Arte 2022. Joyas, nuevas tecnologías y maestros en museos y ferias del país

Fuente: La Nación ~ Un menú “inmersivo” y muy variado con obras que nunca se vieron en la Argentina, redescubrimientos, los temas de la época y los cruces con la historia y los formatos audiovisuales.

En lo que será el segundo año desde el inicio de la pandemia, los museos del país continuarán revalorizando patrimonio propio, poniendo en primer plano a artistas nacionales, y poniendo el foco en temas de interés y actualidad, como la preocupación por el medio ambiente, las cuestiones de género, la puesta en valor de saberes ancestrales y una mirada federal. Las nuevas tecnologías, como las salas inmersivas y los NFTs comienzan a plantar bandera. Las ferias continúan siendo híbridas, con formato presencial y virtual.

El Museo Nacional de Bellas Artes, por ejemplo, sacará a relucir algunos tesoros en el primer semestre en la muestra Dibujos Antiguos, exhibición de la colección que conserva, con joyas de Guido Reni, Federico Barocci, Parmigianino, Giorgio Vasari, Giovanni Lanfranco, Pieter Paulus Rubens y Giuseppe Cades. Con curaduría de Ángel Navarro, ocupará las Salas 37 a 40 del primer piso.

En el Pabellón de exposiciones temporarias, de abril a agosto se verá Juan Carlos Distéfano. Memoria residual, con curaduría de María Teresa Constantín, que también cuidó el envío del artista a la Bienal de Venecia en 2015. Una veintena de esculturas sobre el tema de la memoria –social, política, del arte– que atraviesa toda su producción, y un homenaje a pintores argentinos, como Spilimbergo, Lacámera y Policastro. De agosto a noviembre, llegará Carmelo Arden Quin y la trama del arte constructivo, con curaduría deCristina Rossi. Otra gran muestra será la de octubre, Raquel Forner. Ciclo espacial, con pinturas, dibujos y grabados, con curaduría de Marcelo Pacheco. También habrá una muestra con piezas de la Prehistoria a la Edad Media, Obras del Museo Arqueológico de Taranto, en el segundo semestre.

"Inner Earth", de Dercy Morelos, en el Moderno
«Inner Earth», de Dercy Morelos, en el Moderno

Hacia mayo, en la Gran Lámpara del Centro Cultural Kirchner, el MNBA exhibirá la muestra Escenas contemporáneas. Colección Bellas Artes, con curaduría de la directora artística, Mariana Marchesi. El CCK, además, abrirá una sala inmersiva, espacio físico íntegramente proyectado en paredes y piso con quince proyectores de última generación, espacialización sonora e instalación lumínica, la primera de su tipo en el país. Se estrenará con un homenaje al maestro Astor Piazzolla. El museo postal tendrá una exposición curada por Sofía Dourron y Santiago Villanueva, un recorrido histórico que repone en diferentes espacios y formatos el espíritu del Palacio de Correos y Telégrafos. En marzo llegará la segunda edición del Premio Adquisición de Artes Visuales 8M, concurso destinado a artistas mujeres y personas LGBTI+.

Muntref sede Hotel de Inmigrantes inaugura en marzo Nosotrxs, cuerpos de agua de Sabrina Scheidegger y Jimena Croceri, y Mumora, un proyecto de Alejandra Mizrahi y las tejedoras del Cercado centrado en la recuperación de las figuraciones y las prácticas tradicionales. Más ecofeminismo con Raquel Gómez Vázquez, que llega a través de la colaboración con Bitamine Faktoría. Además, Sueños de Hugo Aveta, instalación inmersiva de sitio específico que pone en cuestión las dimensiones espacio/tiempo y con ellas las de la historia y la memoria. A lo largo del 2022, se verán muestras dedicadas a Diana Dowek, Víctor Grippo y Voluspa Jarpa. Habrá Premio Braque 2022 y llega la sexta edición BIM-Untref (Bienal de la imagen en movimiento) con curaduría de Andrés Denegri y Gabriela Golder.

El Museo Moderno ensayará una nueva dinámica, con una constelación de exposiciones centradas en su colección y reflexiones sobre diferentes problemáticas del presente, en diálogo con artistas contemporáneos. El recorrido comienza con una gran instalación específica de la artista colombiana Delcy Morelos en el subsuelo, una obra monumental de tierra húmeda, aromas y presencias. Violencia social y ancestral reunirá obras de la colección, artistas invitados y proyecto específico de Mónica Girón, que además tendrá una exposición antológica. Otro conjunto de muestras será En torno al cuerpo, con obras patrimoniales de Yente, Juan Del Prete, Raúl Lozza, María Martorell, Eduardo Serón, Jorge Gumier Maier, Sergio Avello y Ad Minoliti, junto a obras de las artistas invitadas Cristina Schiavi, Magdalena Jitrik, Mariela Scafati y Graciela Hasper. Se sumará un proyecto de Florencia Rodríguez Giles y su exposición individual, con la curaduría de Osías Yanov. Otra individual, la de Eduardo Basualdo, dibujos y esculturas que conforman una instalación sobre la mirada, los cuerpos y el territorio.

La obra de Pablo Peisino se verá en el Museo Caraffa, de Córdoba
La obra de Pablo Peisino se verá en el Museo Caraffa, de Córdoba

El calendario de Malba comienza el 11 de marzo con Yente y Del Prete, a cargo de María Amalia García, 180 obras que abarcan la producción de esta pareja de artistas desde los años 30 a los 80, centrada en su vínculo. Nunca expusieron juntos. Se presentará Tapiz (c.1958), una pieza de Yente adquirida por Malba en la última feria de arteBA. En abril se verá Episodios del arte textil en Paraguay, curada por Lía Colombino con obras de argentinos y paraguayos como Incluirá trabajos de Claudia Casarino, Mónica Millán, Feliciano Centurión, Arnaldo Cristaldo, Félix Cardozo, Joaquín Sánchez, Marcos Benítez y Karina Yaluk. Le seguirá una muestra dedicada a la peruana Ana Teresa Barboza, con curaduría de Verónica Rossi, doce obras producidas durante los últimos cinco años.

Para ver a Diego y yo de Frida Kahlo, la nueva estrella de la colección , habrá que esperar a septiembre, cuando se presente una nueva puesta de la Colección Malba que incluirá las obras maestras pertenecientes al acervo del museo.

Entre las muestras de comienzos de 2022, hay que destacar Argentina, el paisaje de Entre Ríos de 45 metros de largo hecho de plastilina de Mondongo. Se presentó en 2013 en el Moderno, y se mudó para recibir la temporada de verano en el MAR, en Mar del Plata. “Por primera vez logramos montarla de forma circular, como siempre quisimos”, dice Manuel Mendhana, que integra el grupo creativo con Juliana Laffitte. Hasta marzo, Proa tiene una muestra para toda la familia, Arte en Juego, y Acute Art, una muestra de realidad aumentada. También de temporada estival, en el Centro Cultural Borges, el MNBA exhibirá Bellas Artes/Bon Marché, curada por Paola Melgarejo y Patricia Corsani, y Sara Facio y la Creación de la Colección Fotográfica del Bellas Artes.

Colección Amalita comenzará el año con exposiciones individuales de los artistas Miguel Harte, con la curaduría de Santiago Villanueva, y Eugenia Calvo, con curaduría de Sebastián Vidal Mackinson. Durante la segunda mitad de 2022, habrá una colectiva interesante: Años 90 en la Argentina, con curaduría de Francisco Lemus. Por el concurso Nuevos Curadores 2021, se verán obras de Alicia Penalba y Laura Ojeda Bär, bajo la curaduría de Irene Gelfman.

Los museos nacionales argentinos, dependientes de la Secretaría de Patrimonio Cultural, proponen un 2022 con recorrido federal y con una mirada puesta en cuestiones de género y diversidad, medioambiente y proyectos colaborativos. Por ejemplo, tendrá itinerancia federal de la exposición Transformación. La Gráfica en Desborde, a cargo del Museo Nacional del Grabado. El Museo Casa de Ricardo Rojas trabajará el concepto de jardín y paisaje en un proyecto colaborativo con el Museo Yrurtia, con talleres en torno a la huerta a cargo de la Unión de Trabajadores de la Tierra. El Instituto Nacional de Antropología y Pensamiento Latinoamericano (INAPL) inaugurará una nueva exposición temporaria junto con el colectivo santafesino Paren de Fumigarnos acerca de la problemática de los agrotóxicos en el país.

Respecto de las cuestiones de género, la Casa Nacional del Bicentenario presentará la exhibición Las Olas del Deseo, Mujeres del 2010 al 2022, acompañada por espacios de encuentro y reflexión. A su vez, el Centro de Arte Sonoro (CASo), que queda en el mismo edificio, pondrá el foco en un ciclo sobre ciberfeminismos protagonizado por artistas de la Argentina y de toda Sudamérica. El Museo Nacional de Arte Decorativo reserva para octubre una retrospectiva de Edgardo Giménez en su rol de diseñador, que incluye sus experiencias en el Di Tella. El Museo de Arte Español Enrique Larreta dedicará una exposición al artista Luis Seoane.

"Emma Traviesa II". Habrá muestra de Juan Carlos Distéfano en el Bellas Artes
«Emma Traviesa II». Habrá muestra de Juan Carlos Distéfano en el Bellas Artes

El Complejo Histórico Cultural Manzana de las Luces propone la puesta en valor y recuperación de la escalera de acceso a los túneles para que puedan ser visitados. El Museo Histórico Nacional con la muestra Los 80. El Rock en la Calle, contará con mesas de debate, presentación de libros y actividades musicales en torno al movimiento del rock nacional durante la década de 1980 y principios de los 90.

El Museo Nacional de Arte Oriental y el Palais de Glace proyectan su traslado al Centro Cultural Borges. El primero inaugurará las exhibiciones temporarias de dos artistas argentinas: Aili Chen y Johanna Wilhelm, y el segundo presentará una muestra antológica de Rodolfo Bulacio haciendo foco en la presencia LGTBI+ en el norte argentino, además de la exposición de la artista Claudia Del Río en el Museo De La Cárcova.

De los históricos, el Museo Roca presentará la muestra Con el Foco en la Frontera y en la reapertura del Museo Histórico Cornelio de Saavedra se presentará una museografía interactiva, para aprender de la historia argentina a partir del juego. El museo tendrá una exposición temporal: Un siglo del Museo Histórico Municipal. Rumbo al Quinto Centenario de Buenos Aires. La reapertura de la Casa Fernández Blanco llega con la novedad de la puesta en valor del Salón Dorado y salones anexos. De la programación 2022 se destaca Arte Federal en el Buenos Aires Museo y un recorrido por sus salas para conocer el pasado de Buenos Aires de una forma interactiva y tecnológica. El Museo Casa Carlos Gardel tendrá una muestra sobre las mujeres pioneras del tango.

Aniversarios

Varios museos celebran aniversarios con programación recargada. El Museo de la Historia del Traje cumple 50 años y desarrollará un libro virtual que incluirá 50 piezas del museo. La exposición principal, curada por Victoria Lescano, estará relacionada con el quién es quién en la colección del museo. En noviembre, además, inaugurará una muestra dedicada a la figura de Paco Jamandreu, el vestuarista de las estrellas, como artista y diseñador.

El Museo Malvinas e Islas del Atlántico Sur propone un gran programa que comprende documentales, publicaciones, podcast y actividades teatrales y musicales en relación con los 40 años del conflicto bélico. Entre otras cosas, estará la exposición fotográfica De Ushuaia a La Quiaca, que exhibe fotografías de Alejandra Palacios de la gira diseñada y realizada por León Gieco y Gustavo Santaolalla entre 1981 y 1984. Habrá un ciclo de charlas y recitales los viernes y sábados de febrero y marzo. Además, habrá una exhibición temporaria sobre el trabajo del Instituto Antártico a 70 años de su fundación. En el ingreso, se podrán tocar turba y piedras de las Islas, habrá un mural en homenaje a Diego Armando Maradona, que recuerda sus dos goles a la selección inglesa en el Mundial 86. Otro mural rendirá homenaje al Equipo Argentino de Antropología Forense.

En estos días se producen miniseries que se verán en 2022 sobre la experiencia de los excombatientes de los pueblos originarios de la provincia de Chaco y sobre las soberanías territorial, marítima, cultural, económica, educacional, comunicacional y ambiental. Un libro de poesía sobre Malvinas recopilará a más de 70 autores que escribieron poesía sobre las Islas desde 1833 hasta la actualidad. Incluye versos de Jorge Luis Borges, José Pedroni, Atahualpa Yupanqui y excombatientes. Junto con el Teatro Nacional Cervantes (TNC) habrá un concurso de dramaturgia sobre el tema Las mujeres y Malvinas. El 2 de mayo se reinaugurará el monumento de homenaje a los caídos del crucero General Belgrano. Los propios sobrevivientes donaron una balsa al Museo Malvinas.

"Tapiz" (1958), de Yente, una de las atracciones del Malba, que adquirió la obra en arteBA
«Tapiz» (1958), de Yente, una de las atracciones del Malba, que adquirió la obra en arteBA

El Museo del Cine festejará sus 50 años con un recorrido por el cine nacional de todos los tiempos en la exposición 50×50. El Museo Evita – Instituto Nacional de Investigaciones Históricas abre el año con la exposición Quién me Dirá quién Eras y quién Fuiste. Evita y la Familia Duarte en Fotografías de Alberto Haylli, curada por Francisco Medail. Además, la institución propondrá actividades especiales a propósito de los 70 años del fallecimiento de Eva Perón y los 20 años de la apertura del museo.

Por el país

En Córdoba habrá varios platos fuertes. En el Museo Caraffa estará Marta Minujín, con su instalación de colchones Implosión. “En el Museo Dionisi habrá una antológica de Alejandro Kuropatwa y en la nueva Sala de Arte del Buen Pastor, donde durante el verano expone Marcos Acosta, llegará luego una muestra de Rómulo Macció sobre su serie de Nueva York”, adelanta Guillermo Alonso, director de Museos y Patrimonio de la provincia.

El Caraffa comienza la temporada 2022 el 17 de marzo, con exposiciones de Pedro Alberti (pintura, dibujo, grabado), Nora Iniesta (con curaduría de Rodrigo Alonso y presentación de libro), Miguel Ocampo (al cuidado de María José Herrera), dibujos de Nacha Vollenweider, esculturas de Teresa Maluf, bordado, escultura, objeto de Pablo Peisino y pinturas de Ana Luisa Bondone. Este verano se ven Gatablanca, dibujos y esculturas de Juan Longhini y Pont Vergés: Testimonios, muestra conmemorativa de pinturas de Pedro Pont Vergés, entre otras.

El Museo Municipal de Bellas Artes Juan B. Castagnino de Rosario arranca el verano con Un pasado expuesto: caminos del arte entre 1918 y 1968, curada por Adriana Armando y Guillermo Fantoni, y Birri, Roma y el fantasma, fotografías de Roberto Graziano, además de una muestra de Bienalsur, Pensar es un hecho revolucionario. En marzo inaugura La ciudad en el espejo, otra muestra curada por Armando y Fantoni, y una historia del arte argentino narrada exclusivamente con artistas rosarinos. En la planta alta habrá dos nuevos programas anuales, uno dedicado a creadores de trayectoria en la ciudad y otro destinado a otras prácticas artísticas que se vinculan con el arte. En el museo de lo silos, está ahora el 74° Salón Nacional Rosario, que tendrá activaciones y recorridos conversados todo el verano. Como parte de Irradiación Macro, el Centro de Expresiones Contemporáneas desde marzo estará tomado por video instalaciones.

El Museo y Biblioteca Casa Natal de Domingo Faustino Sarmiento, en la provincia de San Juan, diseña un programa anual titulado El Telar. Territorio de Mujeres, que aborda la práctica tradicional andina a partir del intercambio de saberes de teleras de diferentes zonas.

Una exposición sobre fotografía en el norte argentino del Museo Histórico del Norte, en Salta, con curaduría de Abel Alexander, será acompañada por un congreso y una muestra que circulará por pequeñas localidades de la provincia poniendo en valor archivos privados e historias familiares. En los jardines del Museo Casa de Yrurtia, en Buenos Aires, se verán esculturas de artistas de esa provincia.

El Museo Casa Histórica de la Independencia, en la provincia de Tucumán, proyecta un museo itinerante que saldrá a las escuelas de alta montaña llevando algunas de las piezas emblemáticas de la Casa Histórica. El Museo Regional de Pintura José Antonio Terry, en Jujuy, apunta al fortalecimiento de programas y proyectos orientados a las infancias con Terrycolas, y propone el programa Al Otro Lado del Río, enfocado en un trabajo conjunto con las escuelas rurales. Por otra parte, planea una muestra protagonizada por Pedro Molina.

El Museo y Biblioteca Casa del Acuerdo, en San Nicolás, provincia de Buenos Aires, festejará los 170 años de la firma del Acuerdo con actividades especiales, un mapping y exposiciones relativas al aniversario.

Ferias

La agenda de ferias de arte comienza con MAPA, que irá por su cuarta edición del 10 al 13 de marzo en La Rural de Palermo, Pabellón 8, con cerca de 50 galerías. Tiene un comité de selección integrado por Raúl Flores, Roberto Echen y Sofía Torres Kosiba y presencia de asociaciones de galerías Meridiano, Faro y Giro. Tendrá un programa federal que invitará a un proyecto por región del país a participar de la feria. La gran novedad es Artlab, centro de arte digital dirigido por Gonzalo Solimano, que hará la curaduría audiovisual en una sección con pantallas de alta definición y eventos interdisciplinarios, incorporando tecnología NFT y realidad aumentada. La feria tendrá su versión virtual en la plataforma Mapaferia.art.

También con formato híbrido (virtual y presencial) la edición 2022 de la feria ArteCo se realizará del 16 al 19 de junio en Corrientes, con la participación de artistas, galerías y proyectos artísticos de la provincia, el NEA y Paraguay. En febrero abre la convocatoria para exponer.

Pinta Baphoto, la feria especializada en fotografía, está programada para el 21 al 25 de septiembre en la misma sede de su última edición, la Casa Basabilvaso. La modalidad será también híbrida. “Es importante destacar que todas las ferias mías van a estar con el paraguas de Pinta”, aclara Diego Costa Peuser, director de la editorial Arte al Día y del conglomerado de ferias Pinta PArC (Perú, del 20 al 24 de abril), Pinta Basel (Suiza, 15 al 19 de junio), Pinta SUD (Paraguay, en agosto) y Pinta Miami (del 29 de noviembre al 4 de diciembre).

En ArteBA también están organizando su agenda. Se está planeando la feria para el segundo semestre del 2022. “Cerramos el año muy felices por la gran recepción de la feria de 2021, la gran cantidad de obras que se vendieron, recorrieron la feria más de 40 mil personas, visitaron la plataforma online más de 60 mil usuarios para conocer las obras que exhibieron 59 galerías y más de 300 artistas”, dicen desde sus oficinas.

En Rosario, su Quincena del arte será en octubre. Y tendrá su feria comercial MicroFeria a fines de mayo. También Córdoba tendrá su ya tradicional Mercado de Arte. La fecha está por verse.

De Chile al Bellas Artes: estiman que a mediados de enero volverán los cuadros de Ernesto Deira apropiados durante el pinochetismo

Fuente: Clarín ~ El acuerdo cuenta con la firma de todas las partes y las siete obras deberán permanecer tres años en el Museo antes de pasar definitivamente a manos de los herederos.

La familia del artista Ernesto Deira (1928-1986) tiene suficientes motivos para festejar la llegada del Año Nuevo. Es que un día antes de que termine el 2021 el rector de la Universidad de Chile (UCh) puso la firma que faltaba en el acuerdo para que los siete cuadros del pintor argentino, pertenecientes a la serie Identificaciones, finalmente regresen al país después de 50 años de haber permanecido en Santiago.

En 2022, la colección completa de Ernesto Deira será exhibida al público en el Museo Nacional de Bellas Artes, en Buenos Aires como construcción de la memoria. Además, los hijos donarán un cuadro de su padre a las autoridades chilenas como gesto de agradecimiento. Ambos puntos forman parte del acuerdo de restitución para que los óleos de Deira vuelvan pisar el suelo argentino.

El jueves 30 diciembre, Ennio Vivaldi Véjar, rector de la Universidad de Chile, firmó el convenio de restitución de las pinturas ante la presencia del embajador argentino Rafael Bielsa, y de su par trasandino Nicolás Monckeberg Díaz.El artista argentino Ernesto Deira (1928-1986).

El artista argentino Ernesto Deira (1928-1986).

El acto, celebrado en la Casa Central de la Universidad de Chile, cuya Facultad de Artes administra el Museo de Arte Contemporáneo (MAC), también participaron el director del MAC, Juan Cruz, el decano de la Facultad de Artes, Fernando Carrasco, y el jefe de la Unidad de Asesoría de la Institución, Ignacio Maturana.

“Oleos del artista Ernesto Deira resguardados por la Universidad de Chile retornarán a Argentina luego de 50 años”, anunció el organismo trasandino en su cuenta de twitter @uchile.

La firma del rector chileno era la única que faltaba, ya que Silvina y Martín Deira, los hijos y herederos del artista, lo habían hecho hace 20 días atrás en el consulado chileno en Buenos Aires.

Luego, Monckeberg, quien había retomado las gestiones con la familia Deira y ofreció de mediador, viajó especialmente a su país para votar por el ballotage y además aprovechó su estadía para entregar el convenio para que sea rubricado por las autoridades trasandinas, como ambas partes habían acordado.

De esta manera, se puso un punto final al insistente reclamo de sus hijos, herederos legítimos de las pinturas que tanto revuelo habían casado. Desde 1971 estaban “guardadas” en el MAC, en Chile, y desde hace 18 años son objeto de numerosas controversias y trámites burocráticos.

“La firma de este convenio es una gran noticia para ambos países”, expresó Vivaldi Véjar en el sitio web de la Universidad de Chile. Además, el rector señaló que “la Universidad cumplió un rol fundamental al resguardar las obras de Ernesto Deira durante el oscuro período de la dictadura y también al defender el legado del artista. Gracias a la colaboración y a la conjunta voluntad de la protección del patrimonio las obras podrán regresar a su país de origen como una unidad artística y estarán disponibles para la población en el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires. También nos alegra y honra que la familia Deira entregue al MAC un cuadro del artista que simboliza cómo durante esa décadas de custodia su trabajo se convirtió también en memoria para Chile”."El sostén" (1976), de Ernesto Deira.

«El sostén» (1976), de Ernesto Deira.

Por su parte, la familia Deira celebró la noticia de la firma del rector de la UCh con mucha emoción después de casi dos décadas de intensos reclamos. Los sus hijos, legítimos herederos, nunca bajaron brazos. “Después de muchos años de gestiones bien intencionadas pero infructuosas, finalmente llegamos a esta instancia con la inestimable mediación del Sr. embajador Nicolás Monckeberg”, dijo Silvina Deira.

La hija del pintor argentino agregó: “Como familia estamos muy contentos, emocionados e ilusionados de que las obras de nuestro padre regresen al país y sean exhibidas en el Museo Nacional de Bellas Artes. Es una deuda que teníamos con él y con los argentinos que nunca pudieron apreciarlas. Tienen un gran valor histórico, reflejando una época muy difícil. Donaremos de nuestra colección particular una obra importante al MAC, en señal de agradecimiento por haber resguardado y restituido esta inestimable colección”.

Todavía no hay una fecha específica para que las siete pinturas de Ernesto Deira, ex integrante del grupo “Nueva Figuración” regresen a la Argentina. Sin embargo, sus hijos Silvia y Martín ya iniciaron gestiones con empresas especializadas en el traslado para que el operativo retorno se concrete lo antes posible. La familia estima que volverán al país a mediados de enero.Otras obras de Ernesto Deira. "Canta Oh Diosa la cólera del pélida Aquileo".

Otras obras de Ernesto Deira. «Canta Oh Diosa la cólera del pélida Aquileo».

Pero la familia no podrá contar las obras de su padre al menos hasta 2025. Una de las cláusulas del contrato indica que las pinturas de Ernesto Deira permanecerán en el Bellas Artes durante tres años como guarda o en calidad de comodato.

Además, el museo tendrá la facultad de exhibir las obras en forma exclusiva. Una vez superado ese plazo, sus hijos podrán hacer uso de su posesión. Es decir, podrán conservarlas, ya que son los legítimos herederos.

Sin embargo, no podrán vender los cuadros por separado: la colección “Identificaciones” tendrá que estar completa en caso de una futura venta. Como gesto de devolución, los hijos de Ernesto Deira donarán una obra de su padre al MAC, como indica el contrato de restitución.Premiado. Ernesto Deira recibe el Primer Premio de Pintura de la Academia Nacional de Bellas Artes en 1967. Foto Archivo

Premiado. Ernesto Deira recibe el Primer Premio de Pintura de la Academia Nacional de Bellas Artes en 1967. Foto Archivo

Referente de la Nueva Figuración

Los cuadros de la polémica Identificaciones es una serie de siete cuadros del célebre artista argentino, ex integrante de la Nueva Figuración, el grupo de notables artistas que integró con Luis Felipe Noé, Rómulo Macció y Jorge de la Vega, entre 1961 y 1965. Deira creó las obras tras la disolución del cuarteto.

Estas pinturas en blanco y negro tienen una fuerte connotación geopolítica, con personajes mutilados en alusión a la muerte del Che Guevara, a los Derechos Humanos y a la Guerra de Vietnam. En 1971 fueron exhibidas por única vez en el espacio de la galerista chilena Carmen Waugh, en Buenos Aires.

Ese mismo año, siete de los ocho cuadros cruzaron la Cordillera y fueron exhibidos en la Sala Universitaria del Instituto de Arte Latinoamericano de la Universidad de Chile, entre el 9 y 30 de noviembre, con motivo de la visita de Fidel Castro a Santiago.

El presidente cubano llegó un día después de la instalación de la muestra –el 10 de noviembre de 1971– y fue recibido por el primer mandatario chileno, Salvador Allende, en el aeropuerto trasandino.

Una vez finalizada la exposición, las obras de Deira iban a ser enviadas a La Habana pero el artista cambió de opinión a raíz del agitado clima político que se vivía en la capital cubana. Pero las autoridades trasandinas interpretaron que esas pinturas iban a ser donadas, algo que nunca no ocurrió.

El 11 de septiembre de 1973 se produjo el Golpe de Estado en Chile: Allende fue derrocado por Augusto Pinochet, quien también ordenó la destrucción de las pinturas.

Deira murió en 1986 en París con la convicción de que sus cuadros habían sido quemados por orden del dictador Augusto Pinochet. Pero, en 2003, el pintor Luis Felipe “Yuyo” Noé, amigo del artista y también integrante del grupo neofigurativo, se enteró que las siete pinturas permanecían intactas en un depósito del MAC, perteneciente a la Universidad de Chile.Rómulo Macciò, Ernesto Deira, Luis Felipe Noé y Jorge de la Vega, integrantes del grupo Nueva Figuracion, en 1963. Foto Sameer Makarius

Rómulo Macciò, Ernesto Deira, Luis Felipe Noé y Jorge de la Vega, integrantes del grupo Nueva Figuracion, en 1963. Foto Sameer Makarius

Desde entonces, sus hijos iniciaron innumerables gestiones con autoridades diplomáticas, gubernamentales y universitarias de Argentina y Chile para que la colección de su padre sea íntegramente devuelta a la familia.

Incluso, en 2008 el MAC exhibió los cuadros de Deira con la promesa de devolverlos. La exposición contó con la curaduría de María José Herrera, quien fue directora artística del Museo de Bellas Artes. Entonces, se intensificaron los reclamos formales con embajadores y diplomáticos chilenos, con las autoridades del MAC y de la UCh. Sólo faltaba la firma del rector Vivaldi Véjar para concretar la restitución.

Pero en 2019 la repatriación de la serie Identificaciones se había frenado nuevamente a raíz del cambio de autoridades en la sede diplomática y en la Universidad de Chile. Esta última admitió la documentación presentada y reconoció a los titulares de dominio de las obras, pero invocó siete puntos como condición irrevocable para formalizar la restitución."Identificaciones", en la muestra de 1971 en Buenos Aires. Galería Jacques Martínez

«Identificaciones», en la muestra de 1971 en Buenos Aires. Galería Jacques Martínez

La familia Deira respondió cuestionando algunas cláusulas que figuraban en el convenio que consideraban inadecuadas. Sin embargo, no volvieron a tener contacto, ya que las autoridades chilenas jamás respondieron.

Entonces, los Deira formularon la denuncia ante la International Council of Museums (ICOM) la organización de museos y profesionales de museos dedicada a la promoción y protección del patrimonio cultural y natural, presente y futuro, material e inmaterial, para destrabar esta situación que llevaba 18 años de constantes reclamos. Además, expresaron su posición mediante un comunicado.

“Los cuadros están, son nuestros. Ellos no tienen ni un papel legal que indique que los compraron, que hayan sido donados o se los hayan regalado. Sólo espero que me los devuelvan”, completó Silvina Deira. En ese entonces, los cuadros de su padre estaban retenidos en Chile desde hace medio siglo.

La noticia tuvo repercusión mediática en ambos lados de la Cordillera. El 4 de septiembre pasado, una publicación de Revista Ñ hacía referencia a los siete cuadros de Deira que aún permanecen desde hace 50 años en Chile. Los artistas chilenos y otras autoridades trasandinas se enteraron de lo sucedido y se solidarizaron con la familia del artista argentino.

“Obviamente no hubo mala intención, hubo un delay durante un muchos años. Las negociaciones fueron muy trabadas. Estoy muy agradecida a la prensa por las notas que hicieron. Creo que hubo un tema de presión para que la sociedad estuviera al tanto de lo que estaba pasando con los cuadros de mi padre”, dijo Silvina Deira a Clarín.

Inmediatamente, las autoridades trasandinas tomaron cartas en el asunto. Incluso, el cambio en el rectorado del MAC de Chile (Cruz por Francisco Brugnoli) favoreció el acercamiento entre ambas partes. También en septiembre, el embajador Monckeberg por primera vez se comunicó con Jorge Marchesi, abogado de los herederos, para retomar las negociaciones.

Entonces, la situación comenzó a destrabarse hasta que ambas partes sellaron el acuerdo. Primero firmó la familia Deira en Buenos Aires. Veinte días más tarde lo hizo el rector de la Universidad de Chile en Santiago. Ahora, sólo falta que las pinturas regresen al país para que el público pueda disfrutarlas en 2022 por primera vez en el Bellas Artes.

«El Lavatorio», una obra del siglo XVI, protagonizó el video más visto del Prado en redes sociales

Fuente: Ámbito ~ La obra del artista italiano Tintoretto protagonizó uno de los videos más visto en las cuentas que el museo tiene en Instagram y TikTok.

La obra «El Lavatorio» del artista italiano Tintoretto, un gran óleo sobre lienzo pintado entre 1548 y 1549 que juega mucho con el punto de vista del espectador y es un símbolo de valores como el servicio y la humildad ya que Jesús lava los pies de los apóstoles, protagonizó uno de los videos más vistos en las cuentas que el Museo Nacional del Prado tiene en TikTok y en Instagram, donde registró más de 3, 6 millones de reproducciones.

Un millón y medio de visualizaciones y 235 mil «me gusta» convirtieron a esa obra del siglo XVI en la favorita de TikTok, ese canal directo con las nuevas generaciones, mientras que el resto fue para Instagram y sus reels, donde también se convirtió en el favorito de los seguidores. Porque si algo aceleró la pandemia fue la puesta en marcha de esas vías digitales para llegar con contenidos a los más jóvenes, y el Prado, en esa tendencia, alcanzó más de 3,7 millones de seguidores en redes sociales. Lo que se vuelve evidente es que frente a los discursos que creían que los tesoros artísticos eran antagónicos a los lenguajes vertiginosos de las redes sociales, la experiencia de estas instituciones, verdaderos popes internacionales, viene demostrando que las obras de arte no sólo pueden ser difundidas sino también divertidas.

En el video más visto de 2021 del Prado que tuvo como centro a esta significativa obra de la historia universal, lo primero que se formula es una pregunta, la táctica que parece dominar los portales y redes sociales: el interrogante necesita de una respuesta y mirar el video -se supone- lo responde. ¿Dónde hay que ponerse para ver correctamente «El Lavatorio»? fue la punta de lanza que abre este material sobre «El Lavatorio», donde lo que sigue es un mapeo de ángulos posibles y perspectivas desde donde mirar la obra, tal como lo había imaginado Tintoretto hace más de 500 años, además de un acercamiento al contexto de producción de la pintura, ejercicio clave para comprender la dimensión de la obra.

La pintura «El Lavatorio» fue un encargo al artista que realizó en 1547 la Scuola del Santísimo Sacramento de la iglesia de San Marcuola de Venecia con la intención de «fomentar el culto a la Eucaristía, y en sus reuniones, el guardián ofrecía a los cofrades agua bendita, imitando el gesto de Jesús al lavar los pies a los apóstoles», explican desde el museo a propósito de esta pieza de grandes dimensiones.

Pero más que la temática quizá lo más curioso y llamativo de la obra es que tras «trazar el escenario, Tintoretto introdujo los personajes pensando en el punto de vista del espectador. Ello explica que, si bien al contemplar frontalmente el lienzo los personajes aparecen distribuidos aleatoriamente, la impresión cambie al mirarlo desde la derecha, desde una posición similar a la de la feligresía en San Marcuola. Desaparecen así los espacios muertos entre las figuras y el cuadro se ordena a lo largo de una diagonal que, partiendo de Cristo, prosigue por la mesa en la que aguardan turno los apóstoles para acabar en el arco al fondo del canal. del pavimento».

La estrategia del Prado para compartir sus colecciones sigue la propuesta de numerosos museos internacionales, como la Galería Uffizi de Italia, que encontraron en la red social TikTok un nuevo canal de comunicación con las generaciones más jóvenes, ya que el 60 por ciento de usuarios de esa plataforma tiene menos de 18 años, donde además la visualización de contenidos culturales -como #ArtOnTikTok- creció 3.000 por ciento en el último año a nivel global.

Van Gogh espectacular: todas las razones para entender por qué el pintor holandés se convirtió hoy en una superstar

Fuente: La Nación ~ Con una exposición que lo pone en las ligas de una estrella de rock, la canonización del pintor holandés en el mundo del espectáculo, donde ya tuvo varios ingresos al cine, llega ahora a través de una muestra inmersiva.

En el libro Los Años Psicodélicos (Mansalva, 2015), Marta Minujín trae un vago recuerdo de la contemplación del arte clásico en los días del LSD, rememorando un episodio, cuando entró en la obra del visionario romántico William Blake (1757-1827). “Fue en Londres en una muestra que se llamaba Sounds of Innocence y con un amigo nos metimos adentro de los cuadros. Era una locura todo, caminábamos adentro de sus obras. En el momento no le di relevancia pero con los años empecé a recordarlo”. Quién otra que una de las creadoras de La Menesunda (1965), la primera obra de arte calificada “inmersiva” por la crítica de arte estadounidense Lucy Lippard, pudo haber tenido a través de la experiencia lisérgica un anticipo de lo que hoy es furor en el mundo. Van Gogh, el suicidado por la sociedad según Antonin Artaud, está viviendo su canonización 3.0. No ya la de los museos -desde el Salón de los Independientes de 1891 a las megamuestras a partir de los años 80- y el mercado -los 82,5 millones de dólares pagados en 1990 por el Retrato del Doctor Gachet– sino la del espectáculo.

El entusiasmo internacional por sus muestras inmersivas basadas en la digitalización y expansión de sus pinturas es tal que Imagine Van Gogh, que abre el 16 de febrero en La Rural, agotó 50 mil entradas la semana que salieron a la venta. Al cierre de esta edición ya eran 61.300 quienes se había hecho de un ticket y los organizadores creen que podrían llegar a agotar 153.000. La magnitud de este evento no puede medirse en 2022 sino con shows de estadio como los de Coldplay o festivales como el Lollapalooza o el Quilmes Rock; es decir, fuera del circuito del arte, de las muestras en museos por más mega que sean. No es casual, entonces, que detrás de Imagine Van Gogh en Buenos Aires esté el productor Daniel Grinbank, el mismo que consiguió traer por primera vez a Buenos Aires a los Rolling Stones en 1996. Este Van Gogh siglo XXI hay que medirlo en esa liga entonces.

Willem Dafoe interpreta a Van Gogh en la película de Julian Schnabel
Willem Dafoe interpreta a Van Gogh en la película de Julian SchnabelGentileza Aamnba

La historia trágica de Van Gogh encontró su desvío al espectáculo primero a través del cine: de Lust for Life (1956) con Kirk Douglas a Vincent & Theo (1990) de Robert Altman y En la puerta de la eternidad (2018) donde Willem Dafoe encarna sus días en Arles-sur-Oise, en Francia. Su condición de artista blockbuster (junto con Picasso, Frida, Dalí, Klimt o Warhol), capaz de convocar multitudes a lugares de contemplación silenciosa como se supone que son los museos, lo ha convertido además en uno de los motores del merchandising.

La noche estrellada de Vincent Van Gogh, 1889, un hit del MoMA que se reproduce al infinito en imanes, remeras, cuadernos y tazas
La noche estrellada de Vincent Van Gogh, 1889, un hit del MoMA que se reproduce al infinito en imanes, remeras, cuadernos y tazasMoMA

Su Noche estrellada (1889) no solo ha contribuido a que el MoMA de Nueva York sea uno de los más visitados del planeta sino que ese firmamento en estado de magma parece haberse multiplicado ad infinitum en imanes, posavasos, remeras estampadas y todo tipo de objetos. Como Mona Lisa, los autorretratos de Van Gogh son explotados en la cultura popular digital como insumo para todo tipo de memes y piezas virales. De ahí que la experiencia aurática de estar frente a su obra se haya modificado (o corrompido) al punto de que es el genio holandés el que viene a nosotros de todas las maneras posibles.

Unas 200 obras icónicas de Van Gogh conforman la primera muestra inmersiva dedicada al artista holandés, que abrirá el 16 de febrero en La Rural
Unas 200 obras icónicas de Van Gogh conforman la primera muestra inmersiva dedicada al artista holandés, que abrirá el 16 de febrero en La Rural

La consecuencia de este traslado de Van Gogh desde el templo de las Bellas Artes (una suerte de desacralización) al del espectáculo tiene en estas experiencias inmersivas una consecuencia lógica. El ojo que va a Imagine Van Gogh no es aquel que lo veía en la Pinacoteca de los Genios (mítica publicación en fascículos de divulgación artística) sino el que lo ha visto en el cine, la laptop y el smartphone, ya fuera en la reproducción de sus originales o intervenido en las artesanías digitales que se multiplican fuera de control.

Los famosos autorretratos también forman parte de las 200 pinturas en las que se basa el espectáculo digital
Los famosos autorretratos también forman parte de las 200 pinturas en las que se basa el espectáculo digitalImagine Van Gogh

Es curioso pero en esta representación expandida y virtual de Van Gogh, el posimpresionista está después de La Menesunda y de los infinitos con los que Yayoi Kusama hechizó al público del Malba. Es más que probable que la multitud que desfile en un día (en diferentes “funciones”) por el pabellón Frers de La Rural consagrado a este espectáculo supere en muchas veces a quienes vayan a la sala 14 de Bellas Artes a ver Le Moulin de la Galette (1887), la única obra de Van Gogh que se puede ver en Buenos Aires en una colección pública. “Hace unos años asistí a una muestra de este tipo en el Museo del Prado sobre la obra de El Bosco. Me resultó interesante y novedosa, aunque de ninguna manera sustituye la experiencia de estar frente a las obras originales. Acaso esta suscite en parte del público la inquietud de conocer la magnífica pintura de Van Gogh que pertenece a la colección y está en la exhibición permanente”, sostiene Andrés Duprat, director del Museo Nacional de Bellas Artes.

Estrella del arte pos mortem el pintor aparece ahora, a casi 170 años de su nacimiento, con los atributos de una popstar. No porque su arte haya prefigurado el pop sino por esta nueva forma en que se lo presenta y cómo se crean nuevos espacios y públicos para apreciarlo. Sucede al mismo tiempo que las estrellas de la cultura pop hicieron el camino inverso: del show business a lo museístico. Cuando el Victoria and Albert planificó la muestra itinerante de David Bowie (vendió dos millones de tickets, en 11 ciudades), Kraftwerk y Björk fueron celebrados en el MoMA y la galería Saatchi montó en Londres la primera gran muestra sobre los Stones parecía una cuestión de equilibrio que los grandes maestros se corrieran de las paredes del museo a las pantallas espectaculares del mundo nuevo. La cromestesia de Van Gogh, una afección que le permitía percibir sonidos en los colores, parece hacerlo el artista emblema para este tipo de muestra que convoca la alucinación psicodélica reemplazando las sustancias lisérgicas (y su daño colateral) por la tecnología.

Teatralización en Bellas Artes: de fondo, el único Van Gogh que puede verse en un museo público de nuestro país
Teatralización en Bellas Artes: de fondo, el único Van Gogh que puede verse en un museo público de nuestro país

Así es como aquello que Marta Minujín sintió en Londres con William Blake puede ser experimentado ahora por millones de personas con Van Gogh. Para un productor como Daniel Grinbank, acostumbrado a las demandas y caprichos de las rock stars, quizás sea menos estresante. El show viene cerrado desde Francia y no tendrá nada que reclamarle al fantasma del pintor tal como le pasó con Prince cuando abandonó el escenario tras apenas media hora (apabullante) de concierto.

Ya se vendieron 50 mil entradas para la primera muestra inmersiva de Van Gogh

Fuente: Ámbito ~ Desde las 10 hasta las 21:30 se podrá ingresar a la exhibición que prevé hasta 20 segmentos horarios por día, donde se podrán recibir a 150 personas por sesión.

“Imagine Van Gogh”, la primera muestra de arte inmersiva que desembarca en Argentina, ya lleva vendidas más de 50.000 entradas anticipadas para el evento que se inaugura el 16 de febrero en La Rural y que se podrá visitar, en principio, hasta mediados de abril aunque se está tratando de extender la fecha de cierre porque «si seguimos así, Buenos Aires será la primera ciudad del mundo récord en venta de entradas anticipadas para arte inmersivo», dice a Télam el empresario Daniel Grinbank, productor local de la exhibición.

“Después de diez días, la venta anticipada superó con creces todas las expectativas. Estamos en conversaciones para tratar de extenderla más allá de abril. Este ritmo nos hace prever un escenario muy exitoso. Y si seguimos así, Buenos Aires será la primera ciudad del mundo récord en venta de entradas anticipadas para arte inmersivo”, se entusiasma Daniel Grinbank, empresario y productor de espectáculos, conocido por haber traído a la Argentina, por ejemplo, a los Rolling Stones, y decidido ahora a incursionar en el universo artístico.

Desde las 10 de la mañana hasta las 21.30 de la noche se podrá ingresar a la exhibición que prevé hasta 20 segmentos horarios por día, donde se podrán recibir a 150 personas por sesión, algo así como 3.000 visitantes por día, una “cantidad acotada”, según el empresario, para poder mantener el distanciamiento y que la experiencia sea disfrutable: «No solo es una experiencia única, diferente. Es un tipo de espectáculo que permite el distanciamiento social y que fuimos a buscar pensando que íbamos a convivir mucho tiempo con el virus», admite el productor de espectáculos.

“Imagine Van Gogh” es la clase de exhibición que pone a los sentimientos por encima de la razón (tal vez todo el arte lo sea): son 200 obras de Van Gogh descompuestas en tres mil imágenes en simultáneo de gran tamaño, una impactante sensación envolvente, con obras en movimiento, proyectadas, que van desde el piso hasta el suelo y velas (lienzos móviles de ocho metros) de la sala totalmente a oscuras, mientras se musicaliza la experiencia, con Mozart, Bach y Erik Satie. A través de 48 proyectores de video láser de alta definición se completa la vivencia en el Pabellón Frers del predio.

Con más de un millón de entradas vendidas en las principales ciudades del mundo, la muestra que se concretó por primera vez en 2008 en Francia, cuenta con tecnología de avanzada, denominada ‘imagen total’, un concepto original de las exposiciones inmersivas creada en 1977 por Albert Plécy (fotógrafo y cineasta francés) y continuado por su nieta Annabelle Mauger, actual desarrolladora del evento.

“A la tecnología de vanguardia se suma un elemento, creo yo, muy importante para explicar el éxito y es que, a diferencia de otros artistas con muestras inmersivas en el mundo, las obras de Van Gogh son precisamente paisajes, en su mayoría, y eso es más interesante que por ejemplo, un retrato. Porque el espectador ‘está’ en la noche estrellada, y está en los Girasoles; está en la experiencia”, detalla Grinbank.

¿Hay algo democratizador en esta propuesta digital que reúne 200 obras de Van Gogh a 3.000 pesos la entrada? «En otros lugares del mundo la entrada es mucho más costosa. Y la experiencia es invaluable. Se podrán ver, todas juntas, obras que de manera física habría que ir a los cinco museos del mundo donde están distribuidas, en Amsterdam, Nueva York, Londres y París», alega el empresario.

Se verán obras como “La Noche estrellada”, “Los girasoles”, “Los Lirios” o “Dormitorio en Arles”, que forman parte de prestigiosas colecciones de museos como el Museo d’Orsay de París, la Galería Nacional de Arte de Londres, el Museo Van Gogh de Ámsterdam, el Museo de Arte Moderno y el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.

Si bien la tecnología de arte inmersivo ya desembarcó en múltiples ciudades del mundo, esta será la primera vez en Buenos Aires, lo que promete abrir la puerta a que lleguen muchas otras similares: «Sí, seguramente va a haber otras muestras de arte inmersivo, y de otras características. Nosotros tenemos varias en agenda’, adelantó.

Esta muestra de «gran dimensión, calidad y trayectoria es una apuesta a lo digital en general y al arte inmersivo en particular», cuenta quien recorrió varias inmersivas de Van Gogh en distintas ciudades -como Miami y Nueva York-, antes de decidir cuál traer a Buenos Aires. Además, asegura que tiene la cualidad de ser “generacionalmente transversal: atrae a niños, adultos y mayores por igual”.

La exposición -producida por Encore Productions, y presentada en Buenos Aires por S2BN, DGE y DF Group-, invita a los visitantes a entrar literalmente en el mundo y las obras que el genio holandés creó durante los dos últimos años de su vida, entre 1888 cuando se traslada a Arles en el sur de Francia, hasta su muerte en Auvers-sur-Oise en 1890.

“Uno siempre proyecta una cuota de optimismo pero también el riesgo empresarial ya sea con un grupo de música, una obra de teatro o incluso un medio, como una radio. Pero en este caso, la venta de entradas superó todas las expectativas”, dijo Grinbank sobre el proyecto que “excede al público que asiste habitualmente a los museos”.

Las entradas para esta exposición que proyectará 200 obras de Van Gogh en mil metros cuadrados con una tecnología inédita en la Argentina se encuentran a la venta en la web https://www.laruralticket.com.ar a 3.000 pesos por persona ($2.000 para menores de 12 años) y hay días enteros que ya están agotadas en todos sus horarios. También se adquieren en la web oficial www.imagine-vangogh.com.

Se venden en bloques de media hora con aforo limitado, aunque la permanencia en la exhibición no tiene un tiempo preestablecido. Se puede comprar un pack familiar para dos adultos y dos menores de 12 años, por $8.000, mientras que los niños de hasta tres años no abonan entrada.

No se trata de la única “inmersiva” que llega a la Argentina: en marzo en Parque Norte será el turno de “Meet Vincent van Gogh”, la exposición oficial que organiza el Museo Van Gogh de Ámsterdam, una experiencia tridimensional dividida en seis escenarios, para adentrarse en la vida y obra del famoso pintor. “Próximamente estarán a la venta las entradas”, prometen desde la web https://meetvincent.com/argentina/

“Sentate en la mesa junto a Los Comedores de Papas y subite a un pajar dorado en Arles. Sacate una selfie en una recreación a tamaño real del dormitorio de Vincent, escuchá las historias que hay detrás de sus obras y sentí lo que es tocar la pintura desde su propia paleta de colores”, invitan los organizadores de “Meet Vincent Van Gogh”, la segunda muestra dedicada al artista que continúa la fiebre por las exposiciones inmersivas.

Todos los Berni: un recorrido por sus obras exhibidas en Buenos Aires

Fuente: Clarín ~ Cinco museos tienen obras del genial artista rosarino: el Malba, el Bellas Artes, el Sívori, el moderno y la Colección Fortabat. Mirá los cuadros.

Un itinerario imaginario cuyas coordenadas se trazan en el mapa de la ciudad de Buenos Aires alberga una inmensa cantidad de obras del artista rosarino Antonio Berni (1905-1981), que a poco más de 40 años de su muerte -se cumplieron en octubre- demuestran su vigencia y recorren sus diferentes períodos, soportes y fechas.

Desde la pintura Pesadilla de los injustos en el Museo Nacional de Bellas Artes hasta la emblemática Manifestación en Malba o Domingo en la chacra en Colección Fortabat, entre otros espacios culturales.

En el Malba

El circuito quimérico pero tangible podría comenzar en el Malba (Figueroa Alcorta 3415), que exhibe tal vez una de las emblemáticas obras del artista, Manifestación (1934), fundacional del Nuevo Realismo, un temple sobre arpillera que el propio Berni llamaba familiarmente como «La huelga» y que resume las múltiples búsquedas artísticas.

Es una suerte de pintura mural «transportable» con un grupo de inmigrantes, pobres y desocupados, entre la rabia y la melancolía, que reclaman pan y trabajo, siempre de estremecedora actualidad.Personal manipula una de las obras emblemáticas de la colección, “La manifestación”, de Berni.

Personal manipula una de las obras emblemáticas de la colección, “La manifestación”, de Berni.

«Manifestación –al igual que Desocupados y Chacareros– muestra su compromiso y su militancia diaria, especialmente agitado por la llegada de David Alfaro Siqueiros a la Argentina, en esos años 30 tan agitados y conflictivos a nivel mundial. Y presenta muy bien a este Berni que viene de experimentar con el surrealismo hasta que asume ese compromiso, expresado en esos rostros que generó inspirado en fotografías de indigentes que aparecían en la prensa. Y desde el lenguaje moderno, la pieza se enmarca en estos grandes murales portátiles», explica María Amalia García, curadora en jefe del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires.

Justamente, por el 20 aniversario del Museo, se lanzó la plataforma online «Manifestación en foco», que propone un diálogo entre presente y pasado a través de una investigación profunda sobre los aspectos materiales, históricos y culturales de la obra que da título al sitio digital, para analizar su impacto en la cultura argentina, a través de testimonios, fotografías de época, correspondencias y publicaciones."La gran tentación o la gran ilusión" (1962), de Antonio Berni.

«La gran tentación o la gran ilusión» (1962), de Antonio Berni.

«No concibo el arte sino como acción y testimonio», decía en vida este artista de un permanente compromiso con las problemáticas sociales y políticas de su tiempo, creador además de personajes emblemáticos como Juanito Laguna y Ramona Montiel, dos icónicos personajes –el niño de la villa y la muchachita corrompida al llegar a la ciudad– convertidos en leyendas populares y a quienes les han dedicado canciones compositores como Astor Piazzolla, Mercedes Sosa y Atahualpa Yupanqui.

«Antonio Berni tiene una sala entera prácticamente dedicada a él. Y es el artista mejor representado en la colección, en cantidad de obras y porque están todas sus etapas, desde el surrealismo en Susana y el viejo, el Nuevo Realismo en Manifestación, el quiebre que genera con la incorporación de nuevos materiales en la pintura, en La gran tentación, la serie de los monstruos como El pájaro amenazador, de los años 70, y el mural Americanista, el único fresco buono de temática indigenista que se conserva», añade la curadora.Se observan las obras "Juanito dormido" (der.) y "Juanito jugando con su trompo" (izq.) del pintor Antonio Berni en el Malba. Foto EFE

Se observan las obras «Juanito dormido» (der.) y «Juanito jugando con su trompo» (izq.) del pintor Antonio Berni en el Malba. Foto EFE

Si bien hay más obras guardadas en trastienda, actualmente se pueden visitar en el Malba –además de Manifestación– La gran tentación (1962), La mujer del sweater rojo (1935) (un retrato melancólico de Nina Terré, entrañable amiga del artista y de su esposa, Paule Cazenave, durante los años transcurridos en Rosario), Juanito dormido, de la serie Juanito Laguna (1978), Padre y madre de Ramona y el Mercado del altiplano (1931) o mural americanista, realizado luego de diversos viajes al Noroeste Argentino, para estudiar las tipologías de las culturas coloniales y precolombinas en Latinoamérica.

También llamado Mercado colla, el inmenso trabajo exalta la etnia americana y mestiza colla como arquetipo del Norte Argentino, pero también del norte chileno, Perú y Bolivia, a la vez que rescata su cultura, su forma de vida, sus vestimentas coloridas, sus labores y su forma de comercio en su entorno geográfico: el paisaje árido de montañas del altiplano de la Puna y el poblado de arquitectura colonial-española."Desocupados", obra también pintada por Berni en 1934, fue de alguna manera una respuesta argentina al movimiento del muralismo mexicano.

«Desocupados», obra también pintada por Berni en 1934, fue de alguna manera una respuesta argentina al movimiento del muralismo mexicano.

En el Bellas Artes

Si bien el Museo Nacional de Bellas Artes (en Avenida del Libertador 1473) posee destacadísimos obras de Berni, actualmente solo dos se encuentran desplegadas en sala: la monumental Pesadilla de los injustos. La conspiración del mundo de Juanito Laguna trastorna el sueño de los injustos (1961) una pieza de 3 x 4 metros, alineada en el Realismo, realizada en acrílico y esmalte sintético; y Juanito Laguna aprende a leer. Esta última es una gran pintura-collage del año 1961 de dos x tres metros, y está colgada en el hall de doble altura del museo, mientras que La pesadilla de los injustos? puede verse en la sala 36 del primer piso del museo.

«Las dos obras abordan aspectos diferentes del personaje icónico creado por el artista: Juanito Laguna, un niño pobre que vive en la periferia de la ciudad. Y ambas obras formaron parte del envío argentino a la Bienal de Venecia de 1962 en el que Antonio Berni obtuvo el Gran premio de grabado y dibujo por sus xilocollages. La colección del museo posee numerosas obras de diferentes momentos de su producción, como dibujos, grabados, objetos escultóricos, collages y pinturas. Pero estas dos forman parte del guión permanente del museo», explica Andrés Duprat, director de la institución."La pesadilla de los injustos", de Antonio Berni.

«La pesadilla de los injustos», de Antonio Berni.

Berni dedicó gran parte de su carrera a narrar a este icónico personaje, Juanito, el niño pobre que vive en la villa miseria del bajo Flores, elaborado en sus pinturas a partir de materiales domésticos, descartados y basura industrial, una imaginería increíble establecida a partir de objetos y chatarra. Además, lo mostró en escenas de su vida cotidiana en la villa: celebrando la Navidad, aprendiendo a leer, jugando con canicas, volando una cometa, nadando en un lago con su perro y compartiendo una comida con su padre en la fábrica de trabajo pero también viendo cómo se inunda su barrio, entre otras situaciones.

Juanito Laguna aprende a leer (1961) representa, en un paisaje sucinto sobre trozos irregulares de arpillera unidos con costuras gruesas, a tres niños sentados y una niña de pie, todos con lápices y cuadernos abiertos en sus manos. En el cielo blancuzco cuelga un sol cuadrado hecho de piezas metálicas y cordones tensados que parecen sujetarlo con la misma precariedad de la vivienda en la que -sabemos- vive Juanito», escribió la historiadora Isabel Plante para la web del MNBA.

En Colección Fortabat

Además de los increíbles retratos de la familia Fortabat (que actualmente no están en exhibición), el museo homónimo con sede en Puerto Madero acumula una inmensa y bellísima cantidad de obras del genial creador rosarino, como Juanito remontando un barrilete (1962), Niña con zapallo (1947), Domingo en la chacra o El almuerzo; Zamba (1956), La escuelita, La Difunta Correa y Ramona espera (1964).

«Actualmente, la Colección Amalita tiene exhibidas, en el recorrido de la colección permanente, un gran conjunto de piezas de Antonio Berni, por su número y calidad. Un conjunto que se impone y que permite apreciar distintas épocas del artista. Lo que hace que esté muy bien representado en nuestro acervo», detalla Germán Barraza, director artístico del museo.Fotografías de los burdeles de Rosario, por Antonio Berni.

Fotografías de los burdeles de Rosario, por Antonio Berni.

Con guion a cargo del historiador Marcelo Pacheco, las obras de Berni han sido dispuestos en sala según su año de ejecución: «Lo que permite ponerlas en relación con sus contemporáneos, y marca además la vigencia y peso del artista en cada momento. Desde Niña con Zapallo y El Almuerzo hasta Ramona espera, obra que exhibimos desde 2018, después de mucho tiempo que estuvo fuera del país, y que es uno de los primeros ensambles de la serie», destaca Barraza.

La obra Ramona espera forma parte de aquella figura creada por Berni –la muchachita que se corrompe al llegar a la gran ciudad–, que comenzó a aparecer en sus trabajo cuando el artista vivía en París, en la década de 1960, y le dio vida en base a pedazos de encaje, botones, piezas de maquinaria industrial, cajas de cartón de huevo, prendas de vestir y otros adornos y objetos.

En el Museo Sívori

Sin dudas, otro clásico en la historiografía local se emplaza en el Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori (Avenida Infanta de Isabel 555), Chacareros, inmenso óleo sobre tela de 1935, de dos metros por tres, y que ocupa un destacado lugar en el guion curatorial del museo que dirige Teresa Riccardi, donde comparte espacio junto a otras dos piezas: las pequeñas Niño (estudio para Desocupados), de 1934 y Paisaje de suburbio, una témpera sobre cartón. Las tres conforman la muestra Museo sin tiempo. Camaradería, talleres y otras modernidades."Chacareros", de Antonio Berni.

«Chacareros», de Antonio Berni.

En el Museo Moderno

Finalmente, en el barrio porteño de San Telmo, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires posee en su colección 16 obras de Berni: dos collages (actualmente expuestos), seis dibujos (de los cuales dos se encuentran expuestos), siete serigrafías y un xilocollage de Ramona, de 1963, donado por el Fondo Nacional de las Artes en 1969.

Las obras que sí se podrán recorrer en sala forman parte a su vez de la mega exposición Una llamarada pertinaz: la intrépida marcha de la colección del Moderno, donde se destacan Tragedia del tercer mundo un collage y tinta sobre cartón de 1972 y Juanito Laguna lleva la comida a su padre peón metalúrgico, una lámina de aluminio, restos metálicos y papel sobre madera terciada realizada en 1961 por el artista nacido en 1905 en un hogar de inmigrantes italianos y que a lo largo de su carrera creó más de 250 obras sobre Juanito y Ramona.

De Renoir a Banksy, se venden obras de arte en pedacitos: la última tendencia del mercado NFT

Fuente: La Nación ~ Una pintura del maestro del impresionismo y una de las piezas más icónicas de grafitero se ofrecen divididas en fragmentos virtuales, que otorgan a los compradores ciertos derechos sobre los trabajos originales.

“Comprar una obra maestra nunca ha sido tan fácil”, anuncia la plataforma The Third Place al ofrecer el Retrato doble de Jeanne Baudot, pintura creada por Pierre-Auguste Renoir hace 125 años… en 1125 pedacitos virtuales. Es decir, esa cantidad de Tokens No Fungibles (NFT), por un valor de 0,5 Ether cada uno. Una forma de “democratizar la propiedad” de este tipo de piezas y “un cambio de paradigma revolucionario” en el mercado del arte según lo presenta Particle, otro sitio que ofrece en 10.000 fragmentos El amor está en el aire (2005), del grafitero Banksy.

“Gracias a la propiedad fraccionada, dividiendo el objeto en partes y sumando los fondos para su compra, cualquiera puede poseer costosas obras maestras de pintura”, se explica en nft.third.place, proyecto impulsado por un equipo interdisciplinario de expertos de Rusia, Italia y Estados Unidos.

Love is in the Air, de Banksy, fue comprada en Sotheby’s el 14 de mayo de 2021 por 12,9 millones de dólares y ahora se ofrecerá en 10.000 "partículas"
Love is in the Air, de Banksy, fue comprada en Sotheby’s el 14 de mayo de 2021 por 12,9 millones de dólares y ahora se ofrecerá en 10.000 «partículas»Archivo

En este caso, el sistema funciona de la siguiente manera: la compra de uno o más fragmentos, que será posible a partir del 22 de diciembre, otorga el derecho exclusivo a una copia digital de la fracción NFT y el derecho no exclusivo a la copia digital de toda la obra. También, un acceso privilegiado –tanto presencial como a través de una cámara- a la pieza real. Esta última se comprará una vez que los Tokens hayan sido vendidos, será propiedad de la organización sin fines de lucro Third Place Foundation y se exhibirá en primera instancia en su sede: la antigua mansión Naryshkin Palace, en San Petersburgo.

“Posteriormente, integrará una exposición temporal en uno de los museos asociados”, donde permanecerá tapada y solo se revelará en horarios limitados al público general, anticipa el sitio. Eso sí: la adjudicación aleatoria no permite elegir qué parte del cuadro es la preferida, y recién se accederá al derecho de reventa una vez que todas las partes hayan sido vendidas.

Terrenos virtuales, obra NFT de Marcos López ofrecida a subasta en la plataforma enigma.art
Terrenos virtuales, obra NFT de Marcos López ofrecida a subasta en la plataforma enigma.artGentileza Marcos López

La obra de Banksy ofrecida por Particle, en cambio, ya fue comprada en Sotheby’s el 14 de mayo de 2021, por 12,9 millones de dólares. La pieza real -una de las más icónicas del grafitero anónimo, que presenta a un lanzador de bombas a punto de arrojar un ramo de flores- se exhibirá tanto en un museo físico como en otro virtual, alojado en elmetaverso. Mide 90 x 90 cm y se replicará en 10.000 “partículas” virtuales, únicas y coleccionables, que según The New York Times se venderán por un monto aproximado de 1500 dólares cada una. Ya es posible solicitar una o varias de ellas, y a partir del 10 de enero se notificará por mail si las solicitudes fueron aprobadas. Para asegurar que todos tengan la oportunidad de participar, los 2000 primeros puestos en la lista de espera tienen garantizada por lo menos una partícula en el proceso de asignación.

El 90% de esas partículas se venderá al público y el 9% será retenido por Particle; el 1% restante se donará a Particle Foundation para que se mantenga en fideicomiso. “Esta es una donación importante ya que el 1% actúa como un fragmento, lo que garantiza que ninguna persona pueda adquirir todas las partículas y reclamar la posesión de la pieza física”, explican desde el sitio que incluye entre sus fundadores a Loïc Gouzer. Es decir, el hombre que fue copresidente del departamento de arte moderno y contemporáneo de Christie’s Post-War durante siete años, y uno de los responsables de la venta de Salvator Mundi, la obra de Leonardo Da Vinci que alcanzó el récord mundial de 450 millones de dólares.

Jardín En La Mayor, obra NFT de Nicola Costantino ofrecida en la plataforma enigma.art
Jardín En La Mayor, obra NFT de Nicola Costantino ofrecida en la plataforma enigma.artGentileza enigma.art

A principios de este año, una serigrafía de Banksy que había sido comprada por 95.000 dólares fue quemada y reemplazada por un NFT, vendido por un valor cuatro veces mayor por la empresa de blockchain Injective Protocol. “No puedo creer que ustedes, idiotas, realmente compren esta mierda”, se leía en la imagen que recreaba una subasta.

“Mientras que otros han optado por destruir la obra de arte física para facilitar su transición al mundo digital, creemos que la destrucción física del arte es la antítesis de nuestra misión de fomentar el acceso a las obras maestras más preciosas del mundo. Nuestro enfoque único de la digitalización permite proteger y mejorar el arte a medida que ingresa al ámbito digital: en lugar de destruir físicamente la pieza, Particle ha optado por destruirla legalmente, destripando su valor físico al donarla a una organización sin fines de lucro. La obra de arte se conserva y protege físicamente para ser disfrutada por la gente”, agrega el sitio particlecollection.com. De esta manera, prometen sus impulsores, se procura “democratizar las prácticas de coleccionismo y, en última instancia, redefinir lo que significa poseer una obra de arte”.

En tanto, desde Buenos Aires, Marcos López y Nicola Costantino acaban de lanzar a subasta sus primeros NFT en la plataforma enigma.art, con una base mínima de 1,5 Ether. Claro que estas obras, por ahora, se venden enteras.

Justa vindicación de Juana Butler, artista frecuentemente olvidada

Fuente: Ámbito ~ Pese a su rigurosa carrera, de las cualidades de sus obras y exposiciones, su nombre suele omitirse en las historias de la pintura argentina.

La galería Calvaresi alberga en estos días una muestra de Juana Butler (1928-2017), artista perteneciente al movimiento que surgió en Latinoamérica, afín al surrealismo y también a la escuela metafísica. El crítico Damián Bayón, dadas las características especiales del movimiento al cual pertenece Butler, conocido como “surrealismo tardío”, plantea diferencias con las tendencias europeas y lo denomina “fantástico”. La figura dominante de esa época es Roberto Aizenberg, discípulo de Batlle Planas. “Los susurros de la luz”, la muestra curada por Paola Vega y Rosario Villani, exhibe en Calvaresi 16 pinturas “fantásticas” de Butler pertenecientes a los años 60 y 70. El recorrido cronológico se inicia con “Un verano más”, un óleo de la serie de Las Pampas. A su lado se encuentra “Foresta mágica”, un cuadro de la serie “Homenaje al Reino Vegetal”, acaso un sol que despliega una ondulante zona luminosa entre las plantas. Ambas pinturas se destacan por su obscuridad, pero, sobre todo, por su poderoso atractivo visual. A partir de allí, de esa densidad poética, las obras de Butler se aligeran, los colores malvas, azules y violetas invaden su paleta y el tiempo se detiene. Hay un juego de ajedrez con un peón, una torre y un caballo sobre el damero y, hay, también, paisajes con territorios vacíos, iluminados con una luz turquesa o amarilla y, habitados por edificaciones que recuerdan vagamente a las de Xul Solar. La conjunción de lo real y lo imaginario, meta del surrealismo, coincide en las pinturas.

Sobrina del conocido pintor Horacio Butler, quién fue su maestro desde sus 14 años, mientras cursaba la Escuela Nacional de Bellas Artes, Juana reconoce su vocación temprana. Su primera muestra individual la realizó en 1955 en la Galería Antígona y desde entonces se sucederían Van Riel, Rubbers, Arte Nuevo, Ruth Benzacar, Del Retiro, Jacques Martínez, el Centro Cultural Recoleta; las exhibiciones itinerantes por Ecuador, Colombia, Venezuela y México, organizadas por el Ministerio de Relaciones. Exteriores; los premios y salones y el envío de sus pinturas a la Primera Bienal Latinoamericana de Arte de San Pablo de 1978. En la Sociedad Hebraica integró “Tendencias Surrealistas en la Argentina” (1965); en Rubbers expuso con Roberto Aizenberg, Juan Batlle Planas, Antonio Berni, Juan Grela y Ricardo Garabito y, en la Galería Proar, participó de la “Exposición Surrealista. Homenaje a Juan Batlle Planas” (1967).

A pesar de esta notable y rigurosa carrera artística, de las cualidades de las obras y de la gran muestra retrospectiva que le dedicaron en el año 2003, el nombre de Juana Butler cayó prácticamente en el olvido. Su ausencia en el libro “Panorama de la pintura argentina contemporánea” y en la mega- muestra de Aldo Pellegrini, crítico y fundador del primer grupo surrealista argentino, en el Instituto Di Tella, no fue gratuita.PUBLICIDAD

Hoy, han transcurrido más de tres décadas desde el despertar del neofeminismo, cuando el grupo Guerrilla Girls, que aspiraba a ser la “conciencia del mundo”, pegó en las calles de Nueva York el póster titulado “Las ventajas de ser una mujer artista”.

La primera, “Trabajar sin la pretensión del éxito”; luego, “Tener la posibilidad de escoger entre la carrera artística o la maternidad” o “No tener que padecer el compromiso de ser llamada un genio”. Desde entonces, gran parte de las instituciones del mundo del arte se han puesto de acuerdo para apoyar a las mujeres artistas que pueblan este mundo.

Entre los cuadernos y papeles de Juana Butler, llama la atención por su creatividad, el diseño del cuadro “Ciudad para un rey ciego”, expuesto en Rubbers en 1968. Las crónicas de esos años señalan la presencia de un mundo suprasensible que subyace bajo sus figuraciones y la influencia de las pinturas de Carrá y De Chirico. La curadora Paola Vega subraya la importancia de la música y la propia Juana Butler escribe de puño y letra: […] “encontré en el surrealismo la libertad que buscaba. La música y la meditación me llevaron al color, el automatismo al ritmo y la emoción a la luz. Los mundos que aparecen surgen por la danza de mi mano. El ojo descubre lo que la mano hace, así aparecen ciudades, figuras, paisajes que mi mente ignoraba. […] Agradezco a Dios que me dio la sensibilidad y la posibilidad para gozar de los mundos internos”.

Artista y curadora, Vega observa los pasos que guiaron a Butler por la senda que lleva a la abstracción y así, a la pintura por la pintura en sí misma, emancipada finalmente de cualquier sujeción a un relato.

Un país ofreció u$s169 millones para comprar una obra de Rembrandt

Fuente: Ámbito ~ Países Bajos dijo estar dispuesto a pagar esa suma para recuperar para su país el cuadro «Postaestandarte», de Rembrandt.

Este cuadro, un autorretrato pintado en 1636 -a la edad de 30 años- por el pintor holandés, pertenece a propietarios privados, miembros de la familia Rothschild, que desean venderlo.

El estado holandés está dispuesto a pagar 169 millones de dólares para adquirir el «Portaestandarte» de Rembrandt, un cuadro propiedad de miembros de la familia Rothschild, dijo hoy el ministerio de la Cultura de ese país.

París había anunciado el martes que la obra, clasificada como «tesoro nacional» en Francia y estimada en 186 millones de dólares, iba a poder volver al mercado del arte, ya que el estado francés renunció finalmente a su adquisición.

Los Rothschild están dispuestos a vender una obra de Rembrandt

«El Portaestandarte es una de las obras maestras de Rembrandt y está inextricablemente ligado a la historia de Holanda«, declaró en un comunicado el ministerio holandés de Cultura.

«Durante siglos, la obra maestra ha estado en posesión privada, especialmente por el rey de Inglaterra y desde 1844 por la familia Rothschild», continuó. «Ahora es la oportunidad de adquirir un Rembrandt de este calibre», añadió.

Este cuadro, un autorretrato pintado en 1636 -a la edad de 30 años- por el pintor holandés, pertenece a propietarios privados, miembros de la familia Rothschild, que desean venderlo.

La compra, que todavía debe ser autorizada por el Parlamento holandés, será una combinación de financiación pública y privada.

Quién es Mónica Heller, la artista que representará a la Argentina en la Bienal de Venecia

Fuente: Cronista ~ Se trata de la exhibición de arte más importante del mundo, realizada cada dos años, y donde cada país postula el proyecto de un artista para competir por un galardón.

La artista Mónica Heller representará a la Argentina en la 59° Bienal de Venecia que comenzará el próximo 23 de abril en la ciudad italiana. Se trata de la exhibición de arte más importante del mundo, realizada cada dos años, y donde cada país postula el proyecto de un artista para competir por un galardón.

Para los artistas se trata del más alto reconocimiento, la posibilidad de dar un salto de calidad en sus carreras y proyectarse a nivel internacional.

El anuncio se hizo ayer mediodía en la sala de prensa de la Cancillería Argentina. El envío a la bienal, así se conoce al artista elegido, esta bajo la órbita de la Dirección de Asuntos Culturales. Ese cargo lo ocupa hace apenas un mes Paula Vázquez, quien reconoció que desde que llegó al Palacio San Martín se ocupó 100% en el tema. PUBLICIDAD

Sucede que apenas el pasado 27 de noviembre cerró la recepción de proyectos y la definición de quién representaría a la Argentina se presentaba como inmediata ante los cinco meses restantes para el inicio de la bienal.

El proyecto de Heller, aún con título a definir, fue elegido entre 40 otras propuestas y contará con la curaduría de Alejo Ponce de León. Según el joven, el universo de la artista puede emparentarse con la tradición del grotesco literario argentino.

El jurado deliberó durante todo el fin de semana en el Museo Nacional de Bellas Artes para escoger quién sería el envío argentino a Venecia.

Vázquez presidió el jurado que estuvo integrado también por: Matilde Marín (Academia Nacional de Bellas Artes), Valeria González (secretaria de Patrimonio del Ministerio de Cultura Nacional), Andrés Duprat (director del Museo Nacional de Bellas Artes), Analía Solomonoff (Museo Provincial de Bellas Artes de Santa Fe), Mariana Tellería (artista, última artista seleccionada para participar en Venecia), Teresa Anchorena (Comisión Nacional de Monumentos), Virginia Agote (secretaria de Cultura de San Juan) y Juan Usandivaras (Agencia Argentina de Inversiones y Comercio Internacional).

Según explicó la funcionaria el jurado tuvo en cuenta para elegir a Heller los siguientes puntos:

  • Aborda problemáticas contemporáneas desde el humor crítico, la fantasía y lo surreal
  • La gran solvencia técnica puesta al servicio de su universo poético que logra dotar a los lenguajes digitales de carnalidad vital.
  • Aprehende el desafiante espacio del pabellón de manera eficaz y funcional a las dinámicas de recorrido de la bienal.
  • La artista expande los límites de su producción generando un perfecto equilibrio entre ambición y factibilidad.

En concreto, la obra de Heller será una videoinstalación de animación 3D. Estará compuesta de 15 módulos que constarán de proyecciones en pantallas de diferentes formatos y tamaños distribuidas en toda la extensión del pabellón. Estarán rodeados por luces de tubo led de color azul que teñirán partes de la sala en composición con las animaciones.

Cada video de animación 3D desplegará una acción de un personaje que puede ser un proceso constructivo o la modificación de su propio cuerpo a través de la interacción de materiales, objetos y sustancias de su entorno.

«El conjunto de la instalación creará una atmosfera fantástica de actividad incesante de transformación y recreación», detalló la funcionaria.

La obra de Heller por el momento no tiene nombre ni un costo determinado. Vázquez precisó que se financiará solo con partidas del presupuesto destinado a Cancillería para el próximo año, pero hasta en tanto no se apruebe en el Congreso no sabrán con cuánto dinero contarán. Descartó la colaboración de privados como ha sucedido en otras ocasiones.

La 59° edición de la Bienal de Venecia comenzará el 23 de abril y se extenderá durante siete meses. Su primera edición fue en 1895 y se mantuvo con algunas modificaciones e interrupciones durante periodos de guerra, aunque siempre preservó el formato de exposición por «pabellones nacionales».

La principal característica de la bienal es que cada país postula a un artista para ocupar el lugar reservado para esa nación. La tradición indica que no se trata de un espacio para propaganda política, sino que se escogen proyectos según criterios artísticos.

En 2010 Argentina recuperó su pabellón propio, 250 m2, en una zona de visibilidad dentro de la inmensa bienal. Durante la última dictadura cívico-militar el país había dejado de pagar su alquiler, debió decir adiós a su lugar preferencial y peregrinar buscando un lugar cada dos años.

Cada edición de la bienal cuenta con la curaduría de un profesional escogido especialmente. En esta oportunidad quedó en manos de la italiana Cecilia Alemani, quien eligió como lema «The Milk of Dreams» en referencia al título del libro escrito por la artista surrealista Leonora Carrington.

«Describe un mundo mágico, donde la vida es constantemente re-imaginada través del prisma de la imaginación, y donde todo el mundo puede cambiar, transformarse y devenir en cosa o en alguien más», asegura la curadora.

Alemani es una vieja conocida del mundo del arte porteño. En 2018 pasó varios días en Buenos Aires interiorizándose sobre el ecosistema de arte local invitada en el marco de Art Basel Cities que se llevó a cabo en la Ciudad de Buenos Aires.

Quién es Mónica Heller, la artista que repesentará a la Argentina en la Bienal de Venecia

Heller nació en 1975 en la zona norte del Conurbano bonaerense, donde aún reside y tiene su taller. En la actualidad esta representada por la galería Piedras.

Según se la describe en el sitio web de su galerista ha participado de la primera edición del Programa de Artistas de la Universidad Torcuato Di Tella (2009), creado por Inés Katzenstein y fue becada por la fundación MMSN para realizar una residencia en Hangar Centro de Creación Contemporánea, Barcelona (2010).

Ha sido premiada por el Salón 50 años Fondo Nacional de las Artes 2009, recibió el Premio Itaú Cultural 2010, el Salón MUNT de arte contemporáneo Tucumán 2017, el Primer Premio Fundación Andreani 2017 y el Premio Estímulo en el 72 Salón Nacional de Rosario entre otros.

En 2019 presentó «De la conciencia satélite al saber satelital». un trabajo comisionado por el Premio Braque, «El Gato Sangrante y el Corazón Barbudo» en PIEDRAS galería y Fundación Proa (Buenos Aires, Argentina) y «OK.012/019» en LISTE – Art Fair Basel y art berlin.

Sus obras fueron expuestas de manera individual y colectiva en Buenos Aires, Rosario, Salta, San Martín de los Andes, Tucumán, Barcelona, Santiago de Chile, Londres, Lyon, San Pablo y Berlín entre otras.

Desde el 2012 realiza junto a Marcelo Galindo la serie de animación «Ciudad Elemental» gracias al apoyo de Plataforma Futuro, Cultura de la Nación que fue presentada en el auditorio del Malba en abril del 2018 y en Mundo Dios, Mar del Plata.