Categoría: Actualidad

Fuente: La Nación – La decisión del Gobierno de avanzar con una desregulación le dará nuevo impulso al negocio

Nada nuevo bajo el sol. Se impone la lógica y la necesidad de expandir el mercado de arte local y lograr que los artistas argentinos tengan una cotización internacional, como sucede en Brasil, por ejemplo. La ecuación es simple. Salvo el sonado ejemplo de Desocupados, de Berni, que alcanzó el millón de dólares en una venta privada a dos millonarios de la industria farmacéutica, no hay en la Argentina artistas que alcancen esa cima, mientras en Brasil hay por lo menos diez. Ahora, el ministro Federico Sturzenegger; el director general de la Aduana, Eduardo Mallea, y el secretario de Cultura, Lisandro Cifelli, cierran detalles para dar forma a la regulatoria que definitivamente facilitará la circulación de obras arte.

Cero trabas para las obras de artistas en producción y para todas las obras que no sean consideradas patrimonio. Léase, por ejemplo, El gaucho federal, de Monvoisin, una de las obras más poderosas de los precursores, pintores viajeros, que fue exhibida años atrás en calidad de préstamo en el Museo Nacional de Bellas Artes y tiene calificación de patrimonio cultural.

Si mañana, una artista como La Chola Poblete quiere salir con diez obras suyas bajo el brazo puede hacerlo sin problemas, y por supuesto venderlas en el exterior. “Queremos que el Estado sea un facilitador de sueños y no una barrera”, dice Cifelli.

Menem lo hizo. La ley 24633 de 1996 estableció un marco legal para liberar la circulación de obras de arte. El anuncio fue hecho entonces en la Casa Rosada por el entonces presidente Carlos Menem en compañía de Cristina del Campo, que era la representante de Christie’s Argentina. Del Campo puso su energía y talento para acelerar la resolución, hasta llegó a un acuerdo con la casa Naón de la calle Guido para organizar subastas conjuntas.

Aquella apertura global permitió la salida de importantes obras de Antonio Berni, luego subastadas a precios récords en las rematadoras neoyorquinas. Fueron adquiridas por Amalita Fortabat y por Eduardo F. Costantini. Hoy esos cuadros antológicos se exhiben en los museos fundados por ambos.

Lo que viene es claro y contundente, sin vueltas y sin trabas. Otro ejemplo: si un extranjero compra una pintura argentina en arteba, sale con ella sin problemas y sin impuestos.

En diálogo con Eduardo Mallea, abogado con años de experiencia en derecho aduanero, que conoce las dos caras del tema porque fue vicepresidente de arteba, cree que hay que terminar con el temor a no poder usar y hacer lo que cada uno quiera con el patrimonio propio. “Ese miedo es letal para que un mercado crezca, no ingresan obras a un país que prohíbe, o limita, la salida”, afirma. La libertad es buena consejera, los controles, no. Y, hay que aclarar, sin ley y sin libre circulación lo mismo salieron obras calidad museo de Modigliani, Van Gogh, Sorolla, Boldini, Munnings, Mongrell, Benlliure… y más.

Los franceses, muy chauvinistas como son, abrieron sus fronteras años atrás, cuando comprobaron que Londres remataba los mejores cuadros y tenía un mercado más potente. Hoy, París es un gran centro de ventas con locales de Christie’s y Sotheby’s a la par del tradicional Hotel Drouot. Es más, Francia cedió la conducción y organización de la FIAC, la feria de arte más importante de París al team de Art Basel, el relojito suizo del arte que este año celebrará la tercera edición París-Art Basel. Será en octubre y en el renovado Gran Palais, puesto cero kilómetro para las Olimpíadas París 2024.

En cuanto a las obras que son patrimonio cultural, no habrá cambios. Si la Secretaría de Cultura determina que una obra es patrimonial no sale del país y punto. Queda la opción para una obra calidad museo que el Estado, o un particular, la compre al precio que el propietario recibiría en el exterior. Opción difícil porque no hay plata.

Dato no menor: si mañana una persona quiere ingresar obras para exhibir acá, tendrá, de acuerdo con las nuevas regulaciones, hasta cinco años para exhibirlas en el país. Hoy es un año, con opción a dos.

Se trata de un cambio de paradigma que derriba el concepto: “todo está prohibido hasta que la autoridad de turno lo autorice”.

Fuente: La Nación – Para muchos artistas, este encuentro anual marca cada año un antes y un después en sus carreras; hay quienes con sus obras ingresan por primera vez al acervo de una institución o cruzan fronteras, o ganan notoriedad por la gran demanda que despierta su trabajo.

Días después del cierre de la reciente edición de arteba, el domingo último en el Centro Costa Salguero, la acción parecía lejos de haber terminado. “Estamos trabajando todavía, no doy más”, reconoció una galerista ayer, mientras seguía entregando obras y concretando operaciones. Para muchos artistas, en tanto, algo recién se iniciaba: varios pasaron a integrar los acervos de importantes museos o colecciones, de la Argentina y del exterior, o fueron noticia por la gran cantidad de obras vendidas.

Un ejemplo de este fenómeno fue Dana Ferrari, nacida en 1988, que protagonizó un solo show presentado por Grasa en la sección Utopia. Por un valor que iba de los 400 a los 3000 dólares se vendieron allí 33 de sus coloridas pinturas, que se exhibieron camufladas sobre una instalación de tela también creada por ella con tramas similares. “Todavía no se vendió, estamos en negociaciones por eso”, dijo a LA NACION Torcuato González Agote, codirector de la galería.

Otros nombres que se hicieron escuchar fueron los de Verónica Gómez, Trinidad Metz Brea y Amanda Tejo Viviani. Mientras la primera vendió 16 obras en la galería Cott, una de las cuales entró en la colección del Malba (donde también ingresaron por primera vez Anselmo Piccoli, Florencia Böhtlingk, y Manuel Brandazza), las otras dos entraron a la del Moderno. Y no sólo eso: en NN se agotaron casi de inmediato las pinturas de Tejo Viviani (varias de ellas fueron compradas por la colección Balanz,que también incorporó obras de otros seis artistas), y Valerie’s Factory vendió catorce piezas realizadas por Metz Brea, que además ingresó a la colección de la Usina Rhodia, en Quilmes.

“Es muy emocionante –dijo a LA NACION esta última, nacida en 1994 -. Siento como un gran hito pasar a ser parte de colecciones tan importantes con obras de artistas históricos y que admiro. Es un reconocimiento increíble y me pone muy feliz”. También Gómez, de 46 años, habló de felicidad y gratitud: “Creo que es la culminación de una trama virtuosa compuesta no sólo por mi obra o mi trabajo –señaló-, sino por todos aquellos que colaboran en la circulación y difusión, galería, curadoras, comité, museo, colegas… Son más de veinte años de trabajo continuado y es hermoso saber que la obra será cuidada y disfrutada”.

Otra artista que subió un escalón más en su ascendente carrera fue Julia Padilla. Artista nacida en 1991, ingresó por primera vez en la colección del Moderno (junto con las dos artistas mencionadas, además de Carrie Bencardino, Nikolai Kasak y Florencia Levy) gracias a la compra de una obra suya ofrecida en el stand de Aldo de Sousa. Como si esto fuera poco, está participando de muestras colectivas en las sedes de ambos espacios y en la flamante galería Linse, y también protagoniza hasta mediados de noviembre una individual en el Centro Cultural Recoleta.

Hasta el acervo del MAC de Salta llegaron por primera vez obras de Lucila Gradin (Cott), Clara Johnston (Remota), Ana Clara Soler (Quimera) y Santiago Gasquet (Piedras). Y hubo otras que cruzaron fronteras aún más lejanas, para ingresar en museos de Estados Unidos o Europa. Fue el caso de una pintura de Santiago García Sáenz, que partió desde Hache hacia el Guggenheim de Nueva York; otra de Alfredo Londaibere, elegida en Nora Fisch por el español Reina Sofía; una instalación de Rosario Zorraquín, seleccionada por el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (Macba) en Isla Flotante, y otra de Verónica Meloni, exhibida en Rolf Art, que se fue hacia el Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M).

Por otra parte, varios destacados coleccionistas sumaron integrantes a sus acervos. Nueve de los creadores de las doce obras que compró Alec Oxenford no estaban aún representados: García Sáenz, Alfredo Prior, Osvaldo Lamborghini, Santiago O. Rey, Maruki Nowacki, Alejandro Kuropatwa, Ruy Krygier, Elian Chali y Carlos Cima. Eduardo Costantini compró por primera vez una obra de Juan Grela en Diego Obligado, la misma galería donde Aldo Rubino adquirió otra de María Suardi.

El fundador del Macba se llevó además otras de Edgardo Giménez (MC), Alicia Orlandi (Roldán Moderno) y Stella Ticera (Ruth Benzacar); a esta artista santafesina nacida en 1999 le dedicará una muestra desde el mes próximo en su museo. En Fundación Klemm entró Valentina Liernur (Isla Flotante) y la Fundación Azcuy incorporó a Joaquín Boz (Barro) y Benjamín Felice (Tomás Redrado). Esta última es una galería que también abre puertas para los artistas argentinos en Estados Unidos. Pasen y vean.

Fuente: Infobae – El comercio de arte contemporáneo plantea preguntas sobre el verdadero valor de una obra a lo largo de la historia. Pero si el mercado queda al margen: ¿cómo sabemos si algo es una obra maestra?

¿Podemos explicar a aficionados pero no expertos conocedores qué determina quién es un maestro del arte? La pregunta es muy sugestiva, ya que nos obliga a pensar sobre qué es el arte y quiénes son los artistas. Pero, sobre todo, nos fuerza a reflexionar sobre qué hace que un artista sea más importante que otro.

Esta cuestión, además, tiene para el gran público, que no es experto conocedor, bastante relevancia. Sobre todo cuando es expuesto a cierto arte contemporáneo cuyos criterios de excelencia son difíciles de asumir.

El plátano es lo de menos

¿Cómo poder por ejemplo valorar la calidad de la obraEl Comediante, del artista conceptual italiano Maurizio Cattelan, que consiste en un plátano pegado a la pared con cinta adhesiva? La pieza se expuso en la feria de arte Art Basel Miami en 2019, copando los titulares de toda la prensa mundial.

La ironía, el humor y la parodia forman parte de la concepción del arte y de su propio cuestionamiento desde los inicios del siglo XX. El escritor francés Alfred Jarry, los dadaístas y el propio Marcel Duchamp, representante ilustre de ese movimiento, son los primeros exponentes de una actitud irónica y crítica de lo que consideraban la inutilidad del arte.

Sin embargo, hoy en día el arte se ha transformado en un negocio millonario. Cattelan pretendía probablemente reírse con su obra –de técnica y ejecución risible– de un mercado que iba a determinar su valor a partir del dinero que costase, sin importar su significado. De hecho, dos piezas, de las tres que produjo Cattelan, se vendieron por 120.000 dólares cada una…

No quiero decir con esto que Maurizio Cattelan no sea un gran artista. Esa no es la cuestión. El escándalo de su plátano pegado a la pared con cinta adhesiva indica que actualmente el dinero parece indicar qué arte merece la pena. Pero, si dejamos el mercado al margen, ¿cómo sabemos si algo es una obra maestra?

La historia nos indica la respuesta

Tenemos un recurso que permite aprender, entender y reconocer qué hace que los grandes genios lo sean. Podemos con él valorar la calidad, expresividad y originalidad de sus obras, tanto en el contexto histórico de su época como en el de la propia historia del arte a la que pertenecen. Y ese recurso es la historia del arte.

Explicar a través de ella qué determina quién es un maestro de manera accesible para aficionados sin conocimientos profundos requiere centrarse en varios aspectos clave que pueden entenderse fácilmente.

«La última cena» es una pintura mural original de Leonardo da Vinci ejecutada entre 1495 y 1498, en Santa Maria delle Grazie, en Milán

• El primero tiene que ver con la innovación y originalidad. Los grandes artistas tienen una actitud propia que les permite introducir nuevas ideas, técnicas o estilos, que cambian la manera en que la que se entiende y se practica el arte. Así, los maestros descubren nuevas formas de usar materiales y herramientas de arte. También introducen una nueva visión de las cosas, que podemos definir como originalidad conceptual, creando obras con ideas y temas únicos que no se han explorado antes y que aportan nuevas narrativas que acaban formando parte de nuestra cultura. Leonardo da Vinci, conocido por obras como La Gioconda y La última cena, fue por ejemplo un innovador en técnica y conceptos.
• En el segundo aspecto podríamos referirnos a las habilidades técnicas. Todos los grandes maestros del arte poseen, de una manera u otra, un gran control del medio artístico, ya sea pintura, escultura, fotografía, etc. Saben usar para sus fines el pincel, el cincel, la cámara o cualquier herramienta que les resulte útil. Muestran de manera reiterada control y precisión en sus trabajos, con la capacidad para captar detalles con exactitud y realismo, o de manera expresiva según el estilo que tengan.

Grabado de Francisco de Goya

• Un tercer aspecto a considerar es el impacto cultural e histórico que tienen los grandes artistas, tanto en su época como posteriormente, así como la influencia en otros. Sus obras muchas veces documentan o responden a momentos importantes de su tiempo. Por ejemplo, Goya plasmó los horrores de la guerra de Independencia en una serie memorable de grabados. También Picasso expresó de manera descarnada el dolor y sufrimiento causado en la población civil por el bombardeo sobre la ciudad de Guernica, en la que es ahora una de sus obras más famosas.
• Un maestro del arte a menudo también inspira y abre caminos para otros artistas. Así encontramos a Vincent van Gogh, quien, aunque no reconocido en vida, desarrolló un estilo único y emotivo que ha influido profundamente en el arte moderno. O a Frida Kahlo, cuyas obras, profundamente personales y simbólicas que exploran temas de identidad, dolor y feminidad, han inspirado a muchos artistas contemporáneos. El trabajo de los maestros establece nuevos estándares y prácticas en el mundo del arte. Fundan o son figuras clave en movimientos artísticos, como lo fue Picasso con el cubismo, convirtiéndose en una referencia constante para nuevas generaciones de artistas.
• Por último, las obras de un maestro del arte suelen tener una profundidad emocional y conceptual que resuena con el espectador, evocando emociones fuertes o reflexiones profundas.

La historia del arte es fuente de conocimiento, una disciplina científica que aúna crítica, estética y mercado. A pesar de los criterios de cada época, que cambian y evolucionan, los suyos son los más fiables para entender no solo quiénes son los grandes artistas, sino para seguir aprendiendo y disfrutando de sus obras, así como descubrir nuevas miradas y narrativas sobre ellas.

Por ello, los anteriores factores combinados nos ayudan a explicar por qué la obra de algunos artistas trasciende el tiempo y las tendencias, convirtiéndolos en figuras inmortales en el mundo del arte… a pesar de los plátanos adheridos a la pared.

* Director Departamento de Artes, Universidad Nebrija.

Este artículo fue publicado originalmente en The Conversation.

[Fotos: Eduardo Parra (Europa Press) y archivo].