Categoría: Exterior

Nuevas revelaciones sobre la sonrisa de La Gioconda: ¿una ilusión óptica alentada por el cerebro?

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Fuente: Télam ~ Muchos críticos y especialistas en arte han intentado dilucidar este enigma, pero solo la ciencia parece más próxima a resolverlo, ahora con una revelación inquietante: la sonrisa de la dama retratada en el cuadro podría ser una ilusión alentada por el cerebro.

La sonrisa más icónica del mundo, la que aflora en los labios de La Gioconda -la célebre obra que el artista italiano Leonardo Da Vinci creó a principios del siglo XVI-, podría no ser un gesto de alegría o placer sino una ilusión óptica generada por el cerebro, según una investigación de la Universidad de Amsterdam que pretende poner fin a una incógnita que se ha agigantado a través del tiempo.

¿Está sonriendo la misteriosa mujer que año tras año magnetiza a las multitudes que se acercan al Museo del Louvre en París solo para saciar la curiosidad o el fetichismo que despierta su leyenda? Muchos críticos y especialistas en arte han intentado dilucidar este enigma, pero solo la ciencia parece más próxima a resolverlo, ahora con una revelación inquietante: la sonrisa de la dama retratada en el cuadro podría ser una ilusión alentada por el cerebro.

De acuerdo con un estudio encabezado por neurocientíficos de la Universidad de Amsterdam, la sonrisa de La Gioconda -o Mona Lisa- pintada por da Vinci entre 1513 y 1519 existe, aunque no es perceptible a simple vista. Los expertos pudieron encontrar que la mujer de la pintura –Lisa Gherardini, esposa de Francesco Bartolomeo de Giocondo– muestra un 83% de felicidad en su rostro. Y también detectaron otras emociones: 9% de disgusto, 6% de temor y 2% de enfado.

Los investigadores analizaron la obra renacentista a partir de un programa digital de reconocimiento emocional que reproduce el ciclo de percepción del cerebro identificando cambios en las expresiones neutras de las personas e interpretándolos de acuerdo a las emociones que conoce. Una vez identificada la emoción, el cerebro crea una ilusión que ayuda a confirmar una interpretación, según consigna la BBC.

En el caso de La Gioconda, su sonrisa aparece oculta o apenas esbozada, pero aún así quien la contempla interpreta que ensaya una mueca de felicidad, acaso porque reúne otras características afines a la expresión de alegría, como el ensanchamiento de sus fosas nasales o la formación de arrugas debajo de los ojos. De ese modo, al advertir estos cambios a través de la visión, la mente emite un veredicto final, aún sin la necesidad de ver una sonrisa bien definida.

Una de las conclusiones del estudio es que el cerebro humano ha evolucionado para captar cualquier cambio en la expresión facial, por mínimo que sea. Así, el ser humano es superior a la máquina y logra detectar rasgos emocionales aunque se oculten bajo una expresión neutra, una habilidad social distintiva.

Desde el principio de su creación, los renacentistas quedaron sorprendidos por aquella cautivadora sonrisa pero fue recién en el siglo XIX que el poeta y dramaturgo Théophile Gautier empezó a plantear esta cuestión. Tiempo después, el psicoanalista austríaco Sigmund Freud conjeturaba que la mueca de felicidad era una reminiscencia de su madre, de la cual Da Vinci se separó tempranamente.

En paralelo a esta investigación, circula otro argumento original para justificar la percepción de la «tentativa» de sonrisa en la obra del creador renacentista: tras años de investigación científica, el científico desarrolló una técnica en la que construía expresiones sutiles gracias a la aplicación de finas capas de pigmento diluido.

Con esta técnica, conocida como sfumato, el pintor generó un rostro cuya sonrisa no era perceptible para la visión central, pero que emitía señales de reconocimiento capturadas a través de la visión periférica. Estas señales, por lo regular distribuidas en zonas borrosas de sus pinturas, también causan que el cerebro se enfoque en la cara de su objeto y no en el paisaje que figura en su fondo.

Da Vinci desarrolló esta técnica durante sus últimos años, a partir de 1513, y conservó la pintura hasta su muerte, como si fuera su laboratorio: a lo largo de los años experimentó nuevas formas de graduar las sombras, a veces con sus dedos, y así logró que su Gioconda sonriera de forma escurridiza. De alguna forma, la obra y su artífice envejecieron juntos. Hoy, al unísono, siguen intrigando al mundo.

Muestras Pop Up abren nuevas puertas para el arte argentino en Miami

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Fuente: La Nación ~ Talentos locales ganan terreno en una de las grandes capitales creativas del mundo, gracias a la iniciativa de un galerista sin sede propia que exhibe sus obras en diversos espacios.

Un penthouse de un edificio de lujo diseñado porZaha Hadid, un local comercial del Design District, un restaurant, las paredes externas de un museo. Gracias a la dinámica efímera de las muestras “Pop Up”, el arte argentino está conquistando nuevos espacios en Miami.

Obras de Martín Touzón y Cynthia Cohen, exhibidas durante la muestra Pop Up organizada por Tomás Redrado en One Thousand Museum
Obras de Martín Touzón y Cynthia Cohen, exhibidas durante la muestra Pop Up organizada por Tomás Redrado en One Thousand MuseumGentileza Tomás Redrado Art

Semanas atrás, una exposición de ese tipo se montó en un penthouse del piso 51 del One Thousand Museum, edificio de condominios de lujo diseñado por el estudio de Hadid, con habitantes famosos como David Beckham. Fue impulsada por Tomás Redrado, hijo del economista Martín Redrado y director de la galería homónima, sin sede propia hasta el año próximo. Mientras tanto planea lanzar su propia plataforma de NFTen el Pérez Art Museum Miami (PAMM) durante la semana de Art Basel, cuando Miami se convierte por unos días en la capital global del arte.

Esculturas lumínicas de Martín Touzón, uno de los artistas que acaba de participar de la Semana del Arte; en diciembre, Redrado presentará una en The Arsenale
Esculturas lumínicas de Martín Touzón, uno de los artistas que acaba de participar de la Semana del Arte; en diciembre, Redrado presentará una en The ArsenaleGentileza Tomás Redrado Art

Ante decenas de invitados y con el auspicio de Sotheby’s International Realtypresentó como los Young Argentinian Artists –en alusión a los célebres Young British Artists impulsados por la Galería Saatchi en la década de 1990- a Agustina Chalupowicz, Santiago Paredes, Francoise Thevenet y Martín Touzón, que acaba de participar con sus esculturas en la Semana del Arte porteña.

Obras de Santiago Paredes, artista que también participará de la proyección de NFTs en el PAMM y exhibirá obras en el restaurant Wayku
Obras de Santiago Paredes, artista que también participará de la proyección de NFTs en el PAMM y exhibirá obras en el restaurant WaykuGentileza Tomás Redrado Art

Sus obras se exhibieron junto con las de otros argentinos como Marta Minujín, Cynthia Cohen, Diego Bianchi y Luciano Garbati. En diálogo a su vez con otros internacionales como Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat y Carlos Cruz Diez, representados por las galerías Marion y Rudolf Budja.

Obra del artista franco-argentino François Thevenet
Obra del artista franco-argentino François ThevenetGentileza Tomás Redrado Art

Otra similar está prevista para 2022, pero por ahora Redrado está abocado a lo que ocurrirá en paralelo a Art Basel. “Vamos a lanzar nuestra plataforma NFT el 3 de diciembre en el PAMM –adelantó a LA NACION-. En un evento de 300 personas invitadas por los organizadores más influyentes del sector financiero cripto de Miami, vamos a usar dos paredes externas del museo para proyectar NFTs de Paredes, Frenetik Void, Julián Brangoldy Milton Sanz”.

Obras de la artista argentina Agustina Chalupowicz, una de las integrantes del grupo presentado como Young Argentinian Artists
Obras de la artista argentina Agustina Chalupowicz, una de las integrantes del grupo presentado como Young Argentinian ArtistsGentileza Tomás Redrado Art

En forma paralela exhibirá una escultura lumínica de Touzón en The Arsenale, en el Design District, y piezas de Paredes en el restaurant Wayku, durante una fiesta organizada para esa semana intensa.

Arte híbrido y mutante: la nueva sorpresa de Beeple, vendida por 28,9 millones de dólares

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Fuente: La Nación ~ Se subastó en Christie´s de Nueva York Human One, escultura física, digital y dinámica realizada por el el tercer artista vivo más cotizado del mundo, impulsor del boom de los NFT.

Una obra de arte híbrida y mutante. Eso esHuman One, la primera pieza física creada por Beeple, impulsor delboom de los NFTal lograr este año un récord de 69,3 millones de dólares para una obra de arte digital. Convertido así en el tercer artista vivo más cotizado del mundo, el diseñador estadounidense Mike Winkelmann volvió a sorprender hoy con otro hito: vendió su nueva creación en Christie’s de Nueva York por 28,9 millones de dólares.

La “escultura digital” -comprada por alguien que hizo la oferta desde Suiza, cuya identidad no trascendió- está contenida en una estructura de más de dos metros de altura. Sus cuatro lados, conformados por pantallas led de 16K de resolución interconectadas, muestran en tres dimensiones lo que Beeple define como “el primer ser humano nacido en el Metaverso”: un hombre con casco de astronauta en una caminata constante, de día y de noche. Es decir, una suerte de versión digital y dinámica de El hombre que camina, escultura realizada hace seis décadas porAlberto Giacometti.Cómo es Human One, la obra de Beeple

El paisaje distópico que gira a su alrededor cambiará mientras viva el artista, ya que las computadoras integradas en la base de la escultura y un “contrato inteligente” permitirán que el video acuñado comoNFT (Token No Fungible)se alimente al azar de sus creaciones visuales a través de la cadena de bloques Ethereum.

“En el transcurso de su vida, Beeple tiene la intención de agregar y desarrollar sin problemas este conjunto de imágenes en respuesta a los eventos actuales -anunció la casa de subastas en un comunicado-, creando una obra de arte eternamente contemporánea”. De esta manera se explora el potencial único de lo digital y de los NFT, que permiten garantizar la propiedad y autenticidad de este tipo de obras.

Ofrecida en Christie’s de Nueva York por valor estimado en 15 millones de dólares, es una “escultura digital” contenida en una estructura de más de dos metros de altura
Ofrecida en Christie’s de Nueva York por valor estimado en 15 millones de dólares, es una “escultura digital” contenida en una estructura de más de dos metros de alturaGentileza Christie’s

Esto hará posible, según el artista, que “el mensaje y el significado de esta pieza continúen evolucionando” con el tiempo. “Si bien una obra de arte tradicional se parece más a una declaración finita, congelada en el tiempo en el momento en que se realizó –observó Winkelmann-, la capacidad única de esta obra de arte para actualizarse la hace más parecida a una conversación”.

En febrero últimoEverydays: the first 5000 days (Todos los días: los primeros 5000 días), un collage inmaterial creado a diario desde 2007 por Beeple, fue lanzado al mercado online por Christie’s con una base de cien dólares. En solo diez minutos, las ofertas alcanzaban el millón. Semanas más tarde, el sitio web de la casa de subastas corrió el riesgo de colapsar debido a una encendida puja que abarcó ofertantes de once países y una audiencia online de 22 millones de personas.

El paisaje distópico que gira a su alrededor cambiará mientras viva el artista
El paisaje distópico que gira a su alrededor cambiará mientras viva el artistaGentileza Christie’s

La oferta final de 69,3 millones de dólares, realizada por un misterioso inversor de criptomonedas que se hace llamarMetaKovan, convirtió a la obra en la tercera obra más cara vendida por un artista vivo, después de las de Jeff KoonsyDavid Hockney. “Nunca hubiera tenido los medios económicos para hacer un trabajo como Human One -señaló Beeple en una entrevista con Noah Davis, jefe de arte digital y ventas online de Christie’s-. Lo que me emociona es que tengo un plan para ello, pero también que no sé hacia dónde se dirige. Es confiar en un artista de una manera en que los coleccionistas nunca antes lo habían hecho”.

Everydays: the first 5000 days (Todos los días: los primeros 5000 días), subastada en Christie´s en marzo último por 69,3 millones de dólares
Everydays: the first 5000 days (Todos los días: los primeros 5000 días), subastada en Christie´s en marzo último por 69,3 millones de dólaresBEEPLE / CHRISTIE’S

“La presión sobre los artistas de todo tipo para que se superen a sí mismos después de un éxito masivo puede ser abrumadora –dijo por su parte este último-. En el caso de Mike, prácticamente sacó a todo el mundo del arte fuera de su eje a principios de este año, por lo que no puedo imaginar cómo debe sentirse ese peso, el de las expectativas de esta enorme audiencia global. Pero sí sé que con Human One, y contra todo pronóstico, Mike ha logrado algo histórico (nuevamente)”.

La bandera más cara del mundo: la pintura que se vendió en 110 millones de dólares

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Fuente: A24 ~ La obra forma parte de los récords Guinness como la más cara vendida de manera privada por un artista vivo.

Desde lejos podría ser una bandera común y corriente. Desde cerca, puede que también. Al cabo, sólo su comprador sabrá el valor que realmente tiene.

Una pintura que consiste en la bandera de Estados Unidos es la obra más cara vendida alguna vez de manera privada por un artista vivo e integra el libro de los récord Guinness.

Fue pintada por el estadounidense Jasper Johns en 1958 y fue vendida al multimillonario Steven Cohen en 2010 por 110 millones de dólares.

Arde Nueva York con más de 100 subastas en noviembre: cuál es la más impactante

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Fuente: Cronista ~ Entre todas, sobresale una colección impresionista que sale a la venta la semana próxima. Fue formada por el petrolero Edwin L. Cox y la tenía en su casa de Dallas, valuada en u$s 40 millones

Ante la preocupación mundial por el calentamiento de la Tierra, el mercado de arte no contribuye en nada y este mes de noviembre es de un calor y fuego intensos.

¡Sólo en Nueva York hay más de 100 subastas! La mayor cantidad es de arte contemporáneo y por un Basquiat esperan superar los 80 millones de dólares.

Pero mi mayor envidia es la colección impresionista que sale a la venta la semana próxima. Fue formada por el petrolero Edwin L. Cox (1921-2020) y la tenía en su casa de Dallas valuada en 40 millones. Amigo republicano del presidente Bush, empezó sus compras en 1976, con 55 años, y en tan sólo 10 años formó una gran colección con el asesoramiento de Wildenstein Gallery.

Dura debe haber sido la disputa entre Sotheby’s y Christie’s por definir quién se quedaba con esta venta, cuyos resultados están garantizados, y además no dudo que se venderá el 100% en mucho más que los 150 millones de dólares que dicen es la garantía de venta.

Todo lo que coleccionó es de calidad superior y dignas obras para el Museo de Orsay que tiene las mejores obras impresionistas. Mi preferida es el Claude Monet, pintado en Argenteuil, a 15 minutos de París y realizado en 1874, año de la primera exposición impresionista en el estudio del fotógrafo Nadar. Sus medidas son 54×75 cm, es más figurativa que impresionista y creo se pagará más de 25 millones de dólares, Esta y las demás obras han estado en exhibición en Taipei, Tokio, Hong Kong y Londres y ahora en Nueva York hasta su venta el jueves 11.

Quizás la obra más importante y que será récord del autor y tal vez el mayor precio, cerca de los 60 millones, es la fabulosa pintura de Gustave Caillebotte, «Hombre en el balcón«, cuyo modelo es su hermano René, quien contempla la nueva imagen de París en 1875, con los cambios radicales realizados por el Baron Haussmann. Caillebotte era abogado y luego de la guerra con Prusia, decidió dedicarse a la pintura con la ayuda de sus amigos Degas, Manet, Monet, Pissarro y Renoir. A este último lo nombró su albacea y como mecenas de sus amigos dejó 68 pinturas en donación, las autoridades no veían con buenos ojos las pinturas impresionistas donadas y luego de ardua lucha Renoir, consiguió que aceptaran 38 que son de las mejores del Museo de Orsay.

Salen a la venta 3 obras de Van Gogh, una de ellas con unos cálidos cipreses de 1889, no tiene información sobre su base de venta y algunos piensan que superará los 50 millones. Otro con unas parvas esperan que llegue a 30 millones y una figura que rondará los 7 millones.

Bellísimo es un florero pintado por el genial Odilon Redon. Alta es la cotización de un paisaje de Paul Cézanne, se habla de 50 millones también.

Muy lindas son las dos obras del pintor norteamericano Childe Hassam, que se estiman en 2 millones, pero creo que una de ellas lo superará. La otra obra de un norteamericano es de Frieseke (1874-1939), un genial artista cuya pintura titula «Las loros» y parece una ironía de dos señoras charlando. Muchos pintores americanos viajaron a principios del siglo XX a Giverny, en Francia, para «contagiarse» del arte de Monet, e incluso hay un lindísimo museo con dichas obras en la pequeña aldea francesa.

No hay posibilidades de una colección impresionista como esta que salga a la venta y los coleccionistas lo saben. La lucha y puja será intensa y frente a los precios del arte contemporáneo, cualquiera de estas obras parecerá barata.

Dibujos inéditos de Franz Kafka verán la luz tras 63 años guardados en una caja fuerte

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Fuente: BAE ~ Se trata de un centenar de obras artísticas que hizo el escritor alrededor del 1901 y 1907 durante su época estudiantil en la Universidad Alemana de Praga que poseen un estilo expresionista. Una parte de ellos estuvieron guardados en una caja fuerte y fueron rescatados por Max Brod.

Alrededor de 100 dibujos inéditos del autor Franz Kafka saldrán a la luz la próxima semana luego de haber permanecido 63 años guardados en una caja fuerte. Se trata de obras que el consagrado escritor habría hecho en su etapa como joven estudiante universitario, sumados a otros ya editados.

Los mismos fueron salvados de la destrucción por decisión de su amigo, el escritor checoslovaco Max Brod, que desoyó la orden del autor de La metamorfosis de quemarlos una vez muerto, al igual que sus manuscritos.

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Uno de los dibujos inéditos

Se trata de 122 dibujos que un grupo de siete editoriales de diversos países publican por primera vez y que en español llegan de la mano de Galaxia Gutenberg, en una obra que además de los dibujos, incluye un estudio sobre ellos y su historia a cargo de Andreas Kilcher, Judith Butler y Pavel Schmidt. Se les suman otros 41 piezas, que habían sido editadas entre 2001 y 2002.

Las obras que serán publicadas en breve pertenecen al período entre 1901 al 1907, más especificamente en la etapa que Franz Kafka asistió a la Universidad Alemana de Praga, donde tomó clases de dibujo y varios cursos de Historia del Arte.

En éstos, se puede observar un estilo expresionista a través de las figuras humanas que el mismo autor de «La metamorfosis» dibujó y los caracterizó con miradas y apareciencias frágiles, enigmáticas, inquietantes, y a veces con algún rasgo animal.

Estos dibujos eran los únicos materiales sin editar hasta el momento del escritor.

La historia detrás de los dibujos de Kafka

Max Brod admiraba las obras artísticas que hacía su amigo y depositó los manuscritos que pertenecían a cuatro sobrinas de Kafka en la biblioteca del editor y coleccionista Salman Schocken, quien publicó las Obras Completas, mientras depositó en una caja de seguridad de un banco de Tel Aviv, los dibujos.

Luego, cuando estalló en 1956 la crisis del Canal de Suez, temiendo la desaparición del Estado de Israel, Brod trasladó todo a cuatro cajas fuertes de un banco de Zúrich, y luego legó su parte a su secretaria, Ilse Ester Hoffe, según el diario El País.

Como consecuencia, la oposición de Brod de destruir los textos y dibujos permitió además que se conociera la obra «El proceso» del autor checo, quien se consideraba hasta ese momento un mal novelista.

Francia devuelve 26 obras de arte a Benín que habían sido saqueadas en la época colonial

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Fuente: Perfil ~ El presidente francés encabeza un acto en el que restituirán estas piezas que fueron robadas del palacio del rey de Abomey en 1892.

El Presidente de Francia, Emmanuel Macron, encabeza un acto histórico: la restitución de 26 obras de arte a Benín, África, que habían sido saqueadas por las tropas de la colonia francesa en 1892. Estas piezas fueron robadas del palacio del rey de Abomey y, desde entonces, permanecían en el país europeo.

Estas obras estaban exhibidas en el museo del Quai Branly, en París, y allí el mandatario francés recibirá al canciller de Benín para devolver ese patrimonio cultural. Este avance es producto de una ley aprobada el año pasado que la restitución de otras miles de obras de arte africanas y latinoamericanas que fueron apropiadas por Francia.

Emmanuel Macron 20211027

Según expertos, el patrimonio africano fue duramente saqueado, entre un 85 a 90% de él estaría fuera del continente. Mientras que un reciente inventario reveló que en Francia hay decenas de miles de piezas cuyo origen merece ser verificado, por lo que se propuso un calendario de restitución, que con la ceremonia de hoy comienza a concretarse.

“El ejemplo que tenemos es la posición del presidente Macron y la voluntad política de Francia, del estado francés, de iniciar este proceso de devolución, de entrega de estas piezas a quien corresponde; en este caso a Benín, al país y su comunidad», dijo a RFI el embajador de Guatemala en Francia, Francisco Gross Hernández Kramer.

Emmanuel Macron 20211027

El museo del Quai Branly encabeza la minuciosa tarea de determinar el origen de las 300.000 obras del fondo Oceanía, Asia y América que alberga en sus depósitos para identificar aquellas que habrían sido recuperadas por manera violenta, sin el consentimiento de los legítimos propietarios o por coerción administrativa colonial. 

Quién fue la “joven de Amajac”, la enigmática mujer cuya escultura reemplazará a la de Cristóbal Colón en México

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Fuente: La Nación ~ Según los arqueólogos, la obra representa a una indígena de elite de la cultura huasteca; fue hallada por casualidad el 1 de enero de 2021

En el día del descubrimiento de América por parte de Cristóbal Colón, la suerte del histórico monumento del navegante genovés en Ciudad de México fue decidida. La jefa de Gobierno de la capital mexicana, Claudia Sheinbaum, anunció que la escultura de Colón, que fue retirada en 2020 para realizar tareas de mantenimiento, no volverá su sitio en el emblemático Paseo de la Reforma. En su lugar será instalada una nueva figura: la de la joven de Amajac.

Se trata de una réplica de la escultura de una mujer indígena de la región huasteca que fue encontrada apenas el pasado 1 de enero. “El darle este espacio tan especial a las mujeres indígenas tiene un gran simbolismo en nuestra ciudad”, dijo Sheinbaum al afirmar que en la historia del país “las más discriminadas son, precisamente, las mujeres indígenas”.

“Son aquellas que menos voz tuvieron a las que debemos de darle voz(…) Y debemos de sentirnos orgullosos como habitantes de esta ciudad que en este lugar tan especial de Reforma estén representadas las mujeres indígenas de nuestro país”, añadió. La remoción del monumento a Colón, creado por el escultor francés Charles Cordier en 1877, generó tanto simpatías como muestras de rechazo en todo el país.

La escultura fue llevada al Museo Nacional de Antropología, el más importante del país
La escultura fue llevada al Museo Nacional de Antropología, el más importante del paísINAH

Fue parte del debate nacional sobre el legado del colonialismo español y la reivindicación de las culturas indígenas. Sheinbaum aseguró que la decisión fue tomada en consenso por el Comité de Monumentos y tras más de 5000 solicitudes de pueblos indígenas de todo el país para que una mujer ocupara el lugar de Colón en la principal avenida del país.

¿Quién era la “joven de Amajac”?

El hallazgo de la escultura de la mujer de Amajac fue fortuito, según el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH).Habitantes de Hidalgo Amajac, en el estado de Veracruz, descubrieron la obra prehispánica en un terreno agrícola en el que estaba boca abajo, lo cual hizo que la pieza fuera ignorada durante mucho tiempo.

Tras una inspección de especialistas, se determinó que se trata de la representación de una mujer de la elite de la cultura huasteca. “Posiblemente era gobernante, por su postura y atavíos, más que a una deidad como se interpretaron casi todas las esculturas huastecas femeninas, a las cuales se vincula con la diosa Tlazoltéotl”, dijo la arqueóloga María Eugenia Maldonado Vite en un comunicado. La figura, de dos metros de altura, está elaborada en roca caliza.

Los arqueólogos afirman que la escultura es de la cultura huasteca, con influencia de la mexica (también llamada azteca)
Los arqueólogos afirman que la escultura es de la cultura huasteca, con influencia de la mexica (también llamada azteca)INAH

Le fue tallado un rostro pequeño, ojos abiertos y huecos “los cuales debieron estar rellenos con incrustaciones de obsidiana u otra piedra”, según la arqueóloga. Tiene un tocado alto, un collar al centro del cual se distingue un adorno en forma de gota, conocido como oyohualli, un torso ataviado con una camisa de mangas largas y una larga falda que llega hasta los tobillos y revela el par de pies desnudos.

“Por su ubicación, la pieza está ligada a la tradición escultórica y a la cultura huasteca, aunque presenta ciertos rasgos del centro de México,cuando en la región se hizo notoria la influencia de la Triple Alianza, lo que la colocarían temporalmente hacia el Posclásico Tardío (1450-1521 d.C.)”, según el INAH.

“El estilo de la joven de Amajac es similar a representaciones de diosas huastecas de la tierra y la fertilidad, pero con una influencia externa, posiblemente nahua, como se aprecia en el hueco de los ojos para incrustaciones, rasgo que no pertenece a la escultura huasteca clásica sino más bien a la mexica”, dijo la arqueóloga Maldonado Vite.

La pieza actualmente está exhibida en el Museo Nacional de Antropología de Ciudad de México. El INAH hará una réplica de mayores dimensiones para que sea la joven de Amajac la que “represente a las mujeres indígenas de nuestro país en este lugar tan emblemático y tan importante para la ciudad y para nuestro país”, dijo Sheinbaum.

Subastarán una de las réplicas más exactas de la Mona Lisa

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Fuente: Ámbito ~ «Se mantiene muy cerca del original», aseguraron desde la casa de subastas Artcurial. Además consideraron que «no pierde el sentido de su propio estilo».

Una de las réplicas más fieles de la Mona Lisa, el célebre cuadro de Leonardo Da Vinci cuyo original presume de ser la obra más famosa y cotizada del Museo del Louvre de París, se expone desde hoy y durante tres días en Bruselas, en la casa de subastas Artcurial, que el próximo 9 de noviembre la subastará en un valor que podría oscilar entre 150.000 y 200.000 euros (entre u$s174.000 y u$s231.000), aunque los pronósticos apuntan a que esta cantidad será inflada por los oferentes.

Datada del siglo XVII, la pintura tiene un valor agregado, ya que fue pintada sobre un panel de roble en vez de sobre lienzo. Además, esconde particularidades que la diferencian de la original, aunque a simple vista, sean inapreciables.

«Hay algunas pequeñas diferencias que no son realmente importantes. Pero es muy parecido y por eso es tan impresionante porque se mantiene muy cerca del original», aseguró Vinciane de Traux, directora de Artcurial, quien detalló según el diario español La Vanguardia que, aunque no se conozca al pintor, es sabido que fue pintada en la ciudad francesa de Fontainebleau, donde falleció Da Vinci, y fue adquirida por el rey François I.

«Es una de las copias más fieles. Siempre vemos muchas porque (La Gioconda) ha sido siempre un icono, ya en la época de Da Vinci. Pero algunas de estas son algo naif, no están muy bien pintadas y esta nos asombró realmente cuando la vimos por primera vez», acotó la especialista.

«La Gioconda» o Mona Lisa es la obra más famosa, más visitada, más estudiada y más parodiada del mundo: ha alcanzado la valoración más alta de la historia por parte de las aseguradoras -u$s100 millones en 1962 que equivalen a unos u$s870 en 2021- y hasta la cantante Beyoncé se tomó una selfie con ella en 2014 y la incluyó en su video tour por el museo parisino, que difundió junto a la canción «Apeshit» en 2018.

La réplica que saldrá a subasta ahora es tan fidedigna que conserva también la característica sonrisa y la mirada, que persigue al espectador por los cuatro rincones al igual que la pintada por el creador italiano.

«El pintor ha tenido especial cuidado de representar los tonos de piel de las manos y el rostro con gran delicadeza, sin perder el sentido de su propio estilo. Los trazos son aparentes con sutiles toques que acentúan la forma del rostro, alrededor de los ojos, resaltando el mentón, el escote y las articulaciones de los dedos», indican los expertos.

El hecho de que una reproducción fuera pintada tan tempranamente -mucho antes de que esta obra se convirtiera en la más celebre de Da Vinci- ejemplifica la admiración que despertaba el artista y su producción en el mundo de las artes de la época.

«La réplica es mucho más que un cuadro, es una destilación del arte occidental. Hermosa y suave, la Mona Lisa es también la encarnación de la felicidad», indicó Matthieu Fournier, encargado de su subasta.

Existen muchas copias de la obra, de las cuales dos están colgadas en las salas de museos nacionales: una figura en la colección del Hermitage de San Petersburgo y otra en la del Museo del Prado de Madrid. Esta la que ha sido sometida a un intenso escrutinio del que por estos días se exponen los hallazgos en la muestra «Leonardo y la copia de la Mona Lisa», que tiene lugar en el museo español.

Somalía: es joven, mujer y pinta cuadros de paz en un país donde la pintura es tabú

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Fuente: Clarín ~ Sana Ashraf Sharif Muhsin tiene 21 años y es una de las dos únicas pintoras en todo el país. “A veces temo por mí.”

Entre las profesiones antes tabú que emergen de las décadas de conflicto y extremismo islámico de Somalia se encuentra el mundo del arte, y una pintora de 21 años ha tenido que enfrentar más oposición que la mayoría.

Sana Ashraf Sharif Muhsin, una artista poco común en esta nación tan conservadora del Cuerno de África, vive y trabaja entre los escombros del edificio de su tío, parcialmente destruido en los años de guerra de Mogadiscio.

A pesar de desafíos como la creencia de algunos musulmanes de que el islam prohíbe toda representación de personas y la dificultad para encontrar pinceles y otros materiales para su obra, ella es optimista.

A pesar de desafíos como la dificultad para encontrar pinceles, la artista es optimista. Foto: AP
A pesar de desafíos como la dificultad para encontrar pinceles, la artista es optimista. Foto: AP

«Me encanta mi trabajo y creo que puedo contribuir a la reconstrucción y pacificación de mi país», afirma.

Sana se destaca por haber roto la barrera de género para dedicarse a una profesión dominada por los hombres, según Abdi Mohamed Shu’ayb, profesor de arte de la Universidad Nacional de Somalia. Es sólo una de las dos artistas mujeres que conoce en Somalia. La otra se encuentra en la región separatista de Somalilandia.

Sin embargo, Sana es única «porque sus obras de arte captan la vida contemporánea de forma positiva y buscan la reconciliación», dijo, calificándola de héroe nacional.

Sana, estudiante de ingeniería civil, empezó a dibujar a los 8 años, siguiendo los pasos de su tío materno, Abdikarim Osman Addow, un conocido artista.

«Usaba carbón en todas las paredes de la casa para dibujar mi visión del mundo», dijo Sana, riendo. Luego, recibió una educación más formal y llegó a armar un libro con sus bocetos de objetos domésticos como un zapato o una jarra de agua.

Pero, con el paso de los años, conforme su trabajo atraía la atención del público, surgieron algunas tensiones.

Sana, estudiante de ingeniería civil, empezó a dibujar a los 8 años. Foto: AP
Sana, estudiante de ingeniería civil, empezó a dibujar a los 8 años. Foto: AP

«A veces temo por mí»

«A veces temo por mí», dijo, y recordó un enfrentamiento durante una exposición reciente en la Universidad de la Ciudad de Mogadiscio. Un estudiante empezó a gritar «¡Esto está mal!» y los profesores trataron de calmarlo, explicándole que el arte es una parte importante del mundo.

Muchas personas en Somalia no entienden el arte, dijo Sana, y algunos incluso lo critican como algo repugnante. En las exposiciones, ella trata de hacerles entender que el arte es útil y «un arma que puede usarse para muchas cosas».

"Nuestras pinturas le hablan a la gente", dice Sana Ashraf Sharif Muhsin. Foto: AP
«Nuestras pinturas le hablan a la gente», dice Sana Ashraf Sharif Muhsin. Foto: AP

En una ocasión, un profesor puso a prueba sus aptitudes haciéndole preguntas y exigiéndole respuestas en forma de dibujo, dijo.

«Todo lo que se hace se dibuja primero, y lo que hacemos no es ropa sino algo que cambia nuestras emociones internas», dijo Sana. «Nuestras pinturas le hablan a la gente».

Su obra a veces explora los problemas sociales que sacuden a Somalia, como la pintura de un soldado que mira las ruinas del primer edificio del parlamento del país. Refleja el actual enfrentamiento político entre el gobierno federal y la oposición, dijo, mientras se aplazan las elecciones nacionales.

Su obra a veces explora los problemas sociales que sacuden a Somalia. Foto: AP
Su obra a veces explora los problemas sociales que sacuden a Somalia. Foto: AP

Otra pintura representa los abusos contra mujeres jóvenes vulnerables «que estas ni siquiera pueden expresar». Una tercera muestra a una mujer con el vestido de hombros desnudos que era popular en Somalia hace décadas, antes de que se impusiera una interpretación más estricta del islam y los eruditos instaran a las mujeres a llevar el hijab.

Pero Sana también busca la belleza en su obra, consciente de que «hemos atravesado treinta años de destrucción y la gente sólo ve cosas malas y tiene en su mente sangre y destrucción y explosiones. … Si se busca en Google, en Somalia no hay imágenes bonitas sino feas, así que me gustaría cambiar todo eso con mis cuadros».

Sana dijo que espera ganar más confianza en su obra exponiéndola en más lugares, fuera de los eventos de Somalia y la vecina Kenia.

Pero encontrar modelos en su país para su profesión no es fácil.

Sana nombró a varios artistas somalíes cuya obra admira, pero no conoce a ninguna otra mujer como ella.