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Fuente: Infobae ~ Se llama Casa Libre y su ubicación es un secreto. En los días de confinamiento, más de 40 artistas intervinieron el interior de una propiedad en la Capital Federal, para reencontrarse en las paredes

Ahora que los noticieros ya no abren sus emisiones con las cifras mortales del COVID-19, empiezan a aparecer las historias que se escribieron desde el encierro. Un caserón, oculto en algún rincón de Buenos Aires, se convirtió entonces, queriendo o sin querer, en una bitácora, en una postal enviada desde el confinamiento.

El cadáver exquisito es un juego de palabras creado por el movimiento surrealista en la década de 1920. Alguien escribe algo en un papel y lo dobla, dejando al descubierto sólo la última parte de eso que fue escrito. Pasa la hoja al siguiente jugador que repite y así sucesivamente. Lo que se obtiene es un texto colectivo, del que nadie y al mismo tiempo todos, son los autores.PUBLICIDAD

Dijo uno de esos jugadores surrealistas, el escritor francés André Bretón: “Lo emocionante para nosotros en este tipo de producciones era la certeza de que, para bien o para mal, representaban algo que no era posible por el trabajo de una sola mente”.

Ahora, 100 años más tarde, artistas en Buenos Aires reescriben a su manera el juego, en medio de una pandemia.La primera de las habitaciones de Casa Libre con trabajos de artistas como K2man, Pum Pum y Leti B

El 20 de marzo del 2020 en Argentina comenzó el confinamiento social, preventivo y obligatorio. El primer comunicado habló de 11 días de aislamiento que fueron muchos más. Fue entonces, en medio del encierro y la distancia, que Martín Barca a.k.a.* Fofue, pensó que en la casa que había sido de sus abuelos, el silencio era demasiado grande (*a.k.a.: el término hace referencia a “also known as”, también conocido como, y es utilizado por muchos grafiteros y artistas urbanos para anteceder al pseudónimo por el que son conocidos en las calles).

En los últimos meses artistas urbanos y de otros géneros se turnaron para pintar en las habitaciones de la planta baja de la casa. Comenzaron a hacerlo cuando la calle se cerró y fue paredes adentro donde empezaron a ocurrir las cosas, a transcurrir las vidas de todos.En la habitación central la primera obra de Casa Libre fue de ICE, una casa de techo a dos aguas, en medio de un bosque, de la que emanaban luces rojizas

“Esta es la casa donde vivía mi bisabuela, acá nacieron mi papá y mi tío; y mi hija. Así que es una casa con mucho cariño. Lo que sucedió también es que al quedar la casa vacía, pesaba mucho”, le dice Fofue a Infobae, rodeado de paredes intervenidas por muralistas, grafiteros, aerógrafos y ceramistas. Paredes que guardan al mismo tiempo su infancia y la de distintas generaciones de su familia.

“Me comuniqué con Oveja MPC porque él suele pintar mucho en las calles de Buenos Aires, y al tener la casa vacía, le dije si quería venir a hacer algo algo y su contraoferta fue demoledora”, explica, sobre la charla que hizo de la casa de sus abuelos Casa Libre.Martín Barca a.k.a. Fofue decidió convertir la que había sido la casa de su familia en Casa Libre

Santiago Fallon a.k.a. Oveja MPC es un artista con base de operaciones en el barrio de Coghlan. Pinta desde hace años, tras el anonimato de su alterego, las calles de la Capital Federal y más allá. Sus personajes predilectos, un “jester”, especie de bufón colorado, y sus “cerdos voladores”, deambulan por edificios y bajo puentes, muros y portones. A él llamó Fofue en días del “Quedate en casa”.

“¿Cómo le decís a un artista urbano que se quede en su casa?”, tira sobre la mesa Oveja MPC apenas empieza la charla y con la pregunta, responde de antemano a muchos lugares comunes que podrían indagar sobre los orígenes de Casa Libre. A su espalda, en la pared, su clásico arlequín sostiene una lata gigante de aerosol en la que se lee una leyenda en latín: pingendi cacohetes, según su traducción, “el irrefrenable deseo de hacer algo”.Santiago Fallon a.k.a. Oveja MPC, recibió la propuesta de usar la casa para dar sus talleres de arte urbano y la convirtió en una obra colectiva

Para Oveja Casa Libre nació del que llama un “acto reflejo” a la “herida” que provocó la pandemia: “apareció Fofue ofreciéndome usar en algún momento, a futuro, la casa de sus abuelos para dar mi taller de arte urbano y yo no dudé. Pensé ‘se alinearon los planetas, es el momento, ¿cómo después?, nosotros necesitamos hoy un lugar para hacer cosas’”.

El primero en sumarse al proyecto fue Lucho Gatti a.k.a. ICE, que se convirtió en uno de los pilares del proyecto. En diálogo con Infobae, junto a la pared en la que pintó la primera de las obras de ese texto colectivo que hoy es Casa Libre, asegura: “Casa libre no hubiera existido sin la pandemia”.Lucho Gatti a.k.a. ICE creció en las calles donde hoy está Casa Libre y fue el primero en pintarla

“Las reglas eran más que nada a nivel protocolar por el tema del COVID. Que los artistas vinieran de a uno, no más de dos de los que estábamos organizando, que estuviera todo abierto para que haya ventilación, tratar de que pinten lo más chico posible para que puedan venir más artistas y terminar el trabajo en un día”, enumera ICE los cinco puntos que conformaron las bases del proyecto.

El equipo lo completa Ana Barca, que se sumó en un espacio clave. Si la calle, ese lugar donde el arte se democratiza y es de todos, está cerrada, prohibida ¿dónde ir? La respuesta fue; internet. Ana fue la encargada de las redes, de las transmisiones en vivo, de registrar el proceso y las obras que se iban sumando y reconfigurando, tomando nuevos sentidos cuando se mezclaban y hacían crecer la casa.Casa Libre es hoy una bitácora, una mixtura de géneros y estilos, una postal enviada desde el centro de la pandemia

“En la pandemia el que le gustaba jugar a la pelota me imagino que habrá agarrado el patio de la casa y le habrá pegado 20 mil pelotazos. Nosotros lo que necesitábamos era una cosa así”, intenta explicar Oveja MPC y busca una imagen para bosquejar su metáfora, que no tarda en encontrar: “Hubo mucha gente que quedó varada el primer año de la pandemia, bueno, esto es como si 50 artistas urbanos se hubieran quedado varados en una estación de tren. Casa Libre es el baño de la estación”.

La imagen no es casual. Los baños públicos, de estaciones, de bares y los cafés, son desde siempre un lugar donde el grafiti, las leyendas, la ironía, el arte, la provocación y también la oferta sexual, convivieron -y aún hoy conviven- a fuerza de fibrón y marcadores. Un confesionario, una hoja en blanco, un texto hecho por muchos, compartido, que crece en las diferencias, igual que Casa Libre .Una obra de Ale Chuca, junto a otra de Marian Calle en Casa Libre

La lucha a veces encarnizada por las paredes de la calle, encontró en esa casa oculta un lugar no sólo en el que vivir sino también donde juntarse, en tiempos de distancias sociales. “Tiene ese punto interesante de haber podido unir a grafiteros con artistas urbanos, con gente que no suele pintar a la calle, fileteadores, ceramistas, aerografistas. Tratamos de invitar a gente que queremos, que admiramos y también que les iba a hacer bien venir a pintar”, dice ICE.

Pintar sin contraprestaciones, por la necesidad del contacto con otros aún en ausencia, otro de los rasgos que surcan las paredes de la casa y la hacen diferente. Poniendo la experiencia por encima de un género y de una escena, que cada vez menos se manifiesta sin que haya algo a cambio.K2man junto a El Doc, sus obras le dan marco, en el interior, a la puerta de entrada a la casa

“No es que uno contrataba un artista y le ofrecía algo que le podía redituar económicamente. Cada uno venía acá por lazos de amistad, de solidaridad, por ganas, necesidad de encontrarse con otros, aunque sea en la pared. Y funcionó sólo en ese momento, porque en el momento en que la gente tuvo que empezar a laburar y se fue abriendo todo, se volvió más difícil”, repasa Oveja el pasado y el presente de la casa.

“Cuando vi la primera pintada me sentí mal”, admite Fofue a Infobae, sobre cuando vio en la casa de sus bisabuelos la primera obra solitaria en una de las habitaciones. Una sensación que iría cambiando pintada a pintada. Él puso una sola condición: no tocar la cocina. La mesada, el horno y los azulejos color beige, un recuerdo familiar que se coló en ese cadáver exquisito surrealista que es Casa Libre.Graffiti y muralismo encontraron en Casa Libre un lugar donde convivir. Una armonía entre los géneros que no siempre se da en la calle

“Casa Libre es una oportunidad hermosa en un momento donde es difícil proyectar algo, como lo es una pandemia. Algo que no estábamos acostumbrados a vivir y donde nos teníamos que quedar adentro. Romper un poco ese molde sin romper las reglas. Casa Libre a mí me ayudó a volver a dibujar como cuando era chico y a tratar de llegar a pintar una pared”, describe el dueño de casa.

Mientras lo dice, en la habitación de al lado hay un boceto en la pared, basado en un cuento infantil que le lee por la noche a su hija. Junto al modelo en miniatura pegado con cinta, la misma figura a gran escala en un rincón que aún no termina de pintar, sobre el empapelado floreado, junto a una ventana, de esa casa en la que alguna vez fue chico.La obra en proceso de Fofue, basada en un cuento que él le lee a su hija

No es el único para el que en la casa se juega parte de su historia. ICE creció en esas calles, fue en ese barrio al colegio y en esas paredes empezó a pintar. Sobre el futuro, sobre qué será de ese lugar donde hoy conviven los trabajos de artistas primerizos, con los de los pioneros del arte urbano porteño, no duda; cualquier cosa puede pasar: “Casa Libre es orgánica. En este momento está estática, pero no quiere decir que esté muerta”.ICE junto a su obra y en la parte superior la leyenda «Casa Libre», hoy rodeada por los trabajos de 40 artistas

Por casa libre pasaron 41 artistas que juntos, pero manteniendo las distancias, le hicieron frente a la pandemia y lo dejaron escrito en las paredes: Fofue, Oveja MPC, ICE, Piki Farelli, Tony Fantaloni, Mauro Gauto Swam, Nerf, Lala GG, Lucio Cres, El Keni, Graciela Cid Benitez, Ezequiel Robledo, Fede Minuchin, Dardo Malatesta, Emmanuel Alfonso, Pablo Valentino, Alan J. Mayers, Ale Chuca, Rodrigo Acra, Ran, K2man, Mojo, Leti. B, Sergio González, Cuore Favale, Pum Pum, Cabe, El Doc, Marian Calle, Dame Morales, Mujeres Toro, Lady B, Christian Hernán, Zeta Yeyati, Peck 94, Ana Barca, La Barba, Unidos Crew, Maic Bruera, Lucas Piacentini Rivera y Didi Amata.

Fuente: Infobae ~ El profesor de filosofía en la Universidad del País Vasco analiza la importancia cultural de este color desde la prehistoria hasta las sociedades actuales.

El color rojo está vivo, como un cartucho de dinamita. Las expresiones “los rojos” o “la roja”, por ejemplo, están cargadas de fuertes significados simbólicos e identitarios, como la energía, el instinto o la pureza. Porque el rojo es arrebatante, se posa sobre lo que merece la pena. Esto se debe a que nuestra relación con el color rojo es mucho más íntima y profunda de lo que pensamos. ¿Sabía que, por ejemplo, le debemos parte de nuestra humanidad?

Goethe señaló dos hechos sorprendentes sobre el color rojo: “Es notable la inclinación que por este color sienten los pueblos salvajes. Y cuando dejamos a los niños que por sí mismos jueguen con los colores, no olvidarán jamás el color rojo”.

Goethe dio en el clavo: el color rojo no se olvida. Su carácter primitivo deja en la memoria un registro que nadie olvida jamás.

El rojo es el color de la tierra primigenia, de la tierra oxidada, del ocre y de la arcilla. Ampliamente utilizado en las pinturas del arte rupestre, junto con el negro, el marrón y el amarillo, en muchas culturas es una pintura sagrada que surge espontánea de las entrañas de la propia naturaleza. Por ejemplo, el ocre rojo que, según Goethe, nunca olvidaremos, seguramente ha sido la primera pintura del Homo sapiens.Bisontes en la cueva de Altamira. (Jesús de Fuensanta/Shutterstock)

En la conocida cueva Blombos de Sudáfrica, por ejemplo, se encontró una roca pintada a propósito, la más antigua que conocemos, de hace 75.000 años. Se trata de ocre, un mineral rico en hierro que al oxidarse se torna rojizo. El ocre es, de hecho, el pigmento natural más extendido de la superficie terrestre. Esa pequeña roca pintada en Blombos sugiere que los primeros Homo sapiens ya sabían cómo utilizar el ocre para pintar de manera simbólica y creativa las paredes de sus cuevas y sus instrumentos de caza.

Pero podemos ir más allá en el tiempo. Ahora comenzamos a saber que el uso de pigmentos puede incluso ser bastante anterior. En las cuevas Kabwe de Zambia en África Central se han encontrado diversos utensilios con rastros que parecen pigmentos de hace 500.000 y 300.000 años. Muy anteriores incluso a la llegada del Homo sapiens, de cuando todavía no había humanos pisando la Tierra.

Un pigmento sagrado, una práctica humanizante

El filósofo Ernst Cassirer definió al ser humano como un animal simbólico. Y otro filósofo, Ian Hacking, amplió su mirada, precisando que el origen de la representación simbólica no se limita al lenguaje natural, sino que se encuentra quizá un poco antes, en la expresión gestual y artística deliberada.

Pues bien, el hecho de encontrar pigmentos tan tempranamente indica que nuestros ancestros más lejanos, aunque todavía desprovistos de lenguaje, eran capaces de comportarse simbólicamente, según algunos estándares socialmente construidos. Y si esto fue así, entonces es difícil determinar si nosotros los humanos creamos la pintura roja, o si esta nos creó a nosotros.La pintura encontrada en la cueva de Blombos, considerada el dibujo humano más antiguo. (Henshilwood, C.S. et al./Wikimedia Commons)

Si el uso de pigmentos es anterior al lenguaje, eso sugiere que el arte simbólico es anterior al lenguaje. A partir de ahí, podemos especular que la fabricación de los primeros instrumentos complejos, anteriores incluso que las primeras formulaciones lingüísticas, corrieron en paralelo al arte, es decir, al uso simbólico, creativo y expresivo de los pigmentos.

Quizá, y sin que suene demasiado poético, es posible afirmar que literalmente hemos sido humanizados por el ocre rojo.

Un tinte de gran valor

Más tarde, en las sociedades más complejas, el pigmento rojo ha seguido guardando su privilegiada posición. Durante siglos, los pigmentos rojos más valorados y escasos se han utilizado para hacer trueques, para pagar impuestos o para hacer inversiones a futuro. Sería imposible conocer la cantidad comerciantes, aventureros o soldados que han arriesgado sus vidas para conseguir o transportar los mejores pigmentos rojos, por unas rutas despiadadas de gobernantes corruptos, asaltantes de caminos y piratas de alta mar.

Como Julio César en enero del 49 dirigiéndose a Pompeya, son muchos los que han cruzado el río Rubicón (ruber en latín es rojo), esa línea roja que simboliza lo prohibido y lo peligroso.

La importancia política y económica del pigmento rojo viene de su valor artístico, llamativo e insustituible para el ojo humano. Un rojo de calidad siempre ha sido muy caro. Plinio el Viejo, por ejemplo, cuenta cómo robaban los pintores clásicos el tinte rojo elaborado a partir del mineral cinabrio.En las sociedades más complejas, el pigmento rojo ha seguido guardando su privilegiada posición. (Massimo Virgilio/Unsplash)

Aquellos artistas limpiaban la brocha en agua, constantemente, para luego quedarse con esa agua. Una forma sutil de paga extra. El cinabrio era el hermano imperial del ocre, muy vistoso y mucho más valioso, y se extraía de las minas de mercurio en Almadén (Ciudad Real), un mortífero infierno terrenal.

Con el ocre y el cinabrio competía el carmín. De hecho, durante la época del Imperio romano, los habitantes de la península ibérica pagaban sus impuestos en carmín, un tinte rojo orgánico. La mitad de los impuestos que enviaban a Roma iban en sacos de cochinilla o grana, un pequeño insecto, hembra, del que se extrae el carmín.

Se trata de un hecho curioso que mil años más tarde la situación peninsular se invierta; se pasa de pagar a cobrar en carmín. A partir de 1523 los pueblos aztecas mexicanos empezarán a pagar a los conquistadores españoles la mitad de sus impuestos en cochinilla o grana. A través del océano llegarán a la península miles de sacos de cochinilla, trillones de insectos desecados, de una mayor calidad que la europea.

En esa época renacentista, y hasta el barroco, el tinte rojo era un valor económico seguro, sobre todo por la incipiente artesanía textil. Los uniformes del ejército británico, por ejemplo, se teñían de carmín para camuflar la sangre de las heridas en el campo de batalla.

Y precisamente ese carmín mexicano, de un maravilloso rojo intenso, propició que en la Europa del siglo XVII empezara a popularizarse la cosmética y el maquillaje. Aunque ahora nos parezca repugnante, la preciosa sangre de hueva de insecto embelleció los mofletes de la burguesía durante 200 años. Suena asqueroso, ¿verdad? Por eso, fue uno de los secretos españoles mejor guardados, hasta que un francés, un tal Thierry de Menonville, demostró en 1787 que el carmín era, en realidad, sangre de insecto, como describe la historiadora de la pintura Victoria Finlay. Ahí terminó el negocio cosmético de los españoles y el rococó de los palacios europeos.Dibujo del libro ‘Memoria sobre la naturaleza, cultivo y beneficio de la grana’ (1777), de José Antonio de Alzate y Ramírez.

La guerra del ocre

El pigmento rojo de calidad ha sido una mercancía de un grandísimo valor, generando mercados, industrias e, incluso, alguna guerra. ¿Una guerra por el color rojo?

Finlay explica cómo, durante siglos, los aborígenes de Australia hacían trueque de ocre y drogas. Intercambiaban las rocas de ocre que previamente extraían de remotos lugares secretos y sagrados, por el pirulí, una planta nicotinada. Estos indígenas no consideraban sagrado cualquier tipo de ocre, sino solo ese particular que esconde la tierra, que destaca gracias a su toque de mercurio, que hace que su rojo sea más hemofílico, más brillante, más húmedo y más dinámico.

Ese equilibrio aborigen de trueques, secretos y prácticas anímicas se desmoronó cuando los blancos recién asentados comenzaron la explotación masiva de las minas de ocre, dando paso a la conocida guerra del ocre (1860) y a la masacre del ocre (1863).

En definitiva, hace cientos de miles de años, el ocre nos enseñó a pintar, ayudándonos a llegar al lenguaje simbólico a través de la práctica artística. En un sentido bastante literal, le debemos nuestra humanidad. Pero paradójicamente, el mismo color que nos humanizó hace 300.000 años, en el siglo XIX llevó a los colonos blancos asentados en Australia a su completa deshumanización.

Así ha escrito el rojo vivo la historia de la humanidad. La sangre que corre por sus entrañas.

Fuente: La Nación ~ Una lista que incluye desde una araña de 22 toneladas que custodió la entrada de Fundación Proa hasta el “robo” de la punta del Obelisco

Protagonizaron miles de fotos, incluso antes de que las redes sociales fueran un boom, y su fama corrió de boca en boca hasta marcar récords de público. A continuación, una lista de las diez obras de arte que más dieron que hablar en la última década en la Argentina.

Obelisco en mí, de Julio Le Parc (2019)

El gran homenaje ofrecido en Buenos Aires a Julio Le Parc, que celebró sus 90 años con muestras en el Museo Nacional de Bellas Artes, el Centro Cultural Kirchner y el Teatro Colón, incluyó la intervención lumínica del Obelisco porteño durante la 16ª edición de la Noche de los Museos. Mediante la técnica del mapping, en una producción desarrollada por UXart, cientos de sus obras más emblemáticas se proyectaron sobre el monumento al compás de la música de Astor Piazzola, Osvaldo Pugliese, Aníbal Troilo, Richard Wagner y Ludwig van Beethoven, entre otros. Pionero del arte cinético, radicado en París desde 1958, el artista mendocino se encontraba entre el masivo público reunido en la Avenida 9 de Julio. Miles de personas reaccionaron con ovaciones y aplausos al espectáculo gratuito, titulado Obelisco en mí.Obelisco en mí, Julio Le Parc (2019)

La democracia del símbolo, de Leandro Erlich (2015)

Cuatro años antes, Leandro Erlichhabía provocado el asombro colectivo al simular la desaparición de la punta del Obelisco y su traslado a la explanada del Malba. En la recreación de ese ápice en escala real que instaló sobre la Avenida Figueroa Alcorta fue posible descubrir con entrada libre y gratuita lo que se ve sobre la Avenida 9 de Julio desde el interior del monumento, por primera vez desde su fundación en 1936. Es decir, democratizar su acceso con una intervención que llamó La democracia del símbolo. En 2019, durante su primera muestra antológica en el continente americano alojada en el Malba, el artista volvió a sorprender en la misma explanada con una instalación que parecía desafiar la ley de la gravedad y un cartel que simulaba la oferta de venta del museo. Adentro, su pileta se convirtió en las gran protagonista de todas las fotos.

Torre de Babel, de Marta Minujín (2011)

El Obelisco ya había inspirado obras deMarta Minujín, como la versión recostada que presentó en 1978 en la Bienal de San Pablo –antecedente del Big Ben que creó a distancia este año en Manchester-, o su recreación con pan dulce en La Rural, al año siguiente. También la Avenida 9 de Julio fue escenario de otra obra monumental: el Partenón de libros prohibidos con el que celebró el regreso de la democracia, en 1983. Volvió a ser noticia en 2017, cuando fue reconstruido para la prestigiosa Documenta de Kassel con 55.000 publicaciones de todo el mundo que alguna vez fueron censuradas. En 2011, Minujín usó 30.000 libros para construir una Torre de Babelde 25 metros de altura en la Plaza San Martín. “Simboliza la búsqueda de la unidad”, explicó entonces la artista más popular de la Argentina.Torre de Babel, Marta Minujín (2011)

La Menesunda según Marta Minujín (2015)

Ingresar en la habitación de una pareja recostada en una cama o en el interior de la cabeza de una mujer gigante, donde una maquilladora y una masajista ofrecían sus servicios. Esas eran algunas de las paradas en el laberíntico recorrido por el interior de La Menesunda, instalación participativa que Marta Mínujín realizó junto a Rubén Santantonín en el Instituto Torcuato Di Tella en 1965 y que medio siglo después reprodujo el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. En 2019 volvió a ser recreada en el New Museum de Nueva York, donde se recordó que “Minujín anticipó de manera radical la obsesión contemporánea por los espacios interactivos y la búsqueda de experiencias intensas que definen hoy a las redes sociales”. Entre 2023 y 2024, otra versión se presentará en Múnich, Copenhague y Tate Liverpool.La Menesunda según Marta Minujín (2015)

Eternity, de Maurizio Cattelan (2018)

“Mi sueño favorito siempre fue uno en el que voy a mi propio funeral”, dijoMaurizio Cattelan antes de desembarcar en una plaza porteña con Eternity, un “cementerio temporal para los vivos”, en el marco de la semana de Art Basel Cities: Buenos Aires. Solo la idea fue suya, sin embargo. Cualquiera que tuviera más de 18 años, se considerara “artista” y tuviera domicilio en la Argentina podía participar con propuestas de lápidas para personas reales o ficticias. Los resultados fueron muy dispares, y hubo quienes señalaron que no parecía atinado unir lápidas y humor en un país con decenas de miles de desaparecidos. De todos modos, no fue una de las obras más polémicas del artista italiano que captó la atención global al vender dos bananas en Art Basel, en 2019, por 120.000 dólares cada una. Al año siguiente, una de ellas fue donada a la colección del Guggenheim de Nueva York. “Es una banana. Es arte. Y ahora es problema del Guggenheim”, tituló entonces The New York Times.Art Basel Cities, vale la pena caminarla

La vida es una milonga, de Cai Guo Qiang (2015)

A fines de enero de 2015, mientras el país estaba en shock por la muerte reciente del fiscal Alberto Nisman, más de 200.000 personas se reunieron por la noche en La Boca, sobre la Vuelta de Rocha. Los recibió un espectáculo de tango y fuegos artificiales titulado La vida es una milonga. Una ambiciosa producción de Cai Guo-Qiang, el artista chino que había deslumbrado al mundo con los efectos especiales de los Juegos Olímpicos de Pekín en 2008 y que protagonizaba entonces la muestra Impromptu en Fundación Proa. “Estoy atento a las noticias y al momento triste que pasa el país. No son fuegos de celebración, sino de reflexión, de sentimientos”, dijo entonces a LA NACION, mientras organizaba el show de 80 minutos que comenzó con “La cumparsita”, de Gerardo Matos Rodríguez, y terminó con “Vuelvo al Sur”, de Astor Piazzolla y Fernando “Pino” Solanas.Cai Guo Qiang – La Vida es una Milonga: Tango en fuegos artificiales para Argentina

Los lunares de Yayoi Kusama (2013)

Un día, sobre la Avenida Figueroa Alcorta, varios árboles se cubrieron de lunares. También las puertas del Malba, sus escaleras mecánicas y las paredes, los cuadros y los muebles blancos de una sala montada en la planta baja, que el público podía intervenir con stickers redondos de colores. Esas acciones acompañaron la muestra Obsesión infinita, de la artista japonesaYayoi Kusama. Con gran repercusión en redes sociales, registró 216.000 visitas; hasta el año pasado, cuando fue desplazada por la de Erlich, fue la más convocante del museo. “Los lunares son un camino al infinito -dice en el catálogo Kusama, internada en un psiquiátrico debido a su trastorno obsesivo-compulsivo-. Cuando borramos la naturaleza y nuestros cuerpos con lunares, nos integramos a la unidad de nuestro entorno. Nos volvemos parte de la eternidad y nos borramos en el amor”.

Forever Bicycles, de Ai Weiwei (2017)

Fue otra postal obligada para la foto. Forever Bicycles, obra construida con 1254 bicicletas por el artista chino Ai WeiWei, se montó en la vereda de Fundación Proa en el marco de su muestra Inoculación, en 2017. El título de la monumental instalación de 16 metros de largo por 9 de altura, alude a la marca Forever (Yong Jiu), una empresa cuyas bicicletas se usaron de forma masiva en China durante la infancia de artista, y que en las últimas décadas fueron desplazadas por los autos. “A la manera de un ready-made y en homenaje a la Rueda de bicicleta de Marcel Duchamp, Forever Bicycles se convierte en un punto de encuentro entre el arte chino y el arte occidental –señaló entonces Adriana Rosenberg, presidenta de Fundación Proa-. Un puente entre los siglos XX y XXI; un eslabón que une culturas diferentes y una apropiación del objeto que en su multiplicidad nos propone una nueva mirada, una nueva abstracción, una nueva construcción”.

Maman, de Louise Bourgeois (2011)

Eran otros tiempos. Hace una década llegaba en barco a Buenos Aires, repartida en veinte cajas embaladas en Nueva York, una araña de 22 toneladas, nueve metros de alto y diez de diámetro. Maman, monumental escultura creada en 1999 por la artistaLouis Bourgeois, fue instalada en la explanada de Fundación Proa en el marco de su primera muestra individual en América latina. “Las arañas, que Bourgeois presenta como un homenaje a su madre, que era tejedora, ponen de manifiesto la duplicidad de la naturaleza de la maternidad: la madre es protectora y depredadora al mismo tiempo”, señala la página del Guggenheim de Bilbao, museo que la aloja actualmente y que permite visitarla en forma virtual. Una opción a la que ya nos acostumbró la pandemia.

Las arañas de Saraceno en el Moderno (2018)

También el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires sorprendería años más tarde con otra obra relacionada con arañas. En este caso, vivas. La telaraña más grande construida y exhibida hasta el momento fue realizada en un plazo de seis meses por 7000 arañas traídas desde el norte del país, para la primera gran muestra local de Tomás Saraceno. Cómo atrapar el universo en una telaraña se tituló la exposición de este tucumano radicado en Berlín, uno de los argentinos más célebres en la escena del arte contemporáneo global, que llevó su obsesión con el tema a obras con realidad aumentada exhibidas este año en las Serpentine Galleries de Londres y en el High Line de Nueva York.