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Con la impronta artesanal, llega Lalana, una marca que fusiona diversos mundos y los hace arte

12 diciembre, 202112 diciembre, 2021 infoarte

Fuente: iProfesional ~ Un proyecto que nace del deseo de asociar distintas propuestas de artistas visuales con algunas técnicas de producción artesanal local.

Florencia Cherñajovsky nació en 1986 en Argentina, pero su pasión por el arte la fue llevando por el mundo. Es curadora del arte graduada de La Sorbona con una licenciatura en Literatura Moderna y un Master de Historia del Arte en la Escuela de Altos Estudios en Ciencias Sociales (EHESS, París).

Cuando terminó la licenciatura en letras modernas en la Sorbona (Sorbonne Université, Paris), realizó un postgrado en la Escuela de Estudios Superiores en Ciencias Sociales (EHESS), donde Roland Barthes enseñaba y ahora el filósofo Georges Didi-Huberman da cursos magistrales. «Un lugar increíble», dice la curadora a iProfesional. «Ahí empezó a interesarme el arte desde un enfoque interdisciplinario, como un espacio poroso donde se cruzan distintas sensibilidades y se abordan problemáticas con muchísima libertad de expresión».

Vivir en Paris durante doce años fue un gran estímulo para esta joven. «Desde el abono mensual al cine ilimitado y desenfrenado de la ciudad, a vivir a un par de cuadras del Pompidou, donde hice prácticamente toda mi formación. Cerca de los veinte años, saliendo de la biblioteca del Pompidou donde iba a escribir mi tesis de grado, fui a ver una performance en el subsuelo y salí pensando, que increíble que algo así suceda dentro de un museo», recuerda. «Salí completamente estimulada, con una mezcla de ganas de bailar, leer más acerca de lo que acababa de ver y, sobre todo, con ganas de trabajar ahí». Se trata de una marca que nace del deseo de asociar distintas propuestas

Fue entonces que, a los 22 años, aplicó a una pasantía en el departamento de «Creación contemporánea y prospectiva» y luego de cuatro meses intensos de investigación para una muestra acerca del arte de Europa del Este, la contrataron como jefa de investigación para una gran exposición sobre los vínculos entre las artes visuales y la danza en el siglo XX. Luego le propusieron un puesto fijo, como asistente curatorial bajo la dirección de Christine Macel y Emma Lavigne. «Esa fue mi gran formación», expresa. «Junto a Emma preparamos la retrospectiva itinerante del artista Pierre Huyghe, quien debe ser de los seres más brillantes y sensibles que he conocido. Con él aprendí cómo repensar el arte, tanto en el espacio público, institucional como en la naturaleza», asegura.

Luego, Florencia comenzó a trabajar como mano derecha de Bernard Blistène, último director del museo. «Fue una experiencia muy intensa de trabajar sin respiro, siempre con ganas de retomar al día siguiente. El Pompidou revindica constantemente un arte pluridisciplinario, donde se cuestionan y se celebran los vínculos entre las artes plásticas y otras disciplinas. Eso me quedó grabado como impronta en mis futuros proyectos curatoriales», sostiene.

Más recientemente en Buenos Aires, se desempeñó como curadora independiente, con la muestra «Nubes de Paso» de Pablo Accinelli en MALBA.

En 2019 comenzó Lalana, un proyecto que surgió al volver a vivir a Buenos Aires luego de doce años en Francia, «momento en donde empecé a pensar en algo que tenga alguna especificidad relacionada a Argentina», dice.

Se trata de una marca que nace del deseo de asociar distintas propuestas de artistas visuales con algunas técnicas de producción artesanal local. «Lalana confluye en un tejido interdisciplinario de artes aplicadas nacionales, forjando a partir de esta sinergia la creación de piezas de autor a través de productos tanto usables como coleccionables: alfombras artesanales y objetos funcionales (sillas y picaportes) con diseños de artistas plásticos», detalla la artista. Vivir en Paris durante doce años fue un gran estímulo para esta joven

«Todas nuestras alfombras son hiladas, teñidas y tejidas a mano en telar con técnicas de tejido tradicional. Aquellas realizadas en el Noroeste Argentino son de lana de llamas criadas en altura, donde se desarrolla una especie única de camélidos sudamericanos», detalla. «Las fibras son hiladas a mano por una asociación de familias que se dedica a la cría y a la preservación de este animal, así como a la selección de calidad del vellón y luego del tejido de nuestras alfombras. Mediante este proceso, cuidamos que toda la cadena de valor sea sustentable. Producimos alfombras tanto en Argentina como en Marruecos y en Nepal. En ninguna parte del proceso se usan máquinas, ya que no pretendemos hacer piezas idénticas, sino resaltar la diferencia mediante un proceso hecho totalmente a mano».

La muestra en la galería Nora Fisch (Av. Córdoba 5222, Buenos Aires, hasta el 9 de diciembre de 15 a 19h.) se llama «Ensayo 1» porque es el primero de otros proyectos expositivos de Lalana. «Actualmente estoy preparando el segundo ‘Ensayo’ para la galería Xippas en Uruguay en febrero», anticipa.

La mejor herencia

«Desde chica, siempre me interesaron las humanidades», cuenta a iProfesional. «Tuve excelentes profesores de literatura y de filosofía que me abrieron ese camino. Mi padre me introdujo al arte, a través de visitas a museos y charlas con algunos amigos artistas cercanos como Norberto Gómez. Mientras estudiada literatura, él me insistía en completar mi formación con algo vinculado al arte», recuerda.

Su padre, Rubén Cherñajovsky, uno de los empresarios industriales más importantes del país, fundador de Newsan, le enseñó a cuestionar, a argumentar, y sobre todo a involucrarse en lo que haga. «Por suerte nos dio muchísima libertad en cuanto a qué camino tomar, pero con mucha exigencia en cuanto a hacerlo en serio, es decir con dedicación y esfuerzo sostenido», destaca Florencia quien también dice haber heredado de él «una gran sed de conocimiento y quizás también cierto placer del hacer, en dedicarme plenamente a un trabajo que amo y disfrutarlo a diario». Algo similar parece haber sucedido con sus hermanos. María Cher, es diseñadora y dueña de la marca de indumentaria Cher; Nicolás es arquitecto; y Matías, economista. Florencia contribuir a valorizar la creación artística argentina a nivel internacional

Florencia se permite en esta nota vincular su carrera con la evolución empresarial que Rubén ha tenido. «Mi padre se armó de cero, con el gran valor de un self-made businessman con más de cincuenta años de carrera en Argentina», comparte. «Yo por suerte tuve mucho apoyo y al terminar la secundaria, el lujo de poder irme a vivir sola a Paris para estudiar literatura. Luego fui armando mi carrera con mucha voluntad y un gran orgullo de crecer por mérito propio en una de las mejores instituciones culturales del mundo».

Entre continentes y pasiones

Florencia hoy reside entre Buenos Aires y Madrid. «Me mudé a España hace pocos meses y estoy feliz de reencontrarme con Europa, con muchas amistades y con una nueva ciudad que me sienta muy bien. Mantenemos una base fija en Buenos Aires en donde está mi familia, y además tengo un espacio dedicado a Lalana y un equipo de diseñadoras trabajando todo el año para que el proyecto crezca».

Desde el proyecto Lalana, expresa: «Me interesa contribuir a valorizar la creación artística argentina a nivel internacional, conjugando propuestas de distintas décadas, desde los años 50 con artistas como Sarah Grilo, Julio Le Parc o Ary Brizzi, a la generación Di Tella de los sesenta con David Lamelas, Delia Cancela y Juan Stoppani, por ejemplo, pasando por artistas diseñadores como Luis Benedit y Marcial Berro, a artistas claves que hoy repiensan las relaciones arte y artesanía, como Fernanda Laguna, Magdalena Jitrik y Mariela Scafati. El traspaso a otra materialidad, escala y relación espacial nos envuelve en nuevas maneras de vincularnos con las obras. Sin perder su aura, ellas ocupan un territorio donde las podemos usar, tocar y transitar».

Y si bien dice estar muy enfocada en el presente, aprendiendo acerca de cómo emprender un proyecto desde Argentina, en paralelo está involucrada en algunos aspectos de la empresa de su padre, «sobre todo a través de una exposición y publicación que estamos preparando junto a la Fundación IDA (Investigación de Diseño Argentino) para el año que viene, acerca de la historia de las marcas de Newsan (marcas icónicas como Siam, Atma y Noblex, que recorren toda la historia argentina del último siglo)», concluye.

Colección de Arte Argentino y Latinoamericano

11 diciembre, 202111 diciembre, 2021 infoarte

Fuente: Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto ~ La colección de Arte de la Cancillería Argentina constituye uno de los acervos públicos más importantes que puedan localizarse en un Ministerio. En la década del ´90 el entonces Canciller Ing. Guido Di Tella, bajo la premisa de que el arte y la cultura argentina también deben estar presentes en espacios protocolares, conforma una Comisión Asesora de Arte integrada por la Emb. May Lorenzo Alcalá (quién la presidió), Prof. Nelly Perazzo, Lic. Elena Oliveras, arq. Samuel Oliver y Samuel Paz, a los efectos de seleccionar las obras que integrarían esta colección.

Este importante acervo artístico está compuesto por obras muy representativas de las distintas propuestas modernas y contemporáneas que se desarrollaron a lo largo del siglo XX en nuestro país: desde las vanguardias históricas, pasando por las propuestas abstractas del arte concreto o el espacialismo, para seguir con la experimentación poético-formal de la nueva figuración y el informalismo. En el Salón Libertador destacan obras con gran contenido social y político, como la serie de grabados de Juanito Laguna de Antonio Berni, que fueron parte del envío oficial argentino a la Bienal Internacional de Arte de Venecia del año 1962. Galería:

Un artista urbano conmovió con la escultura de un niño refugiado desde la cúpula de una iglesia

11 diciembre, 202111 diciembre, 2021 infoarte

Fuente: Télam ~ El joven artista urbano de origen español Pejac busca interpelar sobre la situación de miles de refugiados que no llegan a encontrar su destino en otros países con «Varados sin tierra», la escultura de un niño que con un chaleco salvavidas enarbola una bengala encendida.

La escultura de un niño que con un chaleco salvavidas se erige desde la cúpula de la iglesia de la Santa Cruz de Berlín, enarbolando una bengala encendida, busca interpelar sobre la situación de miles de refugiados que no llegan a encontrar su destino en otros países, según el joven artista urbano de origen español, Pejac, cuya obra de tinte político y medioambiental se observa también en las calles de Hong Kong a Nueva York, Moscú y Londres.

El cuerpo del pequeño se sostiene erguido con la otra mano tomada de la cruz de la iglesia del barrio de Kreuzberg, en esta escultura titulada Landless Stranded «Varados sin tierra», que sugiere a los espectadores que reflexionen sobre lo que les provoca la situación de los refugiados.

«Desde el punto de vista de los migrantes he querido hacer extensible este trabajo a todas las personas que no acaban de encontrar su lugar en la sociedad», dijo el artista y relató que cuando recorría con su equipo las calles de Berlín para decidir qué tipo de obra quería hacer en la ciudad, le causó una gran impresión la iglesia de Kreuzberg.

Si bien Pejac pensó en hacer «algo más convencional», como un mural, la idea pasó a ser un proyecto mucho más ambicioso y original en este edificio de estilo gótico y construcción de ladrillo rojizo, en cuya punta, y a 60 metros de altura, aparece la escultura, desde la que dos veces al día se enciende la antorcha que porta el pequeño.

«El efecto sorpresa es una de las cosas que más me gustan del arte urbano», asegura Pejac, cuya obra en muchos casos causó estupor; en algunos, inquietud, según manifestó al diario El País.

En el proyecto participa también Sea Watch, una ONG alemana creada a finales de 2014 por un puñado de activistas que contribuyeron para evitar más tragedias en el Mediterráneo. La organización cuenta con dos buques y dos aviones para patrullar las rutas más conflictivas y rescatar a las embarcaciones en problemas.

La pastora de la congregación de esa iglesia, Marita Lessny, aseguró que, si por ella fuera, la escultura se quedaría allí arriba para siempre, «para recordarnos cada día a los muchos refugiados que arriesgan su vida en el mar», pero es posible que en pocas semanas y, según lo acordado, los operarios la retiren del lugar.

Asimismo, contó que los primeros días en que apareció la instalación algunos vecinos llamaron a la policía y a los bomberos porque creían que alguien se había subido a la cúpula de la iglesia.

«Hablamos de los refugiados en todos los servicios, ya sean en el Mediterráneo o en la frontera de Polonia. Pero es importante tener este recordatorio, esta llamada de atención», manifestó la pastora sobre la escultura.

La parroquia ha colaborado con la situación de los migrantes, inclusive cuando en 2014, el entonces Gobierno conservador de Berlín desmontó un campamento improvisado de migrantes que se había formado en Oranienplatz, en Kreuzberg, la parroquia decidió cobijar a 132 personas, la mayoría africanos, que durmieron varios días en la nave central de la iglesia hasta que les encontraron otros alojamientos.

Después los asistieron para que aprendieran alemán, les buscaron prácticas en empresas o cursos de formación hasta que la mayoría pudieron valerse por sí mismos, y a muchos de ellos, la pastora todavía los saluda todos los meses en los encuentros que se realizan en el jardín.

En los últimos 20 días, Pejac expuso una muestra integrada por sus 45 últimas obras, bajo el nombre de «Apnea», en el Napoleon Komplex, una antigua fábrica de trenes convertida en sala de exposición y de eventos, donde dio a conocer obras producidas en los últimos dos años y medio, entre las que había pinturas de gran formato, dibujos e instalaciones.

La exposición se iba a realizar en Nueva York el año pasado, pero debido a la pandemia decidió posponerla y se quedó en Europa.

Durante el encierro Pejac, un artista enigmático que oculta su nombre real y otros datos biográficos, lanzó una iniciativa en redes sociales llamada Stay Art Home en la que invitaba a recrear sus dibujos en las ventanas de las casas de los participantes.

La iniciativa se hizo viral y se sumaron un millar de personas de 50 países, mientras que en septiembre del año pasado el artista, que también se dedica a hacer grafities, pintó tres murales en el hospital de Valdecilla, en su ciudad natal, Santander, a modo de agradecimiento con médicos y enfermeros por su trabajo durante la pandemia.

La obra de Pejac, siempre reivindicativa, apareció también en cárceles como la de El Dueso, en Cantabria, donde los reclusos le ayudaron a terminar tres murales.

Bancor entregó las distinciones del 14° Premio de Pintura

11 diciembre, 202111 diciembre, 2021 infoarte

Fuente: Gobierno de Córdoba ~ El vicepresidente del Banco de Córdoba, Hugo Escañuela, junto a la presidenta de la Agencia Córdoba Cultura, Nora Bedano, entregaron el 14° Premio de Pintura Bancor en el Museo Tamburini, ante la presencia de artistas, coordinadora, jurados, funcionarios y personalidades de la cultura.

Los ganadores son: 1° Magui Moavro por la obra “Sin Título 63 Serie Bones”; 2° Manuel Cayetano Pavón por la obra “Semillero”; 3° Alejandro Gigli por la obra “Templo”; y en la categoría Muralismo, Carbonillas Proyekt.

Las menciones Arte Bancor Joven Adquisición fueron para Majo Caporaletti por la obra “El origen”; Vicente Girardi Callafa por la obra “El fin del territorio” y Alejandro Stein por la obra “Nelumbo Nucifera”.

Más de 700 artistas del país participaron en este importante premio otorgado todos los años por Bancor de manera ininterrumpida. El jurado estuvo integrado por María José Herrera (Buenos Aires), Marcos Figueroa (Tucumán), Claudia del Río (Santa Fe), Manuel Coll (Córdoba) y TEC Fase (cordobés residente en San Pablo, Brasil). La coordinación general estuvo a cargo de Verónica Molas, con la participación de Guillermo Alonso como veedor de la Agencia Córdoba Cultura.

En esta edición, el concurso incorporó la categoría “muralismo» con la intención de promover el desarrollo del arte urbano y su encuentro con la comunidad de la ciudad. Se presentaron 23 propuestas de artistas individuales y colectivos de Córdoba que expresaban una mirada actual sobre la historia de la ciudad, sus transformaciones territoriales y los vínculos con sus habitantes.

A lo largo de todas las ediciones han participado más de 7500 artistas de todo el país y más de 500 han expuesto sus obras en las salas del Museo Tamburini y museos afines. El patrimonio artístico del museo se enriqueció con un total de 46 obras y un mural.

La muestra del 14° Premio de Pintura estará expuesta en el Museo Tamburini (San Jerónimo 166) hasta el 28 de febrero de 2022, de lunes a viernes de 9.30 a 15, con entrada libre y gratuita. El mural ganador se podrá visitar en Ituzaingó 150.

Ganadores

Primer Premio Adquisición de $280.000 a Magui Moavro (San Martín, Buenos Aires) por la obra “Sin Título 63 Serie Bones”.
Segundo Premio Adquisición de $170.000 a Manuel Cayetano Pavón (Córdoba Capital) por la obra “Semillero”.
Tercer Premio Adquisición de $130.000 a Alejandro Gigli (Lanús, Buenos Aires) por la obra “Templo”.
Mención Arte Bancor Joven Adquisición (Sin orden de mérito) de $100.000 a Majo Caporaletti (CABA) por la obra “El origen”.
Mención Arte Bancor Joven Adquisición de $100.000 (Sin orden de mérito) a Vicente GirardiCallafa (De Chubut, reside en Córdoba) por la obra “El fin del territorio”.
Mención Arte Bancor Joven Adquisición (Sin orden de mérito) de $100.000 a Alejandro Stein (CABA) por la obra “Nelumbo Nucifera”.
Premio Muralismo Córdoba de $280.000 a Carbonillas Proyekt (Córdoba): Luciano Giménez, Nicolás Monsú y Nacha Vollenweider.
Mención Honorífica a la trayectoria (Sin gratificación económica) a Dino Valentini (Córdoba).
Mención Honorífica a la trayectoria (Sin gratificación económica) Luciana Yorlano y Mariano Fernández.

Seleccionados en Categoría Pintura

Mario Agatiello
Loli Aldazábal
Martín Alegre Sánchez
Luis Altieri
Cristina Bernabeu
Milena Correa
Martín Dipaola
Esteban Damián Díaz
Inés Díaz Saubidet
Matías Factorovich
Mónica Fierro
Fernando García
Rosa Mercedes González
Santiago Gramajo
Lucas Jalowski
Mariano Llaneza
Marina Lobato
DaianaMartinello
Gabo Martínez
Paula M. Otegui
Ángel Pacheco
Jorgelina Parkinson
Lía Porto
Ezequiel Quines
Rubén Eduardo Ramonda
Fernando Rapi
Samanta RchedAbugauch
Ana Clara Rizzi
Belén Robeda
Ignacio Rodríguez
Karina Rodríguez
Elisa Salas
Jorge Sarsale
Beatriz Sola
Silvia Sosa
Juan Federico Suárez
Damián Jorge Tesoriero
Ariel Venegas

Una app permite convertir una idea en «una obra de arte»

10 diciembre, 202110 diciembre, 2021 infoarte

Fuente: Ámbito ~ Empresa canadiense lanza una aplicación que permite convertir una idea en una obra de arte, desde el celular.

Crear y explorar imágenes, y transformarlas en obras de arte en segundos a partir de una frase de hasta 100 caracteres, ahora es posible con la ayuda de la Inteligencia Artificial (IA), tal como propone una aplicación de la empresa canadiense Wombo, recientemente lanzada al mundo digital.

«¡Crea hermosas obras de arte utilizando el poder de la IA!» publicita la empresa de Toronto, e instruye sobre los pasos a seguir: «Introduce un mensaje, elige un estilo de arte y observa cómo Wombo Dream convierte tu idea en una pintura impulsada por la IA en cuestión de segundos», mostrando de este modo que «crear un sueño es fácil» para el que solo se necesita bajar esta aplicación que tiene más de 500.000 descargas y un peso de solo 9,7 MB, disponible desde la tienda de aplicaciones móviles.

«Dream» es la aplicación (app) o programa para dispositivos que utilizan sistemas operativos Android o iOS de Apple de descarga gratuita que a dos semanas desde su lanzamiento en noviembre, ya obtuvo más de 10 millones de obras creadas, según publica la empresa en su cuenta de Instagram.

A partir de una frase que escribe el usuario (o escoge de las propuestas) y la elección entre una docena de estilos artísticos disponibles (místico, festivo, psicodélico, y fantástico, entre otros), se puede jugar, seleccionar y aprender con las imágenes que «devuelve» la aplicación, desde un dispositivo o bien desde un navegador web.

La aplicación genera imágenes digitales mediante inteligencia artificial que luego pueden ser compartidas en las redes sociales con un título y la frase inicial, e incluso permite su descarga con una buena definición de 1920 x 1080 pixeles, en formato Trading Card (cartas coleccionables) o ponerlo como fondo de pantalla.

Si bien hay distintos usos de la tecnología de IA aplicada al arte y este no es el primero, en este caso lo sencillo de la app llama la atención por el resultado de sus imágenes, lo que la llevó a ser calificada como uno de «los mejores generadores de arte con inteligencia artificial» a partir de una idea (aquí la creatividad es del usuario) para comenzar sin necesidad de instalar un programa o fotos personales, según destaca el medio Neoteo.

Wombo también es la creadora de de la app viral que permite animar un «selfie» o fotos de políticos, actores, cantantes, por ejemplo, haciendo que la foto cobre vida y «cante», según un tema musical escogido por el usuario.

En el caso de Dream, la app que está generando muchas publicaciones en Twitter, tiene muchos usuarios de Estados Unidos que la utilizan para crear juegos virales, ilustraciones para libros y cómics, según el medio Applicantes, especializado en apps, juegos móviles y startups.

Buenos Aires tiene nuevo museo: cómo es BAM, en pleno Microcentro

10 diciembre, 202110 diciembre, 2021 infoarte

Fuente: Cronista ~ El espacio reabre hoy con una propuesta interactiva para conocer la historia de la ciudad, desde su fundación hasta la actualidad.

El Buenos Aires Museo (BAM), ubicado en Defensa 187, reabre sus puertas hoy con una propuesta interactiva para conocer la historia de la ciudad, desde su fundación hasta la actualidad.

El complejo del Buenos Aires Museo está conformado por 5 edificios situados en la misma manzana dentro del Casco Histórico de la Ciudad. Entre ellos, se puso en valor la fachada del edificio patrimonial Farmacia de la Estrella.

Las vidrieras que son parte de las sedes del museo son interactivas e invitan al visitante a acercarse y dialogar con la colección desde el espacio público las 24 horas.

En la planta baja de la Sede Altos de Elorriaga se exhibe la nueva exposición permanente que relata la historia de Buenos Aires desde su primera fundación hasta el día de hoy. Se abordan los temas de modo cronológico vinculados a las prácticas y usos de sus habitantes.

El patio central funciona como espacio de transición, de sociabilidad y recreación. Se puede descansar en hamacas colgantes escuchando curiosidades de Buenos Aires en audios inmersivos.

Además, se puede acceder a un ascensor que lleva virtualmente a un paseo por 3 de las terrazas más emblemáticas de Buenos Aires. En una estación de carga de baterías y consulta se puede chequear cómo continuar el recorrido y descargar material bibliográfico gratuito al celular.

El primer piso está destinado a experiencias por temáticas de interés y segmentos. El recorrido propone una experiencia interactiva donde por primera vez estas temáticas son abordadas de un modo original e innovador en el relato de un museo.

La Sala Pop Up será una sala ambientación que irá variando de temática año a año para vivir las distintas épocas de Buenos Aires.

En tanto, la Sala Ciudades Imaginadas estará destinada a los niños en la que pueden diseñar el futuro de nuestra ciudad a través de instalaciones y dispositivos interactivos de alto impacto.

Además, en el mismo edificio hay un Centro de Bienvenida al Turista en el que se brinda información sobre la ciudad y las actividades a realizar en ella, un disparador para seguir recorriendo Buenos Aires.

Por otro lado, la Sala Querubines está dedicada a exposiciones temporarias de artes visuales que recibe propuestas del interior del país y cuenta con una sala audiovisual.

El proyecto, desarrollado por la Jefatura de Gabinete de Ministros, el Ente de Turismo y el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, es posible gracias al Programa Nacional de Inversiones Turísticas «50 Destinos» del Ministerio de Turismo y Deportes de la Nación, que impulsa obras de infraestructura turística en las 24 provincias argentinas.

«Buenos Aires es otra de las grandes ciudades del mundo que tiene su museo. Este lugar resume nuestra historia, marca nuestra identidad y, ahora que redoblamos la apuesta, va a combinar nuestras tradiciones con experiencias diferentes, que son modernas, innovadoras y divertidas para todos los que vengan», afirmó Felipe Miguel, Jefe de Gabinete de la Ciudad de Buenos Aires.

Por su parte, el Ministro de Turismo de la Nación, Matías Lammens, consideró que «es una gran alegría ver cómo avanza el Plan 50 Destinos a lo largo y a lo ancho del país. El turismo está en marcha y esta articulación entre los distintos niveles del Estado nos permite dotar de infraestructura turística de calidad a cada ciudad del país para el disfrute de argentinos y argentinas».

En tanto, el Ministro de Cultura porteño Enrique Avogadro precisó que «el museo de la Ciudad recorre nuestra historia y nos conecta con el futuro. Tiene un gran valor patrimonial, parte de nuestra identidad y representa una oportunidad para vivir parte de la enorme oferta cultural de Buenos Aires de forma interactiva y con nuevas tecnologías para el disfrute de los vecinos y vecinas como así también para el turismo».

«Esta renovación del BAM ayudará a la reactivación de la zona mediante la incorporación de actividades culturales y la promoción del turismo nacional e internacional», agregó Gonzalo Robredo, presidente del Ente de Turismo de la ciudad de Buenos Aires.

Quién es el niño prodigio de la pintura: tiene 10 años y varios artistas ya compran sus piezas a miles de dólares

10 diciembre, 202110 diciembre, 2021 infoarte

Fuente: Gente ~ Andrés Valencia es un niño de origen mexicano y residente en San Diego, California. Recientemente capto la atención del mundo del arte plástico por sus cuadros cubistas, que ya se venden entre 5 y 25 mil dólares. Por diciembre 9, 2021

El niño prodigio de la pintura Andrés Valencia, de solo 10 años, cautivo y llamó la atención de todos en la Semana de Arte en Miami con sus obras, de las cuales una tiene ya nueva dueña: la actriz colombiana Sofía Vergara.

La sensación de arte de este 2021, viene aprovechando este momento de fama que la vida le está dando y ya se dio el lujo de pintar un cuadro en vivo junto al reconocido artista caribeño Bradley Theodore en la feria Art Miami, una de las ferias satelitales de Art Basel Miami, como también, de recibir elogios en vivo de figuras de Hollywood, como fue el caso del actor Channing Tatum, que visitó el espacio de Valencia y le mostró su admiración por sus cuadros.

Andrés ya goza de admiradores y durante toda la jornada vio como lo rodeaban personas deseosas de conocerlo y de captarlo en vídeo. A su vez, el niño no solo cuenta con un claro don sino que también hizo ver su extrovertido carácter, al ser consultado por los medios si él solo lo hubiera pintado mejor el cuadro que hizo en colaboración con el artista Bradley Theodore no dudo en responder «sí».

Según comentaron fuentes oficiales de la galería Chase Contemporary, donde tuvo lugar el evento y donde Valencia expuso sus obras, todas ellas fueron vendidas antes del cierre de Art Miami, y obligó a poner un cordón de seguridad. Este es el salvaescaleras más barato para personas mayoresSalvaescaleras Vertical | Enlaces PublicitariosLa escapada romántica de María Eugenia Vidal y Enrique SaccoNahir Galarza: denuncian que quieren obligarla a casarse con el hijo de un capo narco

Quién es Andrés Valencia

Andrés Valencia es un niño de origen mexicano y residente en San Diego, California, hijo de Guadalupe, abogado, y Elsa, diseñadora de joyas, ambos mexicanos. Se inició en el mundo del arte cuando vio una película acerca del desaparecido artista Jean-Michel Basquiat y le dijo a su padre: «yo puedo hacerlo también».

Andrés contó en una entrevista a medios locales que desde muy pequeño le gustaba dibujar y que un día decidió copiar una pintura que había en su casa y le gustaba mucho. Lo pintó una y otra vez para ir perfeccionando su técnica, según dijo el niño prodigio que pintó su primer cuadro a los 5 años y admira a Picasso y a Basquiat, a quien hace un homenaje en uno de los cuadros que llevó a exponer a Miami.

En la web de Chase Contemporary se incluye una biografía del niño en la que se menciona que nació en 2011 y su arte está influido por George Condo, su pintor favorito, Picasso y el cubismo, entre otros.

Según señala el sitio web, el niño usa una escalera y una mezcla de óleo y acrílico para crear obras de gran tamaño, vivo colorido y figuras humanas con el rostro fragmentado. Por su parte, sus maestros en el programa Visual and Performing Arts (VAPA) de la escuela pública a la que asiste en San Diego se dieron cuenta del talento de Andrés enseguida.

En casa, el niño comenzó copiando algunas de las obras de arte que su padre colecciona y ahora trabaja a diario en un estudio casero, pero además suele ver con frecuencia vídeos sobre arte y artistas para completar su formación, indicaron sus padres al ser consultados sobre cómo es el día a día de Andrés.

LA SENSACIÓN DE 2021

En este marco, Andrés Valencia se ha convirtió en la sensación de Art Miami y en general de la Miami Art Week.

Por el espacio de Chase Contemporary han desfilado famosos como la actriz colombiana Sofía Vergara, que compró uno de los cuadros de Andrés, cuyos precios iban entre los 5.000 y los 25.000 dólares, y el actor Channing Tatum, además de artistas plásticos.

Nick Korniloff, director ejecutivo de Art Miami, contó que cuando estaba organizando la feria de este año, la primera desde el 2019 que se vieron obligados a cancelar la del 2020 por la pandemia, y la galería Chase Contemporary le propuso a Andrés Valencia, no dudó en aceptarlo como artista.

«Cuando vi las fotografías y vídeos quedé totalmente impactado, no podía ser real que esos cuadros fueran de un niño de tan corta edad», dijo sobre el niño pintor.

El director ejecutivo de Art Miami recordó que su obligación es velar por que «la calidad de las obras exhibidas sea alta y los artistas respetados» para subrayar después que la producción de Andrés Valencia cumple perfectamente con esos requisitos.

Korniloff usó palabras como «extraordinario», «prodigio» y «único» para referirse al arte de este pintor infantil de San Diego y cuando se le preguntó cómo es Andrés respondió: «es un niño normal, un niño bello, con gran personalidad y creatividad».

Aunque la galería Chase Contemporary organizó hace dos semanas en Nueva York una gran exposición del arte de Valencia, «estos días son los más importantes» para él como artista, agregó.

Asimismo, una parte de los beneficios que le corresponden a Art Miami por las ventas de las obras de Andrés irá a parar a una fundación creada en nombre de un hijastro de Korniloff que desapareció en el mar cuando tenía 15 años, según contó el director ejecutivo a EFE.

En esa línea, Pamela Cohen, esposa de Korniloff y madre del desaparecido Perry J. Cohen, explicó a EFE que cuando conoció a Valencia se dio cuenta de que había similitudes con su hijo. «Ambos tienen almas antiguas», subrayó.

Nace un museo nómade: FOLA cierra su sede y recorrerá el país en tráiler

10 diciembre, 202110 diciembre, 2021 infoarte

Fuente: La Nación ~ Un acoplado con medio centenar de fotografías de otros tantos autores iniciará un recorrido de 7.200 kilómetros por 25 ciudades de ocho provincias; las muestras en Distrito Arcos se podrán visitar hasta fin de mes.

“Nos estamos transformando de un espacio físico y estático a un proyecto móvil”, dijo conmovido hasta las lágrimas Gastón Deleau. El fundador de Fototeca FOLA, museo de fotografía que abrió sus puertas hace seis años y medio en Distrito Arcos, anunció así ante fotógrafos y periodistas que la sede de Palermo cerrará a fin de mes. Una semana más tarde, un flamante tráiler con medio centenar de fotografías de otros tantos autores iniciará un recorrido de 7.200 kilómetros por 25 ciudades de ocho provincias.

Algunos de los artistas que donaron obras para el proyectoAlejandro Guyot

En ese viaje federal, impulsado gracias a una alianza entre FOLA y Arte x Arte, se embarcará también el propio Deleau, apasionado gestor cultural que inició su carrera vendiendo suscripciones de Arte al Día en 1989. Dejará atrás un ciclo en el que impulsó muestras memorables como las dedicadas a Graciela Iturbide, Vivian Maier, Harry Grant Olds y Alfredo Srur, Daniel Muchiut y la recienteLumiere Photo, de fotografías animadas. Hasta fines de diciembre se pueden ver The jungle show y Conquistador, de Yann Gross y Nicolas Savary.

Gastón Deleau, fundador de FOLA, junto al nuevo museo itineranteAlejandro Guyot

Otra etapa comenzará el 10 de enero, cuando el Museo Itinerante de Fotografía estacione en su primer destino: Mendoza o Bariloche, según se defina en los próximos días. Desde entonces exhibirá en forma libre y gratuita fotografías de autores como Annemarie Heinrich,Horacio Coppola, Sara Facio, Adriana Lestido y Helen Zout, entre muchos otros, donadas por ellos o sus descendientes. Incluso transportará un trabajo de realidad aumentada, realizado por Gian Paolo Minelli y Rafael Parra Toro, disponible las 24 horas gracias a un código QR pintado sobre el museo móvil.La transformación de FOLA en un museo móvil

“Es un sentimiento encontrado”, reconoció Esteban Pastorino, uno de los fotógrafos que participan del proyecto. “Por un lado es una pérdida de un espacio muy importante, en el que vi muestras muy importantes y que tenía dinamismo y variedad. Por otro, es un proyecto más federal; no es algo que desaparece, sino que toma otra forma”.

Un trabajo de realidad aumentada, realizado por Gian Paolo Minelli y Rafael Parra Toro, estará disponible las 24 horas gracias a un código QR pintado sobre el museo móvil

Sus colegas Oscar Pintor y Martín Weber, en cambio, lo definieron como “un duelo”. “Ha sido uno de los lugares más representativos de la fotografía”, dijo Pintor, que protagonizó una muestra a comienzos de este año junto con su hijo Pablo. “Era un espacio donde mucha gente joven estaba teniendo posibilidades de encontrarse y de mostrar junto a autores más consagrados –señaló Weber-. Van desapareciendo partes de esos tejidos que nos unen”.

Ataúlfo Pérez Aznar, uno de los fotógrafos que participan del nuvo proyecto, con fotografías de Yann Gross en la muestra actual de FOLAAlejandro Guyot

Los desafíos presupuestarios, agravados por la pandemia, fueron la causa de esta desaparición. Si bien FOLA contó desde el principio con el apoyo incondicional del grupo IRSA, que cedió el espacio de 1200 m2, y se hicieron muestras con financiamiento de sponsors y Mecenazgo, algunas de ellas llegaron a costar más de 50.000 dólares. Los gastos fijos acumulados durante la cuarentena, cuando el museo debió cerrar al público durante nueve meses, no fueron un tema menor. “Solo de luz, aunque no la usáramos, pagábamos una suma fija de 60.000 pesos por mes”, se lamentó Deleau.

Juan Travnik, otro de los fotógrafos que participan del Museo de Itinerante de FotografíaAlejandro Guyot

Ahora, sin embargo, cumplirá un sueño que tiene desde hace más de veinte años: llegar con la fotografía a la mayor cantidad de gente posible. “Democratizar el arte”, dice, como lo hacía cuando organizaba desde Arte al Día los Gallery Nights. Y agrega que “la idea es ir realizando en cada lugar talleres y charlas sobre fotografía con grandes referentes en la materia”.

Ricardo Sanguinetti, hijo de Annemarie Heinrich, cedió obra de su madre al proyectoAlejandro Guyot

Quiso el destino que ese sueño coincidiera con el de Gonzalo Castillo, organizador de “La gran carrera” de autos clásicos. No solo se sumará a este “road trip” cultural, sino que también que trabajará con Deleau en futuros proyectos desde la fundación Arte x Arte, creada por sus padres –Luz y Alfonso- hace un cuarto de siglo.

Luz Castillo, impulsora de la fundación Arte x Arte, se asoció con Deleau para este y otros futuros proyectosAlejandro Guyot

Ambos tomarán la posta de Alberto Greco, artista que entre 1960 y 1961 participó en un proyecto ideado por Rafael Squirru: “Exposiciones Rodantes de Arte Argentino”. Consistía en montar en un camión, cedido por la General Motors, una exposición de arte con fines educativos y recorrer todo el sur argentino con artistas de la capital. “Ahora será Chevrolet, del grupo General Motors, el motor que llevará por el país este museo”, dice Deleau.

El camión de General Motors que usó Alberto Greco en 1960 para su muestra itineranteGentileza Del Infinito

Y se vuelve a emocionar cuando lee una carta escrita entonces por Greco a Lila Mora: “Estoy en la capital pampeana y la inauguración se hace esta tarde. Fuimos a Catriló, un pueblecito pampeano lleno de polvo, con un galpón llamado confitería, un cine tartamudo y un círculo italiano donde expusimos. Salí encantado de Catriló. Organicé un concurso de pintura para chicos (fueron 400) Ganó Montevechio… La entrega de premios fue maravillosa (inolvidable). Estoy entusiasmado. Hay un material humano fabuloso… El encuentro con el hombre en su estado puro.”

Un país ofreció u$s169 millones para comprar una obra de Rembrandt

9 diciembre, 20219 diciembre, 2021 infoarte

Fuente: Ámbito ~ Países Bajos dijo estar dispuesto a pagar esa suma para recuperar para su país el cuadro «Postaestandarte», de Rembrandt.

Este cuadro, un autorretrato pintado en 1636 -a la edad de 30 años- por el pintor holandés, pertenece a propietarios privados, miembros de la familia Rothschild, que desean venderlo.

El estado holandés está dispuesto a pagar 169 millones de dólares para adquirir el «Portaestandarte» de Rembrandt, un cuadro propiedad de miembros de la familia Rothschild, dijo hoy el ministerio de la Cultura de ese país.

París había anunciado el martes que la obra, clasificada como «tesoro nacional» en Francia y estimada en 186 millones de dólares, iba a poder volver al mercado del arte, ya que el estado francés renunció finalmente a su adquisición.

Los Rothschild están dispuestos a vender una obra de Rembrandt

«El Portaestandarte es una de las obras maestras de Rembrandt y está inextricablemente ligado a la historia de Holanda«, declaró en un comunicado el ministerio holandés de Cultura.

«Durante siglos, la obra maestra ha estado en posesión privada, especialmente por el rey de Inglaterra y desde 1844 por la familia Rothschild», continuó. «Ahora es la oportunidad de adquirir un Rembrandt de este calibre», añadió.

Este cuadro, un autorretrato pintado en 1636 -a la edad de 30 años- por el pintor holandés, pertenece a propietarios privados, miembros de la familia Rothschild, que desean venderlo.

La compra, que todavía debe ser autorizada por el Parlamento holandés, será una combinación de financiación pública y privada.

Reabre el Museo de Buenos Aires con una propuesta interactiva para conocer la historia porteña

9 diciembre, 20219 diciembre, 2021 infoarte

Fuente: La Nación ~ Tendrá diferentes salas que invitarán a recorrer, en forma cronológica, los eventos más importantes de la ciudad; está situado en el Casco Histórico.

Con una propuesta interactiva y actividades participativas reabrirá sus puertas el Buenos Aires Museo (BAM), dotado con nuevos recursos tecnológicos que permitirán exhibir mejor la historia de la ciudad, desde su fundación hasta la actualidad. Su creación fue pensada como un espacio de vanguardia, inclusivo y cercano a todas las edades.

El museo, ubicado en Defensa 187, busca consolidarse como un punto referencial del Casco Histórico porteño y, a la vez, la puerta de entrada a Buenos Aires para que el turista conozca la historia y el presente, y pueda imaginar su futuro. Así fue pensado el proyecto desarrollado por la Jefatura de Gabinete de Ministros, el Ente de Turismo y el Ministerio de Cultura de la ciudad, junto al Ministerio de Turismo y Deportes de la Nación, a través del programa nacional de inversiones turísticas 50 Destinos.

El complejo del Buenos Aires Museo reabrirá mañana. Está conformado por cinco inmuebles situados en la misma manzana dentro del Casco Histórico; entre ellos, el edificio patrimonial Farmacia de la Estrella, cuya fachada fue restaurada y puesta en valor. Será un espacio con una fuerte impronta interactiva y tecnológica: las vidrieras que son parte de las sedes del museo son interactivas e invitarán al visitante a acercarse y dialogar con la colección desde el espacio público.

Mañana reabrirá el Museo de Buenos Aires con una propuesta más interactiva y tecnológicaGCBA

“Este lugar resume nuestra historia y marca nuestra identidad. Ahora, la apuesta: vamos a combinar nuestras tradiciones con experiencias diferentes que son modernas, innovadoras y divertidas para todos los que vengan. Les digo a todos los ciudadanos que no se lo pierdan”, propuso el jefe de Gabinete porteño, Felipe Miguel.

En la planta baja de la sede Altos de Elorriaga funcionará la nueva exposición permanente que relata la historia de Buenos Aires, desde su primera fundación hasta hoy, con un abordaje cronológico de los temas vinculados a las prácticas y usos de sus habitantes. El patio central será un espacio de transición, de sociabilidad y recreación: se puede descansar en hamacas colgantes y escuchar curiosidades de Buenos Aires en audios inmersivos.

La vida cotidiana de los porteños, uno de los ejes de las muestrasGCBA

Además, se podrá acceder a un ascensor que transportará virtualmente hacia un paseo por tres de las terrazas más emblemáticas de Buenos Aires. En una estación de carga de baterías y consulta se podrá chequear cómo continuar el recorrido y descargar material bibliográfico gratuito al celular; también, reponer información histórica en una línea del tiempo digital.

Primer piso

El primer piso estará destinado a experiencias por temáticas de interés y segmentos. El recorrido propone experiencias interactivas abordadas de un modo original e innovador. La sala Pop Up ofrecerá una ambientación que irá variando de temática año a año para vivir las distintas épocas de Buenos Aires. La sala Ciudades Imaginadas será destinada a los niños, para que pueden diseñar el futuro de la ciudad a través de instalaciones y dispositivos interactivos de alto impacto.

En el mismo edificio habrá un centro de bienvenida al turista con información sobre la ciudad y sus actividades. Por otro lado, la sala Querubines estará dedicada a exposiciones temporarias de artes visuales.

“El turismo está en marcha y esta articulación entre los distintos niveles del Estado nos permite dotar de infraestructura turística de calidad a cada ciudad del país para el disfrute de argentinos y argentinas”, expresó el ministro de Turismo y Deportes de la Nación, Matías Lammens. Y siguió: “La ciudad de Buenos Aires es una de las grandes puertas de entrada para turistas de todo el mundo y nos llena de satisfacción aportar recursos para que pueda seguir diversificando su oferta”.

Recorrida por Boti

El BAM será el primer museo porteño que se podrá recorrer de forma personalizada a través de Boti, el WhatsApp de la ciudad (11-5050-0147). Para ello, solo hay que escanear el código QR que se encuentra en la entrada del museo y así acceder a información detallada sobre cada una de las salas.

Al iniciar la conversación, Boti sugerirá un camino de acuerdo con los planes de cada visitante: por ejemplo, si la visita es con menores, si la persona viene del extranjero o si está especialmente interesada en la cultura porteña. A partir de las respuestas elegidas, Boti mencionará las salas más acordes y guiará a los visitantes en tiempo real, brindándoles datos destacados y mencionándoles cuáles son las experiencias que no pueden perderse. La conversación también estará disponible en inglés.