Categoría: Galerías de Arte

Fuente: Clarín – A fines de 2010, la galería Jorge Mara-La Ruche presentó una muestra colectiva que reunió a grandes nombres de la plástica argentina que experimentaron con la técnica del collage. La exposición incluyó varias obras realizadas especialmente para la ocasión, por invitación del galerista, quien además animó a algunos artistas amigos a crear una serie de trabajos en conjunto. Fue entonces que Eduardo Stupía, Kirin, Juan Lecuona, Fidel Sclavo y Carlos Arnaiz aceptaron el desafío y se embarcaron en la elaboración de un inédito ensamblaje “a diez manos”. De a poco, una superficie en blanco de gran formato se fue poblando de materiales diversos: alguien escribió con grafito un texto borroso en uno de los bordes, otro incorporó un papel arrugado manchado con tinta, un tercero agregó pinceladas aleatorias de color; luego aparecieron llaves, venecitas, un pomo de pintura vacío, piezas de ajedrez, juguetes de madera, un zapato. La tarea demandó casi una semana e incluyó acaloradas discusiones entre los autores, pero finalmente la composición dio resultado y terminó colgada en una de las paredes de la sala.

Esos mismos nombres, pertenecientes al elenco estable de la galería, encabezan ahora una nueva edición de Collages en el espacio de la calle Paraná, aunque la idea de volver a atravesar por la experiencia del trabajo colectivo parece haber sido completamente descartada. En cambio, esta versión “recargada” de la muestra ofrece una asombrosa diversidad en los modos de abordar una técnica que hoy parece democratizada y valorada en el circuito artístico como nunca antes. En la sala pueden verse más de 50 piezas que llevan la firma de 18 artistas diferentes, en un listado de alto nivel en el que se destacan auténticos pioneros del collage en el país, como Grete Stern, Kenneth Kemble y Diana Chalukian.Eduardo Stupia, Collage 5, (2020). Realizado sobre sobre papel, 22 x 30 cm.

Los célebres fotomontajes de la serie “Sueños”, de la cual el Archivo Grete Stern logró conservar 46 originales de las 140 ilustraciones publicadas en la revista Idilio entre 1948 y 1951, ya habían sido exhibidos en la misma galería –en el pesadillesco 2020– en una exposición que también incluyó trabajos gráficos realizados en Berlín junto a su socia Ellen Auerbach. Ahora la artista germano-argentina es presentada como collagista, lo cual resulta un acierto desde un punto de vista tanto estético como político. Creadas hace más de 75 años, en estas obras Stern parece sentar las bases de cómo trabajar la combinación de imágenes desde un surrealismo en clave feminista, con una mirada crítica hacia el rol de la mujer, en un gesto sin precedentes en el campo artístico argentino. En la sala pueden verse cuatro piezas de esta serie que es una referencia obligatoria para quienes se dedican al collage contemporáneo, como la emblemática “Sueño 1. Artículos eléctricos para el hogar”, protagonizada por una joven-artefacto que acciona una mano masculina.

Acaso menos conocida que Stern, otra de las grandes pioneras del medio es Chalukian, cuya obra todavía puede verse en la muestra que el Centro Cultural Recoleta dedica al Grupo Joven, liderado por quien fuera su marido, Víctor Magariños. Con un pasado juvenil como ilustradora de revistas y publicidades, la artista nacida en Chubut se volcó en la década de 1950 a la composición de unos collages geométricos de factura exquisita, en los que incorporó fragmentos de género, recortes de diarios y papeles de texturas rugosas.Sueño nro 35, de Grete Stern, 1949. Obra de 28,5 x 21 cm.

De la misma época son los primeros trabajos “serios” de Kemble, quien luego de unos años de formación en París, al volver a Buenos Aires en 1956 se lanzó a la producción de collages con papeles de distintos tipos, cartones, arpilleras, lijas, trapos y otros materiales. Aquí se exhiben tres ejemplos notables de cómo en formato pequeño logra alcanzar la potencia expresiva de su informalismo a gran escala, con su característica paleta terrosa y una técnica cercana al decollage, más dedicada a despegar y arrancar papel que a pegarlo.

La pluralidad de las obras exhibidas invita al espectador a establecer algunos diálogos, como el que se produce entre dos piezas minimalistas de Liliana Porter creadas en 1977 en Nueva York y las producciones de 2010 de Kirin, que plantean silencios con la misma carga metafísica. O lo que, como Kemble, propone Lecuona con el color, que aparece revelado detrás de finas capas de materia, perforaciones y transparencias.Sin título, de Keneth Kemble, (1956). Papel sobre cartón, 30 x 30 cm.

Entre los latinoamericanos, se incluyen trabajos del uruguayo Washington Barcala, quien compuso a fines de los 70 unos ensamblajes constructivistas con materiales austeros, de descarte, en franco contraste con las abstracciones sutiles y controladas de 2014 del brasileño Macaparana, dueño de una precisión casi quirúrgica. La misma delicadeza también aparece en las figuras recortadas de los paisajes en perspectiva de Sclavo.

En las obras de Arnaiz, en cambio, los collages son bien pictóricos y recuerdan a los découpage tardíos de Matisse, cuando decía que “dibujaba con tijeras”. Herramientas que no parecieran utilizar ni Lucía Mara ni Mónica Canzio, quienes rasgan el papel en busca de texturas azarosas y expresivas, al servicio de una fragmentación de la imagen. Por su parte, María Bayá interviene sus fotografías con bordados a mano que siguen la pista de una trama vegetal.

Una mención aparte merece la inclusión, a modo de homenaje, de las obras de la artista checa Kvĕta Pacovská, fallecida en febrero del año pasado. Premiada como ilustradora de cuentos infantiles, la también pintora y escultora dedicó en 1992 su libro-objeto (hoy casi inconseguible) Papier paradise a su ídolo Kurt Schwitters, uno de los grandes nombres en la historia del collage.

Y para el final dejaremos a Stupía, artista insignia de la galería, quien comenzó a mostrar recién hace unos años su producción de collage, que en sus manos es cosa seria. Este gran maestro contemporáneo es capaz de crear obras tan versátiles como complejos ensamblajes de objetos (el notable “Mesa de trabajo”, de 2020), paisajes botánicos quebrados que uno debe tratar de reconstruir o abstracciones rítmicas hechas simplemente con volúmenes y sombras de papeles doblados. Son piezas tan frescas y contagiosas que dan ganas de ponerse a cortar y pegar ahí mismo.

• Collages -Varios artistas
• Lugar: Galería Jorge Mara-La Ruche, Paraná 1133
• Horario: lun a vie de 15 a 19
• Fecha: hasta el 29 de febrero
• Entrada: gratuita

Fuente: Clarín – Monet, que pintó catedrales y los jardines de Giverny en distintos momentos del día. O Matisse y Bonard, que hicieron de los interiores objeto de una sensibilidad exquisita, Juan Andrés Videla se ha concentrado indistintamente en el paisaje y en los interiores. En ambos casos meras excusas para reflexionar sobre la pintura misma. Aunque más acertado sería decir para meditar sobre la pintura ya que la relación que este artista entabla con esa práctica es más bien meditativa.

Su punto de partida más reciente: la habitación de la casa de unos amigos que lo suelen alojar en Waterville, Irlanda. Un lugar que marcó un importante capítulo de su obra desde sus apacibles paisajes que sintonizan con la actitud contemplativa propia de su producción. Bastó una foto de la habitación irlandesa de Susan y Paul para generar toda una serie. “Waterville en Rojo, Amarillo, Blanco, Verde y Azul. El Waterville Azul”, los pequeños óleos sobre tela, que se exhiben en el primer piso de la galería.

Son pinturas de pequeño formato que, sin embargo, revelan una gran energía pictórica para expresar el detalle pero también para huir de él. Unas ventanas, una escalera, un pequeño cuadro, un sillón con almohadones y una alfombra, que en un determinado momento asumirá un protagonismo insospechado a partir de que el motivo central de su diseño se irá transformando en una estrella, una flor o un remolino que termina por disolverse en una gran mancha de color.En Amarillo vertical (2023). Óleo sobre tela, 200 x 125 cm.

“Se fue abriendo como una granada hasta que la disolvió la luz”, explica el artista como si él mismo no estuviera involucrado en ese fenómeno de cambios que convirtió a la alfombra del cuarto de Susan y Paul en la Alfombra Mágica que sobrevuela las salas de la galería Miranda Bosch. Toda una deriva de signos y alfabetos pictóricos en progresiva disolución del mundo real en tránsito hacia visiones poéticas. Así, la parte más abstracta de ese primer conjunto de pinturas terminó desencadenando la cuestión de la alfombra como objeto y sujeto de su pensamiento pictórico. “Yo empezaba con cualquier garabato –explica Videla– y ahí surgía la paleta del cuadro: negro y blanco, rojo y amarillo cadmio. Como desde un comienzo el plano se llenaba de arabescos y formas, me dije: voy a trabajar sólo con alfombras.”

Es entonces que la alfombra deviene en su obra metáfora y sujeto de fantasía. Un objeto que alude al viaje, como el vehículo que nos transporta a espacios fantásticos. De repente se presenta como un plano que se eleva y vuela y al artista le recuerda lejanas imágenes de niño y una ilustración en donde había “un tipito con un turbante sobre una alfombra que agitaba sus flequitos mientras volaba”. También puede aludir a ese otro viaje desconocido que sobreviene después de la muerte y ha estado presente en tantas culturas desde la antigüedad. Pero fundamentalmente al fascinante viaje que Juan Andrés Videla emprende cotidianamente desde la pintura.

Así es que podemos remontarnos al punto de partida y seguir el devenir de la impactante serie que se despliega fundamentalmente en la planta baja de la galería y tiene origen en lo que acontece en la intimidad de los interiores exhibidos arriba. Un gran conjunto que habilita la experiencia de un objeto doméstico cualquiera que asume condición metafísica a través de ciertas estrategias de la pintura.

“La mayor visión es la de aquello que no se puede ver, pero sólo se vivencia cuando uno se abstiene de nombrarlo”, observa Juan Andrés y algo de eso ha logrado traducir en “Un sendero como en sueños”, la misteriosa pintura de 2023 que domina el primer gran plano que ofrece la galería con imágenes que aparecen y desaparecen en un camino que se pierde en una perspectiva infinita y un rostro inasible que nos convoca desde la bruma gris de los sueños.Juan Andrés Videla en Miranda Bosch Galería.

“Es ese viaje por la mente que es un espacio que no tiene fronteras, tampoco referencias. Es un viaje que te saca de los conceptos”, acota el artista. A él nos conducen las alfombras mágicas de su pintura que, como espectadores nos transportan a través de un mundo de arabescos, filigranas y una profusión de formas implantadas frontalmente, en planos rebatidos o perspectivas súbitamente aceleradas.

“Cuando era chico –recuerda– escuché que la gente que hacía alfombras tardaba mucho tiempo en hacerlas, que trabajaban en grupo y ese trabajo, que era anónimo, requería de una disciplina, una perseverancia y una sabiduría”. Se diría que ésta es otra manera de interpretar el sentido de sus alfombras.

Videla no trabaja con hilos pero en cierto modo urde sus tramas sobre la tela, con el óleo, el aceite, el pincel, el aguarrás y hasta los dedos. También con disciplina y perseverancia no ajena de sabiduría. Experimentar tiene para él algo fascinante que define como una verdad móvil, en constante cambio. Y hablar de los procedimientos y posibilidades que descubre es una de los virtudes que se complace en compartir .Alfombra en Waterville (2023), Óleo sobre tela. 45 x 55 cm.

“La pintura misma, afirma, aprende de esa situación de cambio que impone una circunstancia que nunca es permanente. Es la propia dinámica del momento que lo lleva a uno a poner un color u otro. A medida que voy pintando voy probando y borrando, recuerdo un almohadón muy azul que no me gustó y lo borré”. Al fin, son esos experimentos que constituyen la impronta de su imagen como resultado de un juego que es de la práctica y suyo propio. Hubo un momento en que su vocación experimental lo llevó a usar fórmica como soporte de sus trabajos, lo que les otorgó a los paisajes de su primera estadía en Irlanda una cualidad especial entre el dibujo y la fotografía.

Y a propósito de esa estadía, y el principio del viaje implicado en esta muestra, tanto en la serie de Waterville como en Alfombra Mágica, importa recordar que los viajes han sido una fuente de inspiración fundamental en la obra de este artista. Han contribuido enormemente a moldear su mirada y le han aportado muchísimos motivos de estudio que reelaboró pictóricamente en distintas instancias. Una de ellas fue la serie de museos y escenografías museográficas que, de algún modo se deslizan a través de ciertos detalles –los caireles, sillones y la alfombra– en la pintura “La entrada amarilla” de esta serie de la Alfombra Mágica.

Con todo, las referencias son para Videla sólo puntos de partida Yo no estoy haciendo una habitación –recuerda de modo mas transparente que Magritte– estoy haciendo una pintura.

• Alfombra Mágica – Juan Andrés Videla
• Lugar: Miranda Bosch, Montevideo 1723
• Horario: lun a vie de 14 a 18
• Fecha: hasta el 22 de febrero
• Entrada: gratuita

Fuente: Infobae – Una recorrida por diferentes espacios centrados en el arte contemporáneo, con diferentes visiones y propuestas, de la Ciudad y la Provincia de Buenos Aires.

Las galerías de arte tienen diferentes formas de encarar su trabajo con los artistas y su relación con el público. En este recorrido, por los barrios de Villa Crespo, La Boca, Retiro, Chacarita y que se extiende hasta San Isidro, se presenta solo una muestra de lo variada que es la propuesta artística local, con espacios que abrieron todos después de la pandemia, y, en algunos casos, con apenas unos meses de vida.

Julia Baitalá Arte Contemporáneo – Antezana 150, Villa Crespo

En los primeros días de julio de 2023, en el barrio de Villa Crespo, el espacio abrió sus puertas con “Ensambles”, una exhibición que reunió una fracción de la extensa obra de Pablo Edelstein. A los pocos meses, la labor investigativa -que incluyó la salida de un libro de lujo realizado por India Ediciones- tuvo su repercusión en el Museo de Arte Tigre, donde aún se puede visitar La materia infinita, una retrospectiva sobre el legado del destacado ceramista.

Detrás de esta pieza de relojería de puesta en valor se encuentra Julia Baitalá, oriunda de Santiago del Estero y que desde hace casi dos décadas trabaja en el sector. Formada en dirección de empresas en Córdoba, en 2006 comenzó con la promoción de artistas de las provincias en CABA, tuvo un espacio en el Hotel Belair junto a Mindy Lahitte y Gonzalo Vidal, para después fundar Central de proyectos con Lahitte, María Lightowler y Mariela Rossi.

Julia Baitalá

Tras un hiato por maternidad, comenzó a prestar servicios, asesorando a artistas, empresas e instituciones. Estuvo al frente del armado de dos museos históricos, el del regimiento de montaña en Uspallata y el de Artillería de Campo de Mayo, y tuvo un paso por la Fundación Esteban Lisa para de manera posterior ponerse al frente de la producción de la Bienal Bit, de la Facultad de Ingeniería de la Universidad de Mar del Plata, que combina arte, ciencia y tecnología.

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“Decidí que ya era momento de abrir un espacio, donde poder revisar y tener a los artistas con los que vengo trabajando, en algunos casos desde hace 17 años y otros más recientes. He acompañado, asistido y asesorado a todos los que integran la galería, en la producción de sus obras o apoyándolos en todo lo que es gestión; nos formamos e hicimos un montón de proyectos. Como en el caso de Gonzalo Lauda, por ejemplo, a quien he acompañado muchas veces a armar las producciones de las batallas, uno de los proyectos más complejos que hice”, comenta a Infobae Cultura.

Julia Baitalá Arte Contemporáneo en Antezana 150, Villa Crespo

Y agrega: “Creo que la galería nace de la necesidad, de un proceso natural de mi carrera, como un espacio donde cobijar, mostrar a los artistas con quienes trabajo desde hace tiempo y también para tener un punto de encuentro con los clientes”.

También forman parte del equipo Julieta Sandjan, asistente y gestora cultural, quien “hace toda la parte de gestión, coordina la galería y un poco de cada proyecto”; Florencia Sáenz, que “se encarga de toda la parte de comunicación junto a un equipo de marketing y diseño que está en Santiago del Estero” y Helen Márquez, curadora de la galería con quien arma los proyectos anuales.

En Pinta BAphoto 2023: Julieta Sandjian y Julia Baitalá rodeadas por Gonzalo Lauda y Celine Frers (izquierda) y José Pereyra Lucena (derecha), todos fotógrafo de la galería

Con respecto a la escena y el mercado de estos primeros meses sostiene que está sorprendida porque “la galería funcionó muy bien”. “Hubo ventas en cada muestra, no muchísimas, pero las hubo. Algunas en el exterior, otras en las ferias de aquí. Fue lento en comparación con años anteriores que había más fluidez, pero creo que en nuestro sector siempre es una cuestión de ánimo”.

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“El que va a comprar una obra tiene cierto poder adquisitivo. Entonces, es más una cuestión de ánimo o estuvo más enfocado en inversión, en firmas ya consolidadas, no tanto en arte contemporáneo. Fue un año complejo para todos y con mucha incertidumbre. Entonces la gente como que no se animó a comprar tanto contemporáneo, pero a la galería le fue bastante bien. Con la apertura se llegaron a cubrir los costos altos que tienen un emprendimiento de este tipo y eso me parece que es un balance altamente positivo”, dice.

Smol – Benito Pérez Galdós 319, La Boca

La galería surgió a partir del proyecto Salón de Otoño, que armaron juntos Santiago Bengolea, coordinador de PROA21, con Sasha Minovich, artista visual, durante la pandemia en un palacio de 1850 de San Telmo, que estaba inspirado en uno parisino.

Santiago Bengolea y Sasha Minovich (Res)

“Sentimos la necesidad de crear un espacio donde prescindir de los ornamentos, de las formas del sistema del arte. Un lugar donde los artistas, la institución y los visitantes se encuentren en un mismo plano, sin filtros, donde el tema sea la obra, la puesta en escena”, cuenta Bengolea.

En ese sentido, sostiene, que no son “una galería comercial, sino una cámara de proyectos”, desde donde se elige a los artistas con quien trabajar “para colaborar desde la idea inicial hasta la fecha para mostrar ese resultado”. “No es una muestra, es un proceso, es un experimento. Por esta razón, no ponemos títulos, ni textos curatoriales, ni rangos ni cargos. Es la obra la que queda como centro de la escena”, explica.

Smol, en Benito Pérez Galdós 319, La Boca

Y agrega: “Trabajamos en la medida de lo posible, sin subsidios ni sponsors, no apuntamos a la venta aunque por supuesto si existiere el candidato se la puede comprar. La idea es que el artista pueda realizar su sueño, que trabaje para Smol y que eso no pueda ser exhibido en un museo o galería convencional por las exigencias que requieren las mismas. Trabajamos en lado B de los artistas, quizás su obra oculta o que todavía no está formalmente presentada anteriormente”.

La selección de los artistas plásticos es muy heterogénea: entre otros han trabajado con Silvia Gurfein, Mónica Giron, Daniel Leber, Marta Cali, Ariadna Pastorini, Res, Julio Grinblatt, Lucila Gradin, Marula Di Como, Marcolina DIpierro, Ramiro Quesada Pons, Alexis Minkiewicz, Mauro Koliva, Augusto Zanela y músicos, cineastas, performers y poetas.

Asegura que no son “una galería comercial, sino una cámara de proyectos”

Bengolea comenta que Smol inicia su “su tercera y última temporada” con un homenaje a Sergio Avello. “Todos los domingos de enero, al atardecer, se realizarán conciertos de música experimental a cargo de ARO, creando un puente entre el pasado y el presente, como homenaje a los que Avello realizara en los 90s en la terraza de Proa. Además, DJ Trincado, con una sensibilidad única, será el encargado de musicalizar la muestra con la misma música que Avello solía disfrutar en su vida cotidiana”, dice.

Casa equis – Jorge Newbery 3816, Chacarita.

En el barrio de Chacarita, en una zona de galerías más tradicionales, Casa equis es una propuesta interesante para aquellos que buscan acercarse al arte desde un lugar más disruptivo, a partir de una selección de creadores jóvenes.

El espacio se encuentra dentro de Casa Chaca, desde donde se organizan también otros eventos culturales, y surge de la sociedad entre la periodista cultural Josefina Hagelstrom y el artista Diego Beyró.

Josefina Hagelstrom y Diego Beyró, directores de las sede de Buenos Aire y México, respectivamente. Detrás una obra de Felicitas Faur

“Casa Equis surgió como una fusión entre galería tradicional y espacio independiente, que trabaja con artistas jóvenes emergentes y con el objetivo de acercar nuevos públicos al mercado del arte de una forma más descontracturada, para fomentar el nuevo coleccionismo”, explica Hagelstrom.

El proyecto inició en 2018 en Ciudad de México, en la zona de Santa María La Ribera, en la casa de Beyró, punto de reunión de artistas que terminó convirtiéndose en la primera sede. “A finales de 2022, conseguimos un lugar en Casa Chaca y lanzamos una convocatoria de artistas. En marzo de 2023 inauguramos y en el año hicimos 4 exposiciones individuales y una colectiva de 20 artistas con la que cerramos el año, que tuvo apoyo del programa FUTURA del Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA) y de la Fundación Williams”, dice la directora de la sede porteña.

Casa equis, en Jorge Newbery 3816, Chacarita

Ambas sedes funcionan a puertas cerradas, por lo que se manejan con cita previa para las visitas y, en el caso de la casa porteña, al espacio expositivo se le suma una trastienda “que es muy protagonista, con mucha obra variada, más en formato de tienda, que también se pueden adquirir online, y se puede visitar siempre”.

Para la selección de artistas se realiza una convocatoria abierta todo el año en ambas sedes, ya que les interesa “que los artistas puedan tener su primera exposición individual” allí y se basan “primero en algo más bien intuitivo” y “obviamente en el statement, el currículum, la consistencia en el trabajo”.

La trastienda tiene un rol muy importante en la funcionalidad del espacio

Sobre la experiencia con el mercado tras sus primeros meses, comenta “que hay una oferta grande y de mucha calidad, porque hay muchos artistas increíbles, pero no tanta demanda o que es un mercado más bien chico”. Y agrega: “Nos enfocamos en arte emergente, con lo cual puede variar según la carrera de los artistas con los que trabajás y las posibilidades que tengas para ir a ferias acá y en el exterior. De todas maneras, y pese al contexto del país que obviamente hace las cosas más difíciles, apostamos por ampliar el número de compradores de arte y ser una alternativa para aquellos que pueden y quieren empezar a comprar”.

Valerie – Vera 1350, Chacarita

En el mismo barrio, Valerie nació como un espacio con dedicado al arte y la tecnología, que con tres directores creativos, Jimena Lusi, Xul Jan y Sandro Guevara, Valerie surgió de la fusión de dos proyectos: Aura Fabrica y Valerie’s Factory, que se centran en el arte contemporáneo, a través de 16 artistas.

“Generalmente los espacios dedicados al arte surgen porque se identifica una necesidad y aparecemos los gestores tratando de cubrirla, en nuestro caso sentíamos que hacía falta un lugar dedicado a la tecnología, con una perspectiva de género consciente, un lugar de libertad total. Un espacio joven donde los artistas pudieran acercar propuestas ambiciosas en cuanto a los montajes y obras de mediano a gran formato sin la especulación de la venta”, explica Lusi.

Jimena Lusi, Xul Jan y Sandro Guevara

En ese sentido, el objetivo es que “los artistas puedan desarrollar en las muestras de sus sueños sin preocuparse si sus piezas van a ser comercializables o no”, ya que, segura, “la parte de la venta está asegurada si se cuidan algunas variables, una de ellas es la veracidad de la producción artística, hacer lo que se cree y siente, dialogando con la época, sin la limitación comercial”.

“No le ponemos límites a nuestros artistas, los ayudamos y empujamos a romperlos. También buscamos acompañarlos de manera integral en sus carreras, con sus participaciones institucionales, en premios, muestras en museos, residencias en el exterior, etc. Trabajamos con un equipo que está a disposición de ellos para lo que necesiten en todo momento”, agrega.

Valerie, en Vera 1350, Chacarita

Si bien ambos espacios ya tuvieron participación en diferentes ferias nacionales, como arteba, en diciembre pasado comenzaron su camino internacional en conjunto en Pinta Miami. “Es vital para el crecimiento de nuestra escena artística tener presencia internacional en instituciones, ferias y espacios de exhibición privados y estamos dedicados a generar este tipo de acontecimientos”.

“Tenemos esta convicción porque consideramos que la escena argentina es una de las más potentes a nivel mundial, por la calidad de las propuestas, los artistas increíbles que la habitan y por la solidaridad que se ve en los lazos entre colegas. Con respecto al coleccionismo vemos con mucho entusiasmo que se suman nuevos agentes, collectors jóvenes que empiezan sus colecciones en nuestra galería y que se integran a los coleccionistas y compradores más experimentados, para nosotros generar ese encuentro es muy rico en todo sentido, sentimos que somos como una familia que se expande”.

Biga art gallery -Arenales 1181, Retiro

Abierto en los últimos meses de 2023, la sala de Retiro busca ser “un espacio de efervescencia donde el artista encuentre un lugar de expresión más allá de la mera exposición de las obras, donde pueda desarrollar todo su potencial para hacer posible su posicionamiento en el mercado nacional e internacional”, dice su directora María Gabriela Campo.

María Gabriela Campo (Alejandra López)

La galería, que cuenta con curaduría artística y coordinación de Mariana Gioiosa, “surge con la idea de generar un espacio de visualización de artistas contemporáneos innovadores, transgresores, y que su creación parta de un fundamento de investigación y creatividad. Artistas que se animen a explorar en la materialidad, la técnica, el concepto; que deseen proyectar su carrera artística, y desafíen con su creación los momentos y contextos nacionales e internacionales en los que vivimos”, comenta Campo.

Así, sostiene, “el único protocolo es la creación, la innovación y el encuentro artística en todas sus manifestaciones”, dice Campo, quien comenzó a relacionarse con el arte desde niña en su Tucumán natal, en un “momento en que la cultura comenzaban a necesitar camuflaje para expresarse como un lenguaje diferente a la palabra” donde solo “era permitida la expresión estética a través de un lienzo que no generara amenaza”.

Biga art gallery, en Arenales 1181, Retiro

Su “fascinación por Lola Mora” la fueron “adentrando de forma autodidacta al mundo de las artes” y ya recibida como psicóloga, proveniente de la carrera de psicología y antropología, comenzó a analizar los diferentes compartimientos individuales y sociales desde la expresión artística, desde la pintura rupestre, el arte aborigen australiano, que terminó de cerrar su “gran interés por las expresiones artísticas como manifestación de la evolución del pensamiento del hombre y las sociedades”.

Ya en los 2000, integró la comisión de arte y cultura de Sister Cities International de Fort Lauderdale, Florida, desde donde se incentivó el intercambio artístico entre la ciudad y Mar del Plata, y de regreso a Buenos Aires, fundó su propia Consultora de negocios, Mg Compass.

La galería inauguró con la muestra «Natural celebración», de Fernando Brizuela, que aún permanece abierta

“En paralelo para no alejarme de mi pasión por el arte, fui parte del círculo de teatro independiente por 12 años, en mis comienzos con el actor y director (hoy fallecido) Luis Agustoni, luego en la escuela dirigida por Claudio Tolcachir, y finalmente con Marcelo Savignone. El arte siempre me podía en sus diferentes expresiones. En el 2021, comencé la Maestría en Gestión de Cultura en la Universidad San Andrés, y formalicé a través de mis estudios académicos, la gestión de arte y cultura en nuestro país”. Entonces, fundó OCMI Cultura en una clínica médica porteña y a, partir de esa experiencia, nació la idea de fundar una galería de arte.

“El objetivo de biga es ser un espacio de arte contemporáneo en el cual se produzca una sinergia e interacción entre la obra, el artista y el público: ser una galería generadora de acciones que permitan la visualización de artista y su obra desde diferentes perspectivas, con activaciones que permitirán el diálogo artístico constante”, dice sobre el espacio que tuvo su apertura con la muestra Natural celebración, de Fernando Brizuela.

Media Galería – Luis María Drago 304, Villa Crespo

Si bien no es una galería abierta en los últimos años, este espacio se caracteriza por ser una apuesta joven, que busca romper con los márgenes del galerismo tradicional.

La idea del proyecto surgió en el 2019, explica Laura Guindlin, fundadora y directora, como respuesta una “problemática que tenían muchos artistas y curadores jóvenes para realizar muestras”. “En parte por la falta de espacios que reciba a este público y en parte por las limitaciones que muchos espacios tienen, como agendas ocupadas por años, un staff grande de artistas que no permite la incorporación de artistas nuevos o incluso cierta resistencia a trabajar con gente con poca trayectoria”.

Media Galería, en Luis María Drago 304, Villa Crespo

Así, en aquel año, funcionó dentro de un taller textil en el barrio porteño de La Paternal “caracterizado por su pequeño tamaño de 9 metros cuadrados”: “por su tamaño no llegaba a ser una galería entera pero tampoco por sus objetivos o funcionamiento, ya que no representamos artistas, participamos en pocas ferias y el eje está más puesto en el interés que pueda generar un proyecto antes que su potencialidad como venta”.

Guindlin, historiadora y crítica de arte, que también se encuentra al frente de la producción general, explica que el “objetivo principal es brindar una alternativa dentro del circuito artístico tradicional, para dar visibilidad a artistas y obras que se encuentren en los márgenes y proponer nuevas lógicas de trabajo que combatan algunos conceptos instaurados como la trayectoria y el renombre”.

Muestra colectiva con obras de Carrie Bencardino, Diana Grieco y Mandi Tejo Viviani

A partir de esa premisa, “la agenda de la galería se conforma a partir de una convocatoria abierta que se realiza a comienzos de año” con la que se busca “expandir las posibilidades del espacio y apostar también a abrir nuevas modalidades de trabajo”. En ese sentido, durante 2023 se realizaron más de siete proyectos con 25 artistas y curadores entre los que hubo muestras individuales, colectivas, residencias, lecturas y una jornada de ponencias teóricas.

“Con respecto al mercado, tratamos de generar y mantener activo un coleccionismo alternativo, más pequeño, tratando de sostener precios accesibles para que más personas puedan adquirir obras. Y sobre la escena, me parece importante celebrar la existencia de más espacios independientes, muchos sostenidos por artistas, que se alejan del formato tradicional de galería”, sostiene.

Departamento 112 – Av. Sr. A. Fleming 1543, Martínez

Cruzando la General Paz se encuentra otro espacio que desafía concepciones clásicas, como Departamento 112, que abrió sus puertas en julio en Martínez, aunque la génesis del espacio comenzó antes, cuando Hans Petersen, su fundador, abrió las puertas de su propio taller -de allí el nombre- “para generar evento-exposiciones con el arte como eje principal”.

Departamento 112, en av. Sr. A. Fleming 1543, Martinez

Petersen se considera un afortunado artista autodidacta, que encontró en el arte el “espacio al que recurrir desde pequeño”: “Entendí que el artista no frena. Mi formación se basó en momentos específicos, en carreras distintas, con mentores significativos y estos nuevos colegas a los cuales admiro. El 112 es vehículo de nuevas maneras de decir que soy artista, que no me recibí y que trabajo de esto”.

Comenta que el 112 “no surgió con la intención de generar una galería, sino de visualizar y evidenciar la escena de artistas emergentes desde la provincia de Buenos Aires.” y que “hoy el proyecto cuenta con una sala de exposiciones y dos apariciones en mercados profesionales nacionales, en Córdoba y Chaco”.

El stand con el que se presentaron en el Mercado de Arte Contemporáneo (MAC) en Córdoba

Justamente, el bautismo fue en la feria cordobesa MAC en 2023, aún antes de tener su espacio físico, cuando se presentaron en sociedad con obras de El Keni y Mía Fitte, quien fue la primera socia del espacio. “Desde el MAC el equipo detrás varió. Se trabaja con socios artistas y hoy se encuentran Mariano Podestá, como director de curaduría, y Josefina Pereyra Iraola, como directora de web y editorial”, enumera.

Y agrega: “Nuestro objetivo principal es repatriar y evidenciar la escena, reforzarla, abrazarla, impulsarla. Esto se produce a través de territorios. En la sala de Martínez buscamos reforzar la identidad de los artistas que nos rodean directamente como también generar oportunidades abiertas al público. Después, en las ferias nacionales e internacionales, reflejar nuestra intención de un lenguaje cultural argentino claro y necesario. Con nuestras herramientas de audiovisual y web nos comprometemos a reforzar el ideal de ayudar al artista brindándole nuestras herramientas”.

Hans Petersen

Con respecto a la selección de artistas sostiene que “es un recorrido que funciona mejor de boca en boca”, ya que el proyecto “se funda en realizar exposiciones abiertas” y que esa unión inesperada se refuerza “en el compromiso de los nuevos artistas con su carrera y la profundidad en su desarrollo” como en aceptar el “riesgo de exponer por primera vez” con Departamento 112, desde donde “se busca construir un vínculo, acompañar”.

Y finaliza: “Somos una empresa de arte, porque hacemos más que vender obras. La muestra actual se SASA piel de gallina mecánica y es una propuesta investigativa acerca del último producto en desarrollo de la empresa Sensibilidad Artificial S.A. junto a Magdalena Mignone, en la que se evidencia el crecimiento de la piel de gallina mecánica y el cuero desde su ingreso (5 de diciembre) hasta el 28 de febrero” y para 2024, cuenta, participarán de MAPA y la feria de Corrientes.

Fuente: Telam – La muestra inaugural, titulada «Natural celebración» reúne pinturas, collages y esculturas que invitan a descubrir la dependencia y conexión con el reino vegetal con más de 40 obras del artista visual Fernando Brizuela.

El mapa de galerías de arte se amplía en estos días con la aparición de Biga Art Gallery, un espacio dirigido por Gabriela Campo que abre sus puertas este jueves en el porteño barrio de Recoleta con una muestra titulada «Natural celebración», integrada por más de 40 obras del artista visual Fernando Brizuela que remiten al mundo vegetal y trazan una genealogía de seres mitológicos.

Biga Art Gallery se propone como punto de encuentro de artistas, coleccionistas y amantes del arte emplazando su propuesta en Arenales 1181, una zona donde el arte ya pisa fuerte con galerías como Praxis, Herlitzka & Co o Smart Gallery, que se suman a la oferta de espacios como el Palais de Glace, el Centro Cultural Recoleta y el Paseo de las Artes Duhau.

Mientras se completa la definición del staff de artistas que integrará la galería dirigida por Campo, la apertura del novísimo espacio estará a cargo de Brizuela, que en su inauguración tendrá un «mix tape» a cargo del artista sonoro Martín Sandoval y acciones performáticas inspiradas en la obra expuesta, informan desde la galería.

Además, la exposición cuenta con la curaduría de la periodista y curadora Mariana Gioiosa, quién estará a cargo de la coordinación curatorial de la galería.

«Biga es el fermento de la masa madre, la masa madre es la estructura de la cual efervescente una obra de arte, la cual será curada y celebrada. El fermento leva una creación que emerge del poder creador del artista», expresa Campo a Télam.

La galería se manifiesta «comprometida con la visualización de artistas en sus diferentes expresiones» con la exhibición y posicionamiento de obras mediante «exhibiciones que desafíen, exploren e investiguen conceptos contemporáneos», en una relación entre artista, obra y público para «crear, curar y celebrar».

Campo se desempeñó en el área empresarial, cursó una maestría en gestión cultural y además dirige el espacio sin fines de lucro Ocmi Cultura, una derivación de la clínica médica homónima cuyo objetivo es visualizar artistas contemporáneos y acompañar «al paciente en su proceso de tratamiento propiciando el bienestar psicobiológico y psicoemocional», según cuenta.

La muestra inaugural reúne pinturas, collages y esculturas que invitan a descubrir la dependencia y conexión con el reino vegetal en una relación que va más allá de lo visual y se arraiga en la esencia de lo que significa celebrar, en esas más de 40 piezas conformadas por acuarelas sobre papel, herbarios pintados sobre acero inoxidable y una colección de porcelanas antiguas intervenidas con marihuana.

Se trata de obras que sitúan las plantas en tanto narradoras de historias, revalorizadas en sus propiedades medicinales, espirituales y simbólicas presentes en las distintas ceremonias humanas.

Brizuela toma el mundo de las plantas y desarrolla «estudios botánicos y paisajes que rinden homenaje al universo herbal, donde personajes enmascarados son mimetizados con «plantas que pasean exultantes por palacios y jardines», así como seres mitológicos que «evocan la fertilidad y la conexión con el mundo natural», señala la curadora.

Entre ellas se destacan acuarelas como «Infinito Vegetal» (2003), una banda de Moebius creada con plantas, o esculturas tales como «Cortesanos», realizada con las tradicionales figuras de porcelana intervenidas por flores de marihuana y material de marquetería.

«En el torbellino de la alegría festiva, detenerse a reflexionar sobre el papel de las plantas revela una historia más profunda. No son simples adornos efímeros, sino presencias silenciosas que enriquecen nuestros festejos», describe el texto curatorial.

Brizuela (Buenos Aires, 1971) estudió Pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes «Prilidiano Pueyrredón» (1993-1999), en la actual Universidad Nacional de las Artes. Recibió becas para los talleres de los artistas Carolina Antoniadis y Juan Doffo, del Fondo Nacional de las Artes para el proyecto Bicicleta Psicoactiva de 2017 y otra de formación para estudiar con el artista Carlos Ginzburg en París, en 2018.

Realiza exposiciones individuales desde 1998 en espacios de galerías como Chez Vautier (Historia Natural, 2010), Z-Lab (Camuflados, 2012 y Dispersos, 2013), Cecilia Caballero (El material del futuro, 2019), o en el Museo Provincial de Bellas Artes Timoteo Navarro de Tucumán (Causas y Efectos, 2018), así como en La Base Cultural en Avellaneda donde presentó «El monstruo que no dejan salir» (2021).

«Natural Celebración» podrá visitarse con entrada gratuita hasta el 29 de febrero de lunes a viernes de 14 a 19.