Fuente: Ámbito ~ La obra del artista italiano Tintoretto protagonizó uno de los videos más visto en las cuentas que el museo tiene en Instagram y TikTok.
La obra «El Lavatorio» del artista italiano Tintoretto, un gran óleo sobre lienzo pintado entre 1548 y 1549 que juega mucho con el punto de vista del espectador y es un símbolo de valores como el servicio y la humildad ya que Jesús lava los pies de los apóstoles, protagonizó uno de los videos más vistos en las cuentas que el Museo Nacional del Prado tiene en TikTok y en Instagram, donde registró más de 3, 6 millones de reproducciones.
Un millón y medio de visualizaciones y 235 mil «me gusta» convirtieron a esa obra del siglo XVI en la favorita de TikTok, ese canal directo con las nuevas generaciones, mientras que el resto fue para Instagram y sus reels, donde también se convirtió en el favorito de los seguidores. Porque si algo aceleró la pandemia fue la puesta en marcha de esas vías digitales para llegar con contenidos a los más jóvenes, y el Prado, en esa tendencia, alcanzó más de 3,7 millones de seguidores en redes sociales. Lo que se vuelve evidente es que frente a los discursos que creían que los tesoros artísticos eran antagónicos a los lenguajes vertiginosos de las redes sociales, la experiencia de estas instituciones, verdaderos popes internacionales, viene demostrando que las obras de arte no sólo pueden ser difundidas sino también divertidas.
En el video más visto de 2021 del Prado que tuvo como centro a esta significativa obra de la historia universal, lo primero que se formula es una pregunta, la táctica que parece dominar los portales y redes sociales: el interrogante necesita de una respuesta y mirar el video -se supone- lo responde. ¿Dónde hay que ponerse para ver correctamente «El Lavatorio»? fue la punta de lanza que abre este material sobre «El Lavatorio», donde lo que sigue es un mapeo de ángulos posibles y perspectivas desde donde mirar la obra, tal como lo había imaginado Tintoretto hace más de 500 años, además de un acercamiento al contexto de producción de la pintura, ejercicio clave para comprender la dimensión de la obra.
La pintura «El Lavatorio» fue un encargo al artista que realizó en 1547 la Scuola del Santísimo Sacramento de la iglesia de San Marcuola de Venecia con la intención de «fomentar el culto a la Eucaristía, y en sus reuniones, el guardián ofrecía a los cofrades agua bendita, imitando el gesto de Jesús al lavar los pies a los apóstoles», explican desde el museo a propósito de esta pieza de grandes dimensiones.
Pero más que la temática quizá lo más curioso y llamativo de la obra es que tras «trazar el escenario, Tintoretto introdujo los personajes pensando en el punto de vista del espectador. Ello explica que, si bien al contemplar frontalmente el lienzo los personajes aparecen distribuidos aleatoriamente, la impresión cambie al mirarlo desde la derecha, desde una posición similar a la de la feligresía en San Marcuola. Desaparecen así los espacios muertos entre las figuras y el cuadro se ordena a lo largo de una diagonal que, partiendo de Cristo, prosigue por la mesa en la que aguardan turno los apóstoles para acabar en el arco al fondo del canal. del pavimento».
La estrategia del Prado para compartir sus colecciones sigue la propuesta de numerosos museos internacionales, como la Galería Uffizi de Italia, que encontraron en la red social TikTok un nuevo canal de comunicación con las generaciones más jóvenes, ya que el 60 por ciento de usuarios de esa plataforma tiene menos de 18 años, donde además la visualización de contenidos culturales -como #ArtOnTikTok- creció 3.000 por ciento en el último año a nivel global.
Fuente: Rio Negro ~ La artista Pabla Arias cuenta la experiencia neuquina de la Agrupación de Mujeres Muralistas Argentinas, el colectivo que visibiliza las desigualdades laborales en el arte hecho en las calles.
¿Dónde están las muralistas? La pregunta de artista neuquina Pabla Arias fue la misma que se hicieron otras artistas en otros lugares del país. Porque las muralistas estaban. Eran muchas y muy creativas. Pero, como en casi todo, estaban invisibilizadas por una abrumadora desigualdad de género. De esta invisibilidad evidente y como respuesta a aquella pregunta de Pabla y de muchas artistas muralistas surgió AMMURA, (Agrupación de Mujeres Muralistas de Argentina), un colectivo que, como suele suceder, evidenció la invisibilidad de las mujeres muralistas para luego dar toda la visibilidad posible: y allí estaban (porque estaba), muchas y muy creativas.
AMMURA, que surgió como iniciativa para defender derechos laborales de las mujeres muralistas en Argentina desde una perspectiva de género y como un espacio para debatir acerca del lugar femenino en el mundo laboral del arte mural, su precarización laboral, los honorarios diferenciales y la desigual elección entre varones y mujeres para participar en festivales artísticos y proyectos estatales. Surgida en Buenos Aires a mediados de 2018, su réplica federal sucedió ese año en Rosario, donde tomó impulso la Pintada Federal: cada diciembre, cientos de mujeres pintando al mismo tiempo muros de todo el país. El llamado tuvo eco en Neuquén en Pabla Arias. Conocida artísticamente como Miss Ojos, Pabla para entonces llevaba más de diez años como artista urbana interviniendo paredes neuquinas. “Era la única mujer”, destaca en un diálogo con Río Negro.
Bajo el lema “El agua es vida”, AMMURA pintó días atrás los muros del CDI Ruca Cayun, que dan a la plaza del barrio neuquino Villa Ceferino.
“Yo estudié cine en el IUPA, me interesé por la parte de animación que tiene mucho dibujo. Yo empecé a liberarme en cuanto a la ilustración y de ahí conecté con el mural. Me considero una ilustradora que aplico la ilustración en diferentes formatos, uno de ellos es el mural”. Como ilustradora, iba a exponer sus trabajos a ferias con láminas y stickers. “Alguna vez alguien vio eso y me invitó a ilustrar la tapa de un disco. Después, viendo que había pintado un mural me invitaron a volver a hacerlo. Y desde entonces me empezaron a llamar para seguir pintando murales”.
Desde entonces, Pabla trabaja semanalmente en alguna pared de su ciudad. Sin embargo, no se considera una muralista en el sentido estricto de la palabra. “El muralismo está relacionado a la escuela de bellas artes, es una disciplina en sí misma. Yo estudié cine y me hice en la calle por eso me considero una artista urbana”, afirma. Pabla recuerda que a la primera convocatoria federal de AMMURA, en diciembre de 2018, respondieron solo dos artistas en Neuquén, de las cuales ella era una. Tres años después, fueron diez artistas quienes desplegaron su arte en los muros del CDI Ruca Cayun, del barrio Villa Ceferino. Bajo el lema “El agua es vida”, el colectivo se hizo eco de una problemática que atraviesa la región. “No solo pintamos murales, sino que también generamos contenidos para las causas sociales”, remarca.
Parte del mural pintado por AMMURA Neuquén en Villa Ceferino.
Este año, cada lugar elegía su lema y en Neuquén elegimos el agua. Para convocatorias anteriores, Pabla se había encargado personalmente de convocar a las artistas. Este año no llamó a ninguna porque no fue necesario: el impulso ya estaba generado. “Fuimos diez, hubo caras nuevas, estuvo buenísimo lo que pasó”. Visibilizadas y activas, las artistas neuquinas van por más porque como dice Pabla: “Son inagotables los espacios a pintar”. Tanto como la necesidad social de contar sus problemáticas e inquietudes a través del arte.
Fuente: Télam ~ Con la impronta de la serie «Exabrupto de Color», el artista avanza con esta obra en Mar del Plata, que inició el 22 de diciembre y planea finalizar el 1 de enero, «para recibir la temporada 2022, apoyando la campaña de pirotecnia cero», explicó.
Con una manifestación artística que revaloriza a través del color conceptos del expresionismo abstracto, el artista urbano Alfredo Segatori comenzó a intervenir un predio 1.6 hectáreas del puerto de la ciudad de Mar del Plata, en el que se desarrollará el proyecto Silos Arena que durante el verano presentará shows musicales, dj´s internacionales, eventos familiares al aire libre, y será inaugurada en el inicio del año nuevo.
Pionero en el arte urbano argentino, con el que ha pintado paredes y muros de grandes dimensiones, Segatori, que además trabaja con materiales de reciclaje, llegó a Mar del Plata, convocado por la empresa Evolucionart SRL para intervenir el corazón del puerto, un predio con los silos a orillas del mar, previo a su viaje a Ciudad de México, como artista invitado de la feria de arte BADA MX.
Con la impronta de la serie «Exabrupto de Color» con el que Segatori pintó «El sueño de Quinquela» revalorizando conceptos del expresionismo abstracto, como la improvisación, la mancha y el gesto, el artista avanza ahora con esta obra en Mar del Plata, que inició el 22 de diciembre y planea finalizar el 1 de enero, «para recibir la temporada 2022, apoyando la campaña de pirotecnia cero», explicó.
El artista, que trabaja haciendo pintura mural con la técnica del aerosol a mano alzada, free hand, comenzó interviniendo un barco y uno de los galpones laterales donde se harán los eventos durante el verano, y también se erigen unos enormes silos portuarios.
«Mar del Plata y, sobre todo el puerto, es totalmente inspiracional para mí, haber venido con la familia de chico o de adolescente durante los veranos; es una ciudad espectacular», señaló el artista a Télam y agregó que su deseo es «poder intervenir estos silos gigantes, que dan como un dejo de tristeza a esta zona», tal como lo hizo en los silos areneros de La Boca y en el puerto porteño.
Foto: Diego Izquierdo
En caso de poder llegar con su pintura a los silos, Segatori dice que su idea es hacer una obra combinada con materiales de reciclaje que denuncie «la presencia de plásticos en los mares».
Estas obras como las realizadas en “Lunática Artes Visuales”, “Gran Salón La Boca” y La Universidad del Arte Urbano, se suman a la realizada en 2020 por Segatori, en homenaje a Diego Maradona, llamada «San Diego del Barrio de La Boca», ubicada en Aristóbulo del Valle 50, entre Caboto y Pedro de Mendoza, a metros del Paseo de las Artes.
Una vez concluido su trabajo en Mar del Plata, la próxima parada de Segatori será en Ciudad de México, como artista invitado de la importante feria de arte BADA MX, en febrero 2022 en campo Marte, donde realizará varias intervenciones con el apoyo de la empresa Mexicana Sognare.
La serie Exabrupto De Color Urban Art 5D, con la que estará trabajando en El Puerto de Mar del Plata, está inspirada en la pintura de Siqueiros, Pollock, pero con colores pop y aplicado a la pared, sobre grandes estructuras minimalistas y experimentando con distintas máquinas de pintura.
Foto: Diego Izquierdo
Esta manifestación artística surge como una necesidad de libertad de expresión y lúdica, donde la obra nace desde la improvisación, la energía y la intensidad.
Las primeras obras de esta serie fueron los Silos Agrecon, la Limurock de Charly García y la intervención performática sobre la icónica obra de Mario Irarrazabal “Los Dedos” de Punta del Este, con la que abrió la temporada 2020 a puro color.
Como presidente de la Fundación Cultural Anden 2222, profundiza su compromiso con las causas ambientales y sociales, contribuyendo a la concientización sobre el modelo consumo actual y el cuidado del ambiente a través del arte.
Su atelier está ubicado en los galpones ferroviarios de El Ceibo, con quienes mantiene una alianza para el desarrollo de sus murales escultóricos con chatarra y descartes en grandes dimensiones, “Arte Cartonero” / Murales Trash, reconocidos en el barrio de Palermo.
Bajo esta misma línea conceptual, Segatori presentó la obra instalación “Un Mar de Plástico”, una ola de materiales reciclables y Mundo Cuadrado – Mundo Compactado, al ingreso de La Rural y en El Dorrego.
Fuente: La Nación ~ El arte y la cultura se prepara para el año de la reconstrucción: aunque deberá seguir sorteando los desafíos del coronavirus, tiene ya importantes eventos en su agenda.
Si a simple vista 2022 está sembrado de grandes centenarios es porque 1922 fue verdaderamente extraordinario: en marzo nació Jack Kerouac, en Massachusetts, y en noviembre moría Marcel Proust en París; también hace cien años se publicaron grandes títulos de la literatura universal, como el Ulises, de James Joyce, y de las letras argentinas, como Veinte poemas para ser leídos en un tranvía, de Oliverio Girondo. Todas estas conmemoraciones -y otras, como el año de un Nobel: Saramago- atravesarán la agenda cultural de la próxima temporada.
«Diego y yo», de Frida Kahlo, se expondrá desde diciembre en el Malba
En los museos, los centros culturales y nuevos espacios que prometen abrir sus puertas, ya hay una cantidad de imperdibles. Pasen y vean, lo mejor de lo que viene en 2022.
Frida, la estrella de la nueva puesta del Malba
Diego y yo, el cuadro de Frida Kahlo que batió el récord de US$34,8 millones para una obra de arte latinoamericano vendida en una subasta este año, se expondrá en el Malba a partir de septiembre en el marco de una nueva puesta de la colección que incluirá las obras maestras del acervo del museo. Además de este autorretrato, considerado el último que hiciera Frida antes de su muerte en 1954, se verá Autorretrato con chango y loro (1942), entre otras piezas donadas por Eduardo Costantini, algunas de ellas, no han sido exhibidas al público durante décadas.
Una Noche de las Ideas expandida y federal
Con el lema “reconstruir(nos)”, en 2022 vuelve la Noche de las Ideas, que se desarrollará a lo largo de dos días: el jueves 27 y el viernes 28 de enero. Organizada por el Instituto Francés en la Argentina, la embajada de Francia y Fundación Medifé, la gran novedad será que esta vez las jornadas se realizarán en simultáneo en ocho ciudades del país: Mar del Plata, Rosario, Santa Fe, Córdoba, Tucumán, Mendoza, Ushuaia y Buenos Aires. En la Capital, a su vez, habrá varias sedes: entre otras, el Museo Nacional de Bellas Artes, Tecnópolis, la Alianza Francesa y el CCK. El corte de cintas oficial, sin embargo, será en el rincón más austral. Si el coronavirus lo permite, vendrán intelectuales franceses; por las dudas, los organizadores ya tienen comprometidos en un plan B vía streaming desde Europa.
Van Gogh inmersivo y extralarge
Por primera vez se presenta en Buenos Aires la muestra internacional que invita a sumergirse en las obras de Vincent Van Gogh. Se inaugurará el 16 de febrero, en el Pabellón Frers de La Rural, y las entradas anticipadas se agotaron en la primera semana de venta para los primeros fines de semana de exhibición. Las “funciones” tendrán turnos de media hora con aforo limitado. Éxito de público en países como Canadá, Francia y Estados Unidos, Imagine Van Gogh ya es un fenómeno antes de su apertura.
Unas 200 obras icónicas de Van Gogh conforman la primera muestra inmersiva dedicada al artista holandés que llega a Buenos Aires en febrero
Rumbo a la Bienal de Venecia
Mónica Heller, la artista que representará a la Argentina en la Bienal de Venecia, exhibirá una videoinstalación multicanal de animación 3D, poblada de personajes en continua transformación, presentada en un clima fantástico ambientado por sonidos artificiales. La obra de Heller dialogará con el tema fantástico elegido por Cecilia Alemani para la 59ª edición de la muestra internacional, que se inaugurará el 23 de abril y se desarrollará hasta noviembre. El proyecto de Heller fue seleccionado entre los más de 40 que se presentaron a la convocatoria realizada desde el Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto, a través de la Dirección de Asuntos Culturales y la Agencia Argentina de Inversiones y Comercio Internacional.
Mónica Heller es la argentina seleccionada para representar al país en la próxima Bienal de VeneciaFabián Marelli – LA NACION
La revancha de la Feria del Libro
En el regreso al tradicional predio de La Rural después de dos años de suspensiones por la pandemia, la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires se realizará entre el 28 de abril y el 16 de mayo. El discurso inaugural de la postergada 46ª edición de la FIL estará a cargo de Guillermo Saccomanno y la ciudad invitada de honor es La Habana, como estaba previsto para 2020. Después de la jubilación de Oche Califa, asumió como director general de la feria el periodista Ezequiel Martínez.
Centenario de Saramago
El 16 de noviembre se cumplirán cien años del nacimiento de José Saramago. La Fundación que lleva el nombre del escritor portugués prepara un amplio programa para la celebración, dividido en cuatro ejes: la trayectoria biográfica, formativa y cívica del autor portugués, en relación a su producción literaria; la lectura y difusión de su obra; las publicaciones alrededor de su figura; y encuentros académicos. El mes pasado se publicó La viuda(1947), novela inédita en castellano y primera ficción del premio Nobel de Literatura, a la vez que se anunció un nuevo volumen de su obra completa para 2022. Argentina será uno de los destinos de un homenaje itinerante que empezó en Portugal y que recorrerá varias ciudades del mundo. A nivel local habrá actividades en la Feria del Libro porteña y un ciclo de cine y debates en el Malba, la segunda quincena de abril, donde se proyectarán adaptaciones de diversas novelas del autor portugués. Pilar Del Río, presidenta de la fundación, prepara un ciclo de conferencias ideadas y comandadas por el argentino Alberto Manguel.
La última Feria del Libro de Buenos Aires, en abril de 2019, en La Rural, alcanzó el millón de visitantesLA NACION
Bellas Artes, puertas adentro y afuera
Mientras avanza la obra del patio interno que une el edificio del museo con la Asociación de Amigos, sobre avenida Figueroa Alcorta, donde habrá un pasaje con esculturas, el Bellas Artes ya anunció las exposiciones que exhibirá en el primer semestre: Dibujos antiguos, curada por Ángel Navarro, se podrá visitar entre abril y agosto; y Juan Carlos Distéfano. Por amor a la pintura, con obras del maestro, de 88 años, y curaduría de María Teresa Constantín. Fuera de sus salas de la Avenida Del Libertador, con el final del verano, replicará parte de su colección en el Centro Cultural Borges (ver aparte), en las muestras Bellas Artes / Bon Marché y Sara Facio y la creación de la colección fotográfica del Bellas Artes. En mayo, en el Centro Cultural Kirchner, el MNBA exhibirá Escenas contemporáneas. Colección Bellas Artes, curada por Mariana Marchesi: son las obras más contemporáneas del acervo, que abarca desde 1960 hasta la década de los 90.
Reabre el Centro Cultural Borges
El 1° de marzo reabrirá en la órbita del Ministerio de Cultura de la Nación el Centro Cultural Borges, emblemático además por la cúpula con los murales de Antonio Berni, Lino Spilimbergo, Juan Carlos Castagnino, Demetrio Urruchúa y Manuel Colmeiro. En esa ocasión se inaugurará una muestra dedicada a recordar los orígenes del Museo Nacional de Bellas Artes, que funcionó allí como primera sede; otro sector especial estará destinado a homenajear en forma permanente al gran escritor argentino que da nombre al centro cultural. Se anuncia para marzo, también, una exposición fotográfica de Sara Facio. Enseguida que comience el año, se concretaría el postergado traslado del Museo Nacional de Arte Oriental, finalmente con sede propia. Otra sala será curada por la dirección del Palais de Glace (que continúa en obra, a la espera de un nuevo llamado a licitación), con exposiciones que acerquen miradas contemporáneas sobre su acervo, y habrá un espacio dedicado a impulsar el mercado de artesanías locales de la Argentina.
Por su parte, los museos nacionales dependientes de la Secretaría de Patrimonio Cultural -de la Casa del Bicentenario a la Casa Museo Sarmiento en San Juan- harán énfasis en el recorrido federal de las exposiciones, con la mirada puesta en cuestiones de género y diversidad, medio ambiente y proyectos colaborativos.
La escritora Almudena Grandes, que murió el mes pasado, en un retrato tomado en 2019 durante la presentación de «La herida perpetua»
Almudena, inédita, y otros grandes lanzamientos
El sello Tusquets, casa editora de la obra de la española Almudena Grandes, lanzará la novela póstuma de la autora de Las edades de Lulú. Se anticipó que se trata de una ficción futurista, aún sin título, que escribió durante la pandemia. Un esperado autor que regresa a las librerías locales es el británico Martin Amis, con Desde adentro (Anagrama); como hizo en Experiencia décadas atrás, el autor vuelve a experimentar con su propia biografía y la ficción. Del francés Pierre Lemaitre se anuncia El Diccionario de un apasionado de la novela negra (Salamandra). El grupo Penguin Random House publicará libros de los Nobel de Literatura Alice Munro, Orhan Pamuk, Mario Vargas Llosa y Gabriel García Márquez. En el centenario del nacimiento de Antonio Di Benedetto, Adriana Hidalgo lanzará Escritos del exilio, que reúne textos del autor de Zama publicados en una revista médica española.
Los 40 años de Malvinas
El Museo Malvinas e Islas del Atlántico Sur recordará las cuatro décadas de la guerra con un gran programa que incluye documentales, publicaciones, actividades teatrales y musicales. En el Teatro San Martín, volverá a escena Campo Minado, la obra de Lola Arias que reúne a excombatientes ingleses, argentinos y un grukha: un quintento fabuloso para contar la conmovedora historia. En materia de libros, el sello Loqueleo lanzó en 2021 una colección especial con ficciones (cuentos y novelas) para alumnos de escuelas primarias y secundarias: entre ellos, La tía, la guerra, de Paula Bombara; Donde se acaba el viento, con relatos de Laura Ávila, Martín Blasco, Elsa Bornemann, Gustavo Roldán y Ricardo Mariño, y prepara nuevos títulos para conmemorar el nuevo aniversario.
Dos hitos para recordar a Federico Klemm
El 25 de marzo de 2022 Federico Klemm cumpliría 80 años y también este año, pero en noviembre, se recordarán las dos décadas desde su muerte. Por eso, en su tributo, la Fundación Klemm volverá a colgar la muestra de grandes éxitos de la colección, tal como se presentaba desde 2018, pero con una serie de intervenciones. Entre las piezas más importantes del acervo internacional hay obras de Lucio Fontana, fotos de Robert Mapplethorpe y Richard Avedon, y la escultura de una pareja desnuda tamaño natural, de John De Andrea, muy cerca de la inconfundible Venus azul Klein. También, objetos de Picasso, un zapato brillante de Andy Warhol (entre tantas otras obras del ícono pop que atesoró Klemm) y una pintura de gran tamaño de Guillermo Kuitca. La figura y la obra del coleccionista mediático se recordará durante todo el año con una secuencia de episodios sobre su vida, jornadas de pensamiento, ciclos de performance y programas de aprendizaje.
«Tierra interior», 2018, de la artista colombiana Delcy Morelos. Vista de la obra, que se instalará en el subsuelo del Museo Moderno, realizada en Roda Sten Konshall, Gotemburgo, Suecia
Más Moderno
Entre los planes del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires figura un proyecto de ampliación del edificio en una propiedad municipal de grandes dimensiones, a cien metros de la institución. Además, se renovaría el espacio de guarda que está abandonado, con el objetivo de “descomprimir el espacio del museo”, como adelantó Victoria Noorthoorn, directora del Moderno. Este año, después de largas obras, se inauguró una biblioteca con forma de laberinto en la sede de la avenida San Juan 350. En la temporada 2022 se podrán visitar muestras individuales de Mónica Girón y Florencia Rodríguez Giles; habrá proyectos especiales de Florencia Bohtlingk, Juan Gugger y Cristina Schiavi. Además, la artista colombiana Delcy Morelos hará una importante instalación sobre la madre Tierra en el subsuelo del museo y habrá una muestra sobre femicidio de Ana Gallardo y Nicanor Aráoz, en diálogo con obras de la colección.
Manuel Puig 90 años y en escena
En el 90º aniversario del nacimiento del escritor argentino, en España se hará una nueva puesta de El beso de la mujer araña, a cuarenta años del primer estreno, con dirección de Carlota Ferrer, y las actuaciones de Eusebio Poncela y de Igor Yebra. Mientras tanto, en Buenos Aires, se repondrá en el Teatro San Martín Boquitas pintadas de Oscar Araiz y seguirá en cartel Cae la noche tropical, dirigida por Pablo Messiez. En General Villegas, el pueblo de Manuel Puig, confirmaron actividades por la fecha conmemorativa: en octubre la asociación civil Te Queremos Tanto realizará con el título Deconstrucción, de Villegas a Cuernavaca, puestas de teatro y muestras de arte. Por su lado, la Biblioteca Pública llevará a cabo durante el año talleres de lectura, ciclo de cine y narraciones en torno a su vida y obra.
Grandes centenarios de la literatura
Hay un año bisagra para la literatura, la erupción de un volcán, cuyos ríos subterráneos siguen incandescentes: 1922. Bill Goldstein, autor de The World Broke in Two, señala esta fecha en su famoso ensayo. Ulises, de James Joyce, La tierra baldía, de T.S.Eliot, y El cuarto de Jacob, de Virginia Woolf, celebran su centenario. También aquel año se publica en inglés la traducción de En busca del tiempo perdido: en 2022 además se recordará el centenario de la muerte de Marcel Proust. En Hispanoamérica destacan dos obras clave que celebran un siglo de vida: Trilce, de César Vallejo, y Veinte poemas para ser leídos en un tranvía, de Oliverio Girondo. En diciembre además se recuerda el centenario de la escritora argentina Beatriz Guido.
Natalia Oreiro y Darío Grandinetti en el set de Santa EvitaGEMELOSphotography
El estreno de Santa Evita
Coincide con el 70° aniversario de la muerte de Eva Duarte de Perón, en julio, el estreno de la serie Santa Evita, la adaptación de la novela de Tomás Eloy Martínez, que llegará a la pantalla por Star+ en el segundo semestre. Natalia Oreiro y Darío Grandinetti interpretan a Eva y a Perón en esta propuesta audiovisual con producción ejecutiva de Salma Hayek, Pepe Támez y Rodrigo García, hijo de Gabriel García Márquez, quien también se desempeña como director de algunos episodios junto con Alejandro Maci. La novela narra no solo la vida de Evita, sino las investigaciones de un periodista que busca dar con el paradero del cuerpo de la exprimera dama que estuvo oculto durante 19 años. A propósito del aniversario, el Museo Evita-Instituto Nacional de Investigaciones Históricas, abrirá el año de conmemoraciones con la exposición Quién me dirá quién eras y quién fuiste. Evita y la familia Duarte en fotografías de Alberto Haylli, curada por Francisco Medail, además de proponer actividades especiales en torno a las siete décadas del fallecimiento y los 20 años de la apertura del museo.
Alessandro Baricco en el Teatro Colón
No es con su escuela Holden, donde desde 1994 enseña a contar historias, que el escritor italiano llegará a nuestro país nuevamente en 2022, pero sí será algo parecido a una clase, en cruce con un espectáculo teatral o una conferencia, lo que ofrecerá en la sala principal del Teatro Colón el 12 de octubre. Sobre El tiempo y el amor –Sul tempo e sull’ amore, tal el nombre de esta propuesta, prima hermana de otras experiencias escénicas que hizo el autor de Seda, como Palladium Lectures o Mantova Lectures, que pueden verse en YouTube- dicen más bien que es un viaje inspirado en dos grandes hechos históricos: el intento de fuga del rey Luis XVI y los últimos días de Tolstoi, pero que en el camino se conocerán otras historias de amor y de tiempo de la mano de Gabriel García Márquez, Homero, Shakespeare entre otros grandes de la literatura.
El escritor italiano Alessandro BariccoEFE
Arthaus, una nueva casa de arte en el microcentro
La Fundación ArtHaus, presentada en sociedad este año, anuncia su apertura para mediados de 2022 en el corazón financiero de Buenos Aires (Bartolomé Mitre 434), a pasos de la Plaza de Mayo y medianera de por medio con la Catedral Metropolitana. En la terraza del edificio diseñado por el Estudio Berdichevsky se podrá visitar el Baptisterio de los Colores, obra del Grupo Mondongo, una instalación inmersiva con paredes recubiertas de 3275 tonos de plastilina, con el techo y el piso de espejos que potencian una experiencia artística imperdible. También allí se inaugurará el proyecto gastronómico que forma parte de las propuestas artísticas de la Fundación que incluye espacios de exhibición para las artes visuales, performáticas, la música y el teatro, y una serie de becas y concursos.
150 años del Martín Fierro
“Moreno, voy a decir / según mi saber alcanza: / El tiempo solo es tardanza / de lo que está por venir; No tuvo nunca principio / ni jamás acabará, / porque el tiempo es una rueda, / y rueda es la eternidá”, canta Martín Fierro en la obra canónica de la literatura argentina pese a las reservas de Jorge Luis Borges. Martín Fierro cumple 150 años en 2022 y se espera un malón de homenajes, jornadas críticas y reediciones. Entre estas últimas, Eudeba incluirá el poema épico de José Hernández en su colección Serie de los Dos Siglos, con las ilustraciones de Juan Carlos Castagnino y un prólogo de Adriana Amante. Por su parte, Edhasa publicará Martín Fierro Siglo XXI, de Marcelo Birmajer, una novela en la que los personajes de Hernández llegan al presente y se hospedan en Once. En la Biblioteca Nacional Mariano Moreno, en el marco de la exposición El mito gaucho se realizarán actividades, recitales, encuentros literarios y publicaciones.
Reaperturas en los museos porteños
El Museo Histórico Saavedra reabrirá al público con una propuesta interactiva y cercana para aprender de la historia argentina a partir del juego Esta es una de las novedades que depara 2022 en los museos públicos de la órbita de la ciudad de Buenos Aires. También volverá a abrir la Casa Fernández Blanco, con la puesta en valor del Salón Dorado y salones anexos. Esto incluye la restauración de la yesería decorativa en paredes, pintura, dorado a la hoja, nueva iluminación, restauración de la marquetería del piso de las salas y del solado, y paredes de mármol del zaguán de acceso. También en 2022, el Museo del Cine festejará sus 50 años con un recorrido por la producción nacional de todos los tiempos en la exposición 50×50.
Fuente: Vía País ~ Una construcción en pleno Centro fue el lienzo para el artista TEC, que generó una obra única.
La ciudad de Córdoba se ha convertido en la meca de artistas que difunden sus pinturas en las estructuras urbanas. Edificios, puentes y demás construcciones se han vuelto el lienzo de una decena de muralistas. Y ese es el caso del ex Hotel Ducal, ubicado en barrio Centro, que ha sido intervenido por TEC, un artista local reconocido mundialmente.
El mural fue realizado por el artista cordobés TEC. Foto: descubri.com
Con un fondo blanco y colores vibrantes que destacan, el muralista ha renovado la fachada del ex hotel que ahora será la sede de un nuevo proyecto inmobiliario. La construcción se ubica en calle Corrientes 207, y cuenta con una superficie de 1000 m2.
“El muralista eligió plasmar gráficamente lo que, a su entender, representa mejor la ciudad de Córdoba: la música, con el cuarteto, los amigos, el rally, las sierras y la representación popular del fútbol”, aseguran desde descubri.com.
De esta manera, se suma una nueva obra artística a la ciudad de Córdoba, de la mano de Tec Fase, quien ya ha pintado otras obras en la zona de la costanera y en uno de los puentes de la ciudad, en avenida La Voz del Interior, donde pintó los distintos pasos de baile del cuarteto.
Fuente: Perfil ~ El responsable del área del proyectos del Museo, Luis Ambros, encontró nombres cortados, fechas y letras sueltas talladas sobre el ladrillo mientras reparaba la vereda. El descubrimiento no tiene precedentes en territorio porteño.
Encargados de reparar la vereda del Museo Histórico Sarmiento, ubicado en el barrio de Belgrano, descubrieron este lunes 27 de diciembre que dicha senda no estaba conformada por baldosas octogonales simples.La mayoría de ellas eran antiguas lápidas.
Fue el responsable del área del proyectos del Museo, Luis Ambros, quien realizó el hallazgo tras dar cuenta de que algunas de esas baldosas contenían mensajes jamás antes vistos. «Alcancé a ver algo que no pude identificar», relató.
Acto seguido, procedió a remover el material que las recubría por debajo. «Encontramos letras», señaló a continuación. Movido por la curiosidad, y con la ayuda de un grupo de trabajadores, continuó sacando baldosas y encontrando más y más información.
Las baldosas que conforman la vereda del Museo Histórico Sarmiento, en el barrio de Belgrano.
«Dimos con nombres cortados, fechas, letras sueltas», indicó. Junto a ello, podían leerse las siglas «Q.E.P.D» (Que en paz descanse) o «dedicamos este recuerdo». Incluso, para algunos casos particulares, quedó el rastro del marco de un portarretratos.
El descubrimiento no tiene precedentes, por lo menos dentro de la Ciudad de Buenos Aires. Sin embargo, y como acotó el mismo responsable del área del proyectos del Museo, «eso no quiere decir que no puedan existir otros casos similares».
Con respecto a la razón por la que las lápidas se encuentran adheridas a la vereda del museo, explicó: «Es más que obvio que hubo un reciclaje de los materiales, en este caso del mármol». Ambros no sería el único en hablar en relación al reciente hallazgo.
Lápidas encontradas por Luis Ambros, con nombres cortados, fechas y letras sueltas.
También lo haría Rodolfo Giunta, encargado del área de investigación del Museo. «Estimamos que las lápidas podrían ser del cementerio de Belgrano, pero también podrían provenir de otros lugares»,dijo en alusión al origen de las piezas fúnebres.
Y agregó en diálogo con Clarín: «Todos los cementerios de partidos aledaños a la Ciudad, anexados en 1887, tuvieron que derivar sus restos a Chacarita. Recoleta ya existía pero quedó desbordado luego del brote de fiebre amarilla».
Es por ello que, según narra Giunta, «en aquel momento se hizo una convocatoria a todas las familias para anunciar el traslado de las tumbas. Pero no todas las tumbas fueron mudadas ya que algunas familias no quisieron hacerlo porque había que pagar«.
Finalmente, completó: «Existían familias inhallables o muertos sin descendientes. Como resultado, las lápidas que no fueron trasladadas pueden haber sido reutilizadas. Tengamos en cuenta que el mármol es un material muy resistente».
Fuente: Rosario Nuestro ~ Fernando Lerena describió el proceso de diseño y preproducción de la impresionante obra en La Bajada.
“Queríamos dejar el mensaje de un Lío para toda la gente y que no tuviera camisetas”. Así describió a su propia obra Fernando Lerena, artista marplatense quien llevó adelante el tremendo mural “De otra galaxia y de mi barrio”, donde Messi se sacó una foto hace algunos días.
El mural está ubicado en un edificio de 5 pisos en La Bajada, barrio natal del capitán del seleccionado argentino que hoy en día pasa las fiestas de fin de año en Rosario.
“Fue tremendo que Messi se saque la foto. Cuando estuvimos pintando allá (en Rosario), el gran sueño era que viera que estábamos haciendo esa obra, eso ya era un montón. Imaginarnos la posibilidad que él pudiera ver eso y que un día pudiese estar en Rosario y sacarse una foto, fue un sueño que se realizó el otro día”, graficó el artista, en diálogo con el programa El Puente, que se emite por Radio Mitre Rosario.
Lerena contó que el proyecto “arrancó con mi compañero Maxi Ledesma, con él habíamos hecho un mural del Diego y no podíamos creer que en Rosario no hubiera un homenaje de esta talla a Lío. Es por eso que empezamos a trabajar con un grupo de chicos, que se llama Imagina Pintura Mural, a diagramar todo con empresas, con gente de la municipalidad, fue un laburo muy grande porque el edificio tiene 5 pisos de alto”.
“Llevó mucho tiempo de preproducción, calcular la pintura, armar bien el diseño para que llegue y tenga un mensaje a Lio y también a la gente, y trabajar la idea fue muy arduo porque el mensaje que queríamos dejar era el del Lionel del barrio, pero también el de Argentina y el mundo. Un Lio para toda la gente que no tuviera camisetas”, aseguró.
Fuente: Ámbito ~ “Manuel Espinosa: un ritmo de azar y necesidad” es la exposición que está presentando en estos días la galería MCMC en su nuevo espacio.
En su nuevo espacio de exposición, MCMC presenta “Manuel Espinosa: un ritmo de azar y necesidad”, con texto de Elena Oliveras cuyo título remite a un ensayo del biólogo y bioquímico Jacques Monod publicado en Francia en 1979, cinco años después de haber ganado el Premio Nobel.
Dividida en tres zonas, una de ellas exhibe una secuencia de obras con tinta litográfica. Enfrentada a ésta, hay una secuencia de dibujos ópticos y la otra, en el medio de la sala, es una selección de obras bifaz.
Figura emblemática del arte geométrico y cinético óptico latinoamericano, estas obras en papel fueron realizadas en la década del 50 hasta mediados de la del 80. Oliveras señala que “su libertad operativa” lo presenta como un inconformista y su inconformismo llega al tipo de hacer considerado “propio”, centrado en el cálculo y el ostinato rigore, que era el lema de Leonardo.
En Espinosa se va a encontrar el negro y el blanco así como un color “con modulaciones y transparencias”. Uno de los precursores de la pintura geométrica, figura clave de la tendencia constructiva en nuestro país, miembro fundador de la Asociación Arte Concreto- Invención, nació en Buenos Aires en 1912 y falleció en 2006. Su obra se expuso internacionalmente en Nueva York, Canadá, Madrid, París, Roma, Austin, Miami, Tokio, Caracas, cuando era la capital del arte de vanguardia, San Pablo, entre otros centros artísticos, así como cuando los artistas de las vanguardias de la década del 40 fueron invitados a Alemania por la Fundación Vatus y que tuvieron gran reconocimiento internacional.
¿Qué se encuentra en la obra de Espinosa? “Cálculo y ritmo, luz, color y equilibrio, paz”. Así aparece en una semblanza del artista en el libro dedicado a su obra y vida publicado por su sobrina Ana Espinosa en 2012, que junto a miembros de su familia encararon la catalogación, restauración y preservación museográfica de toda su producción.
Destacados críticos y teóricos se refirieron a su obra, entre ellos, Tomás Maldonado, Romualdo Brughetti, Jorge Romero Brest, Julio Payró, Córdoba Iturburu, Hernández Rosselot, Marta Traba, Elba Pérez quien lo calificó como “dandy espiritual” en ocasión de una muestra Geometría en Movimiento realizada en el MACBA en 2013.
Efectivamente, Espinosa tenía señorío, era reticente, el exhibicionismo le era ajeno, tenía horror por la estridencia, de allí que en 1979 expresara: “si pudiera llegar a enunciar en pintura lo que Eric Satie expresó en sus Trois Gymnopédies y Trois Gnossiennes , me consideraría feliz”. También admiraba a Joyce, a Malevich, a Duke Ellington.
Fuente: La Nación ~ Con una exposición que lo pone en las ligas de una estrella de rock, la canonización del pintor holandés en el mundo del espectáculo, donde ya tuvo varios ingresos al cine, llega ahora a través de una muestra inmersiva.
En el libro Los Años Psicodélicos (Mansalva, 2015), Marta Minujín trae un vago recuerdo de la contemplación del arte clásico en los días del LSD, rememorando un episodio, cuando entró en la obra del visionario romántico William Blake (1757-1827). “Fue en Londres en una muestra que se llamaba Sounds of Innocence y con un amigo nos metimos adentro de los cuadros. Era una locura todo, caminábamos adentro de sus obras. En el momento no le di relevancia pero con los años empecé a recordarlo”. Quién otra que una de las creadoras de La Menesunda (1965), la primera obra de arte calificada “inmersiva” por la crítica de arte estadounidense Lucy Lippard, pudo haber tenido a través de la experiencia lisérgica un anticipo de lo que hoy es furor en el mundo. Van Gogh, el suicidado por la sociedad según Antonin Artaud, está viviendo su canonización 3.0. No ya la de los museos -desde el Salón de los Independientes de 1891 a las megamuestras a partir de los años 80- y el mercado -los 82,5 millones de dólares pagados en 1990 por el Retrato del Doctor Gachet– sino la del espectáculo.
El entusiasmo internacional por sus muestras inmersivas basadas en la digitalización y expansión de sus pinturas es tal que Imagine Van Gogh, que abre el 16 de febrero en La Rural, agotó 50 mil entradas la semana que salieron a la venta. Al cierre de esta edición ya eran 61.300 quienes se había hecho de un ticket y los organizadores creen que podrían llegar a agotar 153.000. La magnitud de este evento no puede medirse en 2022 sino con shows de estadio como los de Coldplay o festivales como el Lollapalooza o el Quilmes Rock; es decir, fuera del circuito del arte, de las muestras en museos por más mega que sean. No es casual, entonces, que detrás de Imagine Van Gogh en Buenos Aires esté el productor Daniel Grinbank, el mismo que consiguió traer por primera vez a Buenos Aires a los Rolling Stones en 1996. Este Van Gogh siglo XXI hay que medirlo en esa liga entonces.
Willem Dafoe interpreta a Van Gogh en la película de Julian SchnabelGentileza Aamnba
La historia trágica de Van Gogh encontró su desvío al espectáculo primero a través del cine: de Lust for Life (1956) con Kirk Douglas a Vincent & Theo (1990) de Robert Altman y En la puerta de la eternidad (2018) donde Willem Dafoe encarna sus días en Arles-sur-Oise, en Francia. Su condición de artista blockbuster (junto con Picasso, Frida, Dalí, Klimt o Warhol), capaz de convocar multitudes a lugares de contemplación silenciosa como se supone que son los museos, lo ha convertido además en uno de los motores del merchandising.
La noche estrellada de Vincent Van Gogh, 1889, un hit del MoMA que se reproduce al infinito en imanes, remeras, cuadernos y tazasMoMA
Su Noche estrellada (1889) no solo ha contribuido a que el MoMA de Nueva York sea uno de los más visitados del planeta sino que ese firmamento en estado de magma parece haberse multiplicado ad infinitum en imanes, posavasos, remeras estampadas y todo tipo de objetos. Como Mona Lisa, los autorretratos de Van Gogh son explotados en la cultura popular digital como insumo para todo tipo de memes y piezas virales. De ahí que la experiencia aurática de estar frente a su obra se haya modificado (o corrompido) al punto de que es el genio holandés el que viene a nosotros de todas las maneras posibles.
Unas 200 obras icónicas de Van Gogh conforman la primera muestra inmersiva dedicada al artista holandés, que abrirá el 16 de febrero en La Rural
La consecuencia de este traslado de Van Gogh desde el templo de las Bellas Artes (una suerte de desacralización) al del espectáculo tiene en estas experiencias inmersivas una consecuencia lógica. El ojo que va a Imagine Van Gogh no es aquel que lo veía en la Pinacoteca de los Genios (mítica publicación en fascículos de divulgación artística) sino el que lo ha visto en el cine, la laptop y el smartphone, ya fuera en la reproducción de sus originales o intervenido en las artesanías digitales que se multiplican fuera de control.
Los famosos autorretratos también forman parte de las 200 pinturas en las que se basa el espectáculo digitalImagine Van Gogh
Es curioso pero en esta representación expandida y virtual de Van Gogh, el posimpresionista está después de La Menesunda y de los infinitos con los que Yayoi Kusama hechizó al público del Malba. Es más que probable que la multitud que desfile en un día (en diferentes “funciones”) por el pabellón Frers de La Rural consagrado a este espectáculo supere en muchas veces a quienes vayan a la sala 14 de Bellas Artes a ver Le Moulin de la Galette (1887), la única obra de Van Gogh que se puede ver en Buenos Aires en una colección pública. “Hace unos años asistí a una muestra de este tipo en el Museo del Prado sobre la obra de El Bosco. Me resultó interesante y novedosa, aunque de ninguna manera sustituye la experiencia de estar frente a las obras originales. Acaso esta suscite en parte del público la inquietud de conocer la magnífica pintura de Van Gogh que pertenece a la colección y está en la exhibición permanente”, sostiene Andrés Duprat, director del Museo Nacional de Bellas Artes.
Estrella del arte pos mortem el pintor aparece ahora, a casi 170 años de su nacimiento, con los atributos de una popstar. No porque su arte haya prefigurado el pop sino por esta nueva forma en que se lo presenta y cómo se crean nuevos espacios y públicos para apreciarlo. Sucede al mismo tiempo que las estrellas de la cultura pop hicieron el camino inverso: del show business a lo museístico. Cuando el Victoria and Albert planificó la muestra itinerante de David Bowie (vendió dos millones de tickets, en 11 ciudades), Kraftwerk y Björk fueron celebrados en el MoMA y la galería Saatchi montó en Londres la primera gran muestra sobre los Stones parecía una cuestión de equilibrio que los grandes maestros se corrieran de las paredes del museo a las pantallas espectaculares del mundo nuevo. La cromestesia de Van Gogh, una afección que le permitía percibir sonidos en los colores, parece hacerlo el artista emblema para este tipo de muestra que convoca la alucinación psicodélica reemplazando las sustancias lisérgicas (y su daño colateral) por la tecnología.
Teatralización en Bellas Artes: de fondo, el único Van Gogh que puede verse en un museo público de nuestro país
Así es como aquello que Marta Minujín sintió en Londres con William Blake puede ser experimentado ahora por millones de personas con Van Gogh. Para un productor como Daniel Grinbank, acostumbrado a las demandas y caprichos de las rock stars, quizás sea menos estresante. El show viene cerrado desde Francia y no tendrá nada que reclamarle al fantasma del pintor tal como le pasó con Prince cuando abandonó el escenario tras apenas media hora (apabullante) de concierto.
Fuente: El Litoral ~ El joven correntino considera a las paredes de la Capital como un formato en el cual plasmar su obra. Ayer finalizó su mural en la entrada del club náutico y de pesca Yacaré.
El artista urbano Cristian Badaró inauguró ayer su galería a cielo abierto “El Yacaré”, en el barrio Aldana de la ciudad de Corrientes. En una pared de la zona, trabajó desde mayo para plasmar un conjunto de elementos con sentido propio.
El mural, en la entrada del club náutico y de pesca Yaceré, cuenta con una olla, una gorra, una balita, una chapita y un anzuelo.
El joven artista dialogó con El Litoral y detalló el origen de la intervención, logrado a partir de “siestas, domingos y feriados para que pintar sea divertido y no se vuelva tan serio el mundo de adulto”.
“Veo a la ciudad como un formato más, como una hoja de papel”, indicó Badaró y explicó que los espacios y lugares, en sus ojos, se transforman en posibles escenarios a los cuales le gusta “darle algún tipo de clima o decorarlos”.
“Hay puntos, paredecitas, lugarcitos que me copan”, expresó. Al verlos, piensa: “Uh, acá que bien que vendría algo”.
Comentó que a veces tiene ideas previas en su mente, elementos que le rondan la cabeza a la espera de ser trasladados a la vida real, en algún rincón de la ciudad.
Otras, la inspiración surge en el día y el joven “ya tiene paredes candidatas”.
En cuanto a “El Yacaré”, Badaró relató que en invierno del año pasado, iba a nadar al club náutico, por lo que pasaba siempre por el lugar. “Era super grande, en un lugar un poco desaprovechado y abandonado”, explicó.
Por eso, cada vez que se volvía a topar con la pared durante su caminata hasta el club, preguntaba a los cuidadores: “¿Todo bien si pinto acá?”. De esa forma, Badaró iba los sábados, domingos y días libres para hacer una intervención de no más de tres horas.
“Fue una práctica y ejercicio de lo que que hago, de un trabajo para mí, pero que no deja de ser algo que me divierte”, manifestó.
Badaró hace convivir el arte como un amor y un trabajo, una dicotomía que se presenta siempre en la esfera de la cultura y la actividad artística. “Es mi pasión, mi laburo y mi vidriera, todo junto”, sentenció.
Inicio
La galería abierta empezó el 25 de mayo de este año. El primero de los elementos en ser plasmado fue una olla.
“Estaba en casa y fui al almacén, ni siquiera sabía que era feriado”, relató y agregó “en el kiosco de Rolo, muy conocido en el barrio, siempre hacen locro en fechas patrias”. Rolo es un hombre agradable y, cuando Badaró vuelve de trabajar siempre le pregunta “si ya comió” y luego le convida un plato.
Ese día, le regaló una porción de locro y, mientras esperaba, le sacó una foto a las ollas. Automáticamente, la pared correcta apareció y en menos de dos horas, la imagen ya se mostraba sobre ella. Rolo se alegró e incluso se sacó una foto.
Al mural, le siguió la gorra con una reconocida marca internacional. El “yacarecito” juega un poco con el lugar, por el club.
“Después pinté una balita que encontré en la costa del río”, enumeró el artista. Le siguieron una chapita y un anzuelo, que habían sido pensados como parte de una propuesta de trabajo que no se concretó.
“El arte urbano es libre”
Hace poco, Badaró fue invitado para un proyecto en el marco de Corrientes como “ciudad de los murales”.
En tal sentido, el artista considera que los fines políticos o comerciales no se llevan bien con el espíritu del arte urbano.
“Más allá de vivir de esto y comprender la veta comercial, no va por ahí: la disidencia y la libertad de un artista urbano se basa en no estar atado”, opinó. La esencia, cree Badaró, es crear un espacio “copado” a partir de un lugar abandonado, deteriorado y sin uso.
En sus palabras, hay una suerte de mensaje para las áreas de cultura estatales. “Quizá se den cuenta que un artista no necesita esencialmente el dinero para crear sus propios proyectos o tener buenas ideas: a veces está todo en sus manos”, expresó y agregó que él prefiere mantener un perfil libre y autónomo.
En tal sentido, expresó que el rótulo de “galería a cielo abierto” con la que inauguró el mural, es una “ironía a los títulos de empresarios y funcionarios”, porque de la misma forma, él puede poner el slogan y título a las cosas que hace.
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