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Fuente: Clarín – En una de las puntas de la mesa del living de su casa está sentado uno de los pintores más importantes de la historia artística en la Argentina de los últimos años. Un hombre de 91 años. Un hombre que se siente, aun a esa edad, ensayando su propia forma de ser. Su nombre es Luis Felipe Noé. Pero prefiere que lo llamen Yuyo, como le decían sus padres cuando era chico.

Desde la cabecera, Yuyo recuerda una fecha: 5 de octubre de 1959. Un punto de partida. Piensa que, en la vida de toda persona, tal como escribió Jorge Luis Borges sobre Tadeo Isidoro Cruz, hay un día en el que uno sabe para siempre quién se es. Fue ese día de octubre el día en el que Noé sintió por primera vez y para siempre que era pintor.

Pero no es cualquier pintor, no. Luis Felipe Noé es una eminencia del arte plástico en nuestro país, con innumerables exposiciones en la Argentina y en todo el mundo, con más de veinte libros publicados y más de una decena de premios: Premio Nacional Di Tella (1963), Beca Guggenheim (1965 y 1966), Gran Premio Fondo Nacional de las Artes (1997) y Premio a la trayectoria del Salón Nacional de Artes Visuales (2019), entre otros. También, fue integrante del reconocido grupo artístico La Nueva Figuración.

El 5 de octubre de 1959, Noé hizo su primera exposición. Fue en la galería Witcomb en Buenos Aires. Se animó a montarla siete años después de la última clase en el taller del único profesor que tuvo. Se encontró en la galería con tres pintores a los que no conocía mucho hasta ese momento: Alberto Greco, Rómulo Macció y Jorge de la Vega. Los tres le dirían a Noé que su pintura había despertado en ellos un profundo interés. Nacería allí una amistad, y con dos de ellos tiempo después formaría un grupo artístico de vanguardia con los que compartiría viajes, exposiciones y pensamientos acerca de la pintura.

El grupo, La Nueva Figuración, llamado así más por los críticos que por ellos, estaba integrado, además de Noé, por Ernesto Deira, Rómulo Macció y Jorge de la Vega. Surgió en 1961, en la exposición que hicieron en la galería Peuser en Buenos Aires, en tiempos de vanguardias, de crisis del concepto de obra y de manifestaciones de nuevos modos de comprender los fenómenos artísticos.

Eran un conjunto de artistas que buscaban la creación de una nueva imagen del ser humano a través de la pintura gestual y chorreada, el dibujo, el collage de papeles y objetos, los marcos vacíos, las figuras y los bastidores recortados. Es decir, una nueva figuración de lo humano en los años ‘60 del Instituto Di Tella.Su nuevo libro. Se llama «El ojo que escribe» y es un poco un balance de su recorrido.

Yuyo 2024

Hace treinta y siete años que Yuyo vive en su casa de calle Tacuarí en el barrio de San Telmo. Se mudó allí en 1987, junto a su esposa Nora Murphy, tras regresar a Buenos Aires, después de haber vivido once años en Francia, país donde aún vive su hijo, Gaspar, cineasta consagrado internacionalmente.

Es un edificio de tres plantas, dos entradas desde la calle: una a la casa, la otra al taller. Entrar a la casa de Noé es ingresar en un mundo al que se accede por capas. Primero una escalera de madera con pinturas y cuadros a un lado. Arriba del descanso de la escalera, una imagen de varios colores que en el centro en amarillo está escrito: NOÉ.

Aquella imagen es como el cartel de bienvenida a una ciudad. Después la escalera dobla a la derecha. Al subir y a la derecha también, una nueva imagen cuelga de la pared: de fondo negro, líneas fucsias y verdes dibujan un río, un muelle, unos árboles y una casita más atrás; debajo de la imagen, un epígrafe: UNA VEZ MI MADRE HIZO UN DIBUJO.

En la casa encontramos a dos asistentes personales. Una de ellas, antes de que nos sentáramos en la mesa del living, dice que Noé está en su escritorio, un piso más arriba. Se acerca al pintor y le avisa que vinieron de Viva, para hacer primero unas fotos. Él responde que lo mejor es hacerlas en el taller, con sus pinturas. Noé mira a la cámara que lo retrata, su cara se divide en dos. Por un lado, la mirada seria, precisa. Por el otro, una sonrisa pícara, infantil.

Noé también es escritor. Entre sus manos, sentado en la punta de la mesa del living, tiene ahora el último libro que acaba de publicar por la editorial Ampersand: El ojo que escribe. Allí reúne, en cuatro partes, referencias literarias, otros libros publicados, un recorrido por su biografía, su pensamiento acerca del quehacer artístico, de la lectura. El libro es también un homenaje a su padre, Julio Noé, quien fuera un gran lector.Siempre trabajar. Noé en su lugar de trabajo desde hace más de 30 años. Foto: A. Grinberg

Yuyo hojea el libro, se detiene en el comienzo de la segunda parte; en el centro de la página una foto. Está su padre atrás de un escritorio en el que hay apilados a los lados casi una decena de libros; detrás de él, una biblioteca repleta de libros, todos de tapa dura, que su papá mandaba especialmente a encuadernar. Esa imagen es de los primeros recuerdos de Yuyo. Punto de partida es el título con el que inicia esa segunda parte. El libro es a la vez una excusa para charlar de su historia, su punto de partida en la pintura y de su mirada siempre importante acerca del arte en la actualidad.

Punto de partida

Recuerda que sus padres le regalaban ensayos sobre la creación artística o sobre la pintura, con imágenes en blanco y negro. Él les daba el color con los ojos y las leía como si fuesen relatos. “Había que penetrar en ellas como si fuesen mundos secretos (es que lo son) que exigían ser descifrados”, cuenta.

De chico, había que penetrar en las imágenes de las pinturas como si fuesen mundos secretos que exigían ser descifrados

Luego, estaban los días en los que su padre lo llevaba al Salón Nacional. “Para mí en esa época el Salón Nacional era todo un evento”, dice. Por los pasillos del mítico certamen, Yuyo se detenía a mirar las pinturas, los colores, y le iba comentando a su padre de quién era cada obra. Aquella experiencia se trasladaba después al momento de la lectura, y relacionaba por lo tanto esas imágenes en blanco y negro de los libros con sus experiencias en color.

Noé nació en 1933, año en que Hitler subió al poder. De niño, escuchaba en casa cómo hablaban de la Guerra Civil Española y de la Segunda Guerra Mundial, y a los doce años oyó sobre la bomba atómica e Hiroshima. En ese contexto bélico y catastrófico, las imágenes eran un refugio, un lugar en el que se sentía en paz.

“El amor por la pintura me entró viéndola, no pintándola”, dice, y recuerda las clases de Dibujo en el colegio: “Era una materia que, más que ayudar a amar el dibujo, servía para odiarlo”. La exigencia de que pintara un yeso. Eso le salía mal: “No había, como sí hay en la actualidad, buenos profesores de arte para los chicos. No había la menor idea de cómo se trataba a un chico al enseñarle”, afirma Noé. Recién a los 18 años decidió tomar clases con un profesor.

Piensa en la riqueza que trae la observación de la vida cotidiana y que siempre eso le interesó. Cuenta que está fascinado leyendo un libro. “¿Has leído ese libro?”, pregunta. “Ah… es un libro maravilloso, maravilloso… De una gran riqueza. Es un relato de vida en el que se intercalan mil aspectos.” Está hablando de Una excursión a los indios ranqueles, publicado por Lucio V. Mansilla en 1870.

“Siempre supe que quería ser pintor”, confiesa. Cuando terminó el bachillerato, habló con su padre y le dijo que quería entrar en la Escuela Superior de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. Su padre, abogado, le dijo que eligiera una carrera que le permitiera vivir, y que además buscara el profesor de pintura que quisiera. “Hubiera dicho Filosofía”, bromea Noé. “Pero era lo mismo”, y finalmente se decidió por Abogacía. Eligió después el pintor con el que quería aprender.

Siempre supe que quería ser pintor

Entre los pintores del Salón Nacional eligió a Horacio Butler: “Me gustaba su propuesta estética, aquellos paisajes del Tigre que me atraían por los colores y las composiciones”. En la Facultad de Derecho duró unos años; la pintura en el taller de Butler sería, sin embargo, el punto de partida de su carrera. Estuvo en el taller un año y medio, desconcertándose ante las propuestas didácticas post-cubistas de su profesor. Intentando entender los motivos por los que su profesor le sugería tal idea para sus dibujos. Aquello desembocaría en que su maestro lo invitara a retirarse.EL grupo de la Nueva Figuración, en 1963. De izquierda a derecha: Rómulo Macció, Ernesto Deira, Luis Felipe Noé, Jorge De la Vega. /Foto: Sameer Makarius

“A mis dieciocho años tenía una forma de preguntar que es propia de los adolescentes”, dice Noé. “Pero a veces los adultos lo sienten como una intención de pelear.” Un día su profesor le dijo que ya no tenía nada más para enseñarle, que podía irse. Y Yuyo, al oír esas palabras, no sentiría -como sí le pasaría siete años después- que le estaban dando un título, sino que le estaban indicando dónde estaba la puerta.

Aparece una mujer

Antes de su primera exposición fue periodista. Eso fue durante un tiempo de transformación al que Noé denominó: Preparación para ser como persona. Entró a trabajar en el diario El Mundo. “Observé que el periódico carecía de crítica de arte”, dice. “Así, con mi audacia de veintitrés años, solicité que me permitieran encargarme de ella.” Tras algunas pruebas que le hicieron, terminó escribiendo en la sección. “Escribía sobre los artistas que apreciaba y lo hacía con el respeto que merecían, dado que, en el fondo, los envidiaba porque era lo que yo quería hacer.”

En ese tiempo apareció una mujer. “Después de mi padre, ella fue una influencia fundamental en mi vida” confiesa. Nora Murphy sería su gran compañera. “Ella era dos años y medio mayor que ese adolescente confundido que era yo.”

Se casarían en 1957, compartirían 55 años y tendrían dos hijos: Paula y Gaspar (el reconocido director de cine).

Antes de vivir en esta casa de la calle Tacuarí y antes de tener que emigrar a París, a los meses del golpe de estado de 1976, Yuyo y Nora vivieron en uno de los edificios de departamentos de la cooperativa socialista El Hogar Obrero, en el barrio de Caballito (hoy es un gran shopping). Fue en 1957, después de casarse.

Existiría en esos años un tiempo de reuniones con escritores, humoristas e intelectuales. En aquel barrio de Caballito conocerían y entablarían relación con Pirí Lugones, nieta del poeta Leopoldo Lugones, y Carlos Peralta, su pareja.

En el departamento de ellos, varias noches a la semana, participarían de las reuniones que se organizaban junto a Rodolfo Walsh, Paco Urondo, Andrés Rivera, Roberto Cossa, Quino y Ricardo Piglia, entre otros. “Nora y yo participábamos con frecuencia en esas reuniones que fueron para mí una etapa de formación intelectualmente importante”, confiesa Noé.

¡Soy pintor!

La noche de su primera exposición, alguien lo esperaba en la puerta de la galería Witcomb. Habían pasado siete años desde que había dejado de tomar clases con su profesor, Horacio Butler. “Cuando llego a la puerta tengo una sorpresa muy grande”, recuerda. “Me encuentro a Horacio Butler, y me dice: ‘Llegué temprano por si no me gustaba, pero lo estoy esperando para decirle que, haciendo lo contrario a lo que yo le enseñé, ha logrado un gran resultado’.”

Noé hace una pausa, luego agrega: “Hay que ser honesto para decir eso, hay que ser una persona magnífica”. Aquel día de octubre, Noé al escuchar las palabras del que había sido su profesor sintió como si ganase el premio Nobel y, por primera vez y para siempre, se gritaría a sí mismo: “¡Soy pintor!”.Una primera vez. Su primera exposición tuvo lugar a fines de los ’50 y fue bendecido por su maestro, Horacio Butler.

Yuyo solo parece atento al trazado de las líneas de su relato. Todavía, en casi una hora de conversación, el vaso con agua que la asistente le dejó sigue intacto sobre la mesa. La mano derecha descansa en el bastón. Habla y sus dedos acompañan lo que dice; la mirada a la derecha, por momentos cambia, levanta la vista, la enfoca ahora en otro punto, y sigue relatando.

Reflexiona acerca de la libertad en el arte, de las condiciones que tuvieron él y los artistas de su generación allá por los años sesenta, setenta. “En la actualidad hay un juego libre de posibilidades”, una de las características de lo que se llama arte contemporáneo, y que a la vez es un camino abierto general. Frente a eso, Noé siente curiosidad, extrañeza; plantea que los seres humanos se desconciertan frente al juego libre.

“¿Y qué hago yo con la libertad?”, se apresura. Es una pregunta que escucha mucho, que las personas hacen frente a ese campo grande de posibilidades. Luego agrega: “La libertad que uno más aprecia es aquella que se conquista. Si te la regalan, ¿qué hacés con ella?”. Repite que lo que se ve en la actualidad es un gran campo de potencialidades y libertades, y que en esa situación quienes tienen más talento lo saben encarar. Pero los otros están desorientados.

La libertad que uno más aprecia es aquella que se conquista.

La vanguardia fue así

“En los ’60 me consideraba de vanguardia, pero ahora ya no existe esa vanguardia”, asegura. Se refiere a la idea de combatir, que de ahí viene el concepto de “vanguardia” como parte adelantada de un ejército. Un sentimiento del arte vivo en aquel entonces: la lucha frente a la estética establecida, frente a la presencia de normatividades (“Ya no hay normatividades”, afirma). Por ejemplo, una normatividad es la idea de unidad de la obra. A la que él interroga: “¿Qué unidad podía tener una obra en un mundo desunido?”.

Esas normas o estéticas establecidas lo llevarían, como reacción, a hablar o formular las teorías de cuadro dividido, visión quebrada y a hacer instalaciones múltiples. Se considera un analfabeto tecnológico: “Pero sé que es uno de los tantos caminos que se abren en el campo artístico”.

-¿Y cómo ve en ese sentido la Inteligencia Artificial?

– A mí la frase inteligencia artificial me produce espanto. La inteligencia por excelencia es la humana.

Desde su primera exposición en 1959, pasó casi una vida. Pero hay cosas que nunca se olvidan. “Se había vendido la mayoría de las pinturas”, recuerda. Al terminar la muestra, ese 5 de octubre, Yuyo habló con su padre. En ese momento, la fábrica de sombreros Noelis, fundada por su abuelo, estaba por cerrar y había varios espacios vacíos. Su padre, después de ver el éxito de la muestra, le dijo que en la fábrica tenía espacio de sobra, que si quería podía ir ahí a pintar.

¿Qué sintió cuando su padre se lo dijo? La respuesta se demora. Mira al suelo, levanta la mirada y dice: “¡Eureka!”, abriendo grande los ojos. “De pintar chiquito, pasé a pintar grande.”

Fuente: Perfil- Milo Lockett relata cómo perdió todo durante la crisis económica y encontró su verdadera pasión en la pintura.

Milo Lockett brindó una reveladora entrevista en +Caras (Caras TV), donde recorrió su trayectoria en el mundo del arte y su historia personal. En diálogo con Héctor Maugeri, el pintor chaqueño contó cómo su vida dio un giro inesperado antes de dedicarse de lleno al arte.

De la industria textil al mundo del arte 

A los 56 años, Milo Lockett es hoy uno de los artistas más prolíficos y reconocidos de Argentina. Sin embargo, antes de consagrarse en la pintura, era dueño de una cadena de locales comerciales y fabricaba remeras impresas. Fue la crisis económica de 2001 la que lo obligó a cerrar su fábrica, marcando un antes y un después en su vida.

“El artista aparece por una crisis”, expresó Lockett al referirse a ese momento decisivo que lo llevó a cambiar de rumbo. “Yo pensé que iba a ser industrial textil. Me gustaba la fabricación, podría haber producido cualquier cosa”, confesó.

A pesar del esfuerzo que había invertido en su pyme, la crisis económica impactó con fuerza. “La crisis del ‘00 fue muy dura para la industria. Decidí cerrar la fábrica y los locales. No tenía nada claro, pero apareció un camino y lo seguí. Fue la mejor decisión que tomé en mi vida”, afirmó. Aunque muchos dudaban de su futuro, él eligió apostar por su pasión.

Según explicó, lo que lo motivó a seguir adelante fue el reconocimiento de la gente. Lockett recordó un momento clave: “Inauguré una muestra en el Centro Cultural de la Universidad del Nordeste. Esa noche, las personas me decían: ‘no sabía que dibujabas, qué lindo lo que hacés’. Al otro día, me levanté para abrir la fábrica, pensé y dije: hasta acá llegué”. Ese fue el impulso final que lo llevó a dedicarse de lleno a su arte.

Cuando Maugeri le consultó cómo atravesó ese momento, contó: “Lo viví con mucho dolor porque había hecho una apuesta grande y perdí todo”. 

Sin embargo, Milo Lockett valoró esa experiencia que lo llevó a dar un volantazo en su vida. “Fueron años durísimos, pero aprendí mucho de la pérdida. Lo material es efímero, hoy está y mañana no. Aprendí a enfrentar el miedo y lo desconocido. No tenía nada que perder, tenía todo por ganar. Estaba listo para empezar un nuevo camino”.