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El arte a cielo abierto: los muralistas que transforman el paisaje de la exaceitera

7 noviembre, 20227 noviembre, 2022 infoarte

Fuente: Puntal ~ Nacha Vollenweider y Martín Lanfranco transforman las viejas estructuras y las llenan de expresión y color. Junto a otros artistas intervienen este sector de la ciudad con sus obras. «El objetivo es revalorizar el arte urbano», sostienen, y que la gente lo haga propio.

Las viejas estructuras que aún quedan en pie de la exaceitera, casi al final de la calle Yrigoyen, dejan la oscuridad para convertirse en el lienzo en los que artistas urbanos plasman sus obras.

Así el arte de adueña de esos rincones y les imprime vida, y son las manos de jóvenes muralistas de la ciudad y de toda la provincia quienes se encargan de ello.

Martín Lanfranco, oriundo de Achiras; Nacha Vollenweider, de Río Cuarto, y otros tantos son parte de la intervención que se está realizando en este histórico lugar de la ciudad en un proyecto impulsado desde Fundación. Y lo hacen a través de esta técnica que ha posicionado a Córdoba como Capital del Muralismo, y sus artistas reconocidos en todo el mundo.

La presencia de los jóvenes también entusiasma a los vecinos que ven en su barrio una galería de arte a cielo abierto.

La iniciativa continuará y entre otros muralistas que participarán de la propuesta se menciona a Gastón Liberto y Sergio González, quienes también tienen numerosos trabajos de arte urbano en distintos puntos de la región.

Revalorizar el arte urbano

A unos 10 metros de altura y desafiando al viento que no da tregua, sobre la caja de una grúa, está Nacha Vollenweider. Un casco y en la mano el palo que dirige el rodillo impregnado con pintura que recorre las líneas del dibujo que realiza alrededor del tanque en toda su estructura abarca 201 metros cuadrados.

La joven es coordinadora de este proyecto y en la última semana le dio los últimos toques a su obra, que realizó junto a su colega Cho Bracamonte.

“El objetivo es llevar el arte a la gente que es además el objetivo de la pintura mural. Convocando a artistas sobre todo locales, algunos de Córdoba. Ésta es la primera etapa del proyecto y se eligió la manzana 48 para revalorizar la zona sur”.

Según estiman dicha actividad se extenderá durante todo el mes de noviembre. Detrás de esta tarea hay un equipo curatorial del que forman parte Marcelo Babini y Jimena Mateo.

“Es revalorizar el arte urbano, en Río Cuarto hay un montón y se está manifestando”, resaltó Nacha.

Cada artista tiene la libertad de imprimir sus ideas propias en las obras. Pero a su vez, tratando de tener en cuenta el lugar, la zona y la gente que lo habita.

Nacha Vollenweider intervino el tanque elevado de la manzana 48 de la exaceitera. El violeta y el amarillo son los colores predominantes en sus dibujos. “Este trabajo es más bien lúdico, personajes extraños, pero a su vez tiene esa cuestión más gráfica, más infantil, más en relación al espacio en juego que tiene la plaza”, detalló.

“Yo soy historietista, estudié con Gabriel Yabar. Él me enseñó el oficio de la historieta”, resalta. Pero su biografía también detalla que es licenciada en Pintura por la Universidad Nacional de Córdoba y magister en Arte, especializada en Ilustración y Diseño, por la Universidad de Ciencias Aplicadas de Hamburgo.

Así, a su pasión por la historieta le suma ahora la del arte urbano, y el muralismo en su máxima expresión.

“En 2021 ganamos con Carbonillas Projekt el premio muralismo Bancor. Con ellos expuse en el Museo Caraffa en una muestra colectiva que curó Dante Montich. El 23 de abril (pasado) pinté una fachada en Córdoba en el marco del programa ‘Arte de nuestra gente dirigido por José Lezcano´”, detalla Nacha.

Mientras se prepara para ascender con la grúa y continuar con su arte, Nacha destaca esta iniciativa municipal: “Es muy jugada. Apostar al arte callejero, al arte urbano es hacer que la gente lo haga propio”.

Libertad de elegir

Martín Lanfranco intervino una gran pared que fuera la estructura de un galón de la exaceitera, entre calles Isabel de Guevara e Yrigoyen.

Tatuador, pintor de caballete y muralista, este artista oriundo de Achiras ha dejado el sello de su arte urbano en numerosas poblaciones de la zona. Y hoy participa de este proyecto en Río Cuarto.

“Me invitó a participar Nacha y me cuenta del proyecto este que es la recuperación de la exaceitera con murales, y me prendí”, señala.

Su trabajo terminado abarca 17 metros de ancho y más de 8 metros de alto.

“Me llevo más o menos una semana hacerlo. Nos dieron la libertad de elegir la temática a plasmar en nuestro proyecto”.

Una mujer con una rana en la cabeza, y un joven de espaldas con una mochila repleta de flores es la obra de Lanfranco.

Al explicar en qué se inspiró detalló: “Lo denomino ‘Parece ser que la rana no va a convertirse en príncipe’. Traje a colación el viejo cuento de la princesa que le da un beso a la rana y la convierte en príncipe. En este caso no es lo que ocurre, y sobre la cabeza de la mujer se observa la rana”. Además un sello distintivo de sus trabajos son los íconos de redes sociales. “En este caso usé el de ‘like’ de instagram”.

Respecto del lugar que ha ganado el muralismo como expresión artística urbana, Martín sostiene: “Yo creo que el tema del muralismo y el arte en general va tomando otra dimensión. Me parece que se corta un poco con la famosa cuestión del arte romántico, se rompe con eso de romantizar el arte en sí. Desde mi perspectiva esa mirada es bastante elitista por un lado. Entonces con el arte del muralismo se trata de romper ciertas barreras y llegar al general de la gente, de la comunidad que en realidad termina construyendo las obras”.

Y agregó que “poner una obra en una arquitectura termina siendo una intervención, pero la gente que transcurre día a día, que habita los espacios, que va al trabajo, en realidad va construyendo el mismo mural. Entonces es otra forma de llegar a la gente. Y el arte se vuelve más permeable. De allí que tome esta dimensión.

Muchos de los murales realizados por Martín Lanfranco en la zona fueron noticia en Puntal. Así por ejemplo su homenaje a los trabajadores de la salud en plena pandemia, con una obra plasmada en Achiras, otro mural sobre los Bomberos Voluntarios, y trabajos en Sampacho y otras localidades.

“Yo tengo el privilegio de vivir del arte. Soy tatuador, muralista, soy pintor de caballete. Siempre digo que tuve las herramientas para llegar a vivir de esto, tengo esas posibilidades que mucha gente no tiene”, expone.

Y mientras contempla su obra y anhela que los vecinos de la zona y quienes recorran la exaceitera la hagan propia, ya se prepara para nuevos desafíos y viajes que dice es el alimento del alma.

Y el trabajo continúa en el predio de aquella histórica fábrica. Un grupo de obreros se encarga de pintar y hacer la base naranja en la que, en el transcurso de estos días, serán otros los artistas que llegarán para dar vuelo a la imaginación y ser parte de esta galería a cielo abierto.

El artista Milo Lockett llega a Paraná para una jornada de pintura en vivo

7 noviembre, 20227 noviembre, 2022 infoarte

Fuente: Uno Entre Rios ~ El reconocido pintor chaqueño Milo Lockett arribará a Paraná para compartir una tarde de pintura en vivo junto a otros cinco colegas locales.

La pintura y el arte serán el principal atractivo en la capital entrerriana durante esta semana ya que la Galería ERarte, ubicada en Justo General Urquiza lindante al bar Flamingo, tiene previstas distintas jornadas. La agenda comenzará el jueves 10 con la muestra Quotidianus de Mario Milocco, y el viernes tendrá lugar un importante evento, auspiciado por UNO, que contará con la presencia del reconocido artista plastico chaqueño Milo Lockett. En este sentido, la propuesta del viernes comenzará a las 18 y allí Lockett pintará en vivo dos grandes obras (de 1.30×1.30), por lo que se podrá observar de manera presencial y en directo todo el desarrollo de las pinturas.

En la oportunidad, también acompañarán la jornada los artistas locales Jorgelina Parkinson, Guillermo Hennekens y Raúl González.

La actividad además se enmarca en las iniciativas por la Noche de los Museos y las galerías.

La presencia de Lockett engalanará ya que se trata de un artista plástico conocido por sus obras en otros países. Sus piezas tienen una identidad pictórica que lo han convirtido en un artista de gran éxito en ventas. Además, se trata de un pintor, cuyo estilo es avalado por la academia y se destaca por el acceso popular.

Lockett viene de realizar una gira de murales por distintos puntos del país, donde ha pintado un mural por cada lugar que ha visitado. Recientemente, estuvo en la Plaza Huincul de Neuquén donde intervino en un mural de la ciudad de la patagonia argentina, y así es como permanentemente se encuentra de viaje por lo que agenda siempre está ajustada.

El artista chaqueño ya ha visitado Entre Ríos por lo cual su arribo a Paraná el viernes significará un regreso despues de mucho tiempo.

Al respecto, en el marco de una cálida entrevista con Escenario, Lockett indicó: “Estoy muy contento de visitar Paraná, me parece muy lindo poder volver con esta propuesta de pintar en la calle. La verdad es que a mi me gusta mucho estar con la gente, trabajar lo que es la parte social y acercar el arte. De hecho, el público que es fundamental para un artista”.

Así como pintará en vivo en la Galería ERarte, también habrá piezas del artista expuestas en el lugar.

“La idea de pintar en la calle me gusta mucho. Además estoy muy contento porque me voy a encontrar con gente amiga”, afirmó Lockett.

La pintura en vivo tiene la cracterística de poder observar el paso a paso y la evolución de la obra. En cuanto a ello, señaló: “Voy a trabajar en el momento y no tengo un esquemaprevio. Lo hago bastante libre y de manera muy suelta. Voy a pintar de cero para que la gente vea todo el proceso y observe que no hay tantos secretos como se cree y eso está bueno, acercarle a la gente los técnicas. En algunas ocasiones ocurre que la gente te pregunta qué le ponés, cómo mezclás y es interesante que puedan ver que es mucho más sencillo de lo que se imagina”.

El encuentro con la gente

Pintar y acercar el arte a diferentes geografías del país fue posible nuevamente tras la salida de la pandemia, lo cual tiene un importante valor para Lockett.

Sobre este aspecto, remarcó: “Estoy feliz de encontrarme con la gente y eso importa más que mi obra. La obra pasa a un plano secundario porque esta posibilidad de visitar a la gente en su lugar me parece que tiene otro valor,”.

En ese sentido Lockett trazó una diferencia sustancial respecto de trabajar en su espacio a hacerlo en un marco social diferente: “El hecho de pintar un cuadro lo puedo hacer en mi galería y en mi espacio pero el hecho de encontrarme con la gente en su lugar es muy distinto porque quizás esas personas nunca te van a poder visitar en el taller o no pueden viajar y de repente estás en su ciudad y se acercan, te ven, se sacan una foto, o te íden un dibujo y es algo que trasciende la obra”.

Agenda 2022-2023

Luego de su paso por la capital entrerriana y de lo que será compartir una jornada a pura pintura, la agenda de Lockett continuará en Córdoba para posteriormente arribar a Cariló donde expondrá una muestra y a Mar del Plata donde hará lo propio. Febrero estará marcado por un viaje a Europa, donde irá a trabajar a Lugano (como ya es habitual desde hace 11 años). También irá a Roma y se dirigirá por primera vez a Berlín.

Sobre el artista

Milo Lockett es un artista plástico chaqueño, autodidacta, que comenzó su carrera luego de trabajar varios años en la industria textil.

En 2002 cerró su fábrica y estampadora textil, y abandonó sus actividades empresariales para dedicarse por entero a la pintura.

Sus referentes se encuentran en la obra de Jorge de la Vega, Nigro, Macció y Deira. El público del artista plástico abarca desde grandes coleccionistas a jóvenes empleados y profesionales que están buscando su primera obra de arte.

El pintor dona anualmente un promedio de 40 obras para subastas a beneficio del Hospital Pediátrico de Resistencia, trabajo realizado con adolescentes dentro de un proyecto de prevención de HIV – Cruz Roja Argentina. Además, ha colaborado para UNICEF en el proyecto ‘Un Minuto por mis Derechos’ en el 7º Encuentro de Niños y Jóvenes escultores. Ha realizado talleres masivos de pintura al aire libre en el Festival de la Triple Frontera, Paraguay, Brasil y Argentina, Chaco, y Jujuy.

Picasso & Coco Chanel: la amistad de dos genios que dejaron de lado sus egos en pos de una sociedad creativa

7 noviembre, 20227 noviembre, 2022 infoarte

Fuente: La Nación ~ Con una muestra dedicada a la dupla en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, España inaugura los homenajes del Año Picasso: en 2023 se cumplen cinco décadas de la muerte del pintor.

MADRID.– Pablo Picasso será el gran protagonista cultural del año 2023. Como preludio de las múltiples exposiciones y eventos que organizan los gobiernos de España y de Francia para conmemorar el 50°aniversario de su muerte, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta una original propuesta.Picasso/Chanel explora la amistad entre el artista español y la diseñadora francesa a través de obras de arte –cuadros, dibujos, vestidos y trajes–, que viajaron a Madrid desde distintos museos, americanos y europeos, y desde colecciones privadas para invocar este universo en el que dos genios dejaron sus egos de lado y crearon una fértil sociedad creativa. También se inauguró Imagine Picasso, unaexposición multisensorial e inmersiva.

"Naturaleza muerta con paloma", una de las obras que integra la exposición Picasso/Chanel, en el Thyssen, de Madrid — «Naturaleza muerta con paloma», una de las obras que integra la exposición Picasso/Chanel, en el Thyssen, de Madridmuseothyssen.org

Pablo Picasso (1881-1973) y Gabrielle Chanel (1883-1971), más conocida como Coco, se conocieron en la primavera de 1917 en París cuando ambos gozaban de reconocimiento. Picasso contaba ya con el vínculo con el marchante Paul Rosenberg, quien colaboró con la proyección mundial del artista, mientras que Chanel había inaugurado la Maison Chanel y su casa de modas en Biarritz. Fueron presentados posiblemente por el dramaturgo Jean Cocteau o por la mecenas y pianista Misia Ser. Entre ambos surgió una gran amistad basada en una profunda admiración mutua.

Una de las anécdotas que revela la complicidad que existía entre ambos es aquella que ocurre en una fiesta de disfraces organizado por Étienne de Beaumont en 1920. Picasso, su mujer y Misia Ser decidieron no asistir porque Chanel no había sido invitada, a pesar de que había desplegado su talento en la confección de varios trajes que allí se lucirían. Sin embargo, los amigos se presentaron en la puerta de aquel sofisticado evento y se escondieron junto a los choferes para espiar la llegada de los invitados.

Vestido de noche (1927-1928) diseñado por Coco Chanelmuseothyssen.org

Los dos creadores celebraron juntos la víspera de Navidad de 1920 en la casa de la rue Cambon de la diseñadora. También acudieron a aquella cita figuras de la bohemia: Serge Lifar, Satie, Jacques Lipchitz, Georges Braque, Jean Cocteau, Raymond Radiguet, Misia Sert, Caryathis, Blaise Cendrars y Los Seis, un grupo de jóvenes compositores. En el verano de 1921, Picasso estaba instalado en Fontainebleau con su mujer, Olga Ojlova, y su hijo Paulo, precisa Paula Luengo, la curadora de la exposición. El artista debe regresar a París y dado que no soporta la soledad de su departamento, Chanel lo recibe en su casa que se había convertido en el epicentro de las vanguardias. Juntos acudieron en 1921 al estreno del ballet Los novios de la Torre Eiffel, de Cocteau. Estos dos espectadores pronto se convertirán en socios creativos.

En 1922 Picasso y Chanel colaborarían por primera vez en la puesta de Antígona, la tragedia en versión de Cocteau: Picasso diseñó el telón y las máscaras, mientras que Chanel, el vestuario. En 1924 volverían a reunirse para brindar su talento a los Ballets Rusos de Serguei Diaghilev en El tren azul, con libreto de Cocteau. El realizador ruso descubrió una pieza en el taller de Picasso, Dos mujeres corriendo por la playa (La carrera), que ofició como telón de obra, mientras que Chanel diseñó los trajes para los bailarines inspirados en sus propios modelos deportivos.

La exposición Picasso/Chanel abarca las décadas de 1910 y de 1920, años de ebullición artística y de juventud de ambos creadores. Los archivos del Museo Picasso de París conservan una invitación de 1918 de Chanel a los Picasso para asistir a una cena en su residencia y una fotografía que Coco guardaba de su amigo Pablo. La exposición da cuenta de la retroalimentación entre ambos creadores.

El cubismo y el estilo Chanel, uno de los tramos de esta muestra, presenta la influencia de este movimiento en las creaciones de la diseñadora. En el sentido opuesto, da un ejemplo en el programa de la exposición Marika Genty, delegada del patrimonio Chanel, que la diseñadora también fue una musa para el pintor: “La idea de la petite robe noire, el «pequeño vestido negro», nació de una traviesa ocurrencia de Gabrielle Chanel durante una velada en la ópera («Estos colores son imposibles. Voy a vestirlas de negro, a todas estas»). Gracias a su tratamiento monocromo, y a su juego con los contrastes, los efectos de texturas, los materiales y los brillos, Chanel casa el negro con la elegancia y, mediante esta elección tan radical, renueva el uso del negro, limitado hasta entonces al luto o al ámbito doméstico, para dar preeminencia a la línea y las proporciones”. La monocromía de Chanel presente para construir espacios también lo estaba en la obra de Picasso.

Cabeza de mujer (Fernande), 1909-1910, que podía verse en el
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, se expone en el Thyssen en la muestra Picaso/Chanel — Cabeza de mujer (Fernande), 1909-1910, que podía verse en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, se expone en el Thyssen en la muestra Picaso/Chanelmuseothyssen.org

“La comparación directa entre los diseños de Chanel y la obra de Picasso, la evidencia de su parentesco formal y la sospecha de que existen lazos profundos que unen el trabajo de ambos, invitan a suspender por un instante las categorías y considerar cada objeto, cada vestido y cada cuadro como parte de un lenguaje común, fruto de aspiraciones e influencias compartidas”, explicó Juan Gutiérrez, uno de los expertos en el vínculo entre ambos creadores.

Bernard Ruiz Picasso, nieto del artista, estuvo presente en la inauguración de la muestra en el Thyssen: “Creo que celebrar al siglo XX a través de dos figuras importantes es algo imprescindible y necesario en nuestro mundo, especialmente en estos días en los cuales vivimos tiempos difíciles, en Europa y en el planeta, donde hay muchas preguntas sin respuesta”.

Abrigo diseñado por Coco Chanel; integra la muestra Picasso/Chanelmuseothyssen.org

Un ambicioso plan de homenaje

Celebración Picasso 1973-2023 es el nombre del evento cultural que tendrá su epicentro el 8 de abril de 2023, fecha en la que se conmemora el 50 aniversario de la muerte dePicasso en la población francesa de Mougins. Los gobiernos de Francia y España han trabajando de modo conjunto en un agenda integrada por más de cuarenta exposiciones, dos congresos académicos y eventos que se celebrarán en varias ciudades.

En España son quince los museos e instituciones que participan de estos homenajes: entre otros, el Museo del Prado, el Museo Reina Sofía, el Thyssen Bornemisza (además de la muestra Picasso/Chanel prepara para 2023 otra muestra que se llamará Picasso. Lo sagrado y lo profano), el Museo Picasso de Barcelona, el Museo Picasso de Málaga, el Museo de Bellas Arte de A Coruña, el Guggenheim de Bilbao, la Fundación Miró en Barcelona, la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y la Fundación Mapfre.

Además del Thyssen, también se adelantó a los homenajes el Museo Nacional del Greco, en Toledo, al recibir por primera en su historia la obra de Picasso en su edificio gracias a un intercambio institucional con el Kunstmuseum Basel (Suiza). El Greco fue una gran fuente de inspiración para Picasso. También en París se inauguró en el Museo de Montmartre una muestra sobre el vínculo artístico entre Picasso y Fernande Olivier. Carlos Alberdi, portavoz de la comisión nacional de la Celebración Picasso 1973-2023, destacó en la presentación de Picasso/Chanel: “Es un homenaje debido a uno de nuestros más importantes artistas del siglo XX que murió sin poder volver a pisar España por razones políticas que todos conocemos”.

A su vez, esta semana se inauguró en el predio Ifema Palacio municipal una muestra inmersiva llamada Imagine Picasso. Los visitantes pueden disfrutar de la obra del genial artista andaluz e ingresar en su universo gracias a la bondades tecnológicas. En Buenos Aires resultó un éxito la muestra Imagine Van Gogh cuyos responsables son los mismos de la muestra multisensorial de Picasso en Madrid.

España y Francia serán los principales anfitriones, pero no los únicos. En el Museo Picasso de Munster se inauguró una muestra sobre dos mujeres que dejaron importantes escritos sobre su relación con Picasso: Fernande Olivier y Françoise Gilot. Además, en el Metropolitan Museum de Nueva York se inaugurará en este marco de homenajes una muestra sobe el cubismo y el trampantojo.

Coco Chanel hizo célebre la frase “menos es más”, sin embargo, cuando se trata de brindar un homenaje a Picasso, parafraseando a la diseñadora, “más es más”, o quizá nunca sea suficiente.

Hasta fin de año podes visitar la muestra “Mi vida en bastidor” del artista plástico Amador Tanoira

7 noviembre, 20227 noviembre, 2022 infoarte

Fuente: Argentina ~ Desde el Martes 1 de Noviembre y hasta fin de año los funcionarios, empleados de la casa y el público visitante del Palacio de Hacienda podrán visitar (y disfrutar) la muestra “Mi vida en bastidor” del artista plástico Amador Tanoira, emplazada en el Salón de Exhibiciones Eva Perón de la cartera económica.

Público en la inauguración de “Mi Vida en Bastidor”

Tuvimos un año exitoso en lo que concierne a la gestión cultural en organismos públicos. Como Coordinación de Patrimonio Cultural pionera en el Estado Nacional, gestionamos gran cantidad de muestras de artistas contemporáneos. Calidad, cantidad y variedad fueron las características de todos los artistas que pasaron.

Muestra “Mi vida en bastidor” de Amador Tanoira

Para la última etapa del año, hemos seleccionado la muestra “Mi vida en bastidor”, muestra que reúne óleos, acrílicos y grafitos hiperrealistas, donde el artista expone parte de su vida y propone una mirada diferente sobre los animales y la figura humana.

Muestra “Mi vida en bastidor” de Amador Tanoira

Hace muy pocas semanas, Amador Tanoira declaró que “…el arte digital es algo diferente, es otro tipo de arte. Pero lo tradicional el bastidor, el óleo, la técnica que fuese es irremplazable…” y las casi cuarenta obras que integran “Mi vida en bastidor” son un reflejo de este pensamiento. La muestra fue organizada en dos etapas claramente identificables.

En uno de los sectores del Salón Eva Perón la figura humana es la protagonista. Distintos trazos, líneas de fuga, diagonales, movimiento y color se presentan como invitación a realizar un recorrido por una paleta análoga.
Muestra “Mi vida en bastidor” de Amador Tanoira

Y en el otro sector el “Animal Art” es el actor principal. La paleta complementaria con rojos, azules, amarillos, verdes, ocres, tierras… invitan al público a encontrarse con animales salvajes de tres continentes.
Obra “Dalí sorprendido” de Amador Tanoira

La Coordinación de Patrimonio Cultural a través de la Dirección General de Coordinación Institucional invita al público en general y a todos los actores del Palacio de Hacienda a encontrarse con la historia, el arte, las formas, líneas y el color.
Muestra “Mi vida en bastidor” de Amador Tanoira

Los invitamos a visitar la muestra de lunes a viernes de 10 Hs a 16 Hs

Fecha: 01/11/2022 al 30/12/2022
Lugar: Salón de Exhibiciones “Eva Perón” – Corredor Artístico 2º Piso, Hipólito Yrigoyen 250, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.
Horario: 10 a 16 hs (ingreso con DNI). Público externo puede visitar la muestra con inscripción previa en pcultural@mecon.gob.ar (según protocolo)

Cómo se gestó el mural más grande del mundo en homenaje a Diego Maradona

3 noviembre, 20223 noviembre, 2022 infoarte

Fuente: TN ~ La obra fue inaugurada este domingo ante más de 10 mil personas y fue idea de YPF junto al artista Martín Ron. Cómo se eligió la pared, por qué se seleccionó esa imagen y el detalle en la pintura que nadie vio.

Este domingo, muchos recordaron a Diego Armando Maradona ya que, de haber estado aún con vida, hubiese sido su cumpleaños número 62. Hubo homenajes de todo tipo y especialmente mucha imagen de él en las redes sociales. Fue imposible olvidarse del 10 durante toda la jornada.

Sin embargo, un evento sobresalió por sobre los demás por su masividad pero además porque develó una obra única. El domingo, ante más de 10 mil personas, YPF inauguró el mural más grande del mundo dedicado a Diego.

La obra fue realizada por la empresa de energía junto al artista Martín Ron y tiene nada más ni nada menos que 40 metros de ancho por 45 de alto, lo que la convierte en la de mayor volumen de la Tierra.

¿Cómo se preparó el mural en homenaje a Maradona?

Ron contó algunos detalles sobre su planificación.

La pared fue propuesta por el mismo artista. Al principio la opción obvia era ir a los barrios de La Boca o Paternal pero Ron ya tenía vista la pared en San Cristóbal que finalmente fue elegida.
El diseño sigue el género del hiperrealismo, es decir está plasmada una situación lo más parecida posible a la realidad.
Para elegir la foto hubo varias etapas. Primero una preselección de varias imágenes que cumplieran con los requisitos de luz para poder llevarlas a la pintura gigante pero después volvieron a hacer un filtro teniendo en cuenta el concepto que buscaban para la obra. La foto finalmente seleccionada pertenece al mundial de Italia ‘90 y representa a Maradona con una expresión muy aguerrida.
Un detalle del mural que no se ve a simple vista es el barrilete en el fondo. Está formado por estrellas pero además esa constelación forma el recorrido que el Diego hizo en el famoso gol a los ingleses.

“Estamos felices porque pudimos homenajear a Diego como se lo merece: con respeto, con amor, con mucha gente que se acercó como una forma de agradecimiento”, señaló Santiago Carreras, gerente de Asuntos Institucionales y Comunicación de YPF. Y agregó: “Soñamos con que el mural se transforme en un icono para la gente y que sea un punto de encuentro para recordar a Diego”.

La celebración para su inauguración se extendió durante toda la tarde y por ella pasaron amigos del 10 como Ricardo Bochini, Oscar Garré, Beto Márcico, el masajista Galíndez y más. También estuvo presente la familia Maradona: Dalma, Giannina y Claudia además de Dieguito Fernando junto a Verónica Ojeda.

La fiesta tuvo un momento de lujo con diferentes bandas interpretando canciones dedicadas a Diego. Los primeros en presentarse fueron Cucuza Castiello junto a La Guardia Hereje, Barrio Viejo con Rosario Ortega, Ale Bueno que cantó el clásico “La Mano De Dios” y Juanse con su histórica canción “Diego Para Siempre”.

El cierre fue sorpresa y encontró a Ciro y Los Persas con su música para que las más de 10 mil almas cantaran por y para Diego en una jornada llena de emoción ante una obra artística histórica

Hizo una escultura de Messi y de Maradona con restos de autos y expondrá en Qatar durante el Mundial

30 octubre, 202230 octubre, 2022 infoarte

Fuente: La Nación – Julián Provenzano se dedica a hacer obras con restos de piezas de locomoción; por un golpe del destino, mostrará su trabajo en plena Copa del Mundo; cómo logró esa posibilidad.

Cumplir un sueño no es una misión para cualquiera, y los métodos para lograrlo varían abismalmente. Depende de muchas cosas, del contexto, de las herramientas a disposición y sobre todas las cosas de tener al universo como aliado. El caso de Julián Provenzano, un bonaerense de Pergamino, es un ejemplo de todos estos factores alineándose. La particularidad es que el destino de su sueño coincide con el destino del sueño de millones de argentinos alrededor del mundo: llegar a Qatar y ver a Lionel Messi.

“Te aviso que es una historia muy loca”, anticipa Provenzano en diálogo con LA NACION. El hombre es esencialmente un artista, un entusiasta de todos los medios de expresión con una vida pasada de contador especializado en computación. Con el camino de la creación libre se encontró de chico pero se fue comprometiendo gradualmente. Su hobby favorito era comprar motos viejas, desarmarlas y volverlas a armar. “Con mis recursos, que no eran muchos. No tenía ni plata ni demasiadas herramientas. Lo único que tenía era tiempo”, cuenta.

En Qatar no venderá sus obras por menos de 40.000 dólares.

El corte en seco lo hizo hace siete años, cuando renunció por completo a sus labores contables, y decidió que iba a invertir cada segundo de su productividad concibiendo esculturas. Y no cualquier tipo de esculturas, sino aquellas que nacen de la premisa del Scrap Art:valerse de chatarra y elementos que de otra manera irían a la basura, para crear. Específicamente, Provenzano tiene una inclinación para hacer arte a partir de los vestigios de los medios de locomoción.

“El 85% de lo que hago es gracias a la industria de la movilidad”, señala. “Son innumerables las obras que hice que alguna vez fueron parte de una bicicleta, una moto, un auto o un avión”. En su taller, un corralón que era de su familia, acumula montañas de chatarra con un popurrí de patentes, resortes de embrague, capots, motores, y todo lo que pueda soldarse y sujetarse a la obra. “Con mi obra quiero mostrar que la realidad es transformable. Que una pieza de chatarra que pareciera no servir tiene el potencial de representar algo más. Que se puede construir algo a partir de la nada misma”, sintetiza el artista.

Es de Pergamino pero el arte lo llevó a Qatar.

Ahora, para entender cómo hizo Provenzano (tiene 38 años) para transformar su carrera y llegar a Medio Oriente hay que remontarse en el tiempo e ir al 2019. “Yo venía haciendo obras chicas y de repente mi taller se llenó de piezas grandes que tenían que usarse para obras de mayor tamaño. Eso y el hecho de que venía acumulando ganas de hacer algo con más impacto me llevaron a hacer una escultura de un caballo a escala real”, narra y agrega: “A este acontecimiento se le sumó mi ocurrencia de probar las promociones vía redes sociales por primera vez”. Sucede que alguien vio una de estas promociones -no sabe quién- y le llegó un mail de la Embajada de Qatar, en el cual le contaban que estaban haciendo un relevamiento de 30 artistas alrededor del mundo para participar en una exposición, y lo invitaban formalmente a formar parte.

Claro que en ese momento, hace tres años, Qatar todavía no era un hito. “Tuve que buscar dónde estaba en el mapa porque no tenía ni idea. Cuando lo charlaba con mis amigos pensaban que era una invitación para matarme”, confiesa entre risas y remata con lo que terminó sucediendo de verdad: “Entonces me fui para Qatar”. Y con él se fueron sus 1000 kilos de esculturas, todos en un avión especial.

Básicamente es este el origen de un sueño hecho realidad. Un sueño del cual Provenzano todavía no se despertó y pareciera intensificarse con el paso del tiempo. Porque este año lo volvieron a invitar a exponer en Qatar, y esta vez la fecha coincide con uno de los hechos que sin dudas van a pasar a la historia: el primer Mundial después de la pandemia. También la última chance de Messi, su ídolo absoluto, para consagrarse como campeón.

Lo invitaron a participar de un evento que coincidiría con el Mundial más esperado de los últimos tiempos

En esta oportunidad su carga aérea se duplica: lleva 10 esculturas y la gran mayoría son grandes. Una de ellas es el 10 – valga la redundancia- a escala real, que posará en la exposición junto a su antecesor, Maradona, también a escala real. “Fantaseo con que Lionel vea mi obra en persona. Ese es mi sueño”, revela y confiesa que, aunque el valor de sus obras siempre depende del cliente -y que de ninguna se desprendería por menos de US$40.000- a Messi se la regalaría: “Sería un honor total, no tendría precio”.

Provenzano no duda sobre las posibilidades de la Argentina en el torneo. “Por eso hice las esculturas, porque vamos a salir campeones”, asegura y sentencia: “Vamos a ganar y Messi va a ver mi escultura. No tengo una estrategia para esto pase, pero tampoco dudas. Lo dejo a merced del destino, pero presiento que va a darse”.

Guillermo Saccomanno muestra sus dibujos y pinturas en una librería porteña

27 octubre, 202227 octubre, 2022 infoarte

Fuente: Télam ~ «Sin palabras», es el nombre que lleva por título la muestra que reúne más de veinte dibujos y pinturas en blanco y negro y en color. Si bien esta es su primera muestra, el dibujo y la pintura siempre fueron complementarios a su trabajo de escritor.

Una muestra que reúne pinturas y dibujos del escritor Guillermo Saccomanno, quien hace un mes publicó su novela «Esperar una ola», se exhibe hasta fines de diciembre próximo, en la Librería y Espacio de Arte Menéndez, de la Ciudad de Buenos Aires, donde se revela una faceta artística que el autor desarrolla en forma paralela a la escritura.

«Sin palabras», es el nombre que lleva por título la muestra de Saccomanno que reúne más de veinte dibujos y pinturas en blanco y negro y en color, en las que aparecen los escenarios narrativos predilectos de su obra literaria, que son parte de su maquinaria narrativa: el paisaje urbano, la Costanera Sur y el mar de Villa Gesell.

Así, el escritor que con sus palabras incomodó a un sector de la cultura argentina en la última apertura de la Feria del libro en Buenos Aires, y es autor del libro «Cámara Gesell», cruza las fronteras semióticas de la palabra para llegar a la imagen, y completar en un ida y vuelta su obra artística.

Si bien esta es su primera muestra, el dibujo y la pintura siempre fueron complementarios a su trabajo de escritor.

«Ese que veo de espalda mirando a otra parte, el agua, el cielo, ese no soy yo: es el otro que dibuja y pinta visiones a ver si averigua quién es, quién soy», dice el escritor.

La exhibición puede visitarse en la Librería y Espacio de Arte Menéndez, ubicada en la calle Paraguay 431, del barrio porteño de Retiro, de 10 a 18, hasta el viernes 30 de diciembre.

Pablo Picasso: la vida y obras más importantes del pintor español, a 141 años de su nacimiento

26 octubre, 202226 octubre, 2022 infoarte

Fuente: La Nación ~ Si bien es recordado por el cubismo, cuenta con diferentes épocas de creación artística como la azul, rosa y neoclasicismo.

El pintor Pablo Ruiz Picasso nació el 25 de octubre de 1881 en Málaga, España, y se destacó como el creador e impulsor del cubismo: uno de los estilos artísticos considerados como de primera vanguardia.

Este español es recordado como uno de los mejores pintores de la historia, cuyo trabajo influenció a muchos artistas. Sus obras abarcan el dibujo, la pintura, el grabado y la escultura, y pueden encontrarse en exhibiciones de museos de todo el mundo.

La vida de Picasso

Hijo del artista José Ruiz Blasco, se mudó junto a su familia a Barcelona, donde comenzó a realizar sus estudios artísticos. Para 1904, había establecido su primera etapa de pintura, denominada período azul. Luego, se instaló en París, y allí abrió un nuevo estudio donde evolucionó al período rosa, en el que este color predomina en sus pinturas.

En 1907, llegó su reconocimiento con una de las obras más importantes del siglo XX: Les demoiselles d’Avignon. La particularidad de este lienzo se basaba en la combinación del arte ibérico con el africano, tomando elementos de El Greco y Cézanne. Esto dio comienzo a uno de los momentos más importantes de su carrera y de la historia del arte universal, la creación del cubismo. Bajo este estilo creó obras como Chica frente a un espejo y un reconocido autorretrato.

Pablo Ruiz Picasso nació el 25 de octubre de 1881 en Málaga, EspañaAP – Archivo

En 1919, se casó con la bailarina rusa, Olga Koklova, con quien tuvo un hijo llamado Paulo. Tras ello, en 1935 nació Maya, hija de una relación extramatrimonial con Marie-Therèse Walter. En 1936, comenzó un nuevo vínculo con la fotógrafa Dora Maar; y finalmente, tuvo dos hijos con Françoise Gilot, con quien se separó para casarse con Jacqueline Roque, su última pareja.

Por otro lado, su vida estuvo marcada también por su actividad política, la cual se incrementó con la Guerra Civil. Esto llevó a que, en 1937, se decidiera a crear una de las obras más importantes del arte español: el Guernica. Años más tarde, comenzó a trabajar con cerámica y pintura clásica.

Finalmente, Picasso murió el 8 de abril de 1973 en su casa ubicada en Mougins, Francia, a causa de un edema pulmonar. Sus restos descansan, junto a los de su esposa, en el castillo de Vauvenargues.

Las obras más importantes de Picasso

Guernica (1937): esta es sin dudas la más conocida del pintor. Por medio de ella, denuncia el bombardeo de Guernica del 26 de abril del mismo año. Actualmente, se encuentra exhibida en el Museo Reina Sofía de Madrid, junto con 45 bocetos previos a esta pintura.

Guernica (1937), está exhibido en el Museo Reina Sofía de Madrid

La vida (1903): considerada como la obra maestra de su época azul, representa el dolor y melancolía que padecía Picasso luego del suicidio de su amigo Carlos Casagemas, pintor y poeta español.
Las señoritas de Avignon (1907): esta es una de sus obras más famosas, nombrada de esta manera por el crítico André Salmon, en referencia a un prostíbulo ubicado en la calle Avinyó en Barcelona.
Los tres músicos (1921): con un estilo del cubismo sintético, muestra un clarinetista, un guitarrista y un monje, con un perro a sus pies. Hoy puede observarse en el Museum of Modern Art de Nueva York (MoMA).
Retrato de Dora Maar (1937): esta pintura representa a la modelo de muchas de sus obras más emblemáticas, quien también fue amante del autor. Este óleo se encuentra exhibido en el Musée Picasso de París.

Trosman y Churba inaugurarán una obra que transforma la basura en arte

22 octubre, 202222 octubre, 2022 infoarte

Fuente: Télam ~ Se trata de «Humana», una obra compuesta casi en su totalidad por material reciclado provisto por tres cooperativas que trabajan en el ámbito de la ciudad.

Con el marco de la Cumbre Mundial de Alcaldes C40 sobre cambio climático es que la Usina del Arte inaugurará este sábado, durante La Noche de los Museos, una imponente instalación aérea bajo el título «Humana» de los artistas Jessica Trosman y Martín Churba, que ubicada en el foyer del primer piso del emblemático edificio de Caffarena 1, en el barrio porteño de La Boca,hace patente las tensiones entre la basura que genera el ser humano y la capacidad del arte de crear y poner en acción sentidos.

El encuentro que reúne a más de 120 alcaldes de todos los continentes para acordar acciones urgentes frente al calentamiento global y el desafío de la carbono neutralidad, fue el marco que impulsó la invitación cursada a ambos artistas para desarrollar la instalación con basura proveniente de las calles de la ciudad de Buenos Aires, a la que fue invitado como curador el artista Carlos Herrera.

Se trata de una obra compuesta casi en su totalidad por material reciclado provisto por tres cooperativas que trabajan en el ámbito de la ciudad -Baires Cero, Trabajo Diego Duarte y El Ceibo- que proveyeron la materia prima indispensable sobre la que la dupla Trossman-Churba trabajó durante dos meses en un taller, dentro de la propia Usina del barrio de La Boca, para crear esos agrupamientos de basura ya procesada y seleccionada y conformar esos grandes objetos escultóricos que cuelgan del techo del foyer del primer piso.

Cada una de esas esculturas variadas en forma y colores configura una suerte de elipse ascendente de masas móviles, que mantienen algunas huellas de una existencia previa, luego descartada y tratada por los artistas con la técnica de termo estampación, que permitió «combinar materiales y lograr texturas que se vinculan con las producciones textiles previas de ambos diseñadores», dice Herrera a Télam.

El dúo Trossman-Churba -que vuelve a trabajar junto luego de 20 años separados- presenta estos «grandes cúmulos de residuos humanos que se imantan», agrega el curador.

Son «formas que se contraen y se expanden, que se aplastan y se inflan, desechos que se transforman en flamantes bellezas ´terribles´, contemporáneas, articulan visiones reales y de una contundente calificación. Y no hay metáfora cuando hablamos de residuos: se trata de materiales que presionan desde su memoria y desde su condición real, aunque se los pinte color del oro o se los eleve a la categoría de arte», escribió en el texto curatorial.

«Hace un año y medio que venimos trabajando con el proyecto del reciclado y de algún modo quisimos hacer una membrana, un volumen, una piel social de reciclados plásticos y textiles que te inviten a pensar en la transformación y el devenir, en qué está sucediendo hoy con todo lo que es la basura o el reciclado, el medio ambiente», explica Trosman.

«´Humana´ es una reflexión sobre el consumo y el vínculo que tenemos con aquello que creemos que ya no sirve», añade Churba.

La experiencia que vivieron los artistas en la Usina del Arte durante el encuentro con la materia «que otros habían descartado y separado de lo valorable o lo que tenía valor», encontrándose «como personas que vinculadas a mundos en los cuales la preservación de lo impecable está por sobre todo», en sus manos «se transformaba en una materia de deseo», explica el diseñador sobre esa ambivalencia entre el rechazo y el deseo ante la basura reciclada.E

La materia que «otros habían descartado y separado de lo valorable o lo que tenía valor», en las manos de los atistas se transformaba «en materia de deseo», explica Churba, quien define al binomio como «personas vinculadas a mundos en los cuales la preservación de lo impecable está por sobre todo».

«Un poco las esculturas muestran ese pasaje de la presencia del envase, del material que se descartó, casi como una anécdota, que tuvo una vida pasada y una nueva, que aparece tomando una identidad, porque cada una de ellas conforman una sola que es ‘Humana'», de la que «puede decirse que tiene una ideología o morfología propia», dice Churba, al tiempo que refiere que la experiencia del proceso terminó siendo una creación colectiva.

«En momentos quisimos simular un metal o un oro o una piedra preciosa, y en momentos lo dejamos sucio porque está bueno que uno se encuentre humanamente con la basura», indica Trossman.

«´Humana´ es una reflexión sobre el consumo y el vínculo que tenemos con aquello que creemos que ya no sirve
Churba

Para la obra se inspiraron en las montañas de basura y en la imagen de una columna de humo que asciende, pero como explica Trossman, sobre el conjunto que se eleva escalonadamente: «se va al cielo, lo levitamos un poco porque queremos que esté a escala humana, pero al mismo tiempo tiene algo espiritual, hay algo que te invita a pensar».

«En parte estuvo presente todo el tiempo como el basural, que no le pudimos poner ese nombre lamentablemente porque está prohibido (ese término) en el gobierno porteño», pero explica Churba a continuación, que ante esa restricción «aparece la creatividad» que deriva en la afirmación «que la basura es humana», algo que se traduce en esa tensión del nombre asignado en la obra.

En la ciudad «los basurales se tienen que llamar centro de recuperación urbana, que resignifican el rol de la basura dentro de la sociedades y eso es muy loable», aclara a continuación.

Sobre la experiencia en concreto y el trabajo tan cercano con los «recuperadores» en un ámbito tan especial, Churba indica que «fue entender las dinámicas y las tensiones» lo que les permitió concretar la obra dentro del proyecto artístico y el ambiental como centro, al «transformar la basura en soporte para el arte», a lo que califican por momentos como «una materialidad mágica».

«Humana» se inaugura mañana a las 19 en la 18° edición de La Noche de los Museos de Buenos Aires -con una amplia propuesta de exhibiciones y actividades de 19 a 2 de la mañana- , en la Usina del Arte (Caffarena 1, esquina Pedro de Mendoza, CABA), y podrá visitarse hasta febrero. La exhibición se puede visitar de manera gratuita los viernes de 15 a 20 y sábados, domingos y feriados de 11 a 20.

Francisco Solano Sosa, el pintor y escultor de Almagro que desafía al arte

16 octubre, 202216 octubre, 2022 infoarte

Fuente: Ambito – El artista plástico de Almagro deslumbra con sus obras. En diálogo con Ámbito cuenta de dónde viene su inspiración, quiénes son sus referentes y cómo es vivir del arte en la Argentina.

El artista plástico Francisco Solano Sosa deslumbra con sus obras. En un diálogo con Ámbito cuenta de dónde viene su inspiración, quiénes son sus referentes y cómo es vivir del arte en la Argentina.

Periodista: ¿Cuál tu primer vínculo con el arte?

Francisco Solano Sosa: Nací en Almagro y transcurrí mi infancia ahí y en Caballito mi primer vínculo con el arte, aparte de plástica del primario, fue ir a un taller de cerámica, y después de 25 años terminaría haciendo la carrera en el IUNA, la Universidad Nacional de las Artes.

P.: ¿De dónde proviene la inspiración de sus obras?

F.S.S.: Minibar básicamente está dividida en dos faces, la de pintura abstracta, en la cual voy buscado mi propia imagen, y por otro lado, la de ceramista escultor, que profundicé una imagen de aspecto antropomorfo, haciendo máscaras y esculturas, y también pinturas.

P.:¿Qué considera que es el arte?

F.S.S.: Para mí forma de vivir el arte es simple sin especulaciones técnicas, es la expresión si llega o no al espectador, cosa que no me preocupa sino el placer de hacerlo.

P. ¿Quiénes son sus artistas referentes?

F.S.S.: En el país hay grandes corriendo muy variados estilos y constante evolución desde el pintor Ricardo Carpari hasta Marta Minujín.

P.: ¿Cómo es ser un artista en Argentina?

F.S.S.: El desarrollo formativo del artista en Argentina es bastante fácil, hay muchos lugares de formación gratuitos, pero el desarrollo de la profesión es complejo, ya que las artes visuales no son masificadas y no son de consumo masivo. Así, uno se tiene que estar en profunda metamorfosis creativa para sobresalir.

solanocom@hotmail.com / @franciscosolanososa (Instagram)