Fuente: La Nación ~ Dos figuras claves del arte argentino se ubicaron esta semana entre los nombres consagrados del mercado internacional en las subastas de Nueva York
Antonio Berni (1905-1981) y Lucio Fontana (1899-1968), dos figuras clave del arte argentino nacidos en Rosario, se ubicaron esta semana entre los nombres consagrados por el mercado internacional del arte en lo que fue el regreso de las grandes subastas tras el dramático paréntesis impuesto por la pandemia global. Las subastas de siglo XX y de arte contemporáneo, de Christie’s y Sotheby’s, que vendieron 481,1 y 80,2 millones de dólares en obras respectivamente los incluyeron en sus lotes junto a Picasso, Rothko, David Hockney, Robert Rauschenberg, Lygia Clark y Andy Warhol, entre otros. El miércoles, Berni consiguió el precio más alto en un remate público para su serie Juanito Laguna cuando se pagaron en Sotheby’s 441 mil dólares por Juanito Dormido, una pintura collage de 1974. En tanto, el jueves por la noche, Christie’s vendió un Concetto Spaziale (1965), de Fontana en 3,87 millones de dólares.
«Juanito dormido», de Berni, se convirtió con su venta en US$441 mil en la obra más cara de la saga de este personaje del pintor argentino Sotheby´s
La obra de Berni consiguió además meterse en el top ten de su performance en el mercado internacional en el que ingresó en los años 90 cuando tocó techo con Ramona Espera (1962), comprada por Amalia Fortabat. A partir de entonces, collages y pinturas clásicas del rosarino entraron en un repliegue al punto de que Sotheby’s no había conseguido vender obra suya desde 2013 y para encontrar un precio que perforase la barrera de los 400 mil dólares hay que remontarse veinte años atrás. “Es cierto que en la evolución de los precios de Berni una obra de esta serie y de estas características como es Juanito Dormido pudo tener un precio más alto. Pero es una excelente noticia para todo el mercado argentino y pone a Berni en carrera de nuevo mostrando que el arte sigue siendo una reserva de valor en tiempos de incertidumbre”, observó Nahuel Ortiz Vidal de la casa de subastas Roldán, que en abril año no consiguió comprador paraChiquilín de Bachín, un precioso Juanito de fines de 1964 tasado en 120 mil dólares.
El martillo calló el jueves en los US$3,87 millones para una pieza de la serie «Concetto spaziale», de Lucio Fontanalucio Fontana
El caso de Fontana es distinto. Si bien nació en Rosario y trabajó en Argentina, la mayor parte de su obra la ejecutó en Italia que terminó siendo su patria adoptiva. Su revolucionaria serie del Concetto Spaziale, en la que comenzó a perforar la tela en buscar de un espacio infinito de la obra que se correspondía con la carrera espacial entre los Estados Unidos y la Unión Soviética, alcanzó relevancia mundial desde Europa y así es como para muchos historiadores es un artista italiano. Sin embargo, él mismo hizo explícito que esas inquietudes le fueron legadas por el paisaje, el vértigo horizontal que describió Drieu la Rochelle, de la pampa gringa donde se crió. Las obras que pertenecen al Concetto Spaziale son numerosas y la que vendió Christie’s en la noche del jueves salió por debajo del estimado en 5 millones de dólares. No significa ningún revés para uno de los diez artistas del siglo XX que más veces perforaron la barrera del millón de dólares en subastas públicas. No hay que ir tan atrás para buscar un top ten del espacialista: en 2018, Christie’s vendió en Londres otro Concetto Spaziale por 21,193 millones de dólares (su récord sigue en 29 millones). La subasta se llamaba “Thinking Italian”, lo que da una idea de que para Europa y la premier league del arte Fontana es italiano (pocas veces, piadosos, le ponen ítalo-argentino) y no entra en el gueto del arte latinoamericano. Es una caso parecido al del cubano Wifredo Lam, quien es considerado un surrealista internacional y que en 2020, en plena pandemia, duplicó su récord público.
Más allá de los precios, la presencia de Berni y Fontana entre los tanques del arte moderno y contemporáneo los confirma como los dos artistas nacidos en Argentina (en Rosario, precisamente) con mayor influencia en la escena y el mercado internacional. En el caso de Fontana es una confirmación y para Berni un regreso a cuarenta años de su muerte en Buenos Aires cuando los Juanitos y Ramonas se amontonaban en su taller de Lezica y Rawson, Almagro, sin ninguna expectativa de mercado. Después de Almendra habrá que decir ahora: ‘Se ríe Juanito dormido, quizás se sienta gorrión esta vez…”
Fuente: BAE Negocios ~ Incluir en la cadena de valor de la empresa a artistas locales favorece el desarrollo de la cultura regional, reforzando la identidad y el arraigo de las personas a su comunidad
Las empresas con propósito buscan resultados a largo plazo y de triple impacto (económico-social-ambiental), gestionan de una manera más inclusiva y sostenible que beneficia a todos los grupos de interés y fomentan una cultura que promueve la confianza, colaboración y sentido de pertenencia.
Lo hacen con colaboradores y directivos que sienten que contribuyen al propósito de la organización y no de la maximización de las utilidades para sus socios o accionistas, capaces de responder a las demandas de todas las partes incorporando asuntos sociales y políticos sensibles en los modelos de gestión.
El propósito de la organización involucra ideas, emociones y visiones del mundo que nos permiten explicar por qué hacemos lo que hacemos. Para poder comunicar esta visión es indispensable contar con sensibilidad artística que permita expresar la percepción emotiva y sensorial de las personas que lideran la organización y de su entorno.
El arte es un componente de la cultura, que permite la transmisión de ideas y valores a lo largo del espacio y el tiempo. Incorporarlo en las organizaciones nos permite transmitir nuestros orígenes y nuestra identidad.
Incluir en la cadena de valor de la empresa a artistas locales favorece el desarrollo de la cultura regional, reforzando la identidad y el arraigo de las personas a su comunidad.
La sensibilidad del arte permite educar de manera más profunda a los colaboradores y a la comunidad sobre valores del cuidado de las personas y del medio ambiente.
Es importante reconocer que a través del arte, manifestado no solo en la propuesta de valor de la empresa sino también en la comunicación que se da con los clientes, estos se conectan emocionalmente con el pensamiento y el sentimiento que hay detrás del propósito de la organización.
El arte en la música, la arquitectura, o cualquier otra manera inspiradora que nos haga disfrutar más de la vida hace que la compañía genere impactos positivos en el mundo reforzando así su propósito.
Fuente: Télam ~ «La pastora trayendo las ovejas», pintado por Pisarro en 1886, es objeto de una intensa batalla legal entre Léone Meyer, un anciana de 81 años que a fines de la Segunda Guerra Mundial fue adoptada por los propietarios del cuadro, cuando quedó huérfana porque sus padres murieron en los campos de concentración nazis.
«La pastora trayendo las ovejas», de Camile Pisarro.La justicia francesa rechazó la demanda de los herederos de un cuadro de Camille Pissarro que había sido robado por los nazis durante la Ocupación en Francia y le dio la razón al museo de la universidad estadounidense de Oklahoma, que lo recibió como legado en 2000.
«La pastora trayendo las ovejas», pintado por Pisarro en 1886, es objeto de una intensa batalla legal entre Léone Meyer, un anciana de 81 años que a fines de la Segunda Guerra Mundial fue adoptada por los propietarios del cuadro, cuando quedó huérfana porque sus padres murieron en los campos de concentración nazis.
El Tribunal rechazó el pedido de incautar el cuadro, provisoriamente albergado por el Museo de Orsay en París, y estableció que sea devuelto a Estados Unidos el 21 de julio. También rechazó la petición de Meyer de poner fin al proceso que abrió en su contra la Universidad de Oklahoma, pidiendo que renunciara al proceso en Francia bajo pena de una multa de 3,65 millones de dólares.
«La señora Meyer está muy sorprendida por la decisión del tribunal», confió su abogado, Ron Soffar, a la agencia francesa de noticias AFP, y señaló que el objetivo de su representada «era hacer avanzar el principio de la restitución de las obras robadas por los nazis».
En 2016 Meyer firmó un contrato con la universidad estadounidense que la reconoce como heredera del cuadro, pero prevé que sea expuesto durante cinco años en un museo francés, antes de viajar cada tres años entre París y Oklahoma.
Otra cláusula de ese documento la obliga a legar el cuadro, en vida, a un establecimiento que se comprometa a respetar esas idas y regresos perpetuos, bajo pena de que sea entregado a Estados Unidos cuando ella muera.
El cuadro fue aceptado por el museo estadounidense porque Orsay lo rechazó, preocupado por el costo de los viajes de ida y regreso, y los daños que causarían al cuadro.
El 2 de junio el tribunal tomará una decisión de fondo.
Jacob Abraham Camille Pissarro, más conocido como Camille Pissarro (Saint Thomas, 1830- París 1903), fue un pintor impresionista franco-danés que, considerado uno de los padres del impresionismo, pintó la vida rural francesa. Sus discípulos fueron, entre otros, Paul Cézanne y Paul Gauguin.
Fuente: Impulso ~ La plataforma ofrece un recorrido por dos mil colecciones de arte. Se podrá disfrutar desde artes plásticas y música, hasta automovilismo y fútbol. ¿Cuándo será y cómo participar?
En el marco del Día Internacional de los Museos que se celebra el martes 18 de mayo, Google Arts & Culture propone adentrarse en las colecciones de más de dos mil museos disponibles en su plataforma, a través de recorridos virtuales, donde destaca además la presencia de cuatro museos argentinos.
Desde artes plásticas y música, hasta automovilismo y fútbol, se pueden encontrar museos para todos los gustos en esta plataforma on line donde también destacan una serie proyectos de reconstrucción digital para la preservación del patrimonio.
Desde 1977, el 18 de mayo se conmemora el Día Internacional de los Museos, gracias a una iniciativa del Consejo Internacional de Museos (ICOM) para concientizar sobre la importancia de estas instituciones para el intercambio y el enriquecimiento cultural.
Cada mes hay más de 500 millones de búsquedas relacionadas con el arte en Google, informaron desde esa compañía.
Algunas de las propuestas locales incluyen el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires con la exposición online “Argentina Lisérgica”, que se pudo visitar en el museo entre 2013 y 2015.
A través de la plataforma, se puede disfrutar una experiencia interactiva que explora los detalles de cada obra de arte, acercando y alejando con la función zoom y con comentarios perspicaces.
Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (MACBA)
En este espacio se busca conservar y exhibir el arte contemporáneo nacional e internacional, desde que abrió sus puertas en 2012. En la plataforma se pueden encontrar colecciones caracterizadas por su abstracción geométrica, como El orden en desorden y Vértigo.
Fuente: Buenos Aires Ciudad ~ A través de museos y espacios culturales de la ciudad, el Ministerio de Cultura presenta una amplia oferta de cursos y talleres de arte para indagar en nuevas disciplinas y explorar nuevas facetas.
Además, como parte del acompañamiento al sector, una amplia oferta de capacitaciones profesionales y mentoreos, destinados a estudiantes avanzados y egresados de carreras de artes escénicas y carreras de música, junto a programas especialmente destinados para hacedores culturales, con herramientas para desarrollar proyectos culturales independientes en el entorno digital. La modalidad es online y gratuita.
Conoce las propuestas
Talleres de Arte
Seminario Permanente De Arte Argentino | Museo Moderno Se encuentra abierta la inscripción del Seminario Permanente de Arte Argentino -ciclo de cursos que exploran la colección y las exposiciones del museo- que tendrá lugar por tercer año consecutivo. La edición 2021 se realizará en siete módulos, entre los meses de mayo y diciembre, con modalidad virtual e inscripción previa y gratuita en museomoderno.org. Es un programa público desarrollado por el equipo educativo del Museo de Arte Moderno, dependiente del Ministerio de Cultura de la Ciudad, dirigido a todo público, diseñado a partir de las temáticas y debates presentes en las exposiciones y el patrimonio de la institución. Se desarrolla en forma de seminarios dictados por artistas y pensadores referentes de la escena local. MAYO: Módulo 1. Sobre lo nuevo. Escenas del arte en la Argentina de los años sesenta. Por Silvia Dolinko. Miércoles 12, 19 y 26 de mayo, miércoles 2 de junio. De 18 a 19.30h.
Líneas Musicales | Museo Moderno Taller para explorar la relación entre la música y el dibujo. A partir de objetos cotidianos e inspirados en canciones populares, proponemos generar diversos sonidos que encontrarán múltiples formas en nuestros dibujos. A cargo de Willy Fishman Sábado 15 de mayo de 11:00 a 13:00 Modalidad virtual por plataforma Zoom Actividad gratuita con inscripción previa en museomoderno.org. Orientado al público general.
Paisajes Del Futuro | Museo Moderno Taller para conocer la técnica del collage manual y explorar sus posibilidades creativas y poéticas. A cargo de Ignacio Rivas Sábado 22 de mayo de 11:00 a 13:00 Modalidad virtual por plataforma Zoom Actividad gratuita con inscripción previa en museomoderno.org. Orientado a jóvenes y adult
Ciclo Cursos Red Wifi: Aprendé con Museos BA
El ciclo de cursos con los Museos BA como anfitriones aborda temas como las lecturas de novelas clásicas narrativas, los procesos creativos del arte contemporáneo y la creatividad en la publicidad argentina, entre otros. Cada clase es independiente entre sí y sus contenidos son elaborados y dictados por profesionales de cada museo.
El lunes 10 de mayo a las 17, a través de la plataforma Meet, se realizará el segundo encuentro de En el Blanco: El poder de la imagen en el arte hispanoamericano a cargo de Florencia Fullana del Museo de Arte Hispanomericano Isaac Fernández Blanco. Se trabajará con fuentes de la época y bibliografía específica para dialogar en torno al arte hispanoamericano, que si bien estuvo inspirado en fuentes iconográficas y estilos de origen europeo, hoy es considerado un arte original, con rasgos propios y absolutamente distintivo del continente americano. El curso que consiste en cuatro encuentros todos los lunes a las 17, partirá del análisis formal, técnico, iconográfico y sociohistórico de algunas de las obras que forman parte del patrimonio del Museo.
El martes 11 de mayo a las 17.30, a través de la plataforma Zoom, se llevará a cabo el Encuentro literario: claves para disfrutar de la lectura y entender sus técnicas a cargo del profesor Pablo Gaiano del Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco, donde se abordarán las novelas clásicas con Museos BA: esta clase te trae claves y herramientas de lectura de cuentos y novelas, para comprender su técnica, analizar sus textos y reflexionar en espacios de debate. Los encuentros serán quincenales, los martes a las 17.30 hasta el 29 de junio de 2021.
El viernes 14 de mayo a las 17, a través de la plataforma Meet, se llevará a cabo la charla Apuntes para pensar la mirada a cargo de la profesora Mariana Sapriza Morán del Museo del Cine Pablo C. Ducrós Hicken. El encuentro propone presentar distintas reflexiones que permitan detenerse a pensar en el acto de ver. La propuesta es considerar el mirar como una acción condicionada por nuestro contexto, nuestra sensibilidad y nuestras ganas de buscar nuevas imágenes. Se compartirán trabajos fotográficos, cinematográficos e ideas de distintos pensadores que acompañarán el recorrido.
Por último, el mismo viernes 14 de mayo a las 18, a través de la plataforma Meet, se llevará a cabo el último encuentro de Las locuras de los Mad Men argentos a cargo del profesor Raúl Manrupe, investigador Museo del Cine Pablo C. Ducrós Hicken. Este curso propone un viaje a los secretos de la creatividad publicitaria argentina, cuando había solo cuatro canales de televisión y el público que iba al cine disfrutaba con ver las propagandas en color. Además, durante el encuentro, se compartirán proyecciones de material publicitario histórico rescatado por el Museo del Cine.
Una amplia oferta de talleres y cursos de modalidad online. Cada docente decide la plataforma de conexión. Historias del arte, teatro, dibujo, música, narrativa, fotografía.
Capacitaciones profesionales, Seminarios Y Convocatorias
Música académica argentina La Dirección General de Enseñanza Artística abre la inscripción para participar de la segunda edición del curso «Música académica argentina: transcripciones y ediciones críticas para interpretación y estudio». Esta propuesta se enmarca en el Centro de Capacitación Artística y Profesional (CeCAP), cuyo fin es el de promover y desarrollar propuestas de formación y perfeccionamiento artístico profesional de excelencia, en colaboración con el Instituto de Investigación en Etnomusicología (IIET). Destinado especialmente a estudiantes avanzados o egresados de los conservatorios de la Ciudad, conservatorios y universidades nacionales e internacionales de las carreras de composición o dirección orquestal, como así también a quienes tengan comprobables estudios y/o experiencia en las carreras mencionadas. La modalidad será 100% virtual. Habrá ocho clases semanales vía videoconferencia de aproximadamente 3 horas cada una. Quienes completen el curso recibirán un certificado firmado por los docentes y la dirección del IIET. Los interesados de habla inglesa tendrán la posibilidad de realizar el curso y se les ofrecerá complementariamente clases virtuales especiales, en horario a convenir, donde se los introducirá a la historia de la música argentina y al proceso de transcripción y edición de la misma.
Inicio de cursada: Viernes 4 de junio (horario a definir) Inscripciones hasta el 28/05. Consultas : infodgeart@buenosaires.gob.ar Más información en el siguiente link.
Laboratorio transdisciplinario de creación | Dirección General de Enseñanza Artística Pensado para estudiantes avanzados y egresados de carreras de artes escénicas y carreras de música, esta propuesta del Centro de Capacitación Artística y Profesional (CeCap) – cuyo fin es el de promover y desarrollar propuestas de formación y perfeccionamiento artístico profesional de excelencia-, tiene como objetivo incentivar el cruce de disciplinas y concebir proyectos que pongan en crisis los formatos tradicionales de materialización de obra. Los que estén interesados en participar podrán encontrar la información para realizar la inscripción en este link, a través de la Dirección General de Enseñanza Artística (DGEART). La recepción se postulaciones se extiende hasta el 17/05.
Nuevos módulos de danza y del área editorial | Impulso Digital Impulso Digital, el programa de profesionalización de hacedores culturales, brinda una caja de herramientas para desarrollar proyectos culturales en el entorno digital. Y se suman nuevos módulos de Danza y del área Editorial.
“Festivales literarios en la era digital (y contexto de pandemia)” Por Amalia Sanz, Larisa Chausovsky, María Luján Picabea y Victoria Rodríguez Lacrouts.
“Nuevas formas de comunicación en el mundo del libro. Estrategias para una gestión de prensa inteligente”. Por Sebastián Lidijover.
“Cómo leer (y entender) el mercado del libro en la era digital”. Por Antonio Santa Ana.
“Nuevos canales para la recomendación de libros. Influencers, bookstagrammers y tiktokeros”. Por Maru Drozd
“Gestión y curaduría para cuerpos, espacios y contextos liminales” Por Jimena García Blaya
“Herramientas para gestionar, crear y enseñar desde la Danza en contexto de pandemia” Por Julieta Rodríguez Grumberg
“El arte es cualquiera: prácticas para labrar un mundo”. Por Marina Quesada.
“La virtualidad en ACCIÓN”. Por Melina Seldes.
“Tecnologías multimediales interactivas para las artes escénicas. Software Isadora”. Por Maximiliano Wille.
La inscripción es gratuita y está abierta a hacedores de todo el país. La cursada de los módulos tiene una modalidad asincrónica, y puede realizarse en cualquier momento y lugar, accediendo a la plataforma del programa. ¿Cómo inscribirse? Una vez generado el usuario, se dará acceso a los módulos a través de un correo electrónico. Además, en la plataforma se encontrarán disponibles todos los módulos anteriores de Impulso Digital, el programa transversal sobre proyectos en el entorno digital y aquellos específicos del mundo editorial, audiovisual, editorial, las artes escénicas y visuales, junto con una importante sección sobre pitcheo de proyectos, y derechos autorales.
Más información sobre Impulso Digital en este link. Más información sobre los módulos del área editorial en este link.
Capacitaciones virtuales dirigidas a profesionales del sector audiovisual: “Programa Superior De Gestión Y Negocios Audiovisuales” En el marco del Programa BA Audiovisual de la plataforma Impulso Cultural, las capacitaciones virtuales gratuitas dirigidas a profesionales del sector son brindadas por destacados especialistas y referentes del área, que colaboran con el abordaje de distintas temáticas vinculadas a lo audiovisual. Se requiere inscripción previa. Modalidad: Virtual a través de Plataforma Zoom Pro. Las inscripciones para cursar en junio estarán abiertas del 03 al 23 de mayo. Se desarrollan de manera virtual y sincrónica: se realizarán en un día y horario específico.
Publicidad – Comunicación y creatividad publicitaria.
Nuevos Negocios – Organización estratégica y nuevos negocios focalizados en productos audiovisuales.
Más información sobre las capacitaciones de BA Audiovisual en este link.
Convocatoria al certamen de croquis y bocetos escultóricos por la “Semana de mayo” | Museos BA Museos BA anuncia la convocatoria desde el lunes 10 de mayo al certamen de croquis y bocetos escultóricos en el Museo de Esculturas Luis Perlotti, con la temática de la “Semana de Mayo”, dirigida a personas mayores de 18 años, quienes deberán compartir imágenes de sus creaciones inéditas. Las obras enviadas, una sola obra por artista, deberán respetar las consignas de temática y técnica. Las piezas seleccionadas participarán de manera virtual en una muestra con visualización en la página web del Museo. La recepción de las imágenes será hasta el jueves 20 de mayo, a través del formulario subido en el Sitio web del Museo. Bases y condiciones.
Seminario “En ronda”: apoyo a los artistas del sector infantil Esta iniciativa del Ministerio de Cultura en apoyo a la comunidad artística del sector infantil se llevará a cabo durante mayo y junio de 2021. El seminario “En ronda”, contará con el acompañamiento personalizado de especialistas, de artistas y de conocedores de las preferencias y necesidades de los padres y madres. Durante el ciclo se compartirán herramientas para la efectiva comunicación y búsqueda de canales de comercialización de proyectos culturales para las infancias, recomendaciones sobre el uso de la tecnología como aliada de las propuestas, e intercambio de experiencias culturales y saberes de artistas para los mismos artistas. Los encuentros se realizarán a través de la plataforma Zoom una vez por semana desde el 12/05 hasta el 02/06. En cada uno de ellos se desarrollará un tema diferente y los interesados pueden anotarse a los que deseen. Las capacitaciones serán moderadas por Alejandra Campomar de @buenosairespaeachicos.
El primer encuentro abordará experiencias culturales novedosas para la niñez en contexto pandemia, y tiene como objetivo conocer en voz de los creadores y productores, sus experiencias de trabajo con infancias en un contexto de pandemia (FestiKids – musica, Zoompamento – recreacion y EntreActo – teatro).
Luego, en encuentro de managers para artistas infantiles, se buscará acompañar a artistas infantiles en el proceso de creación, difusión y comercialización de sus productos, a cargo de Germán “Peke” Fernández Nandín y Valeria Donati.
El tercer espacio ofrecerá Estrategias para difundir y comunicar tu proyecto infantil en redes, donde se compartirán herramientas para armar una estrategia de comunicación y difusión exitosa basada en la identidad propia y en la construcción del mensaje a cargo de Karina Gao y Alejandra Campomar.
El cuarto, Encuentro-taller: procesos en la creación y composición de canciones para la niñez, propone un nuevo espacio de aprendizajes para artistas y entre artistas. Esta vez, con un taller junto a Ruth Hillar y Daniela Ranallo de Canticuénticos, el grupo musical santafesino para niños y grandes que ya es un clásico de la infancia.
La inscripción es gratuita y ya se encuentra abierta, los interesados pueden anotarse en el siguiente link.
Fuente: Clarín ~ El premio de artes visuales Kenneth Kemble, organizado por el Municipio de San Isidro, fue reformulado por completo para desarrollarse este año íntegramente en el entorno virtual. Así, tres artistas tendrán la posiblidad de acceder al financiamiento y mentoreo para encarar nuevos proyectos creativos. Todos los artistas, jóvenes, consagrados, sanisidrenses y de otras regiones tienen la posibilidad de participar.
«Cuando este premio surgió, hace 5 años, todos los que existían eran para obras terminadas. En este caso, lo que se busca es brindar apoyo a un artista que quiere experimentar nuevas ideas y necesitan respaldo para tomar riesgos», explicó Eleonora Jaureguiberry, subsecretaria de Cultura de la Municipalidad de San Isidro.
Con este formato, en sus ediciones anteriores, el premio ayudó a fomentar la creatividad, la experimentación y la innovación en las diferentes categorías. En 2020, por la pandemia, el certamen estuvo suspendido y ahora se rearmó en un formato que permite que todo el trabajo se desarrolle en el ámbito de la virtualidad.
La convocatoria está abierta a todos los artistas y colectivos de artistas mayores de 18 años que tengan obras anteriores y que deseen desarrollar una idea artística nueva. Finalmente se elegirán tres proyectos, que recibirán becas de apoyo financiero y el acompañamiento profesional para el desarrollo, que estará a cargo del reconocido artista Andrés Labaké, como mentor de los proyectos, mediante encuentros presenciales o por videollamadas.
Los premios están organizados en tres categorías. El premio principal es de $ 400 mil, e incluye a todos los postulantes. La segunda categoría busca fomentar la producción artística de jóvenes, por eso el límite es de hasta 35 años. Y en tercer lugar, premiarán a un artista residente en San Isidro.
«Todos pueden presentarse, residan o no en San Isidro, y luego se los evaluará de acuerdo a los requisitos para cada categoría. La idea es que sea lo más incluso posible para que todos quienes deseen participar tengan la oportunidad», agregó Jaureguiberry. Según la funcionaria, para muchos artistas que recién están comenzando, el propio proceso de armar su proyecto y presentarlo según las bases del concurso ya representa un enorme aprendizaje. «En años anteriores, todos los seleccionados en este premio lograron abrir muchas puertas y lograr que su obra sea más conocida», remarca.
Las bases están publicadas en la página web del municipio, y dado que los requisitos para presentarse son extensos, aconsejan comenzar el proceso con tiempo.
Una vez seleccionados los premiados, las propuestas serán desarrolladas entre el 2 de agosto de 2021 y el 28 de febrero de 2022, como fecha máxima. Según la situación con respecto a la pandemia de Coronavirus, el plan es que las obras sean exhibidas en el espacio que disponga el Municipio de San Isidro, ya sea en forma presencial o virtual.
El jurado encargado de evaluar las propuestas está integrado por reconocidos artistas, curadores y funcionarios: Teresa Riccardi, directora del Museo Municipal Eduardo Sívori; los artistas Miguel Harte y Rosalba Mirabella, y coordinados por el artista y curador Andrés Labaké.
Pueden presentarse proyectos, obras (o conjunto de obras) con distintas variables materiales, espaciales y conceptuales; piezas bidimensionales, tridimensionales, incluyendo intervenciones o instalaciones en espacio público y/o en interiores, pintura, fotografía, gráfica/grabado, dibujo, video, producciones digitales, nuevas tecnologías, objetos/escultura, acciones, performances, sonido, piezas efímeras sobre las que quede un registro audiovisual, entre otras. Los proyectos se pueden presentar desde esta semana, hasta el 27 de junio.
Fuente: Cronista ~ La Gran Manzana será escenario de importantes auctions en las las principales casas de remates del mundo. Se prevé que compradores millonarios pujen por obras históricas que salen a la venta en Christie’s y Sotheby’s
Posiblemente, esta semana sea la más importante del año para el mercado de arte. El martes 11 de mayo comienza ‘el baile’ con la venta de Christie’s, que busca u$s 50 millones por una pintura de Basquiat (1960-1989) realizada cuando tenía 22 años. Mide 200×190 cm. y los candidatos son un japonés y unos hermanos que tienen un hotel-casino en Las Vegas.
Hay de premio consuelo otro suyo, por el que se piden u$s 10 millones. Lo mismo vale un chorreado multicolor del alemán Richter y una ‘araña’ de la escultora Louise Bourgeois, que busca nuevo dueño en u$s 5 millones.
El Basquiat ‘millonario’ que saca a la venta Christie´s en Nueva York
Son 39 los lotes millonarios. La venta más importante es la del jueves, donde la mayoría tiene garantía de venta. Una miniatura de 15×25 cm., boceto de una parte de la obra mayor de Georges Seurat (1859-1891), permanece en una colección de Boston hace más de 90 años, y por lo menos habrá que llevar u$s 8 millones para ponerla en la mesa de luz o en la biblioteca junto a las fotos de la familia.
Miniatura de Seurat que sale a remate tras estar en una colección en Boston por casi un siglo
También habrá muchas obras de mujeres artistas. De la estupenda Lee Krasner, injustamente relegada por la fama de su marido Jackson Pollock, se piden u$s 6 millones por una bellísima obra. Por otra de Joan Mitchell hay que pensar en pagar u$s 10 millones y estar al día con el tributo a las grandes fortunas. Por una no muy linda escultura de mi admirada Barbara Hepworth hay que hablar de u$s 3 millones.
Dicen los que saben que el mejor año en la obra de Picasso fue 1932, y un retrato de su mujer Marie-Thérése, de ese período, puede alcanzar u$s 50 millones. Por un ‘brumoso’ y casi abstracto Monet, pintado desde su habitación del hotel Savoy de Londres, se habla de u$s 35 millones. Pero mi favorito es un Van Gogh de 1888, para el que necesitaré un crédito a baja tasa de u$s 30 millones.
Finalmente, por un azulado y oscuro Mark Rothko, que dicen fue su última obra y fuera comprada por el coleccionista Paul Mellon, se habla de u$s 25 millones.
Retrato, firmado por Picasso en 1932, su mejor año según los expertos, que valdría u$s 50 millones
Sotheby’s, en tanto, arranca el miércoles 12 de mayo con 34 lotes. Incluye un importante Basquiat de u$s 40 millones, también un ‘pizarrón’ garabateado en Roma por Cy Twombly a un precio semejante.
Curiosas son las dos pinturas hiperrealistas de Jeff Koons: una, perfecta para un cabaret, con una misma rubia en cuatro posiciones; y un juguete inflable que han tasado en u$s 5 millones.
Pero el plato fuerte son unas 20 pinturas de la texana Anne Marion, quien falleció hace un año y coleccionaba desde obras del Renacimiento hasta modernas de Lichtenstein, Warhol, Diebenkorn, Still y Richter que se cotizan, promedio, en u$s 20 millones cada una.
Fuente: Saavedra Online ~ De forma espontánea, con el esfuerzo de muchas personas y casi sin querer, en torno al Parque Saavedra se ha consolidado un gran polo de arte a cielo abierto. Es famoso el mural de Goyeneche junto al emblema de Platense, también las intervenciones de los artistas y vecinos Fa Uno Art y Ale Giorgga. Incluso el Gokú Calamar del centro de jubilados. Se suma ahora una obra mínima, anónima, pero llamativa y colorida: un mosaico sobre el cordón de la Plazoleta Pascuál Pérez, en Superí y Besares.
Como había informado este medio, esta plazoleta y su gemela, la “Alfredo Lepera”, están en obra para sumarle caminos de cemento colorado a los costados. Misma intervención se había hecho en la Escudero, al otro lado del Parque.
Los senderos en ambas plazoletas están listos y solo quedan unas cintas plásticas de color naranja limitando el acceso a los canteros. Con esta obra finalizada en cuanto a los trabajos de cemento, fue que una persona de forma anónima decidió instalar esta obra de arte miniatura.
Ahora que es otoño y las hojas se amontonan en las veredas, puede que se haga más difícil detectarla. No obstante, gracias a sus colores vivos y su textura llama la atención de quienes disfrutan a diario de este pulmón verde de Saavedra.
Sí con firma hay varios mosaicos del taller de Erica Blanco dentro del Parque Saavedra, en los bloques que sostienen los bebederos y cestos:
Fuente: La Nación ~ Una “criptoferia” de arte donde las obras sólo se podrán comprar con criptomonedas, forma de pago usada semanas atrás para adquirir una obra que rompió varios récords en Christie´s: eso es lo que impulsará este mes desde la Argentina Otra Feria, iniciativa virtual que se propone ofrecer “arte contemporáneo de modo contemporáneo”.
El artistaBeeple llegó en marzo al podio de los tres artistas vivos más cotizados gracias a la venta de un collage digital, por el equivalente en Ether a 69,3 millones de dólares. Como si eso fuera poco, el sitio web de Christie´s corrió el riesgo de colapsar debido a una encendida puja que abarcó ofertantes de once países y una audiencia online de 22 millones de personas. Finalmente, el comprador de ese archivo virtual concebido como Token No Fungible (NFT)fue un misterioso inversor de criptomonedas que se hace llamar MetaKovan.
Obra de Rogelio Polesello ofrecida por la galería cordobesa Via MarguttaGentileza Otra Feria
El timing no podría ser mejor para el desafío asumido por otraferia.com, espacio virtual donde se reunirá del 23 al 27 de mayo la oferta de una veintena de galerías de distintos países, en su mayoría argentinas. Las obras de artistas muy jóvenes podrán conseguirse desde 200 dólares, y habrá “algunas rarezas de consagrados”, comoRogelio Polesello, que llegarán hasta 35.000 dólares. “Como toda situación de vanguardia, esta edición inaugural será 100% experimental”, anticipó a LA NACION Diego Trulls, impulsor de la iniciativa.
Salón de eventos, Bolivia (2018). Fotografía de Florencia Blanco, artista representada por la galería La Arte de SaltaGentileza Otra Feria
Lanzada en abril de 2020, con una fuerte presencia en Instagram que incluyó charlas y fiestas inaugurales online con DJ en vivo, Otra Feria convocó desde entonces a más de 100.000 visitantes y 350 galerías en 17 ediciones. La idea incluso fue exportada a Europa como Another Fair, codirigida por Trulls y la española Sara González Arjona.
“Creamos una posibilidad, absolutamente inclusiva y federal, para que galerías de toda la Argentina y de Latinoamérica pudieran tener su canal directo con el mundo. Un espacio donde galerías hiperconsagradas e hiperemergentes tuvieran idéntico tratamiento y grado de exposición”, agregó Trulls, que en 2011 había desarrollado junto a Gabriel Werthein la plataforma Coleccionarte. La intención, ya en esos comienzos, fue “democratizar el arte y el coleccionismo”.
Pasaje, de María Allemand, una de las artistas representadas por TokonomaGentileza Otra Feria
A diferencia de una feria tradicional, las galerías no pagan por tener un espacio sino una comisión del 20% sobre las ventas. Sin embargo, se comprometen entre otras cosas a curar la muestra junto a los artistas, escribir los textos, elegir música que acompañe las obras, editar sus propios videos y “hacer cruces sorprendentes”. “Un mercado cada vez más amplio es la mejor situación posible para todas las partes del sistema”, agrega Trulls, que propone un tema para cada edición; uno de los primeros fue #superpoderosas, destinado a artistas y galeristas mujeres.
Obra de Yolanda López, artista representada por la galería Purísima de MéxicoGentileza Otra Feria
“Participé en tres ediciones de Otra Feria. No ha sido un éxito de ventas, pero en medio del contexto 2020 fue un motivador importante”, dijo a LA NACION Oli Martínez, de Tokonoma, una de las galerías porteñas que participarán de esta “criptoferia” con obras de María Allemand, Débora Pierpaoli, María Munzi y Laura Spivak. Entre otras que también se sumaron a la propuesta figuran Impakto (Perú), Del Paseo (Uruguay/Perú), Kiosco (Bolivia), No lugar (Ecuador), Purísima (México) y varias argentinas: PM, Via Margutta, Atocha, Fulana, Pasto, Oda, Beta Sur, La Arte y Laura Haber.
“No conozco a Diego personalmente –agregó Martínez-, pero me gusta su forma de posicionarse siempre un paso adelante, innovando con escasos recursos. En esta oportunidad, la idea de usar una criptomoneda también me entusiasma. Es un gesto, pero podría ser la forma de atraer nuevos públicos. ¡Allí vamos!”
Fuente: La Nación ~ De Bariloche a Córdoba y de Colonia a Buenos Aires, Bernasconi, Kovensky, Bianki y Veroni se ocupan no solo de crear sino de comercializar sus obras; la autogestión atravesada por la pandemia
De los dos lados del mostrador; o, como se trata de artistas, sería mejor decir “de los dos lados del atril”: Pablo Bernasconi y otros referentes del mundo de la ilustración se pusieron al frente de galerías y espacios culturales donde exhiben y venden obras propias y de colegas. Es el caso de Diego Bianki, que abrió hace unos meses su taller de Colonia (Uruguay) para organizar muestras y talleres. También Ral Veroni, con la galería palermitana Mar Dulce, especializada en pequeño formato, y Martín Kovensky, con Júpiter, en La Cumbre, Córdoba, que actualmente funcionan además en modo virtual.
“Estoy vendiendo originales hace ya varios años. Hago mis obras en serie, es decir, ensayo varias versiones, cada una diferente de la otra, como si fuese un proceso continuo. Todas son en técnica mixta, una parte digital y otra manual con pintura acrílica, pasteles, a veces objetos y barnices sobre lienzo. Las obras se acompañan con certificado de autenticidad firmado”, cuenta Bernasconi a LA NACION. “El interés por estas obras aumentó mucho en el último año por parte de privados, coleccionistas, hoteles o instituciones que quieren redecorar sus espacios con sentidos puntuales. Entre los compradores realmente hay de todo; supongo que influye la posibilidad de pagar en cuotas. Pero diría que principalmente son lectores que siguen mi obra, coleccionistas y una gran variedad de extranjeros que ven la posibilidad de adquirir lienzos originales”.
Los originales de Bernasconi aumentaron su valor en el último año
Desde principios de este año, el autor e ilustrador proyecta un espacio de arte en Bariloche, ciudad donde reside, para inaugurar en el invierno. “Junto con Tania, mi pareja, estamos en el proceso de construir una galería taller para exhibir y vender no sólo mis obras sino también la de otros artistas. Es un espacio muy particular y mágico, sumergido en el bosque, en donde los compradores puedan observar las etapas de la creación además de su resultado final. Si bien hoy en día la realidad indica que todo se está pasando a la venta virtual, mi impresión es que para este tipo de obras, la exhibición presencial de un original, con su energía, colores y texturas, es esencial. Seguramente vamos a promover también ahí la realización de charlas, talleres y visitas”.
Con valores que promedian los 140 mil pesos, según la serie y el tamaño, los originales de Bernasconi aumentaron su cotización en los últimos años. “En estos tiempos convulsionados, mucha gente está descubriendo el valor de la inversión en arte, como un bien que se cotiza y se usa para resguardar los ahorros. Mis obras, por ejemplo, han subido su valor en un 150 por ciento en los últimos dos años, a raíz de la demanda y de coleccionistas que han revendido sucesivamente los lienzos. Como mi catálogo no es exactamente ‘decorativo’, sino que proyecta conceptos, ideas, mensajes fuertes, muchos compradores son además personas con fuertes convicciones e ideales. Supongo que, en parte, acercarse a una obra es una forma de resumirlos, de representarlos. Es toda una responsabilidad que me ‘hospeden’ en sus casas”, concluye el autor de El infinito que este año publicó Paisaje interior, tres libros ilustrados con poemas de Leonard Cohen.
El proyecto de Diego Bianki, autor, ilustrador y fundador del sello Pequeño Editor tiene, según sus propias palabras, “un espíritu amateur”. Instalado en Colonia (Uruguay) hace unos veinte años, decidió hace unos meses abrir las puertas de su estudio a otros artistas. Así nació Espacio Bianki, donde (cuando el coronavirus lo permita) habrá muestras y talleres. “No es que he transformado mi estudio en una galería profesional sino que he abierto el espacio para que expongan colegas, con los que siento alguna afinidad, y puedan también dictar talleres. Pero, lamentablemente, la pandemia está complicando todo. No pudimos inaugurar una exhibición que teníamos prevista ni hacer el taller programado para abril”, explicó el autor e ilustrador de Cuentos cansados y Rompecabezas, entre otros libros para el público infantil.
«Ronda nocturna», de Isol, artista de galería Mar Dulce
Un referente de artista-galerista ciento por ciento es Ral Veroni, dueño junto a Linda Neilson de la pequeña y exquisita Mar Dulce. Bianki, colega de Veroni, con quien fundó una galería alternativa en Buenos Aires en los años ’90, lo presenta como “grabador, dibujante, poeta, pintor y editor de un sello pequeñísimo y exquisito que se llama Urania”. Hijo del grabador italiano Raoul Veroni, Ral recurrió a su colección personal para empezar el proyecto de la galería hace unos doce años. “Arrancamos con las obras de mi padre, que eran mi herencia, y de sus amigos. También, con la de colegas de mi generación como Elenio Pico, Bianki, Roberto Cubillas y otros que conocí a partir de ellos, como Cristian Turdera”, contó.
A esos nombres iniciales se sumaron otros artistas como Isol, María Luque, María Elina, Pablo Mattioli y Sofía Alvarez Watson. “A Isol la conozco hace treinta años y somos amigos; viví todo el desarrollo de su carrera. A María Elina la conocí a través de Turdera. Muchos fueron alumnos de Elenio Pico, que es un gran amigo. Digamos que no nos costó armar la galería a partir de una red de conocidos y de colega. Ayudó mucho compartir el espacio con Linda, que es una gran administradora y operadora cultural.”, agregó.
En su galería, Veroni tiene obra propia, pero prefiere “una exposición discreta”. “No me molesta promocionar ni vender mi obra, pero tenemos alrededor de cien artistas y siempre, en promedio, exhibimos trabajos de unos quince o veinte. Tengo obra de mi papá, que para mí es un lujo y un gusto mostrar y vender. Tengo una gran admiración por mi padre, que era un excelente grabador, hacía ediciones de bibliófilo. Era un hombre muy reservado y se alejó bastante del ruido del mundo y de la autopromoción. Tal vez por eso se dedicó a hacer libros. Tuve mucha influencia de él y de mi mamá, que también era artista. Tener una galería consume mucho tiempo y eso hace que no tenga disponibilidad para buscar otros espacios de exhibición, pero a esta altura estoy muy contento y me gusta el trato con el público”.
Pequeña y exquisita, la galería Mar Dulce de Palermo es ideal para iniciarse en la experiencia de comprar originalesgentileza Galería Mar Dulce
Como el local de Mar Dulce, en Uriarte 1490, no mide mucho más de cuatro por cuatro metros, la decisión desde el primer día fue tener obras de pequeño formato. “El local es muy chico, pero tiene una ventaja: un gran ventanal a la calle. Al fondo, tiene un jardincito que deja entrar la luz. Antes de la pandemia pasaban turistas y muchos se llevaban obras de nuestros artistas. La galería tiene una fuerte tendencia hacia la gráfica, obras en papel y pinturas. La línea es bastante lírica y poética, con mucha naturaleza, poco expresionismo. No hay prácticamente arte conceptual, hay poco abstracto, aunque tenemos a Tulio de Sagastizábal, que tiene un lirismo y un color precioso, y a Daniel Santoro, que trabaja con el peronismo y tiene mucho poder simbólico. Cuidamos siempre que lo que colgamos mantenga la armonía, que el público sienta que hay una coherencia en lo que está expuesto. Mi obra quizá desentona con todo esto y por eso la tengo en bambalinas. Tengo una serie de afiches tipográficos que hice con Juan Carlos Romero a la que le tengo mucho cariño y cada tanto expongo alguno, pero es una obra que se sale un poco de la lógica de la galería”.
Uno de los afiches de Ral Veroni de edición limitada
A causa de la pandemia, la galería funciona en versión reducida pero tiene su pata digital en la web donde se pueden conocer las obras y los artistas. En el inicio del sitio dice “#Quedate en casa y enviamos la obra” y aparecen, a continuación, trabajos de distintos artistas con sus precios. Algunos ejemplos: “Opera”, una pintura (gouache sobre papel de 29 x 21 cm, con su marco) de María Luque, cuesta 25 mil pesos. Una acuarela de María Elina, enmarcada, cotiza unos 14 mil pesos. Y un afiche de Romero y Veroni, enmarcado, de una edición de 40 ejemplares numerados y firmados, tiene un valor de 29 mil pesos. Hay descuentos y cuotas.
Coleccionistas principiantes
Según el galerista, “el perfil del cliente promedio de Mar Dulce es un comprador inicial, gente que no necesariamente es coleccionista, que a lo largo de los años se ha hecho habitué de la galería y viene a comprar obras en pequeño formato para decorar la casa. Como tenemos una gran mayoría de artistas jóvenes, los valores son bastante accesibles. Es la idea de la galería. En general, según el tamaño y el artista, los precios se ubican entre 12 mil pesos hasta 29 mil. Hay muchas obras que son más baratas que una campera o un par de zapatos”.
Con respecto a Isol, Veroni rescata que “aunque ganó un gran premio en Suecia por sus libros ilustrados y es una artista muy reconocida, mantiene unos precios muy coherentes con la realidad nacional. Tiene, por ejemplo, unas ediciones limitadas que pueden costar entre siete mil y diez pesos, y algunos originales rondan entre los veinte mil pesos aproximadamente, según el tamaño”.
Desde La Cumbre, donde vive junto con su familia, Martín Kovensky contó a LA NACION que la experiencia de estar de los dos lados del mostrador le permitió entender la cuestión de los precios de las obras. “Si bien ahora no me dedico al galerismo porque al frente de Júpiter está Ana Gilligan, cuando compartíamos la gestión (entre el 2006 y el 2013) pude entrar en contacto con el sistema de valor de una obra de arte y todo el mecanismo de circulación comercial. Como artista fue una experiencia muy innovadora porque uno produce y la venta siempre queda en manos de otros. En general, un acuerdo comercial muy real puede ser que en una venta en una feria como arteBA, el valor se reparte cincuenta y cincuenta entre el artista y el galerista. Como artista no me convencía, pero como galerista entendí que de esos cincuenta tengo que descontar la inversión y el costo de, por ejemplo, estar presente en la feria con el stand y todo lo que implica”.
Fundada por el artista e ilustrador y su esposa en 2006, Júpiter participó de arteBA entre 2008 y 2012. “Fue una experiencia muy rica. Actualmente, la galería funciona más en su modo virtual a través de una plataforma de venta online donde aparecen los artistas y sus trabajos ordenados por técnicas: pintura y dibujo; esculturas y objetos; fotografías y gráficas e impresiones. “Yo me considero un laburante de los dos campos: arte e ilustración. Hay puentes entre ambos trabajos y, también, diferencias: en la ilustración es muy difícil sostener una poética propia porque siempre intervienen las condiciones de encargo y editorial que ponen al artista poeta en un segundo plano. Fundar la galería tuvo que ver con un proyecto familiar: venirnos a vivir a La Cumbre y de tratar de articular nuestro trabajo profesional en un espacio propio”.
Con cuentas muy activas en las redes sociales, los artistas galeristas se encargan de difundir sus actividades y exposiciones. Bernasconi, que acaba de estrenar cuenta en Instagram de su galería en construcción, sube fotos de sus originales colgados en livings y domicilios particulares de los compradores. “La idea es que la galería/taller esté lista para agosto. Lo que muestro en IG son mis intentos por recaudar algo de dinero justamente para poder terminar la construcción. Por suerte, parece haber muy buena recepción. Un proyecto así, en este momento, es como mínimo un lindo delirio”.
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