Categoría: Actualidad

Fuente: La Nación ~ Durante toda esta semana habrá charlas, exhibiciones y talleres organizados por los museos porteños y nacionales en homenaje a la Revolución de Mayo; historia y entretenimiento

Los museos porteños y nacionales celebran la Revolución de Mayo durante toda la semana con un programa de actividades virtuales en sus plataformas digitales y las redes sociales. Además de charlas y exhibiciones, el Museo Histórico Nacional ofrece contenido sobre los acontecimientos destacados de la Semana de Mayo dirigido a alumnos de nivel inicial, primario y secundario.

Especial para los más chicos

Una visita animada: Lola recorre los hitos de la Semana de Mayo. En tres videos, que se pueden ver en el canal de Youtube Museos BA y la web Vivamos Cultura, el personaje animado analiza obras y objetos vinculados a la Revolución de Mayo que pertenecen al Museo Histórico de Buenos Aires Cornelio de Saavedra.

Arte hispanoamericano

En el blanco: El poder de la imagen en el arte hispanoamericano, clase de Florencia Fullana, del Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco. Hoy, a las 17, con inscripción previa en el sitio Museos BA.

Té con historias

Edición especial del ciclo organizado por el Museo de la Historia del Traje con Rosana Leonardi y Marcelo Marino como invitados. La charla “Una moda para la patria” se transmitirá en vivo el martes 25 a las 17 por la cuenta @museodeltrajeba.

Mujeres protagonistas del pasado nacional

“Matrias”, un ciclo que propone otra mirada sobre las fechas patrias, invita a repensar el rol de las mujeres en la historia. Son charlas virtuales en formato video didáctico, a cargo de Emilia Zavaleta. En la primera, el martes 25, se hablará de Manuela Pedraza, Juana Azurduy y Mariquita Sánchez de Thompson, entre otras. Se proyectará el corto Las Rosas, dirigido por Isidro Escalante, ambientado en Buenos Aires en 1833.

Exhibición virtual

Se inaugura la exposición virtual del Certamen de croquis y bocetos escultóricos sobre la Semana de Mayo organizado por el Museo de Esculturas Luis Perlotti por el canal de Youtube Museos BA y la web Vivamos Cultura.

Revolución e Independencia

Charla a cargo de Valentina Ayrolo (La Rioja), Oscar Cantero (Misiones) y Sara Mata (Salta), en el marco del ciclo “Provincias y Nación”. El miércoles 26, a las 17.30, transmisión por Facebook Live del Museo Histórico Nacional.

Ser argentino

Empieza el ciclo “Identidad, símbolos e íconos. El artista decodificador de la historia”, organizado por el Museo de Arte Popular José Hernández. El pintor Esteban Díaz Mathé descubrirá la magia del realismo en el retrato y registro de nuestros paisanos en la charla “Ser argentino, una mirada”. El miércoles 26, a las 18, en la web Vivamos Cultura.

Las cartas de Manuelita

En el ciclo Camino al Centenario continúa la serie de conversatorios virtuales por el canal de Youtube Museos BA sobre las colecciones del Museo Histórico de Buenos Aires Cornelio de Saavedra en el año de su centenario. El jueves 27, a las 19, tendrá lugar la charla “Las cartas de Manuelita”, con Lidia González y Daniel Paredes.

El impacto de la Revolución de Mayo en Malvinas

El Museo Malvinas e islas del Atlántico Sur organiza un diálogo entre Marcelo G. Kohen (profesor de Derecho Internacional en el Instituto de Altos Estudios Internacionales y del Desarrollo de Ginebra) y Facundo D. Rodríguez (abogado especialista en derecho internacional y docente de Derecho Internacional) sobre el impacto de la Revolución de Mayo y la Declaración de la Independencia en nuestra soberanía sobre las islas. Viernes 28, a las 18, vía la web del museo.

Fuente: La Nación ~ La digitalización y la posibilidad de recorrer museos con una alta resolución de las imágenes implican el peligro de que las obras se atomicen y pierdan su magia

La distancia entre el observador y la obra de arte no es algo inesencial a la experiencia estética. Nunca lo fue. El cambio es que ahora ya no nos referimos simplemente a las evoluciones de un visitante ante un cuadro en el museo. La tecnología y la virtualidad, cuya multiplicación terminó de gatillar la pandemia con sus cuarentenas, redujo esa distancia casi a la anulación. Hizo incluso más que anularla, la traspasó, de modo que vemos detalles que el ojo por sí solo no vería nunca, y que ni siquiera el artista pudo ver.

Podríamos, como simple ejemplo, mencionar una anécdota personal. Cuando grabábamos el programa Técnica Mixta que se emitía por LN+, había una pantalla que ocupaba entera una de las paredes del estudio. Sobre esa pantalla se veía, gigante, la obra del artista entrevistado. No debe de haber habido uno solo que no quedara asombrado, un asombro que orillaba el pudor. Uno se sentía como si hubiera violado la intimidad, como si en casa ajena se revisaran los cajones de la mesa de luz. Ninguno había visto su propio trabajo con semejante magnificación, lo que constituye una especie de paradoja: la mayor materialidad de la pintura se advierte por vías inmateriales.

Podría ocurrir que terminemos conociendo mejor lo que acordamos en llamar “realidad” por la vía de lo que acordamos llamar “virtualidad”. Los museos que abrieron sus puertas digitalmente (son la mayoría) y Google Arts & Culture nos obligaron a hacer de necesidad virtud. Resulta entonces que, con la posibilidad de magnificar una pintura, terminamos conociéndola con más detalle que si estuviéramos en el museo mismo. Podríamos preguntarnos en qué consiste conocer una obra, aunque más no sea en el simple aspecto del conocimiento que nos depara la observación. ¿Es esta atención casi microscópica que hace del detalle, de una pincelada, una totalidad distinta? ¿O es la cercanía, ese “aquí y ahora” de la obra de arte de la que habló Walter Benjamin? La contemplación estética no trafica con la curiosidad del impertinente. No hay una respuesta, o más probablemente la respuesta comporte una conjunción antes que una disyunción.

Consideremos dos casos. Podemos observar infinidad de reproducciones digitales de Chemin sous bois, en été, de Camille Pissarro, y sin embargo nunca la habremos visto de veras hasta que estemos delante de él en el Musée d’orsay. El artista dejó un efecto en la tela que no existe fuera de ella. Los artistas habría retrocedido ya horrorizados antes os rayos X y la reflectografía infrarroja, que permiten estudiar las versiones preliminares. El pentimento no estaba destinado a ser visto por terceros, del mismo modo que quien se arrepiente lo hace para sí y no comunica el objeto de su arrepentimiento. También aquí debería regir el secreto de confesión. Los microscopios digitales en 3D dan una vuelta de tuerca a este dilema (¿ver o no ver?). Uno de ellos, el Hirox Europe, se aplicó a La joven de la perla, de Vermeer. Se alcanza una resolución de 10,118 megapíxeles, o 10.12 gigapíxeles. La pintura se convierte en un paisaje con accidente geográficos desconocidos. El impasto, esa pincelada “cargada”, perseguía volumen, y parte del interés de ese volumen era que se advirtiera acaso no como un brutal bajorrelieve, que es lo pasaría si le aplicáramos el aumento de una lupa. Otro pintor, Mark Tobey, solía repetir que la misión principal del artista consistía en encontrar lo abstracto en la naturaleza. La tecnología aísla los abstracto en la figuración.

Paisajes del sonido

En diciembre de año pasado, el director Gustavo Dudamel presentó en Españasymphony, que, con anteojos de realidad virtual, combina la imagen real filmada en 360 grados en el escenario con la Mahler Chamber Orchestra y el taller de un lutier con la imagen generada computadora y otros efectos visuales animados. El espectador puede estar en el podio del director o, de manera más extravagante, en el interior de un violín. Son pasatiempos turísticos, y nada hay como el turismo para privar al mundo y a sus cosas de todo enigma y de todo secreto. Ya los primeros planos de las óperas filmadas (recordemos que la ópera está concebida para verse y escucharse a distancia) nos había mostrado la desgraciada lluvia de saliva de los cantantes.

Claro que todo esto es menos nuevo de lo que parece. En su maravilloso libro de conversaciones con Claudio Arrau, Joseph Horowitz registra un diálogo muy significativo. A propósito de los tiempos idos de Teresa Carreño y Ferruccio Busoni, le pregunta al pianista si en esa época las notas falsas perturbaban al público y la crítica tanto como ahora. “No –responde Arrau–. Lo creían propio del genio. Ése era el derecho del genio.” Interlocutor inteligente, Horowitz va más allá: “Las grabaciones son, sin duda, una razón por la que ya no aceptamos las notas falsas tan fácilmente como antes”. “Sí, creo que ésa es probablemente la causa principal –confirma Arrau–. Y, luego, también está ese tonto perfeccionismo que la gente suele apreciar demasiado”.

El breve diálogo apunta al corazón del problema. La misma tecnología que nos permite volver una y otra vez a Wilhelm Kempff o Edwin Fischer, la misma que hizo posible la utópica filosofía del estudio de grabación de Glenn Gould, la que nos permite un descubrimiento permanente en las lecturas del propio Arrau, esa misma tecnología procreó también toda una idea de la perfección fundada en la eficacia. El acierto empezó desde entonces a consistir en no equivocarse antes que en la interpretación en un sentido fuerte.

Pero la mayor intimidad con una música, con cualquiera que sea, consiste en tocarla, aunque sea mal. Tocar el piano es una actividad menos civilizada que escuchar un disco de piano; escuchar un disco de piano es una actividad menos civilizada que asistir a un recital de piano. En este sentido, es un poco más íntima y menos imperativa que la audición en la butaca. No por nada justamente Gould, devoto de la tecnología, pensaba que, frente a un disco, cada uno de nosotros era también un poco compositor: regula intensidades, atenúa colores. Es decir, toma decisiones musicales; modestas, cierto, pero decisiones al fin. Un poco como cuando decidimos dejar en paños menores a una pintura. Estas contemplaciones virtuales nos dejan en un lugar bastante subsidiario: el de compositores de entrecasa y el de mirones.

Fuente: Ámbito ~ Invita a las galerías de arte y artistas representados por ellas y a personas interesadas a sumarse como «aliades» a la conformación diaria de un fondo económico común destinado a artistas visuales en emergencia y con proyección nacional. 

El sector cultural, es uno de los más afectados por la pandemia del Covid-19. En este contexto de complejidad e incertidumbre, se presentó Fondo Fluido, una iniciativa económica y solidaria para los artistas visuales en emergencia.

Esta invita a las galerías de arte y artistas representados por ellas y a personas interesadas a sumarse como «aliades» a la conformación diaria de un fondo económico común destinado a artistas visuales en emergencia y con proyección nacional. Las artistas Marina De Caro, Mariela Scafati y Adriana Bustos junto a la gestora cultural Cecilia Garavaglia llevan adelante la iniciativa «Coleccionables de emergencia» desde el año pasado para ayudar a ocho organizaciones sociales y también participan de Fondo Fluido, un nuevo modelo que busca ayudar a artistas visuales de todo el país con un aporte único y solidario desde el propio sistema del mercado de arte.

En el caso de «Coleccionables de emergencia», a partir del trabajo de mediación entre artistas que donan obras de un formato chico y coleccionistas que las adquieren, durante el 2020 se consiguieron más de $1 millón repartidos entre las ocho organizaciones sociales que ayudan cubrir las necesidades básicas alimentarias y de cuidado de sus comunidades.

Garavaglia comentó que se vendieron 153 de las obras y detalló que cada una lleva un certificado de acto de solidaridad y que no pueden revenderse. Por su parte, Scafati señala que «durante el 2020 ninguna de las organizaciones debió suspender las meriendas o la entrega de productos, como sí sucede en este momento», al tiempo que remarcaba que la normalidad está lejos de regresar a la vida cotidiana.

Las organizaciones con las que colaboran son Artistas Solidarios, No Tan Distintas (organización transfeminista de personas en riesgo o en situación de calle), Cocina Móvil Solidaria (Balsa Las Perlas, Río Negro), Varones trans no binaries y familias (La Rioja), Colectivo Yo no fui (colectivo transfeminista), Villeros disidentes (Ciudad Oculta, Ciudad de Buenos Aires), Merendero Juvenil (Barrio 31 Carlos Mujica) y Changuito Solidario del Cera, Escuela de Cerámica Nº 1 (Almagro, Ciudad de Buenos Aires).

Fuente: La Capital ~ Las pinturas se muestran en formato gigantografía en cuatro puntos de la ciudad, y está previsto sumar dos más. La muestra se extenderá mientras dure el proceso de edificación de las nuevas torres. La inédita galería a cielo abierto surge en una época de museos cerrados y actividad cultural reducida.

En tiempos de museos cerrados y actividad cultural reducida, once artistas rosarinos participan de una “Galería de arte en la vereda”, que consiste en la exposición de sus trabajos en formato gigantografía sobre los cercos que protegen obras en construcción y durante el lapso que demande completar las edificaciones. La iniciativa es coordinada por el arquitecto y docente santafesino de la galería de arte AG, Guillermo Aleu.

“Es algo inédito en el país y habiendo investigado antecedentes, por la magnitud y alcance de la propuesta de difusión, es único en el mundo”, se entusiasmó Aleu, y contó que el montaje arrancó a principios de este año. Ya se colocaron cuatro de los seis cercos proyectados, que en total ocuparán 700 metros cuadrados de imágenes artísticas emplazados en distintos puntos de la ciudad. En Santa Fe, en tanto, el proyecto involucra a 17 creadores que vuelcan sus obras en tres lugares representativos y suman otros 600 metros cuadrados.

Las cuatro “galerías” locales a cielo abierto se pueden recorrer en 27 de Febrero y Maipú, Cerrito y Corrientes, Córdoba esquina Cafferata y Maipú al 2000, sobre chapones de la empresa Pilay. Del otro lado conviven en horario diurno decenas de trabajadores que manipulan máquinas y materiales en pos de alzar nuevas torres.

“Mientras dure el proceso constructivo queremos regalar a los vecinos y transeúntes una vista diferente, bella, a la vez que buscamos tender puentes y generar espacios de encuentro entre el arte, las personas y los artistas”, dijeron desde la desarrolladora, con 45 años de trayectoria en el rubro.

Para el coordinador del proyecto, estas exposiciones implican una irrupción en lo urbano y también un compromiso con artistas de la región que desarrollan un lenguaje propio (Javier Carricajo, Fernando Rossia, Jorgelina Toya, Roberta Piedrabuena, Mario Godoy, Esteban Uribe, Pedro Iacomuzzi, Ezequiel Trevisi, Lázaro Diacovich, Enzo Ivkovich y Sebastián Bona en Rosario). Aquí predomina la pintura, aunque hay dos creadores que se expresan en dibujo. Por otra parte, fueron incorporados tres artistas fallecidos a los que se les rinde homenaje en Santa Fe, los destacados Julio César Botta, Domingo Sahda y Raúl Ishikawa.

“La escena urbana luce imágenes de alto contenido simbólico y cultural, lo que desplaza el carácter publicitario que por lo general tienen estos cerramientos perimetrales en las obras edilicias”, apuntó Guillermo Aleu. “Se hacen presentes valores artísticos y educativos, se muestran a la ciudadanía creadores santafesinos en plena vigencia productiva”, analizó. Para los vecinos es una posibilidad de acceder a ellos a través de sus obras, de conocerlos, mientras que los artistas encuentran un circuito no convencional para difundir y promocionar el fruto de su trabajo. Una materialidad que si bien resulta efímera no es sólo virtual sino también tangible para todos, aun en un contexto de pandemia, distanciamiento y restricciones.

Desde la capital provincial, Aleu contó que a la hora de elegir qué exponer “celebramos todo aspecto que pudiera seducir al espectador con el puro oficio del artista representando a la figura humana en plenitud realista o en su versión ingenua como retrato o caricatura; la captación de la luz y el contraste”. También la curaduría valoró “cuando el motivo fuera del reino animal o vegetal, es decir, el paisaje como motivo recurrente de la pintura; el color cuando las expresiones fueran más abstractas en sus vertientes geométricas o expresionistas”.

Los artistas invitados a participar del proyecto, que comenzó a gestarse el año pasado a instancias de la empresa Pilay, elevaron en principio sus propuestas y para el armado de los paneles se alternaron imágenes de lenguaje figurativo -que se consideran más próximas al variado público transeúnte, de modo de captar su mirada- con otras expresiones abstractas “donde ponderamos la fuerza del color, un elemento que siempre define composiciones plásticas e impacta”, indicó Aleu.

El acceso a la galería a cielo abierto es libre para todos aquellos que pasen y posen su mirada desde la calle o la vereda, hasta el término de la construcción que dejará plantadas nuevas torres.