“Romper la hermeticidad”. Con un nuevo concepto se reinauguró la sala de arte del Buen Pastor

Fuente: La Nación ~ El rediseño de este espacio, en Córdoba, apunta a ser una “reflexión” sobre la pandemia y sus efectos, permite ver desde adentro hacia afuera y, desde afuera, contemplar el arte.

La pandemia y las cuarentenas impulsaron a la Agencia Córdoba Cultura a repensar algunos de los espacios que tiene en la ciudad y a reacondicionarlos. Guillermo Alonso, director de Museos y Patrimonio de la Provincia, explica que se buscó “romper la hermeticidad” y que tanto quienes ingresan a un museo o centro cultural, como quienes están afuera, puedan acceder a los contenidos.

En ese contexto, hace unos días se inauguró la nueva sala de exposiciones del Paseo del Buen Pastor, ubicada en un punto neurálgico del barrio de Nueva Córdoba, frente a la iglesia de Los Capuchinos, diseñada por Augusto Ferrari.

“Es el resultado de una reflexión en la concepción del museo que tiene que ver con la pandemia y con el trabajar desde distintos puntos de vista del espectador, tanto de quien está adentro, como de quien no”, dice Alonso a LA NACION. Ratifica que el diseño rompe los criterios de hermeticidad y “abre una gran ventana desde el museo a la ciudad -los que están en una sala ven hacia afuera- y desde el afuera al arte, que se puede contemplar desde la calle con mayor o menor proximidad”.

Ver desde adentro hacia afuera y, a la inversa, es el eje de la nueva concepción
Ver desde adentro hacia afuera y, a la inversa, es el eje de la nueva concepción

Alonso admite que esa concepción no es “repetible” en todos los espacios culturales, pero sí entiende que los museos “no van a poder ignorar los cambios que generó la pandemia en todo el mundo”. Junto con el rediseño del Buen Pastor nació el Museo del Cuarteto, con una propuesta similar pero basada en la tecnología que permite generar contenido virtual que puede migrar a redes sociales fácilmente, lo que le permite ser “un museo tanto presencial como virtual”.

La estructura prexistente del Buen Pastor tenía algunas limitaciones para la refuncionalización que, finalmente, se usaron “a favor del arte” en especial por la altura ya que, en los estándares internacionales de exhibición de obras de arte la altura mínima es de 4,5 metros, y ésta tiene seis metros. Se realizó una obra reversible -sin ninguna modificación patrimonial ni de la fachada- de piel de durlock mediante la cual se ganaron 30 metros lineales para exposiciones. Los trabajos incluyeron adaptaciones de luces y climatización para estar acorde a las exigencias internacionales.

El esquema de funcionamiento sigue el que tienen otras instituciones en el mundo: los artistas visitan el lugar y proponen proyectos y muestras en función del espacio. “El Buen Pastor es una lugar ideal para generar arte a partir de la estructura”, dice Alonso. El espacio incluye, también, un lugar para exhibir las colecciones de la Provincia.

La exposición de Marcos Acosta inauguró la nueva sala
La exposición de Marcos Acosta inauguró la nueva salaALBERTO SILVA

La apertura es con una exhibición del artista cordobés Marcos Acosta, con quien el equipo del Buen Pastor trabajó en paralelo al inicio de las obras de remodelación, un período de algo más de tres meses. “Afuera el viento, adentro el mundo” es el nombre de la exposición. Acosta subraya que la elección fue porque en su obra “trabaja mucho el paisaje, la ciudad, y nos parecía que se adaptaba a los espacios de la sala y a la nueva concepción”.

Las pinturas están acompañadas por textos de María Paula Zacharías y Tomas Bondone. “La ciudad también es para él un entorno natural. Si pensamos que un hormiguero es naturaleza, ¿por qué no lo sería lo que construimos nosotros?, pregunta el artista. La dualidad entre geometría y organicidad no existe. Las líneas y los planos que introduce Acosta parecen una intromisión, una huella del recorrido de un hombre (o de la mano de un creador). No lo son: no hay diferencia entre lo artificial y lo dado. La dualidad es una ilusión. Somos un fragmento del todo. El arte permite salir del plano físico: celebra una esencia”, dice Zacharías.

¿Democratización de las obras de arte?: una pintura de Renoir se venderá por primera vez dividida en 1125 tokens

Fuente: Ámbito ~ La primera obra maestra que se subastará será el cuadro del famoso artista francés Pierre Auguste Renoir «Retrato doble de Jeanne Baudot», pintado precisamente hace 125 años.

Una obra de Renoir será vendida en forma de una serie limitada de tokens NFT por Third Place NFT. La plataforma de NFT Third Place anunció el lanzamiento de una colección premium de verdaderas obras maestras del arte pictórico mundial «The Greatest Works of Art», que se venderá en una subasta en forma de una serie limitada de tokens NFT.

La primera obra maestra que se subastará será el cuadro del famoso artista francés Pierre Auguste Renoir «Retrato doble de Jeanne Baudot», pintado precisamente hace 125 años. Según la página web del proyecto, la venta global comenzará el 22 de de diciembre. Como parte de la tokenización, el cuadro de Renoir se dividirá en 1125 tokens NFT exclusivos, cuyos titulares recibirán los derechos de uso del cuadro, derechos exclusivos sobre copias digitales de los NFT adquiridos, así como derechos no exclusivos sobre una copia digital completa del cuadro del famoso artista. Acerca de la colección «The Greatest Works of Art» es el primer proyecto especial de Third Place NFT, cuya misión principal es crear la mayor colección de arte clásico.

Como parte de este proyecto, la plataforma planea localizar objetos de arte mundialmente famosos verificando su autenticidad en colaboración con varios museos importantes y con la ayuda de la tecnología de NFT, hacerlos accesibles a todo el mundo.

Gracias a NFT, los derechos de uso de los objetos de arte obtenidos se certificarán en fragmentos únicos y los participantes en la plataforma podrán comprar obras maestras famosas del arte mundial en partes mediante tokens. Así, cualquiera puede poseer los derechos de obras maestras de artistas reconocidos decorando las paredes de los espacios púbicos de arte.

¿Qué son los NFT?

Un NFT, del inglés Non Fungible Token, se define como un token no fungible, ¿qué significa esto? Significa que estos tokens no pueden ser remplazado por otro de igual calidad y características. Un bien fungible, por el contrario, es aquel que puede ser reemplazado por otro de igual calidad y características, como el dinero fiduciario (dólar estadounidense, pesos, etc.) ya que un billete de $100 tiene el mismo valor que otro de $100. Por el contrario, un bien no fungible es aquel que no puede ser reemplazado por otro igual calidad o características, como por ejemplo las obras de arte. Si le ofrecemos al Louvre intercambiar “La Gioconda” por una réplica pintada por alguien anónimo y desconocido, este último no tendrá el mismo valor, ni utilidad. En conclusión, un bien no fungible no puede ser reemplazado por otro, ni puede haber otro igual.

Con los NFT´s sucede lo mismo que con “La Gioconda”. Al ser bienes no fungibles, los NFT´s son únicos y no se pueden generar dos iguales. Esto es posible gracias a la tecnología blockchain, ya que cada NFT es generado y almacenado en uno de los bloques de la red. Si quisieran generarse dos NFT´s idénticos, si bien estos podrían verse iguales, no tendrían el mismo indicador, ya que cada NFT tiene un indicador único dentro de la blockchain, que no puede ser modificado ni replicado.

De Mar del Plata al cosmos: una muestra de arte se mete con la industria del turismo

Fuente: Clarín ~ Quienes vayan a “La Feliz” podrán ver obras que piensan qué tienen que ver los viajes con la emergencia climática, la política y la economía. Gratis.

¿Qué expectativas ponemos en juego cuando intentamos un destino vacacional? ¿Cuál es el motor de la curiosidad humana para aspirar salir de la tierra al espacio? ¿Cómo funcionan los sistemas que nos permiten llegar a concretar un viaje, real o imaginario?

Algo de estas cuestiones se abordan en la muestra Destino. Del balneario al cosmos, que exhibe el MAR (Museo de Arte Contemporáneo de la Provincia de Buenos Aires), una propuesta pensada especialmente para la ciudad de Mar del Plata por BIENALSUR y que se transforma en el Km: 383 de esta edición del gran proyecto iniciado por la UNTREF hace unos años. Y que cuenta con el auspicio de revista Ñ.

Se trata una exhibición colectiva curada por Leandro Martínez Depietri y Florencia Qualina que invita a reflexionar sobre los modos de habitar el territorio concebido como foráneo, imaginar futuros más sustentables y enriquecedores para una importante vía de intercambio cultural y de ampliación del mundo como es el turismo, actualmente condicionado por la pandemia.Del Museo Petorutti. Con obras de Roberto Viola, Miguel Burgoa Videla y Augusto Longo. Foto: Prensa

Del Museo Petorutti. Con obras de Roberto Viola, Miguel Burgoa Videla y Augusto Longo. Foto: Prensa

Al interesante recorrido de artistas extranjeros provenientes de países como Dinamarca, Rusia, Finlandia o Chile, se suman artistas locales que trabajan en la ciudad balnearia más importante del país confrontados con otras visiones de épocas muy distintas a la nuestra, con obras de artistas consagrados y fallecidos como Gyula Kosice, Raquel Forner, Roberto Aizenberg, Aldo Paparella y un grupo de artistas de los 40 y 50, que tomaron la idea del ocio como de lo exótico de otros destinos.

La posibilidad de visitar como turistas ciertas zonas de desastres nucleares como Chernóbil (Rusia 1986) o Fukuyima (Japón 2011) tienen presencia en las fotos de la dupla del finlandés Inka y el sueco Niclas, una ventana que nos acerca un grupo de humanos observando un espacio casi sin atracciones en Watching Humans Watching de 2018.

Por el contrario, la joven artista rusa Mariia Fedorova instala en un pie de atril, una tablet donde se pueden ver algunas imágenes borrosas de Fukuyima, mientras dos altavoces vintage permiten escuchar la voz del guía narrando lo que se puede ver.

Un celular instalado debajo que conecta en tiempo real con una ONG que monitorea la vida silvestre reorganizándose, en una curiosa obra denominada Nightingale singing from Fukuyima radioactive forest (Ruiseñor cantando desde el bosque radiactivo de Fukushima).

Una enorme construcción modulada como un castillo de arena de 9 x 9 metros ocupa la Sala 1: se trata de una obra efímera producida con una mezcla de arena y cemento blanco que el artista dinamarqués Adam Jeppensenconstruyó in situ.   En primer plano, Mariia Fedorova "Nigthingale singing from Fukuyima radioactive forest".  Foto: Prensa

En primer plano, Mariia Fedorova «Nigthingale singing from Fukuyima radioactive forest». Foto: Prensa

The Great Filler es una obra pensada bajo una afirmación que el artista hace sobre el mundo contemporáneo: ‘nada es permanente’.

Mientras el artista chileno Gianfranco Foschino despliega en seis televisores un viaje en tren rápido de Japón en Skinkasen.

Sobre otra pared, se agrupan una serie de miradas de otros tiempos, con obras de Francisco Vechioli con Interior mallorquín, Miguel Burgos Videla con Botánico de Río de Janeiro o Emilio Coutaret con Ráfagas de verano y Marina, todas del acervo del Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti.

Viejos registros familiares de vacaciones editados y algunos relatos de lugares comunes al mundo playero completan la primera sala.

Como parte de esta muestra colectiva, pueden verse viejos registros familiares de vacaciones editados.

En la Sala 2, es posible entrar en una dimensión completamente distinta. Un astronauta conectado a una aspiradora sobrevuela sobre un cielo pintado de negro en la instalación de la dupla Pipisherman In the space, de 2011.

Al costado una construcción que parece parte de una escenografía de ciencia ficción, puede atravesarse y sentir que estamos siendo parte de un film del estilo: se trata de la obra construida en base a planos que mandó el artista alemán Stefan Eichhor, I went on board in a evil hour again the 15th of september (Subí a bordo en una mala hora, otra vez el 15 de septiembre).

Cerca, los argentinos Julieta Tarraubella y Pablo Lozano montan una ficción: un viaje a Marte en News from Mars.La instalación del danés Adam Jeppersen, con “The Great Filler”. Detrás, Inka & Niclas, “Watching Humans Watching”. / Foto: Prensa

La instalación del danés Adam Jeppersen, con “The Great Filler”. Detrás, Inka & Niclas, “Watching Humans Watching”. / Foto: Prensa

El impacto de la carrera espacial de la década del 60 reúne una serie de obras poco vistas de Raquel Forner (1902-1988) del acervo de la Fundación Forner-Bigatti. Son de mediano formato y llevan títulos sugerentes como Terráqueos víctimas o Astronauta en problemas.

Hacen contrapunto con otro gran artista como Gyula Kosice (1924-2016) quien no sólo introdujo líquido en movimiento en sus esculturas, sino que trabajó proyectando su sueño de una ciudad aeroespacial de la que puede verse la bella maqueta proveniente del Museo Kosice.

El mismo extrañamiento de algo desconocido en dos figuras que están hechas de restos: bellas piernas de mujer con un bloque edilicio como tronco y cabeza en la obra de Roberto Aizenberg (1928-1996) y otra de Aldo Paparella (1920-1977), cuya corporalidad está abierta como un precario robot.

Una gran instalación que invita a recorrerla como a un laberinto, montada con paneles traslúcidos de cuatro metros de alto, indica un posible desencanto con el resultado, es la obra de Marcos Calvari, Promenade II.

En el final de recorrida Como es arriba es debajo de Miguel Harte, una de sus obras hechas en moldes de resina cubiertos de pintura industrial brillante junto a una gran pieza del mismo autor que confiere otro sentido a esta colectiva pues se trata de Maternidad un raro espécimen que parece volver la mirada al principio de toda vida. Un amplio paseo por territorios reales y simbólicos que pueden verse hasta marzo de 2022 en el gran museo de Mar del Plata.

Ficha

Título: Destino. Del balneario al cosmos

Lugar: Museo MAR, Av. Félix U. Camet & López de Gomara, Mar del Plata Horario: sábados y domingos de 14 a 19.30 Fecha: hasta el 6 de marzo 2022

Entrada: gratuita

«Muralistas Argentinas», el concurso que impulsa los cambios culturales a través del arte

Fuente: Cronista ~ El certamen de muralismo es el primero en ser gratuito y federal con temática de género.

L’Oréal Argentina junto al Institut français d’Argentina / Embajada de Francia y la Fundación Andreani -con el apoyo de Plavicon y la Comuna 1 del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires- inauguraron por primera vez el mural del concurso «Muralistas Argentinas» y las encargadas de realizarlo fueron Irene Lavisita y Dana Alessi, dos de las cuatro muralistas ganadoras del certamen.

La escala de la pintura convoca sensaciones multiplicadas y potencia mensajes sociales. Lasivita y Alessi, pintaron con maestría y destreza a otras mujeres. Cada una lo realizó con su propio universo», explicó Lionel Paradisi-Coulouma, Director del Instituto Francés de Argentina.

Y remarcó que «el paisaje de Dana Alessi camufla los rostros y cuerpos de las mujeres como una metáfora de la invisibilidad/visibilidad de las mujeres en nuestra sociedad. A su lado, Irene Lasivita nos lleva a un tiempo de antaño, soñado, imaginario en que las mujeres eran los pilares de las sociedades. Ellas, nos traen una historia y una voz al espacio público».

El premio lo recibirán cuatro artistas. Dos de las ganadoras intervendrán la pared de la plaza Mujeres Argentinas en Puerto Madero, que se inaugurará el 2 de diciembre de 2021. Y obtendrán además la suma de $310.000 pesos cada una.

Mientras que la segunda pared a intervenir será en la central de distribución de L’Oréal Argentina, situado en el complejo industrial Norlog de Andreani en Tigre, donde las otras dos artistas ganadoras, Ana Gabillot junto a Javiera Gara, recibirán la suma de $240.000 pesos cada una y descubrirán sus murales el 1° de febrero de 2022.

Lavisita explicó que su propuesta está relacionada con la influencia del pensamiento francés en los primeros movimientos feministas locales, haciendo foco en la figura de Alicia Moreau de Justo, precursora feminista argentina de ascendencia francesa. Por su parte, Alessi aporta una mirada interdisciplinaria gracias a su trabajo con múltiples soportes artísticos tales como el cuerpo, la pintura, el dibujo, el diseño textil, entre otros.

El valor de los importes a pagar surge de la nueva denominación consensuada por la agrupación de artistas que intervienen en los distintos espacios públicos en la ciudad, atendiendo la igualdad de género y remuneraciones equitativas. Por su parte, Plavicon, uno de los auspiciantes del concurso, aporta todos los materiales para la realización de los murales.

Un reconocido jurado a cargo de seleccionar a las artistas finalistas conformado por Brenda Bianquet, Gerenta de Asuntos Corporativos de L Oréal Argentina; Laura Buccellato por Fundación Andreani; Pauline Fondevila, artista visual francesa; Lucie Haguenauer, adjunta para la cooperación artística del Institut français d’Argentine / Embajada de Francia y Laura Spivak, curadora independiente; realizó una preselección de seis artistas sobre más de 220 mujeres inscriptas.

«Nos complace poder hacer visible problemáticas que nos permitan impulsar la equidad de género en el país. Hoy estamos viviendo una revolución global muy positiva, que busca igualdad de oportunidades», comentó Jean Noël Divet, CEO de L’Oréal Argentina.

Y agregó, que, desde L’Oréal están convencidos, «que desde el ámbito privado, debemos participar activamente en esta revolución que, en este momento de la historia, está marcada por la diversidad, la incorporación del universo digital, igualdad de oportunidades y apertura a otros colectivos. Por tal motivo, es un desafío que tomamos y con el que nos comprometemos para seguir generando un impacto social positivo que promueva la igualdad en todos los espacios de la vida.»

El objetivo principal del concurso es impulsar los cambios culturales que construyen una sociedad igualitaria ya que el rol de la mujer y el muralismo en el espacio público sigue estando por debajo del papel de los varones; y plantea un espacio de expresión en el que las artistas mayores de 18 años, tienen la posibilidad de destacar el rol de la mujer y quienes se auto-perciban mujeres dentro del espacio público.

La temática central fue: «La mujer ocupando los espacios públicos», «Nuevos espacios en el género», «Mujer instalada definitivamente en el espacio público», «Francia – Argentina: las luchas feministas en común».

Acerca de Mujeres Argentinas

Se trata de una iniciativa de L’Oréal Argentina junto al Institut français d’Argentine – Embajada de Francia que contribuye a promover la equidad de género y el empoderamiento femenino, buscando inspirar a más mujeres a conectarse con su propia ambición y

perseguir sus sueños, alentadas por el descubrimiento de experiencias de vida e historias verdaderas.

En 2018 se lanzó el programa a través de una muestra fotográfica realizada por el prestigioso estudio «Harcourt» ubicado en la ciudad de París, que retrató a 40 mujeres de nuestro país que se han destacado a lo largo de su vida por su liderazgo y trascendencia profesional.

La muestra fotográfica recorrió museos de distintos puntos del país y también, fue plasmada en un libro de edición limitada.

Bancor entregó las distinciones del 14° Premio de Pintura

Fuente: Gobierno de Córdoba ~ El vicepresidente del Banco de Córdoba, Hugo Escañuela, junto a la presidenta de la Agencia Córdoba Cultura, Nora Bedano, entregaron el 14° Premio de Pintura Bancor en el Museo Tamburini, ante la presencia de artistas, coordinadora, jurados, funcionarios y personalidades de la cultura.

Los ganadores son: 1° Magui Moavro por la obra “Sin Título 63 Serie Bones”; 2° Manuel Cayetano Pavón por la obra “Semillero”; 3° Alejandro Gigli por la obra “Templo”; y en la categoría Muralismo, Carbonillas Proyekt.

Las menciones Arte Bancor Joven Adquisición fueron para Majo Caporaletti por la obra “El origen”; Vicente Girardi Callafa por la obra “El fin del territorio” y Alejandro Stein por la obra “Nelumbo Nucifera”.

Más de 700 artistas del país participaron en este importante premio otorgado todos los años por Bancor de manera ininterrumpida. El jurado estuvo integrado por María José Herrera (Buenos Aires), Marcos Figueroa (Tucumán), Claudia del Río (Santa Fe), Manuel Coll (Córdoba) y TEC Fase (cordobés residente en San Pablo, Brasil). La coordinación general estuvo a cargo de Verónica Molas, con la participación de Guillermo Alonso como veedor de la Agencia Córdoba Cultura.

En esta edición, el concurso incorporó la categoría “muralismo» con la intención de promover el desarrollo del arte urbano y su encuentro con la comunidad de la ciudad. Se presentaron 23 propuestas de artistas individuales y colectivos de Córdoba que expresaban una mirada actual sobre la historia de la ciudad, sus transformaciones territoriales y los vínculos con sus habitantes.

A lo largo de todas las ediciones han participado más de 7500 artistas de todo el país y más de 500 han expuesto sus obras en las salas del Museo Tamburini y museos afines. El patrimonio artístico del museo se enriqueció con un total de 46 obras y un mural.

La muestra del 14° Premio de Pintura estará expuesta en el Museo Tamburini (San Jerónimo 166) hasta el 28 de febrero de 2022, de lunes a viernes de 9.30 a 15, con entrada libre y gratuita. El mural ganador se podrá visitar en Ituzaingó 150.

Ganadores

  • Primer Premio Adquisición de $280.000 a Magui Moavro (San Martín, Buenos Aires) por la obra “Sin Título 63 Serie Bones”.
  • Segundo Premio Adquisición de $170.000 a Manuel Cayetano Pavón (Córdoba Capital) por la obra “Semillero”.
  • Tercer Premio Adquisición de $130.000 a Alejandro Gigli (Lanús, Buenos Aires) por la obra “Templo”.
  • Mención Arte Bancor Joven Adquisición (Sin orden de mérito) de $100.000 a Majo Caporaletti (CABA) por la obra “El origen”.
  • Mención Arte Bancor Joven Adquisición de $100.000 (Sin orden de mérito) a Vicente GirardiCallafa (De Chubut, reside en Córdoba) por la obra “El fin del territorio”.
  • Mención Arte Bancor Joven Adquisición (Sin orden de mérito) de $100.000 a Alejandro Stein (CABA) por la obra “Nelumbo Nucifera”.
  • Premio Muralismo Córdoba de $280.000 a Carbonillas Proyekt (Córdoba): Luciano Giménez, Nicolás Monsú y Nacha Vollenweider.
  • Mención Honorífica a la trayectoria (Sin gratificación económica) a Dino Valentini (Córdoba).
  • Mención Honorífica a la trayectoria (Sin gratificación económica) Luciana Yorlano y Mariano Fernández.

Seleccionados en Categoría Pintura

  1. Mario Agatiello
  2. Loli  Aldazábal
  3. Martín Alegre Sánchez
  4. Luis Altieri
  5. Cristina Bernabeu
  6. Milena Correa
  7. Martín Dipaola
  8. Esteban Damián Díaz
  9. Inés Díaz Saubidet
  10. Matías Factorovich
  11. Mónica Fierro
  12. Fernando García
  13. Rosa Mercedes González
  14. Santiago Gramajo
  15. Lucas Jalowski
  16. Mariano Llaneza
  17. Marina Lobato
  18. DaianaMartinello
  19. Gabo Martínez
  20. Paula M. Otegui
  21. Ángel Pacheco
  22. Jorgelina Parkinson
  23. Lía Porto
  24. Ezequiel Quines
  25. Rubén Eduardo Ramonda
  26. Fernando Rapi
  27. Samanta RchedAbugauch
  28. Ana Clara Rizzi
  29. Belén Robeda
  30. Ignacio Rodríguez
  31. Karina Rodríguez
  32. Elisa Salas
  33. Jorge Sarsale
  34. Beatriz Sola
  35. Silvia Sosa
  36. Juan Federico Suárez
  37. Damián Jorge Tesoriero
  38. Ariel Venegas

Retiro | Llega la primera edición de la Noche de las Galerías de Arte

Fuente: Perfil ~ Se trata de la primera noche temática dedicada al arte que se realiza en el ámbito porteño. A estos espacios también se suman casas de diseño y bares y restós de esa zona de la Ciudad de Buenos Aires.

En el marco de las distintas noches temáticas que se vienen realizando en la ciudad de Buenos Aires, este jueves 9 se llevará a cabo la primera edición de la Noche de las Galerías de Arte. Una movida cultural que tiene por objetivo fomentar el turismo, el empleo, además, claro, del disfrute en la Ciudad.

Noche de las Galerías 20211207

La nueva Noche temática dedicada al arte se llevará a cabo en la zona de Retiro, en la Comuna 1, a partir de las 18 horas y consiste en la posibilidad de recorrereste tipo de espacios culturales en los cuales los visitantes podrán conocer las distintas obras de reconocidos artistas locales. Por otro lado, las casas de diseños ofrecerán descuentos especiales para la compra de láminas y marcos. A la movida cultural también se le suma la posibilidad de recorrer los clásicos bares y restos de la zona cercanos al circuito, que abarca las calles Arroyo, Suipacha, Arenales, y Juncal, en los cuales también habrá descuentos para la ocasión. Uno de los bares será La Florería”, elegido recientemente como el mejor bar de América Latina, como así también renombrados comercios como BASA, , Cafecito, La Cava de Vittorio, Farinelli, ProVinCia, Vicen Pizzas, Josephina Café, American Jets Pizza, Mr. HO y C’est Cool.

Noche de las Galerías 20211207

Según explicaban desde la Vicejefatura de Gobierno, área encargada de desarrollar esta tipo de iniciativas, las galerías de arte ofrecerán sus espacios para que los vecinos disfruten de distintas exhibiciones y promociones de arte. Se destaca la pintura, escultura, fotografía, orfebrería, textiles y dibujos. Pero también se podrán encontrar muestras individuales como colectivas y de diversas temáticas que incluyen entre otras a la moda, actualidad, paisaje, ciudades y vanguardia. “Desde el Gobierno trabajamos con el sector privado para acompañar a los sectores afectados por la pandemia, generando eventos como éste, que fomentan el posicionamiento en el mercado cultural y generan ofertas en el sector turístico y de diseño”, aseguró Veby Martínez, responsable del área de  Proyectos Especiales de Vicejefatura porteña. En el mismo sentido, Lucas Portela, titular de la  Comuna 1, señaló que “los vecinos de Retiro están muy comprometidos con su barrio y nos acercaron distintas ideas para potenciarlo luego de la pandemia; una de ellas es la Noche de las Galerías”.

Espacios adheridos a la Noche de las Galerías Arte:

*Henri’s Gallery: Juncal 774.

*Galería Cecilia Caballero: Suipacha 1151.

*Galería Vermeer: Suipacha 1168.

*Galería Verbo: Arenales 979.

*Galería Lagard: Suipacha 1216.

*Bruggens Gallery: Arroyo 862.

*Galería Pieruzzini: Arroyo 852.

*Espacio Arroyo: Arroyo 834.

*Espacio de Arte Fundación OSDE: Arroyo 807.

*Galería 30 Quarenta: Arroyo 890.

*Galería Ernesto Zanotti: Arroyo 889, local 1.

*Espacio de arte Agustina Alazraki: Arroyo 883.

Casas de Diseño:

*Marcos Cuadros: Arroyo 834.

*Antica Bellini: Arroyo 833.

*Alberto Roldán Antigüedades: Arroyo 877.

*Nhur Carteras: Arenales 921.

Quién es Mónica Heller, la artista que representará a la Argentina en la Bienal de Venecia

Fuente: Cronista ~ Se trata de la exhibición de arte más importante del mundo, realizada cada dos años, y donde cada país postula el proyecto de un artista para competir por un galardón.

La artista Mónica Heller representará a la Argentina en la 59° Bienal de Venecia que comenzará el próximo 23 de abril en la ciudad italiana. Se trata de la exhibición de arte más importante del mundo, realizada cada dos años, y donde cada país postula el proyecto de un artista para competir por un galardón.

Para los artistas se trata del más alto reconocimiento, la posibilidad de dar un salto de calidad en sus carreras y proyectarse a nivel internacional.

El anuncio se hizo ayer mediodía en la sala de prensa de la Cancillería Argentina. El envío a la bienal, así se conoce al artista elegido, esta bajo la órbita de la Dirección de Asuntos Culturales. Ese cargo lo ocupa hace apenas un mes Paula Vázquez, quien reconoció que desde que llegó al Palacio San Martín se ocupó 100% en el tema. PUBLICIDAD

Sucede que apenas el pasado 27 de noviembre cerró la recepción de proyectos y la definición de quién representaría a la Argentina se presentaba como inmediata ante los cinco meses restantes para el inicio de la bienal.

El proyecto de Heller, aún con título a definir, fue elegido entre 40 otras propuestas y contará con la curaduría de Alejo Ponce de León. Según el joven, el universo de la artista puede emparentarse con la tradición del grotesco literario argentino.

El jurado deliberó durante todo el fin de semana en el Museo Nacional de Bellas Artes para escoger quién sería el envío argentino a Venecia.

Vázquez presidió el jurado que estuvo integrado también por: Matilde Marín (Academia Nacional de Bellas Artes), Valeria González (secretaria de Patrimonio del Ministerio de Cultura Nacional), Andrés Duprat (director del Museo Nacional de Bellas Artes), Analía Solomonoff (Museo Provincial de Bellas Artes de Santa Fe), Mariana Tellería (artista, última artista seleccionada para participar en Venecia), Teresa Anchorena (Comisión Nacional de Monumentos), Virginia Agote (secretaria de Cultura de San Juan) y Juan Usandivaras (Agencia Argentina de Inversiones y Comercio Internacional).

Según explicó la funcionaria el jurado tuvo en cuenta para elegir a Heller los siguientes puntos:

  • Aborda problemáticas contemporáneas desde el humor crítico, la fantasía y lo surreal
  • La gran solvencia técnica puesta al servicio de su universo poético que logra dotar a los lenguajes digitales de carnalidad vital.
  • Aprehende el desafiante espacio del pabellón de manera eficaz y funcional a las dinámicas de recorrido de la bienal.
  • La artista expande los límites de su producción generando un perfecto equilibrio entre ambición y factibilidad.

En concreto, la obra de Heller será una videoinstalación de animación 3D. Estará compuesta de 15 módulos que constarán de proyecciones en pantallas de diferentes formatos y tamaños distribuidas en toda la extensión del pabellón. Estarán rodeados por luces de tubo led de color azul que teñirán partes de la sala en composición con las animaciones.

Cada video de animación 3D desplegará una acción de un personaje que puede ser un proceso constructivo o la modificación de su propio cuerpo a través de la interacción de materiales, objetos y sustancias de su entorno.

«El conjunto de la instalación creará una atmosfera fantástica de actividad incesante de transformación y recreación», detalló la funcionaria.

La obra de Heller por el momento no tiene nombre ni un costo determinado. Vázquez precisó que se financiará solo con partidas del presupuesto destinado a Cancillería para el próximo año, pero hasta en tanto no se apruebe en el Congreso no sabrán con cuánto dinero contarán. Descartó la colaboración de privados como ha sucedido en otras ocasiones.

La 59° edición de la Bienal de Venecia comenzará el 23 de abril y se extenderá durante siete meses. Su primera edición fue en 1895 y se mantuvo con algunas modificaciones e interrupciones durante periodos de guerra, aunque siempre preservó el formato de exposición por «pabellones nacionales».

La principal característica de la bienal es que cada país postula a un artista para ocupar el lugar reservado para esa nación. La tradición indica que no se trata de un espacio para propaganda política, sino que se escogen proyectos según criterios artísticos.

En 2010 Argentina recuperó su pabellón propio, 250 m2, en una zona de visibilidad dentro de la inmensa bienal. Durante la última dictadura cívico-militar el país había dejado de pagar su alquiler, debió decir adiós a su lugar preferencial y peregrinar buscando un lugar cada dos años.

Cada edición de la bienal cuenta con la curaduría de un profesional escogido especialmente. En esta oportunidad quedó en manos de la italiana Cecilia Alemani, quien eligió como lema «The Milk of Dreams» en referencia al título del libro escrito por la artista surrealista Leonora Carrington.

«Describe un mundo mágico, donde la vida es constantemente re-imaginada través del prisma de la imaginación, y donde todo el mundo puede cambiar, transformarse y devenir en cosa o en alguien más», asegura la curadora.

Alemani es una vieja conocida del mundo del arte porteño. En 2018 pasó varios días en Buenos Aires interiorizándose sobre el ecosistema de arte local invitada en el marco de Art Basel Cities que se llevó a cabo en la Ciudad de Buenos Aires.

Quién es Mónica Heller, la artista que repesentará a la Argentina en la Bienal de Venecia

Heller nació en 1975 en la zona norte del Conurbano bonaerense, donde aún reside y tiene su taller. En la actualidad esta representada por la galería Piedras.

Según se la describe en el sitio web de su galerista ha participado de la primera edición del Programa de Artistas de la Universidad Torcuato Di Tella (2009), creado por Inés Katzenstein y fue becada por la fundación MMSN para realizar una residencia en Hangar Centro de Creación Contemporánea, Barcelona (2010).

Ha sido premiada por el Salón 50 años Fondo Nacional de las Artes 2009, recibió el Premio Itaú Cultural 2010, el Salón MUNT de arte contemporáneo Tucumán 2017, el Primer Premio Fundación Andreani 2017 y el Premio Estímulo en el 72 Salón Nacional de Rosario entre otros.

En 2019 presentó «De la conciencia satélite al saber satelital». un trabajo comisionado por el Premio Braque, «El Gato Sangrante y el Corazón Barbudo» en PIEDRAS galería y Fundación Proa (Buenos Aires, Argentina) y «OK.012/019» en LISTE – Art Fair Basel y art berlin.

Sus obras fueron expuestas de manera individual y colectiva en Buenos Aires, Rosario, Salta, San Martín de los Andes, Tucumán, Barcelona, Santiago de Chile, Londres, Lyon, San Pablo y Berlín entre otras.

Desde el 2012 realiza junto a Marcelo Galindo la serie de animación «Ciudad Elemental» gracias al apoyo de Plataforma Futuro, Cultura de la Nación que fue presentada en el auditorio del Malba en abril del 2018 y en Mundo Dios, Mar del Plata.

Soy empresario y quiero empezar a coleccionar arte: cómo hago

Fuente: Cronista ~ Diderot.Art organizará una charla enfocada exclusivamente en este sector con la experiencia de dos empresarios coleccionistas.

El sitio Diderot.Art, líder en e-commerce de obras de arte, organizará el próximo 9 de diciembre a las 19 horas una charla abierta dirigida fundamentalmente a ejecutivos y empresarios que quieren iniciarse en el coleccionismo.

Será la cuarta y última charla de un ciclo de coleccionismo que inició este año.

La curadora Laura Batkis entrevistará a los empresarios coleccionistas Juan Cambiaso y Julián Bersano que iniciaron sus colecciones comprando obra para sus empresas.

El encuentro contará también con la participación de Stefy Jaugust, curadora de Diderot.Art.

Por qué las empresas deben coleccionar arte

En su blog Diderot.Art detalló seis razones por las cuales las empresas debería contar con una colección de arte propia.

Entre los motivos enumeró:

  • Habla sobre la marca
  • Genera conversación con los clientes
  • Impacta en el negocio
  • Apoya la cultura
  • Es una inversión a largo plazo
  • En la actualidad es muy accesible

Para más información visitar https://blog.diderot.art/2021/09/23/6-razones-para-comprar-arte-para-tu-empresa/

Llega a Buenos Aires “Imagine Van Gogh”, la primera muestra de arte inmersiva del genial artista holandés

Fuente: La Nación ~ Creada a partir de 200 obras hará escala en febrero, en La Rural, después de exhibirse en las principales capitales del mundo.

Una caminata entre enormes girasoles amarillos. Un paseo por un cielo azul muy estrellado. Una visita al universo peculiar de un gran artista. Todo eso ofrece Imagine Van Gogh, la primera muestra de arte inmersiva creada a partir de obras icónicas del pintor holandés, que llega en febrero a Buenos Aires.

Imagine Van Gogh presenta una tecnología de avanzada, denominada “imagen total”, un concepto original de las exposiciones inmersivas creada en 1977 por el fotógrafo y cineasta francés Albert Plécy y desarrollado por su nieta Annabelle Mauger para esta exhibición itinerante que ya recorrió varias capitales del mundo desde su lanzamiento en La Cathédrale d’Images (Francia) en 2008.

La muestra invita a los espectadores a sumergirse en unas 200 obras de Vincent Van Gogh, en formato de gran tamaño, proyectadas en el piso de la sala, las paredes y en velas móviles monumentales de más de ocho metros de altura. La tecnología “imagen total” aporta una dimensión totalmente nueva al concepto de exposición de arte y revoluciona el encuentro entre artistas, obras de arte y público.

Una visita que conmueve los sentidos
Una visita que conmueve los sentidosLaurence Labat – La Naciòn

Con la inmersión, el estado de conciencia del espectador se transforma: al verse rodeado de un entorno audiovisual se produce una percepción de presencia en un mundo no físico. El arte inmersivo explora las emociones, los mecanismos de la percepción y los estados alterados de conciencia.

El público recorre la exhibición en un espacio a oscuras, donde se imponen las proyecciones gigantescas de las pinturas mientras se escucha una selección de música clásica.

La escenografía, realizada por Julien Baron, incluye la proyección simultánea de unas tres mil imágenes a través de 48 proyectores láser de alta definición que transmiten 30 minutos de señales de video y audio sincronizadas en bucle por un software de avanzada tecnología.

Las imágenes se proyectan en toda la sala y se escucha música clásica
Las imágenes se proyectan en toda la sala y se escucha música clásicaLaurence Labat – La Naciòn

Los 200 cuadros seleccionados para la muestra forman parte de prestigiosas colecciones de museos como el Orsay de París, la Galería Nacional de Arte de Londres, el Museo Van Gogh de Ámsterdam, el Museo de Arte Moderno y el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Una verdadera inmersión en un universo onírico, que sorprenderá a los visitantes en el Pabellón Frers de La Rural.

El Bellas Artes presenta: “Dante x Alonso” y “Premios Trayectoria”

Fuente: Argentina ~ A partir del 4 de diciembre se podrán visitar dos nuevas muestras temporarias: una dedicada a la figura de Dante Alighieri, que reúne más de 40 obras del maestro Carlos Alonso, y otra que presenta las piezas de los ocho artistas ganadores del Premio Nacional a la Trayectoria Artística 2020/21: Anahí Cáceres, Alicia Herrero, Leandro Katz, Alina Neyman, Luis Pazos, Alfredo Prior, Norberto Puzzolo y Dalila Puzzovio.

Dante x Alonso

La primera de las exposiciones, organizada junto con el Instituto Italiano de Cultura de Buenos Aires, fue curada por el director del Bellas Artes, Andrés Duprat, y presenta en la sala 33 del primer piso del Museo dibujos, collages, grabados, acuarelas y tintas que Alonso dedicó a Dante Alighieri (1265-1321), de quien se conmemora el 700.° aniversario del fallecimiento.


La selva oscura – Carlos Alonso, 2004

Provenientes de la colección personal del artista, del Museo Carlos Alonso-Mansión Stoppel de Mendoza y de colecciones particulares, las obras corresponden a dos períodos distantes de su trayectoria: las primeras, de 1968-69, fueron creadas en Italia y son mayormente retratos en pequeño formato, mientras que el segundo conjunto seleccionado está fechado entre 2000 y 2009.


Carlos Alonso en el infierno – Carlos Alonso, 1969

“Estas obras –sintetiza Duprat– conectan dos épocas lejanas y nos demuestran que los horrores siguen replicándose y alimentando las imaginaciones actuales. Al igual que en otros momentos de su producción, Alonso opera sobre un clásico para desplegar su descarnada mirada crítica, dando visibilidad a las múltiples problemáticas e injusticias que ocurren en nuestros días”.


Mito de Sísifo con letras – Carlos Alonso, 2004

Premio Nacional a la Trayectoria Artística

Por otra parte, como ya es habitual desde la implementación en 2018 del Premio Nacional a la Trayectoria Artística, en las salas 37 a 40 del primer piso, podrán verse las piezas de los ganadores de la edición 2020/21 de este certamen, que pasarán a integrar la colección del Bellas Artes.


YIWE-YIWEb – Anahí Cáceres, 2020/21

Con curaduría de la directora artística del Museo, Mariana Marchesi, se exhibirán obras de Anahí Cáceres, Alicia Herrero, Leandro Katz, Alina Neyman, Luis Pazos, Alfredo Prior, Norberto Puzzolo y Dalila Puzzovio, los artistas seleccionados a criterio del jurado conformado por María Florencia Battiti, Tomás Ezequiel Bondone, Carina Cagnolo, María Teresa Constantin, Patricia Viel, Andrés Duprat y la propia Marchesi.


Proyecto para el día que me quieras – Versión I con cámara emplumada – Leandro Katz, 1990

Respecto de la exhibición, la curadora sostiene: “A partir de elecciones estéticas que han moldeado poéticas personales y heterogéneas, las piezas exhibidas proponen un recorrido por la escena artística argentina entre la década de 1960 y la actualidad. Algunas de estas obras desafían el canon o reflexionan sobre los géneros y la práctica artística. Otras trabajan sobre los modos de dar lugar a miradas locales, repiensan la conexión entre el pasado y el presente de la región, o plasman los conflictos sociales y políticos que han marcado al país y a América Latina”.


Transformaciones de masas en vivo – Luis Pazos, 1973

El Premio Nacional a la Trayectoria Artística es una iniciativa que, acompañando el 109.° Salón Nacional de Artes Visuales, busca reconocer el vasto recorrido y la contribución decisiva de los creadores distinguidos a la escena del arte local.


Dalila doble plataforma – Dalila Puzzovio, 1967-1996

Ambas muestras podrán visitarse, con entrada gratuita, desde el sábado 4 de diciembre de 2021 hasta el 27 de febrero de 2022.

El Museo Nacional de Bellas Artes, que depende del Ministerio de Cultura de la Nación, y cuenta con el apoyo de Amigos del Bellas Artes, abre las puertas de miércoles a domingo, de 11 a 19, en Av. del Libertador 1473, Ciudad de Buenos Aires. Para visitarlo, es necesario reservar turno ingresando acá