Fuente: Clarín – Como se podría suponer, cuando en 1962 Sarah Grilo llega a Nueva York con 45 años, tras ganar la beca Guggenheim, un mundo entero se abrió ante sus ojos. El tiempo que la artista nacida en Bahía Blanca pasó en la ciudad estadounidense se convirtió en un período crucial en su formación como artista: fue allí donde comenzó a definir su estilo distintivo que fusiona la abstracción con el lenguaje.
Sobre aquellos años neoyorquinos abunda The New York Years, 1962–70, una exposición curada por la también argentina Karen Grimson en la galería Lelong & Co. que recupera la obra de Sarah Grilo (Buenos Aires, 1917 – Madrid, 2007), por entonces ya con importante presencia en el circuito de arte local e incluso internacional, en una ciudad por la que evidentemente sentía atracción. Para entonces Nueva York ya era meca del mundo del arte occidental, y atraía a los movimientos de vanguardia.Sarah Grilo por Lisl Steiner.
“Un momento galvanizador para la práctica de Grilo, los años en Nueva York abarcan su transición de la abstracción moderna a la contemporánea”, escribe Karen Grimson, curadora además del circuito artístico del Design District de Miami. “A medida que las exploraciones formales y cromáticas dieron paso al surgimiento del discurso y el lenguaje, el compromiso de Grilo con la política y los medios de comunicación se volvió fundamental en su contribución a la pintura estadounidense de posguerra”, agrega.
El momento de agitación política abonó sus ejercicios de experimentación visual, que la llevan a incluir publicaciones ilustradas como LIFE y revistas femeninas, elementos del collage y textos en sus pinturas. Por su enfoque expresivo e intuitivo de la pintura la vinculan con artistas como Rauschenberg; al tiempo que se la etiqueta junto a Andy Warhol por su búsqueda de inspiración en elementos cotidianos. Pero no deja afuera sutiles comentarios políticos, como sucede en las piezas “Our heroes” y “Win, it’s great for your ego”, ambas presentes en la muestra. Todo se vuelve más complejo cuando se considera que lo hacía en inglés, una lengua que no manejaba. Como una inconsciencia urbana precursora del graffiti.Sarah Grilo. Protesta, 1973. Óleo sobre tela, 81 x 100 cm.
“Our heroes” (1966)alude a la guerra de Vietnam tanto como al Pop Art. Mientras que “Win, it’s great for your ego” (c. 1965-66) también hace referencia a la atmósfera de guerra, aunque los números y flechas que incorpora desvían la mirada a las intensas calles de Nueva York.
En Buenos Aires, Sarah Grilo había pertenecido junto a su esposo José Antonio Fernández-Muro al Grupo de Artistas Modernos de la Argentina, que reunió Aldo Pellegrini, y en el que se incluían artistas como Enio Iommi, Tomás Maldonado, Alfredo Hlito y Lidy Prati, entre otros.
Dejó Nueva York en 1970, en desacuerdo con el reclutamiento de la guerra de Vietnam, y se mudó junto a su familia a España. En Madrid, donde se instaló definitivamente en 1985, murió en 2007 sin ser reconocida por sus contribuciones a la abstracción. Aunque participó de sucesivas exposiciones colectivas como artista latinoamericana, como señala la crítica Annabel Keenan en Artsy.
La exposición incluye materiales de archivo, recortes de la de prensa, una foto con Warhol, entre otros documentos que recrean sus años en Nueva York. Y también una serie de pinturas que que no se exhiben públicamente desde la exposición individual de Grilo en 1967 en la Byron Gallery, hace 50 años. Y en simultáneo a la muestra en la galería de Chelsea, obras de Grilo participarán junto con las de Ana Mendieta y Zilia Sánchez en la feria Frieze de Los Ángeles, del 29 de febrero al 3 de marzo.
Fuente: Clarín – La feria comienza en dos semanas, el 6 de marzo, y diez galerías argentinas vuelven a dar el sí latinoamericano, tanto en la sección regional, «Nunca lo mismo», como en la emergente Opening y en la selección principal. Estarán en ARCOmadrid 207 galerías; entre los 36 países que participan, por tercer año consecutivo Argentina tiene un lugar destacado.
Las galerías que tendrán stands son Mauro Herlitzka, Ruth Benzacar, Isla Flotante, Nora Fisch, Sendrós, W-galería, Piedras, la salteña Remota, que se estrenará en Madrid, y Vigil Gonzáles –con espacios en Buenos Aires, Santo Domingo y Cuzco–. Pasto, que tuvo gran repercusión allí en 2022 con obra del artista trans Mauricio La Chola Poblete –la saludó la reina Leticia en su paseo–, este año llevará la performance sobre Evita del chileno Francisco Casas, realizada en Buenos Aires en ArteBA.Collage sobre papel de ilustración, Alfredo Londaibere.
La Cancillería trabaja a contrarreloj para acompañar a las galerías argentinas, en un acompañamiento logístico y técnico, pero ya no de financiamiento parcial, como en ocasiones anteriores.
Para ir encendiendo los motores –un poco desde el estribo–, ayer se presentaron y reunieron en Cancillería representantes de algunas galerías viajeras, junto a la Directora de Asuntos Culturales, Alejandra Pecoraro, la Agencia de Comercio e Inversiones (que tiene nuevo presidente, Julián Cohen), la titular de la Dirección de Promoción de Exportaciones de Servicios Basados en el Conocimiento, Industrias Creativas, Turismo y Deportes, Carolina Bustos –la Dntec es un nuevo actor en el campo del arte–.
También estaban presentes la Cámara de galeristas Meridiano, con su director, el rosarino Diego Obligado, y Lucrecia Palacios y Gala Gómez Minujín, directora de arteBA y responsable de coleccionismo. La feria porteña suele tener un papel clave en el networking con coleccionistas europeos. Obligado dijo haberse sentido muy cómodo, y agradecido del compromiso de apoyo logístico.Alfredo Londaibere.
“Nos pareció positiva la reunión”, dijo Mauro Herlitzka; “sobre todo porque fue convocada por la Cancillería. Me gustó que lo hayan hecho al comienzo mismo de su gestión”. Cuenta el marchand que las nuevas autoridades se comprometieron a promover la participación en tres eventos, la Semana del Arte en México, la Semana de Miami y ARCO.
La galería Herlitzka está llevando una variedad de disciplinas y artistas, desde obras que brillaron en la Fundación March, en la gran muestra «Antes de América», junto a formidables textiles nativos pertenecientes a la colección privada de Nicolás García Uriburu.
La galerista Nora Fisch viaja en pocos días con su apuesta más ambiciosa hassta la fecha. Es este su tercer año consecutivo en la pasarela central de Arco y se ha jugado al pleno: dar a conocer la obra de Alfredo Londaibere (Buenos Aires, 1955-2017), desde sus inicios en los 80, aún en dictadura y en los tiempos tormentosos del VIH, a través de la galería del Centro Ricardo Rojas y luego en sus talleres.
Mientras la historia del arte reconstruye metódicamente la consolidación de las estéticas queer, Londaibere puede ser una pieza fundamental del mosaico latinoamericano, de comprobada resonancia en este mercado. A la galería Hache, hace dos años, le fue muy bien con la obra de Santiago García Sáenz.
Dice la galerista Fisch sobre la reunión de ayer lunes: “Quisimos transmitirle a la directora Pecoraro y al secretario Cifelli la importancia sustancial que estas participaciones tienen para nosotros, dado que nos ayudan a formar precios para el arte argentino. Nuestro arte, incluso el de los maestros, sigue teniendo precios cinco veces inferiores a lo que se ofrece en Europa. Y nuestro mercado es minúsculo, si lo comparamos. Esto empuja la valoración y nos aporta recursos para seguir.”
Una cuenta nueva
La cita de ayer podría haber tenido un aire de hoscas recriminaciones dado que la Agencia ACI llevaba ya más de 8 años brindando un respaldo financiero parcial a estas exploraciones activas del arte argentino, sobre todo acogiendo los cuantiosos gastos en flete al dólar oficial, en años de brecha salvaje. The End.
Según pudo saber Clarín, las galerías asumirán por entero los costos de traslado de obra oneroso. Viajan con lo propio y punto. ¡Nervios! Cierto marchand nos confiaba que solo duerme con somníferos, por la escala del gasto en divisa en estos momentos acuciantes. “Si no vendemos, esta vez será un mazazo…”
Otra fuente deslizaba que el gobierno de Alberto Fernández dejó un “muertito” en Cancillería que se debe levantar – al menos esa infidencia se usó como argumento.
La Cancillería y la DiCul han logrado armar un buen programa, con recorridas en castellano e inglés por las galerías argentinas, a cargo de un curador inmejorable, Mariano Mayer, quien por tres años se encargó de la sección latinoamericana en ARCO. Y como es tradicional, habrá un agasajo en la residencia oficial del nuevo Embajador, el diplomático Roberto Bosch.
“Con el Consejo Público Privado de Promoción de Exportaciones se convino contratar a Mayer, curador argentino residente en Madrid, para acompañar las visitas guiadas para todos los potenciales compradores, a la vez que se les presentará un programa integral de exportaciones de arte. Tenemos online un catálogo, que se entregará como QR», dijeron los voceros consultados.
Por otro lado, el secretario de Cultura Cifelli volvió a postear ayer en IG un video –sin audio– de la larga y nutrida mesa de trabajo en Cancillería. Su oficina dejó en claro que no es su área la que lleva el programa de los galeristas, aunque él estará presente en Madrid para compartir el movimiento de la escena y la participación.
Fuente: Clarín – Ahora le tocó a una de las pinturas más icónicas del arte renacentista Sandro Botticelli: El nacimiento de Venus, de 1485.
Dos integrantes de la agrupación Última Generación atacaron la obra, una de las «celebridades» de la ciudad italiana de Florencia.
Entraron a la Galería Uffizi, antiguo palacio de los Médici, y cubrieron el cristal de protección de la obra maestra de Botticelli con fotografías que reflejan efectos del cambio climático.
La pieza de más de 500 años es una alegoría del renacimiento del alma humana y fue cubierta por imágenes que pretenden alertar sobre la emergencia ambiental.
Sobre el vidrio que protege la tela de más de 5 siglos de antigüedad, los activistas pegaron imágenes de la ciudad de Toscana bajo el agua, por la reciente inundación en Campi Bisenzio, y cubrieron así -en parte- el célebre lienzo del siglo XV.Pegatina. Sobre el vidrio de la «celebridad» de Botticelli. Foto: AP
Esta misma obra ya había sido atacada en el año 2022, por dos activistas que habían pegado sus manos al cristal que protegía la pintura de Botticelli, en los Uffizi.
La obra no sufrió ningún daño en aquella vez ni tampoco ahora, de acuerdo con medios locales.
«Hoy este cuadro, símbolo de amor y belleza, se ha transformado, mostrando la destrucción y el dolor que ya estamos viviendo por la crisis climática. El Gobierno sigue fingiendo que los campos no se quemarán en enero, que el agua no será un problema este verano, que las casas destruidas por las inundaciones son acontecimientos accidentales y no causados por decisiones humanas. Y en lugar de abordar estos problemas reales, dicta leyes absurdas», leyó uno de los activistas, antes de ser detenido, junto con el otro atacante.Símbolo de belleza clásica y de renacer. «El nacimiento de Venus», de Botticelli.
Inmediatamente después de leer el comunicado, en el suelo de la sala de los Uffizi se colocó una pancarta que decía «Fondo de reparación de 20 mil millones para los daños causados por los desastres climáticos».
En enero, el alcalde de Florencia, Dario Nardella, había dicho que «una batalla sacrosanta como la de la emergencia medioambiental no se puede librar atacando, aunque sólo sea simbólicamente, el arte y la cultura».
Tan solo en los últimos días, activistas arrojaron sopa de calabaza sobre el cristal que protege La Gioconda de Leonardo da Vinci, a fines de enero, y lo mismo hicieron sobre La primavera del pintor impresionista Claude Monet en el Museo de Bellas Artes de Lyon.
La seguidilla venía del año 2021, cuando atacaron Los girasoles de Van Gogh en la National Gallery de Londres, mientras que en octubre del 2022 la policía neerlandesa detuvo a tres activistas climáticos del movimiento Just Stop Oil luego de que atacasen el cuadro La joven de la perla (1665), del pintor del Siglo de Oro Johannes Vermeer, en la galería Mauritshuis de La Haya.
Más tarde tiraron harina sobre un automóvil pintado por Andy Warhol, o echaron pintura roja a un cuadro de Claude Monet en Estocolmo, entre otros hechos vandálicos.
Las acciones no ha hecho más que ganar críticas y rechazo: irrumpen en espacios cerrados, atacan patrimonio cultural, en su mayoría obras de cientos de años, a veces tiran comida, en nombre de la defensa del planeta.
¿Es que acaso creen que a los museos no les preocupa el cambio climático? se desprendió de una declaración emitida el año pasado por el Consejo Internacional de Museos (ICOM) frente a esta oleada que se ha intensificado en los dos últimos años.
El Parlamento italiano aprobó en enero una ley que aumenta las penas para los autores de acciones contra monumentos o lugares culturales, en respuesta a una serie de acciones por parte de los defensores del clima.
Fuente: Cancilleria.gob – La Cancillería argentina y la Embajada de nuestro país en México llevan adelante una misión comercial durante la Semana del Arte 2024 en la Ciudad de México, la cual tiene lugar del 7 al 11 de febrero, con el objetivo de potenciar la presencia de la industria de las artes visuales argentinas en uno de los eventos artísticos más importantes de Latinoamérica.
La iniciativa, que tiene lugar en el marco del Plan de Promoción Comercial Exportarte Argentina, implica apoyar de manera activa la internacionalización de 13 galerías de arte argentinas que participan en la Semana del Arte de Ciudad de México, en las ferias ZsONAMACO, Salón ACME y MATERIAL. Esas galerías son: Nora Fisch, Pasto Galería, vigilgonzales, Revolver Galería, María Casado Home Gallery, Galería Sendros, Quimera, OdA Oficina de Arte , Rolf Art, W—galería, Tramo, Diderot.art y Rosas Ek Balam.
Asimismo, se dio impulsó a la visibilidad de los artistas argentinos que participaron de la feria BADA México: Zeta Yeyati, Milo Lockett, Martin Enricci, Chino Vitali, Clara Z, Belén Marcuzzi, Manuela Durañona, Maria Ines Haas, Laura Luque, Gaby Perez, Mary Baron, Maria Laura Pini, María Lavigne, Henry von Wartenberg, Victoria Porte, Elisa Setien, Paola Pugliese y Tacha.
Cabe agregar que la misión comercial en la Semana del Arte de Ciudad de México contó con la participación de Meridiano (Cámara Argentina de Galerías de Arte Contemporáneo), en el marco del trabajo articulado con el sector privado que lleva adelante la Cancillería Argentina, con el aporte de la curadora argentina Catalina Urtubey. Este vínculo permite la realización de visitas guiadas exclusivas con contrapartes estratégicas como coleccionistas, referentes de museos y prestigiosos curadores mexicanos e internacionales, por los stands de las galerías de arte argentino en cada feria.
En efecto, el miércoles 7 de febrero se realizó una visita guiada por los booths de las galerías argentinas en la feria de arte ZsONAMACO y el jueves 8 de febrero se realizaron recorridos por los stands de las galerías argentinas en Salón ACME y MATERIAL. En ambos recorridos se contó con la participación de coleccionistas particulares, curadoras de instituciones culturales de renombre como el Museo Universitario de Arte Contemporáneo – MUAC UNAM (Ciudad de México) y El Museo del Barrio (Nueva York), artistas y prensa especializada.
Durante una de las visitas guiadas, Ana Castella, Directora de Salón ACME, brindó unas palabras de bienvenida y destacó la presencia argentina en dicho evento de arte, compuesta por galeristas, artistas y miembros del Consejo Curatorial, al tiempo que resaltó además la relevancia de las visitas guiadas realizadas. Por su parte, María Casado, de María Casado Home Gallery y Vicepresidente de la Comisión Directiva de Meridiano, resaltó “resulta fundamental para las galerías de arte de Argentina abrirse camino en la escena internacional y por eso seguimos apostando a la escena artística de México, una plaza muy importante en el mapa de América Latina. De hecho, con la galería estamos participando por tercer año consecutivo en Salón ACME y este es el séptimo año en el que sostenemos el proyecto de hacernos conocer en el Distrito Federal. Asimismo, valoramos la coordinación con la Cancillería argentina y esperamos continuar trabajando de manera conjunta en otras ferias”.
Por otra parte, el viernes 9 de febrero se realizó un recorrido abierto al público general por la obra de 18 artistas argentinos presentes en la feria BADA México, donde su Directora, Ana Spinetto, dio la bienvenida y destacó: “La feria de arte directo de artista, BADA, es un espacio que rompe con los esquemas tradicionales de la venta de obras de arte, al establecer una conexión directa entre el artista y el comprador. Este año celebramos su cuarta edición en México, durante la Semana del Arte de la Ciudad de México, tras 12 años de éxito continuo en Buenos Aires, Argentina, y desde 2022 en Madrid, España”.
En cada visita guiada, así como en los stands de las galerías argentinas de cada feria de la Semana del Arte de Ciudad de México, se distribuyó una postal con código QR de acceso al Catálogo Digital de Galerías de Arte, la herramienta de promoción comercial de la Cancillería Argentina, que busca impulsar el acceso al mercado internacional de todas las galerías de arte del país.
Fuente: Ámbito – El furor por los NFT, el criptoarte digital que estalló hace 3 años como un fenómeno arrasador, se pinchó como una burbuja de jabón. La primera obra se vendió en casi u$s 70 millones en 2021, hoy no hay ni una que cotice por encima de los 6000 dólares.
Durante la década del 80 del siglo pasado, el mercado del arte experimentó una explosiva burbuja especulativa con la entrada, en el coleccionismo, de jugadores nuevos, en su gran parte procedentes de Asia. Ese fenómeno no se prolongó demasiado en el tiempo, pero sí lo suficiente como para provocar distorsiones de las que costó cierto esfuerzo salir y regresar al equilibrio previo.
Entre las alteraciones, la más significativa fueron los precios exorbitantes que se pagaron por algunas obras, en especial de artistas como Picasso y Van Gogh; la manipulación, por parte de fuerzas interesadas, de algunos creadores emergentes cuya importancia no persistió con los años (y provocó fuertes perjuicios a los compradores), y finalmente el paso al costado de la parte «seria» del mercado, del coleccionista racional, el conocedor que equilibró siempre gusto con inversión, y que no podía operar en un mercado enloquecido. Debieron desensillar hasta que aclarara, como finalmente ocurrió.
Algunos ramalazos de ese fenómeno suelen producirse periódicamente, como la venta de obras de grandes maestros cuya autenticidad está puesta en tela de juicio por más de un experto, como ocurrió con “Salvator Mundi” de Leonardo da Vinci, vendida en 2017 a u$s450 millones, cifra que continúa ostentando el récord de la obra de arte de mayor precio en la historia (y algunos especialistas aún continúan dudando de que sea realmente del maestro del Renacimiento). Pero, como se decía antes, estos chispazos no provocan en el mercado las distorsiones de la burbuja de los 80. Otras sí.
Después de la pandemia, aunque algún tiempo antes también, el sector empezó a experimentar cambios profundos, y no exactamente para bien. El aislamiento por coronavirus los acentuó, con una tendencia que al principio se creyó persistiría, aunque finalmente, de regreso a la normalidad, se empezó a comprobar que se trataba de un espejismo.
Como la suspensión de las subastas presenciales, y la venta de la misma forma en galerías se cancelaron como resultado del temor al contagio, empezaron a proliferar los remates online, una modalidad a la que siempre fueron reacios los compradores tradicionales. Eso provocó que se verificara un cambio de paradigma: jugadores más jóvenes se integraron al mercado, los cuales, si bien tenían mayor práctica y confianza en este tipo de transacciones, carecían en cambio del expertise del coleccionista. Una vez terminada la pandemia, las cosas se reacomodaron. El fenómeno había sido pasajero y muy pocos de esos nuevos compradores, que buscaban rédito rápido antes que satisfacción estética, permanecieron activos.
Sin embargo, se produjo otro fenómeno más marcado, y que parecía que iba a devorar en sus fauces al mercado tradicional: la venta de NFT (non fungible tokens), piezas digitales “únicas”, vinculadas, aunque no asimilables a las criptomonedas, por las que empezaron a pagarse fortunas en el mercado del arte. La primera fue, hace exactamente tres años, “Everydays. The first 5000 days”, del artista conocido como Beeple, que Christie’s subastó en casi 70 millones de dólares. A dicho trabajo continuaron otros, que alcanzaban, de igual modo, precios inéditos. Las galerías y coleccionistas tradicionales volvieron a temer por el futuro, al igual que en los 80.
Sin embargo, y aunque hoy ese mercado sigue en pie, su caída fue notable. En la Encuesta Global de Coleccionismo 2023 (The Survey of Global Collecting), presentada a fines del año pasado en la feria Art Basel, el arte digital saltó del 9% de las ventas totales del mercado en 2021 al 15% en 2022, y cayó al 8% en 2023. Hacia junio de 2023, las ventas de NFT relacionados con obras de arte cayeron al nivel más bajo desde enero de 2021, y el número de compradores únicos de este formato se redujo de poco más de 40,000 a unos 2000 en el mismo lapso.
El mismo relevamiento señaló que la pintura continuaba siendo la forma de arte más comprada por los coleccionistas, con un 36%, seguida por la escultura (13%), y mucho después la fotografía y otros objetos. Simultáneamente, los primeros compradores de NFT leían, no sin pavor, la noticia de que 95 % de estos «token no fungibles» ya no valían casi nada, según el estudio realizado por DappGambl, según el cual en agosto de 2021 ese sector “revolucionario” facturaba al mes 2.800 millones de dólares, pero ya en julio del año pasado apenas llegaba a los 80 millones, un 3% de lo que representaba cuando empezó.
De acuerdo con los datos de DappGambl, el futuro de los NFT es cada vez más sombrío. Casi 23 millones de personas poseen un NFT hoy sin valor. Apenas 1% de ellos tendría un precio superior a los 6.000 dólares. El estudio añade que 33% de los compradores no sabe qué hacer con ellos, y un 36 % contempla la opción de venderlas. No es lo mismo que poseer un Van Gogh, desde ya.
La publicación especializada ArtNews entrevistó al econosmista del arte Magnus Resch, una de las mayores autoridades mundiales en la materia, quien en 2017 publicó datos de las principales galerías de arte de todo el mundo, y cuyas cifras demostraban que la mayoría se enfrentaba a problemas financieros debido al no crecimiento de los ingresos y a la falta de nuevos compradores. Resch acaba de publicar el libro “How to Collect Art”, y asegura que el problema se ha mantenido. «A pesar de que el número global de millonarios se ha duplicado en la última década y de que la asistencia a acontecimientos artísticos ha batido récords, el valor del mercado del arte sólo se ha mantenido estable«, le dijo a la revista. Sólo una cuarta parte de las galerías de Estados Unidos, Alemania y el Reino Unido logra ingresos anuales superiores al millón de dólares. «Hoy las galerías dependen en gran medida de unos pocos coleccionistas que hacen compras sustanciales».
Resch no oculta que a veces se compra arte “creyendo en su potencial como inversión. Sin embargo, el arte como inversión suele ser eficaz sólo para un grupo selecto de artistas”. Y añade: “Adquirir arte no es sólo una transacción financiera sino también un gesto filantrópico. En lugar de verlo como una inversión, lo considero una donación, reconociendo que no es probable que revenda la obra. Al hacer esta compra, estoy apoyando al artista, permitiéndole seguir creando arte, inspirando así a la comunidad artística en general. La cantante Alicia Keys y su marido, Swizz Beatz, son coleccionistas activos. Su Colección Dean se centra en apoyar principalmente a artistas afroamericanos, como Kehinde Wiley y Mickalene Thomas”.
La investigación global de Resch indica que 30% de las galerías del mundo opera en rojo, y sólo 18% tiene un margen de beneficio de más de 20%. En el caso de las galerías más pequeñas, casi 45% de sus ventas suele provenir de un solo artista importante. Otros datos: la proporción de coleccionistas que de manera habitual adquiere arte con un valor superior al millón de dólares cayó de 12% en 2021 al 4% en 2022, y en la primera mitad del año pasado se recuperó ligeramente a 9%. Además, hay un decrecimiento interanual de 3% en el coleccionismo de obra de artistas emergentes, mientras que ese mismo 3% fue el crecimiento del interés por los artistas consagrados, sobre todo en Estados Unidos y China.
Fuente: Télam – La obra ganadora como mejor mural del mundo 2023 es del artista madrileño Hugo Lomas, conocido como Sfhir, quien se inició en el arte del graffiti a los 14 años. Su obra transforma la cara de un edificio en un violonchelo tocado por una joven.
Votado por la comunidad de arte urbano, el premio anual al mejor mural pintado durante 2023 que impulsa la plataforma Street Art Cities tuvo como grandes ganadores a artistas españoles entre los cientos de trabajos realizados el año pasado por artistas de más de 27 países, entre los cuales estaban tres argentinos.
El certamen, que celebra el arte callejero más popular de todo el mundo de acuerdo al voto de la mayor comunidad de este tipo de arte, dio a conocer las tres obras ganadoras del «Best of 2023» que incluye tres categorías: Mejor mural, Impacto e Innovación.
El premio al mejor mural del mundo fue para el artista Sfhir por una obra realizada en Fene (Galicia), el de Impacto fue para el artista conocido como Sabotaje al Montaje bajo el título «Las entrañas de la memoria» en Ondárroa (País Vasco), ambos en España; mientras que el de innovación fue para «Gravity», un trabajo del neerlandés Leon Keer ubicado en Wuppertal, Alemania.
Entre los 50 murales en competencia fueron preseleccionados 21 de artistas españoles, mientras que tres de esos trabajos que no llegaron a salir galardonados fueron pintados por los argentinos Julián Cruz Solano, el dúo Cíclope de Chascomús -integrado por Pilar Tolosa y Julián Razquin- y el reconocido internacionalmente Martín Ron.
La obra ganadora
La obra ganadora como mejor mural del mundo 2023 es del artista madrileño Hugo Lomas, conocido como Sfhir, quien se inició en el arte del graffiti a los 14 años. Su obra transforma la cara de un edificio en un violonchelo tocado por una joven.
El mural fue realizado en agosto de 2023 durante la edición inaugural del Perla Mural Fest en Fene, en homenaje a la desaparecida Sala Perla -antiguo espacio dedicado al cine y la música-, y reivindica precisamente la tradición musical de ese municipio ubicado en la región de La Coruña.
En un edificio de 9 pisos, el artista integró el pozo de luz al diseño dando lugar a un violonchelo tocado por un violonchelista.
«Al verlo, no sólo te hace sentir pequeño su inmensidad, sino que te cautiva y no puedes apartar la mirada. Lo encantador es que por la noche parece cobrar vida; en la zona del mástil, cuando los vecinos encienden las luces de la escalera, los trastes del violonchelo se iluminan, creando una maravilla visual», explican en la plataforma.
Este mural quedó en primer puesto, seguido en segundo y tercer lugar por los españoles «A Dona do Estuario» de Lula Goce (Nigrán, Pontevedra), y «Copora» de Lugo realizada por Yoe 33.
Foto: Prensa
Categoría «impacto»
En la categoría Impacto, el primer premio fue para «Las entrañas de la memoria», del artista canario Sabotaje al Montaje, seudónimo de Matías Mata, un artista nacido en 1973 que se inició desde el graffiti en 1990.
El artista creó un mural inspirado en la historia del pueblo costero Ondarroa, Vizcaya, en el marco del programa de Residencia Artística Kaminazpi sobre una pared de 15 metros por 8, en la tercera semana de la residencia.
«He trabajado con fotos del archivo histórico de la ciudad para representar el matriarcado de la ciudad y el trabajo de las mujeres en este pueblo pesquero, con los colores del País Vasco», explicaba el artista citado por Street Art Cities.
Hace tres días, en su cuenta de Instagram Sabotaje al Montaje había posteado: «Que bonita sorpresa ser premiado en la categoría impacto social 2023 con mi mural ´Las entrañas de la memoria'» al tiempo que agradecía la visibilidad del proyecto que tuvo más de 10.000 votos.
El segundo y tercer premio fueron para «Atlas, the woman who carried the world» de JDL en Milán, Italia y «Changing the light bulb» del barcelonés Wedo (Nil Safont), en la ciudad de Tbilisi, Georgia.
Foto: Prensa
Categoría «innovación
A partir de la preselección de los expertos sobre murales «que aplican técnicas, estilos, materiales o formatos únicos», la tercera categoría, innovación, tuvo como gran ganador al creado por el artista Leon Keer durante la edición 2023 del Urbaner KunstRaum Wuppertal, en Alemania.
Keer, el autor de la obra titulada «Gravity» («Gravedad») está considerado un artista líder en el campo del arte callejero anamórfico. El mural ganadora de esta categoría muestra un caja con canicas de vidrio que se desplazan más allá de la medianera de un edificio proyectándose sobre el piso lindante.
En segundo lugar quedó «Cobertura 2G» de Da2, realizado en España y una impactante instalación «Giants: Rising Up» del artista francés JR en Hong Kong.
La representación argentina
Argentina estuvo representada en la ocasión por tres murales: «El rugir de la tormenta», el de Juan Cruz Solano, fue pintado en una edificio de la ciudad rumana de Sibiu que había ganado como «mejor mural» en la competencia mensual que realiza Street Art Cities, mientras que el trabajo del dúo Cíclope de Chascomús, egresados de la Universidad Nacional de La Plata, es una pintura de enormes flores en color violeta y rojo que ocupa el lateral de un edificio de Valence, Francia
En cambio, los de estilo hiperrealista de Martín Ron fueron el del histórico tanque de agua de la ciudad de MIramar, en la costa atlántica con la impactante imagen de dos niños a punto de zambullirse al agua, y un homenaje a Lionel Messi -siguiendo al de Diego Maradona del 2022-, que puede verse en Avenida Belgrano y la 9 de Julio de la ciudad de Buenos Aires.
A la plataforma en línea Street Art Cities se suben todos los meses fotos de los murales recién realizados de los cuales se seleccionan ganadores mensuales y una vez al año se examinan los cientos de trabajos presentados y se eligen los mejores. La plataforma, la mayor comunidad de arte urbano del mundo, funciona como un gran mapa global del arte urbano.
Fuente: Télam – Obras de 15 artistas macioales formarán parte de la exposicion central de la muestra, junto a más de 300 de todo el mundo, con un eje puesto en lo queer.
Obras de 15 artistas argentinos -entre ellos de Emilio Pettoruti, Clorindo Testa, Mariana Telleria, Chola Poblete, Raquel Forner y Juan del Prete– se verán en la muestra principal de la Bienal de Venecia 2024, que bajo el lema «Extranjeros por todas partes» reunirá del 20 de abril al 24 de noviembre un total de 332 representantes de todo el mundo, con eje en lo queer y lo indígena, tal como informó hoy en conferencia de prensa el brasileño Adriano Pedrosa, el primer curador latinoamericano del evento artístico más destacado a nivel mundial.
Si se piensa que en ediciones anteriores las exposiciones centrales habían albergado entre 80 y 200 artistas, resulta apabullante el número dado a conocer por el curador, lo que redunda a su vez en una impresionante representación de países provenientes del Sur Global, de América latina, África, Asia, y con foco también en la diáspora de Italia hacia el resto del mundo (donde tienen un lugar destacado Argentina y Brasil).
«La expresión ‘Stranieri Ovunque’ tiene varios significados. En primer lugar, que vayas donde vayas y estés donde estés siempre encontrarás extranjeros: ellos/nosotros estamos en todas partes. En segundo lugar, que no importa dónde te encuentres, siempre eres realmente, y en el fondo, un extranjero», deslizó Pedrosa, durante la conferencia que se transmitió on line y en la que fue mencionando a algunos de los múltiples nombres de artistas que integran la lista oficial.
Gaggiandre, una de las sedes de la muestra que arranca en abril. /Foto: prensa.
Así, la abigarrada selección dada a conocer incluye múltiples nombres de argentinos (o nacionalizados argentinos). Integran la lista la salteña Claudia Alarcón (1989) & Silät de la comunidad wichí La Puntana, la mendocina y queer La Chola Poblete (1989), la santafesina Mariana Telleria (Rufino, 1979) y la pintora americanista Juana Elena Diz (nació en 1925), de quien se desconoce su paradero o si es que ha fallecido.
También, se verán obras en la muestra central de los argentinos fallecidos Libero Badii (1916-2001), Elda Cerrato (1930-2023), Victor Cúnsolo (1898-1936), Juan Del Prete (1897-1987), Raquel Forner (1902-1988), la salteña María Martorell (1909-2010), Emilio Pettoruti (1892–1971), la chaqueña Lidy Prati (1921-2008), Kazuya Sakai (1927–2001), Clorindo Testa (1923–2013) y la libanesa Bibi Zogbé (1890–1975), quien residió y falleció en la ciudad de Mar del Plata. Finalmente, podría ingresar a esta combinado albiceleste la artista surcoreana Kim Yun Shin, quien nació en Wonsan 1935 aunque reside en Buenos Aires desde 1983, hace justo 40 años, de quien también se verán sus obras en Venecia.
Algunas de las obras exhibidas por Argentina serán prestadas por Malba y por la Colección de Eduardo Costantini, tal como informó este museo a Télam.
Foto: prensa.
Cómo será la 60 edición
El principio rector de la 60 edición de la bienal ha favorecido a los artistas que nunca han participado en la Exposición Internacional, aunque algunos de ellos hayan sido presentados en un Pabellón Nacional, un Evento Colateral o en una edición anterior de la Exposición Internacional, detalló Pedrosa durante la conferencia.
Además de la participación de cada pabellón nacional (por la Argentina, por ejemplo, participará Luciana Lamothe con el proyecto «Ojalá se derrumben las puertas»), la exposición central de Venecia incluirá nombres como la mexicana Frida Kahlo, Iván Argote (Colombia), Lina Bo Bardi (Brasil), Bordadoras de Isla Negra (Chile), Miguel Covarrubias (México), Tarsila do Amaral (Brasil), Oswaldo Guayasamín (Ecuador), Wifredo Lam (Cuba), Armando Reverón (Venezuela), Diego Rivera (México) y Joaquín Torres-Garcìa (Uruguay), entre muchísimos otros.
El lema del encuentro, «Stranieri Ovunque» («Extranjeros por todas partes»), se inspira en una serie de obras iniciadas en 2004 por la artista feminista francesa Claire Fontaine, una serie de esculturas de neón de diferentes colores que reproducen en diversos idiomas las palabras «Extranjeros por todas partes». La frase procede, a su vez, del nombre de un colectivo turinés que luchó contra el racismo y la xenofobia en Italia a principios de la década de 2000.
Este grupo de neones, recreados a gran escala, se verán durante la bienal. «El background de esta obra refiere a la crisis actual de las personas en todo el mundo, en el territorio, en las fronteras, por su raza, por su identidad, por su nacionalidad, por su género. Donde sea que estés, donde sea que vayas, eres un extranjero. Incluso Venecia fue la ciudad de inmigrantes para los refugiados de Roma. Aquí también hay extranjeros en todas partes», detalló Pedrosa.
Foto: prensa.
Según añadió el brasileño, la muestra central tendrá lugar en el Pabellón Central (Giardini) y en el Arsenale, mientras que estará dividida en dos secciones: el núcleo contemporáneo y el núcleo histórico.
«El italiano straniero, el portugués estrangeiro, el francés étranger, y el español extranjero, están todos etimológicamente conectados con lo extraño. La primera acepción de la palabra ‘queer’ es precisamente ‘extraño» y así la Exposición se despliega y se centra en la producción de otros sujetos relacionados: el artista queer, que se ha movido dentro de diferentes sexualidades y géneros, a menudo perseguido o proscrito; el artista outsider, que se sitúa en los márgenes del mundo del arte, al igual que el artista autodidacta, el artista folk y el artista popular; el artista indígena, frecuentemente tratado como extranjero en su propia tierra. Las producciones de estos cuatro sujetos son el interés de esta Bienal, constituyendo el núcleo contemporáneo», desmenuzó el curador.
De este modo, los artistas indígenas tendrán una presencia emblemática, al punto de que el Pabellón Central recibirá al público con el colectivo Mahku de Brasil que pintará un mural monumental en la fachada del edificio. Asimismo, el colectivo Maataho de Aotearoa (Nueva Zelanda) presentará una instalación a gran escala en la primera sala de la Cordiere: «Los artistas queer aparecen por toda la exposición», insistió Pedrosa.
Por otra parte, el núcleo contemporáneo contará con una sección especial dedicada al Archivo de la Desobediencia, un proyecto de Marco Scotini, que desde 2005 desarrolla un archivo de video centrado en las relaciones entre prácticas artísticas y activismo. Esta sección se divide en dos partes principales especialmente concebidas para nuestro marco: Activismo en la diáspora y Desobediencia de género. El Archivo de la Desobediencia incluirá obras de 39 artistas y colectivos realizadas entre 1975 y 2023.
Finalmente, el núcleo histórico estará formado por obras del siglo XX procedentes de América Latina, África, Asia y el mundo árabe: «Conocemos demasiado bien la historia del Modernismo en Euroamérica, pero los Modernismos del Sur global siguen siendo en gran parte desconocidos», disparó Pedrosa.
La organización para este núcleo, estará conformada por tres salas: una dedicada a «Retratos», otra sala dedicada a las «Abstracciones» y una tercera sala dedicada a la diáspora artística italiana en el mundo a lo largo del siglo XX, lo que otorga un lugar predominante a los artistas en Argentina y Brasil, la nación del curador. En esta última sala se expondrán obras de 40 autores italianos -primera o segunda generación de inmigrantes-, que serán exhibidas en el mismo sistema que ha hecho famosa la Casa de Vidrio de la paradigmática arquitecta Lina Bo Bardi (italiana que se mudó a Brasil).
«En el transcurso de la investigación -subrayó Pedrosa- surgieron de forma bastante orgánica dos elementos diferentes pero relacionados, que se desarrollaron hasta el punto de imponerse como leitmotiv de toda la exposición. El primero es el textil, explorado por muchos de los artistas implicados. Obras que revelan un interés por la artesanía, la tradición y lo hecho a mano, así como por técnicas que, en el ámbito más amplio de las bellas artes, a veces han sido consideradas extrañas, ajenas. Un segundo elemento son los artistas -muchos de ellos indígenas- unidos por la sangre, donde la transmisión familiar de conocimientos y prácticas desempeña un papel importante».
La 60 edición de la Bienal de Venecia, curada por Adriano Pedrosa, abrirá al público del 20 de abril al domingo 24 de noviembre de 2024 en las sedes de los Giardini y el Arsenale.
La Bienal de Venecia incluirá además 90 participaciones nacionales en los pabellones históricos de los Giardini, el Arsenale y el centro de la ciudad de Venecia, donde cuatro países participarán por primera vez: la República de Benin, Etiopía, República Unida de Tanzania y República Democrática de Timor Leste.
Fuente: Télam – Once galerías argentinas participarán de la Semana del Arte de la Ciudad de México, que reunirá del 7 al 11 de febrero diferentes ferias como Zona Maco, Material y Salón ACME, informó Meridiano, la Cámara Argentina de Galerías de Arte.
Nora Fisch, Pasto Galería, _vigilgonzales, Revolver Galería, María Casado Home Gallery, Galería Sendrós, Quimera, OdA Oficina de Arte, Rolf Art, W—galería y Tramo son las galerías que participan de las diferentes ferias de arte contemporáneo en la Ciudad de México.
Zona Maco, que celebra su 20 aniversario, es una de las ferias más importantes de Latinoamérica y tendrá lugar del 7 al 11 de febrero en el Centro Citi Banamex, donde participarán cinco galerías argentinas.
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Allí se verán obras de los artistas Pabli Stein y Cartón Pintado (Quimera) mientras que Tramo participa con un solo Show de Julián Prebisch y la galería Rolf llevará la obra de Mapa Teatro y de Verónica Meloni.
Además, W (ex Walden) mostrará trabajos de Chonon Bensho, Magali Lara, Mónica Mayer y Christian Salablanca Díaz, mientras que OdA Oficina de arte exhibirá producciones de las artistas Ángela Copello, Yuyo Gardiol y Fabiana Barreda.
La feria Material, en tanto, celebra diez años del 8 al 11 de febrero en Expo Reforma, en el barrio Juárez de la Ciudad de México, donde participarán Pasto Galería, con obras de Iosu Aramburu, Federico Cantini y Santiago Licata, así como Revolver Galería con obras de Alberto Borea, José Carlos Martinat, Jorge Eielson, Jerry B. Martin, Gladys Alonzo, Luis Enrique Dela-Koort, F. Tibiezas Dager y Ana Lucía García Hoefken.
Por su parte, vigilgonzales exhibirá a Karina Skvirsky, José Luis Martinat y Gonzalo Hernández. Por último, Nora Fisch presentará obras de Fernanda Laguna, Guzmán Paz y Juan Tessi.
El Salón ACME, dedicado a creadores emergentes, albergará a la galería Maria Casado, con un solo show de la artista Lola Goldstein y además el artista Bruno Gruppalli fue seleccionado en la sección Convocatoria. Por otra parte, Sendros presenta una serie de dibujos de El Pelele en la sección de Proyectos Invitados.
Meridiano, junto a la Dirección de Promoción de Exportaciones de Servicios Basado en el Conocimiento, Industrias Creativas, Turismo y Deportes de la Cancillería Argentina, y la Embajada Argentina en México, realizará una misión comercial en la Semana del Arte de México, detalló el comunicado.
Fuente: Infobae – La obra maestra de Leonardo da Vinci estaba protegida por un cristal. En mayo de 2022 ya le habían lanzado un pastel de crema.
Dos activistas ecologistas arrojaron el domingo sopa sobre “La Gioconda” (siglo XVI), la obra maestra de Leonardo da Vinci expuesta en el Louvre de París, cuyo lienzo original está protegido por una capa de cristal.
Las dos mujeres, que fueron filmadas durante su acción que duró casi dos minutos, arrojaron la sopa de color naranja y rápidamente pasaron por debajo de las barreras que rodean el cuadro.
“¿Qué es lo más importante? ¿El arte o el derecho a una alimentación sana y duradera? Nuestro sistema agrícola está enfermo”, gritó una de las activistas.
(Captura de pantalla)
“La Gioconda”, considerado el lienzo más famoso del mundo y también conocido como la Mona Lisa, fue recientemente objeto de otro acto vandálico cuando en mayo de 2022 le arrojaron una torta de crema, pero el grueso cristal que la protege evitó que sufriera daños.
Los cristales en las obras de arte del Louvre comenzaron a aplicarse en 1907, luego de que una mujer acuchilló un lienzo de Ingres en nombre del anarquismo. Así, desde entonces, las grandes piezas del espacio parisino son protegidos por “vidrios de diamante” de la casa Saint-Gobain, la misma que desarrolló los cristales de la famosa pirámide inaugurada en 1988.
El vidrio sobre “La Gioconda”, cuya cotización estimada ronda los USD 2.5 billones, se instaló en 2005.
Visitantes ante el cuadro La Gioconda, de Leonardo da Vinci, en el Museo del Louvre en París. (EPA/CHRISTOPHE PETIT TESSON)
Desde ese mismo año el cuadro se encuentra alojado en el Salón de los Estados, donde tiene una pared para ella sola, junto otras pinturas venecianas notables como “Las bodas de Caná” de Veronese. Está separada del público por estrictos protocolos de seguridad, por lo que nadie nota el medio millón de craquelures, pequeñas grietas, que surcan la pintura. Llegó allí tras haber pasado por la Sala Rosa y la sobrecargada Sala Carré, donde estuvo ausente durante dos años tras el famoso robo, ocurrido el 21 de agosto de 1911, del italiano Vicenzo Peruggia.
Un robo y varios ataques
Sin dudas, “La Gioconda” debe su fama no tanto a su composición pictórica, porque incluso Leonardo ha realizado retratos superiores como “La dama y el armiño”, sino a la publicidad que alcanzó tras el robo de Peruggia.
Durante los dos años que desapareció, la obra salió un sinfín de veces en los principales medios del mundo, los periódicos ofrecieron recompensas y recibieron miles de cartas con supuestos sospechosos. Incluso, se llegó a arrestar a Pablo Picasso por el robo. Peruggia cayó cuando quiso vender la obra en Florencia y el regreso de la pintura fue todo un acontecimiento. Durante su ausencia, los visitantes inundaron los pasillos del Louvre para ver el hueco que había dejado la pintura.
Funcionarios en torno a «la Gioconda» a su regreso a París, el 4 de enero de 1914 tras el robo de Peruggia (Foto de Paul Thompson/FPG/Archive Photos/Getty Images)
En otros ataques, en 1956, un hombre lanzó ácido al cuadro dañando la parte inferior del mismo y a finales de ese mismo año, un pintor procedente de Bolivia, llamado Ugo Ungaza Villegas, tiró una piedra contra el óleo, lo que también provocó un ligero daño.
En el ‘74, en un viaje al Museo Nacional de Tokio, una mujer le arrojó pintura roja, como protesta por la ausencia de accesos al museo para personas discapacitadas, y en 2009, una mujer rusa, enfurecida por la denegación de su solicitud de ciudadanía francesa, le arrojó una taza de cerámica comprada en la tienda del Louvre.
Fuente: BAE – A 80 años de su muerte, el artista noruego sigue vigente en exposiciones y películas que lo tienen como protagonista.
Inspirador de emociones compartidas como los emoticones creados a partir de su célebre cuadro «El grito», el gran pintor noruego Edvard Munch mantiene invicta su presencia tan universal como los temas reflejados en sus pinturas y grabados sobre el amor, la angustia y la melancolía que siguen convocando miradas y relecturas a 80 años de su fallecimiento.
«La naturaleza no es solo lo visible para el ojo, también son las imágenes interiores del alma», decía Munch, que nació el 12 de diciembre de 1863 en Løten, y falleció de neumonía el 23 de enero de 1944.
Museos exclusivos, muestras permanentes y temporales, inmersivas, películasy la presencia de sus obras en grandes colecciones, marcan un derrotero que habilita mitos e historias sobre dolores existenciales como marco de una obra que más allá de lo expresivo permea los ciclos tan humanos de la vida y la muerte. Aunque, también lo permanente y la vitalidad de los colores, como manifiesta la pintura «El sol», colgada en el salón de actos de la Universidad de Oslo.
Luces y sombras, color y movimiento y la vida desde el dolor al amor pasando por el sexo y la soledad, la depresión, la angustia, la ansiedad, el alcoholismo y la genialidad, conforman su amplia paleta temática. A caballo entre dos siglos y figura bisagra entre el pujante e industrializador del XIX y un revolucionario y cambiante siglo XX, su mirada atenta sobre el mundo se convirtió en símbolo del sentir finisecular, y junto a Vincent van Gogh, se los señala como pioneros del expresionismo alemán.
Mundialmente conocido por «El grito» que representa a un hombre gritando con las manos en los costados del rostro, el conocimiento sobre Munch parece detenerse en la obra maestra pintada a los 30 años sin contemplar los años posteriores de trabajo ni la complejidad de la obra.
La versión inaugural de «El grito» (1893) fue expuesta en Alemania, y en una de las cuatro versiones que realizó siendo la última de 1910, cuando escribió en lápiz sobre el cielo rojo: «Sólo podría haber sido pintado por un loco». Para la versión de 1895 realizada en pasteles y vendida en 2012 por casi 120 millones de dólares -la única en manos privadas- Munch escribió en el marco con pintura de color rojo sangre el poema que lo había inspirado un año antes durante un paseo con amigos en las colinas de Oslo, con la puesta de sol y un cielo rojo como la sangre que lo dejaron «temblando de angustia» y sintiendo «que un inmenso grito infinito recorría la naturaleza».
Con el tiempo, el cuadro «se convirtió en el símbolo de la angustia universal», y según Peter Olsen, descendiente del que fuera amigo y mecenas de Munch, quien vendió el cuadro, «muestra el momento escalofriante en el que el hombre se da cuenta de su impacto sobre la naturaleza y los cambios irreversibles que ha provocado».
Bajo el título «Goya y Munch: Profecías modernas», hasta mediados de febrero el Museo Munch de Oslo presentará una muestra colectiva titulada «Edvard Munch Horizons». Continuará con otra que explorará la relación del pintor con la naturaleza y el cosmos. En tanto, el Museo De Reede en Bélgica se dedica por estos días al arte gráfico de Francisco Goya, Félicien Rops y Munch.
Pero también el cine lo recuerda como en la noruega «Munch» (2022) dirigida por Henrik M. Dahlsbakken, que retrata cuatro períodos de la vida del genial artista y se detiene en los conflictos y deseos que lo impulsan.
Munch es también muy convocante en las subastas: más allá de ese gran récord de 2012 para de «El grito» realizado en pasteles, en 2016 se subastó la pintura «Las chicas del puente» alcanzando los US$54,4 millones, cuando previamente había sido vendida por US$7,7 millones en 1996 y por 30,8 millones en 2008 . Ahora, una nueva subasta tendrá lugar en Sotheby’s de Londres el 1 de marzo cuando se ponga a la venta la pintura «Dance on the Beach» realizada entre 1906 y 1907, por la que estiman alcanzar entre US$15 y 25 millones.
Sarah Grilo por Lisl Steiner.
Sarah Grilo. Protesta, 1973. Óleo sobre tela, 81 x 100 cm.
Collage sobre papel de ilustración, Alfredo Londaibere.
Alfredo Londaibere.
Pegatina. Sobre el vidrio de la «celebridad» de Botticelli. Foto: AP
Símbolo de belleza clásica y de renacer. «El nacimiento de Venus», de Botticelli.
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Visitantes ante el cuadro La Gioconda, de Leonardo da Vinci, en el Museo del Louvre en París. (EPA/CHRISTOPHE PETIT TESSON):quality(85)/cloudfront-us-east-1.images.arcpublishing.com/infobae/4AQCEGD4T5AT7HIVTVN7VQGM6Y.jpg 420w)
Funcionarios en torno a «la Gioconda» a su regreso a París, el 4 de enero de 1914 tras el robo de Peruggia (Foto de Paul Thompson/FPG/Archive Photos/Getty Images)