Autor: infoarte

Fuente: La Nación ~ El artista plástico, que vive en Paraná, pero con una experiencia de más de una década en Italia, inauguró hoy una muestra unipersonal que podrá verse hasta el 31 de marzo.

El movimiento es vida, energía, sueños, ida y vuelta. Así lo refleja el artista plástico entrerriano, Marcelo Meza, que inauguró hoy en el espacio “mare culturale urbano” de Milán una muestra titulada “In Moto” (“En movimiento”) en la que expone tres series de pinturas realizadas en tres momentos de su vida, marcada a fuego por un ida y vuelta entre su patria e Italia.

“Amo mi ciudad, amo la Argentina, pero también amo Milán, amo Italia”, aseguró a LA NACION Meza, que nació hace 55 años en la pequeña localidad de La Paz, provincia de Entre Ríos, se formó como escultor primero en la Escuela de Artes visuales de Paraná y luego en la Escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, en Buenos Aires. Entonces, mientras estudiaba, trabajó un tiempo con el reconocido escultor Antonio Pujía, como asistente y en el taller de escultura en mármol de Ramón Castejón, al margen de especializarse en escenografía, colaborando con producciones teatrales, cinematográficas y televisivas.

Inspirado por la cultura italiana, en 1995 Meza cumplió su sueño de trasladarse a Milán, donde con garra y pasión, armó un taller para enseñar dibujo y escultura. Al margen de organizar las exhibiciones de sus alumnos, entonces comenzó a participar en muestras colectivas.

“En ese período pasé algunos veranos en Carrara, perfeccionándome en la escultura en mármol en el taller de Carlo Nicoli; en Mendrisio, Suiza, en la técnica de la fusión a la cera perdida; y en la micro fusión en la bottega de los hermanos Ricci, en Valenza (Alessandria), donde empecé a diseñar y a realizar joyas-esculturas”, contó Meza, que de todos modos nunca limitó su talento a una sola disciplina. De hecho, hizo su primera muestra de pintura en el año 2000 en la galería Artistudio de Milán y luego fue experimentando técnicas de grabado y técnicas mixtas, con las que sigue trabajando y experimentando en Paraná, donde volvió a vivir en 2008. Allí enseña artes visuales y actualmente está trabajando en esculturas con material de reciclo, como cables, corchos y papel. “Las últimas las realicé con ramas de níspero”, precisó el artista plástico, que en su regreso a Milán después más de una década, sorprende ahora con unas treinta obras, algunas de su primera época italiana y muchas otras de estos últimos tres años, producidas en la Argentina.

Curada por Domitilla Corsini, la muestra inaugurada hoy y que podrá verse hasta el 31 de marzo, cuyo marco común es el movimiento, se divide en tres partes. Una primera serie, titulada “Strange fruit” por la canción de Abel Meeropol llevada al éxito por Billie Holiday, presenta una serie de cuerpos masculinos en movimiento, cuya flexibilidad y dinamismo enseguida impacta al espectador. “La técnica, muy original, está realizada con esmalte sintético desparramado con una cuchara, en una suerte de ‘dripping figurativo’ que recuerda la action painting del artista Jason Pollock”, comentó Corsini.

La segunda serie muestra a “Los cardenales” y está inspirada en un hecho real: cuando, durante el imponente funeral de Juan Pablo II, el 8 de abril de 2005, se levantó un fuerte viento que, al margen de mover las páginas del Evangelio colocado sobre el ataúd del pontífice, creó un momento de total caos entre los purpurados, cuyos hábitos empezaron, también, a revolotear, fuera de control. “La serie surgió de aquellas imágenes del funeral. Me divertía la compostura de los cardenales cuando volaba todo… Era, además, un funeral importante. Y me gustaba esa marea roja que se movía”, recordó Meza, que para esta serie utilizó técnicas aparentemente simples –birome, pasteles y lápices de color- sobre papel. “Soy creyente, pero muy crítico de ciertos errores de la Iglesia católica”, agregó, ante una pregunta.

La tercera serie, “Juegos”, está compuesta por dibujos y mono copias siempre centradas en el mismo tema del movimiento, realizadas con tinta china y gasas.

“El movimiento es una constante en mis trabajos. Me gusta capturar un movimiento, como en una foto”, explicó el artista, que precisó que las últimas pinturas las realizó en Italia, con esmalte sintético, estuco y acrílico sobre madera y que no ocultó su inmensa alegría al inaugurar esta unipersonal. “Es la primera muestra en Milán después de 13 años de haber vuelto a la Argentina. ¿Qué siento? Mucha emoción, porque Milán es una ciudad que amo profundamente, mi segunda casa y dónde encontré a los mejores amigos”, dijo, lleno de entusiasmo.

¿Proyectos para el futuro? “Volver a Paraná, retomar mi actividad de docente y artística y poder realizar una muestra de esculturas, al aire libre. Me gusta que la gente que transita por las calles se encuentre con algo diferente. Y espero volver a Italia con otra muestra el año próximo, pero de esculturas. Aunque amo mi país, para mi trabajo es mejor vivir en Milán. Hay más oportunidades”, confesó. “Además –concluyó- siempre me sentí mimado por esta ciudad y su gente”.

Fuente: Ámbito ~ La creadora rosarina, revulsiva en su juventud por los objetos con que trabajaba, encarnó en Foto Arte, en el Este, personajes de la historia.

Los artistas argentinos ocupan un lugar preferencial en Punta del Este. Y Foto Arte, la galería especializada en fotografía contemporánea que se inauguró en los Altos de Punta Piedras el pasado diciembre, no es la excepción. Primero presentaron al fotógrafo Gabriel Valansi. Y luego, en estos días, a Nicola Costantino. Como una actriz consumada, la artista rosarina encarnó frente a la cámara de Valansi distintos personajes de la historia del arte. Allí está la imagen de “Crystal tears, after Man Ray” (2006). Costantino suplanta a la modelo del vanguardista y, al igual que Man Ray, le añade a la foto en blanco y negro el brillo de unas lágrimas. Pero con un gesto de humor, en vez de adherir los cristales sobre el rostro los pega directamente sobre la fotografía.

La exposición se remonta a los comienzos de su carrera. Hay en la sala una pelota de fútbol realizada con su conocida “Peletería humana”, una silicona que imita la piel humana y los bajo-relieves que ostentan las formas de anos, tetillas y ombligos. El espíritu de estas obras tempranas coincidía con el salvajismo -sofisticado en cierto modo- de las “Chanchobolas”, animales que luego de pasar por un molde adquirían cualidades escultóricas, o la de los jabones realizados con grasa de su propia liposucción, obra que muchos consideran revulsiva. No obstante, hace una semana, Costantino cruzó el Río de La Plata con sus bellísimas flores, similares a las del kiosco atendido por ella misma que cosechó aplausos el año pasado en la Feria arte BA.

“¿Qué implica ser artista?”, se cuestionó entonces Costantino. Y advirtió: “En el Barroco las flores recordaban la fugacidad de la belleza y la vida. Yo estoy acercándome a los 60 años. Necesito producir belleza, algo que reconforta, que cura. Además, creo que el arte no puede ser inalcanzable. Los artistas tenemos que acercarlo a la gente para que pueda poseerlo, comprarlo. Es la manera de ser libres y brindar la felicidad”. Con la determinación de poner en práctica sus ideas, vendió personalmente las flores por 50 dólares cada unidad y por algunos centenares los ramilletes. Así liquidó parte de la colección realizada en cerámica con la sofisticada técnica japonesa Nerikomi. Si bien las flores son las estrellas de la exposición uruguaya, desde las que recuerdan el arte flamenco hasta las que traen a la memoria el erotismo de los gigantescos ejemplares de Georgia O’Keeffe, en la galería, Costantino acentúa la vocación femenina al presentar la formidable vajilla, emprendimiento con el cual recupera el uso de la técnica ancestral japonesa.

Un abismo separa a nuestra artista de los batallones que hoy revuelven los arcones de la historia del arte en busca de sus citas. “Nicola resignifica y se apropia de las obras y también de sus técnicas de reproducción. Con estas herramientas presenta la complejidad y trayectoria de la fotografía”, informan en el Este. Costantino observa que las versiones de imágenes icónicas resueltas con la técnica del gobelino, o del colodión húmedo, un procedimiento llamado así porque las placas de vidrio deben permanecer húmedas durante el procedimiento de toma y revelado, son maneras de continuar un legado. Y, obviamente, de brindarle a las obras cualidades insospechadas, producto del cruce del presente con el pasado. El colodión es el secreto de la misteriosa interpretación de la vieja actriz Gloria Swanson retratada por Edward Steichen con el rostro cubierto de encaje.

Costantino, dueña de una versatilidad que le permite interpretar diversos prototipos psicológicos, recrea unas pinturas del “Jardín de las delicias” de Hieronymus Bosch, los ensueños del precursor del surrealismo aparecen bordados en un tapiz. Entretanto, el profesionalismo y la perfección técnica de Valansi se conjuga con las cualidades de Costantino, de tal modo que las obras poseen un impecable nivel de calidad. “Me interesa la foto como soporte, pero mucho más me importa la cuestión performática, la actuación, la construcción de la escena, el vestuario”. La artista se deja penetrar por identidades y situaciones que le son ajenas y el espectador sensible percibe la difícil rivalidad que, con su fuerte personalidad, establece con los personajes que interpreta. Es decir, aunque se entrega a la pose y se mimetiza plenamente, Costantino nunca desaparece de la escena. Esta manera tan especial de estar presente en la piel de los demás, tiene estrecha relación con su fotogenia, ya que las fotos la favorecen, destacan la aptitud especial de su rostro de rasgos marcados y de inmediato reconocibles, con sus ojos enormes. Pero además de la cuestión corporal, existe un respeto porpor ella misma y, a la vez, por los atributos del otro.

Por otra parte, sobre el proceso creativo, aclara: “Mi interés estético nunca estuvo en la pintura ni en el dibujo, pero esta técnica japonesa consiste en amasar la arcilla con pigmentos y armar grandes bloques planificando el diseño. Después se corta en láminas y aparece el mismo motivo. Durante la cuarentena investigué técnicas como el soplado de vidrio. También experimenté llevar al gobelino mis imágenes, tejidas con hilos de colores. Me faltaba la cerámica, que acompaña al hombre desde el primer día de su existencia. Me parece muy significativo haber llegado hasta aquí. Siempre trabajé con químicos, plásticos, resinas, poliéster y siliconas, que me fueron llevando a buscar materiales más orgánicos y naturales, no contaminantes”.