Categoría: Entrevistas y Protagonistas

Fuente: Rio Negro ~ Nacida y criada en Roca, Sofía Bruner vive ahora en Fernández Oro, aunque se define como 100% nómade. Su trabajo, fotografiar lo que todos desearíamos comer, la lleva a moverse entre cocinas de toda la región.

Sofía Bruner (29) es una de las fotógrafas gastronómicas más preciada y demandada de la Patagonia. En los últimos años las coberturas de festivales y cocinas de los mejores chefs de la región la han consagrado como una profesional de excelencia. Las grandes marcas quieren que retraten sus productos.

Permitir que “saboreemos por los ojos” es lo suyo, definitivamente.

Nacida y criada en Roca vive ahora en Fernández Oro. “Aunque el 80% soy nómade”, aclara. Un día puede estar en Pehuenia, el siguiente en la cordillera rionegrina, otro en Las Grutas y terminar más tarde en Buenos Aires.

Escucharla nos permitió saber más de este otro lado de la gastronomía, el de la fotografía, ese recurso artístico que permite que las creaciones de los cocineros termine siendo una experiencia integral fascinante para la gente.

Cuál es su estilo. Qué le piden los gastronómicos. Cómo conecta con ellos. Cuánto más hay detrás de un plato (una historia, una estética, un propósito). De todo esto hablamos con ella, horas atrás.

P: ¿Pensás siempre que alguien puede salivar al ver las fotos tuyas de los platos que crean los cocineros de la región?

No inicialmente, ¡creo que eso es lo que me sucede a mi! (se ríe). Va más desde el lugar de transmitir lo que a mí me sucede con la gastronomía y con las bebidas. Es mi mirada de ese mundo, me genera disfrute: los colores, las texturas, los aromas y las temperaturas.

¿Estás convencida de que también se come por los ojos?

Sin lugar a dudas, lo visual es algo que puede conectar con el resto de los sentidos de una manera increíble. Puedo ver un plato y que me inspire un aroma, vapor y que me parezca sentir una temperatura, me lleve a un momento. Es una experiencia integral para mí, el comer y beber, así lo vivo. Hay un poco de ese “saborear por los ojos” que me llevo a querer transmitir lo que me pasa con la gastronomía. Conecto de una manera especial.

¿Cómo se encara una foto en gastronomía?

Hay parámetros técnicos, lineamientos en iluminación, encuadre y composición. Lo técnico en la la fotografía es como el esqueleto, desde donde se construye.
Hay más… Entiendo y puedo conectar con la gastronomía porque la veo como un acto creativo que me genera admiración y satisfacción.
Siempre digo que siento en la gastronomía un estado de gran concentración y entrega, que demanda una atención del 100%. Se entra en estado meditativo, es estar totalmente atento y entregado a lo que se está haciendo.Desde ahí es donde suceden las mejores cosas, y en mi experiencia, también las mejores fotos. Por eso me gusta acompañar lo que va sucediendo. Siendo una más. Las expresiones, los movimientos me gustan que sean genuinos, reales, que permitan después al otro conectar de forma real, con ese momento de creación. Me gusta que los cocineros y cocineras puedan trabajar como si yo no estuviera ahí, con esa soltura y libertad.

Con los platos y con los productos es otra dinámica. ¿Qué queremos transmitir en base a cómo es la experiencia en el lugar que se presenta el plato? ¿qué iluminación? ¿que remita a una hora del día ó a una estación del año?. Si la podemos recrear, ¿cuál es el estilo?, los productos que se usan para el plato, ¿de dónde vienen? Porque detrás de un plato hay tanto. Hay productores, eje fundamental de la gastronomía, horas de pensar, de crear, dedicación, aciertos y errores.

Me es importante conocer ese detrás de escena, que no está directamente en la foto del plato, pero vaya que sí. Y también en un plato ya hay una composición. El estilo del cocinero, colores que te invitan a usar un fondo o el otro, desde dónde tomar la foto, desde dónde se lucen más las texturas, los colores ó la profundidad.

Lo mismo con los productos y las bebidas, ¿en qué contexto? ¿cómo conecta mejor el consumidor? No con el producto exclusivamente sino con el momento. Un vino tiene detrás una bodega, la tierra y los viñedos, sus historias. Buscar conectar la imagen con eso, también me parece bonito.

¿La comida tiene que estar cruda o medio cruda para que salga mejor en la foto?

Es cierto que cada carne, pescado, vegetal ó preparación tiene su punto ideal por definición, pero esa parte se la dejo a los expertos. Me gusta charlar de eso con los que hacen, para conocer qué hace la diferencia en el plato ó en el producto, ese factor diferencial. Y después es el recurso de la luz, desde dónde se proyecta, con qué intensidad y demás que permiten trasmitir texturas, colores, temperaturas, de una manera ideal. Bueno, la fotografía es eso, dibujar con luz.

¿Cómo te definirías profesionalmente?

Solo puedo decir que hago mi actividad con mucho amor, aprendiendo constantemente de la experiencia, la interacción con los protagonistas, y desde ya, de referentes y colegas que disfruto y admiro. Independientemente de los años que pasen, que siga siendo así. Puedo decir que el mundo de la gastronomía y las bebidas es mi lugar, en el que siento la alegría de crear. Siempre digo que encontré mi tribu, un gran equipo y me siento muy agradecida por eso.

¿Cómo llegaste a este oficio?

Por mi amor por la gastronomía desde muy chiquita. Siempre cocinaba, arriba de un banquito cuando no llegaba a la mesada. Y el disfrute total de la comida, siempre fue un mundo que me fascinaba. Pensé en dedicarme a la gastronomía. Tuve una experiencia en cocina de muy joven, pensaba en estudiar cocina. Desde entonces me genera mucha respeto y admiración, sé lo que implica estar detrás de una cocina. Supe por mucho tiempo que iba a volver a ese mundo, pero no desde el lugar que creía, la vida hace esas cosas. Y así fue.

¿Desde cuándo estás trabajando en esto?

A los 20 años comencé a dedicarme a la fotografía, y la gastronomía era una parte de esa actividad, también en lo laboral, significativa. Quería mejorar y realmente compartir algo diferente, que causara ese impacto que a mí me causaba eso que veía, que tomaba y que comía. Hasta que un día tomé la decisión de dedicarme a la gastronomía y productos exclusivamente, y fue como si eso estuviera esperando. Y comenzó un viaje, metafórica y literalmente, en el que soy muy feliz haciendo.

¿Cómo fue la evolución de tu trabajo, tu crecimiento?

De esto tengo una mirada muy especial. Han sido claves varias cosas. Hacer lo que se ama es intraducible. Luego la manera, ser disciplinada, constante y paciente en ese camino que uno cree y quiere, dando dirección a esa creatividad, formándose. Una parte muy valiosa es hacer equipo con personas del mundo de la gastronomía que admiro, con quienes el crecimiento que genera proyecto tras proyecto, es exponencial. Se construye con un movimiento que pone en cada nuevo proyecto un desafío que invita a evolucionar. Es un crecimiento que integra la actividad y lo personal. Hay en la sinergia de hacer equipo una clave para el crecimiento. Eso para mi es muy importante.

¿Qué pedidos expresos te hacen los cocineros cuando vas a fotografiar un plato?

Mayormente tengo libertad y confían en mi criterio. Pero es muy importante la charla previa. Hay lineamientos sobre los cuales se trabaja. Las charlas acerca de lo que el otro quiere transmitir, son pilares fundamentales para definir el estilo y todo los parámetros para lograrlo.

¿Cuál es tu mayor desafío al fotografiar la producción de un cocinero o cocinera?

Lo genuino, que lo que transmitamos sea la mejor versión de la realidad. Que el otro al verlo quiera visitar el lugar de ese cocinero, probar ese cóctel, ese vino, ese plato. Que quiera tener esa experiencia que se transmite desde lo visual. Que el solo hecho de la imagen sea una invitación, una experiencia, que hable por sí sola.

¿Qué referentes tenés en esta profesión tuya?

Lo genial de la era en la que vivimos es que podemos ver el arte de fotógrafos gastronómicos de todo el mundo, eso ha sido muy valioso. Hay mucha gente talentosa de la cual disfrutar, compartir y aprender. Voy a comentar una muy linda experiencia con un referente de nuestro país y de Latinoamérica, con quien me capacité. Tuve una hermosa experiencia, la de crear en su estudio, Sebastián Israelit.

Completé esta idea que tenía, de que en lo artístico, la calidad humana, el amor con la que se realiza la actividad, con transparencia y entrega, nos lleva a lugares lindos. Pude ver una persona con amor por la actividad, eso es muy inspirador.

Admiro mucho su trabajo, es fascinante, pero aún más lo que le pasa a él con la actividad. Finalmente, esos “grandes lugares” son los que nos hacen sentir que estamos en el camino correcto, el poder hacer con gusto y disfrutando lo que se hace con el paso del tiempo. En cualquier tramo del camino que nos encontremos, me resultó maravilloso.

Los más y los menos de este trabajo tuyo

Es un mundo de apasionados. Descubrí que en nuestra región, y en toda la Patagonia, tenemos referentes con una preparación, fuerza y entrega enorme. Por sus lugares, por sus productos. También los he visto trabajar en eventos gastronómicos con meses de preparación, para darle a la gastronomía el lugar que merece, eso es de gran valor. Verlo desde adentro es imponente, la dedicación es muchísima. Tienen claro el papel de comunicadores. En un plato se comunica muchísimo. Sobre todo, productos.

En la Patagonia tenemos una diversidad de productos y productores enorme, a los que reconocerles el valor como consumidores es esencial. Por todo lo que eso implica y el impacto que tiene a nivel social, cultural y económico. Destaco a las mujeres, cada vez más presentes, también en el mundo de las bebidas en nuestra región. Hay mujeres muy talentosas e inspiradoras con las que tengo el gusto de crear.

¿Tus desafíos?

Continuar compartiendo y acompañando el mundo de la gastronomía y las bebidas con el mismo gusto y satisfacción que hasta hoy. Que el mundo de la gastronomía esté cada vez más conectado y con proyectos fuertes como ya está sucediendo. Que los patagónicos como consumidores estemos cada vez más conectados con nuestra gastronomía, con los productos, que son muchos y de excelencia.

Todas las fotos que ilustran esta entrevista son de Sofía Bruner.

Lo genial de la era en la que vivimos es que podemos ver el arte de fotógrafos gastronómicos de todo el mundo, eso ha sido muy valioso. Hay mucha gente talentosa de la cual disfrutar, compartir y aprender.Sofía Bruner, patagónica, fotógrafa de gastronomía

Es muy valioso hacer equipo con personas del mundo de la gastronomía que admiro, con quienes el crecimiento que genera proyecto tras proyecto, es exponencial. Se construye con un movimiento que pone en cada nuevo proyecto un desafío que invita a evolucionar. Es un crecimiento que integra la actividad y lo personal.Sofía Bruner, consagrada estilista en gastronomía

Fuente: Página12 ~ Música y arte social se conjugan en encuentros mensuales en los cuales, desde esta semana, puede verse una «Hebe iluminada» junto a otras obras.

Un viento suave ronronea entre la vegetación que custodia la Ruta 8, ahí donde el terreno se desmarca de la velocidad hacia los barrios bajos, los que crecen alrededor del parque industrial de Pilar, el más grande de Latinoamérica. En la calma de un sábado a la noche, a la altura de Fátima asoma un edificio iluminado de colores. Adentro, una escenografía multimedia conjuga trabajo y arte para recibir al visitante: es el taller museo del artista plástico Alejandro Marmo. Escenario ideal para el encuentro que, una vez por mes, convoca a vecinos y artistas a un espectáculo singular, cobijado bajo las figuras iluminadas de Leonardo Favio, San Martín, o la más reciente: «Hebe», lista para ser instalada próximamente en la ciudad. 

La invitación a esta cita es sugestiva. Dice “De arte no entiendo nada”. Propone una tertulia alrededor de “un micrófono y 49 sillas”. Pero no es un karaoke. Es un show de artistas que rotan cada mes -para deleite de quienes llegan al taller-, organizado por el Grupo Octubre y la Fundación Arte en las Fábricas, que preside el artista reconocido por sus «personajes históricos” exhibidos en espacios públicos.

Pueden cantar Adriana Varela o Carolina Peleretti, Los Charros o Nico Matioli. La música teje su red entre las simbólicas obras de Marmo. Las que remiten inmediatamente, a las dos Evitas que “le cambiaron la cara a la ciudad”, como dicen los porteños. Fueron colocadas en 2011 sobre las fachadas norte y sur del Ministerio de Desarrollo Social de la Nación. En plena Avenida 9 de Julio. Le siguieron otras obras sobre ese boulevard: Padre Mugica, Arturo Jauretche. La apuesta fue: «Ganar la 9 de Julio para nuestros próceres”, explica Marmo a Página/12, con entusiasmo. Y se define: “soy punk”.

La noche

Al entrar al taller, las esculturas de Evita y Maradona cruzan miradas con Rosas, con Artigas, Favio, Gilda, Rodrigo Bueno. Los rostros delineados en acero llaman desde las paredes. Entre las mesas, La Virgen de Luján realizada con descarte de trenes y el Cristo Obrero, se agigantan entre una original colección de autos antiguos: todos “modelo nacional”.

“El arte que surge de la industria del deshecho nos revincula con el poder hacer”, sostiene el artista, revalorizando el mensaje de su obra, la que realiza con participación de obreros, desempleados o activos, y personas en distintas situaciones de exclusión. El camino transforma. En el inicio está la decisión de convertir “el rezago de las fabricas desmanteladas de los ’90, en el conurbano bonaerense, en arte». La redención en la belleza. Al fin, eso es el arte, en su función social, reflexiona Marmo en su taller, mientras Adrián Colombo comienza a probar sonido para los boleros de la velada.

Las imágenes religiosas expresan el gesto humanitario sobre el cual Marmo -autodidacta, nacido en Tres de Febrero- construyó no solo arte religioso, desde ya, sino una filosofía que recupera desde el arte “la dignidad del trabajo”. Una versión sinfónica de “Me amas y me dejas” comienza a sonar y el artista explica el motivo de la convocatoria: “Uno debe alimentarse de lo humano. Y abrirse a una situación social implica adaptarse a lo que uno genera”, admite. Así nació este espacio cultural en su taller-fábrica. Marmo decidió tender manteles y compartir el pan con quienes ya lo conocen y con quienes llegan guiados por sus obras.

La obra

La presencia escénica de Alejandro Marmo en la performance creativa de la Argentina ya hizo historia. Lo saben quienes ven a Evita iluminada en la Ciudad de Buenos Aires, o al Maradona en Rosario. “Este lugar tiene que servir para generar proyectos de trabajo”, afirma sobre el taller. La prédica se materializa en “espacios productivos de trabajo”: el corte, el ensamble. Es así desde que comenzó a crear sus míticos personajes, con la colaboración de obreros desempleados, en los años ’90. 

En los pisos superiores del edificio se puede visitar el taller propiamente dicho. También los salones que alojan cientos de siluetas de rostros conocidos: San Martín, Belgrano, el santificado padre Brochero. Y en un espacio especial, desde esta semana, la magnificiente «Hebe iluminada». 

La iconografía popular define la obra de Marmo. Los desclasados del sistema conviven entre abrazos, con los héroes de la argentinidad: Favio, Maradona, Charly García, Tita Merello, la silueta de las Islas Malvinas, incluso la del paraguas de Rucci que protegió a Perón en Ezeiza en 1972. La filosofía del descarte les da visibilidad, porque solo se completa el circuito creativo cuando la obra llega al espacio público. Y el proceso perdura ahí en la interacción permanente con el público, espectador, el simple transeúnte. Desde esta perspectiva, es una obra viva la de Marmo.

Y cómo ocurre en plazas y avenidas, museos y edificios de la Argentina, y de otros países como Italia, Japón o Dominicana, en la sala se produce la magia cuando comienza la música y surge el baile, al amparo de La Virgen del descarte. Muy cerca, centellea la figura de Rafaela Carrà. La noche es joven. Dentro de los autos antiguos juegan los niños. 

«Me emociona el arte cuando llega, cuando sirve» enfatiza Marmo. Palabras como: servir, transformar, descarte y arte; se conjugan cuando habla. En los comienzos “la transformación era apostar a la Argentina” repasa. Hoy, la Argentina está “contada desde una red social de hierro. Eso habla del lugar de donde soy, y de lo que uno puede ser y hacer, transformando” reflexiona. Marmo indaga, busca y transformar «el relato de la marginalidad”. Por eso solo la exposición pública de la obra completa el proceso creativo. Y sabe ubicarlas, con rigor: una Virgen del descarte, en el Vaticano, no es menor “porque interpela –afirma–, no solo a la propia iglesia sino a toda la sociedad”.

La historia

La sensibilidad en el trabajo social lo acercó a Jorge Bergoglio cuando el arzobispo todavía no era el Papa Francisco, claro. Hoy su Virgen de Luján, hecha con deshechos, es patrimonio del Museo Vaticano, como su Cristo Obrero. “Acá tenemos esta Virgen, que es hermana de la que está en el Vaticano y también el Cristo” señala. Las esculturas, enormes, también parecen bailar entre la banda y los automóviles. Y bendecir esta “vuelta al trabajo, desde el desecho”, la que propone Marmo.

En la escena, Yrigoyen y Frondizi están cerca de Rafaela Carrá y del Siam Di Tella «argentino» subraya el artista. Su imaginario abreva «en la Argentina post industrial y en lo productivo”. Desde ahí afirma que “hay que construir un sentido nacional, emocional». «Por eso estos autos, porque todos se fabricaron en la Argentina: el Siam Di Tella, la Coupe 7000 de Fiat, la Coupe 1600, el Citroen 13CV”, enumera.

La capacidad transformadora del arte “no elitista» se convirtió en su decisión de vida cuando se encontró en una profunda crisis, en la herrería de su padre. Solo. Tenía 22 años. Del padre y de su madre armenia, que vivieron la guerra, cuenta, hereda el estoicismo que deviene en el punk. Y la ternura: su obra El abrazo expresa la emocionalidad de quien absorbió la desolación. Habla de “sublimar la melancolía» de sus ancestros para explicar el camino que se inició en esa herrería de Villa Bosch. Allí está la usina creativa desde la que diseña tanto la famosa serie de personajes “iluminados” como las Vírgenes o los Abrazos: “Te metés adentro de las situaciones que expresan las obras, de los dolores y del padecimiento insoportable, pero eso te da también una potencia tremenda. Eso es transformador» sostiene.

Obra flamante 

“Hebe iluminada»

La Hebe iluminada de Alejandro Marmo estará en la Ciudad de Buenos Aires. La pieza, terminada el mes pasado, se encuentra en el taller del artista para ser instalada próximamente.“Con Hebe me pasaron dos cosas: su figura me cautivó en los últimos años, más allá de lo que significa la causa de las Madres, que es para mí la agenda más trascendente de los últimos tiempos, como país. Me cautivó porque fue una figura punk. Frente a tanta perversidad, tanta hipocresía y tanta traición, Hebe abrió el cielo a una rebeldía incesante. Es absolutamente inspiradora para mantener la llama de la rebeldía”, puntualiza. “Por otro lado –continúa–, me hacía acordar a mi madre, armenia, peleadora, que no se cansó hasta el final. Ella partió hace 13 años y Hebe me conectaba con la lucha por la causa armenia, que es la del genocidio armenio y que tiene un espejo en la causa de las Madres, tan nacional”.

Fuente: El ojo del arte ~ El joven artista tucumano fue una de las revelaciones de la Bienal de Venecia de 2022. Sus esculturas concebidas como retratos de su constelación familiar ya han sido adquiridas por el coleccionista Eduardo Costantini y por el flamante espacio ArtHaus.

A pesar de haber llegado hace unas horas de Portugal y de no parar de trabajar en Mamá luchona, monumental pieza en adobe con 300 huevos incrustados, que participó en la Trienal del New Museum y que se emplazará en el centro cultural Arthaus (Bartolomé Mitre 434), Gabriel Chaile no abandona la calidez y la empatía que lo caracteriza. 

Nacido en Tucumán en 1985 y con una carrera brillante que lo llevó a hacer pie con éxito en la feria Art Basel y en exposiciones en Londres, Berlín y Nueva York, Chaile convirtió el pan amasado, hecho en horno de barro con formas vinculadas a las culturas autóctonas, y compartido con desconocidos, en gesto artístico. Es el único artista argentino que ha sido convocado por Cecilia Alemani para la muestra central de la 59ª Bienal de Venecia. Participa con cinco descomunales esculturas hechas con adobe que representan a miembros de su familia y que ocuparon un lugar destacado en la muestra central de la mayor bienal del mundo. Eduardo Costantini compró el grupo escultórico para su colección personal y serán exhibidas en noviembre en el Malba. 

–A Venecia llevaste piezas que representan a tu familia y, además, fuiste con tu madre y con tu hermano. ¿Cómo fue el viaje?

-Mi familia sigue paso a paso mi trabajo y todos mis movimientos. Para Venecia estaba la posibilidad de que destinara un presupuesto, de lo que yo ya venía ganando con otras obras, para que ellos vinieran. Me parecía necesario, y ellos también querían. Y lo hicimos. Siempre es muy necesario cuando te pasa algo que para vos tiene sentido el acompañamiento de la gente que te quiere. Es importantísimo. Paseamos mucho, yo menos que mis familiares porque estaba muy ocupado. Ellos se fueron a Roma y a Milán. 

–¿Cómo surgió Mamá luchona?

–Antes, en la Galería Municipal de Oporto, cuando me invitó Chus Martínez y Felipa Ramos para participar en una exposición, hice una escultura de siete metros de alto que se llamaba La luchona. Esa fue la primera. Después me invitaron a la Trienal del New Museum para otro proyecto y ahí surgió esta, que se llama Mamá luchona. Surgió como parte de esa serie. Quería que esta tuviera algo particular: que alguien pueda venir, mirar y decir: “Mi mamá luchona”. Me interesaba que quien se pare ahí sienta esa cercanía. La luchona era un concepto, una generalidad. Esta es mucho más íntima: la hice más gorda, más redonda, con la cara más tierna. Quería que tuviera esa calma y, al mismo tiempo, esa cantidad de huevos que son como potenciales semillas, hijos, seres. 

–Es proveedora.

–Sí.

–¿Tu madre cómo era?

–Fue madre soltera por mucho tiempo. Bueno, iba y venía por conflictos familiares, que te separás y volvés. Es una luchona, una luchadora.

–¿Y tu padre?

–Yo me crié con mis dos padres, pero todo este imaginario de la inconstancia y de los conflictos familiares existía. En mi trabajo, yo siempre voy de lo particular a lo general. Las mamás luchonas son madres pobres a las que les gusta disfrutar la vida, que tienen hijos y que tratan de reinventarse con lo que pueden y con el saber que tienen. Están ahí resistiendo las críticas, resistiendo los conflictos. Todos los problemas que hay en la pobreza en nuestro país generan ese concepto que es totalmente peyorativo: mamá luchona. Se usa como un insulto. A mí me interesó poner en otro lugar el término: entenderlo, como esto que vos decís, como proveedora. Como alguien que tiene la capacidad de transmitir conocimientos a otros seres. Y esos seres van construyendo cosas a su tiempo y a su modo, pero hay algo que define eso: son estas mujeres que están luchándola día a día. Obviamente, tiene referencias  biográficas muy específicas, pero también las veo como un rasgo general. Eso no sucede solamente en mi familia, en mi casa, sino en el ámbito de la pobreza.

–¿Dónde escuchaste el término?

–En el barrio, y cuando daba clases en Soldati. También se usa mucho para las adolescentes que van a la escuela y tienen un bebé. Todos le dicen: “Eh, la luchona…”. Es un término que se usa en toda Latinoamérica, y de hecho hay canciones de cumbia que hablan sobre la mamá luchona. Yo quise darle otro sentido.

–¿Cómo fue la educación que recibiste? ¿Son ocho hermanos?

–Sí, yo soy el menor. Recibí una educación protestante. Mi modo de conocer rasgos burgueses fue por la educación protestante. Como por ejemplo un baño con inodoro: es algo que no toda la gente tiene. O, por ejemplo, uno imagina que toda la gente cena, pero hay mucha gente que no sabe qué es la cena hasta que es adulta. Son cosas puntuales que si vos no salís de esos contextos, no te das cuenta de la diferencia. Te lo digo porque yo viví muchas de esas cosas y porque trabajé dando clases y me daba cuenta conociendo la casa de los alumnos. 

–¿La educación protestante te sirvió para darte cuenta de eso?

–Me sirvió para darme cuenta de que había otra forma de vivir.

–¿Por el dogma protestante?

–No por el dogma, sino por la infraestructura arquitectónica. Cuando iba a la iglesia era todo bonito: un baño bien puesto, la arquitectura. Había toda una diferencia de organización de las cosas. Eso mentalmente te transforma bastante: te hace dar cuenta claramente de que en el mundo hay desigualdad. Imaginate para un niño darse cuenta de eso. Y también de que quizás hay posibilidades de construcción, de modificación. La educación cristiana protestante me sirvió sobre todo para pensar eso. Para pensar la posibilidad de que uno puede modificar las cosas del contexto, en este caso a través de la religión. Los barrios populares tienen la atracción de muchas cosas: los destinos pueden ser muchos. Mi familia, al insistir con una educación cristiana –esta es una interpretación mía— imagino que pensaba en la garantía de una educación digna, con buenos valores por lo menos. Y por eso las religiones están tan presentes en los barrios populares. Yo valoro mucho la educación protestante. Y en la escuela era muy destacado en plástica: mis maestras les decían a mis padres que tenían que seguir incentivándome para que entrara en la escuela de arte. Y en la iglesia yo era el que hacía todos los dibujos y diseños. Eran ámbitos que me permitían desarrollarme a mi manera porque no tenía pasteles o cosas sofisticadas para hacer arte, pero con lo que había se hacía. 

–El protestantismo valora mucho el trabajo, la ética del trabajo. 

–Sí, sí. Eso es muy increíble. Y también toda la cuestión del liderazgo, la mayordomía: en cualquier tarea que hagas, llegar a ser una figura destacada. Realmente hacer las cosas bien y destacar. Esa educación yo la tuve muy marcada y es una educación que valoro. 

–¿La ingeniería de la necesidad y la genealogía de la forma son conceptos que vos creaste? 

–Sí. Son cosas que existen, solamente les puse ese nombre. La ingeniería de la necesidad es básicamente cómo resolver un problema urgente con las cosas que tenés al alcance. Nace a partir de lo que tengo, pensando en lo que me falta. Y la genealogía de la forma fue más que nada un descubrimiento: me di cuenta de que, por ejemplo, los hornos de barro eran algo fundamental en mi familia y en la economía de mi familia. Y había muchas otras familias que también tenían como economía principal hacer pan. Vivíamos en la misma zona. Los hornos para todo este grupo de familias eran importantes. Siempre me preguntaba de dónde venía ese conocimiento, quién les había enseñado a hacer hornos y, además, quién les había enseñado a hacer pan: el pan del norte, un bollo, redondo. Pensaba de dónde vienen esos conocimientos y parecía que nadie lo sabía porque no hay nada escrito sobre eso, sino que una madre se lo enseña a otra; un padre a otro. Y yo pensé que todas esas cosas dentro de mi imaginario en realidad tenían que ver con poblaciones indígenas que fueron diezmadas, les arrebataron el idioma, los separaron de sus hijos, y los hombres fueron matados en la guerra. Estos indígenas se convirtieron en los pobres que se ubican en la periferia de las ciudades en busca de posibilidades y llevaron un conocimiento. El único conocimiento era ese: sobrevivir. Fue algo de lo que me fui dando cuenta a medida que iba conociendo diferentes ciudades, las periferias de las ciudades. Casualmente muchos se dedicaban a esta actividad, sin saber de dónde venía ese conocimiento. La mayoría de esas poblaciones eran del color de mi piel, con lo cual algún rasgo indígena debieron haber tenido. Por eso se les dice peyorativamente negros villeros. Para mí hay algo ahí completamente olvidado. Eso es la genealogía de la forma: la conexión con un pasado que en realidad no sabemos cómo es y que nos fue arrebatado por nuestros próceres.

–¿Es la misma lógica de las esculturas que hacés como si pertenecieran a una cultura que nunca existió?

–Sí. Desde el arte, yo trato de imaginarme cómo fue ese espacio vacío. Por ejemplo, para muchas familias quizás es muy fácil rastrear su genealogía y entender de dónde vienen muchos conocimientos, rasgos de personalidad de un grupo familiar. Hoy, por ejemplo, me querían hacer una entrevista y me pidieron fotos de la infancia. Y yo les dije: “No tengo ninguna foto de la infancia porque no teníamos cámara”. Y no sólo a mí me pasó eso: un montón de gente no tenía cámara. No sé si sabías que cuando hay inundaciones o crecidas de ríos, los bomberos lo primero que hacen es rescatar a las personas y conservar las fotos. Es un protocolo: es algo fundamental porque está vinculado a la memoria de esas personas. No tener memoria es algo muy fuerte porque no te da anclaje. Me acuerdo cuando estudiaba historia, a los trece años, en la primera clase la profesora nos dijo: “Es muy importante esta materia porque les va a dar certezas sobre el presente”. Si no conocemos la historia no podemos tener comprensión del presente: siempre me quedó marcado eso. Pensaba que había cosas que no sabía de mi familia. Y sé que hay otras personas que tampoco saben qué pasó con ese espacio vacío. Al mismo tiempo estas poblaciones no casualmente tienen problemas de violencia de género, de violencia doméstica, de delincuencia. Al no tener memoria eso activa un montón de desequilibrios. Entonces, ¿quién arrebató esa memoria? Esa memoria yo la encuentro en esas cerámicas en las que me inspiro: hago esos pueblos imaginarios, que de alguna manera tienen un costado político que es este. Y para mí es importante porque Argentina, en ese sentido, es muy difícil pensarla por fuera de lo blanca que se define a sí misma.

Fuente: El Ojo del Arte ~ Su excepcional corpus de obra le mereció una adeudada muestra antológica en el Museo Moderno. Con una trayectoria que abarca también el ámbito académico, Cerrato conversa sobre Gurdjieff, sincronismo, bioquímica y ovnis.

Elda Cerrato nació en Asti, Italia, en 1930. Llegó a la Argentina siendo una niña. Se formó en bioquímica, y asistía a un taller de arte al mismo tiempo. Terminada la carrera, optó por el arte, una pasión de toda su vida. En 1960, emigró a Caracas con su compañero, el músico Luis Zubillaga. En sus primeras exposiciones individuales, en Venezuela, hacía collages con papeles de diferentes grados de absorción y pigmentos de Windsor y Newton utilizando recursos aleatorios. «En una etapa posterior, las Cosmovisiones, las obras tenían algunos títulos que un crítico de Tucumán atribuyó a mis estudios de bioquímica», señala Cerrato.

Sus búsquedas espirituales son una constante desde su adolescencia. «Estaban encaminadas a tratar de contestarme preguntas tales como qué soy yo, qué es todo este universo». Fue decisivo su encuentro con las ideas de la Escuela del Cuarto Camino de George Gurdjieff. En Tucumán, creó la extensa serie de la epopeya del ser β (beta), a partir de varias experiencias como cosmovisiones alternativas, la poesía surrealista y los mundos de la ciencia ficción, el I Ching, los cuentos de Gurdjieff y la aparición en Tucumán de platos voladores.

A finales de la década del sesenta, entra en su etapa más conceptual. En 1970, dirige el cortometraje de animación Algunos segmentos, filmado en 16 mm con auspicio del CAyC, a partir de sus pinturas y dibujos. Busca nuevos formatos y canales de comunicación. En las obras siguientes las referencias al contexto político se vuelven más explícitas. Un año después del golpe de Estado de 1976, Cerrato vuelve a establecerse con su familia en Caracas. Allí presenta en 1980 su exposición Para una imagen del hombre. Permaneció en Caracas hasta 1983, donde también llevó adelante su labor docente y académica en la Escuela de Arte del Departamento de Humanidades de la Universidad Central de Venezuela.

Desde 1962 ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales en Europa, Asia y América. En marzo de 2021 el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires le dedicó una muestra antológica, El día maravilloso de los Pueblos.

Por décadas, realizó actividades docentes, académicas y de investigación en universidades y escuelas de arte del país y del exterior, por ejemplo, en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo en la Universidad de Buenos Aires. Desde 1964, junto con su producción artística, realiza publicaciones, cortometrajes y audiciones de radio, y participa en conferencias y congresos del país y del exterior.

A los noventa y un años, es profesora Titular Consulta en el Departamento de Artes e investigadora del Instituto de Historia del Arte Argentino y Latinoamericano de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires, y miembro evaluador externo de otras universidades de Argentina y Uruguay. 

–Estás ahora sentada en tu mesa de trabajo: ¿qué tenés delante tuyo?

–Una ventana. Varias cosas amontonadas en un lado. Las instrucciones de la computadora nueva. Un listado de trabajos míos de investigación que tienen que subir a la web, unos textos que estoy viendo y abajo de todo eso, y protegido por un papel, un dibujo en el que estoy trabajando últimamente con tinta china, que pienso pasar a una tela muy linda con una imprimación y completarlo ahí.

–¿Qué formas tiene?

–¡Es mi currículum! Yo trabajo con mapas en mis obras desde los años setenta. Ahora estoy dibujando con tinta china líneas en tamaño muy pequeño, un centímetro o dos de lado, sucesos, cosas, viviendas en las que viví. Empecé antes del accidente.

–¿Qué te pasó? 

–Hace dos años me caí y me fracturé la cadera. En mi casa y estudio hubo que hacer todo un revuelo. Tardé meses en poder volver a subir la escalera. Tuve que dejar este dibujo inconcluso con el accidente y ahora lo retomé, junto con otros proyectos. En esta mesa grande frente a la ventana hay bocetos, dibujos, a veces pinturas, reflexiones, textos… Al lado tengo otra mesa con pinceles, óleos, acrílicos, barnices, pigmentos. Hay otra mesa más con la computadora y otra más. 

–¿En qué más estás trabajando?

–En un proyecto llamado Family Reunion, que se verá en el Museo de Arte Moderno de Shanghai. Estuve haciendo limpieza de afiches, catálogos y otras pilas de cosas. Y en eso, me encontré con un paquete enorme de fotos familiares. Pensé en seleccionar algunas y tirar el resto. Le comenté a mi hijo, que vive en Shanghai y acaba de tener el premio al mejor film experimental del 60 Ann Arbor Film Festival. Entre los dos estuvimos rastreando características interesantes de nuestra familia y con la ayuda del teórico Zairong Xiang estuvimos viendo el tema del transdualismo. El proyecto es una instalación audiovisual. 

–La muestra antológica del Museo de Arte Moderno, con más de sesenta años de trabajo, habrá sido una gran tarea de revisión y orden, también.

–Ese fue un gran trabajo de la curadora, Carla Barbero, y de Marcos Krämer. Vinieron todas las semanas a dialogar, grabar, revisar obras. Pronto va a salir un libro con textos de ellos, que me dieron buenas ideas respecto de mi obra. 

–¿Por ejemplo?

–Ana Longoni hizo un texto hace cerca de quince años, Esoterismo, peronización y anticipación en la obra de Elda Cerrato, que yo puse en el libro y que se acaba de publicar también en el libro Tercer oído. Relatos descentrados de una vanguardia de Longoni: me gustó mucho la idea de anticipación. El último texto de Claudio Iglesias, Elda Cerrato, espíritu sideral, tiene una serie de reflexiones donde conecta ciertas características de mi trabajo con el aspecto ideológico y se pregunta la relación entre la búsqueda de la imagen y ciertas proyecciones que están en títulos de obras, con las búsquedas formales, y cómo eso podría entroncar con un aspecto acentuadamente ideológico. Me abrieron perspectivas.

–La muestra fue tu primera antológica, una puesta en valor de tu trabajo.

–Hubo varios intentos antes, conversaciones con otras salas importantes. Pero esta fue una ocurrencia que le agradezco a Victoria Noorthoorn, que a boca de jarro en una mesa grande de un café interrumpió el diálogo y me dijo: «Vas a hacer una muestra en el museo». Y así fue. Tuvimos encontronazos e historias, pero la muestra salió. Se empeñaron mucho en la curaduría. Hubiera necesitado más espacio. Me quedaron varias obras que creo que las voy a mostrar pronto.

–Quizá llega un poco demorada. ¿Crees que a tus colegas varones les costó menos alcanzar estos lugares de visibilidad?

–En el siglo pasado hicimos militancia por esto, con asambleas, reuniones, protestas por esta cuestión. Desde los años setenta estamos en esta lucha. Había una gran mayoría que no había tomado consciencia de esto, era mucho más patriarcal la sociedad en ese momento. Me interesaba mostrar la obra, pero ir escalando no. La primera galería que tuve en Buenos Aires fue la de Álvaro Castagnino. Lo quería muchísimo, pero no teníamos demasiado éxito en las ventas. Ahí todavía pesaba el ser mujer. Los escultores eran todos varones. Ahora estoy con Herlitzka Faria, y les debo la revalorización de mi obra de los sesenta y setenta, que yo tenía medio arrinconada. Ahora la cultura adoptó a las mujeres y a los jóvenes, pero nosotras en el siglo pasado decíamos: «Nosotras todavía no somos lo suficientemente viejas como para que nos reconozcan…».

–¿La universidad fue tu segunda casa?

–La docencia siempre fue mi fuente de ingresos. De todos los otros trabajos posibles que tuve, que hubiera preferido no necesitar ninguno, la docencia era el que menos me molestaba. Hice audiciones de radio en Radio Municipal y Radio Nacional en Buenos Aires, y durante los cuatro años en Tucumán, armé uno de los primeros programas de televisión en los sesenta con esculturas de Juan Carlos Iramain. En los setenta estaba en la Facultad de Arquitectura como ayudante y ganaba una miseria. Una vez me gasté todo el sueldo en una llamada telefónica a Venezuela, a donde pensábamos irnos.

–¿Cómo llegaste al arte?

–Siempre me interesó la pintura, el dibujo. En Italia, donde fui tres grados de escuela primaria antes de venir por la Guerra, tuve maestras que me estimularon. Desde joven asistí a talleres. Siempre tuve un problema, que era tratar de contestarme a mí misma qué era todo ese universo que me rodeaba, qué era yo. Por eso, cuando terminé el bachillerato fui a estudiar bioquímica, para conocer el misterio de los seres vivos. Ahí, pasé seis años en la Facultad de Medicina. Estaba por empezar la tesis, cuando le dije a un profesor que estaba buscando resolver este misterio y él me respondió: «Elda, usted no lo va encontrar acá». Entonces le di prioridad a mis trabajos en el arte. Coincidió con mi encuentro con mi pareja, Luis Zubillaga, compositor. Él estaba en la misma que yo. Tenía en sus manos un libro de un maestro ruso George Gurdjieff, y empecé a leer ese tipo de libros. 

–En Tucumán fue tu encuentro con los ovnis.

–Fue un período, que continuó cuando volvimos a Buenos Aires, entre 1964 y 1968.  Había platos voladores, que eran un hecho misterioso. Nosotros vimos uno, que salió en el diario, en el borde del río Salí. Vivíamos en Horco Molle, unas treinta casitas con huerta que tenía la universidad para los profesores al borde de la colina. Había sido un proyecto de Perón para hacer un geriátrico. Una noche de noviembre, estábamos viendo la televisión y mi pareja se acercó a la ventana y empezó a llamarnos a los gritos. Era un plato volador, lo llegamos a ver. Aparecían seguido, la gente lo sabía. La chica que me ayuda en casa –ya había nacido nuestro hijo, Luciano– nos decía que no eran ánimas ni satélites. Una luz muy fuerte, a una velocidad enorme. Esa zona es una vía de paso entre dos puntos de poca fricción en la atmósfera, que están en Mendoza y Tucumán. Los chicos que iban a estudiar de una provincia a la otra solían verlos en la ruta, igual que los camiones. Más de una vez contaban que se paraban los motores, aparecían estas cosas, y después volvían a andar y seguían camino. 

–En tus estudios de biología, de filosofía, el arte, los ovnis… ¿encontraste la respuesta a aquella pregunta sobre el misterio de la vida?

–No. Y sigo buscándola. Se me amplió el panorama del no. Conozco más mis capacidades, ciertas posibilidades de anticipación o de sincronismo (trabajé con las técnicas de Jung también). Son incentivos para suponer que uno tiene capacidades que en realidad no tiene. Lo veo en la física teórica. Muchas explicaciones y religiones son atenuantes de que la vida se acaba y se acabó. No pasa más nada. Llegué a leer textos teóricos de otros artistas que se hicieron preguntas parecidas. Buscar teóricamente tampoco da resultado. Da autosatisfacción comprobar que lo que vos intuías hay otros que también, y tienen alguna pequeña respuesta. Sin una práctica, nada da resultado. La búsqueda mental es una masturbación.

–¿Qué sería el arte?

–Una presencia del cuerpo, algo emocional. Una vez en la facultad de Arquitectura, donde yo era ayudante, un profesor me preguntó: «En relación con sus trabajos artísticos, ¿qué tiene que ver todo lo que vemos en semiótica?». Y yo le respondí: «Mire, no mucho más que lo que me causa la lectura del diario a la mañana». No era cierto del todo. Ahí aprendí una estructuración del pensamiento. La cuestión artística uno la vive, no te hacés preguntas. No me gusta hablar de arte, se hacen tantas elucubraciones. ¿Por qué lo hago? Porque me gusta.

Fuente: Argentina.gob ~ De artista a artista: María de los Ángeles Crovetto (PARTE 2)

En esta última entrega Pablo Valentino profundiza sobre la vida y obra abarcando sus proyectos actuales, el amor por el muralismo y “lo que viene” en su carrera artística.

5 – PV: Coméntame un poco sobre tu vagón de tren intervenido. ¿Cómo surgió ese proyecto?
AC: “Es el segundo vagón que intervengo en la formación del Tren Social y Sanitario Dr. Ramón Carrillo, del Ministerio de Desarrollo Social de la Nación, en la DINATE (Secretaría de Abordaje Integral). El primero fue sobre género, en un vagón que se aboca a atender esas problemáticas por pueblos y ciudades donde el tren va en todo el territorio federal y este último que supongo es ese al que haces referencia, fue pensado en conjunto con diversos actores que intervienen en el funcionamiento del vagón cultural; un vagón donde suceden muchas actividades dependientes del Ministerio de Cultura: Biblioteca Nacional, del Congreso y el INCAA. La idea era darle un aspecto distintivo del resto de los vagones, así que con esa finalidad es que se decidió intervenirlo, adaptando la imagen a realizar a las posibilidades del soporte, que eran complejas”.

6 – PV: Tenés una gran serie de murales interesantes ¿Cómo se gestó toda esa obra?
AC: “Yo diría que tengo mucho murales hechos nomás…yo diría que los murales irrumpieron en mi vida, o algo así. Se gestaron de diversas maneras a lo largo del tiempo, con distintas aristas de lo que implica un mural. En algunos momentos fueron experiencias territoriales desde un enfoque comunitario, con un fuerte anclaje en el arte como inclusión, justicia social. Por otro lado realice muchos otros que fueron directamente murales militantes, con una identidad y un mensaje político como finalidad, otros fueron encargos específicos donde quizá tuve tiempo para desarrollar más algunos planteos, y otros tantísimos en Ezeiza que están vinculados con la construcción de un discurso mural comunitario, participativo, en escuelas públicas del distrito, de cara a la sociedad. Podríamos decir que las Escuelas construyen su identidad visual de cara a la sociedad, y yo hago el trabajo de traducir esas ideas en sus paredes”.

7 – PV: Tuviste la oportunidad de intervenir en un terreno natural arcilloso en una playa de San Juan, realizando una imponente escultura, contáme como sucedió eso.
AC: “Cinco años sin irme de vacaciones y me fui al desierto sanjuanino, quizá de los poquísimos lugares donde puedo suspender el tiempo, el mundo, lo cotidiano. Digo desierto, pero como bello contraste hay un Dique bellísimo a los pies de la pre-cordillera. Un lugar donde siempre vuelvo a lo largo de los años…Rodeo. Y el viento allí es algo realmente especial, es un viento escultor realmente, las formas que erosiona son impactantes. También es un viento que te empuja, por eso volás estando sentada y de paso te hace el favor de no asfixiarte del calor. Me considero fanática y admiradora absoluta del viento. Y entonces, estando sentada, sabiendo hace años que todas esas formas eran arcilla cocida al sol, resquebrajada como en todo buen desierto, vi una forma de mujer. Un amigo lugareño me prestó herramientas, cuchillos de todo tipo, y con un baldecito como una niña jugué a hacer lo que llamé La mujer del viento, en vez de castillos de arena. Y fue hermoso. Primero porque tenía una alegría imparable de descubrir esa mujer que había visto, y luego mucho amor sentí al ver como esa arcilla que humedecí para dar forma, de golpe se secaba y hacía de su rostro un desierto con arrugas, quebraduras que quedan ahí suspendidas, quietas. Y quedó allí, sabiendo que era muy posible que al subir el nivel del agua de deshielo en el dique, se vuelva lecho barroso, y se deshaga o se vuelva a ser lo que siempre fue, maravilloso barro”.

8 – PV: ¿Cuáles son tus técnicas o herramientas artísticas preferidas?
AC: “No sé si puedo elegir tan a la ligera. Realmente…”

9 – PV: ¿Cómo te llevas con tu Rol de docente? ¿Qué experiencia te deja esa actividad?
AC: “Me llevo bien cuando puedo encontrar ese enriquecimiento mutuo con lo que nos disponemos a transmitir, y que luego es capaz de transformarse en nuevos conocimientos, que siempre, siempre edifican. Pero sobre todo me gusta cuando también en esas instancias suceden actos creativos, preguntas desconcertantes, respuestas abiertas. He dado clases prácticas de taller y teóricas, en todas las edades y niveles, cada instancia tiene su particularidad: la belleza estremecedora y libre del acto creativo de lxs niñxs, el dolor y conflicto comunicativo de lxs adolescentes, el ímpetu devorador de ingresantes en ámbito universitario, la búsqueda de los próximos a egresar, la creación en adultos mayores también es una instancia interesante para acompañar, quizá porque hay una búsqueda inevitable en la memoria. También me resultó increíble la experiencia como instructora de arte terapia en población infantil en riesgo, con todas las complejidades que pueden padecer niñxs en situación de vulnerabilidad. El arte conecta a los seres humanos de tantísimos lugares, ¿no?

10 – PV: ¿Cómo observas el rol de la mujer hoy en día en el circuito de pintura Argentina?
AC: “Quizá no sea la más indicada para hablar del rol de la mujer específicamente en el circuito, porque no me gusta hablar de ámbitos que no frecuento. Sí, pienso que hay un trabajo enorme que aún queda por hacer, varios caminos a recorrer, donde la mujer quizá ha logrado en algunas instancias cuestiones de paridad, pero todos los días aun nos tenemos que arremangar más para podernos desarrollar en ámbitos, incluso en el arte, muy reservados a los hombres”.

11 – PV: ¿Cómo te gestionas con el aspecto comercial de tu arte?
AC: “Sencillamente, me autogestiono, no tengo nadie que comercialice nada. Sólo se ponen en contacto conmigo”.

12 – PV: ¿Cómo seguís planeando tu futuro inmediato? ¿Proyectos?
AC: “No…No…Imposible jajaaja, mi futuro inmediato es terminar el monumento a DIEGO MARADONA próximo a inaugurar. Seguramente el mayor honor que pueda tener en la vida, los que sobre todo construimos cultura popular. Ese es todo mi horizonte, y luego, ya el tiempo me va a avisar…tiempo al tiempo decía mi abuela.”
¡Los esperamos en la próxima entrega de “De artista a artista”!