Ya está disponible Info Arte # 177 – Año 4, 4 semana de octubre
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Fuente: Noticias – La artista plástica Katy Bainotti nos comparte su inspiradora trayectoria y su enfoque multifacético hacia el arte, donde la intuición y la creatividad son las protagonistas.
Katy Bainotti encontró en el arte una forma de comunicar ideas y emociones, un camino que no siempre fue sencillo. Durante décadas, se vio obligada a seguir mandatos sociales y familiares que relegaban su capacidad creativa. Sin embargo, en los momentos más difíciles de su vida, surgió la necesidad de replantearse la esencia de su ser, permitiendo que la intuición y la sensibilidad tomaran el control.
Su estilo, definido como abstracto, vibrante y multifacético, es el resultado de una constante experimentación con diversas técnicas y medios. Desde la pintura hasta los objetos escultóricos, Bainotti utiliza el color como herramienta esencial para expresar sus ideas y emociones. Su proceso creativo es guiado por la intuición, donde la técnica y el conocimiento son fundamentales para el desarrollo de sus obras.
El espacio de trabajo de Bainotti no se limita a un taller físico. Prefiere trabajar al aire libre, donde la libertad de elección la conecta con su creatividad y le permite delinear el proceso creativo de manera más orgánica. Esta conexión con la naturaleza se refleja en sus proyectos actuales, que incluyen una serie de obras inspiradas en sus experiencias de trekking en la montaña.
Además de sus exposiciones de arte, Bainotti está entusiasmada con la idea de compartir sus conocimientos a través de clases virtuales, inspirando a otros a transformar sus vidas a través del arte. También está desarrollando diseños abstractos para una marca de indumentaria, expandiendo así el alcance de su arte más allá del lienzo tradicional.
Actualmente la artista se encuentra en la producción de una serie “las catalinas” nueva inspirada en mujeres, teniendo como eje de la búsqueda de transmitir los diferentes estados de ánimo, los sentimientos y lo que pensamos. El desarrollo de esta nueva serie, la artista lo explica en 3 etapas: Fondo, Rostro y Pelo.
En cada parte de la obra, la artista se define, el fondo de la obras Bainotti utiliza diferentes técnicas para generar efectos visuales, en el pelo utiliza materiales en desuso y para el rostro define la postura de la figura y con la paleta de colores define emociones.
Inició su participación en la muestra de arte junto a Rodarte – Gallery, en una exposición llevada a cabo en Globant, Córdoba. En esta ocasión, se están exhibiendo seis obras en la muestra «Caleidoscopio», ubicada en el Centro Cultural de Dean Funes, en la provincia de Córdoba. Además,la artista tiene programadas diversas presentaciones en distintas provincias durante los próximos meses, extendiendo así el alcance de mi trabajo a nuevas audiencias y escenarios. “Este recorrido por diferentes provincias no solo me permite compartir mi arte con una variedad de públicos, sino también enriquecer mi propia perspectiva creativa a través de estas experiencias” concluye Bainotti.
Katy Bainotti nos demuestra que el arte es una forma de vida, una herramienta poderosa para la introspección y la transformación personal. Su pasión y dedicación son un ejemplo inspirador para todos aquellos que buscan expresar su esencia a través de la creatividad.
Fuente: época – El encuentro cultural reúne a artistas de Tucumán, Córdoba Santa Fe y Chaco. El evento además abrió la segunda etapa de homenaje a trabajadores municipales. «Buscamos darle valor al paseo con obras de arte», expresaron desde la Municipalidad.
Arte en vivo, con una postal maravillosa del Río Paraná en inmediaciones del balcón natural de Punta Tacuara, tendrá por estos días la costanera correntina en el marco de la 6ª Edición del Encuentro Nacional de Escultores. El evento organizado por la Municipalidad capitalina se inauguró ayer por la tarde y se extenderá hasta el sábado 26 con la participación de escultores de todo el país.
La escultura es considerada el arte de la inteligencia y con maravillosas obras que se intervendrán en vivo durante todos estos días, el encuentro propondrá la escultura de referentes de esta expresión. La jornada pretende promover valores de solidaridad, generosidad, colaboración, intercambio, comportamiento ético, profesionalismo, creatividad, sensibilidad, empatía, intervención en el entorno con respecto al mismo, participación responsable, y compromiso con la escultura y la cultura.
«El objetivo de esta edición es poder realizar un encuentro donde el público pueda disfrutar del proceso de intervención de estos artistas», expresó el secretario de Cultura y Educación de la Municipalidad, José Sand.
Además, el funcionario destacó que «esta propuesta se enmarca dentro del trabajo de visibilidad que requirió el intendente, Eduardo Tassano, de poder generar espacios culturales en los cuales los artistas puedan expresar su arte en cercanía a la comunidad, fortaleciendo a la par la identidad de todas las expresiones artísticas y culturales», dijo Sand.
Por último, resaltó que el evento inicia también la segunda etapa de revalorización del paseo de los trabajadores municipales. En esta ocasión se incluirá nuevo agentes que serán homenajeados en una obra, en esta oportunidad a personal de guardia urbana, arbolado, electrotecnia y cultura.
Los escultores intervendrán todos estos días de 9 a 19 horas, en el paseo Punta Tacuara de costanera, donde los vecinos podrán disfrutar con acceso gratuito del proceso de creación de las obras. Cabe destacar que participarán de esta edición, los artesanos: Rubén Pereyra, Pablo Acosta (ambos de Tucumán); Juan Carlos Nauzneriz de San Carlos (Santa Fe); Roberto Svanotti (Córdoba); Sebastián Novak de Villa Río Bermejito; Marcelo Benítez de Puerto Tirol (ambos de Chaco); Exequiel Alcaraz Yedro y Daniel Sotelo, estos últimos correntinos.
Fuente: Clarín – ¿Quién escribió en el famoso cuadro de Edvard Munch la frase: ¡Sólo podría haber sido pintado por un loco!?. Un misterio que nadie podía resolver desde 1893.
El propio Edvard Munch fue el autor de la misteriosa frase oculta en el fondo de la primera versión de su famosa pintura El grito, de 1893: «¡Sólo podría haber sido pintado por un loco!».
Las primeras imágenes de Munch crearon indignación y debate en su época, hace unos 120 años. La primera vez que se menciona la inscripción fue en relación con una exposición en Copenhague en 1904, once años después de que Munch pintara El grito.
En ese momento, un crítico de arte danés pensó que lo había escrito un miembro del público. Es fácil imaginar a un espectador indignado, frente a El grito, tomando un lápiz y expresando su opinión tanto sobre la obra de arte como sobre su creador. Pero ese no fue el caso.
Inscripción oculta en El Grito de Munch (Nasjonal Museet/Borre Hostland).
Una investigación en el Museo Nacional de Noruega en 2021 reveló que la escritura pertenecía al propio Edvard Munch.
Mai Britt Guleng, curador del Museo, trabajó extensamente en las obras de Edvard Munch. El Grito es una de varias obras que se han conservado y examinado desde que cerró la antigua Galería Nacional noruega.
Entre otras cosas, la pintura se fotografió con una cámara de infrarrojos, lo que hizo que la escritura se destacara claramente del fondo pintado y, por lo tanto, agregara un nuevo giro a la historia.
La pintura se fotografió con una cámara de infrarrojos, lo que hizo que la escritura se destacara claramente (AFP).
No hay duda de que la inscripción es de Munch. La escritura en sí y los eventos que ocurrieron cuando Munch exhibió la pintura por primera vez en Noruega apoyan esta conclusión, dice Guleng en un comunicado.
«Tienes que acercarte bastante para ver la inscripción. Rara vez encontramos tales inscripciones en pinturas, particularmente en una de las más famosas del mundo. Dado que se trata de una obra tan importante en la historia del arte internacional, la inscripción ha recibido una notable pequeña atención».
La versión del Museo Nacional de Noruega de El Grito es la primera. En la parte posterior del cuadro hay una versión parcial con una composición ligeramente diferente. Munch la desechó, dio la vuelta al lienzo y pintó El grito como lo conocemos hoy. 
El Grito es uno de los cuadros más famosos de la historia (AFP).
La fotografía infrarroja de la pintura no reveló bocetos o sobrepinturas desconocidos, pero la inscripción apenas visible se hizo mucho más clara.
«La escritura siempre ha sido visible a simple vista, pero ha sido muy difícil de interpretar. A través de un microscopio, se puede ver que las líneas de lápiz están físicamente encima de la pintura y se han aplicado después de que se terminó la pintura», dice Thierry Ford, conservador de pinturas en el Museo Nacional.
«Elegimos fotografiarlo con una cámara de infrarrojos para obtener una imagen más clara de la inscripción. En una foto de infrarrojos, el carbón del lápiz se destaca con mayor claridad y facilita el análisis de la escritura a mano. Y no tienes que impactar la pintura en sí», explicó.
Agencia Europa Press.
Fuente: Perfil – Sus obras han sido descritas como una mezcla de expresionismo y cubismo, lo que lo ha llevado a ser comparado con Pablo Picasso, un honor que pocos alcanzan, y mucho menos a tan temprana edad.
A la sorprendente edad de tres años, Laurent Schwarz ha comenzado a dejar una huella en el mundo del arte. Apodado como el «mini-Picasso» alemán, este joven prodigio ha capturado la atención de críticos, coleccionistas y seguidores gracias a su estilo único, lleno de colores vibrantes y formas abstractas que lo destacan.
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Nacido en Berlín en 2021, Laurent Schwarz pinta lienzos, generalmente más grandes que él, en su taller de su casa de Neubeuern. El niño de tres años demostró desde temprana edad una fascinación por el arte, un talento que rápidamente fue notado por sus padres, ambos artistas, ya que su hijo podía sostener un pincel, a una edad en la que la mayoría de los niños apenas comienzan a explorar sus habilidades motoras, y crear composiciones abstractas que sorprendían por su complejidad y uso del color.
Aunque no solo usa el pincel, sus manos, dedos y rodillos también forman parte de las creaciones que plasma con una pasión increíble que descubrió hace un año, durante unas vacaciones en un hotel familiar que tenía un taller de dibujo.
“Volvimos a casa y sólo quería pintar, pintar y pintar”, aseguró su madre Lisa Schwarz a AFP. Sus obras han sido descritas como una mezcla de expresionismo y cubismo, lo que lo ha llevado a ser comparado con Pablo Picasso, un honor que pocos alcanzan, y menos a tan temprana edad.
Las redes sociales han sido clave en la rápida fama de Laurent ya que mediante su perfil en Instagram, sus padres comparten las creaciones de su hijo, lo que permitió que el niño pintor gane miles de seguidores a nivel global. «En cuatro semanas, alcanzamos 10.000 seguidores», recuerda Lisa Schwarz, aunque ahora cuenta con 90.000 seguidores, y añadió que inicialmente solo buscaba compartir imágenes del trabajo de su hijo a familiares y amigos.
Esta visibilidad digital no solo contribuyó a la venta de sus obras, sino que también lo posicionó como un símbolo de la nueva generación de artistas jóvenes que aprovechan la tecnología para llegar a una audiencia internacional. Los compradores de todo el mundo pujaron hasta varios cientos de miles de euros por sus obras en una venta celebrada en Neubeuern a finales de septiembre. «Entre los interesados había un famoso actor estadounidense, familias de la realeza (…) Fue increíble», recordó Lisa. Sin embargo, los padres han dejado en claro que el dinero ingresa directamente en una cuenta de banco que crearon para Laurent y que podrá utilizarlo como quiera una vez que sea adulto.
«Puede estudiar pintura, comprar un coche, tocar un instrumento o jugar fútbol. Él elegirá», aseguró su padre Philippe Schwarz ya que lo “importante es que él esté feliz”.
A sus tres años, Laurent Schwarz ya ha conseguido más de lo que muchos artistas logran en toda su vida. Mientras sigue explorando su potencial creativo, el futuro de este «mini-Picasso» se perfila como prometedor, dejando a todos expectantes sobre cómo evolucionará su arte y qué nuevas fronteras alcanzará.
Fuente: Clarín by Susana Reinoso – El Centro de Arte Contemporáneo de Copenhagen le dedica la muestra Intensify Life.Hubo filas de público que se abalanzaron sobre los colchones multicolores.Además, se internaron en La Menesunda.
Tras la presentación en su mega estudio-galería de Buenos Aires, de sus novedosos overoles, foulards y pañuelos con su firma, al mejor estilo de las grandes marcas francesas, inspirados en sus obras coloridas y llenas de vida, Marta Minujin alzó vuelo hacia Copenhague, capital de Dinamarca.
En esa ciudad, una de las más caras de Europa, el Centro de Arte Contemporáneo de Copenhagen (CC), uno de los más relevantes del norte del viejo continente, se presenta una exposición monumental que bien pudo titularse “Toda Marta”, pero se llama Intensify Life.
Fue inaugurada días atrás con filas de público que se abalanzaron sobre los colchones multicolores y se internaron en «La Menesunda», además de disfrutar el color de los gigantescos cuadros. El espacio cultural danés se rindió ante la artista argentina, que no solo es una figura prominente del pop latinoamericano, sino que es una de las más destacadas artistas conceptuales.
Intensify Life, la muestra que dedica a Marta Minujin el Centro de Arte Contemporáneo de Copenhagen. Foto: gentileza.
La sociedad de Dinamarca, que una puede suponer más distante que otras europeas, se atrevió a interactuar con las instalaciones montadas y llenó el Centro de Arte Contemporáneo.
«Galería blanda», «Nido de hornero» e «Implosión» fueron las tres instalaciones inmersivas que invitan al público, además de los colchones y en otra espaciosa sala, «La Menesunda», creada por primera vez en 1965.
Del happening al la performance, de la instalación al videoarte, Marta Minujin llega más de 60 años influyendo en nuevas generaciones de artistas contemporáneos.
Esta es la primera gran muestra de Marta en Europa para que los visitantes conozcan sus instalaciones efímeras y monumentales, la enorme escala de sus pinturas, sus esculturas blandas y sobre todo su amor por el arte.
Intensify Life, la muestra que dedica a Marta Minujin el Centro de Arte Contemporáneo de Copenhagen. Foto: gentileza.
“Voy a trabajar hasta el último aliento. Si dejara, me moriría”, nos dice la artista pop en su estudio durante la presentación de sus overoles que oscilan en los 900 dólares. A no desocmpensarse: los foulards y los pañuelos tienen precios más acordes a la realidad argentina que tampoco sintoniza con los de Europa en materia de diseño de ropa .
Intensify Life, la muestra que dedica a Marta Minujin el Centro de Arte Contemporáneo de Copenhagen. Foto: gentileza.
Para la directora del Centro de Arte Contemporáneo de Copenhagen, Marie Laurberg, esta gran exhibición de Minujin es una verdadera “novedad para nosotros es una auténtica novedad poder presentar a Marta Minujín en una exposición completa. Es una potencia virtual y totalmente única. Ha sido pionera toda su vida, desarrollando una práctica de artista profundamente original, que es de entera actualidad. Todo ello basado en una visión sobre “intensificar la vida”.
Luarberg agregó que “ver su arte debería simplemente hacer que la vida se sienta más salvaje, más grande y más intensa. Minujín es una de los gigantes del arte que el público europeo aún tiene que experimentar, y nosotros esperamos darle una presentación a gran escala. El arte debe intensificar la vida!”.
Intensify Life, la muestra que dedica a Marta Minujin el Centro de Arte Contemporáneo de Copenhagen. Foto: gentileza.
Minujin destila vida. Nada la detiene. Siempre está inventando cosas nuevas. Esta exhibición de Dinamarca permanecerá hasta abril del año próximo. Pero la agenda de la gira ya está armada. Como si ella sola fuera los Rolling Stones. En 2025 la expo llegará al Centro de Arte Reina Sofía, de España. Seguirá en Bruselas, Bélgica en 2026 y cerrará, por ahora, en el Tate Liverpool en 2027.
La participación del Museo de Arte Moderno, a cargo de Victoria Noorthoon, en el armado del andamiaje que desembarcó en Dinamarca es de destacarse.
Mientras tanto se filma el documental de esta gira itinerante, a cargo de Alvaro Rufiner como director de cámara bajo la mirada de los exitosísimos realizadores Mariano Cohn y Gastón Duprat, autores de tantos éxitos cinematográficos.
Solo un dato más para el estribo: en noviembre la infatigable Marta Minujin ya estará en Buenos Aires para comenzar el armado y montaje de una nueva instalación efímera en la puerta de Fundación PROA.
Fuente: ámbito – Se trata de un humanoide desarrollado con inteligencia artificial creado en 2019 que continúa progresando en sus capacidades de pintura.
El robot Ai-Da, humanoide dotado de inteligencia artificial, realizó una obra que será subastada el próximo 31 de octubre, según anunció la casa de remates Sotheby’s. Se trata de una novedad absoluta en el mundo del arte.
La obra es un retrato del matemático inglés Alan Turing, considerado como uno de los padres de la informática. El lote de la subasta online buscará explorar la «intersección entre el arte y la tecnología» y permanecerá abierta hasta el 7 de noviembre.
Se espera que esta pintura de 2,2 metros de alto, llamada «AI God» («Dios de la IA»), tenga un precio de entre 100.000 y 150.000 libras (entre 130.000 y 196.000 dólares), según los creadores de Ai-Da.
Este robot es uno de los más avanzados del mundo y está diseñado para parecerse a una mujer, de grandes ojos y pelo castaño oscuro.
Ai-Da fue creada en 2019 por un equipo dirigido por Aidan Maller, galerista y fundador de Ai-Da Robot Studio, con especialistas de IA en las universidades de Oxford y Birmingham en Inglaterra. Su nombre está inspirado en Ada Lovelace, la primera programadora de la historia.
El robot artista, que utiliza la IA para crear cuadros o esculturas, se mueve y expresa de manera autónoma, sin intervención humana. Durante los años, perfeccionó su técnica con el pincel e hizo varias obras de arte.
«A través de mis retratos de Alan Turin, celebro sus trabajos y contribuciones al desarrollo de la informática y de la IA», expresó un comunicado atribuido a la artista robot.
El retrato, un rostro desestructurado con tonos oscuros, evoca visiblemente los temores de Alan Turing sobre el uso de esta tecnología y «continúa interrogando hasta dónde nos llevará el poder de la IA», señaló Aidan Maller.
Otras obras de Ai-Da ya fueron expuestas en la Bienal de Venecia, en el Museo del Diseño de Londres, en las pirámides de Guiza o en Naciones Unidas. Esta inteligencia artificial también dio un discurso ante la Cámara de los Lores en 2022.
Fuente: La Nación – A la gran inauguración de Malba Puertos, el mes pasado, se sumó el fin de semana Museo Campo, en Cañuelas; hay más parques escultóricos cerca de la ciudad, como la isla El Descanso, y en el mar de Pinamar y Punta del Este
Sin paredes ni techo. Museos en entornos naturales para sumergirse en el arte, pero también en vegetaciones frondosas y aire puro, para pasar un día entero lejos de la ciudad (y no tanto): esa es la tendencia que crece con las recientes inauguraciones de espacios en entornos campestres, en las afueras de Buenos Aires, en una isla o en la playa.
Hace unos días abrió por primera vez al público en general el Museo Campo en Cañuelas. Malba Puertos había llegado esta primavera en Escobar, y comparten un mismo concepto: reserva de una gran colección, espacio para muestras permanentes y temporales, gastronomía, tienda y un gran parque escultórico para recorrer disfrutando del paisaje. No son los primeros en su tipo. Con variantes, existen ya la Isla El Descanso y el Parque Escultórico de Pinamar (PEP). En la región, hay más hectáreas verdes pobladas de sorprendentes creaciones, como el Museo MACA que el reconocido escultor Pablo Atchugarry tiene desde hace dos veranos en Punta del Este y el Instituto Inhotim en Minas Gerais, Brasil, donde se despliegan alrededor de 1800 obras de más de 280 artistas de todo el mundo. Palabras mayores.
Se trata de museos que ofrecen un plan de jornada completa, para ver arte con gorra, protector solar y repelente. El desarrollo inmobiliario puede ser la razón de ser, pero enseguida la propuesta cultural la excede. Bares, restaurantes y eventos privados ayudan más allá del valor de la entrada a que sean económicamente sostenibles.
Museo Campo abrirá al público una vez al mes. En un predio de 35 hectáreas, mapa en mano, la visita toma un sendero que lleva a veinte obras monumentales: un tronco con colores de Luis Felipe Noé suspendido raíces arriba; una lluvia de cadenas que agita el viento, de León Ferrari; la casita de ladrillos de Gabriel Chaile, a la que se puede ingresar; la sirena de barro de Adriana Bustos; un trampantojo de colores y espejos de Carola Zech; la mariposa gigante de Andrés Paredes; una atalaya de maderitas donde trepar, de José Luis Landet; una portal a otro universo (o eso parece), de Rafael Parratoro, entre otros.
Hay cinco salas de exposiciones, donde se exhiben los tesoros de la colección de la Fundación Tres Pinos: Marta Minujín, Pablo Suárez, Marcia Schvartz y Fabián Burgos. Es posible recorrer la reserva con 1200 obras de arte contemporáneo argentino y 15.000 piezas de ilustración gráfica (una exposición de joyitas de este último lote, que antes guardaba el Museo del Humor, incluye a la legendaria Maquinola de García Ferré en acción). Recién sumada al acervo está la obra de Juan Stoppani (1935-2022) y Jean Yves Legavre. Se despliega en una sala con una antológica de pinturas y esculturas de que incluye realidad aumentada.
También comprende un espacio de residencias, que ahora ocupan los artistas agrupados en Maturín, talleres compartidos de La Paternal (Mariano Giraud, Adrián Unger, Donjo León y Valeria Vilar). En la sala contigua al lugar de trabajo hay una exposición de trabajos en proceso. Además, se puede agendar un recorrido guiado y reservar mesa para la experiencia en MEATology. Las próximas jornadas de día de Campo serán el 17 de noviembre y el 8 de diciembre, y hay que sacar entrada en la página web www.museocampo.org.
El servicio al público es importante para atraer visitantes a unos cuantos kilómetros de distancia. Dentro de las opciones de menú está la posibilidad de pedir una canasta y hacer picnic entre los pavos reales que pasean por el follaje. “Un día por semana será para el turismo internacional. Y dos días, los destinaremos a educación. Estamos trabajando en un proyecto modelo donde por cada colegio privado que venga, invitaremos a uno público a pasar un día juntos. Entonces el museo es como un lugar que unen esos dos mundos que están cada vez más separados”, cuenta Rodrigo Cadenas, Presidente Fundación Tres Pinos, director en Museo Marco de La Boca y ahora también de Museo Campo.
Malba Puertos, en Escobar, también comenzó por la necesidad de darle una reserva a la colección, y terminó con un parque que tiene más de veinte esculturas e instalaciones, salas de exposiciones, tienda, cafetería y la posibilidad de meterse en el depósito, que ya no es un lugar lúgubre y polvoriento, sino un gran atractivo en estos museos recién nacidos. También tiene un enfoque puesto en la experiencia total del visitante: reposeras para disfrutar el día de playa y una reserva natural donde internarse, sentarse a tomar mate o dibujar. Todos los días hay actividades especiales, talleres para chicos y grandes orientados a experimentar las mismas técnicas de los artistas en exposición, sin cargo, con materiales incluidos: teñir hilos (como Claudia Alarcón), amasar barro (como Gabriel Chaile) o crear con plastilina (como los Mondongo). Hay cursillos para escribir sobre el paisaje, que se puede recorrer a pie, en bicicleta (propia o del museo) o en auto.
Otro parque escultórico es el de la isla El Descanso: se llega tras veinte minutos de lancha por el Río Sarmiento. En un jardín frondoso, surcado por arroyos, puentes y canales, se aprecian las obras de Julio Le Parc, Pablo Reinoso, Bastón Díaz, Carlos Gallardo, Marie Orensanz, Vivianne Duchini, Pablo Curatella Manes y José Fioravanti. No es un museo, con colección y salas de exposiciones, pero sí un destino de arte y verde. “El Descanso le rinde culto al arte, a la naturaleza, al paisajismo y valores espirituales como el amor, el agradecimiento, la amistad, la abundancia y la prosperidad, la salud, la buena esperanza. Hay obras de arte hechas por artistas plásticos y obras hechas por el artista máximo: Dios”, dice a LA NACION Claudio Stamato, uno de sus creadores. Se puede reservar lugar para una caminata de tres horas, visitar el vivero, comer en el restaurante un menú de tres pasos que prepara el chef Alessandro Serrentino, o todo eso junto en un programa de día completo. Periódicamente, se anuncia el Festival XReal, donde se suman efectos lumínicos para disfrutar las obras de noche.
Mucho antes que estos proyectos, en 2007, comenzó a germinar el Parque de Esculturas de Pinamar, justamente cuando Pinamar SA, la empresa fundadora y desarrolladora de la localidad balnearia, convocó al escultor Pájaro Gómez para crear una obra urbana. El resultado fue Dibujando espacios, situada en la rotonda de Bunge y el Mar. En 2013, el invitado fue Bastón Díaz que emplazó La permanencia de un sueño. Y así fue creciendo esta suerte de museo al aire libre que cuenta con 62 ejemplares en diversos puntos de la ciudad, para disfrutar en forma libre y gratuita. El seleccionado de firmas incluye a Antonio Pujía, Gyula Kosice, Pablo Larreta, Marta Minujín, Rubén Locaso, Aurelio Macchi, Mariano Pagés, Lucio Fontana, Leo Vinci, Carlos Alonso, Mariana Schapiro, José Fioravanti, Ponciano Cárdenas, Ricardo Carpani y Víctor Magariños D., y muchos más, y se ubican entre el Playas Art Hotel, el Golf de Pinamar, galerías comerciales y escuelas. Desde 2019, además, se organizan picnics bajo las estrellas para apreciar las esculturas iluminadas y con música en vivo. Los últimos invitados a sumarse fueron los artistas Federico Bacher y Camilo Guinot. Y en la edición de arteba 2024 se conoció al ganador del primer Premio PEP, Donjo León: su Albor de árbol será construido y exhibido en el vivero fundacional de Pinamar.
Si hablamos de galerías de arte a cielo abierto imposible no mencionar a la ciudad de Resistencia, en Chaco, Capital Nacional de las Esculturas: por sus calles hay más de 660 piezas distribuidas gracias al aporte de Fundación Urunday, que pronto tendrán su catálogo online e interactivo. La colección se enriquece cada dos años, cuando se realiza allí la Bienal Internacional de Escultura, que deja diez nuevos trabajos con cada edición en el espacio público. No se trata de un museo, sino la vocación por el arte que un grupo de soñadores contagió a toda la ciudad. El último en llegar a este desfile fue, nada menos, que el David, una ambiciosa réplica del hombre de Miguel Ángel.
Malba Puertos. Martes a domingo, de 12 a 19. Lunes cerrado. Alisal 160 Bahía, Puertos. Escobar. La entrada es libre y gratuita.
Museo Campo. Próximas aperturas al público, el 7 de noviembre y 15 de diciembre. En la Ruta 6, km. 95, Cañuelas. Tickets disponibles únicamente online en www.museocampo.org. Entradas para residentes, $ 30.000; menores, $20.000, y jubilados, $20.000.
Isla El Descanso. De miércoles a domingos y feriados, de 12 a 17. El ingreso incluye traslado fluvial ida y vuelta, caminata guiada y snack de bienvenida: $ 40.000. Salidas desde la Estación Fluvial de Tigre, muelle Sturla. Niños de 3 a 5 años, con descuento; menores de 3 años, sin cargo. Reservas, islaeldescanso.com.
Fuente: ámbito – Se presentó en el Auditorio de Amigos el Museo de Bellas Artes un libro esencial sobre las prácticas artísticas en el mundo contemporáneo de la IA y el cambio climático.
Dedicado a “todos los artistas que luchan por hacer del mundo un lugar más justo”, Elena Oliveras acaba de publicar el libro “Distopías y microutopías – Prácticas de resistencia en el arte del siglo XXI” (Paidós), que fue presentado en el Auditorium de la Asociación Amigos del Museo de Bellas Artes.
Con este libro la autora intenta contribuir a la concientización del problema a través de la acción artística como alternativa de cambio. Hubo un diálogo entre Oliveras, licenciada en Filosofía y Estética por la Universidad de París, y Graciela Sarti, doctora en Historia y Teoría de las Artes (UBA).
Dividido en nueve secciones, cuyos capítulos abarcan la difícil definición de distopía, Oliveras señala que si utopía es «lugar feliz», distopía sería sinónimo de lugar no feliz. El diccionario de la RAE define la distopía como la “representación ficticia de una sociedad futura de características negativas causantes de la alienación humana”.
Se la relaciona con catástrofes, guerras, pandemias, pero también una advertencia de lo por venir, lo que estimularía la reflexión y representa el primer paso hacia una “práctica de resistencia” microutópica, relacionada con la intensidad de artistas, y pone como primer ejemplo a Amadeo Azar con su obra “Necesito creer en algo”, con elementos del constructivismo y el diseño racionalista de una casa que flota sobre un fondo negro.
El libro de la erudita cita pensadores contemporáneos como Bauman, Sloterdijk, Michaud y otros anteriores como Nietzsche cuando señala “que el arte es el que hace posible la vida, el gran seductor de la vida, el gran estimulante de la vida”.
Desfilan por sus 352 páginas todos los pensadores contemporáneos que se han ocupado del Antropoceno y Capitaloceno, el negacionismo climático, que aunque se conozca muchos suponen que es irreversible por “lo que no hay nada para hacer” y cita la controvertida escena entre Donald Trump y Greta Thumberg en 2019. “El consumo gira en el vacío hasta el infinito, se navega en una suerte de agujero negro del que se intenta salir con la ilusión de gozar de un nuevo consumo”, escribe.
Aparecen entonces Alain Badiou, Giorgio Agamben, Slavoj Zizek, Byung- Chul Han, Yuval Noah Harari y los artistas críticos del consumo como Enio Iommi y su anticipatoria obra de la década del 70, y más actualmente, Florencia Levy, Nicola Constantino. Son muchos los artistas comprometidos con las desigualdades, con evitar el colapso, se escuchan sus voces provocativas que abren la polémica sobre la esencia y los límites del arte en relación con la vida.
Un libro que convoca al estudio, a la reflexión, que también trata sobre la violencia omnipresente ya que “nuestro mundo globalizado se define por la violencia que, desde el poder defiende guerras, genocidios, racismos, y que en actitud cruel se atrinchera en la indiferencia, la negligencia o el olvido”. De allí que sea un tema dominante en artistas como Juan Sorrentino, Marcelo Brodsky, Florencia Rodríguez Giles, Mariela Yeregui.
Elena Oliveras ayuda a repensar el mundo un mundo complejo, un mundo del presente que no satisface a nadie, un mundo del arte donde impera el mercado. La autora insiste sobre temas como la ecología, y destaca el corpus de obra de artistas como Andrea Juan, Joaquín Fargas, Teresa Pereda, Florencia Levy que cubre varios de estos temas candentes y “que abren un camino de resistencia a contrapelo de la apatía generalizada”.
No sólo los recursos básicos están en riesgo. El filósofo italiano Franco Berardi señala que la sustentabilidad psicológica se encuentra seriamente amenazada, la atención está bajo un asedio permanente y el cerebro tiende al estallido psicótico como puede verse también en nuestras calles. También contra las obras de arte emblemáticas en museos “cuando entremos en guerra por los alimentos y el agua, ya no habrá tiempo para admirar el arte”.
En la Sección VIII se ocupa de “La poiesis tecnológica”, en referencia a la Inteligencia Artificial, preguntándose si tendremos la oportunidad con los algoritmos de producir el mejor arte de la historia. ¿Podrá convertirse la IA en una herramienta válida para crear metáforas del mundo?
En una frase del filósofo surcoreano Byung- Chul Han estaría la respuesta: “La IA no puede pensar porque no se le pone la carne de gallina. Le falta la dimensión afectivo-analógica, la emoción que los datos y la información no pueden comportar”.
También cita al poeta y artista francés Robert Filliou (1926-1987): “El arte es eso que hace que la vida sea más interesante que el arte” a lo que Oliveras, en cierta forma, responde: ” El arte es eso que hace que la vida sea más importante que el arte”.
Fuente: Diario de Rivera – La serie protagonizada por Oscar Martinez creada por la dupla de Mariano Cohn y Gastón Duprat, regresa con una segunda temporada. La ficción se adentrará en complicados dilemas modernistas y personales que pondrán a prueba las habilidades profesionales del director del museo.
Nuevas situaciones llegan a la vida de Antonio Dumas (Oscar Martinez) el director del museo iberoamericano de Arte Moderno de Madrid. Bellas Artes estrenará su segunda temporada el 23 de octubre y los espectadores se volverán a enfrentar con la incomodidad de enfrentarse a frases y situaciones ¿incómodas? que propone este hombre.
En el trailer se muestra la propuesta que recibe Dumas para sumar a una mujer a la muestra del Museo. “Vayamos con esta”, dice ante las candidatas y agrega: “Es mujer, anciana, extracomunitaria..no dice si es lesbiana?, subiriamos tres nivelas en corrección política, ¿no?”. Así sin más la serie se inunda de frases que le provocan al espectador risa, verguenza ajena con cierta incomodidad y en algunos casos la sensación de por fin alguien dice lo que muchos piensan.
Esta nueva entrega, creada por Gastón Duprat y Mariano Cohn, promete ser más provocadora que nunca, enfrentando a Dumas con desafíos insólitos y situaciones absurdas que pondrán a prueba su profesionalismo y paciencia, según informó Disney+.
La serie sigue las peripecias de Dumas mientras navega por el complejo mundo del arte moderno. En esta temporada, el protagonista se verá envuelto en estafas, imposturas y accidentes que involucran a artistas, funcionarios y coleccionistas. Además, la creciente presencia de su exmujer, una artista antisistema que vive en la selva peruana, añade un nivel adicional de conflicto personal.
El elenco principal incluye a Aixa Villagrán y Koldo Olabarri, con colaboraciones especiales de actores como Imanol Arias, Cecilia Suárez, Ángela Molina, y Dani Rovira, entre otros. La dirección está a cargo de Martín Bustos, y la producción es liderada por Pablo E. Bossi junto a otros productores.
“El arte contemporáneo necesita de mediadores y especialistas que pongan en contexto las obras para que el público común pueda apreciarlas”, analizó Duprat cuando se estrenó la primera temporada y agregó: “Por eso nadie se atreve a opinar sobre una obra de arte moderno, porque, aunque te parezca una porquería, hay miedo de que se trate de una obra maestra que vale millones. Y, en esa distancia entre el público y la obra, se mezclan obras de arte de gran calidad con disparates sin sentido, que, a veces, es difícil discriminar. Esta realidad suma mucho a la serie”, detalló el director con pura franqueza.
El tráiler presenta a los excéntricos personajes y las subtramas que se desarrollarán a lo largo de los seis episodios, abordando temas actuales con una fuerte dosis de ironía.
Gastón Duprat y Mariano Cohn, conocidos por su trabajo en series como El encargado y Nada, han creado un universo que explora los límites de la gestión artística e institucional con un humor negro característico. “Es un universo que a nosotros nos queda cómodo”, comentó Cohn en un comunicado, refiriéndose a su experiencia en el circuito artístico. “Conocemos bien de lo que estamos hablando y siempre nos fascinó la observación de los artistas, su supuesta superioridad moral. Pensamos que ahí había un gran tema para tratar y desacralizar, para divertirnos y meternos con lo que generalmente se trata de una manera muy formal. Nos parecía que había algo para imprimirle nuestro picor”, concluyó el creativo.
La serie promete continuar explorando las tensiones y absurdos del mundo del arte moderno, ofreciendo una mirada crítica y humorística sobre la supuesta superioridad moral de los artistas y el funcionamiento de las instituciones culturales. La segunda temporada de Bellas Artes se perfila como una entrega que desafiará las convenciones y ofrecerá una experiencia única a los espectadores.