Fuente @afaggioniestudiodearte: La galería de Alejandro Faggioni-ESTUDIO DE ARTE presenta una exhibición de dibujos, collages, pinturas y esculturas del gran maestro argentino ROBERTO AIZENBERG, (1928-1996).
Desde muy joven comienza a exponer deslumbrando al público y a la crítica, si bien se inicia dentro del surrealismo de la mano de su querido maestro Juan Battle Planas, Aizenberg desarrolla una obra que no puede ser enmarcada en ninguna tendencia en especial, avanza hacia la metafísica, pasando por la geometría lírica, desplegando durante su vida una obra, con sello y estilo único, lo que lo tornan inclasificable, y resueltamente atemporal.
Es enorme la cantidad de muestras individuales y colectivas, nacionales e internacionales realizadas, así como los premios recibidos por este artista, que alguna vez expresó: “Desde hace mucho tiempo soy consciente de que mi pintura es un investigación espiritual, una especie de gimnasia o de practica de arquero zen o de alquimista en busca del oro esencial”.
En el estupendo libro sobre el artista, Victoria Verlichak se refiere de manera a él de manera magistral: “Como un alquimista, quizá como su padre farmacéutico creador de fórmulas medicinales propias. Aizenberg acude a una suerte de catálogo de imágenes -como una tabla periódica de su invención- que expande y perfecciona en búsqueda de lo esencial. Entre la figuración y la abstracción, toma una y otra vez elementos identificables que representa en distintos modos, grados y momentos de intensidad. Inundados por una luz prodigiosa, la tierra y el cielo, las arquitecturas, radiografías, geometrías, figuras, y los arlequines, abanicos, paisajes, son inscriptos por el artista en una dimensión inesperada.
Acariciados por una luz magistral, los sorprendentes espacios, las simples formas y los insondables personajes de sus obras insinúan climas cargados de dilemas existenciales, que siguen interpelando al observador por su irreductible apertura”.
MUESTRA DE ROBERTO AIZENBERG
Inauguración: miércoles 22 de MARZO de 2023, a las 18:00 hs.
Cierre: Jueves 20 de Abril de 2023.
Lugar: Alejandro Faggioni-ESTUDIO DE ARTE
Sargento Cabral 881 5º piso “K”., Ciudad Autónoma de Buenos Aires|
Horarios: lunes a viernes de 14 a 20 hs
Contacto: Tel: +5411 4393 9995, al 11-4960-1826 o por mail: alejandro@alejandrofaggioni.com
Fuente: Página12 ~ Se trata del balloon dog, obra de arte de Jeff Koons.
Una coleccionista que visitaba una feria de arte contemporáneo en Estados Unidos hizo caer accidentalmente una pequeña escultura de vidrio del renombrado artista Jeff Koons, haciéndola trizas. La escultura de color azul, que hacía parte de la famosa serie «balloondog«, estaba valorada en 42.000 dólares.
El accidente ocurrió el jueves en la noche durante un recorrido exclusivo de la feria Art Wynwood en Miami, haciendo pensar a algunos coleccionistas que se trataba de alguna actuación. «Vi a la mujer que estaba ahí, y ella estaba tocando (la escultura), y entonces la cosa se cayó y se hizo mil pedazos», relató a Fox News el artista Stephen Gamson.
Otro visitante tomó un video mientras los empleados de la muestra barrían los fragmentos de vidrio. «No puedo creer que alguien pudiera hacerlo caer», se escucha en la voz del video.
Benedicte Caluch, un asesor artístico de Bel-Air Fine Art, que patrocinó la pieza de Koons, dijo al Miami Herald que la mujer no tenía intención de romper la pieza y que la aseguradora cubriría el daño.
Koons, que no estaba presente, es un escultor y pintor estadounidense que toma su inspiración de objetos de la vida diaria, incluidos animales hechos con globos.
Fuente: Rosario Plus ~ Es la primera vez que un artista rosarino participa de la feria internacional ARCOmadrid llevado por una galería local. Su obra consiste en intervenciones sobre papel fotográfico antiguo, creando fotografías de colores «vivos y mutantes», sin necesidad de una cámara.
Nacida en Salto Grande y rosarina por adopción, la artista y fotógrafa Andrea Ostera, será una de los pocos artistas del país participantes internacionales de la feria de arte contemporáneo ARCOmadrid, una de las ferias más relevantes del arte contemporáneo, que se desarrollará en la capital española del 22 al 26 de febrero.
Su participación será presentada por la Galería Diego Obligado de Rosario, y se trata de la primera galería de la provincia en ser invitada a esta feria internacional. Participaron y participan otros artistas rosarinos, pero siempre junto a galerías de Buenos Aires. Por lo que es la primera vez que un artista local participará junto a una galería también local, lo que le confiere una relevancia adicional para el arte nacional y regional.
ARCOmadrid este año celebra su 42ª edición, y la muestra rosarina forma parte de la sección “Nunca lo mismo. Arte latinoamericano”, con curaduría de Mariano Mayer y Manuela Moscoso. Bajo la instalación llamada “Doble exposición, un solo show”, la muestra se configura a partir de tres conjuntos que exploran la sensualidad de la superficie fotosensible.
Desde comienzos de los ‘90, Ostera aborda material fotográfico que alcanzó su fecha de vencimiento, y Doble exposición propone una obra viva, ya que varía a cada momento, cambian sus colores, evidencian en modo acelerado lo que ocurre inevitablemente con todas las cosas: reaccionan a la luz y cambian. “Es una obra viva que sigue mutando desde que fue creada, ya que fue creada sin fijadores, y por eso los colores rosa, celeste y negro mutan a los amarronados con el correr del tiempo”.
Consultada sobre cómo surgió esta participación en ARCOmadrid, Ostera precisó a Rosarioplus.com que “en noviembre de 2022 la galería Obligado me convocó para acercarles mi obra a esta feria, y fueron dialogando la posibilidad con ellos. Es una feria muy grande, en dimensiones es unas seis veces ArteBA según alguien me referenció”.
La autora será de la partida junto a su obra para instalarla y participar, y sobre esto se sintió afortunada: “Es un buen pretexto participar de ARCO y ver también todo lo que producen cientos de otros artistas. Tengo mucha ilusión porque dicen que hay gran calidad, son obras de muchos países y de habla hispana”.
La técnica de una foto sin cámara y sobre una obra viva
La técnica Lumen se realiza siempre con papeles antiguos, vencidos, y sobre cómo es esa técnica, la artista rosarina explicó que “el proceso es fotosensible, similar a cuando una persona toma sol, que la piel tiene una reacción. Pongo un papel al sol con otro papel adelante, durante días u horas. La luz va produciendo una imagen, sin sacar fotos con cámara, pero es una foto igual: me interesa rescatar esa idea de que haya fotografía sin necesidad de una cámara”.
Explicó que se trata de un sistema muy básico que está en el origen de la historia de la fotografía: la técnica nace con la fotografía misma en los tiempos del daguerrotipo en los ‘30, de la mano de Talbot, quien empezó con dibujos fotogenéticos en papel sensible, poniendo flores adelante que se imprimían.
“Eso era un método inestable, que desaparecía en el tiempo. La técnica mejoró con los años, y sumando el uso de un fijador”. En este caso, Ostera decide no usar fijador, generando que la obra vaya mutando en el tiempo con su deterioro.
Una búsqueda de materialidad analógica en tiempos de pantallas
La cosa pasa por exponer el material crudo, en este mundo estallado de imágenes en pantalla. Para la fotógrafa, su búsqueda “es una especie de contestación, con énfasis en el peso del material fotográfico, un recordatorio de mi generación sobre la materialidad”, ya que las generaciones no conocen de la espera, del rollo que duraba muchos días, esperar el revelado y ver las sorpresas que salían, con esa expectativa que se esperaba. “Esto cambió con la fotografía digital primero, y ahora con la imagen reproducida en la pantalla del celular. Alimentamos al monstruo infinito de imágenes”, arguyó.
En la web oficial de la artista se encuentra la serie Repliegues, donde utiliza la misma técnica, un interrogante debajo reza: “¿Qué puede hacer un papel solo ahora que las fotografías han migrado a las pantallas? Replegarse sobre sí mismo”.
Ostera siempre trabajó en torno al cuidado de materiales, pero cuando descartaba papeles en su estudio, empezó a explorar sobre hasta dónde éstos pueden seguir creando: “Entonces los dejé de descartar y empecé a guardar. Sé que no se les puede pedir un negro profundo, pero sí grises cálidos. En los ‘90 yo experimentaba y no sabía que la técnica existía y tenía un nombre, hasta que varios años después supe que se llamaba Lumen, por na alumna de fotografía de la Escuela Musto, donde doy clases, y descubrí un mundo entero de esta arte”.
Cuando en 1989 cursó en el programa de Estudios Generales en Fotografía, en el International Center of Photography de Nueva York se dio cuenta esto de que la fotografía era más que un hobbie: “Ahí empecé a pensarme como autora, y a ver la fotografía como objeto de estudio. Me pregunté por su esencia, con un papel sensible sumado a un poco de luz. Empecé a prestar más atención a los materiales, cuando ninguna imagen vino a tocarlos, apreciar su sensualidad. Guardando los papeles de descarte en mis pruebas de laboratorio. Son objetos rescatados en resguardo”.
Andrea Ostera además de artista visual, es parte del Colectivo de fotógrafas rosarinas Camaradas, y es docente de fotografía analógica en la Escuela Municipal de Artes Plásticas “Manuel Musto”, así como en su taller particular.
Nació en Salto Grande en 1967. Completó sus estudios de grado en la Universidad Nacional de Rosario y en 1992 se mudó a Nueva York (EEUU) para participar del programa de Estudios Generales en Fotografía, en el International Center of Photography. Finalizada esa experiencia regreso a Rosario y comenzó a trabajar en un proyecto de largo alcance en el que prescindió de la cámara, experimentando con copias de contacto y proyecciones de objetos sobre material sensible.
En la muestra “Ritual de lo habitual” (Centro Cultural Bernardino Rivadavia, Rosario, 1994) presentó las primeras obras de este proceso. Por este trabajo fue convocada como parte del envío argentino a Les Rencontres Internationales de la Photographie, Arles (Francia), en 1996, y a la I Bienal del Mercosur, Porto Alegre (Brasil), en 1997. En el mismo año, obtuvo un subsidio a la creación de la Fundación Antorchas y la Primera Mención en el Premio Braque. En 1998 realizó dos muestras individuales: “Fotogramas”, en la Fotogalería del Centro Cultural General San Martín, en Buenos Aire y “Conciso, sucinto, preciso”, en el Centro Cultural Bernardino Rivadavia, en Rosario.
Entre 1997 y 1999 participó de la Beca Kuitca. Poco después viajó a los Estados Unidos para realizar estudios de posgrado en Bellas Artes en la Universidad de Nueva York, subvencionada por la beca Fulbright/Fondo Nacional de las Artes. En 2001, regresó al país, donde luego recibió el Diploma al Mérito de la Fundación Konex.
La investigación sobre el medio fotográfico, sus condiciones, límites y posibilidades ha sido el eje principal de sus proyectos. «Persona» (CCK, Buenos Aires, 2018) “Affaire” (Centro Cultural Ricardo Rojas, Buenos Aires, 2017), “+room” (Museo de Arte Contemporáneo de Rosario, 2016) y “Capturas de Pantalla” (Mal de Archivo, Rosario, 2016) se cuentan entre sus muestras individuales más recientes.
Sobre la galería Diego Obligado
Desde su inauguración en mayo de 2012 en el tradicional barrio bohemio de Pichincha, Diego Obligado Galería de Arte es un espacio de exhibición, difusión y promoción de arte contemporáneo, centrado principalmente en las producciones de artistas rosarinos y santafesinos.
La misión de la galería es la de establecer un fuerte diálogo entre artistas, coleccionistas e instituciones culturales. A través de las instancias expositivas en el espacio de la galería, del apoyo en la presentación de muestras a escala institucional y de la participación en el circuito de ferias de arte, la galería impulsa el reconocimiento y la consolidación del grupo de artistas que representa.
Reafirmándose como un sitio de promoción y producción, desde 2016 se suma la dimensión editorial. La intención es lograr un posicionamiento de referencia en el plano nacional, convencidos de la calidad y solidez de las producciones de los artistas locales.
Fuente: Télam ~ Ocho galerías de arte argentino participan en las ferias de arte Zonamaco, Material y Salón ACME que se desarrollan hasta el 12 de febrero, en el marco de la edición 2023 de la Semana del Arte de la Ciudad de México.
Se trata de las galerías Revolver, Pasto, Constitución, W-Galería, Quimera, Moria, María Casado e Isla Flotante que participan en las tres ferias y con variadas propuestas.
Con un total de 200 expositores de 26 países de América, Europa y Asia, la Feria de arte contemporáneo Zonamaco, considerada una de las más importantes de América Latina, contará con la participación de las galerías argentinas Walden, Isla flotante, Ruth Benzacar y Rolf Art en esta decimoséptima edición.
Por otra parte, la galería Quimera participa por primera vez de Zonamaco, con pinturas de Franco Fasoli y esculturas de Nina Kovensky.
Cuatro son las galerías presentes en la Feria Material vol. 9: Constitución con la exhibición de pinturas y esculturas de Alfredo Dufour y obras en papel maché de Josefina Alen; Pasto con obras de la reciente muestra individual de Santiago Licata titulada ‘Una moneda’, esculturas de Maggie Petroni y fotografías instantáneas de la serie ‘Planet Stories’ de Erica Boh.
Además la galería Revolver (presente en Buenos Aires, Lima y Nueva York) lo hace con obras de Nina Kunan, Luis Enrique Zela-Koort, Elena Dahn, Adam Bilardi, Andrea Ferrero y José Carlos Martinat, y W-Galería exhibe las obras de las artistas mexicanas Maris Bustamante, Magali Lara y Mónica Mayer, informan desde Meridiano, la Cámara Argentina de Galerías de Arte Contemporáneo.
La Semana del Arte se desarrolla hasta el 12 de febrero en la Ciudad de México.
En cambio, Salón ACME, una plataforma de arte creada por artistas para artistas que realiza su décima edición, tendrá un solo show de Celina Eceiza de la mano de galería Moria, y obras en pasteles sobre papel de la serie «Buddhist visions of hell» del artista mexicano Javier Barrios por parte de la galería María Casado.
En 2017 esta feria inauguró la sección «Patio» que consiste en un encargo para el patio central de la casa que aloja la feria. Este año, Isla Flotante y Travesía Cuatro (Madrid) presentan a Mariela Scafati con una gran instalación con varios paneles de pinturas flotando por el espacio.
Isla Flotante exhibe también obras de Rosario Zorraquín, Valentina Liernur y Verónica Madanes en el Salón ACME, bajo la curaduría de Gabriela Cepeda, en la «A fashionable crowd lurching towards the eclipse» que se ubica en el cruce entre el objeto de arte y moda, una superposición muy presente en los últimos años.
La curadora se enfoca en la modificación que opera la moda sobre el objeto de arte y en especial sobre las concepciones de cuerpo e identidad.
La gran instalación de Scafati, bajo el nombre de «Voz Cascada», está conformada por varios bastidores pintados en acrílico sobre tela con sogas y poleas de medidas variables, creada en 2022. Se trata de una obra que se encuentra en sintonía con los últimos trabajos de la artista que fue parte de uno de los colectivos invitados a la última Documenta de Kassel.
La obra de Scafati «surge como una síntesis en la cual recoge su experiencia de años de activismo social y político, años de múltiples movimientos, grandes logros y fracasos, que impactaron en sus ideas sobre la política y el trabajo colectivo», detallan desde la galería.
Se trata de una instalación que incluye dos las frases ya presentes en los rojos afiches de sus proyectos «algo se rompió» (2021), exhibida en Storefront for art and architecture en Neva York, y «Windows» (2011), en el Hamburger Bahnof de Berlin expuesta el año pasado. Esta última obra fue adquirida por el Malba de Buenos Aires que la expone actualmente.
En «Voz cascada» por primera vez escribe sobre sus pinturas cual afiches callejeros, creando una de las instalaciones de mayores dimensiones que haya realizado en su carrera, indican.
