Fuente: La Nación ~ El edificio de Av. San Juan ganaría más salas de exposición; la relación con el medio ambiente, la proliferación de la violencia, el rescate de los saberes ancestrales y los reclamos de equidad, temas de la agenda de 2022.
El cuarteto de cuerdas La rueda de la luna, integrado por instrumentistas de la Orquesta Sinfónica Nacional, dio la bienvenida en el Museo de Arte Moderno a La noche de los artistas, a la que asistieron anteayer –entre muchos otros– Elian Chali, Washington Cucurto, Marina de Caro, Marcela Cabutti, Jorge Miño, Graciela Hasper, Mónica Giron, Gabriela Golder, Raúl Flores y algunos de los protagonistas deHecho en Buenos Aires, que hicieron una muestra este año.
Mónica Heller, que representará al país en la 59ª edición de la Bienal de Venecia, pasó por el festejo. “Vengo al museo desde que soy muy chica, y luego cuando estudiaba en la Escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón: es un lugar de aprendizaje, de formación y disfrute”, dijo la artista a LA NACION. Luego, fue ovacionada en el auditorio, donde Victoria Noorthoorn, directora de el Moderno, hizo un balance de la gestión durante los dos años de pandemia yGerardo Azcuy,director general de la empresa de construcción de edificios, adelantó un proyecto de ampliación del museo para el próximo año. Se haría en una propiedad municipal de grandes dimensiones, a cien metros de la institución. “Si las autoridades del Gobierno de la Ciudad son generosas, que suponemos que así será, y conseguimos sponsors y presupuesto, el proyecto generará una enorme ampliación para tener nuevas salas de exposiciones”, dijo Azcuy. La firma, que organiza el premio que lleva su nombre, tiene previsto además renovar un espacio de guarda que está abandonado “Es muy importante para descomprimir el espacio del museo”, completó Noorthoorn.
Además, la empresa remodelará el departamento que Alberto Heredia legó al museo. Tras un limbo judicial por cuestiones sucesorias que duró 17 años, la vivienda del gran artista argentino pasará a ser una residencia para profesionales y artistas del interior del país.
Un dato ilustra el trabajo realizado durante la pandemia: las actividades online en 2020 involucraron 8 millones de personas (contabilizan las descargas de material pedagógico, catálogos online, participación en Zoom y visualizaciones de videos en el canal de YouTube); y en 2021, a 6 millones de personas. “En 2022 el museo tendrá una nueva dinámica de exposiciones, se reconfigurarán las salas y la colección va a dispersarse por todo el museo”, adelantó Noorthoorn. Entre las temáticas que abordarán las exhibiciones, figuran la relación con el medio ambiente; la proliferación de la violencia; el rescate y puesta en valor de los saberes ancestrales; el reclamo por la equidad y el impacto del cuerpo en los discursos del arte, entre otros temas.
Anticipo de la temporada 2022
La artista colombiana Delcy Morelos hará una importante instalación sobre la madre Tierra en el subsuelo del museo.Habrá una muestra sobre femicidio de Ana Gallardo y Nicanor Araóz, en diálogo con obras de la colección. Tendrán muestras individuales Mónica Girón y Florencia Rodríguez Giles. Habrá proyectos especiales de Florencia Bohtlingk y Juan Gugger. Con eje en la pregunta sobre cómo el cuerpo atraviesa los lenguajes artísticos, Cristina Schiavi realizará un proyecto especial.
Hasta el 24 de diciembre funcionará LaOnion en la tienda del Museo Moderno, donde se venden remeras, bolsas, buzos, esculturas y alhajas diseñados por Desiree de Rider, Alfredo Dufour, Valeria Vilar, Marcela Cabutti, Débora Staiff, Andrea Fasani, y Belleza y Felicidad Fiorito (organizado por Fernanda Laguna y Larisa Zmud), entre otros.
La noche de los artistas terminó con música en vivo, DJ, tragos y comida con festiva presentación floral realizada por la empresa social Hecho en Buenos Aires. Se vienen más muestras para festejar en el Moderno.
Fuente: Perfil ~ Se trata de la primera noche temática dedicada al arte que se realiza en el ámbito porteño. A estos espacios también se suman casas de diseño y bares y restós de esa zona de la Ciudad de Buenos Aires.
En el marco de las distintas noches temáticas que se vienen realizando en la ciudad de Buenos Aires, este jueves 9 se llevará a cabo la primera edición de la Noche de las Galerías de Arte. Una movida cultural que tiene por objetivo fomentar el turismo, el empleo, además, claro, del disfrute en la Ciudad.
La nueva Noche temática dedicada al arte se llevará a cabo en la zona de Retiro, en la Comuna 1, a partir de las 18 horas y consiste en la posibilidad de recorrereste tipo de espacios culturales en los cuales los visitantes podrán conocer las distintas obras de reconocidos artistas locales. Por otro lado, las casas de diseños ofrecerán descuentos especiales para la compra de láminas y marcos. A la movida cultural también se le suma la posibilidad de recorrer los clásicos bares y restos de la zona cercanos al circuito, que abarca las calles Arroyo, Suipacha, Arenales, y Juncal, en los cuales también habrá descuentos para la ocasión. Uno de los bares será “La Florería”, elegido recientemente como el mejor bar de América Latina, como así también renombrados comercios como BASA, , Cafecito, La Cava de Vittorio, Farinelli, ProVinCia, Vicen Pizzas, Josephina Café, American Jets Pizza, Mr. HO y C’est Cool.
Según explicaban desde la Vicejefatura de Gobierno, área encargada de desarrollar esta tipo de iniciativas, las galerías de arte ofrecerán sus espacios para que los vecinos disfruten de distintas exhibiciones y promociones de arte. Se destaca la pintura, escultura, fotografía, orfebrería, textiles y dibujos. Pero también se podrán encontrar muestras individuales como colectivas y de diversas temáticas que incluyen entre otras a la moda, actualidad, paisaje, ciudades y vanguardia. “Desde el Gobierno trabajamos con el sector privado para acompañar a los sectores afectados por la pandemia, generando eventos como éste, que fomentan el posicionamiento en el mercado cultural y generan ofertas en el sector turístico y de diseño”, aseguró Veby Martínez, responsable del área de Proyectos Especiales de Vicejefatura porteña. En el mismo sentido, Lucas Portela, titular de la Comuna 1, señaló que “los vecinos de Retiro están muy comprometidos con su barrio y nos acercaron distintas ideas para potenciarlo luego de la pandemia; una de ellas es la Noche de las Galerías”.
Espacios adheridos a la Noche de las Galerías Arte:
Fuente: Cronista ~ Se trata de la exhibición de arte más importante del mundo, realizada cada dos años, y donde cada país postula el proyecto de un artista para competir por un galardón.
La artista Mónica Heller representará a la Argentina en la 59° Bienal de Venecia que comenzará el próximo 23 de abril en la ciudad italiana. Se trata de la exhibición de arte más importante del mundo, realizada cada dos años, y donde cada país postula el proyecto de un artista para competir por un galardón.
Para los artistas se trata del más alto reconocimiento, la posibilidad de dar un salto de calidad en sus carreras y proyectarse a nivel internacional.
El anuncio se hizo ayer mediodía en la sala de prensa de la Cancillería Argentina. El envío a la bienal, así se conoce al artista elegido, esta bajo la órbita de la Dirección de Asuntos Culturales. Ese cargo lo ocupa hace apenas un mes Paula Vázquez, quien reconoció que desde que llegó al Palacio San Martín se ocupó 100% en el tema. PUBLICIDAD
Sucede que apenas el pasado 27 de noviembre cerró la recepción de proyectos y la definición de quién representaría a la Argentina se presentaba como inmediata ante los cinco meses restantes para el inicio de la bienal.
El proyecto de Heller, aún con título a definir, fue elegido entre 40 otras propuestas y contará con la curaduría de Alejo Ponce de León. Según el joven, el universo de la artista puede emparentarse con la tradición del grotesco literario argentino.
El jurado deliberó durante todo el fin de semana en el Museo Nacional de Bellas Artes para escoger quién sería el envío argentino a Venecia.
Vázquez presidió el jurado que estuvo integrado también por: Matilde Marín (Academia Nacional de Bellas Artes), Valeria González (secretaria de Patrimonio del Ministerio de Cultura Nacional), Andrés Duprat (director del Museo Nacional de Bellas Artes), Analía Solomonoff (Museo Provincial de Bellas Artes de Santa Fe), Mariana Tellería (artista, última artista seleccionada para participar en Venecia), Teresa Anchorena (Comisión Nacional de Monumentos), Virginia Agote (secretaria de Cultura de San Juan) y Juan Usandivaras (Agencia Argentina de Inversiones y Comercio Internacional).
Según explicó la funcionaria el jurado tuvo en cuenta para elegir a Heller los siguientes puntos:
Aborda problemáticas contemporáneas desde el humor crítico, la fantasía y lo surreal
La gran solvencia técnica puesta al servicio de su universo poético que logra dotar a los lenguajes digitales de carnalidad vital.
Aprehende el desafiante espacio del pabellón de manera eficaz y funcional a las dinámicas de recorrido de la bienal.
La artista expande los límites de su producción generando un perfecto equilibrio entre ambición y factibilidad.
En concreto, la obra de Heller será una videoinstalación de animación 3D. Estará compuesta de 15 módulos que constarán de proyecciones en pantallas de diferentes formatos y tamaños distribuidas en toda la extensión del pabellón. Estarán rodeados por luces de tubo led de color azul que teñirán partes de la sala en composición con las animaciones.
Cada video de animación 3D desplegará una acción de un personaje que puede ser un proceso constructivo o la modificación de su propio cuerpo a través de la interacción de materiales, objetos y sustancias de su entorno.
«El conjunto de la instalación creará una atmosfera fantástica de actividad incesante de transformación y recreación», detalló la funcionaria.
La obra de Heller por el momento no tiene nombre ni un costo determinado. Vázquez precisó que se financiará solo con partidas del presupuesto destinado a Cancillería para el próximo año, pero hasta en tanto no se apruebe en el Congreso no sabrán con cuánto dinero contarán. Descartó la colaboración de privados como ha sucedido en otras ocasiones.
La 59° edición de la Bienal de Venecia comenzará el 23 de abril y se extenderá durante siete meses. Su primera edición fue en 1895 y se mantuvo con algunas modificaciones e interrupciones durante periodos de guerra, aunque siempre preservó el formato de exposición por «pabellones nacionales».
La principal característica de la bienal es que cada país postula a un artista para ocupar el lugar reservado para esa nación. La tradición indica que no se trata de un espacio para propaganda política, sino que se escogen proyectos según criterios artísticos.
En 2010 Argentina recuperó su pabellón propio, 250 m2, en una zona de visibilidad dentro de la inmensa bienal. Durante la última dictadura cívico-militar el país había dejado de pagar su alquiler, debió decir adiós a su lugar preferencial y peregrinar buscando un lugar cada dos años.
Cada edición de la bienal cuenta con la curaduría de un profesional escogido especialmente. En esta oportunidad quedó en manos de la italiana Cecilia Alemani, quien eligió como lema «The Milk of Dreams» en referencia al título del libro escrito por la artista surrealista Leonora Carrington.
«Describe un mundo mágico, donde la vida es constantemente re-imaginada través del prisma de la imaginación, y donde todo el mundo puede cambiar, transformarse y devenir en cosa o en alguien más», asegura la curadora.
Alemani es una vieja conocida del mundo del arte porteño. En 2018 pasó varios días en Buenos Aires interiorizándose sobre el ecosistema de arte local invitada en el marco de Art Basel Cities que se llevó a cabo en la Ciudad de Buenos Aires.
Quién es Mónica Heller, la artista que repesentará a la Argentina en la Bienal de Venecia
Heller nació en 1975 en la zona norte del Conurbano bonaerense, donde aún reside y tiene su taller. En la actualidad esta representada por la galería Piedras.
Según se la describe en el sitio web de su galerista ha participado de la primera edición del Programa de Artistas de la Universidad Torcuato Di Tella (2009), creado por Inés Katzenstein y fue becada por la fundación MMSN para realizar una residencia en Hangar Centro de Creación Contemporánea, Barcelona (2010).
Ha sido premiada por el Salón 50 años Fondo Nacional de las Artes 2009, recibió el Premio Itaú Cultural 2010, el Salón MUNT de arte contemporáneo Tucumán 2017, el Primer Premio Fundación Andreani 2017 y el Premio Estímulo en el 72 Salón Nacional de Rosario entre otros.
En 2019 presentó «De la conciencia satélite al saber satelital». un trabajo comisionado por el Premio Braque, «El Gato Sangrante y el Corazón Barbudo» en PIEDRAS galería y Fundación Proa (Buenos Aires, Argentina) y «OK.012/019» en LISTE – Art Fair Basel y art berlin.
Sus obras fueron expuestas de manera individual y colectiva en Buenos Aires, Rosario, Salta, San Martín de los Andes, Tucumán, Barcelona, Santiago de Chile, Londres, Lyon, San Pablo y Berlín entre otras.
Desde el 2012 realiza junto a Marcelo Galindo la serie de animación «Ciudad Elemental» gracias al apoyo de Plataforma Futuro, Cultura de la Nación que fue presentada en el auditorio del Malba en abril del 2018 y en Mundo Dios, Mar del Plata.
Fuente: Municipalidad de Córdoba ~ El artista Martín Ron difundió hoy a través de sus redes sociales que el mural de 30 metros de alto y 8 de ancho plasmado por él en barrio Observatorio está entre los 5 mejores del mundo en el mes de noviembre según la plataforma internacional especializada en arte urbano Street Art Cities.
La obra forma parte del programa “Arte de Nuestra Gente” impulsado por la gestión del intendente Martín Llaryora, con el que ya se intervinieron más de 53.000 metros cuadrados en toda la ciudad.
El mural de Martín Ron se encuentra en la medianera del edificio ubicado en Av. Pueyrredón 864 de barrio Observatorio. “El personaje se llama Olivia y juega con un globo estrella, está señalando el cielo como invitándonos a observarlo. En el concepto hay un claro homenaje al barrio y al observatorio”, definió Ron, considerado uno de los 10 mejores muralistas del mundo.
El mural cordobés compite con otros 24 de todo el mundo, entre los que encuentran obras de Francia, Portugal, Méjico, Bélgica, Alemania y Colombia, entre otros.
Fuente: La Nación ~ El empresario filántropo, que festeja los 20 años del Malba, adquirió el cuadro más caro del arte latinoamericano.
Eduardo Francisco Costantini es el hombre del año en el mundo del arte. En el 20 aniversario de la fundación de Malba, su creador hizo doblete y, sin que nadie lo esperara, se quedó con el récord del arte latinoamericano al pagar 35 millones de dólares por Diego y yo, de Frida Kahlo. El precio más alto pagado por una obra latinoamericana y récord para la pintora de Coyoacán, la elegida de Madonna. Una pirueta millonaria del mayor coleccionista de la región que tuvo su efecto mediático. Del otro lado de la línea y del río está Costantini. Contesta en Punta del Este: “Fue una sorpresa cuando vi el cuadro en la subasta. Hacía tiempo que tenía esa pintura en la mira, conecta con la narrativa y con la vida de Frida, allí están sus pesadillas y torturas… y está Diego que no se lo puede sacar de la cabeza y lo tiene grabado en la frente”, dice. Se lo escucha contento. El día después del récord, el empresario, financista, coleccionista y developer fue noticia en los diarios del mundo.The New York Times, Wall Street Journal, Le Figaro, ABC, El País, La Vanguardia… y la lista sigue, le dedicaron notas al argentino que hizo saltar la banca y posicionó a Frida Kahlo, entre los íconos del arte moderno.16nov.de 2021El día en que Eduardo Costantini compró la obra Diego y yo, de Frida KahloEl fundador del Malba adquirió la pintura que se remató en Sotheby’s por 34,8 millones de dólares. Se trata de un autorretrato de la pintora mexicana que refleja su tortuoso vínculo con Diego Rivera, y que marcó un récord para el arte latinoamericano.
Pequeño e intenso, Diego y yo, pintado en 1949, es uno de los últimos autorretratos de Frida en manos privadas y sumaba el valor simbólico de tener a Diego, su amor y su calvario, pintado en la piel. Esa compra espectacular lo convirtió en noticia y “refundó” el Malba. “Creo que la resiliencia ha sido mi mayor virtud. Creo en las instituciones y en mantener un programa, que en nuestro caso ha sido el trípode arte, cine y literatura. Cumplimos 20 años con una audiencia fiel y creciente. Para un museo es un paso. Los museos cumplen 200 o 300 años… Allá vamos”. No es el precio, es la oportunidad. No es el récord, es la difusión. Esta rara mezcla de filántropo y hombre de negocios que es Costantini, tiene como costumbre doblar la apuesta y dar los mejores pasos en los peores momentos. Compró su primera Frida, Autorretrato con Chango y Loro, en los 90, y también pagó un récord. Durante años fue la pintura más cotizada de un artista latinoamericano. Semanas atrás, en plena crisis de un país en ascuas, lo hizo de nuevo y se quedó con el récord. Sabe de qué se trata. Diez días después del atentado a las Torres Gemelas, que dejó al mundo en vilo, EFC fundó el Malba, con la base excepcional de los mejores cuadros del arte moderno latinoamericano, en un edificio construido por tres arquitectos jóvenes, casi debutantes, los cordobeses Atelman, Fourcade y Tapia, que ganaron la obra por concurso.
Veinte años después, el Malba está primero en la agenda de visitas a los museos porteños; con el historial de un calendario de exposiciones internacionales como Yayoi Kusama, Andy Warhol, Le Parc y Tracey Emin, más la colección permanente que no para de crecer. En el último año, además del Frida, invirtió 25 millones de dólares en un conjunto de obras centrales para el arte de la región. El coleccionista va llenando los casilleros, como el chico que coleccionaba estampillas. Lam, Remedios Varo, Vicente do Rego Monteiro… tiene 500 obras en su colección personal y sigue comprando. Algunos cuadros ha prestado a Malba, pero los de Malba no están en su casa. El museo es un proyecto social, un museo para todos, que hasta hoy demandó una inversión de 300 millones de dólares. Dólar más, dólar menos, lo que pagaron los vascos para tener un Guggenheim en Bilbao, o lo que le costó a la corona de los Borbones conseguir los cuadros del barón Heinrich para fundar el Museo Thyssen de Madrid. Costantini colocó en el mapa cultural a Buenos Aires. La capital de los argentinos es un destino para los amantes del arte que quieren ver a Frida, Tarsila y Rivera, pero también a la crema del arte argentino. Malba tiene dos cuadros de Berni fuera de serie, como son Manifestación y la Mujer del suéter rojo; una selección única de Xul Solar, más Penalba, Pettoruti, De la Vega, Polesello, Yente y Guttero, mientras fortalece sin parar su posición en arte contemporáneo.
“Creo que la resiliencia ha sido mi mayor virtud”.
* Eduardo Costantini
Todos estos años el empresario filántropo mantuvo los objetivos del museo fundado en este siglo pero en otro país. Por algo la palabra que mejor lo define es continuidad. Mantener en el tiempo alta la vara, el compromiso y las ganas es un ejercicio tan poco argentino. La cereza del postre es Malba Joven, membresía para una audiencia de 18 a 35 años que ha hecho del museo su casa. La semana pasada, en una nueva fecha gratuita del Ciclo de Música a Cielo Abierto, cientos de personas bailaron en la explanada de Figueroa Alcorta al ritmo de @formamusic. El éxito no es casualidad. Primero los cuadros, después location location location, la mejor ubicación de Buenos Aires, al lado de la Plaza Perú, corazón de Barrio Parque, rodeado de soberbios ejemplares de jacarandás; un edificio transparente que ha sido el mejor aliado, y el equipo, el mejor. El coleccionista y el developer (Oceana Bal Harbor, Nordelta, Escobar, Las Garzas, Sonesta) hacen buenas migas. Eduardo Costantini es un hombre de negocios, pero el arte le ha dado las mayores satisfacciones de su vida. Como prestar Abaporu, de Tarsila do Amaral, al Palacio de Itamaraty, Brasilia, y que Dilma Rousseff mande un avión de la fuerza aérea con dos couriers para buscarlo. Se lo quisieron comprar, pero no lo quiso vender.
Que una medianoche de otoño lo despierte el experto Augusto Uribe, director de arte latinoamericano de la rematadora Phillips, para ofrecerle el más lindo Diego Rivera en danza, ex colección IBM, Baile de Tehuantepec, por el que pagó 15 millones de dólares. Una joya, la figurita difícil con la que soñaba desde que compró Autorretrato con Loro. Junto al Baile de Rivera, pintura colosal y colorida, posó en la Academia de San Fernando, Madrid, cuando la Fundación Arco lo eligió coleccionista del año. Sitial que comparte con la italiana Patrizia Sandretto Re Rebaudengo, bastión del arte contemporáneo; con Jorge Perez, dueño del PAMM de Miami, y con la venezolana Patricia Phelps de Cisneros, la gran coleccionista de arte abstracto latinoamericano, que no exhibe su colección en Venezuela por razones obvias, y ha conquistado metros y prestigio para el arte de la región con un departamento especializado en el MoMA de NY, que dirige nuestra compatriota Inés Katzenstein. En diciembre de 2001 Buenos Aires ardía. El salto al vacío del fin de la convertibilidad aceleró la peor de las crisis. En esos días de zozobra, sin perder la calma ni la visión, Costantini definió el perfil del museo: dejó partir al director, el mexicano Agustín Arteaga, y asumió en el cargo Marcelo Pacheco, para fortalecer la conexión con el arte argentino. Timing perfecto.
“Hacía tiempo que tenía esa pintura en la mira”
* Dice Costantini sobre Diego y yo
Graduado en Economía, con un máster en Londres, padre de siete hijos, está casado con Elina Fernández, una mujer que tiene la edad de sus nietos. Muchos años menos y varios centímetros más. A los setenta y pico es un hombre enamorado y lo pregona a los cuatro vientos. La matriz de su personalidad, o digamos, el estilo, es romper moldes. Tal vez porque entendió a la perfección el slogan del UBS, el banco que apoya desde hace décadas la feria suiza de Art Basel: “Estamos del lado de los artistas porque son los que ven más lejos”. Para un hombre que se mueve en la arena movediza de las inversiones globales, ¿hay algo mejor que ver primero y ganar de mano? No se trata de fundar un museo y punto. Hay que crear el hábito, romper la solemnidad, abrir la mente a las fronteras porosas de lo contemporáneo, cruzar disciplinas, formar un comité de adquisiciones, rodearse de la gente justa para el lugar justo y… pagar las cuentas. Celebrar veinte años de crecimiento con un proyecto privado para todo público sin bajar el nivel de calidad es excepcional. Va la cucarda del hombre del año.
Fuente: Cronista ~ Diderot.Art organizará una charla enfocada exclusivamente en este sector con la experiencia de dos empresarios coleccionistas.
El sitio Diderot.Art, líder en e-commerce de obras de arte, organizará el próximo 9 de diciembre a las 19 horas una charla abierta dirigida fundamentalmente a ejecutivos y empresarios que quieren iniciarse en el coleccionismo.
Será la cuarta y última charla de un ciclo de coleccionismo que inició este año.
La curadora Laura Batkis entrevistará a los empresarios coleccionistas Juan Cambiaso y Julián Bersano que iniciaron sus colecciones comprando obra para sus empresas.
El encuentro contará también con la participación de Stefy Jaugust, curadora de Diderot.Art.
Por qué las empresas deben coleccionar arte
En su blog Diderot.Art detalló seis razones por las cuales las empresas debería contar con una colección de arte propia.
Fuente: La Nación ~ Eso pronostica Mike Winkelmann, el tercer artista vivo más cotizado del mundo desde que vendió en marzo en Christie’s una obra de arte digital por 69,3 millones de dólares.
MIAMI. “Lo siento pero les voy a pedir que se retiren. Tenemos un evento”, nos dice una empleada del Faena Hotel Miami Beach, que acaba de rodear con una cuerda el sector donde se impone el mamut dorado de Damien Hirst. “No sabés a quién le estás hablando –interrumpe una mujer- ¡EsBeeple, el hombre del año de GQ!”
“Antes me reconocían, pero este año fue surreal”, confiesa a LA NACION mientras se toca la cabeza parcialmente rapada Mike Winkelmann, el tercer artista vivo más cotizado del mundo desde que vendió en marzo en Christie’s por 69,3 millones de dólaresEverydays: the first 5000 days (Todos los días: los primeros 5000 días), una obra de arte digital asociada con unToken No Fungible (NFT).
“Creo que es un momento histórico no solo para el arte digital, sino para todo el mundo del arte”, anticipó entonces el artista de Carolina del Sur, que ya había trabajado para marcas como Apple, Nike, Samsung y Louis Vuitton, y para recitales de artistas como Ariana Grande y Justin Bieber. “Con el blockchain -agregó-, la tecnología ahora permite garantizar la propiedad y los verdaderos límites del trabajo digital, así que creo que no solo vamos a ver una explosión de nuevas obras, sino también de nuevos coleccionistas”.
Y así fue. En los últimos meses se desató un boom de NFTs, tecnología que permite a los artistas vender sus creaciones como piezas únicas y certificadas de forma directa, e incluso cobrar comisiones con cada reventa, y que ganó su espacio en la gran semana de Art Basel. El mes pasado Beeple vendió por 28,9 millones de dólaresHuman One, una escultura híbrida y mutante, y ahora se dispone a inaugurar su propio espacio de exhibición. Anteayer presenció en Faena el lanzamiento de Aorist, plataforma dedicada a promover esta sinergia entre arte y tecnología impulsada por Ximena Caminos, Andrea Bonaceto y el español Pablo Rodríguez-Fraile, uno de los principales coleccionistas de NFT del mundo.
-¿Cómo te sentís, ahora que tu popularidad se extendió por todo el mundo?
-Es una locura, fue todo un viaje. Millones de personas me conocían antes de esto; he dado charlas en todo el mundo sobre arte digital, que existe desde hace veinte años. Pero muy separado del arte tradicional, porque no había forma de coleccionarlo. Mucha gente piensa que salí de la nada, pero no es así.
-Ya tenías dos millones de seguidores en Instagram…
-Había hecho colaboraciones con marcas como Louis Vuitton, pero sin esta forma de coleccionar mi trabajo de una manera significativa. La gente no pensaba en ello de la misma manera que pensaría en pinturas o esculturas. Y yo tampoco estaba pensando de esa manera. Quería pasar al mundo del arte tradicional, pero no había un puente entre ambos. Y esa hubiera sido una batalla bastante cuesta arriba, sin la tecnología NFT.
-¿De qué manera pensás que esto va a cambiar la escena artística?
-Creo que va a ser otro capítulo de nuestra historia, que incluye el arte digital, y que va a haber una combinación de los dos. Similar a Human One, una mezcla entre escultura y arte digital.
-Como las obras que híbridas que se exhiben ahora en Faena, y que tienen su contraparte digital en Aorist.
-Sí, te permiten experimentar el arte digital en el mundo real, de una manera que se siente nueva e interesante.
-Otra gran novedad es que se pueden hacer obras como Human One, que cambian con el tiempo.
-Ese es otro punto. Creo que Human One le mostrará a la gente que estas cosas no necesitan ser estáticas. Una de las cosas más emocionantes del arte digital es que puede cambiar, puede seguir evolucionando. Este tipo de conversación continua no es posible con la pintura. Porque una pintura es como una declaración congelada en el tiempo. Cualquier nuevo significado es una especie de accesorio, de alguna manera. Porque el artista ha terminado con eso. Pero en el arte digital puede haber este tipo de diálogo continuo entre el artista y el coleccionista. Creo que esto se verá más a medida que pase el tiempo: la gente va a tener en su casa obras de arte que cambian…
-Vivas.
-Vivas y en constante evolución. Eso es muy emocionante. Hay muchas formas en que las personas pueden agregar este concepto de tiempo a su trabajo, de maneras novedosas.
-¿Qué cambios implicarán los NFT para artistas, galerías y ferias de arte?
-Creo que todavía habrá necesidad de curaduría. No creo que eso vaya a desaparecer. Creo que habrá más opciones para vender las cosas. Vender obras en forma directa en Christie’s, como hice yo, no es algo que hagan muchos artistas, salvo casos como Damien Hirst hace unos años. Pero creo que se verá con más regularidad a artistas que vendan obras de forma directa.
-Aunque las galerías seguirán siendo necesarias.
-Creo que lo que hacen las galerías es curar el trabajo y dar fe de las personas. Todavía será necesario, pero también habrá artistas que sigan el camino que yo hice. Yo no surgí del sistema de galerías. Convencí a un grupo de personas de que mi trabajo tenía valor, y luego pude venderlo directamente a esas personas. Creo que seguiremos viendo una combinación de ambos. Hay gente que dice que esto es el final de las galerías, pero creo que no es así. Cuando esto decante, verán que es solo otro medio.
-Y las galerías van a vender NFT.
-Sí. Las galerías venderán NFT y tiene sentido que los artistas estén representados por las galerías. Esta es solo otra forma adicional que traerá a nuevos coleccionistas, que nunca pensaron en coleccionar arte tradicional. Como ocurrió con Justin Sun, que nunca había coleccionado arte. Empezó a coleccionar NFT y luego compró un Picasso y un Giacometti. Creo que vamos a ver que suceden cosas así.
-Y compradores más jóvenes.
-Más jóvenes, mucha gente que hizo dinero con la tecnología. Creo que esas personas nunca se consideraron a sí mismas como potenciales coleccionistas. Eso aportará una base que hará subir los precios para todos: arte digital y tradicional. Ampliará la idea de arte y hará que se entusiasme gente que tal vez no pensaba en eso antes.
-¿Coleccionás obras físicas?
-Todavía no he coleccionado ninguna obra física, pero es algo que planeo hacer. Estuve tan concentrado en hacer cosas este año que no tuve tiempo suficiente. Creo que a veces es más fácil tener una conexión con esas piezas. Es algo que podés disfrutar de forma más pasiva, y dejar que forme parte de tu entorno. Si tenés algo que es puramente digital, solo existe en la pantalla de un teléfono o una computadora o algo así. Si querés verla, tenés que elegir. En cambio si tenés un cuadro en tu living, no decidís si mirarlo o no. Está ahí, vivís con eso. Creo que habrá más personas que ofrezcan el arte digital para que se parezca al arte tradicional de esa manera, que puedas vivir con él.
-¿Vas a ir a Art Basel?
-Sí. Vamos a ir a la feria y estoy súper emocionado, nunca estuve en Art Basel. Tengo algunas personas con gran conocimiento sobre el mundo del arte tradicional que me aconsejan y me presentan gente, me explican todas estas locuras, así que iré con ellos e investigaré.
-¿Hace cuántos años que venís a Art Basel? ¿Notaste algún cambio desde entonces?
-Hace ocho años. Esto es nuevo, los NFT.
-¿Cómo crees vos que va a cambiar esto?
-También creo que no tenemos por qué temer que vaya a reemplazar algo.
-Lo que no se está entendiendo sobre NFT es que el arte digital es solo un uso de ellos. Y muchas de las cosas que la gente compra con NFT, en un principio no las consideraría arte. Son más como un objeto de colección. A medida que se creen más cosas NFT y la tecnología se desarrolle, veremos cosas que son más claramente arte y otros casos de uso de NFT.
-¿Qué tiene que tener para ser arte, según vos? ¿Dónde está la línea?
-Buena pregunta. No sé dónde está la línea. Creo que depende de cada caso, y seguiremos viendo una disolución de líneas entre estas cosas. No sé si hay una respuesta correcta o incorrecta respecto a eso. Cada persona tiene su propia definición de arte. Para mí, nadie se equivoca.
-¿En qué estás trabajando ahora?
-Un par de cosas. Estamos construyendo una galería en Charleston.
-¿Vas a tener tu propia galería?
-Sí. En realidad es un espacio de exhibición para mostrar de forma permanente los trabajos que hice durante los últimos veinte años. Incluirá experiencias inmersivas similares a las que ya hice para recitales. No es algo muy distinto.
Fuente: Versión Rosario ~ Se trata de un proyecto artístico que rendirá homenaje al astro rosarino. Una imagen de Lionel Messi de 69 metros estará plasmada en un lugar icónico de la ciudad.
Después de casi un mes de trabajo de un grupo de artistas, embarcados en un proyecto del área de Cultura de la Municipalidad, la próxima semana se presentará un impactante mural realista en homenaje a Lionel Messi que estará en el centro de Rosario. La pintura del astro futbolístico será la imagen más grande que se haya realizado en la ciudad hasta el momento.
Se trata de la obra titulada «De otra galaxia y de mi ciudad», segunda etapa del proyecto «Común Messi» que tuvo sus inicios en junio pasado con un mural en el barrio La Bajada. En esta oportunidad, los artistas urbanos Jacinto Urteaga, Marlene Zuriaga y Lisandro «Lichi» Urteaga vienen trabajando sobre el nuevo retrato desde el miércoles de 10 noviembre.
El diseño fue realizado sobre la medianera del edificio Scuba 42, proyecto inmobiliario ubicado en avenida de la Libertad 328, a pasos del Monumento Nacional a la Bandera. El mural se estrenará el jueves 9 de diciembre.
«Queremos representar un Lionel que mira de frente, que está parado en su tierra y la valora, que se percibe debajo de un cielo en común, y lo siente crecer en su pecho en amor celeste y blanco», comentaron desde el grupo Imagina Pintura Mural, creadores del mural.
Los artistas trabajaron en una altura máxima de 69 metros sobre la medianera del edificio de 24 pisos, que cuenta con una superficie de 534 metros cuadrados, en el que se utilizaron aproximadamente 180 litros de pintura.
Fuente: Diaro Norte ~ Nació en Quitilipi el 5 de diciembre de 1943. Fue uno de los plásticos más importantes que tuvo la provincia. En 1966 egresó como profesor en Dibujo y Pintura de la entonces Escuela de Bellas Artes Alfredo Santiago Pértile, y una década después, como profesor en Escultura.
Estudió con el maestro grabador Clement Moreau entre 1961 y 1963; en 1972-73 lo hizo en técnicas modernas del grabado con el maestro Alfredo de Vincenzo (Buenos Aires). Asimismo, tomó innumerables cursos de perfeccionamiento docente y sobre técnicas relacionadas con su actividad: pintura mural y de caballete, acuarela, témpera, óleo y esmaltes, escultura, cerámica escultórica, modelado, talla directa, grabado y dibujo.
En su carrera profesional Jara fue profesor en dibujo y pintura, rector del Instituto Superior de Bellas Artes, y dictó numerosos cursos en ciudades del interior. Concretó más de 50 exposiciones individuales en diversos lugares del Chaco, en Buenos Aires, Corrientes, Formosa, Mar del Plata, Mendoza, Rosario y Asunción (Paraguay). La primera de esas muestras se inauguró en 1965 en su ciudad natal, Quitilipi. Participó de exposiciones colectivas en el país y en el exterior, y sus obras fueron aceptadas en importantes salones y bienales nacionales e internacionales.
Durante una muestra homenaje a Ricardo Jara en el Centro Cultural Nordeste de la UNNE, en Resistencia, Rolando Sá Fleitas expresó: «Desde el olvido, que asociado al tiempo lo destruye todo, nos merecemos como amigos, colegas docentes, artistas y comunidad un rescate de nuestros referentes, nuestros artistas y nuestra historia». Esa exposición de Jara fue la primera de una serie que buscará sacar del «olvido sistemático a grandes referentes de plástica chaqueña».
Las obras de Jara se encuentran en el Museo de Bellas Artes René Brusau del Chaco, en el Museo de Ciencias Naturales del Chaco, en la pinacoteca del Regimiento de Granaderos a Caballo «General San Martín» (Buenos Aires), en el Museo del Grabado (Buenos Aires), en el Museo de Bellas Artes (Corrientes), en el Museo del Hombre Chaqueño (Chaco), en el Museo Frá Angelico de la Universidad Católica de La Plata (Buenos Aires), en el Museo Castagnino de Rosario (Santa Fe), en el Museo Juan Yaparí de Posadas (Misiones), entre otras. Integran, también, colecciones particulares de Brasil, España, Israel, Italia, EEUU, Paraguay, Japón, Francia, Suiza, Chile, Venezuela y la Argentina.
Asimismo, muchas de sus obras se incorporaron al paisaje urbano de Resistencia y de la provincia, como el Cristo -de algarrobo en tamaño natural- emplazado en la parroquia del barrio Provincias Unidas. También la Virgen en tamaño natural en marmolina del cruce de rutas de La Leonesa, la escultura «Maternidad» en la plaza General Pinedo, y el mural de cemento del Parque 2 de Febrero de Resistencia.
De su autoría es, por otra parte, la obra «Maternidad», un cemento ubicado en la vereda de avenida Paraguay 45, el grupo escultórico en cemento en la vereda de Vedia y Perón, así como la obra «Cabeza» -en cemento- emplazada en el cantero central de avenida Sarmiento y calle 1, en Resistencia, y la talla en algarrobo «Canillita», propiedad del diario NORTE.
En junio de 2011 se inauguró post-mortem la exhibición que recorría la vida y obra del prolífico artista chaqueño en la Casa del Chaco en Buenos Aires, con más de 50 de sus trabajos entre los que se encontraban sus xilografías más representativas, dibujos, pinturas y esculturas de los diferentes períodos y lenguajes estéticos que recorrió durante su extensa producción artística.
Leonardo Gotleyb, curador de la muestra, remarcaba el rol de formador de Jara: «No hay que olvidar que Ricardo formó a muchas artistas que hoy exponen en el país», dijo, y detalló que la exposición recorre las obras más emblemáticas de cada uno de sus momentos artísticos, en los que abordó con excelencia todos los lenguajes. «No solo contaba con excelencia en la técnica, sino que su obra posee contenido vivo, un relato de su tierra y sus personajes. Ricardo es universal porque pintó su aldea, habló de su entorno, y su gran compañera, la naturaleza», concluía.
Claudio Charosky, coleccionista de la obra de Jara, comentaba que conoció al pintor chaqueño en 1992, cuando concurrió al Chaco a dar una conferencia: «Me encontré con una talla suya de la que me enamoré», recordó, y agregó que a partir de allí se convirtió en un amante de su obra. Charosky decía: «Es muy difícil definir a un genio como lo fue el pintor chaqueño, una persona que mira donde miraban todos y veía lo que nadie. Ricardo era ese tipo de personas: caminaba por el monte, miraba una rama, y decía ´ahí adentro hay una panzona´, y efectivamente de esa rama hacía la talla de una embarazada. Para mí, hacía magia». Jara falleció en Resistencia en 2001.
Fuente: Perfil ~ El arte es un patrimonio del que todos podemos disfrutar pero hay personas que padecen algún tipo de discapacidad que les impide apreciar determinadas obras.
Con perspectivas de inclusión el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires pensó en aquellos que tiene alguna incapacidad visual y por eso lleva adelante su proyecto de museo accesible.
La Gerente de Operaciones y desarrollo institucional del museo, Marina Von der Heyde, le dijo a RePerfilAr: “Con la ampliación del edificio incorporamos distintas instancia de mejoras al edificio«. En este sentido, explicó que «una de ellas la elevadora para personas con discapacidad, que contribuye a darle la bienvenida a muchas personas que antes no podían acceder al museo porque tenemos una rampa bastante empinada”.
“Trabajamos en articulación con varias organizaciones como la Fundación Nínawa Daher que ya nos acompaña desde hace varios años y nos ayuda a acercarnos a la comunidad de ciegos«, expresó Von der Heyde. Luego completó: «Gracias a ellos instalamos los planos hápticos y recientemente impresiones 3D de algunas obras de la colección que van a permitir que personas ciegas puedan tocar las obras«.
El proyecto lleva cinco años de trabajo, capacitaciones y planes para brindar la accesibilidad que el público necesita.
Además de realizar actividades para personas con discapacidad el museo convoca a las personas discapacitadas para que ellos sean los protagonistas de esas acciones. De esa manera también se construye un aprendizaje dentro del equipo de educación al acompañar y pensar las actividades en conjunto.
El objetivo es pensar una experiencia accesible no solo para los visitantes sino también desde del ámbito laboral.
Por ello la gerente de operaciones aseguró que hay, “actividades pautadas y visitas guiadas especiales para, por ejemplo, personas ciegas, personas con autismo o personas con alguna dificultad auditiva». Además, «se están incorporando distintas posibilidades porque cada comunidad tiene su particularidad y hemos trabajado con organizaciones que nos han permitido darle la bienvenida a algunos grupos”.
Asimismo, el 4 y 5 de diciembre se llevarán a cabo actividades especiales enfocadas en la accesibilidad para conmemorar el Día Internacional de las Personas con discapacidad.
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