontes en latinoamérica.

«Utilizaba la máquina fotográfica con mayor libertad. También desarrolló la capacidad de manejar la luz de faroles y sombras de estudio», comentó su hijo en una entrevista en el Willy-Brandt-Haus, edificio berlinés que acoge la exposición.

Contribuciones al arte

La exhibición recorre los diferentes géneros que abordó a lo largo de su carrera, desde los retratos que le dieron reconocimiento, su controvertida visión con los cuerpos desnudos, la expresión en los movimientos de las manos y hasta experimentos con paisajes tomados durante sus viajes.

Entre el año 1933 y 1987, logró capturar retratos de personalidades como el poeta chileno Pablo Neruda, el escritor argentino Jorge Luis Borges, la primera dama de Argentina, Eva Perón y la actriz Tilda Thamar, entre otros reconocidos personajes de la época.

Mediante el trabajo lumínico y el retoque sobre el negativo otorgaba a los rostros un carácter escultural y los convertía en una imagen idealizada y en el caso de las mujeres esto ayudó a construir una nueva concepción de la mujer moderna.«El deseo de Annemarie fue lograr exponer sus obras en la ciudad alemana que la vio crecer», dijo a EFE el hijo de la fotógrafa, Ricardo Sanguinetti (c). EFE/ José Manzaneque

Con la exposición de sus obras Ricardo Sanguinetti espera que el trabajo de Annemarie sea reconocido internacionalmente y agradeció a su vez el apoyo de las instituciones participantes.

«Estamos contentos de cómo se desarrolló este proyecto, con efecto dominó, en un lugar donde no se le conoce pero que con esta exposición se le va a conocer más», concluyó Sanguinetti.

Con información de EFE.