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Fuente: Perfil ~ En su vasta colección nada está librado al azar. En la composición de todas las obras que pueden verse en exhibición en su casa –y que son una pequeña muestra de su acervo– puede leerse cierta simetría. La única premisa en los objetos que colecciona es que sean ‘arte’. Entre esas obras, “una mezcla que a veces puede resultar un poco desorientadora”, dirá, asoman desde unos candelabros traídos en el mismo barco en el que venía Jerónimo Luis de Cabrera hasta una pintura holandesa del 1600, pintada en una lámina de cobre tan finita como una hoja de papel.

Giacomo Lo Bue tiene 75 años. Nació en Sicilia (Italia) y llegó a nuestro país en 1951, cuando apenas tenía cuatro. Único varón entre tres hermanas mujeres, se instaló en Mendoza con su familia y a los cinco años vendía hilos y agujas en la calle para ayudar económicamente en su casa. “Nunca supe que era pobre, para mí siempre fue natural trabajar”, dirá a lo largo de la charla.

Hasta los 15 años no tuvo noción de lo que era el arte. Pero un hermano de su padre que se dedicaba a la decoración de iglesias en Italia reclamó a su sobrino y en 1963 Giacomo volvió a Milán. Allí se abrió un mundo nuevo bajo sus pies: entró en el universo del arte y su vida cambió para siempre, pasó de la ignorancia extrema a una casa  llena de libros en una de las ciudades más importantes del mundo. Empezó a leer vorazmente y logró recomponer su historia de la mano de su tío a quien reconocerá como a “un genio”.

A finales de 1969 vuelve al país y abre una empresa de pintura y decoración. “Empecé solo y al año siguiente ya tenía empleados a mi cargo. En Mendoza cada cincuenta metros hay una casa pintada por mí; como pintor soy muy bueno”, dice a sabiendas de pecar de vanidoso.

Pero en 1982, Giacomo deja los pinceles. La Guerra de Malvinas le provoca una crisis que lo impulsa a abrir su primera galería de arte como respuesta al absurdo de la guerra. Bajo su atenta mirada, concentrado en pocas exposiciones y con el foco puesto en lo inédito, lo exclusivo y la novedad, Giacomo Lo Bue Galería de Arte se convierte rápidamente en la más importante de Mendoza y lo nombran Joven del Año.

Cuando esa ciudad cuyana empieza a quedarle chica, emprende un viaje a Córdoba. Es el año 1987 y aunque su objetivo final es Buenos Aires (en 1997 comprará la galería de Federico Klemm pero nunca llegará a poseerla), decide abrir una galería en la Docta, que durante 10 años albergará a los artistas más importantes del arte contemporáneo. “Cada galerista se mueve por criterio propio, el mío fue trabajar siempre con artistas de primerísima línea. A mis dos galerías las abrí con muestras de Raquel Forner”, recuerda Lo Bue, quien dentro de su patrimonio tiene una obra de Enrique Larrañaga que fue presentada en la primera Bienal de Venecia.

Lo Bue dice que es un analfabeto porque no continuó sus estudios más allá de la primaria, pero su formación corrió por andariveles paralelos al ámbito académico, consumiendo muestras, aprendiendo de los grandes maestros universales y codeándose con ellos en las galerías del mundo. “Para mí es natural estar cerca del arte. ¿Qué es el arte?, yo no lo sé. De lo que sí estoy seguro es que el hombre sin fe no puede crear nada. No me imagino a Miguel Ángel sin fe. Lo que comúnmente se llama pasión, tiene que llegar y arrasar. Me los imagino a Picasso y Rembrandt en una conversación y de repente en esa mesa de café se está haciendo arte”.

Con el tiempo, Lo Bue se convirtió en un experto y aún hoy lo buscan por asesorías. En su colección se pueden encontrar objetos de lo más disímiles, desde arte precolombino y pinturas griegas neoclásicas hasta objetos hechos en la Mesopotamia. “Todo está conectado. Abrí mis galerías porque tenía algo que decir y acá (dice en referencia al espacio que habita desde 2000) he tratado de exponer lo más noble, sin ningún tipo de especulaciones”, señala.

Dueño de un perfil extremadamente bajo, contagia la pasión con la que Lo Bue relata. Habla de Renato Guttuso, creador de la pintura social; dice que su sueño es no hablar, “muestro a lo que he podido acercarme para que los objetos hablen por mí” y confiesa que el arte que más le interesa es aquel en el que se ve reflejada la vida del artista: “Imagina un pintor perseguido por Hitler que de repente se ve amenazado y emigra escapando mientras matan a su familia; imagina la vida de ese artista, su drama”, enfatiza

Cuando vuelve a Córdoba, en 1997, se sumerge en una crisis profunda, “llamale autodestrucción positiva y consciente” y se concentra en su proyecto en Cerro Colorado donde construye una casa. Lo Bue desaparece durante 13 años, “muchos pensaron que había muerto”, reconoce entre risas.

Pero de a poco va volviendo a la escena y crea una fundación “para difundir cosas que a mi criterio resultan importantes, desde el trabajo de un artesano hasta la realización de una muestra en el Neuropsiquiátrico”, se entusiasma.

Hoy trabaja en el armado de su taller con la intención de poner en pie una marquería moderna. “Necesito una marquería para mí, porque las que hay no entienden lo que yo quiero. Ahora estoy inventando marcos nuevos, contemporáneos”.

En la casa de Giacomo Lo Bue el arte se respira, la historia asoma en forma de pinturas, esculturas, grabados, dibujos y afiches que va desparramando en las mesas o en el piso mientras corre detrás de ideas que le brotan al son de una infinidad de anécdotas. La casa de Lo Bue es una verdadera casa de arte que logra su cometido: es didáctica, informativa, cultural. Y desnuda al hombre que habita en ella.

Su acervo
Entre los artistas que se encuentran dentro de la colección de Giacomo Lo Bue, asoman José Malanca, Fernando Fader, Lino Enea Spilimbergo, Quinquela Martín, Emilio Caraffa y Juan Del Prete. En materia de escultura, hay piezas de Selva Vega, César Carrizo, Curatella Manes, Auguste Rodin y el alemán Karl Hofer. Aparecen también obras de Guillermo Kuitca, Rómulo Macció, Felipe Noé, Fabián Liguori, José Pizarro y Juan Longhini, entre otros; así como también grabados de Facio Hebequer, Antonio Pujía y Lucio Fontana.

“Mi compromiso ha sido mostrar obras que evolucionan”
Giacomo Lo Bue vio crecer a la mayoría de los galeristas actuales y ha seguido el crecimiento de todas las obras argentinas desde la década de 1960.

Crítico de la escena local, Lo Bue señala que él no puede hacer una muestra en la que haya sido testigo de la desintegración del artista. “Si el artista no crece más, dejo de exponerlo. Ese es mi compromiso con la sociedad”.

En este sentido, reconoce que en las casi 70 galerías que trabajan hoy en la escena local, aparecen cada tanto cosas nuevas y que “sólo hay que estar atentos”.

Fuente: Clarín ~ Mientras prepara tres muestras de su colección en Brasil, responde a todas las preguntas: pondera el destino de su acervo y su larga impronta en arteba, resistida por algunas galerías emblemáticas.

Desde este piso alto de una torre de Palermo Chico quizás se consiga la mejor vista de Buenos Aires, en todas direcciones. Una franja del Río de la Plata, la profusa vegetación que avanza entre las avenidas, accesibles por un inmenso ventanal. Pero el paisaje es tanto más cautivante de este lado, en las habitaciones del piso que Alec Oxenford conserva en la ciudad, aunque desde 2020 viva en Río de Janeiro. Pionero de los emprendimientos puntocom de la primera ola de los 90, desde 2008 y por los avatares del universo, según dirá, el fundador de DeRemate.com y OLX, entre otras compañías tecno, reunió la mayor colección de arte contemporáneo argentino, que asciende a 527 piezas. Todo hecho en el siglo XXI. Para eso se asesora con curadores, compra obra a artistas vivos para que sigan creando y las documenta (pronto estará disponible una publicación financiada por él sobre esos artistas).

Ahora está embarcado en una gran exposición en Brasil, en tres capítulos, con 140 obras de unos 85 artistas, según anotó a mano en una libreta flexible, destino de cualquier esbozo de idea. Curada por el argentino Mariano Mayer, “Un lento venir viniendo”, título inspirado en la teoría de la siesta de Macedonio Fernández, llevará un panorama de la escena actual del arte argentino, que tiene la delicadeza de generar interés a partir de temas vinculados a los contextos de exposición. En Río de Janeiro, en San Pablo y en Porto Alegre habrá muestras de la Colección Oxenford, que al cierre de esta edición salen de viaje desde su casa en un country de Pilar, donde comenzó a coleccionar, en una aventura que lo obsesionó al ritmo de una obra por semana.

–¿Cómo te vinculaste con el arte?

–Un poco como los orientales, cada vez creo más que el universo tiene su manera de influirnos. Yo tenía unos 26 años cuando una amiga me invita a una reunión en lo que iba a ser el Malba, todavía no inaugurado. Éramos unas 60 personas y ahí me entero de que pergeñaban la Asociación de Amigos de Malba. Y me invitan a ser el primer presidente.

–¿Ya eras coleccionista?

–No. Siempre me gustó el arte pero nunca me había propuesto seriamente coleccionar. Soy curioso y, por deformación profesional, tengo el hábito de tratar de entender las cosas. En Malba el curador era Marcelo Pacheco y un poco aprendí de él y de Inés Katzenstein –hoy responsable del área de estudios del arte latinoamericano–. Con el tiempo nos hicimos bastante amigos y le pedí ayuda para una casa que yo construía en Pilar. Inés era la persona que yo entendía que más sabía y me dijo: yo te ayudo. Pasó una cosa genial en la primera galería a la que fuimos. No sé cuántas obras vimos; entre un montón, elegí una fucsia de Marina de Caro. Inés me advierte: es tu primera obra, no te apures. A los cuatro días sigo convencido y llamo: me dicen que se vendió. No lo podía creer, estaba enojadísimo. Meses después entro en la galería Ruth Benzacar, todavía en Florida, y la veo apoyada en el piso. Alguien la había comprado pero estaba de vuelta y todavía no la habían colgado. Dos episodios del universo metiendo la cuchara. Mi primera obra, todavía la tengo, está en el cuarto de mi hija. Alex Oxenford junto a obra de Valentina Liernur, en Buenos Aires. Foto: Emmanuel Fernández.

–¿Qué fue lo que te decidió por coleccionar solo siglo XXI?

–Cuando terminamos la casa yo estaba divertido en el proceso de ir a estudios, galerías y muestras, aprendiendo tanto. Se acabaron las paredes pero no quise parar. Fue un proceso orgánico y temprano nos dimos cuenta que lo contemporáneo era lo que más nos gustaba. Ahí empezamos con las definiciones: solamente compraríamos obra de artistas vivos para apoyar la escena. Y además, solo en el mercado primario, a través de las galerías, para que la plata vaya al artista y nunca a otro coleccionista. Aparte, el 90 por ciento de las obras son de este siglo, es lo que pasa hoy. La colección arranca en 2008, con obras del 2001, 2002, lo más contemporáneo que había. Ese fue el quiebre. Advertimos que lo más divertido es lo que está pasando hoy. Es mi vida y no otra vida; además, esto tiene una relación directa con la tecnología, mi actividad profesional. Desde los veintipico he sido CEO y quien tiene que dar respuestas; del arte me gusta que me genera preguntas para las cuales no tengo respuestas. Eso es un equilibrio y te transforma. Vivo muy en el hoy; en la tecnología y el arte contemporáneo. Hay mucha correlación. Y otro punto importante de la colección es que si quiero apoyar la escena, no podemos coleccionar a cinco artistas en profundidad y cada seis meses comprar una obra…. La manera de amplificar el impacto es una aproximación panorámica. Muy abierta. Hoy son 527 obras de 145 artistas, con un promedio de 3,5 obras por artista. De algunos tengo 10 ó 15, y de otros, una nomás.

–¿Y cuántas son las que viajan a Brasil?

–Estas 140 obras que van a Brasil, repartidas en los tres museos, pertenecen a entre 80 y 90 artistas. En general las muestras en un museo son de un creador, a veces un dúo, como Leda Catunda y Alejandra Seeber en el Malba. Y si es una muestra colectiva, son cinco. Por eso 85 artistas es algo muy inusual… Lo lindo de esta panorámica, que por supuesto es imperfecta –porque no hay tiempo ni presupuesto– es que cubre una parte muy representativa de la escena. Eso fue lo que llamó la atención y por lo que nos invitaron a hacer la muestra en Brasil. Allí hay curiosidad sobre América Latina; allí las muestras en los museos vienen de Europa o Estados Unidos, y no hay tanto cruce regional. Y les interesa que tenga todos los lenguajes – esculturas, pinturas, performance, videos, fotos, muy abierta–. Nunca mostré la colección en ningún museo. Les gustó también que esté muy bien documentada. Hay registro de todas las obras, con trabajos escritos, y obras prestadas a museos como el MoMA. La fundación ACT propuso el proyecto a mecenazgo en Brasil y ya está 100% cubierto por espónsors muy premium.

–¿Además de comprar, vendés obra?

–Todavía no vendí ninguna, no hay ningún placer en vender.

–¿Tampoco para hacer lugar y seguir en la renovación perpetua?

–No me pasó, pero es un poco sorprendente. Pero por otro lado pienso en el artista; si lo quiero ayudar, no encaja. Florencia Bohtlingk, “Flora misionera”, 2016. Óleo sobre tela. 240 x 670 cm. Una de las dos obras de la artista que participa de la exposición.

Los días de arteba

–Presidiste arteba entre 2013 y 2019. ¿Cuál dirías que fue tu impronta y cuánto de tu gusto por ciertos galeristas y artistas se impuso? Esto se escuchó por años como queja o incluso denuncia.

–Dejé de ser presidente y salí del directorio en 2020. Creo que la continuidad de arteba es ejemplar y, te diría, es una ong única en este país. Cada presidente que llega agrega un poquito de su estilo. A mí siempre me pareció clave la conexión internacional, llevar el arte argentino al exterior. Nuestro programa de adquisiciones de museos no tiene paralelo en el mundo, ni siquiera en ferias grandes como San Pablo. Esa es una clara impronta mía. Otra fue la revista, que durante seis años documentó la escena. Otro problema del arte argentino es que no hay registro de la escena; era una fiesta que pasaba a oscuras y la revista de arteba hizo visibles los happenings. Ahora, si me preguntan respecto de qué galerías eran elegidas o rechazadas en arteba, eso es un mito. Eso no lo hace el directorio; desde hace 25 años, un comité de galeristas selecciona a las que participarán. Es deliberado que el directorio no se meta en eso, porque de lo contrario, tendrías 365 días de lobby por año. Nunca participé de una reunión que eligiera galerías.

–Recuerdo que en ARCOmadrid 2016, dedicado a Argentina, no fue invitada ninguna galería de provincias. Fue una exclusión que sembró enconos. Hoy arteba busca activamente federalizar e incluye a varias.

–Eso también obedece a un discurso más general en el mundo. Ahora es muy fácil hacer lo que hay que hacer hoy… Hace años arteba viene invirtiendo energía y recursos en desarrollar el coleccionismo en el interior, porque si no tenés coleccionistas, no tenés galerías… No abrís una galería para que nadie te compre. ¿Quién puede no querer que haya más diversidad? Hay que destrabar todos los obstáculos para que todo el arte esté expuesto.

–Hoy además, arteba tiene el desafío concreto de Mapa, la feria del interior.

–Favorezco la libertad de ideas, que cada uno pueda decir lo que piensa. Pero uno tiene que elegir sus causas. Por varios años, con mi asesora, Inés Katzenstein, compramos una obra por semana (exceptuando los meses de verano). Esto influye en el mercado porque tenemos una escena chiquita. Además de nuestras becas de viaje, activamos las interpretación académica. Elegimos 60 obras y a 40 investigadores que escribieron sobre ellas. Es decir, una cantidad significativa de creadores tienen hoy lecturas críticas, que ahora se van a traducir al portugués…

Y de lo que estoy muy orgulloso es de las becas de emergencia, cuando vino la crisis grande de la pandemia y los artistas la pasaron muy mal. Armamos una beca con la que solventamos por un tiempo los gastos más indispensables de 60 artistas. Un jurado de 15 artistas, también pagos, identificó a los otros 60. Fue una linda experiencia de ayudar al sector.
Alejandra Seeber, “Cuidado con la pintura”, 2010. Óleo sobre tela.

–Existe una crónica dificultad en constituir un mercado genuino de arte argentino. Primero, los jugadores fuertes no superan la docena. Intervienen en esto tanto las crisis cíclicas, la cuestión de la moneda, como también el vicio de comprar en negro. ¿Cómo consensuar el valor si el precio no se fija? ¿No es básico?

–Mercado es gente comprando y gente vendiendo. Y compré 527 obras. Coincido con Mariano en que es un mercado más chico y débil que en el resto del mundo, no se compara en volumen con el de Brasil. Y quizá en esto resida su diversidad. Hay grandes galerías, como Gagossian, que ofrecen a los artistas proyectos de sus clientes por 15 ó 20 millones de dólares. Tenés que ser un creador muy disciplinado para seguir nomás con lo tuyo y rechazar esas cantidades por un proyecto ofrecido. Esas son grandes fuerzas que uniforman mucho el arte. Acá eso no existe. El segundo factor –tristísimo– es que nuestros artistas más reconocidos ya no venden a través de galerías locales. Viven acá, crean acá pero si querés comprar obra, tenés que contactar a un galerista del exterior. Una porción representativa de mis obras no las compré acá. Le Parc compré en Madrid, Tomás Saraceno en Berlín, Marcelo Pombo en Los Ángeles, Eduardo Navarro en San Pablo; Diego Bianchi tenés que comprarlo en París, Adrián Villar Rojas en Nueva York o México, y siguen las firmas… Empieza a ser un problema porque nuestro arte ni siquiera se vende en el país, se está desparramando rápidamente.

Cambia, todo cambia

–¿Por qué emigraste a Río? Fue en el momento del éxodo de empresarios, con la pandemia.

–Tengo una relación con Brasil de muchos años. Sin mucho detalle, cuando tenía 11 ó 12 años, era la dictadura, y nos fuimos a vivir a San Pablo. Después, con Deremate.com, mi primera compañía de tecno, en el 99, Brasil era el mercado más importante para nosotros. Del 2005 al 2015, con OLX todo el tiempo tuvimos oficina en San Pablo, después en Río. Me acostumbré mucho a estar ahí… Alberto Goldenstein, “En el Metropolitan Museum I”, 2011. Impresión inkjet sobre papel.

–¿Te fuiste enojado de la Argentina?

–No, me fui triste… Después de OLX abrimos Alpha Capital, una compañía de inversión en empresas tecnológicas. Y no las hay en Argentina del tamaño que busca Alpha. Y además hubo un tema personal: mi pareja es carioca. Nada tuvo que ver el impuesto a la riqueza. Muchos se fueron asustados, los cambios de reglas asustan. Pero nadie que quiera evitar impuestos se va a Brasil porque son altísimos. Pero Brasil es súper estable, siempre igual.

–¿Por qué la tristeza? Hay un anhelo de posteridad en el coleccionar; generosidad, obsesión, supone un horizonte de nación…

–¡Cómo no me va a dar tristeza! Es un país tan lindo. Al recorrer los cafés, es una gloria la sofisticación y profundidad de las conversaciones, muy por arriba de la media de la región y de Europa. Pero como colectivo no pegamos la vuelta. Es una gran decadencia. Esta arquitectura, la alegría de la gente, el compañerismo, el apoyo en la familia y los amigos están. Eso no es natural en el resto del mundo. Pero al final las oportunidades, tristemente, no están.

–¿Dónde identificás, como empresario, el origen de esa decadencia?

–Mirá, no sé, no soy politólogo. Pero veo algo de priorizar los símbolos y las ideologías sobre la realidad. Te caés en un pozo pero como no creés que esto exista, no lo ves… Me rompí una pierna pero no existen los pozos. Hay algo seguro, no funcionamos juntos y eso es malo. La mentira también reina, es un problema grande; hay mentira en los medios, en los discursos, por todas partes. Como les conté, mi empresa Alpha Capital se dedica a mercados latinoamericanos; en los hechos, solo nos servía abrirla en México y Brasil. Les cuento por qué con una cifra. En 1994 el. Merval argentino reunía el 40%, por debajo del Bovespa, el mercado de Brasil, que tenía el 60%; Hoy el Merval representa apenas 1,8 %. Quiere decir que 30 años después, la totalidad de los activos empresarios argentinos valen menos del 2 % de los brasileros. El nivel de destrucción de valor es pavorosa. Y este es apenas un ejemplo de lo real extremo; toda la acumulación de valor se repartió así en la región. Nosotros tardamos un segundo en decidir que nuestra empresa tenía que abrir en Brasil y no acá. Me encantaría haberla hecho en mi país, donde tengo a mi familia y mis hijos. Pero era inviable. Marcelo Pombo. Hoy con galerísta en Los Ángeles

–En el campo del arte, esperamos que sea lo más global posible, y por el otro, se estimula lo argentino. ¿No es contradictorio?

–Buena pregunta. He trabajado siempre con innovación. En mi práctica, veo que se trata de no tener fronteras. Hoy siempre tenés que adelantarte al futuro y esto tiene mucho que ver con el arte. ¿Qué es el arte?, hacer de la nada algo correlacionado. A mí me gusta que mi colección salga a jugar en el mundo pero solo comprando arte argentino. Cada quien colecciona lo que le gusta y le da la gana pero yo prefiero el arte argentino. Yo tengo algunas piezas de otras nacionalidades pero no están en el sistema; en cambio, este es mi metro cuadrado y acá tengo más responsabilidad. Hay que empezar por casa. Además, hay tanto para hacer y es tan especial el arte nuestro. Imposible aburrirse como coleccionista porque hay muchísimo que está pasando siempre…

–¿Y qué es lo que te guía?

–Tengo un asesor japonés, filósofo, Yasuhiko Genku Kimura, un tipo genial; hablábamos de la importancia de lo diverso en las empresas. Él me hacía una apología de la diversidad y me decía: “tenés que darte cuenta de que un clon tuyo no te suma nada. Lo único que te suma es lo diferente, lo igual a vos ya lo tenés. Cuando te diferenciás de tu clon, tenés la posibilidad de sumar”. Si lo mirás en la escena mundial, el arte argentino es muy diferente. No sé por qué será, quizá porque siempre estuvimos lejos de todo o porque el país estuvo aislado o porque la conversación es diferente. Pero se advierte claramente y esa distinción aporta singularidad a la conversación global. Esa es mi visión, por eso siento que hay que empezar por casa.

–¿No es una distorsión esa excepcionalidad?

–En absoluto. Una gran galerista neoyorquina me contaba hace poco que va a las mansiones y ve las mismas obras, cinco o seis artistas colgados por todos lados. Eso no pasa acá. Por el contrario, me apena que mucho de lo mejor nuestro no se conozca bien. Nosotros hemos hecho un programa de becas y viajes internacionales, suspendido por la pandemia pero que estamos retomando; creo muchísimo en aprender de los otros. Me pareció siempre buenísimo llevar arte argentino al mundo; han sido 9 años de becas de estudio y familiarización. Cada año unos 15 artistas viajan por todo el mundo, los elige un jurado internacional y ya van 88 viajeros. Hablamos del mundo en serio, a Estados Unidos pero también a Noruega y China. Este apoyo encaja muy bien con el actual proyecto de Brasil. Me conmoví mirando la lista de artistas y obras que estamos llevando a Río en noviembre, ¡los vamos a impresionar! Y sé de qué hablo porque conozco los museos de Brasil y lo que se hace aquí; lo nuestro no se ve allá, es otra cosa, llamará la atención. Marcelo Alzetta, “Tornado en el desierto”, 2019. 60 x 70 cm.

–Te dedicás a la innovación en tecnología; ¿la emparentás con el arte emergente? ¿Apostás por él?

–Están relacionados. Me gusta experimentar siempre; uno debe estar en la frontera, probando, viendo lo que funciona y lo que no. El arte contemporáneo más joven es muy experimental, es divertido, lindo de ver, cuestionan todo, están jugando… Emociona comprarles.

–¿Te interesa el NFT? Casi fue inventado para un coleccionista con tu perfil.

–Mmm, no… Di dos charlas sobre NFT pero no me engancha, esa es la verdad. Tuve la siguiente experiencia hace un tiempo: por ser argentino y estar en tecnología, me invitaron a un proyecto de la Santa Sede para universalizar el acervo del Vaticano y acercarlo a la gente. Allá fuimos con gente de Microsoft y Google, los sospechosos de siempre. Pasé una semana en el Consejo de Arte y Tecnología del Vaticano. En un momento uno de los responsables del patrimonio me cuenta que algunas veces por año llega un visitante, empieza a mirar los frescos de la Capilla Sixtina y le pasa algo; hace años que ocurre. Entran en éxtasis, se desmayan, tienen un trance. No sabemos qué es, nos explica; incluso hay una teoría cuántica sobre este fenómeno: quizá la energía de Miguel Ángel acumulada en sus horas de trabajo, un misterio… Y ocurre lo mismo con el David de Donatello en la Galería de los Oficios, en Florencia. Nunca vi que le pase algo así a nadie mirando una pantalla. A mí no me conmueve una pantalla de led ni aunque tenga tres metros. Yo me siento a almorzar acá, con las dos obras de Juan José Cambre a mi lado, cambiantes con la luz del exterior a lo largo del día. Y sonrío. Me encanta que todos prueben todo, pero no me engancho con el NFT. A mí el arte me hace sonreír; mirar una pantalla, no.

–Comenzaste tu colección en 2008; habitualmente prestás tus piezas para muestras en todo el mundo. A tus 54 años y con tu primera exposición en Río, ¿cuál imaginás sería un destino posible de tu colección? ¿Tenés en la cabeza el modelo Costantini, hacer un museo? ¿O el de la familia Guerrico, que donó su colección al Bellas Artes?

–Me lo pregunto, imagino… Por el momento, hay un acceso, aunque limitado, a parte de la colección en mi casa de Pilar. Pienso en mis hijos y en cómo fueron entrando en ella. Cuando compré la obra de Le Parc, me creyeron un loco, esa cosa gigante que ocupa de la pared al techo (ahora en ese espacio está la nariz blanquísima de Osías Yanov). Pero ahora que la quitamos para mandarla a Río, están desolados, la extrañan. Que en un futuro las obras como conjunto terminen en un museo me parece algo muy pensable. Sería una linda manera de entender cierto momento muy preciso del arte argentino. Alfredo Londaibere, Sin título, 2003. 46 x 39 cm.

“Un lento venir viniendo”: La obsesión se despliega

Unas 140 obras, entre las más de 500 piezas que posee, serán expuestas en tres espacios de Brasil. Cita de noviembre en Río.

El edificio del Museo de Arte Contemporáneo (MAC) de Niterói, en las afueras de Río, verá venir ese lote inédito de arte argentino. Algo de otro planeta. El despliegue de la Colección Oxenford, en la exposición Un lento venir viniendo, título inspirado en un pasaje de Macedonio Fernández, inaugura el 19 de noviembre su primer capítulo en esta mole diseñada por Oscar Niemeyer; para agosto de 2023 están previstas sendas inauguraciones en el Instituto Ohtake, de San Pablo, y en la Fundación Iberé Camargo, de Porto Alegre.

Un abordaje poético plantea Mariano Mayer, el curador, en la muestra que integrarán 83 artistas. Comprende un arco singular, desde León Ferrari a Diego Bianchi, de Mirtha Dermisache y Liv Schulman, y de Liliana Porter a Jimena Croceri.

Un grupo de artistas, cuyas obras conforman la Colección Oxenford e integran este proyecto, harán intervenciones en los espacios. Entre ellos, Sofia Bohtlingk, Paula Castro, Mariana Ferrari, Sebastián Gordín, Valentina Liernur, Miguel Mitlag, Gastón Pérsico, Cecilia Szalkowicz y Julieta García Vázquez.