ARCOmadrid y el big bang argentino: euforia y el faro del arte

Fuente: Clarín ~ (@artebafundacion) Entrevistas a arteBA, en medio del entusiasmo por la actuación de las galerías argentinas. Opinan Larisa Andreani, presidenta de la Fundación, y Lucrecia Palacios, su directora Ejecutiva.

Aún faltan días para el cierre de la gran feria española de arte, que concluye este domingo por la tarde; no están cerradas todas las compras y algunas se encuentran en mitad de la cocción. Sin embargo, transcurridos tres días de ARCOmadrid, las autoridades de arteBA, que vinieron en petit comité para acompañar la gran movida de galerías porteñas, están muy seguras de todo lo que se ha hecho bien -y las circunstancias que convergieron en esta eclosión, que llenó a los viajeros de euforia-.

Faltan dos días para el balance final, pero entre las constataciones está el hecho de que ha beneficiado sobre todo a las galerías y artistas más jóvenes y menos tradicionales. La paradoja es que no hay en ARCOmadrid un solo cuadro de Marcia Schvartz, de quien la Tate Modern acaba de comprar 6 telas, mientras Liliana Porter está en una galería extranjera.

Tampoco hay obras de Yuyo Noé, Eduardo Stupía, Guillermo Kuitca y otros artistas de generaciones anteriores que marcan el arte argentino de las últimas décadas. Así opinaron Larisa Andreani y Lucrecia Palacios, presidenta de la Fundación arteBA, y Lucrecia Palacios, su directora Ejecutiva.Una imagen de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARCOmadrid, que se celebra en Ifema. / Foto: EFE

Una imagen de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARCOmadrid, que se celebra en Ifema. / Foto: EFE

– ¿Cuál es la interpretación de este sorpresivo estallido del arte argentino, cuando la región dice ‘nosotros seguimos en modo ahorro’ ?   

Lucrecia Palacios: –Parece una sorpresa pero es fruto de una continuidad larguísima. La galería Ruth Benzacar está invitada a la sección … ¡de los 40 años! En Argentina el diálogo con España fue fortísimo en artes visuales siempre.Lucrecia Palacios, directora ejecutiva de ArteBA. / 
Foto: German Garcia Adrasti

Lucrecia Palacios, directora ejecutiva de ArteBA. / Foto: German Garcia Adrasti

–La galería Luisa Strina de Brasil, también. El contexto de crisis primó en toda América Latina, salvo en Argentina, que se hunde con un dólar altísimo.

Larisa Andreani: –La calidad del arte argentino es lo que está mostrando de alguna manera este momento: ese trabajo sostenido que vino haciendo el país junto con España durante tanto tiempo en este momento tiene su eclosión.

L.P.: –Es verdad que es más visible en este contexto de crisis que vivimos todos. Pero lo cierto es que es no es sorpresivo sino que es lo que viene pasando desde hace varios años en España con las galerías argentinas y en ARCO especialmente. Ha sido una institución que nos dio muchísimo lugar. De hecho, en 2017, el envío argentino también fue una bomba. Entonces, todo eso compone una continuidad que, leída como vos señalás, en un momento de crisis, evidencia un trabajo continuo y sistemático de muchas galerías e instituciones que lo vienen construyendo no desde hace diez años sino desde hace tres décadas.

De vinos y libros

–Con un dólar a un valor prohibitivo, que nos excluye del mundo, recuerda en algo la explosión del vino argentino, que encontró a las bodegas preparadísimas para el gran salto en 2003.

L.P.:- Como decía Picasso, la inspiración te tiene que encontrar trabajando.

L. A: –Pero trabajando en un sistema. Instituciones, galerías, artistas, curadores, el Estado, los diferentes actores trabajaron en común. El paralelismo con el vino es muy oportuno en el caso del arte, con cada una de las partes armando un programa y sosteniéndolo en el tiempo. Y esa es la razón de por qué funcionó. Y de alguna manera es la conversación que tuvimos con el embajador en España, Ricardo Alfonsín: cómo generamos estas políticas públicas de apoyo del Estado -cuestiones impositivas, derechos de importación, la recepción de nuestros embajadores en los distintos espacios, nosotros como Fundación arteBA apoyando a las galerías y artistas que apuestan y vienen-.

–Estos factores benéficos solo tienen el antecedente de 2017, cuando ARCOmadrid dedicó la edición a Argentina y nuestro envío fue gigante, con un gasto descomunal para el Estado, hay que decir. 

L.P.:–Desde arteBA pudimos construir, ¡en enero y con una rapidez inaudita en la gestión cultural argentina!, un convenio de voluntades en relación al envío de ARCO y a posicionar el arte argentino y darle mayor visibilidad, con acciones simples pero importantes: desde la recepción en la embajada para honrar a las galerías, hoy viernes a la noche, darles lugar en un evento en ARCO que haga más visible no solo a las galerías sino al colectivo de artistas. Desde arteBA, armamos dos recorridos con coleccionistas por la feria. También desde la cámara de galerías Meridiano, que también surge en un contexto de crisis y es importante que exista, y con Cancillería, que tiene programas de ayuda para venir y que ahora se está involucrando en acciones de apoyo. Larisa Andreani, presidenta de arteBA. / Foto: Gentileza.

Larisa Andreani, presidenta de arteBA. / Foto: Gentileza.

–Según nos dicen los galeristas, el apoyo estatal cubre cerca del 30 % de los costos totales, es significativo. ¿La decisión de darles prioridad en los recursos parte de Cancillería o del Ministerio de Cultura?

L.P. : -De Cancillería, como suele ser el caso en buena parte del mundo. Y hablamos de políticas sostenidas porque lo vienen haciendo desde hace rato (a través del programa Exportar) Hay dos direcciones de Cancillería que trabajan fuerte y ven en ARCO un lugar de visibilización y de entrada del arte argentino al mercado europeo. Se trabaja mucho en hacer más fluida la salida de las obras del país, el transporte y la cooperación entre galerías compartiendo los fletes. Eso abarata los costos.

– ¿Cómo interpretan la ausencia de galerías históricas como Jorge Mara-LaRuche, Palatina y otras? Eso resta la presencia y oportunidades para artistas muy establecidos, que podrían ir directo a adquisiciones de instituciones españolas importantes.

L. P. –Los realmente históricos en Madrid son Jorge Mara-La Ruche y Ruth Benzacar. Y las ausencias se explican en términos individuales, por el momento en el que se encuentra cada galería.

L. A. –Y por la crisis del país, porque es muy difícil para nosotros participar. Antes de la pandemia y años atrás, algunas galerías viajaban a quince ferias al año. Hoy es muy difícil, pagando en dólares y euros los metros cuadrados. Les ha costado a muchos incluso la participación en arteBA. No todas han recompuesto su situación económica. Cada galería ahora piensa muy concienzudamente en cuál de las ferias internacionales les convienen en virtud de la oferta que cada feria y de sus contactos con coleccionistas. Hay que seleccionar mucho dónde se invierte.En ARCOmadrid, Mauricio La Chola Poblete dialoga con la reina Letizia. / Foto: Clarín

En ARCOmadrid, Mauricio La Chola Poblete dialoga con la reina Letizia. / Foto: Clarín

–Se percibe algo “muy nuestro” en el fenómeno, como ocurrió en el vendaval de 2002: nada funcionaba, salvo el arte. Cuando en el país todo tira para abajo, el arte saca pecho, se lanza al acto de arrojo.

L.P.: –Es claro que en la crisis, el arte cobra una relevancia enorme. Por un lado, se vincula con la identidad. Pero por el otro, el arte es el único espacio en el que podés imaginarte un futuro, te permite imaginar ideas. En un momento de crisis, y cuando nadie sabe hacia donde ir, el arte es un faro.

Apareció una nueva Mona Lisa en un depósito de Italia

Fuente: TN ~ Los especialistas en arte no se ponen de acuerdo sobre quién es el verdadero autor de la obra. Mientras tanto se expone en una sala de la Cámara de Diputados de Italia.

Un cuadro idéntico a la Mona Lisa de Leonardo Da Vinci fue encontrado en el depósito de obras de la Cámara de Diputados de Italia. La obra de La Gioconda Torlonia forma parte de una exposición desde hace meses. Mientras tantos varios especialistas en arte debaten sobre si es original o no y si el famoso pintor pasó su pincel en el lienzo.

Un diputado italiano afirma que se trata de “una copia realizada en el taller de Leonardo, quizás incluso con su colaboración directa”. La pintura se puede ver junta a otras del palazzoMontecitorio en la sede de la Cámara baja. El lugar recibe varios visitantes por día que observan la obra. Por la muestra pasan cerca de 200 mil personas al año, incluyendo 60 mil estudiantes.

La pintura data del año 1500 según pudieron determinar los especialistas. Foto: EFE
La pintura data del año 1500 según pudieron determinar los especialistas. Foto: EFE

Desde que la encontraron los expertos no han logrado llegar a un acuerdo sobre la autoría del cuadro. Luego de que la hallaran en el depósito, un legislador pidió realizar un análisis urgente para determinar el origen. Así descubrieron que la pintura data del 1500. Luego de realizar algunas radiografías se llegó a la conclusión que varias de las correcciones que se ven sobre el lienzo son idénticas a la Mona Lisa colgada en el museo del Louvre.

Qué dicen los expertos en arte

El cuadro lleva un sello de cera con la insignia imperial de Napoleón. Por ello, se estima que formó parte de la colección del cardenal Fesch, tío de Bonaparte y muy cercano a la rama francesa de la familia Torlonia. Según Giuseppe Antonio Guattani, una de las personas que participó en la redacción de los documentos con las obras de arte de Torlonia, en un principio de le atribuyó la autoría a Bernardino Luini. Sin embargo, esta teoría ha quedado descartada ya que las pruebas han desaparecido de los inventarios de esa colección.

El cuadro de La Gioconda colgado en el Museo del Louvre. Foto: AFP.
El cuadro de La Gioconda colgado en el Museo del Louvre. Foto: AFP.

Los restauradores Antonio y Maria Forcellino aseguran que los alumnos del maestro utilizaron para este cuadro colores de su paleta para la “Gioconda Torlonia. Además, sugieren que el cuadro presenta borrados incongruentes con una copia; mientras que las veladuras en la carne y el paisaje son de una “transparencia que se hace eco con precisión de la técnica ejecutiva de Leonardo utilizada en la pintura del Louvre”.

Sin embargo, Rossella Vodret, superintendente de bienes culturales de Roma, sugiere que la pintura no es de “muy alta calidad”. Claudio Strinati, que ha dedicado gran parte de su vida a estudiar a Da Vinci asegura que “es una pintura de calidad media que no parece denotar la impronta de una mano excelente como la de Leonardo”.

Londres, centro del mercado del arte en marzo, con récord de obras de Picasso, Bacon, Monet y Magritte

Fuente: Cronista ~ Los trabajos de algunas de las principales figuras del arte contemporáneo se ofrecerán en sendas jornadas el mes que viene, a cargo de las principales casas de subastas.

Con el inicio de marzo arranca Christie’s. Los primeros 20 lotes se encuentran en Shanghai y destacan un Basquiat, un Picasso, un Chagall y curiosamente una linda obra del holandés Kees Van Dongen, que no pensamos sea de interés para los orientales.

Luego sigue el martillo vendiendo en Londres con un atractivo conjunto de obras. Sobresale un tierno desnudo de Lucian Freud, toda una rareza en su descarnada obra. Dicen que la modelo de noble origen fue amante del artista y está presente en otros de sus desnudos. La base es de 15 millones y creemos que se venderá bien por la belleza de la misma.

Lo más cotizado de Francis Bacon son sus trípticos. Realizó cerca de 40 y algunos podemos disfrutarlos en la Royal Academy de Londres en la exposición que se está realizando sobre el «bestial artista». Se ofrece a la venta uno que proviene de la colección del Arquitecto Foster y que esperan vender entre 50 y 75 millones de dólares.

Para los clientes alemanes hay una obra extraordinaria de Franz Marc. Son unos zorros con estimación reservada, pero creemos se venderá en más de 12 millones. Y hay un fabuloso Fernand Léger que trepará a los 8 millones sin duda alguna.

Ahí no termina la venta ya que se ofrecen 22 obras surrealistas con un Picasso de 1929 que rondará los 20 millones. Varios Magritte de variados precios y mi favorito, unos desnudos del genio de Paul Delvaux que rondará en 1,5 millones de dólares. A la mañana siguiente se venderán más de un centenar de lotes con bases inferiores al millón de dólares.

La noche del 2 de marzo es el turno de Sotheby’s con 12 obras de gran calidad. El Magritte más importante que ha salido a la venta, «El imperio de las luces», un paisaje nocturno con casa y árboles, de la misma calidad del que está en la Peggy Guggenheim en Venecia, se habla de 60 millones por él. Hay 5 Monet de variados temas y precios. También un lindo Van Gogh.

Y luego hay como 300 obras en ambas casas de impresionismo y arte moderno en oferta. Curiosamente Sotheby’s, el 28 de febrero, vende la casa más promocionada e importante no sólo de Bel Air donde se ubica en Los Ángeles, sino de todos los Estados Unidos y aspiran lograr 340 millones de dólares con comisiones incluidas.

Francia restituye obras de arte que fueron robadas por los nazis

Fuente: A24 ~ Son 15 pinturas de Klimt y Chagall y otros pintores que eran propiedad de familias judías y fueron robadas por los nazis durante la Segunda Guerra Mundial. La iniciativa del gobierno francés busca recuperar 100 mil obras de arte.

Un total de 15 obras de arte, entre ellas de Gustav Klimt y Marc Chagall, robadas por los nazis a familias judías durante la Segunda Guerra Mundial, que se encuentran en las colecciones públicas de Francia, esperan la aprobación del Senado de ese país para ser restituidas a sus legítimos herederos como acto de reconocimiento simbólico y restitución de las obras.

Hoy, el Senado francés debe aprobar el proyecto de ley sobre la restitución o la devolución de determinados bienes culturales -expoliados entre 1939 y 1945- a los legítimos propietarios de las víctimas de la persecución antisemita, que la Asamblea Nacional (Cámara baja) aprobó por unanimidad el 25 de enero, bajo la atenta mirada de las familias y de sus representantes en el hemiciclo.

«Es un primer paso (…) En las colecciones públicas aún se conservan obras de arte y libros expoliados, que nunca deberían haber estado allí», indicó la ministra de Cultura francesa, Roselyne Bachelot, consignó la agencia de noticias AFP.

En una medida, considerada histórica, es la primera vez después de finalizada la Guerra que «un Gobierno toma medidas para permitir la restitución de obras de colecciones públicas expoliadas durante la Segunda Guerra Mundial o adquiridas de forma problemática durante la Ocupación (del nazismo), debido a la persecución antisemita», aseguró Bachelot.

Por su parte, la senadora Béatrice Gosseli, integrante de la comisión de cultura, educación y comunicación, indicó que la ley tendrá «un importante alcance desde el punto de vista del reconocimiento y de la reparación» del Holocausto, al tiempo que indicó que la usurpación de obras de arte fueron parte «de la política de aniquilación de los judíos de Europa».

En sus declaraciones recordó también que el Régimen de Vichy, colaboracionista del nazismo e instaurado por el mariscal Philippe Pétain en parte de Francia en 1940, colaboró con estos crímenes de persecución antisemita «de manera activa».

Entre las restituciones está «Rosales bajo los árboles» de Gustav Klimt, conservado en el parisino Museo de Orsay y única obra del pintor austríaco existente en las colecciones de Francia, lo que planteó serias discusiones y resistencias sobre su posible devolución.

El cuadro fue adquirido por el Estado francés en 1980 a una galería suiza, pero las investigaciones establecieron que le perteneció a la austríaca Nora Stiasny (1898-1942), quien tuvo que venderlo en Viena en agosto de 1938 a bajo precio para sobrevivir -tras la anexión de Viena por parte de Alemania-, antes de ser deportada y asesinada, informa AFP.

Las otras obras son «Carrefour à Sannois» del pintor francés Maurice Utrillo, robada de la casa del marchante de arte Georges Bernheim por el servicio de saqueo alemán (el Einsatzstab Reichsleiter Rosenberg en 1940).

Otra de las obras es «El padre» de Marc Chagall, que será recibido por los herederos de David Cender -un músico y luthier polaco que se trasladó a Francia en 1958- y se encuentra en el Museo Nacional de Arte Moderno y expuesto en el Museo de Arte e Historia Judía. La historia de cómo la obra llegó a las colecciones nacionales francesas en 1988 en pago de impuesto adeudados por la sucesión del artista, es uno de los ejemplos sobre la complejidad y diversidad de cada uno de los expolios.

El plan de Francia para recuperar las obras robadas por los nazis

Hace dos años, el Ministerio de Cultura francés creó una misión de investigación y restitución de los bienes expoliados entre 1933 y 1945.

El proyecto contempla el retiro de las 15 obras de arte de las colecciones públicas para su devolución, en el plazo de un año, a los legítimos propietarios.

A su vez, se prevé avanzar en una «ley marco» que facilite a futuro las restituciones en Francia, sin necesitar una autorización del poder legislativo caso por caso, como con este proyecto de ley.

Según el ministerio, unas 100.000 obras de arte fueron incautadas en Francia durante la Segunda Guerra Mundial; 60.000 se encontraron en Alemania luego de la guerra y fueron repatriadas, y 45.000 fueron regresadas a sus propietarios entre 1945 y 1950, indicaron AFP y Le Monde.

Unas 2.200 pasaron a estar bajo la custodia de los museos, como obras que podían restituirse con una simple decisión administrativa, sin embargo unas 13.000 fueron vendidas por el Estado a inicios de 1950, por lo que muchas obras expoliadas terminaron en el mercado de arte.

El tema de restitución estuvo silenciado hasta la década de 1990, con la caída de la Unión Soviética y el fin de la Guerra Fría, y la apertura de nuevos archivos. Para 1995, el entonces presidente francés Jacques Chirac había reconocido la responsabilidad de Francia en la deportación de judíos franceses.

El tambor de tiza: contemporánea del monumento Stonehenge, descubren en Inglaterra una escultura de 5000 años

Fuente: Clarín ~ Es el hallazgo de arte prehistórico “más importante” del último siglo en el Reino Unido, dijo el Museo Británico de Londres.

Una escultura de 5.000 años de antigüedad tallada en roca de tiza es el descubrimiento de arte prehistórico «más importante» del último siglo en el Reino Unido, según describió el jueves 9 el British Museum de Londres, que la exhibe por primera vez este mes.

La pieza, en forma de tambor, fue hallada en 2015 durante una «excavación rutinaria» que llevaba a cabo la empresa Allen Archeology en la localidad de Burton Agnes, en el noreste de Inglaterra.

Desde entonces, ha sido sometida a un profundo proceso de investigación y conservación, y se incorporará ahora al museo londinense como «uno de los objetos antiguos más significativos encontrados en las islas británicas».En el centro de visitantes de Stonehenge, cerca de Amesbury, en el sur de Inglaterra, el 19 de enero de 2022, se muestra una recreación de las herramientas que, según los historiadores, utilizaba la gente para vivir. DANIEL LEAL / AFP

En el centro de visitantes de Stonehenge, cerca de Amesbury, en el sur de Inglaterra, el 19 de enero de 2022, se muestra una recreación de las herramientas que, según los historiadores, utilizaba la gente para vivir. DANIEL LEAL / AFP

Del mismo tiempo que Stonehenge

La escultura está decorada con elaborados motivos que «reafirman el estilo artístico británico e irlandés que florecía exactamente al mismo tiempo que se estaba construyendo Stonehenge», indicó el British Museum en un comunicado.

El tambor de tiza se presentará al público precisamente en el marco de la exposición temporal «El mundo de Stonehenge», que arroja luz sobre el monumento megalítico más célebre del Reino Unido.

La pieza se encontró junto a la tumba de tres niños, de diferentes edades, que fueron enterrados juntos. Los dos más jóvenes fueron situados con las manos entrelazadas, mientras que el mayor abrazaba a los otros. La escultura estaba situada justo sobre la cabeza del mayor de ellos, relatan los arqueólogos.

El tambor de Burton Agnes es el objeto decorado más elaborado de ese periodo detectado hasta ahora tanto en Gran Bretaña como en Irlanda.

Cada centímetro del objeto está decorado con motivos similares a los que se encuentran en un amplio rango de objetos prehistóricos, incluidas cerámicas y superficies arquitectónicas, algunas de ellas incorporadas a viviendas y tumbas.

«Este es un descubrimiento verdaderamente relevante, es la pieza de arte prehistórico más importante descubierta en el Reino Unido en los últimos cien años», señaló Neil Wilkin, comisario de la exposición «El mundo de Stonehenge».

«Las emociones que expresa el nuevo tambor son poderosas y atemporales. Trascienden el tiempo de Stonehenge y reflejan un momento de tragedia y desesperación que se mantiene intacto tras 5.000 años», agrega.

La exposición «El mundo de Stonehenge»

Recubierto de una capa de mitos tan antigua como su propio origen, el monumento milenario de Stonehenge se desempolva ahora de tópicos para mostrarse como lo que fue: el punto neurálgico de un mundo cosmopolita, cuyos tentáculos se extendían incluso por la Europa continental.

Lejos de ser una creación sobrehumana, aislada en el tiempo y en el espacio, los círculos de Stonehenge nacieron y crecieron en una era de enorme conectividad, que se prolongó durante 1.500 años en los que la humanidad vivió espectaculares cambios sociales y tecnológicos.Vista del monumento milenario de Stonehenge, cuyas piezas se expondrán en el British Museum de Londres. EFE/Enrique Rubio

Vista del monumento milenario de Stonehenge, cuyas piezas se expondrán en el British Museum de Londres. EFE/Enrique Rubio

Hoy esas piedras siguen fascinando tanto como ya lo hacían en la antigüedad. Todavía guardan innumerables misterios, pero gracias a la ayuda de la ciencia ya se sabe mucho más sobre quiénes lo construyeron, cómo lo hicieron, para qué lo erigieron y cuándo comenzó su declive.

Con la intención de presentar el monumento sin la sombra de los druidas, del mago Merlín, o de tantos clichés esotéricos que se le atribuyen, el British Museum de Londres abre la semana que viene la mayor exposición realizada nunca en el Reino Unido sobre este icono nacional.

En tiempos de Brexit, el museo presenta una muestra que parece nadar a contracorriente: desde hace 5.000 años, cuando llegan las primeras piedras a Stonehenge desde el oeste de Gales, la historia de la isla británica no puede entenderse sin la influencia y el contacto con el continente.

Junto al círculo megalítico más famoso del mundo, en un amanecer radiante que todavía realza más la belleza del conjunto, el comisario de la exposición «El mundo de Stonehenge», Neil Wilkin, explica a Efe que su idea ha sido mostrar el monumento en su contexto para que se puedan entender mejor todos sus puntos de conexión.

«Uno piensa que Stonehenge es un monumento inglés y británico, y cuando empieza mirar, ve que los tentáculos se extienden por toda la isla y a través de Europa», dice el experto del Museo Británico.

Artista argentino presenta en Nueva York una obra para denunciar la crisis ambiental

Fuente: Ámbito ~ Su exposición «Particular Matter(s)» es un homenaje a las arañas y una llamada de atención sobre la crisis medioambiental generada por los «destructivos efectos del capitalismo».

¿Qué se siente al estar en una tela de araña? El artista argentino Tomás Sareceno permite vivir esta experiencia sensorial en una instalación a 12 metros de altura en Manhattan para alertar sobre la crisis medioambiental y la pérdida de biodiversidad que vive el planeta.

Su exposición «Particular Matter(s)», que se abre este viernes al público en el centro de exposiciones The Shed, en Nueva York, es un homenaje a las arañas y una llamada de atención sobre la crisis medioambiental generada por los «destructivos efectos del capitalismo» que está provocando la masiva extinción de arácnidos, insectos y otros invertebrados, con enormes consecuencias para el equilibrio del planeta.

En la instalación «Free the Air: how to hear the universe in a spider/web» (Liberar el aire: cómo escuchar el universo en una tela de araña) lleva al visitante a revivir dicho universo.

Se trata de un gigantesco globo de un blanco cegador integrado por una red de casi 30 metros de diámetro flotando a 12 metros de altura. Desde ella, el público experimenta la fragilidad de una tela de araña para sentir «el concierto de vibraciones derivado del movimiento de partículas a través de aire», que es el medio que utilizan los arácnidos para «enviarse información», según señala la presentación del proyecto.

A medida que se van apagando las luces del globo, que tiene otra una segunda red más abajo para aquellos que quieren contemplar el mundo desde otra perspectiva, las redes se mueven al ritmo de los elementos atmosféricos. El viento, la lluvia o la luz provocan sonidos en las arañas cuando interactúan con las telas que fabrican para atrapar a sus presas.

Eso es precisamente lo que pretende recrear Saraceno, en su último trabajo de una extensa carrera internacional que le ha llevado a exponer en ciudades de medio mundo y en las Bienales de Venecia y Sao Paulo.

La instalación se complementa con «Webs of At-tent(s)ion» (Redes de Atención en un juego de palabras con la ambivalencia), una serie de bellas y delicadas reproducciones de telas de araña que se contemplan en la oscuridad gracias a la proyección de potentes luces directas como si de un universo sideral se tratase.

Tras haber participado en el Programa Internacional de Estudios Espaciales del Ames Research Center de la NASA, el autor recuerda que los científicos han encontrado similitudes entre las telas de araña con las simulaciones por computador realizadas de la red cósmica, la estructura invisible que forman los racimos de galaxias.

La exposición la completan esculturas cósmicas, instalaciones que simulan el Universo y una serie de fotos impresas con tinta negra de carbono fabricada con la contaminación del aire envenenado de Bombay (India).

Saraceno, de 49 años y arquitecto de formación que colabora con comunidades y especies que se han visto impactadas por la acción del hombre, quiere que la «gente interprete por sí misma y que el mensaje sea co-construido a través de los participantes» en esta exposición sensorial, declara a la AFP.

«Particular Matter(s)», que podrá visitarse hasta el 17 de abril, es una invitación a «considerar de manera más cercana el mundo en el que co-habitamos» y descubrir «los ritmos entrelazados de nuestro planeta», señala en la presentación de su nueva exposición.

Gauguin y Picasso, bienvenidos en los museos de Madrid, tras décadas de encuentros, desencuentros y amenazas

Fuente: La Nación ~ El Museo Reina Sofía y el Thyssen-Bornemisza vuelve a exponer dos valiosas pinturas que atravesaron extensos litigios con el Estado español: “Mata Mua” y “Busto de mujer joven” ya cuelgan de sus paredes.

España acaba de recuperar obras de arte de inmenso valor artístico y patrimonial, luego de extensos litigios y negociaciones entre el Estado y las partes implicadas. Por un lado, el Museo Thyssen-Bornemisza vuelve a exponer Mata Mua, de Paul Gauguin; por el otro, desde hoy, en las paredes del Museo Reina Sofía, puede apreciarse Busto de mujer joven, de Pablo Picasso.

Tras dos décadas de encuentros, desencuentros y amenazas con distintos gobiernos, Carmen Cervera logró cerrar un trato. Desde esta semana los visitantes del Museo Thyssen-Bornemisza podrán volver a disfrutar de las piezas que permanecían fuera de España, entre ellas, la célebre Mata Mua [Érase una vez] de Paul Gauguin, un lienzo valuado en US$ 250 millones. También conocida como la baronesa Thyssen, había retirado del museo madrileño el cuadro en 2020 para trasladarlo a Andorra, donde reside.

La baronesa Thyssen frente a "Mata Mua" en el madrileño museo Thyssen-Bornemisza
La baronesa Thyssen frente a «Mata Mua» en el madrileño museo Thyssen-BornemiszaAFP – Archivo

Cervera, quien explicó a las autoridades españolas que tiene problemas de liquidez, argumenta que el cuadro de Gauguin y otras piezas que pertenecen a su colección privada [el nombre de esta colección ahora incorpora su nombre: pasa a denominarse Carmen Thyssen-Bornemisza] significan un gasto que no puede afrontar. El acuerdo de Cervera con el Estado consiste en el pago de 6,5 millones de euros anuales por parte de este último durante 15 años. Así, el cuadro deberá expuesto en las salas del museo ubicado en pleno Neptuno. Cuando culmine este plazo, en caso de que el gobierno español quisiese comprar una obra de arte perteneciente a esta colección, se le descontará el dinero desembolsado en estos tres lustros.

A pocos metros de este museo, en Atocha, también se celebra una novedad. Busto de mujer joven (1906), de Pablo Picasso, permanecía en la oscuridad de un almacén del Reina Sofía desde agosto de 2015. Culmina así un extenso proceso judicial en el que la Junta de Calificación, Valoración y Exportación de Bienes del Patrimonio Histórico Español, dependiente del Ministerio de Cultura y Deporte, luchó por conservar el cuadro el España. El lienzo del artista andaluz ahora puede ser contemplado por los visitantes del Reina Sofía. Este cuadro de 54 x 42 cm además pasa a integrar su colección.

El año 1906 es crucial para la creación de Picasso, quien bebe de París, sus galerías y del arte del Louvre para su obra. Además, en este año viaja también a Gósol, en Lérida, Cataluña, donde se instala por tres meses durante un verano y pinta este lienzo. “Según los expertos, este busto y otros semejantes constituyen un precedente de la emblemática pintura Las señoritas de Aviñón (1907), pieza central del protocubismo y punto de partida del Cubismo”, precisa el Reina Sofía en su comunicado.

La musa de esta obra es Fernande Olivier, pareja por entonces de Picasso. La obra perteneció al coleccionista Paul Guillaume. En 1977 adquiere el cuadro Jaime Botín y en 2012 autoriza a Christie’s Iberica a vender la obra en una subasta en Londres. Dado que no existe una obra de estas características en España el órgano oficial que vela por el patrimonio artístico español decidió que el cuadro era inexportable. Casi de modo cinematográfico, el 31 de julio de 2015, en Córcega, el cuadro fue interceptado por la Guardia Civil y el servicio de aduanas. Desde entonces se libró una batalla entre Botín y el cuadro, declarado propiedad del Estado, aunque su exhibición estuvo prohibida hasta hoy.

Madrid celebra estos nuevos protagonistas que podrán contemplarse en sus museos en un mes festivo, donde además la ciudad recibe visitantes de todo el mundo que asisten a la cita anual más importante del arte del país: la Feria ARCO que comienza el próximo 23 de febrero.

Francia restituye 14 obras de arte de judíos vendidas a la fuerza en la Segunda Guerra Mundial

Fuente: Perfil ~ Por decisión de la Asamblea Nacional con unanimidad de votos a favor del proyecto de ley, ahora se devolverán 14 piezas de arte que fueron robadas u obligadas a vender por los nazis a la población judía en el contexto de la Segunda Guerra Mundial. Van 125 obras devueltas.

Francia aprobó por unanimidad un proyecto de ley para restituir 14 obras de arte de los fondos de museos públicos que en su momento fueron vendidas a la fuerza por sus propietarios judíos debido a la persecución nazi.  Entre las más conocidas se halla la obra de Gustav Klimt, «Rosales bajo los árboles».

Según informó El Mundo, a través del voto de 97 diputados en la sesión de la Asamblea Nacional, Francia logró aprobar el proyecto de ley que restituye 14 obras de arte de fondos los museos públicos vendidas en contexto de persecución de los nazis para con los judíos. Todo comenzó en 2018, cuando Austria informó a Francia sobre documentos que explicaban que el cuadro de Gustav Klimt, «Rosales bajo los árboles», era una obra expoliada en Viena previamente a la Segunda Guerra Mundial. 

Los cuadros que fueron expoliados de Viena

Entonces luego se dio a conocer la historia detrás de la venta forzada de ese cuadro, cuya propietaria, Eleonore Stiasny, fue obligada a vender en agosto de 1938 en Viena para pagar impuestos que los mismos nazis habían colocado para la población judía. Las autoridades de Austria reconocieron en 2001 y 2017 que hubo un expolio a la propietaria, Stiansny, pero durante bastante tiempo hubo dudas sobre cuál era el cuadro del que tuvo que desprenderse.  Finalmente, los especialistas austríacos y franceses determinaron que era el lienzo que pertenecía al Museo de Orsay. 

La ministra francesa de Cultura, Roselyne Bachelot, sostuvo: «Es una decisión evidentemente difícil. Supone sacar de la colección nacional una obra maestra que es la única de Klimt de la que Francia era propietaria. Pero era una decisión necesaria, indispensable. Ochenta y tres años después de la venta forzada de la obra, es la realización de un acto de justicia».

«La reconstitución del recorrido de esta obra hasta su adquisición (en 1980) ha sido especialmente ardua debido a la destrucción de pruebas y a la erosión de la memoria familiar», completó la funcionaria.

Otro caso similar fue el de Georges Bernheim, a cuyos familiares se les devolverá el cuadro Carrefour à Sannois, de Maurice Utrillo, que es propiedad del Ayuntamiento de la ciudad de Sannois desde que lo compró en 2004. 

Estas dos piezas, junto con las demás de la colección, fueron vendidas en el Comisariado de las Cuestiones Judías, un organismo encargado de aplicar la política antisemita nazi por el régimen colaboracionista francés de Vichy, en la Segunda Guerra Mundial.  

Las demás obras de arte, 12 en total, son 11 dibujos de Jean-Louis Forain, Constatin Guys, Henry Monnier y Camille Roqueplan; y una cera de Pierre-Jules Mène procedentes de la colección de Armand Dorville. 

El gobierno francés viene dando respuesta desde el año 2000 a las demandas de herederos de judíos expoliados, por lo que ya se han restituido 125 obras en total

Fuente: RFI 

Los herederos de Pablo Picasso lanzan versiones NFT de una obra inédita en cerámica

Fuente: Ámbito ~ La nieta del artista español, Marina Picasso, y su hijo Florian Picasso se sumarán al mercado del arte digital con el lanzamiento de 1.010 piezas de una de las obras de cerámica de su abuelo.

Con el lanzamiento de 1.010 piezas de arte digital de una de las piezas de cerámica inéditas de Pablo Picasso, la obra de uno de los grandes maestros del arte se incorpora al auge de los tokens no fungibles (NFTS) en marzo.

La nieta del artista español, Marina Picasso, y su hijo Florian Picasso se sumarán al mercado del arte digital con el lanzamiento de 1.010 piezas de una de las obras de cerámica de su abuelo que nunca antes se había visto públicamente y que data de octubre de 1958.

De esta forma, 2022 pareciera ser una continuación del el auge experimentado por el arte digital el año pasado, cuando movieron cerca de 41.000 millones de dólares, unos 36.000 millones de euros en tokens no fungibles.

Los nietos del artista creen que este lanzamiento es una fusión sin precedentes del arte de la vieja escuela y los activos digitales. «Estamos tratando de construir un puente entre el mundo de NFT y el mundo de las bellas artes», comentó el nieto del artista, Florian Picasso.

Los herederos esperan sacar rédito al aprovechar el interés en los NFT, archivos digitales protegidos que han supuesto millones de dólares en transacciones para artistas mucho menos conocidos y generado críticas de quienes los consideran maniobras para enriquecerse con un alto coste medioambiental.

Poco se sabe de la obra porque por el momento los herederos han decidido no mostrarla para incrementar el interés. Se sabe que la pieza de cerámica tiene el tamaño de una ensaladera grande y en la parte que se ha mostrado se aprecian una gruesa línea amarilla, una mancha verde y el número «58» escrito en la base.

«Es una obra que representa un rostro, y es muy expresiva», dijo Marina Picasso y dio algunos detalles más: «Es alegre, feliz. Representa la vida. Es uno de esos objetos que ha formado parte de nuestra vida, nuestras vidas privadas, mi vida con mis hijos».

Sotheby’s celebrará una subasta en marzo que incluirá un NFT único y el cuenco de cerámica. El dinero de la subasta se donará: una parte irá a una organización benéfica que trata de ayudar a contrarrestar una escasez de enfermeras, y otra a una organización no gubernamental que intenta reducir el dióxido de carbono en la atmósfera. Los NFT también incluirán música creada por Florian Picasso, que es DJ.

Guerra ganada: Art Basel conquista París, una capital clave del mundo del arte

Fuente: La Nación ~ La feria suiza obtuvo un contrato de siete años para impulsar otra nueva en el Grand Palais que desplazará a la Fiac, la más importante de Francia.

Con la conquista de París, Suiza ganó otra capital clave para el mundo del arte: Art Basel, la feria más importante del planeta -nacida hace más de medio siglo en Basilea y expandida hacia Miami y Hong Kong– anunció hoy que su empresa matriz, MCH Group, obtuvo un contrato de siete años para impulsar una nueva feria de arte moderno y contemporáneo en el Grand Palais. Desplazará nada menos que a la Feria Internacional de Arte Contemporáneo (Fiac), la más importante de Francia.

Aún sin nombre propio, este proyecto internacional que se inaugurará en octubre buscará tender “puentes con las industrias culturales de Francia, desde la moda y el diseño hasta el cine y la música”. Hasta que se complete la restauración del Grand Palais, en 2024, se alojará en su sede temporaria, el Grand Palais Éphémère, ubicado en el corazón histórico de París.

Obra del artista argentino Tomás Saraceno en el interior del Grand Palais
Obra del artista argentino Tomás Saraceno en el interior del Grand PalaisGentileza Studio Saraceno

Algunos puentes, sin embargo, se quemaron en diciembre. Entonces la Réunion des Musées Nationaux-Grand Palais (RMN-GP), el organismo cultural francés que administra el Grand Palais, abrió un concurso público para cubrir las fechas de Fiac y Paris Photo. Ambos encuentros eran organizados hasta entonces por RX France, parte de un grupo anglo-holandés que continuará a cargo de Paris Photo en noviembre.

En un artículo titulado “Guerra de ferias: el propietario de Art Basel echa a Fiac del Grand Palais de París”, The Art Newspaper reveló que RMN había recibido a fines de noviembre “una muestra espontánea de interés para la organización de una feria de arte contemporáneo y arte fotográfico en las fechas que habitualmente realizan la Fiac y Paris Photo”.

La publicación especializada agregó que Michel Filzi, presidente ejecutivo de RX, escribió en enero una carta a los expositores de Fiac y Paris Photo. En ella aseguró que su empresa no había sido consultada, que la situación tenía “consecuencias muy preocupantes” para las ferias y que se habían iniciado “procedimientos [legales] sumarios”.

La nueva feria se alojará en en el Grand Palais Éphémère, un edificio de 10.000 m² ubicado en el corazón histórico de París, hasta que termine la renovación del Grand Palais
La nueva feria se alojará en en el Grand Palais Éphémère, un edificio de 10.000 m² ubicado en el corazón histórico de París, hasta que termine la renovación del Grand PalaisPilar Velazquez

Su autora, Anna Brady, citó también a Marc Spiegler, director global de Art Basel: la nueva feria “definitivamente no será Art Basel París”, aclaró este último. Según él, la fecha de octubre “era la única que nos funcionaría, ya que tenemos la feria Art Basel en Hong Kong en primavera, Basilea en verano y Miami Beach en invierno [boreales]”.

El sitio Artnet comparó esta movida con un golpe de Estado. “Toma del Palacio: Art Basel ha expulsado a la FIAC de su sede histórica en el Grand Palais en una apuesta audaz por una nueva feria de París”, se titula el artículo de Kate Brown, donde se asegura que RX France calificó la convocatoria abierta el 8 de diciembre como un “intento hostil de desalojo”.

“No hemos descartado a nadie, sino que hemos elegido la candidatura que mejor representaba la ambición de sacar partido de la singularidad de París”, señalaron fuentes del Grand Palais a la agencia AFP. Esta última informó además sobre la preocupación manifestada por las pequeñas galerías de Francia, que tenían asegurado un 30% del espacio de la Fiac.

En el extremo derecho Marc Spiegler, director general de Art Basel, durante la inauguración del programa Art Basel Cities: Buenos Aires
En el extremo derecho Marc Spiegler, director general de Art Basel, durante la inauguración del programa Art Basel Cities: Buenos Aires

Según el comunicado difundido por Art Basel, impulsora del programaArt Basel Cities: Buenos Aires que promovió el arte argentino entre 2017 y 2019, los suizos formarán un equipo local y trabajarán “en estrecha colaboración con la comunidad de galerías de Francia”, además de asegurar su “fuerte representación en el Comité de Selección de la feria”.

“Art Basel tiene la intención de desarrollar una identidad y una marca específica para la feria parisina” que se anunciará en las próximas semanas, agregó, luego de prometer una “estrecha colaboración con los museos de París, instituciones privadas, galerías y otros espacios culturales para crear un programa cultural activo desde de la mañana a la noche, toda la semana y en toda la ciudad”.

“Con su incomparable historia y dinamismo contemporáneo, París se encuentra en una posición única como un epicentro fundamental de la escena cultural internacional -declaró Spiegler-. Nuestro objetivo es aprovechar la posición sin igual de París como metrópolis global para ayudar a crear una semana vibrante, que amplifique aún más la resonancia internacional de la ciudad como capital cultural”.