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Fuente: La Nación – Artista, mecenas y coleccionista, hoy dirige distintos comités de arte latinoamericano en Argentina y el mundo.

Ella, con su vestidito blanco de doble tajo, stilettos y medias animal print. Sonriente, como siempre, con ese vozarrón de locutora que combina con pausas justas y una forma de comunicar que la convierte en hipnótica. Así llegó Amalia Amoedo al Salón Dorado de la Legislatura Porteña, donde la declararon Personalidad Destacada de la Ciudad de Buenos Aires en el ámbito de la Cultura.

Artista visual, mecenas y coleccionista de arte, es la heredera del espíritu de su abuela, Amalia Fortabat. Y no para. “A los 28 años el arte llegó a mi vida para quedarse. Tuve la suerte de poder coleccionar y acompañar a muchos artistas, de apoyar distintas iniciativas, muestras y museos que tanto hacen por la cultura de esta ciudad. El arte tiene el poder de unir a las personas y de atravesar fronteras: nos ofrece un espacio para reflexionar y sentir, es un motor invaluable de educación y pensamiento”, reflexionó “Ama”, como le dicen sus amigos, en un salón que estallaba de amores y bendecidos por su famosa generosidad.

Discreta a la hora de las respuestas, su vida siempre se manejó con bajísimo perfil, más allá de transitar la ciudad y eventos de sociales con total naturalidad. Tuvo su marca de ropa, incursionó en el universo de las fragancias, estudió canto, pintura y escultura, y logró ser la presidente de Fundación arteba. Además es madre de dos hijas (Isabella y Angelina), y tiene un nieto llamado Valentino.

–Alguna vez dijiste la frase “primero el deber y después el placer”. ¿Seguís sosteniéndolo?

–Sigo siendo una persona muy enfocada en mis responsabilidades, pero también soy cada vez más flexible y aprendo a balancear mejor el deber y el placer. Si bien el trabajo es central, en mi agenda siempre hago lugar para mi familia, para dedicarle tiempo a mi obra como artista, para ver exhibiciones y, por supuesto, para cuidarme. Tengo una rutina de entrenamiento de box y yoga que me ayuda mucho a mantener el ritmo del día a día.

–¿Qué pasó por tu cabeza cuando supiste que te iban a distinguir en la Legislatura?

–Me cuesta el universo de los premios, las distinciones. ¡Pero en esta ocasión fue muy fácil decir que sí! Me puso feliz la noticia y me sentí sumamente honrada. Desde muy chica que acompaño y apoyo las artes visuales, a los artistas, museos e instituciones de esta ciudad, que tanto amo y tanto amaron mis padres, Inés de Lafuente y Julio Amoedo. Es una emoción grande. Además el entorno, tanta gente querida a mi lado…

–Si tuvieras que relatar tu niñez, el despertar en esa familia tan particular, con una abuela no sólo poderosa sino icónica, ¿por dónde empezarías?

–No sé por dónde, pero puedo asegurar que tuve una hermosa niñez y atesoro muy lindos recuerdos en familia. También con amigas, algunas que siguen a mi lado, que son muy cercanas en la actualidad. Me reconozco como una persona con bastantes particularidades; encuentro en mí características de mis seres queridos. Siento que mi papá me enseñó la ética y la diplomacia. De mi mamá heredé el valor de la amistad, y eso de ir siempre para adelante. Tenía un corazón como el que jamás vi en mi vida.

–¿Y de tu abuela?

–Ay, mi abuela… sin dudas su pasión por el arte y su misión filantrópica. Tengo imborrables recuerdos de familia en Mar del Plata y también en Uruguay. Veranos maravillosos a la vera el mar y de la playa. Esas postales no se borran, quedan en la retina y en el corazón.

–¿Qué es ser rico en la vida?

–Tener salud, proyectos, estar cerca de la gente que uno ama y levantarse cada mañana agradeciendo la vida. Eso de agradecer, siempre. Me gustan mucho las flores; es el mejor regalo que me pueden hacer. Adoro el perfume y lo que simbolizan. No importa si es una margarita o una orquídea. Todas me fascinan por igual.

–Hablemos de tu fundación…

–En 2021 armé la Fundación Ama Amoedo para dar visibilidad a nuestros maravillosos artistas en el mundo. Contamos con la residencia artística Faara en Uruguay, un programa de Becas para toda Latinoamérica, apoyos a exhibiciones de arte y alianzas internacionales. A su vez, me dio mucha alegría que una obra de mi colección particular fuese seleccionada para integrar la reciente Bienal de Venecia que se titula “Stranieri Ovunque – Foreigners Everywhere” [Extranjeros en todas partes]. Esto me lleva mucho tiempo pero me da una felicidad inmensa.

–Pero no es lo único…

–¡No! También integro distintos comités de arte latinoamericano en Argentina y el mundo, como el Museo Fortabat/Colección Amalita, el comité del MoMa (Nueva York), el Museo Pompidou (Paris), Americas Society (Nueva York), el Comité Internacional de arteba y del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. A su vez, formo parte de la Fundación Policía Federal, que se ocupa de adquirir equipamiento médico para el herido de bala del Hospital Churruca-Visca.

–¿Cómo son tus días? Un día tipo, digamos.

–Aunque no lo parezca, tienen bastante de rutina. Combino reuniones, entrenamiento físico y siempre un espacio para mi mundo íntimo. Me gustan los masajes, la meditación y el Yoga Nidra, que es una técnica de relajación profunda. Intento protegerme con piedras para no cansarme tanto. Creo en todo eso, lo siento realmente y me hace bien. De todas formas, el refugio siempre está en los amores. En mi caso el arte, la familia y mis amigas.

–¿En qué momento del día aparece la creación? ¿Cuándo te sentís iluminada?

–Es interesante pensar esto porque tiene que ver con la concentración. Con tanto estímulo y sobreinformación, los momentos de concentración o de creación requieren más preparación. Cuando trabajo en mi obra intento desconectarme de los dispositivos, teléfono, redes, email. Lo que hago es poner música y pasar tiempo en el taller.

–Muchos te señalan como chica original; quieren conocerte.

–Ay, ¡muchas gracias! Mi madre me educó para confiar en mí y como ella misma decía: hay que saber tener calle y boulevard. Más que original, soy auténtica.

–¿Qué cosas hacés que nadie imaginaría de vos?

–Soy fanática de Racing y me gusta mucho ir a la cancha, al Cilindro.

–¿Alguna obra que te hipnotice?

–Las pinturas de Santiago García Sáenz. Son atemporales y me emociona ver su sensibilidad tan única en cada obra.

–¿Creés en otras vidas? ¿Alguna vez te contaron alguna?

–Soy una persona muy espiritual, creyente y, a su vez, muy intuitiva. Me interesa mucho el tarot y de hecho, colecciono mazos diferentes.

–¿Seguís buscando el amor? ¿Qué podés decir al respecto?

–Como dice la canción de Coti Sorokin y Los Brillantes que cantó Luna Sujatovich en el acto de la Legislatura: “No hay que tomarse todo tan en serio” (risas).

–¿Cuál es tu rincón de Buenos Aires?

–Buenos Aires me encanta y hay mil espacios que son ritual, donde la paso súper bien. Pero mi lugar-lugar es el Museo Fortabat/Colección Amalita, Puerto Madero. Ahí soy muy feliz.

–¿Sin qué no podrías vivir?

–Lejos del arte. Sin hacerlo, sin ir tras él. El coleccionismo te invita a estar en estado de curiosidad permanente, conectarte con las personas y entender el mundo en que vivimos a través de la mirada de los artistas.

Fuente: La Nación – A sus 50 años, Flavia Martini pegó un volantazo y cuenta cómo el arte le cambió la vida.

Tenía 8 años cuando acompañó a su mamá (María Rosa Segura) a un desfile y descubrió su fascinación por la moda. Sin embargo, cuando terminó el colegio, estudió Ciencias Políticas. Y con el tiempo el diseño volvió a aparecer en su vida, y en 2002 creó junto con la diseñadora Vero Alfie y María Lombardi la firma Tienda Tres en Palermo, “cuando era Palermo Viejo y no le decían Soho, y sólo era un barrio con gomerías y talleres”, aclara Flavia Martini (62), la mujer que en algún momento también se animó a darle una oportunidad a la carrera que había elegido y militó en el PRO, precisamente en el G-25, que había creado Esteban Bullrich.

Pero un día decidió que la moda ya había cumplido un ciclo y se dedicó a una nueva pasión: la pintura. “Creo que alguien no tiene una sola vocación… Hay que animarse a cambiar. Dejar la moda para mí fue una decisión fuerte, pero sentía que era el momento de probar otras cosas, quería estar más liviana. Es un rubro muy difícil, sobre todo en nuestro país, porque si bien tenemos un gusto maravilloso para vestirnos es una industria muy chica y en consecuencia muy desafiante”, asegura.

–¿Hubo algo en particular que te hizo hacer el clic?

–En 2012 atravesábamos una situación complicada en el país, la inflación… Por otro lado, yo había cumplido 50 años y no quería hacer cosas tan exigidas. Tenía una asignatura pendiente en política y me metí en el PRO, nunca fui funcionaria, pero sí una ciudadana comprometida. Iba a La Matanza, a José C. Paz, e ingresé en la Fundación G-25. Para mí fue una etapa linda de mi vida, aprendí mucho y estaba haciendo algo por el otro.

–¿La política te desilusionó?

–Tenés que saber que la política es altamente imperfecta, y si la entendés así, las desilusiones son menores. No es como el mundo privado, las reglas son distintas. Por supuesto que hay desilusiones, pero como en la vida, aprendés qué batallas podés dar y cuáles no, y en que podés ayudar. Pero ya no volvería a trabajar en política.

PUERTAS ADENTRO

Flavia es madre de Flavia (de 41 años, hija de su primer matrimonio con Fernando Mihanovich) y de Daphne (de 28 años, fruto de su segundo matrimonio con Andre Vlasto), y abuela de tres nietos: Mia, Justo y Lucio. Desde hace quince años está en pareja con el abogado Hernán Cibils. “Me gusta la vida de a dos”, confiesa. En 2019, ambos decidieron hacer un cambio y se instalaron en Punta del Este. “En Buenos Aires cada uno vivía en su casa y teníamos en común una casa en las afueras. Decidimos irnos para estar más en contacto con la naturaleza, vivir más relajados. Al principio tenía mis angustias, pero irte a un lugar como Uruguay es como irte a vivir a la casa de un primo, algo familiar pero también diferente. Estando allá estudié historia rioplatense, porque quería entender por qué siendo tan cercanos éramos tan distintos. Y entendí. Nosotros tenemos una cosa tana que ellos no tienen. En Buenos Aires somos más manicomio, y los uruguayos son más serios y respetuosos. Viviendo allá me acostumbré a mirar el mar, el horizonte… Tengo mi taller de pintura, estudio italiano y ahora voy a empezar a estudiar canto. Practico golf, tenemos muchos amigos y mis hijas ya están grandes, así que al estar cerca puedo visitarlos seguido, como ahora, que vine a compartir las vacaciones de invierno con mis nietos. Es una época de mi vida donde ya di varias batallas y en la que me ocupo en construir el vínculo con mis seres queridos que están acá. La familia no tiene que tapar al individuo, a veces las madres somos un peso. Yo crie a mis hijas con mucha libertad, y cuando me fui sentí que mis hijas se desarrollaron un montón”, nos cuenta Flavia.

–Las profesiones pueden definir a las personas. ¿Te cuesta encasillarte?

–Justamente el otro día con mi analista hablábamos de la identidad, algo que es muy importante, pero que no tiene que ser tu jaula. Obvio que cuando dejé la moda y comencé a pintar me sentía un poco rara, porque ni siquiera tenía una oficina adonde ir, pintaba en casa, después alquilé un taller en San Telmo y todo empezó a tener más forma.

–Además imagino que pasó mucho tiempo hasta que la pintura empezó a ser redituable…

–Si yo hubiese tenido que mantener mi casa, con la pintura no lo habría logrado. Es muy difícil conseguir vivir de eso y muy duro para el ego. Yo por suerte no dependía de mis obras para mantenerme, pero como tengo una cabeza muy productiva y quería que fuese redituable, al año y medio de empezar hice mi primera exposición en una feria en San Isidro Art y vendí. Ahora hace muchos años expongo en Otto Galería, en Buenos Aires, cuento con una galerista en Madrid y en estos momentos hay una exposición de mis obras en Menorca. No tengo ese deseo de ser la pintora que más vende, pero amo pintar, me da mucha libertad para hacer otras cosas.

–¿Como transmutó tu arte de tus primeros cuadros a los de hoy?

–Al principio mi profesor me dijo: “Vos tenés un cierto gusto por la desprolijidad”, y es cierto. A mí me gusta estar elegante, pero tengo una parte muy cruda, muy bestial que sale en la obra, y mi profesor tuvo la sabiduría para entenderla y facilitarla. Obvio que hay una evolución, pero lo más importante es tener confianza, porque pintar siempre es un problema, no una solución. Para cada muestra, si presento 20 cuadros, yo pinto 50.

–¿Cómo definirías tus cuadros?

–Expresionismo abstracto, aunque ahora soy menos abstracta que antes. Hay algo más floral, pero con una mirada más interpretativa de la flor.

–Antes de dedicarte de lleno, ¿habías estudiado pintura? ¿Cómo es tu proceso creativo?

–Antes pintaba cerámica, y cuando decidí dedicarme a esto, busqué al mejor profesor, Juan Astica. Él me enseñó que todos tenemos formas propias y que, cuando vas pintando, van apareciendo. Para entrar en el “estado de pintura”, me pongo a la mañana, que es cuando más energía tengo y la luz que entra por la ventana es divina… Además, escucho una playlist de música que me va sacando el ritmo interno. No hay una inspiración que baja, la inspiración, como dijo Picasso, te encuentra trabajando. Tu mano va, es una inteligencia intuitiva.

–¿Cómo definirías esa “parte cruda” de la que hablaste antes?

–¡Yo voy por las cosas! Tengo miedos, pero también una gran fuerza vital que me hace ir por las cosas. Tomé trabajos que me dieron miedo y los afronté. No me largo al vacío, pero hay algo primario en mí que me fuerza a evolucionar, a probar el deseo.

–Como dicen ahora, te dejás fluir…

–Me cuesta, pero trato de hacer cosas que me gustan. Si no tengo ganas de hacer algo, no lo hago. Eso es lo bueno de cumplir años, además de los nietos, que son el postre de la vida. Disfruto mucho de lo que tengo, mi familia, mi pareja, con quien somos muy compañeros, pero sin invadirnos.

Maquillaje: @joaquinamakeupartist

Fuente: Clarín – Una larga tradición de colaboraciones enmarca la relación entre Malba y el Museo de Bellas Artes de Houston, en la cual se inscribe la gran muestra dedicada a Gyula Kosice. Intergaláctico, que inauguró este mes en el Malba, está curada por Mari Camen Ramírez, curadora de Arte Latinoamericano del Museo de Houston y Directora deI Centro Internacional de las Artes de América (ICAA), quien comparte este proyecto con María Amalia García, curadora Jefe de Malba.

Desde un primer momento la colaboración entre ambas instituciones hizo foco en los artistas de la vanguardia latinoamericana. La muestra de Xul Solar, que se exhibió en ambos museos, hizo punta en ese sentido. Luego vino Gego, la retrospectiva de Carlos Cruz Diez (2010-2011), la muestra de Antonio Berni que aquí y allá hizo eje en las series de Juanito y Ramona y ahora Kosice.Vista de «La ciudad hidroespacial» de Kosice en Malba.

Artífice de todo esto es Mari Carmen Ramírez, alguien que desde los años 80 se ha empeñado en hacer conocer la complejidad del arte latinoamericano en los Estados Unidos por vía de una intensa difusión que apuntó a desmontar estereotipos y equívocos alrededor de muchos de sus grandes artistas. La mayor parte de ellos desconocidos y desmerecidos. Con ella conversamos sobre estas cuestiones durante su paso por Buenos Aires, en ocasión de la apertura de la exposición.

-El vínculo entre el Museo de Bellas Artes de Houston y Malba ha sido fructífero de que existe, ¿estás de acuerdo?

-Podría decirse que la coincidencia entre el nacimiento de Malba y la inauguración del International Center for the American Arts (ICAA), en los Estados Unidos fue el punto de partida. El MFAH es un museo de carácter enciclopédico que este año cumple cien años pero fue el primero en establecer un departamento curatorial y un centro de investigación focalizado en las artes de América Latina y las comunidades latinas de EE.UU. Así también un centro de investigación de las artes de las Américas. Fui la curadora fundadora de ese departamento, invitada por el doctor Peter Marzio, quien en ese momento era director del museo. Un visionario de origen italiano que tenía una predisposición especial hacia todo lo que era el arte latino. También fue uno de los primeros directores norteamericanos que viajó extensamente por América Latina; conoció a todos los directores y curadores y agentes de ese momento y se fascinó también con el Río de la Plata. En un momento quiso realizar una exposición de maestros del Río de la Plata, estoy hablando de los 80. Así fue que entré en contacto con él. Me contrató para hacer una consultoría sobre esa exposición. Entonces yo era muy allegada de Marcelo Pacheco (todavía soy amiga y colega) quien fue el primer curador de Malba. Teníamos una estrecha colaboración, en realidad siempre he tenido una relación muy estrecha con él. Nos vinculan intereses en cuestiones relativas a la curaduría, a las vanguardias latinoamericanas y de el arte latinoamericano en general.

-Tengo entendido que Marcelo Pacheco tuvo un protagonismo importante en el surgimiento y desarrollo del ICAA.

-Por cierto. Cuando lo creamos teníamos la idea de hacer conferencias, simposios, charlas de artistas, algo así. Pero el doctor Marzio quería algo que tuviera un efecto transformador en el campo del arte latinoamericano. Estamos hablando del año 2000-2001, cuando el campo del arte latinoamericano en Estados Unidos era todavía incipiente. No existía el aparato académico que tenemos hoy: más de cien personas se encuentran escribiendo tesis doctorales sobre el arte latinoamericano. Solo unas pocas universidades se ocupaban de Latinoamérica entonces. Marzio pensó que era una oportunidad para que el MFAH hiciera algo que tuviera impacto más allá de sus paredes. Entonces convocamos a los que conocían algo sobre arte latinoamericano y latino en los Estados Unidos. «Casa Colonial», de Xul Solar. / Cortesía Malba.

Básicamente curadores e historiadores del arte y algún que otro director de museo. Nos reunimos y nos pusimos a debatir sobre qué tipo de proyectos se podría impulsar. Salió el tema de los archivos, que era muy candente en ese momento, conectado a la necesidad de preservar la memoria de lo que habían sido los procesos del arte del siglo XX y del arte contemporáneo en América Latina. Todo el mundo empezó a soñar con adquirir archivos importantes. Pero también surgieron otras cuestiones imposibles de soslayar. Los archivos requieren una infraestructura, personal especializado: un proyecto de esa naturaleza rebasaba las dimensiones de una entidad dentro del museo.

Estábamos debatiendo cómo desarrollar un proyecto de archivos y fue Marcelo Pacheco quien me dio la clave. “Fíjate qué está pasando en el área tecnológica de modo que no sea necesario adquirir ni coleccionar archivos”, observó. Él estuvo atento a todo el proceso y fue una persona vertebral también para ese debate aquí en la Argentina. Gego, (Gertrud Goldschmidt), 1912 -1994, Venezuela.

-Sí claro, participó de la creación de la Fundación Espigas, fue su director y gestó su Centro de Documentación de las Artes.

-Estamos hablando del año 2001-2002. Si nosotros hubiéramos empezado cinco años antes no lo podíamos realizar porque la tecnología no estaba aún a nuestro alcance. Pero cuando lo empezamos ya estaban las primeras bases de datos y acercamientos digitales para la documentación. Esa fue la vía que elegimos a sugerencia de Marcelo.

-¿Cambió en mucho el perfil original?

-Se convirtió en un proyecto de acceso digital a los archivos y a las fuentes primarias, con la ventaja de que los documentos permanecerían en sus lugares de origen. Así le brindamos acceso a gente de todo el mundo gratis.

-¿Cómo fue financiado semejante proyecto?

-Básicamente por el Museo de Houston. Pero tuvo varias fuentes de financiación. Casi todas las fundaciones principales que se dedican a la documentación y a las artes nos dieron su apoyo. Entre ellas la Rockefeller y la Getty Foundation. Pero me interesa remarcar que Marcelo Pacheco fue una figura clave en los inicios de este programa que impulsó el MFAH de Houston, como así también en toda la colaboración con Eduardo Costantini y con Malba. En 2005 decidimos formalizar un acuerdo de colaboración y de intercambio. Llevamos a Houston la primera exposición de Xul Solar –una figura prácticamente desconocida en los Estados Unidos– y fuimos el primer museo de mostrarla. Se hizo en colaboración con la curaduría de Patricia Artundo, quien además trabajó con nosotros en el ICAA y fue la directora del equipo de investigación de la Argentina en Fundación Espigas. Obra de Joaquín Torres García.

Nosotros empezamos una colección de la nada al mismo tiempo que Malba. En nuestro museo existían fotografías latinoamericanas y dibujos y grabados de los muralistas mexicanos pero en realidad nunca se había hecho un intento de sistematizar una colección. Empezamos en 2001 con la última de la serie de Reticulares autónomas de Joaquín Torres García, luego entró una pieza de madera de su periodo de París. De alguna manera eso estableció las directrices de la colección en términos de lo que iba a haber una fuerte presencia de constructivismo latinoamericano de los años 30 y 40. Una línea que coincide con colecciones privadas que han tenido mucha presencia en Estados Unidos, como la Cisneros. Esa colección tiene una fuerte concentración de obras constructivistas.

Por mucho tiempo se asoció al arte latinoamericano con visiones figurativas o social realista. Y en ese momento salió al mercado todo ese legado del constructivismo latinoamericano que apenas se conocía. En los años 90 empiezan a descubrirse todas estas obras y se revalorizan a partir de Torres García, la Escuela del Sur, Madi, el concretismo. Patricia Cisneros y Adolfo Lerner tuvieron mucho que ver con eso. Los coleccionistas privados latinoamericanos tuvieron un rol muy importante, inclusive más importante que las instituciones, se les adelantaron y luego las instituciones tuvieron que reaccionar.

-Pienso en el análisis que haces en ese texto tuyo “Brokering Identities” sobre el arte latinoamericano y cómo fue representado en los EE.UU. y cuánto tuvo que ver la política, la relación con México y la Alianza para el Progreso.

-Lo que pasó con el arte de latinoamericano en Estados Unidos es que se generó primero un interés político durante la época del MoMA de Alfred Barr y la Segunda Guerra. Había factores ideológicos muy fuertes que estaban promoviendo la creación de un tipo de colecciones y luego, a fines de los 70, cuando se crean las casas con subastas especiales para el arte latinoamericano –el único arte del mundo que se presentaba separado como unidad geográfica–. Los que compraban eran los propios latinoamericanos que iban a Nueva York. Eso fue una situación propicia para los estereotipos como el que se construyó basado en Frida Kahlo, Remedios Varo y Diego Rivera, Orozco y el surrealismo de Roberto Matta y Wilfredo Lam. Hubo que trabajar mucho para desmontar todo eso.