Categoría: Tecnología

Fuente: El Economista ~ La propuesta de BAG incluye el marketplace de arte digital latinoamericano más grande con 200 artistas ya inscriptos.

Con una inversión inicial de US$ 1,5 millones se presentó Blockchain Art Gallery (BAG), una iniciativa que busca convertirse en la primera red de arte NFT latinoamericana para facilitar a los artistas digitales una plataforma para comprar y vender arte NFT, a partir de una idea que integra conceptos del gaming, entre otros.

La Blockchain Art Gallery (BAG) tiene como objetivo trazar un nuevo paradigma dentro del arte digital y en esta primera ronda de negocios se recaudó US$ 1,5 millones y obtuvo respaldo de jugadores del ecosistema cripto y las finanzas como Ripio, una de las exchanges líderes en América Latina, de David García, líder de Borderless, empresarios e inversionistas como Eduardo Elzstain (Grupo IRSA), Ariel Scaliter y Eduardo Novillo Astrada (Agrotoken).

«El objetivo es impulsar un acceso más inclusivo y descentralizado, gracias a la tecnología que permite fusionar a la cultura con las finanzas, trazando así el camino del futuro del arte«, según el comunicado de la iniciativa que se suma al crecimiento del arte digital en la región y busca generar una comunidad.

«Creemos que tenemos un rol que excede la necesidad por monetizar. Tiene que ver con generar hábitos nuevos, tanto para el sistema del arte como para el sistema cripto. Buscamos tener una actitud superadora. Vivir con arte es una experiencia única e intransferible, una obra de arte acompaña, te modifica», sostuvo el galerista Pablo de Sousa, uno de los integrantes de la propuesta.

Los impulsores de BAG son tres amigos de la infancia que crecieron Villa Elisa, La Plata: Martín González, ingeniero hidráulico y civil, conocedor de finanzas (Bitcoin, DeFi y nuevas tecnologías) y CEO de BAG; Pablo de Sousa, director de la galería Aldo de Sousa y el sello editorial ADS y actual presidente de la Cámara Argentina de Galerías de Arte Contemporáneo (Meridiano); e Ignacio Elffman, diseñador gráfico y director de arte.

«Los NFTs abren un mundo de posibilidades totalmente nuevo, no sólo van a transformar la manera en que vivimos la cultura sino que también llegaron para democratizar el acceso al arte digital, entre otras cosas. Los NFTs permiten que cualquier persona, que nunca había comprado arte, lo esté haciendo desde una computadora o desde el celular«, explicó González.

Esta iniciativa «hizo que el mercado del arte NFT esté creciendo exponencialmente, llegando a representar casi la quinta parte del mercado de arte global. En 2021 las transacciones en este segmento fueron de US$ 13.000 millones con apenas un par de años de existencia», precisó González.

La propuesta de BAG incluye el marketplace de arte digital (https://artbag.io/) latinoamericano más grande con 200 artistas ya inscriptos, que está construida sobre la blockchain de Ethereum, y está pensada como una plataforma de navegación intuitiva, lúdica donde obras y artistas son los protagonistas.

También se está integrando con Ripio para que más de 3 millones de usuarios del exchange puedan acceder de forma directa a la compra de obras digitales, y a su vez, brindará opción de compra a través de tarjetas de crédito.

Esta apuesta de revalorización del arte digital ofrece a los artistas el «Lazy minting» lo que les permite no tener que invertir y pagar anticipadamente para el registro de sus obras dentro de la blockchain, sino que este costo lo asume el comprador.

También incluye el concepto que proviene del gaming «play to earn» adecuada al arte como «art to earn», que permite a cualquier persona registrada, participar en la validación de las obras y ganar dinero, por medio de la construcción de una red colaborativa de intercambio entre artistas y público en general.

La empresa planifica lanzar otras unidades de negocio de experiencias NFT, en música, shows y festivales para «llevar al arte a nuevas dimensiones», precisaron.

Fuente: Ámbito ~ Las obras estarán disponibles a partir de junio 2022 en The Collections, el ecosistema de NFT que reúne obras de artistas latinoamericanos. Se lanzará principalmente en Estados Unidos.

Una colección de NFT del artista chaqueño Milo Lockett titulada «Miloverso» -un total de 11.111 obras creadas íntegramente a partir de su arte y hechas a mano con un diseño de alta calidad- estará disponibles a partir de junio 2022 en The Collections, el ecosistema de NFT que reúne obras de artistas latinoamericanos.

Lockett presenta así su propio metaverso, una colección NFT que fue co-creada por un equipo de artistas digitales que llevaron al mundo 3D a uno de los personajes más característicos de Milo: sus elefantes.

The Collections es una plataforma que impulsa a creadores de diferentes ámbitos a desembarcar en el Metaverso y desarrolla el proceso de forma integral; creación o co-creación, estrategia de comunicación, generación de comunidades en canales especializados, desarrollo blockchain hasta la acuñación final de los tokens, señalaron en un comunicado.

«Es un gran desafío para mí desembarcar en el metaverso, donde todo se puede representar, crear, coleccionar, es un espacio infinito para generar valor sin límites ni fronteras. Estas obras me permitieron verter todo mi universo, dirigiendo la creatividad en diferentes formas y personajes», expresó Milo Lockett.

El artista argentino elaboró a mano más de cien ilustraciones únicas con pincel y fibra, que luego fueron capturadas en 3D junto a un equipo de artistas digitales, sobre uno de sus personajes más icónicos de su obra: el elefante, que representa buena suerte, sabiduría, fuerza y protección en diferentes culturas.

El Miloverso se lanzará principalmente en Estados Unidos y se podrá adquirir mediante una preventa exclusiva a través del sitio web miloverso.io. Lockett ha pintado enormes murales para algunos edificios históricos de Buenos Aires, como el Abasto de Buenos Aires o el Aeropuerto Internacional de Buenos Aires.

En 2017, el exalcalde de Miami invitó a Lockett a pintar un mural en Wynwood Art District. Milo donó ese mural y también pintó otros para algunas escuelas del distrito, y por esas acciones se le otorgó la Llave de la Ciudad de Miami.

Durante más de 20 años ha participado en exposiciones individuales y colectivas en su país y alrededor del mundo. Ha obtenido numerosos premios y participa activamente en diversos proyectos, donando parte de su obra a fines sociales. También diseña muebles, bolsos, ropa, gafas y objetos de decoración.

Fuente: Argentina ~ Como parte de las actividades del Ministerio de Cultura en la 46.ª Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, se realizó ayer en el stand del Ministerio el encuentro “Mujeres y diversidades en el arte digital”. Se trató de uno de los conversatorios a cargo de Tecnópolis, con la idea de acercar a todo el público presente las actividades y proyectos que lleva adelante el predio ferial de ciencia y tecnología más importante de la región.

Frente a una multitud de visitantes –y con la participación de María Rosenfeldt, directora de Tecnópolis; Natalia Perelman, directora del Centro de Investigación en Audio y Música (CIAM) de Tecnópolis; Mariana Albornoz, coordinadora de arte y especialista en arte digital; Lía Ghara, DJ y referente del colectivo LGTBIQ+, y Gala González, artista y productora de contenidos–, el debate se centró en las relaciones entre artes y tecnologías, y el rol de las mujeres que cada vez más asumen posición frente a este tipo de creaciones y experiencias artísticas.

María Rosenfeldt, directora de Tecnópolis.

“Es un momento especial porque este conversatorio lo componen mujeres y diversidades que cada día trabajan de una manera muy comprometida con lo que es Tecnópolis: un espacio de creación permanente donde pensamos que, desde la cultura y la comunicación, se puede transformar la sociedad, abrir imaginarios y plantear futuros distintos”, compartió Rosenfeldt al presentar a las disertantes. Y agregó: “Estas mujeres tienen una función muy destacada porque, con talento, se suman a cada proyecto de arte y tecnología que llevamos adelante de manera innovadora y con la más calidad”.

Al comenzar el debate, Gala González expresó: “Tecnópolis es un proyecto gigante que tiene un objetivo muy ambicioso: mostrar cómo es el futuro del arte, la ciencia y la tecnología en nuestro país, con un enorme esfuerzo para administrar esas 56 hectáreas de contenidos, con unos 50 mil visitantes diarios. La idea es también inspirar, sobre todo a las juventudes, a las carreras científicas, artísticas y tecnológicas. Por eso la intención es democratizar y hacer accesible todos los contenidos que lleva adelante el Predio y demostrar que este tipo de desarrollo en las industrias culturales no se trata de una elite, sino que es para todos y todas”.

Gala González, artista y productora de contenidos.

En este sentido, y entre aquellos proyectos, actividades y programas que se realizan en Tecnópolis, las disertantes destacaron la importancia de la creación y puesta en valor del Laboratorio de Artes Electrónicas y del Centro de Investigación en Audio y Música (CIAM), como usina de creación, experimentación, estudio y promoción de la música argentina.

“El Laboratorio de Artes Electrónicas es un espacio en el que se viene trabajando desde el año pasado, con el fin de mostrar una producción digital y audiovisual muy interactiva; el uso de la tecnología a partir de diferentes dispositivos y contenidos que queremos democratizar para su conocimiento y uso; que ese cruce de las artes y las tecnologías sea muy cercano para todos y todas. De este modo, también invitar a artistas y programadores de música, de videojuegos, etc. de toda la Argentina para que puedan desarrollar y demostrar sus proyectos y contenidos en este espacio de Tecnópolis, que es único en el país”, destacó Albornoz.

Mariana Albornoz, coordinadora de arte y especialista en arte digital.

Por su parte, Natalia Perelman, actual directora del Centro de Investigación en Audio y Música (CIAM), contó sobre la tecnología de avanzada con la cuenta el Centro: dos estudios de grabación, sonido y edición musical de vanguardia, y mediante los cuales se producen distintos contenidos, obras y materiales, además de diversas líneas de acción, como conciertos, espectáculos, capacitaciones, intercambios entre artistas, concursos para bandas emergentes, campañas de difusión y bancos musicales de sonidos autóctonos. Además, la conexión entre artistas emergentes de distintos estilos, generaciones y regiones del país es una de las misiones de este espacio que vuelve a ponerse en marcha en el marco de los 10 años de Tecnópolis.

Por otra parte, también se destacó la perspectiva de género dentro de la temática. Mariana Albornoz expresó: “En estos espacios y en ese esfuerzo de producir y mostrar todo lo que se hace desde las artes y tecnologías, desde Tecnópolis, hay muchas mujeres trabajando. Somos muchas mujeres y diversidades trabajando en el proceso para que todo esto suceda. Esto le da otra capa de dificultad que la atravesamos en equipo. Somos mujeres poniendo todo el cuerpo y el esfuerzo contra un sistema cultural duro, verticalista y patriarcal que, día a día, lo vamos transformando en otra cosa”.

Natalia Perelman, directora del Centro de Investigación en Audio y Música (CIAM).

Perelman, a su turno, también se refirió sobre la cuestión de género dentro del campo de las artes electrónicas y musicales: “Después de haber transitado una serie de dificultades en nuestros caminos y carreras, hoy con estas mujeres nos encontramos en un momento, en Parque de Tecnópolis, aportando una mirada mucho más colectiva. Es una de las cuestiones que también debatimos: cómo construir aquello que tal vez ellos no pudieron ver de la misma manera que nosotras. Eso mismo creo que es un capital de experiencia que se agrega a la propia experiencia de tecnópolis. Los que tomamos decisiones en los equipos del Predio de Tecnópolis y llevamos adelante proyectos, de la mano de María Rosenfeldt, la mayoría somos mujeres y diversidades. Eso es realmente algo para tener en cuenta y es un gran valor agregado”.

Más tarde la DJ y referente del colectivo LGTBIQ+, Lía Ghara, opinó: “Cada vez que entro a Tecnópolis siento mucha emoción porque se trata de un lugar tan afectivo, tan igualitario, en el que circula toda una heterogeneidad de las individualidades, de quienes habitamos el Predio. En Tecnópolis siempre pasan cosas nuevas, siempre hay espacios, disciplinas, actividades nuevas por conocer y que probablemente nunca se las había imaginado. Sobre todo, en Tecnópolis, se trata de atravesar fronteras, desde las disciplinarias hasta las identitarias”.

Lía Ghara, DJ y referente del colectivo LGTBIQ+.

Y agregó: “Desde las disciplinas, ya lo vemos en el cruce entre artes y tecnologías. Porque muchas veces se piensa que el arte es solo el que está en los museos o en el teatro. Y acá vemos cómo se atraviesan y tejen esas fronteras, con las tecnologías, la robótica, las ciencias y el ocio. Y también con las diversidades, como el lugar generoso que me da Tecnópolis: que sea una lesbiana que esté musicalizando un espectáculo es un montón. Porque no siempre se pensó en una lesbiana para este tipo de lugares. Y Tecnópolis también significa eso: romper moldes construidos, reelaborar y para proponer otros sentidos”.

Durante el cierre del conversatorio, Natalia Perelman recordó la actual convocatoria que continúa abierta hasta el 25 de mayo, a cargo de Tecnópolis, para conformar un nuevo cancionero federal a través del CIAM: “Pueden presentarse solistas mayores de 18 años, argentinos, argentinas, o extranjeros con residencia acreditada en el país y grupos musicales autogestivos, que se pueden inscribir en somos.cultura.gob.ar. Serán premiados 24 proyectos con la producción, grabación, edición, mezcla y masterización de obras inéditas en el CIAM de Tecnópolis”.

Fuente: Ámbito ~ Como parte de la colección de arte «El latido de la tierra», la compañía presenta dos nuevas experiencias interactivas que buscan concientizar y enseñar a todas las personas en el mundo sobre el daño ambiental en el planeta.

Con el objetivo de mostrar el impacto del daño ambiental en el planeta, Google Arts & Culture y la Convención Marco de las Naciones Unidas sobre el Cambio Climático (UNFCCC) invitaron a Refik Anadol y el colectivo artístico femenino Hyphen Labs a interpretar datos científicos sobre el clima a través de dos nuevas obras de arte interactivas.

Las experiencias están disponibles a partir de este jueves de manera online y gratuita, como parte de la tercera edición de la colección Heartbeat of the Earth (en español, “El latido de la tierra”). Las nuevas obras se suman a las ocho ya publicadas desde el inicio de la colección de Google Arts & Culture en 2020, con el propósito de hacer más accesibles y visibles los datos que explican la crisis del clima y su impacto en nuestro entorno.

“Con los impactos del cambio climático acelerándose y haciéndose más evidentes cada día, es más importante que nunca involucrar a los artistas y utilizar la cultura como un vehículo para el mensaje de que la situación en torno a la crisis climática es urgente”, dijo Ovais Sarmad, secretario ejecutivo adjunto para el Cambio Climático de la ONU.

Y agregó: “La ciencia y los datos complejos deben mostrarse de forma emotiva, de manera que permita comprender cómo el calentamiento global nos afecta a todos individual y colectivamente”.

Qué daños nos mostraría una resonancia magnética de la Tierra

En el experimento “Resonancia magnética de la Tierra”, el artista Refik Anadol interpreta nuestro planeta como si de un “cuerpo” se tratase, mostrando el daño que le estamos infligiendo con el cambio climático. Anadol invita a reflexionar sobre la belleza de la Tierra a través de visualizaciones de paisajes naturales generados por aprendizaje automático y además nos motiva a actuar para un futuro de esperanza.

Google

Cómo nos afectarán los efectos en cascada del deshielo de los polos

El colectivo global Hyphen Labs, junto con la artista inupiaq (indígena del norte de Alaska) Allison Akootchook Warden y la Union of Concerned Scientists, exploran en la experiencia “Subida insidiosa” los efectos en cascada que genera el calentamiento de los hielos polares. Y además explican cómo el calentamiento del clima no sólo desencadenará el colapso ecológico, sino que también ejercerá presión sobre los sistemas existentes que ya afectan de manera desproporcionada a los marginados.

De esta manera, con las obras artísticas se busca animar a la gente a aprender más sobre la crisis climática y que sirvan de motivación para tomar la iniciativa y cuidar el planeta.

Fuente: Clarín ~ Ya existen en la Argentina artistas, galeristas y coleccionistas que hacen, venden y compran obras virtualmente. ¿Tendencia del momento o tiene futuro?

La noticia que prendió el bichito de la curiosidad apareció en marzo de 2021, cuando los medios más importantes se hicieron eco de un hecho sin precedentes en el mundo del arte: la prestigiosa casa de subastas Christie’s anunciaba que había vendido la primera obra de arte digital en NFT a un exorbitante monto de 69,3 millones de dólares.

Su autor era Beeple, un artista digital, diseñador gráfico y animador estadounidense cuyo nombre hasta ese momento era prácticamente desconocido en el circuito artístico. La noticia abrió un universo de términos que para muchos se volvieron confusos: ¿NFT, blockchain, criptomonedas?

En todo ese mar de información, el concepto estrella es sin duda el de NFT (Not Fungible Token o Token no fungible, en español), un activo digital basado en tecnología blockchain que se puede usar para representar la propiedad digital de algo único y escaso, como, entre muchas otras cosas, obras de arte.

Escultura digital. Un NFT avala que la obra es única y original: ideal para invertir y ahorrar bitcoins. Foto: Archivo Clarín.

Explicado de forma sencilla –y bastante simplificada– es lo que certifica que determinada obra de arte digital (imagen, video, GIF, música, etcétera) es única y original.

Tal como define el artista argentino Tomás García, que se dedica también a hacer videos explicativos sobre el tema, el NFT viene a ser una especie de “carpeta digital” que contiene la información de esa obra de arte digital en específico: el link a la obra, la fecha de creación, los datos del autor y los datos del comprador.

¿Pero toda obra de arte digital tiene un NFT? No. Para eso el artista debe hacer lo que en la jerga se llama “mintear” la obra, es decir, crearle un NFT (una especie de certificado de autenticidad) al registrarlo en la famosa blockchain, la tecnología de software de código abierto basada en la criptografía que fue la base para el surgimiento del Bitcoin y que García describe como “un gran libro inalterable” donde se registran todas las transacciones realizadas con criptomonedas.

Para Juan Cruz Andrada –historiador del arte, especialista en arte, mercado y coleccionismo–, el concepto de “criptoarte” no es el más atinado al hablar de la tendencia, ya que el arte viene trabajando, jugando y utilizando lo digital y la computación desde que existe la primera computadora: “Yo hablaría no de criptoarte sino de arte digital y NFT”.

Varios artistas no vieron modificado su proceso creativo ante la aparición de los NFTs, sino que la tecnología vino más bien a cambiar el modo en el que podían vender sus obras: “Lo que estaba pasando es que el arte viró a las redes sociales, donde las obras se valoraban a través de likes, clics o views”, detalla el artista visual Maximiliano Bellmann.

“Me parece que los NFTs lograron la posibilidad de tener un registro y una cierta conexión con un pago real para los artistas, un valor económico. Los artistas estaban subiendo material gratis hace un montón de tiempo a las redes sociales.”

Pandemia y cripto

Durante la pandemia surgieron comunidades de artistas que querían adentrarse en el criptoarte.

Obra de Frenetik Void: “Chicken heart”, en el site Diderot Digital.

En la Argentina aparecieron algunas como CryptoArg, que reúne a los exponentes locales, o la cuenta de Twitter Hic Et Nunc Argentina, donde el artista y diseñador Danilo Cicero se dedica a difundir criptoarte de nuestro país.

En diálogo con Viva, Cicero cuenta que, en su opinión, lo interesante del arte digital y los NFTs es que no sólo los artistas pueden obtener dinero por ventas de sus obras, sino que también diseñadores o creadores aficionados pueden publicar sus trabajos para experimentar y obtener también un rédito económico.

“El mundo del criptoarte es bastante impredecible y no hay nada escrito… es algo interesante e inquietante a la vez”, opina.

“El NFT es un concepto muy amplio. Hay redes más económicas y accesibles y otras en las que hay que pagar un fee en dólares para poder participar. Hay que tener una billetera virtual, comprar criptomonedas. Es todo un proceso de alfabetización que lleva un tiempo. A mí me costó, tuve que mirar tutoriales y ponerme a estudiar un poco. La comunidad ayuda mucho en ese sentido”, cuenta el artista Maximiliano Bellmann.

Las obras digitales con NFT se compran y venden mediante criptomonedas. Mientras una obra de arte física se suele adquirir en una galería de arte, en el caso del “criptoarte” el mismo se puede comprar en distintos marketplaces online especializados –algunos de los más conocidos mundialmente son OpenSea, HEN o SuperRare– que funcionan con distintas blockchains y sus correspondientes criptomonedas como Ethereum, Tezos o Solana, entre muchas otras.

En un universo en franca expansión, cada una de estas plataformas o criptomonedas tienen sus diferencias de costos, prestigio y público.

Sin embargo, actualmente la mayoría de las transacciones de criptoarte se realizan mediante Ethereum, la segunda blockchain más importante luego de Bitcoin, y que a muchos les resonará porque hace poco su fundador, el programador ruso Vitálik Buterin, estuvo de visita en Argentina.

Obra irónica de fotógrafo argentino Marcos López sobre “terrenos virtuales”.

Lo innovador de Ethereum es que fue la creadora de los llamados “contratos inteligentes”, que, en el caso de las obras de arte digitales, permiten, por ejemplo, dejar asentadas en un NFT las condiciones de reventa de dicha obra de arte, donde el artista puede establecer la comisión que quiere cobrar cada vez que la obra se revende.

¿Un nuevo rol para las galerías?

Además de las plataformas mundiales a través de las que se vende el criptoarte, como OpenSea, en el último tiempo nacieron en Argentina proyectos locales dedicados a dar vida a esta tendencia de manera autóctona.

Una de ellas es la galería virtual Diderot.art, creada por Lucrecia Cornejo y Angie Braun, que a fines del año pasado realizó Diderot Digital Exhibition, una muestra online en la que incluyeron obras digitales con NFTs (o “criptoarte”).

“Estamos siempre atentos a las nuevas manifestaciones del arte y las propuestas de los artistas. Siendo una galería digital nos era inevitable incursionar y explorar ese nuevo territorio. Nuestra primera acción fue convocar a 10 artistas argentinos del criptoarte, invitándolos a participar con sus obras NFT en una de las salas de la exhibición virtual”, cuenta a Viva Stefy Jaugust, Curadora y Asesora de Arte Asociada en Diderot.

Otra plataforma local es BAG –Blockchain Art Gallery–, creada por los argentinos Ignacio Elffman, Martín González y Pablo de Sousa y dedicada a vender y difundir arte NFT latinoamericano. Una de las grandes innovaciones que introdujo BAG es lo que ellos llaman un proceso de “curaduría algorítmica descentralizada”.

En palabras de Martín González, CEO de la galería, este sistema permite que todas las obras digitales de BAG no sean curadas sólo por profesionales del arte sino también por la comunidad en general.

“Creemos que hay que romper un poco con el monopolio de la legitimación en el mundo del arte”, opina Martín González.

Y agrega: “En nuestra plataforma hay dos instancias de curaduría. Para estar en BAG el artista tiene que ser aprobado por nuestra dirección de arte, y, en segunda instancia, cuando un artista crea su obra antes de salir a la venta pasa por un proceso de curaduría donde pueden participar los artistas, los partners y la comunidad en general. La comunidad vota y un algoritmo establece un promedio y da un ranking. Después, el 1% de las ventas de esa obra se distribuye entre todas las personas que la curaron”.

Estas posibilidades que brindan los NFTs suscitan muchas veces la idea de cierto proceso de “democratización” dentro del mundo del arte digital. Para el CEO de BAG esto es 100% real: “No solo facilitó el acceso para que muchos artistas vivan del arte, porque antes el arte digital era muy difícil de comercializar, sino que también democratizó el acceso en el consumo de arte. Un chico o una chica de un barrio de CABA, o un hijo de un chacarero en Junín, está accediendo y comprando arte a través del coleccionismo de NFTs. Algo que antes era impensado”.

Desde el lado contrario, quienes ponen en tensión esta democratización señalan como contraparte el hecho de que las criptomonedas de todo el mundo se concentran en pocas personas.

Según un reciente informe publicado por la Oficina Nacional de Investigación Económica de los Estados Unidos, actualmente hay cerca de 19 millones de bitcoin en circulación, de los cuales el 27% pertenece a sólo 10.000 individuos.

Compradores y precios

Pero, ¿quiénes compran criptoarte? En diálogo con Viva, Matías Loizaga, CEO de Enigma.art, otra plataforma argentina de venta de NFTs de arte digital que tiene obras de artistas como Nicola Constantino y de músicos como Bizarrap o Babasónicos, explica que los compradores son tan variados como las obras mismas que se ofrecen.

En cuanto al valor, también va a depender de cada artista y de cómo valore el público la obra.

Dice: “No es lo mismo el fanático de Bizarrap que el que le compra la obra a Marcos López, así que tenemos compradores muy distintos. Los valores también cambian mucho. En Enigma hemos regalado NFTs y hemos vendido otros desde 50 hasta 5.000 dólares”.

Noticias como la de la venta megamillonaria de Beeple dan la idea de que el arte digital y los NFTs mueven cifras siderales, pero lo cierto es que esos casos son sólo excepciones.

Trío cripto. Facundo y Manuel Migoya, Matías Loizaga al medio: cabezas de Enigma.art.

Según comenta el artista visual Maximiliano Bellmann, el valor de los NFTs suele ser bajo: “Por lo general ronda los 100 dólares. Por ahora es un mercado en el que los valores que se manejan son bajos pero se apunta a un volumen y que es un activo que permanece en el tiempo, así que su valor va aumentando a medida que se revende”.

No todo es color de rosas. Una crítica contra el criptarte es su impacto medioambiental. La tecnología del blockchain, a raíz de la cual funcionan los NFTs y las criptomonedas, es muchas veces cuestionada por su gasto energético.

De acuerdo al último reporte de Digiconomist, las huellas totales de Bitcoin anualizadas muestran un consumo energético similar al de Tailandia, y una huella de carbono equivalente a la que produce anualmente un país como Kuwait.

Conscientes de este impacto, otras blockchains como Ethereum están haciéndose cargo de las acusaciones.

En su blog oficial, la compañía aseguró que la versión 2.0 de su criptomoneda “consumirá un 99,95 % menos que la red actual”.

“Es importante hablar del impacto ecológico de todo esto”, dice el historiador del arte Andrada. “Hay soluciones que de hecho se están ensayando o haciendo. Está bueno que esté en la discusión porque en muchos ámbitos hoy la palabra clave es la sustentabilidad y esto mismo se da dentro de las blockchain”, opina.

Otro de los miedos al hablar de NFTs es la posibilidad de encontrarnos frente a una especulación financiera en la que el valor de los activos digitales y de las criptomonedas –libres de muchas regulaciones– pueden variar drásticamente de la noche a la mañana.

Al respecto Andrada opina: “Claramente hay alta especulación y un crecimiento exponencial de precios que eventualmente va a decantar”.

Por su parte, Martín González, de BAG, cree que “cualquier tipo de mercado corrige para arriba y para abajo. Pero creo que es una nueva vanguardia artística y estamos en los albores de una nueva revolución en capacidades artísticas y modelos de negocios”.

¿Están realmente los NFTs revolucionando el mundo del arte? Para González lo más importante de esta tendencia es que en los próximos años llevará a la transformación del consumo del arte desde un concepto del lujo a uno de bienestar.

“Hoy se colecciona por una cuestión especulativa o de coleccionismo. Creo que el arte va hacia un consumo de bienestar en el que uno consumirá arte a través de plataformas de alta calidad, como uno hoy consume música en su casa o mira una serie”, dice.