Categoría: Entrevistas y Protagonistas

Fuente: El Ojo del Arte ~ Su excepcional corpus de obra le mereció una adeudada muestra antológica en el Museo Moderno. Con una trayectoria que abarca también el ámbito académico, Cerrato conversa sobre Gurdjieff, sincronismo, bioquímica y ovnis.

Elda Cerrato nació en Asti, Italia, en 1930. Llegó a la Argentina siendo una niña. Se formó en bioquímica, y asistía a un taller de arte al mismo tiempo. Terminada la carrera, optó por el arte, una pasión de toda su vida. En 1960, emigró a Caracas con su compañero, el músico Luis Zubillaga. En sus primeras exposiciones individuales, en Venezuela, hacía collages con papeles de diferentes grados de absorción y pigmentos de Windsor y Newton utilizando recursos aleatorios. «En una etapa posterior, las Cosmovisiones, las obras tenían algunos títulos que un crítico de Tucumán atribuyó a mis estudios de bioquímica», señala Cerrato.

Sus búsquedas espirituales son una constante desde su adolescencia. «Estaban encaminadas a tratar de contestarme preguntas tales como qué soy yo, qué es todo este universo». Fue decisivo su encuentro con las ideas de la Escuela del Cuarto Camino de George Gurdjieff. En Tucumán, creó la extensa serie de la epopeya del ser β (beta), a partir de varias experiencias como cosmovisiones alternativas, la poesía surrealista y los mundos de la ciencia ficción, el I Ching, los cuentos de Gurdjieff y la aparición en Tucumán de platos voladores.

A finales de la década del sesenta, entra en su etapa más conceptual. En 1970, dirige el cortometraje de animación Algunos segmentos, filmado en 16 mm con auspicio del CAyC, a partir de sus pinturas y dibujos. Busca nuevos formatos y canales de comunicación. En las obras siguientes las referencias al contexto político se vuelven más explícitas. Un año después del golpe de Estado de 1976, Cerrato vuelve a establecerse con su familia en Caracas. Allí presenta en 1980 su exposición Para una imagen del hombre. Permaneció en Caracas hasta 1983, donde también llevó adelante su labor docente y académica en la Escuela de Arte del Departamento de Humanidades de la Universidad Central de Venezuela.

Desde 1962 ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales en Europa, Asia y América. En marzo de 2021 el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires le dedicó una muestra antológica, El día maravilloso de los Pueblos.

Por décadas, realizó actividades docentes, académicas y de investigación en universidades y escuelas de arte del país y del exterior, por ejemplo, en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo en la Universidad de Buenos Aires. Desde 1964, junto con su producción artística, realiza publicaciones, cortometrajes y audiciones de radio, y participa en conferencias y congresos del país y del exterior.

A los noventa y un años, es profesora Titular Consulta en el Departamento de Artes e investigadora del Instituto de Historia del Arte Argentino y Latinoamericano de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires, y miembro evaluador externo de otras universidades de Argentina y Uruguay. 

–Estás ahora sentada en tu mesa de trabajo: ¿qué tenés delante tuyo?

–Una ventana. Varias cosas amontonadas en un lado. Las instrucciones de la computadora nueva. Un listado de trabajos míos de investigación que tienen que subir a la web, unos textos que estoy viendo y abajo de todo eso, y protegido por un papel, un dibujo en el que estoy trabajando últimamente con tinta china, que pienso pasar a una tela muy linda con una imprimación y completarlo ahí.

–¿Qué formas tiene?

–¡Es mi currículum! Yo trabajo con mapas en mis obras desde los años setenta. Ahora estoy dibujando con tinta china líneas en tamaño muy pequeño, un centímetro o dos de lado, sucesos, cosas, viviendas en las que viví. Empecé antes del accidente.

–¿Qué te pasó? 

–Hace dos años me caí y me fracturé la cadera. En mi casa y estudio hubo que hacer todo un revuelo. Tardé meses en poder volver a subir la escalera. Tuve que dejar este dibujo inconcluso con el accidente y ahora lo retomé, junto con otros proyectos. En esta mesa grande frente a la ventana hay bocetos, dibujos, a veces pinturas, reflexiones, textos… Al lado tengo otra mesa con pinceles, óleos, acrílicos, barnices, pigmentos. Hay otra mesa más con la computadora y otra más. 

–¿En qué más estás trabajando?

–En un proyecto llamado Family Reunion, que se verá en el Museo de Arte Moderno de Shanghai. Estuve haciendo limpieza de afiches, catálogos y otras pilas de cosas. Y en eso, me encontré con un paquete enorme de fotos familiares. Pensé en seleccionar algunas y tirar el resto. Le comenté a mi hijo, que vive en Shanghai y acaba de tener el premio al mejor film experimental del 60 Ann Arbor Film Festival. Entre los dos estuvimos rastreando características interesantes de nuestra familia y con la ayuda del teórico Zairong Xiang estuvimos viendo el tema del transdualismo. El proyecto es una instalación audiovisual. 

–La muestra antológica del Museo de Arte Moderno, con más de sesenta años de trabajo, habrá sido una gran tarea de revisión y orden, también.

–Ese fue un gran trabajo de la curadora, Carla Barbero, y de Marcos Krämer. Vinieron todas las semanas a dialogar, grabar, revisar obras. Pronto va a salir un libro con textos de ellos, que me dieron buenas ideas respecto de mi obra. 

–¿Por ejemplo?

–Ana Longoni hizo un texto hace cerca de quince años, Esoterismo, peronización y anticipación en la obra de Elda Cerrato, que yo puse en el libro y que se acaba de publicar también en el libro Tercer oído. Relatos descentrados de una vanguardia de Longoni: me gustó mucho la idea de anticipación. El último texto de Claudio Iglesias, Elda Cerrato, espíritu sideral, tiene una serie de reflexiones donde conecta ciertas características de mi trabajo con el aspecto ideológico y se pregunta la relación entre la búsqueda de la imagen y ciertas proyecciones que están en títulos de obras, con las búsquedas formales, y cómo eso podría entroncar con un aspecto acentuadamente ideológico. Me abrieron perspectivas.

–La muestra fue tu primera antológica, una puesta en valor de tu trabajo.

–Hubo varios intentos antes, conversaciones con otras salas importantes. Pero esta fue una ocurrencia que le agradezco a Victoria Noorthoorn, que a boca de jarro en una mesa grande de un café interrumpió el diálogo y me dijo: «Vas a hacer una muestra en el museo». Y así fue. Tuvimos encontronazos e historias, pero la muestra salió. Se empeñaron mucho en la curaduría. Hubiera necesitado más espacio. Me quedaron varias obras que creo que las voy a mostrar pronto.

–Quizá llega un poco demorada. ¿Crees que a tus colegas varones les costó menos alcanzar estos lugares de visibilidad?

–En el siglo pasado hicimos militancia por esto, con asambleas, reuniones, protestas por esta cuestión. Desde los años setenta estamos en esta lucha. Había una gran mayoría que no había tomado consciencia de esto, era mucho más patriarcal la sociedad en ese momento. Me interesaba mostrar la obra, pero ir escalando no. La primera galería que tuve en Buenos Aires fue la de Álvaro Castagnino. Lo quería muchísimo, pero no teníamos demasiado éxito en las ventas. Ahí todavía pesaba el ser mujer. Los escultores eran todos varones. Ahora estoy con Herlitzka Faria, y les debo la revalorización de mi obra de los sesenta y setenta, que yo tenía medio arrinconada. Ahora la cultura adoptó a las mujeres y a los jóvenes, pero nosotras en el siglo pasado decíamos: «Nosotras todavía no somos lo suficientemente viejas como para que nos reconozcan…».

–¿La universidad fue tu segunda casa?

–La docencia siempre fue mi fuente de ingresos. De todos los otros trabajos posibles que tuve, que hubiera preferido no necesitar ninguno, la docencia era el que menos me molestaba. Hice audiciones de radio en Radio Municipal y Radio Nacional en Buenos Aires, y durante los cuatro años en Tucumán, armé uno de los primeros programas de televisión en los sesenta con esculturas de Juan Carlos Iramain. En los setenta estaba en la Facultad de Arquitectura como ayudante y ganaba una miseria. Una vez me gasté todo el sueldo en una llamada telefónica a Venezuela, a donde pensábamos irnos.

–¿Cómo llegaste al arte?

–Siempre me interesó la pintura, el dibujo. En Italia, donde fui tres grados de escuela primaria antes de venir por la Guerra, tuve maestras que me estimularon. Desde joven asistí a talleres. Siempre tuve un problema, que era tratar de contestarme a mí misma qué era todo ese universo que me rodeaba, qué era yo. Por eso, cuando terminé el bachillerato fui a estudiar bioquímica, para conocer el misterio de los seres vivos. Ahí, pasé seis años en la Facultad de Medicina. Estaba por empezar la tesis, cuando le dije a un profesor que estaba buscando resolver este misterio y él me respondió: «Elda, usted no lo va encontrar acá». Entonces le di prioridad a mis trabajos en el arte. Coincidió con mi encuentro con mi pareja, Luis Zubillaga, compositor. Él estaba en la misma que yo. Tenía en sus manos un libro de un maestro ruso George Gurdjieff, y empecé a leer ese tipo de libros. 

–En Tucumán fue tu encuentro con los ovnis.

–Fue un período, que continuó cuando volvimos a Buenos Aires, entre 1964 y 1968.  Había platos voladores, que eran un hecho misterioso. Nosotros vimos uno, que salió en el diario, en el borde del río Salí. Vivíamos en Horco Molle, unas treinta casitas con huerta que tenía la universidad para los profesores al borde de la colina. Había sido un proyecto de Perón para hacer un geriátrico. Una noche de noviembre, estábamos viendo la televisión y mi pareja se acercó a la ventana y empezó a llamarnos a los gritos. Era un plato volador, lo llegamos a ver. Aparecían seguido, la gente lo sabía. La chica que me ayuda en casa –ya había nacido nuestro hijo, Luciano– nos decía que no eran ánimas ni satélites. Una luz muy fuerte, a una velocidad enorme. Esa zona es una vía de paso entre dos puntos de poca fricción en la atmósfera, que están en Mendoza y Tucumán. Los chicos que iban a estudiar de una provincia a la otra solían verlos en la ruta, igual que los camiones. Más de una vez contaban que se paraban los motores, aparecían estas cosas, y después volvían a andar y seguían camino. 

–En tus estudios de biología, de filosofía, el arte, los ovnis… ¿encontraste la respuesta a aquella pregunta sobre el misterio de la vida?

–No. Y sigo buscándola. Se me amplió el panorama del no. Conozco más mis capacidades, ciertas posibilidades de anticipación o de sincronismo (trabajé con las técnicas de Jung también). Son incentivos para suponer que uno tiene capacidades que en realidad no tiene. Lo veo en la física teórica. Muchas explicaciones y religiones son atenuantes de que la vida se acaba y se acabó. No pasa más nada. Llegué a leer textos teóricos de otros artistas que se hicieron preguntas parecidas. Buscar teóricamente tampoco da resultado. Da autosatisfacción comprobar que lo que vos intuías hay otros que también, y tienen alguna pequeña respuesta. Sin una práctica, nada da resultado. La búsqueda mental es una masturbación.

–¿Qué sería el arte?

–Una presencia del cuerpo, algo emocional. Una vez en la facultad de Arquitectura, donde yo era ayudante, un profesor me preguntó: «En relación con sus trabajos artísticos, ¿qué tiene que ver todo lo que vemos en semiótica?». Y yo le respondí: «Mire, no mucho más que lo que me causa la lectura del diario a la mañana». No era cierto del todo. Ahí aprendí una estructuración del pensamiento. La cuestión artística uno la vive, no te hacés preguntas. No me gusta hablar de arte, se hacen tantas elucubraciones. ¿Por qué lo hago? Porque me gusta.

Fuente: Argentina.gob ~ De artista a artista: María de los Ángeles Crovetto (PARTE 2)

En esta última entrega Pablo Valentino profundiza sobre la vida y obra abarcando sus proyectos actuales, el amor por el muralismo y “lo que viene” en su carrera artística.

5 – PV: Coméntame un poco sobre tu vagón de tren intervenido. ¿Cómo surgió ese proyecto?
AC: “Es el segundo vagón que intervengo en la formación del Tren Social y Sanitario Dr. Ramón Carrillo, del Ministerio de Desarrollo Social de la Nación, en la DINATE (Secretaría de Abordaje Integral). El primero fue sobre género, en un vagón que se aboca a atender esas problemáticas por pueblos y ciudades donde el tren va en todo el territorio federal y este último que supongo es ese al que haces referencia, fue pensado en conjunto con diversos actores que intervienen en el funcionamiento del vagón cultural; un vagón donde suceden muchas actividades dependientes del Ministerio de Cultura: Biblioteca Nacional, del Congreso y el INCAA. La idea era darle un aspecto distintivo del resto de los vagones, así que con esa finalidad es que se decidió intervenirlo, adaptando la imagen a realizar a las posibilidades del soporte, que eran complejas”.

6 – PV: Tenés una gran serie de murales interesantes ¿Cómo se gestó toda esa obra?
AC: “Yo diría que tengo mucho murales hechos nomás…yo diría que los murales irrumpieron en mi vida, o algo así. Se gestaron de diversas maneras a lo largo del tiempo, con distintas aristas de lo que implica un mural. En algunos momentos fueron experiencias territoriales desde un enfoque comunitario, con un fuerte anclaje en el arte como inclusión, justicia social. Por otro lado realice muchos otros que fueron directamente murales militantes, con una identidad y un mensaje político como finalidad, otros fueron encargos específicos donde quizá tuve tiempo para desarrollar más algunos planteos, y otros tantísimos en Ezeiza que están vinculados con la construcción de un discurso mural comunitario, participativo, en escuelas públicas del distrito, de cara a la sociedad. Podríamos decir que las Escuelas construyen su identidad visual de cara a la sociedad, y yo hago el trabajo de traducir esas ideas en sus paredes”.

7 – PV: Tuviste la oportunidad de intervenir en un terreno natural arcilloso en una playa de San Juan, realizando una imponente escultura, contáme como sucedió eso.
AC: “Cinco años sin irme de vacaciones y me fui al desierto sanjuanino, quizá de los poquísimos lugares donde puedo suspender el tiempo, el mundo, lo cotidiano. Digo desierto, pero como bello contraste hay un Dique bellísimo a los pies de la pre-cordillera. Un lugar donde siempre vuelvo a lo largo de los años…Rodeo. Y el viento allí es algo realmente especial, es un viento escultor realmente, las formas que erosiona son impactantes. También es un viento que te empuja, por eso volás estando sentada y de paso te hace el favor de no asfixiarte del calor. Me considero fanática y admiradora absoluta del viento. Y entonces, estando sentada, sabiendo hace años que todas esas formas eran arcilla cocida al sol, resquebrajada como en todo buen desierto, vi una forma de mujer. Un amigo lugareño me prestó herramientas, cuchillos de todo tipo, y con un baldecito como una niña jugué a hacer lo que llamé La mujer del viento, en vez de castillos de arena. Y fue hermoso. Primero porque tenía una alegría imparable de descubrir esa mujer que había visto, y luego mucho amor sentí al ver como esa arcilla que humedecí para dar forma, de golpe se secaba y hacía de su rostro un desierto con arrugas, quebraduras que quedan ahí suspendidas, quietas. Y quedó allí, sabiendo que era muy posible que al subir el nivel del agua de deshielo en el dique, se vuelva lecho barroso, y se deshaga o se vuelva a ser lo que siempre fue, maravilloso barro”.

8 – PV: ¿Cuáles son tus técnicas o herramientas artísticas preferidas?
AC: “No sé si puedo elegir tan a la ligera. Realmente…”

9 – PV: ¿Cómo te llevas con tu Rol de docente? ¿Qué experiencia te deja esa actividad?
AC: “Me llevo bien cuando puedo encontrar ese enriquecimiento mutuo con lo que nos disponemos a transmitir, y que luego es capaz de transformarse en nuevos conocimientos, que siempre, siempre edifican. Pero sobre todo me gusta cuando también en esas instancias suceden actos creativos, preguntas desconcertantes, respuestas abiertas. He dado clases prácticas de taller y teóricas, en todas las edades y niveles, cada instancia tiene su particularidad: la belleza estremecedora y libre del acto creativo de lxs niñxs, el dolor y conflicto comunicativo de lxs adolescentes, el ímpetu devorador de ingresantes en ámbito universitario, la búsqueda de los próximos a egresar, la creación en adultos mayores también es una instancia interesante para acompañar, quizá porque hay una búsqueda inevitable en la memoria. También me resultó increíble la experiencia como instructora de arte terapia en población infantil en riesgo, con todas las complejidades que pueden padecer niñxs en situación de vulnerabilidad. El arte conecta a los seres humanos de tantísimos lugares, ¿no?

10 – PV: ¿Cómo observas el rol de la mujer hoy en día en el circuito de pintura Argentina?
AC: “Quizá no sea la más indicada para hablar del rol de la mujer específicamente en el circuito, porque no me gusta hablar de ámbitos que no frecuento. Sí, pienso que hay un trabajo enorme que aún queda por hacer, varios caminos a recorrer, donde la mujer quizá ha logrado en algunas instancias cuestiones de paridad, pero todos los días aun nos tenemos que arremangar más para podernos desarrollar en ámbitos, incluso en el arte, muy reservados a los hombres”.

11 – PV: ¿Cómo te gestionas con el aspecto comercial de tu arte?
AC: “Sencillamente, me autogestiono, no tengo nadie que comercialice nada. Sólo se ponen en contacto conmigo”.

12 – PV: ¿Cómo seguís planeando tu futuro inmediato? ¿Proyectos?
AC: “No…No…Imposible jajaaja, mi futuro inmediato es terminar el monumento a DIEGO MARADONA próximo a inaugurar. Seguramente el mayor honor que pueda tener en la vida, los que sobre todo construimos cultura popular. Ese es todo mi horizonte, y luego, ya el tiempo me va a avisar…tiempo al tiempo decía mi abuela.”
¡Los esperamos en la próxima entrega de “De artista a artista”!

Fuente: Tiempo Ar ~ Aunque pinta y dibuja desde siempre, es la primera vez que expone sus trabajos. La muestra se llama “Sin palabrebras” y puede verse en la Librería y Espacio de Arte Menéndez hasta el 30 de diciembre.

“Este que veo de espalda, mirando a otra parte, el agua, el cielo, ese no soy yo: es el otro que dibuja y pinta visiones a ver si averigua quién es, quien soy”, escribe Guillermo Saccomanno a modo de presentación de su primera exposición de dibujos y pinturas. Luego de una larga trayectoria como escritor que lo convirtió en una referencia indiscutida de la literatura argentina,  elige expresarse sin palabras. “Sin palabras” es, precisamente, el nombre que le dio a la muestra de dibujos y pinturas que inauguró recientemente en la Librería y Espacio de Arte Menéndez.  Si “el otro que dibuja y pinta” ha elegido expresarse a través del silencio, parece haber un Saccomanno que no puede renunciar del todo a las palabras y, quizá por esa razón, ha elegido exponer rodeado de libros.

Pasada la inquietud propia de cualquier debut, dialogó con Tiempo Argentino, pero en esta oportunidad no habló como escritor, como lo hizo tantas veces, sino como el pintor y dibujante de toda la vida que decidió mostrar sus trabajos plásticos por primera vez.

–Es tu muestra hay trabajos unos en blanco y negro y en color. Excepto en aquellos en que aparece la figura humana, podría decirse que se trata de paisajes porque la línea horizontal siempre sugiere un horizonte, aunque tienden a la abstracción. ¿Acordás con esto?

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-Creo que no te equivocás. Me parece que en las pinturas hay un camino de paisaje que va hacia la abstracción. Por eso prefiero hablar de visiones más que de paisajes.

-¿Cuáles son las técnicas que utilizás?

-Pastel en un caso, pastel al óleo en otro y los trabajos en blanco y negro son tintas, tintas comunes de las que se usan para cargar las lapiceras fuente hechas con distintos pinceles, aunque no una gran diversidad. Pinto dejándome llevar por la espontaneidad, por lo intuitivo.

-¿Cuándo comenzaste a pintar?

-Empecé de muy pibe con la pintura y el dibujo. Mi viejo me llevaba a concursos de manchas que se hacían en los barrios y yo, si no ganaba, salía finalista. Era algo muy sorprendente, te regalaban cajas de pinturas. Luego sentí la tentación de seguir Bellas Artes, pero mi viejo veía eso como algo imposible. “Seguí Derecho, seguí una carrera seria y te dedicás al arte como hobby”, me decía.  Yo me peleaba por eso como me peleaba también con él política en mi época troska. Al final, terminé en Letras, que fue una manera de encontrarle la vuelta. Por otro lado, a los 15 o 16 años hubo un hecho muy importante y es que comencé a trabajar en publicidad en una agencia que se llamaba Walter Thompson. Te estoy hablando más o menos del año 66, gobierno de Onganía. En ese momento no existían las escuelas de publicidad o las academias. En las agencias de publicidad trabajaban artistas plásticos, escritores, gente de cine. Para mí entrar allí fue iluminador. Tenía al alcance materiales, directores de arte que me hablaban de pintura, redactores que me hablaban de literatura. Era todo un descubrimiento. En esa época yo ya me había armado un taller de pintura en el fondo de mi casa.

-¿Y cómo siguió tu trayectoria?

-Con los años, además de seguir trabajando en publicidad como redactor, me hice guionista de historietas. Así conocí a todos los dibujantes de historietas que te puedas imaginar: Alberto  y Enrique Breccia, Solano López, Cacho Mandrafina… Estar al lado de ellos cuando dibujaban era como hacer una carrera de Bellas Artes sustituta. Al mismo tiempo, iba a ver exposiciones, cosa que hice siempre porque siempre tuve interés por la plástica. Toda la vida dibujé y pinté, pero nunca me animé a mostrar lo que hacía. Dibujaba y regalaba los dibujos.

-¿Qué relación hay entre la escritura y la pintura?

-Te diría que la pintura es una actividad distinta de la escritura, pero complementaria. En la pintura expreso algo que no puedo expresar con la misma soltura en la escritura, me dejo guiar más por la intuición. Hay un libro de Henri Michaux que cito todo el tiempo que es Escritos sobre pintura. En él plantea que hay momentos en los que la línea te lleva y tenés que dejarte llevar por ella porque es la línea la que piensa por vos, es la línea la que te piensa. Me parece que eso es lo que pasa cuando pinto. Me dejo llevar por el color, por los tonos, por el dibujo, no me impongo ni un plan A ni un plan B.

– Todos los trabajos son de tamaño pequeño. ¿Te sentís más cómodo con él o elegiste expresamente trabajos chicos para la exposición?

-Es un tamaño con el que vengo trabajando desde hace tiempo y que está determinado por el espacio en que vivo.  En Buenos Aires vivo en un departamento de un ambiente y en Villa Gesell, en una cabañita muy chica que es como de un ambiente y medio. Si tuviera a mi disposición un galpón seguro trabajaría en dimensiones mayores, aunque no me preocupa en absoluto trabajar en tamaño chicos. Lo hago en hojas A4 de block de dibujo, a veces con mejor soporte. Otras, en esos blocks de dibujo “El nene”.  

-Por lo menos en la muestra, hay una mayor cantidad de trabajos sin figura humana.

-Sí, pero estoy trabajando desde hace años en figura humana, en pintura erótica, algo como el shunga japonés.  Pero no me animo a mostrarlo todavía. A veces la pintura me lleva por delante respecto de la escritura porque es una actividad más libre, que tiene que ver con el juego, con el inconsciente, en la que me dejo llevar por una forma. La narrativa te impone un ejercicio más cerebral. La pintura y el dibujo están más ligados a la poesía, al fulgor del instante.

-Conociéndote como escritor imaginé que tu pintura sería más expresionista. Sin embargo, tiene predominancia de líneas horizontales, da una sensación de calma zen, como si pintura y literatura corrieran en vos por carriles distintos. ¿Lo ves así?

-Creo  que las pinturas responden más a momentos de sosiego, me imponen una asociación libre que es, al mismo tiempo, meditación. Las hago desde otro estado.

-¿Qué te decidió a mostrar lo que hacés?

-En Gesell viven Ricardo Roux con Balbina Lightowler, su pareja. Los dos son artistas plásticos. Un día les mostré lo que estaba haciendo y me dijeron que tenía que seguir y que me atreviera a realizar una muestra. Años antes ya le había mostrado mis trabajos al “Oso” Smoje. En ese momento pintaba caracoles de tamaño grande, tal vez porque vivía en una casa más grande y el espacio te determina.  El “Oso” también me alentó a que me mandara. Un día le mostré a la librera Marta Menéndez lo que estaba haciendo y me dijo que hiciéramos una muestra en su librería que tiene un espacio de exposición.

-En la inauguración también estuvo un gran artista plástico, como Daniel Santoro. ¿Se puede saber qué te dijo?

-Hizo un comentario favorable de mi trabajo, pero en realidad nos dedicamos a hablar mal de los curadores, que son la raza maldita del mercado (risas). También comentamos nuestra proclividad si no hacia el realismo, sí a la figuración. Si ves la muestra de tendencias plásticas que se hizo en el CCK que creo que abarca del 60 o 70 hasta ahora, te das cuenta que, además del gran escultor Juan Carlos Distéfano, las marcas más importantes pasan por Pablo Suárez, Marcia Shvartz, por lo que viene de Berni, de Alonso…Yo me siento más afín a esa pintura, aunque a veces me acerque a la abstracción.  Creo que con el arte conceptual las cosas se han ido muy al carajo.

–Bueno, aquí el movimiento de  la Nueva Figuración fue muy fuerte.

-Claro, había figuras como Macció, Deira, Noé, estamos hablando de grossos, de artes plásticas mayores. Pero yo me guío mucho por lo que he visto de Alberto Breccia y de José Muñoz que son grandes plásticos. Creo que las artes consideradas menores en la Argentina han tenido tal vez valores tanto o más grandes que la de los artistas plásticos.

-Tu último libro, Esperar una ola, tiene en la tapa un dibujo tuyo. ¿Es un primer intento por mostrar lo que hacés  por fuera de la literatura?

-Creo que cuando uno llega a cierta edad empieza a laburar con más libertad y hasta a tirarse en contra de la forma en que ha trabajado, empieza a cuestionarse lo que ha hecho  y lo que hace. ¿Por qué quedarse en un lugar y no experimentar? Hay un libro de Edward Said, Sobre el estilo tardío, que me parece redondo respecto de este tema. Jean Genet dice “escribo contra mí mismo”. Creo que se trata de eso, de ponerse en duda. La pintura es para mí un ejercicio de autoconocimiento.  Allí aparece uno que no sabés de dónde viene.

La muestra de Guillermo Saccomanno Sin palabras se puede visitar en la Librería  y Espacio de Arte Menéndez, Paraguay 431, CABA, de lunes a viernes de 10 a 18.

Fuente: La Nación ~ Con una muestra dedicada a la dupla en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, España inaugura los homenajes del Año Picasso: en 2023 se cumplen cinco décadas de la muerte del pintor.

MADRID.– Pablo Picasso será el gran protagonista cultural del año 2023. Como preludio de las múltiples exposiciones y eventos que organizan los gobiernos de España y de Francia para conmemorar el 50°aniversario de su muerte, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta una original propuesta.Picasso/Chanel explora la amistad entre el artista español y la diseñadora francesa a través de obras de arte –cuadros, dibujos, vestidos y trajes–, que viajaron a Madrid desde distintos museos, americanos y europeos, y desde colecciones privadas para invocar este universo en el que dos genios dejaron sus egos de lado y crearon una fértil sociedad creativa. También se inauguró Imagine Picasso, unaexposición multisensorial e inmersiva.

Pablo Picasso (1881-1973) y Gabrielle Chanel (1883-1971), más conocida como Coco, se conocieron en la primavera de 1917 en París cuando ambos gozaban de reconocimiento. Picasso contaba ya con el vínculo con el marchante Paul Rosenberg, quien colaboró con la proyección mundial del artista, mientras que Chanel había inaugurado la Maison Chanel y su casa de modas en Biarritz. Fueron presentados posiblemente por el dramaturgo Jean Cocteau o por la mecenas y pianista Misia Ser. Entre ambos surgió una gran amistad basada en una profunda admiración mutua.

Una de las anécdotas que revela la complicidad que existía entre ambos es aquella que ocurre en una fiesta de disfraces organizado por Étienne de Beaumont en 1920. Picasso, su mujer y Misia Ser decidieron no asistir porque Chanel no había sido invitada, a pesar de que había desplegado su talento en la confección de varios trajes que allí se lucirían. Sin embargo, los amigos se presentaron en la puerta de aquel sofisticado evento y se escondieron junto a los choferes para espiar la llegada de los invitados.

Los dos creadores celebraron juntos la víspera de Navidad de 1920 en la casa de la rue Cambon de la diseñadora. También acudieron a aquella cita figuras de la bohemia: Serge Lifar, Satie, Jacques Lipchitz, Georges Braque, Jean Cocteau, Raymond Radiguet, Misia Sert, Caryathis, Blaise Cendrars y Los Seis, un grupo de jóvenes compositores. En el verano de 1921, Picasso estaba instalado en Fontainebleau con su mujer, Olga Ojlova, y su hijo Paulo, precisa Paula Luengo, la curadora de la exposición. El artista debe regresar a París y dado que no soporta la soledad de su departamento, Chanel lo recibe en su casa que se había convertido en el epicentro de las vanguardias. Juntos acudieron en 1921 al estreno del ballet Los novios de la Torre Eiffel, de Cocteau. Estos dos espectadores pronto se convertirán en socios creativos.

En 1922 Picasso y Chanel colaborarían por primera vez en la puesta de Antígona, la tragedia en versión de Cocteau: Picasso diseñó el telón y las máscaras, mientras que Chanel, el vestuario. En 1924 volverían a reunirse para brindar su talento a los Ballets Rusos de Serguei Diaghilev en El tren azul, con libreto de Cocteau. El realizador ruso descubrió una pieza en el taller de Picasso, Dos mujeres corriendo por la playa (La carrera), que ofició como telón de obra, mientras que Chanel diseñó los trajes para los bailarines inspirados en sus propios modelos deportivos.

La exposición Picasso/Chanel abarca las décadas de 1910 y de 1920, años de ebullición artística y de juventud de ambos creadores. Los archivos del Museo Picasso de París conservan una invitación de 1918 de Chanel a los Picasso para asistir a una cena en su residencia y una fotografía que Coco guardaba de su amigo Pablo. La exposición da cuenta de la retroalimentación entre ambos creadores.

El cubismo y el estilo Chanel, uno de los tramos de esta muestra, presenta la influencia de este movimiento en las creaciones de la diseñadora. En el sentido opuesto, da un ejemplo en el programa de la exposición Marika Genty, delegada del patrimonio Chanel, que la diseñadora también fue una musa para el pintor: “La idea de la petite robe noire, el «pequeño vestido negro», nació de una traviesa ocurrencia de Gabrielle Chanel durante una velada en la ópera («Estos colores son imposibles. Voy a vestirlas de negro, a todas estas»). Gracias a su tratamiento monocromo, y a su juego con los contrastes, los efectos de texturas, los materiales y los brillos, Chanel casa el negro con la elegancia y, mediante esta elección tan radical, renueva el uso del negro, limitado hasta entonces al luto o al ámbito doméstico, para dar preeminencia a la línea y las proporciones”. La monocromía de Chanel presente para construir espacios también lo estaba en la obra de Picasso.

“La comparación directa entre los diseños de Chanel y la obra de Picasso, la evidencia de su parentesco formal y la sospecha de que existen lazos profundos que unen el trabajo de ambos, invitan a suspender por un instante las categorías y considerar cada objeto, cada vestido y cada cuadro como parte de un lenguaje común, fruto de aspiraciones e influencias compartidas”, explicó Juan Gutiérrez, uno de los expertos en el vínculo entre ambos creadores.

Bernard Ruiz Picasso, nieto del artista, estuvo presente en la inauguración de la muestra en el Thyssen: “Creo que celebrar al siglo XX a través de dos figuras importantes es algo imprescindible y necesario en nuestro mundo, especialmente en estos días en los cuales vivimos tiempos difíciles, en Europa y en el planeta, donde hay muchas preguntas sin respuesta”.

Un ambicioso plan de homenaje

Celebración Picasso 1973-2023 es el nombre del evento cultural que tendrá su epicentro el 8 de abril de 2023, fecha en la que se conmemora el 50 aniversario de la muerte dePicasso en la población francesa de Mougins. Los gobiernos de Francia y España han trabajando de modo conjunto en un agenda integrada por más de cuarenta exposiciones, dos congresos académicos y eventos que se celebrarán en varias ciudades.

En España son quince los museos e instituciones que participan de estos homenajes: entre otros, el Museo del Prado, el Museo Reina Sofía, el Thyssen Bornemisza (además de la muestra Picasso/Chanel prepara para 2023 otra muestra que se llamará Picasso. Lo sagrado y lo profano), el Museo Picasso de Barcelona, el Museo Picasso de Málaga, el Museo de Bellas Arte de A Coruña, el Guggenheim de Bilbao, la Fundación Miró en Barcelona, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y la Fundación Mapfre.

Además del Thyssen, también se adelantó a los homenajes el Museo Nacional del Greco, en Toledo, al recibir por primera en su historia la obra de Picasso en su edificio gracias a un intercambio institucional con el Kunstmuseum Basel (Suiza). El Greco fue una gran fuente de inspiración para Picasso. También en París se inauguró en el Museo de Montmartre una muestra sobre el vínculo artístico entre Picasso y Fernande Olivier. Carlos Alberdi, portavoz de la comisión nacional de la Celebración Picasso 1973-2023, destacó en la presentación de Picasso/Chanel: “Es un homenaje debido a uno de nuestros más importantes artistas del siglo XX que murió sin poder volver a pisar España por razones políticas que todos conocemos”.

A su vez, esta semana se inauguró en el predio Ifema Palacio municipal una muestra inmersiva llamada Imagine Picasso. Los visitantes pueden disfrutar de la obra del genial artista andaluz e ingresar en su universo gracias a la bondades tecnológicas. En Buenos Aires resultó un éxito la muestra Imagine Van Gogh cuyos responsables son los mismos de la muestra multisensorial de Picasso en Madrid.

España y Francia serán los principales anfitriones, pero no los únicos. En el Museo Picasso de Munster se inauguró una muestra sobre dos mujeres que dejaron importantes escritos sobre su relación con Picasso: Fernande Olivier y Françoise Gilot. Además, en el Metropolitan Museum de Nueva York se inaugurará en este marco de homenajes una muestra sobe el cubismo y el trampantojo.

Coco Chanel hizo célebre la frase “menos es más”, sin embargo, cuando se trata de brindar un homenaje a Picasso, parafraseando a la diseñadora, “más es más”, o quizá nunca sea suficiente.