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BADA, la feria de arte preferida del público, vuelve a fin de Agosto

15 agosto, 202415 agosto, 2024 infoarte

Fuente: BADA – La feria de arte directo de artista, BADA, celebrarásu duodécima edición en el Pabellón Verde de La Rural, del 29 de agosto al 1 de septiembre.

BADA es una feria de arte que busca promover artistas independientes de una manera directa con un público interesado en conocer a los creadores de las obras de arte en primera persona y sin intermediarios.

BADA es una plataforma que busca democratizar el arte a través de precios más accesibles, ya que al no haber intermediarios, los valoresno se incrementan.

Banco Hipotecario, presentador oficial de BADA,ofrecerá 18cuotas sin interéscon sus tarjetas de crédito para la compra de obras de arte.

BADA, es la feria de arte que revoucionóel mercado internacional y que hadejado su huella con 11 ediciones en Argentina, cuatro en México y una en Madrid.EDICIÓN 2024BADA, Buenos Aires Directo de Artista, se llevará a cabo en La Rural del 29 de agosto al 1 de septiembre de 2024, ofreciendo una experiencia única y accesible para todos los amantes del arte.

Esta feria ha dejado su huella con 11 ediciones en Argentina, cuatroen México y una en Madrid, estableciendo una plataforma comercial para artistas autogestivos que elimina intermediarios y permite una conexión directa con el público.Durante más de una década, BADA ha demostrado que es posible adquirir obras de arte de calidad a precios accesibles gracias a la cuidadosa selección de los artistas participantes.

El concepto de BADA es claro: ser el puente entre el artista y el público, estableciendo una conexión especial. Nace como respuesta al deseo del público de adquirir obras de arte de forma sencilla y directa.En esta duodécima edición, BADA promete seguir sorprendiendo y acercando el arte a todos. Los visitantes encontrarán una amplia variedad de disciplinas y estilos artísticos para disfrutar y comprar.

Estarán presentes las siguientes disciplinas: pintura, escultura, fotografía, arte digital y textil, arte con inteligencia artificial, tatuaje, grabado, dibujo, ilustraciones y más.

En total, BADA presentaráa más 300 artistas especializados en diferentes disciplinas, provenientes de países como Argentina,Uruguay, Chile, y México, entre otros. El público podrá interactuar directamente con ellos y preguntarles sobre sus ideas, historias, técnicas y cualquier detalle sobre las obras que tendrán a la venta en la feria sin comisiones ni intermediarios.

El Banco Hipotecario es el presentador oficial de BADA2024 y ofrecerá 18cuotas sin interés con sus tarjetas de crédito para la compra de obras de arte. Además, el público podrá adquirir entradas con un 50% de descuento, con un tope de reintegro de $10.000por cuenta.

BADA es una plataforma que busca difundir el arte a través de precios más accesibles porque no se aumentan los precios por comisiones de los intermediarios o del galerista. La intención es acercar el arte a todas las personas, incluso a aquellas que no suelen frecuentar las galerías o las ferias de arte. ¡Por eso es la preferida del público! Como en todas sus ediciones, en esta feria todos los artistas tendrán, además de su obra en distintos tamaños y precios, 10 obras en formato chico con un precio que no excederá los $120.000 pesos.Se trata, verdaderamente, de un evento que no te podés perder.

Adolfo Dominguez Perfumes estará presente en el espacio central de BADA, ofreciendo una experiencia sensorial única a través de su «Jardín de los Sentidos». Este espacio nos invita a disfrutar de la naturaleza despertando nuestros cinco sentidos, guiados por los ingredientes naturales de sus perfumes. Asi mismo, dentro del “Jardin de los Sentidos” se destacará la creatividad de varios artistas presentes en esta 12ª edición de la feria, quienes han sidoinvitados por la marca a intervenir sus frascos reciclados y reciclables que forman parte de su colección de fragancias.

Desde hace 20 años, Dove desafía los ideales tóxicos que dañan y vulneran la autoestima, con el objetivo de redefinir la belleza. En esta edición, Dove presenta «ENFRENTEMOS LA IRRITACIÓN», la primera exposición fotográfica que revela lo que el odio intenta ocultar. ¿Cuántas veces subimos una foto a redes sociales y recibimos críticas? Es momento de enfrentar todo aquello que irrita y volver a mostrarnos.

Además de la exposición y venta de obras de arte, BADA ofrecerá una serie de actividades para enriquecer la experiencia de los visitantes. El sábado 31 de agosto a las 17hs, la abogada especialista en derechos de autor, Elba Marcovecchio, impartirá una charla titulada «Inteligencia artificial y derechos de autor».

Milo Lockett,reconocido por su contribución al mundo del arte nos invita a reflexionar:»Este año, me parece que la palabra tiene que ser empatía; esa que vamos a generar los artistas con el público y la valía del arte. Valorar el arte es valorar nuestro trabajo». Con respecto a mi obra, siempre estaré muy agradecido con el público por su aceptación. Es el mejor regalo que me dan.»

Gaby Machado, destacado fotógrafo argentinocon tres décadas de trayectoria, ha capturado a grandes personalidades nacionales e internacionales. Recientemente, ha incursionado en la pintura, descubriendo una nueva pasión que complementa su amor por la fotografía. Machado participará en BADA, presentando sus obras más recientes. Según él, «El arte siempre salva, sana, rescata y ayuda».

Desde 2019, BADA incluye al tatuaje como una disciplina artística. Este año, contaremos con la presencia de Mandinga Tattoo, uno de los estudios más importantes de Argentina. Su fundación, sin fines de lucro, se dedica a reconstruir las areolas mamarias de sobrevivientes de cáncer de mama.

Al día de hoy, ya asistieron a más de 3.100 mujeres. También asisten a personas con más del 50% del cuerpo quemado, en su mayoría mujeres que padecieron violencia de genero. En BADA, los visitantes podrán además de tatuarse en vivo, recorrer una muestra fotográfica con las imágenes de las mujeres pasaron por el estudio de Mandinga Tattoo.

La Artista Flavia Yanes Lombardi,presenta «Tóxica», una obra multidisciplinaria inspirada en el mito griego de Persefone, que explora la resiliencia y el amor romántico a través de fotografía, pintura y escultura. La obra reflexiona sobre la dificultad de amar sanamente al explorar la figura de Hiedra, un personaje que representa la toxicidad en las relaciones contemporáneas.

Entre los artistas, estará Martín Riwnyj con obras de gran formato, abordadas con técnicas clásicas (óleo, carbonilla) referenciando temáticas contemporáneas. El escultor Alejandro Varela, presentará sus personajes en madera, que en su cercania y vulnerabilidad, exponen fragmentos de la condición humana. Para que los vistantes puedan llevar a los más chicos, durante todas las jornadas de BADA en el espacio de AliArte, los niños van a poder vivir una experiencia increíble y llena de color, pintando sobre pequeños bastidores, junto a los artistas AliArte y muchos artistas invitados que se suman a intervenir las obras de Milo Lockett, entre otros artistas. Las entradas se podrán conseguir en https://www.laruralticket.com.ar o en la boletería los días de la feria.•

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Para más información sobre BADA, visitáel sitio web oficial en www.bada.com.ar y seguilosen sus redes sociales: Instagram (@bada_argentina) Facebook (@directodeartista).

“Las distracciones de Dagoberto” de Leonora Carrington llega al Malba

15 agosto, 202415 agosto, 2024 infoarte

Fuente: Malba – Malba anuncia la esperada llegada de Las distracciones de Dagoberto (1945) de Leonora Carrington (Lancashire, Inglaterra, 1917- Ciudad de México, 2011). Se trata de una de las obras más significativas de la célebre artista surrealista, que fue adquirida el pasado mes de mayo por Eduardo F. Costantini en Sotheby’s a un precio récord. Esta compra la sitúa entre las cinco mujeres artistas más valiosas en subasta, junto a Georgia O’Keeffe, Frida Kahlo, Louise Bourgeois y Joan Mitchell.

Pintada por Carrington a los 28 años, en su momento de mayor expresión creativa, Las distracciones de Dagoberto ofrece un manifiesto del mundo visual que se desarrolla a lo largo de su producción posterior. Este óleo es una de las obras maestras de la larga e ilustre carrera de Leonora Carrington, y presenta todo el simbolismo e iconografía distintiva de la artista en su máximo apogeo. Realizada en México en los años cuarenta, es una pintura fundamental del movimiento surrealista. Citando iconografía e ideas de fuentes que van desde la historia europea medieval y la literatura científica contemporánea hasta los mitos irlandeses y mexicanos, presenta una visión humanista e inventiva de un universo propio.

En palabras de Eduardo F. Costantini: “Es una pintura icónica, una de las obras más admiradas en la historia del surrealismo y una obra maestra incomparable del arte latinoamericano. Hacía 30 años que la obra no salía a la venta en una subasta pública y estuve esperando todo este tiempo. Estoy muy feliz de que la obra se exhiba en Malba y todos los visitantes puedan apreciarla en una sala dedicada al surrealismo, junto a otras importantes obras como las de Remedios Varo”.

En Las distracciones de Dagoberto —título que hace referencia a un rey merovingio del siglo VII gobernante de la Galia— confluyen distintas escenas fantásticas que evocan la dimensión mística de la naturaleza a través de intercambios entre lo divino y lo terrestre, la flora y la fauna. Con citas directas a la obra de El Bosco, en esta obra Carrington hace referencia a rituales herméticos que apuntan a las transformaciones alquímicas y a búsquedas ocultistas. Quizás hayan sido las leyendas celtas, contadas por su abuela irlandesa repletas de animales, hadas, dioses y druidas, las que despertaron la fascinación de la artista por los universos mágicos en sus derivas artísticas.

La obra fue pintada en 1945, sólo dos años después de la llegada de Carrington a México procedente de Europa, como parte de una oleada de artistas surrealistas que emigraron a América tras la guerra, lo que supuso el inicio de un periodo de transformación productiva e independencia artística para la artista. Una vez en Ciudad de México, junto a la comunidad de surrealistas “exiliados” –entre los que se encontraban Remedios Varo, Wolfgang Paalen, Alice Rahon y otros–, y un grupo de pintores locales como Frida Kahlo y Diego Rivera, la artista Carrington alcanzó un nivel de maestría y libertad sin precedentes en su pintura. Las distracciones de Dagoberto es la culminación de este período clave, uno de los hitos más significativos de su carrera artística y un hito fundamental en la historia del surrealismo.

Tercer ojo. Colección Costantini en Malba: nuevas incorporaciones

La obra de Leonora Carrington se exhibe en Tercer ojo, que, desde agosto de 2022, reúne obras icónicas del arte latinoamericano en un recorrido que pone en diálogo la Colección Malba y la de su fundador, Eduardo F. Costantini.

Las distracciones de Dagoberto (1945) se presenta en una sección dedicada al surrealismo. Se exhibe junto a tres obras emblemáticas de Remedios Varo: Armonía (1956), Simpatía (la rabia del gato) (1955), de la Colección de Eduardo F. Costantini, e Icono (1945), de la Colección Malba. Las tres obras dan cuenta del gran universo fantástico de Varo, en el que se combina lo humano, lo animal, lo vegetal y lo mecánico, dando como resultado un relato visual complejo y único. La obra de Carrington y las tres obras de Varo están acompañadas por las fotografías de Kati Horna de la serie Oda a la Necrofilia (1962), quien fuera su amiga y compañera en el estudio en las prácticas rituales de la magia y el ocultismo, marcas distintivas de su producción artística. Este núcleo de mujeres surrealistas lleva el nombre de Transformar el rito.

Tercer ojo, curada por María Amalia García, curadora en jefe de Malba, ocupa la recientemente nominada Sala Ricardo Esteves en el primer nivel del museo. Dividida en dos grandes núcleos conceptuales: Habitar y Transformar, fue modificando su puesta durante los dos años que lleva en exhibición. Se propone así el despliegue de un acervo en transformación que va cambiando de forma a lo largo del tiempo, iluminando los momentos claves del arte de la región en diálogo con temas artísticos y sociales, tanto históricos como contemporáneos.

En agosto, se sumaron a la exposición cinco piezas de arte latinoamericano recientemente adquiridas por Eduardo F. Costantini para su colección personal, que se exhiben por primera vez en el museo. En el lugar que ocupaba Manifestación (1934) de Antonio Berni, que desde junio forma parte de la exposición Manifestación de Mondongo, se encuentra la obra de grandes dimensiones Tragedia del Pongo (1932). Se trata de un óleo sobre arpillera del pintor y grabador boliviano Alejandro Mario Yllanes (1913-1960), cuya búsqueda artística se alineó con las manifestaciones del indigenismo en Perú y el muralismo mexicano, incorporando en sus obras de modo pionero los motivos y diseños de los pueblos indígenas. También se suma a la exhibición el dibujo Deidad con cabezas (s/f) realizado por el artista.

En el núcleo Habitantes se puede ver Apoteosis del general Manuel Mondragón (1922), de Nahui Olin (n. Carmen Mondragón, Ciudad de México 1893 – 1978), que representa al fallecido padre de la artista, el general Mondragón. Importante militar y diseñador de armas en el ejército mexicano, Mondragón era venerado por su diseño especializado de cañones. En este óleo sobre madera, Olin honra a su padre, pintándolo con medallas militares y coronándolo con hojas de laurel, como hacían los griegos con sus héroes.

Además, se incorporaron los retratos Mariana da Costa (2023) y André Rebouças (2023) de Dalton Paula (Brasilia, 1982), obras que fueron realizados a partir de investigaciones que el artista desarrolló en torno al cuerpo negro silenciado por el miedo y la inseguridad. La producción artística de Dalton Paula aborda historias y experiencias afrobrasileñas a través de la pintura, el dibujo, el video, la performance y el objeto

“Confianza de calidad”: obras que valen oro en otra edición imperdible de arteba

13 agosto, 202413 agosto, 2024 infoarte

Fuente: La Nación – Más de 400 artistas, representados por 65 galerías de 16 ciudades exhibirán sus obras desde el 30 de agosto hasta el 1 de septiembre en el Centro Costa Salguero; entre los compradores se contarán catorce museos de varios países.

Obras de más de 400 artistas, representados por 65 galerías de 16 ciudades: eso ofrecerá la próxima edición de arteba, una de las ferias de arte más importantes de América Latina, que se realizará desde el 30 de agosto hasta el 1 de septiembre en el Centro Costa Salguero. Así se anunció hoy en el Hotel Casa Lucía, ante más de doscientos galeristas, curadores, coleccionistas y representantes de instituciones y sponsors.

Larisa Andreani y el Consejo de Administración de la Fundación arteba en el lanzamiento de la próxima edición de la feriaFabián Malavolta

Además de estimular el “deseo de conocimiento” entre decenas de miles de visitantes, esta edición volverá a ofrecer “un lugar de confianza de calidad que es fundamental para la adquisición de obras de arte, para el crecimiento de colecciones institucionales y personales”, dijo Larisa Andreani, presidenta de la Fundación arteba. En este marco, anunció que Federico Braun (hijo) es el nuevo vice de la organización que impulsa esta feria hace más de tres décadas; reemplaza a Eduardo Mallea, nuevo jefe de la Aduana desde mayo último.

Catorce museos comprarán obras este año; en la foto, la adquisición de una obra de Emilia Gutiérrez por parte del Museo Nacional de Bellas Artes en 2023, en CosmocosaFabián Malavolta,Fabián Malavolta – LA NACION

Catorce museos participarán este año del programa de adquisiciones. Entre ellos se cuentan el Guggenheim (Estados Unidos); el Reina Sofía, el Macba y el CA2M (España), y el MALI (Perú), además de otros destacados de Buenos Aires, Salta, Santa Fe, Córdoba y Corrientes. Elegirán entre una cuidada selección de galerías y espacios que estuvo a cargo de un comité independiente integrado por las curadoras Carla Barbero y Florencia Malbrán; Mora Bacal (Ruth Benzacar), Amparo Díscoli (Cosmocosa) y Ricardo Ocampo (W).

Le paisan (1964), de Antonio Berni, en Roldán ModernoGentileza Roldán Moderno

Según anticiparon a LA NACION varios de los participantes, podrán verse obras de artistas consagrados como Leopoldo Maler y Juan José Cambre (Gachi Prieto); Rómulo Macciò y Kazuya Sakai (Vasari); Antonio Berni y Nicolás García Uriburu (Roldán); Claudia Fontes y Alfredo Londaibere (Nora Fisch); Diana Aisenberg y Lido Iacopetti (Aldo de Sousa); Juan Carlos Distéfano y Alicia Penalba (Palatina), entre muchas otras exhibidas por más de cuarenta galerías de la sección principal. La cordobesa The White Lodge volverá a sorprender allí con un stand curado: esta vez se enfocará en “el arte ingenuo y la naturaleza”, e incluirá una obra deNushi Muntaabski realizada en 2010 con dos faisanes de venecitas y oro 24 kilates.

Carazón, de Rómulo Macciò, en VasariGentileza Vasari

De la sección Utopia, centrada en las producciones más recientes, participarán 22 galerías, espacios gestionados por artistas, organizaciones sin fines de lucro y otras plataformas experimentales de comercialización de Buenos Aires, Córdoba, Rosario, Salta, La Plata, Pinamar, Rafaela, Tafí Viejo, Bogotá y Guayaquil. Entre ellos se definirán los ganadores del Premio En Obra, que el año pasado repartió la cifra récord de 13.800.000 pesos.

En Utopia, el Premio En Obra repartió el año pasado la cifra récord de 13.800.000 pesos

Habrá, además, otras distinciones: el Premio arteba al Coleccionismo, recibido el año pasado por Eduardo Costantini, y los flamantes Remax Collection, que otorgará cinco millones de pesos al mejor stand, y Pinamar #2254, por el que compiten los proyectos finalistas de Amalia Pica, Nicanor Aráoz, Julián Terán, Donjo León y el dúo integrado por Denise Groesman y Julieta García Vazquez. La obra ganadora se emplazará al aire libre en el nuevo vivero de la ciudad balnearia.

Se volverá a otorgar el Premio arteba al Coleccionismo, recibido el año pasado por Eduardo CostantiniGentileza arteba

Entre las novedades de esta edición se cuentan también un line up de DJs en vivo a cargo de Lollapalooza, la participación del Comedor Gourmet Belleza y Felicidad Fiorito y el programa Vivir con arte, que ofrecerá recorridos personalizados con asesoría para comprar obras en la feria. Las entradas, desde $4000 para estudiantes y jubilados, ya están disponibles en arteba.org.

La artista argentina que dibujó a Harry Potter volvió a ilustrarlo por los 25 años del primer libro

13 agosto, 2024 infoarte

Fuente: Clarín – En julio de 1990, dos hechos aparentemente desconectados tendrían un elemento en común: Harry Potter. En Escocia, a una escritora sin experiencia la asaltaba la idea de un niño hechicero mientras viajaba en tren. Durante el mismo mes del mismo año, pero en Estados Unidos, una joven argentina decidía que, a pesar de algunos comentarios escépticos de sus profesores, estudiaría ilustración.

La británica era J. K. Rowling y la argentina, Dolores Avendaño. Ella es la artista detrás de todas las portadas de los siete libros en español de la saga Harry Potter. Esas ilustraciones que fueron la carta de presentación de un fenómeno sin precedentes.

Ahora, en su casa de Escobar, Dolores rememora su carrera a 25 años de la publicación del primer libro, Harry Potter y la Piedra Filosofal. Ese que la llevó a dibujarlo por primera vez y le abrió las puertas a un mundo que, para ella, estuvo cargado de magia desde mucho antes. Hace poco, en colaboración con el coleccionista Patricio Tarantino (@coleccionistaharrypotter), ilustró una pequeña tirada especial, en honor al aniversario. Un nuevo dibujo salido de su pluma muestra otra vez a Harry con su lechuza Hedwig en 10 primeras ediciones del libro que Patricio fue juntando para orquestar este reencuentro entre la artista y su obra. Su Harry.La imaginación de Dolores Avendaño, la ilustradora argentina de Harry Potter.

¿Cómo fue el camino que la llevó a ser elegida para dibujarlo? «Me recibí de diseñadora gráfica en la UBA, pero cuando me dieron el título yo ya estaba en Estados Unidos. Siempre supe que quería estudiar ilustración, pero en ese momento acá no existía la carrera», cuenta Dolores en el estudio que tiene en su casa y donde atesora todos los libros que pasaron por sus lápices y acuarelas.

Investigando qué universidades enseñaban ilustración, dio con una que tenía como materia «cuentos de hadas». La magia ya la convocaba. «Mi madre tenía una colección de cuentos donde cada tomo era de un país distinto: Rusia, China, India. Yo leía el cuento, pero lo que me encantaban eran las ilustraciones. Ni siquiera sabía que se llamaba así pero yo quería hacer eso», recuerda.

En 1990, apostó a todo o nada por la universidad que parecía llevarla por ese camino. Envió tres dibujos y, a contrarreloj y corriendo camino al correo, redactó una carta contando por qué quería asistir a esa institución. Mucho antes de internet, debió insistir por llamadas de larga distancia hasta que le confirmaron que había sido aceptada.Dolores Avendaño es la autora de la versión de Harry Potter que ilustró todas las tapas de los libros en español. Foto: Diego Waldmann.

Así, se embarcó sola y por primera vez en su vida al hemisferio norte. Con algunas materias homologadas, debió hacer un curso de verano para ponerse a tiro. «En mi clase había un grupo de estudiantes que eran unos fenómenos, se llamaban ‘el regalo de Dios a la ilustración’. Hubo dos profesores que me recomendaron estudiar otra cosa, que era un ambiente competitivo y que iba a ser muy difícil para mí. Les agradecí, y seguí», confía.

Dolores estaba segura de que allí estaba su futuro. En dos años y medio completó la carrera, sola y sin contactos, y recibió su primer trabajo: On Halloween Night, un libro que le permitía desplegar toda su imaginación en páginas completas y con libertad absoluta. «Fue algo extraordinario, me dieron el trabajo en la entrevista misma. Puse mi alma en él, y fue como si a un atleta le dieran como primera competencia las Olimpíadas. Es el mejor libro que un artista puede tener, todo está en tus manos», agrega.

Era, a su vez, la llave maestra para lo que vino después. La editorial Emecé la contactó para «Sufridor: el caballito criollo que llegó a Alaska» y, poco después, para el proyecto de un ignoto niño mago que venía desde Gran Bretaña. Para ese entonces Dolores ya estaba de vuelta en la Argentina y preguntándose si lograría conseguir nuevos proyectos, a tantos kilómetros de distancia.Otra imagen de Harry Potter, luchando contra el basilisco, un monstruo con forma de serpiente gigante.

«La portada de Harry la tenía que entregar en una semana. Eso incluía leer el libro, hacer los bocetos y el original. Sentí que era el libro para mí», afirma, como recordando una corazonada. Así como la editorial Bloomsbury aceptó publicar el manuscrito de J.K. Rowling que otras habían rechazado, Dolores dio el salto de fe hacia esa historia que terminaría rompiendo todos los récords y marcando a fuego a una generación que hoy ronda los 40 años.

«Es muy importante cuando es algo que sentís adentro tuyo. Hay una frase que me encanta: ‘la vida se expande en proporción al coraje'», afirma. Ante la hoja en blanco, Dolores tenía algunas directivas: el director de arte le había pedido a Harry en la escoba, el unicornio y el castillo. Lo más difícil fue cómo resolver, estéticamente, la imagen del protagonista sentado en la escoba. Después de tres bocetos llegó la imagen que, unos meses después, inundaría las góndolas de todas las librerías del mundo hispano.

El fenómeno editorial se anticipó al boom del estreno de la primera película. Lo demás es historia. Las ilustraciones de Dolores acompañaron cada entrega de la saga literaria, cada vigilia previa al lanzamiento de un nuevo libro y están todavía en millones de casas alrededor del mundo. En paralelo al éxito, cuando Dolores empezó a transitar la década de los 30, comenzó a sentir la presión. Junto al coleccionista Patricio Tarantino, con quien lanzó una tirada especial en aniversario a los 25 años de La Piedra Filosofal.

«Confluyeron varias cosas. Hubo un cambio en la portada y me pedían a Harry en primer plano, pero yo siempre preferí mostrar el universo. También me cayó la ficha de que tenía un sueño inconcluso que era correr larga distancia», confiesa. Fue en ese momento cuando el deporte apareció como un bálsamo. Aunque las redes sociales todavía no existían, la expectativa del público se sentía y también las exigencias de la editorial. Dolores, entonces, empezó a entrenar para correr ultramaratones. Lejos de escapar, le sirvió para volver a centrarse.

«La ilustración y el deporte para mí siempre se complementaron. El tablero, el estudio, siempre son algo cerrado, solitario. Corriendo también estás solo, pero afuera. Ese contacto me sirvió cuando estaba trabada», asegura. Poco a poco le fue volviendo a encontrar el gusto a la ilustración. Mientras Dolores viajaba a diferentes países a correr megamaratones que pueden llegar a demorar días, Harry Potter también llegaba a su fin.

El séptimo libro se publicó en 2007, y ya no hubo más. «Harry Potter nunca se cierra. En un momento dije ‘ya está, quiero otras cosas’, pero es difícil porque es algo sumamente icónico. Aunque, nunca se sabe tampoco…», aventura Dolores, quien sigue muy activa y sus obras pueden encontrarse incluso en libros de lectura, productos alimenticios o hasta reglas para medir la altura de los chicos. En su taller, incluso, tiene una mesa repleta de huevos de ñandú pintados por ella y donde la temática fantástica sigue muy presente, como en toda su vida.

Si algo destaca de su obra, es que sigue siendo tan analógica y artesanal como siempre. Si bien hace algunos retoques con la PC, sigue usando el tablero que usaba que tenía cuando estudiaba Diseño. «La sensación del pincel en la mano, el ritual me encanta. Mi elección es seguir trabajando así», agrega. Sobre un escritorio despliega algunas de sus antiguas ilustraciones de Harry Potter: aparecen Hagrid, Dumbledore, los dragones. Pasaron 25 años pero no hay mejor excusa para volver a encontrarlos.

El Concurso Nacional de Manchas celebra dos décadas a puro arte

12 agosto, 202412 agosto, 2024 infoarte

Fuente: El Libertador – La ciudad de Goya se viste de gala para recibir a artistas plásticos de todo el país en el marco del 20° Concurso Nacional Paisajista de Manchas: Pintemos Goya 2024. El certamen, que se desarrollará a partir del próximo jueves 15 hasta el domingo 18, invita a los participantes a plasmar en sus obras la esencia de la ciudad, su gente, cultura y entorno natural, o bien a explorar la belleza de la Reserva Natural Isla de las Damas.

CERTAMEN

El concurso propone a los artistas, ya sean profesionales o aficionados, desplegar su talento y creatividad capturando la esencia de Goya y su entorno a través de la técnica del paisaje. Los participantes tendrán la libertad de elegir entre dos temáticas: Paisajes de Goya o Reserva Natural Isla de las Damas.

El evento tiene como objetivo promover la creación artística y fomentar la expresión plástica en torno a la temática paisajística de la ciudad y su entorno natural, valorizando su patrimonio cultural y natural.

PREMIOS Y RECONOCIMIENTO

Las obras seleccionadas por el jurado serán premiadas con dinero en efectivo en las categorías profesionales, aficionados y locales. Además, se otorgará un premio especial al Ganador de Ganadores. Las obras premiadas y seleccionadas quedarán en propiedad del Municipio y formarán parte de la colección permanente del Museo de Goya.

Las obras seleccionadas por el jurado serán exhibidas al público en una muestra a realizarse en la histórica Casa de la Cultura de la ciudad durante en septiembre venidero.

El jurado estará compuesto por destacadas personalidades del ámbito artístico y cultural.

El concurso, además de ser una oportunidad para los artistas de mostrar su talento, también constituye un encuentro con la cultura que enriquece la vida de la ciudad. Sumará diversas actividades paralelas como una peña bailable, una velada folclórica y una cena show.

La ciudad de Goya invita a todos los artistas paisajistas del país a sumarse a esta gran fiesta del arte y la cultura. Las bases y condiciones del concurso, así como los formularios de inscripción, se encuentran disponibles en la página web del Municipio y en sus redes sociales.

INSCRIPCIÓN

La inscripción al concurso se realiza online a través de los formularios específicos para cada categoría:
Profesionales y aficionados:
https://forms.gle/pPTEQdjz3cMjHN2n7
Locales:
https://forms.gle/KRPzYHoQoeqLJtz66
Ganador de ganadores:
https://forms.gle/V9RNHBG7aRZqnJWs8
El plazo de inscripción cierra el miércoles 14.

Inscripción para Arte Joven

12 agosto, 202412 agosto, 2024 infoarte

Fuente: Página12 – Quedan pocos días para inscribirse en la Edición 2024 del Salón Provincial Arte Joven-Pintura.

La convocatoria estará abierta hasta el 16 de agosto.

Podrán participar artistas plásticos de toda la Provincia. El certamen forma parte de las propuestas impulsadas por el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires

Dice la convocatoria que «el certamen de Arte Joven promueve la participación igualitaria en cuanto a género, tanto en la designación del jurado como en la selección y premiación de las obras». Agrega que «tiene por objeto difundir y estimular la producción artística y la experimentación en las artes visuales».

Podrán participar artistas entre 18 y 30 años de edad, residentes de la provincia de Buenos Aires a la fecha de cierre de la inscripción. Se otorgarán tres premios adquisición de 900.000 pesos y tres menciones.

Las obras ganadoras pasarán a formar parte del patrimonio del Museo Pettoruti. Los premios serán otorgados por el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires, la Honorable Cámara de Senadores de la Provincia de Buenos Aires, y la Honorable Cámara de Diputados de la Provincia de Buenos Aires.

Además habrá tres menciones de honor, a cargo del museo, de la Subsecretaría de Políticas Culturales de la Provincia de Buenos Aires y de la Dirección Provincial de Artes.

El formulario de inscripción se encuentra disponible en la página del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires.

El Met prepara una gran celebración del arte latinoamericano

12 agosto, 202412 agosto, 2024 infoarte

Fuente: Infobae – El Museo Metropolitano de Nueva York tendrá, en los próximos meses, muestras de arte mexicano de vanguardia y de arte antiguo de las Américas.

El Museo Metropolitano de Nueva York se prepara para hacer en los próximos meses una gran celebración de arte mexicano de vanguardia, de arte antiguo de las Américas, y de su influencia en tiempo y el espacio, según dijo su director y consejero delegado, Max Hollein.

“La cultura no es una historia lineal ni una calle de un solo sentido, y de eso trata el museo. Esto es lo que el Met va a celebrar aún más, y eso conectará con nuestras diferentes audiencias”, entre ellas la hispana, muy presente en Nueva York -su público clave- y en su plantilla, donde representa “un 17 %”, dice.

El director del Met desde hace seis años concede una entrevista enfocada en la importancia del arte latinoamericano en el museo, caminando con soltura por una sucesión de galerías excepcionalmente vacías en miércoles, día de cierre al público, y donde rebota el eco de los pasos y los saludos del personal.

Durante su liderazgo, Hollein (Viena, 1969), consejero delegado desde hace un año, ha incidido en que el museo debe ser “universal”, ha diversificado la plantilla y ha hecho destacar el “intercambio” entre culturas que alimenta el arte frente al “punto de vista eurocéntrico” habitual en las colecciones.

El ala Rockefeller acogerá unos 4.000 objetos en galerías dedicadas al arte antiguo de las Américas, de África y de Oceanía

“En medio de lo que llamamos galerías de pinturas europeas, hay ejemplos sobresalientes de pinturas mexicanas”, señala Hollein en una sala sobre “las Américas españolas” que ejemplifica ese “entendimiento complejo” del cruce de culturas en siglos pasados.

Las galerías europeas reabrieron a finales de 2023, tras unas obras de cinco años y 150 millones de dólares, y ahora el Met apuntala la transformación de otra importante zona: el ala Michael C. Rockefeller, que volverá en la primavera de 2025 tras un proyecto de casi cuatro años y 70 millones de dólares.

El ala Rockefeller acogerá unos 4.000 objetos en galerías dedicadas al arte antiguo de las Américas, de África y de Oceanía, y a las primeras corresponde “un tercio”, incluyendo artes prehispánicas, fruto de décadas de coleccionismo y de “sólidas relaciones” con todos los países de la región, desgrana Hollein.

“Es un momento que refleja los intercambios, las colaboraciones y la celebración continua del arte mexicano y el arte latinoamericano aquí en el Met y en todas partes”, vaticina sobre ese estreno, para el que no se ha anunciado fecha concreta.

Grabado mexicano que se expondrá en septiembre con el nombre de «Carteles mexicanos de vanguardia» en el MET

“Me gustaría que se vea como un intercambio tremendamente colegiado, que refleje la erudición de nuestros colegas, especialmente de Latinoamérica”, comenta.

A corto plazo, el museo ultima la exposición Grabados Mexicanos de Vanguardia que abrirá el 12 de septiembre con 130 objetos de su colección, de los siglos XVIII a XX, con artistas emblemáticos como José Guadalupe Posada, Diego Rivera, José Clemente Orozco y Leopoldo Méndez.

Hollein muestra un adelanto en una sala para investigadores y señala una pieza del ilustrador nacido en Francia Jean Charlot, iniciador del vasto “repositorio” del Met, y destaca la expresión artística de las obras y su discurso político, que conecta con los tiempos actuales “de activismo y gran división social”.

El museo también ha divulgado planes de exponer a principios de 2025, por separado, más grabados mexicanos que fueron donados por la familia Pinkowitz este año.

El director del Museo Metropolitano de Arte New York, Max HolleinEFE

El líder del Met asegura que la institución, equilibrada entre “legado” y “evolución”, va en una “buena trayectoria”, y aplaude también la labor de investigación sobre la procedencia de sus obras que realiza un grupo específico de 11 profesionales, el más grande de este tipo en un museo.

Hollein, que ha aludido en el pasado a un pequeño porcentaje de orígenes dudosos entre 1,5 millones de piezas, indica que esa labor abarca objetos de Latinoamérica y sigue “dando resultados”, desde restituciones si se confirma ilegalidad, hasta nueva información sobre las obras, becas o acuerdos con países.

Entre los planes a largo plazo para el Met, Hollein adelanta que en los próximos ocho años se “cambiará, replanteará y reinstalará un cuarto de la colección entera que está a la vista”, y agrega que “la primera gran manifestación de esto será la reapertura del ala Rockefeller”.

Fuente: EFE. Fotos: EFE/ Ángel Colmenares

Un ecosistema para emprendimientos de arte y cultura: la clave para generar más negocios armónicos

11 agosto, 202411 agosto, 2024 infoarte

Fuente: InfoNegocios – Lovvi, con su compromiso hacia una sociedad más armónica y centrada en los valores humanos, entiende que los negocios deben ir más allá de la mera rentabilidad y por ello hoy presentamos un modelo emergente de trabajo entre el arte, la cultura y los negocios que impacten positivamente en el desarrollo de nuevos negocios para una sociedad en paz.

En un mundo donde el avance tecnológico y la globalización redefinen nuestras vidas, surge la necesidad urgente de reconectar con los valores humanos esenciales, por ende, generar ecosistemas que favorezcan el desarrollo de emprendimientos de arte y cultura y vincularlos con otros sectores de la economía y la sociedad es crucial no solo para fomentar la innovación y la creatividad, sino también para generar negocios armónicos y sostenibles que respeten y potencien nuestra capacidad humana.

Nohelia Sánchez y Carina Valoni, fundadoras de KunturLab, poseen amplia trayectoria en emprendedurismo y acompañamiento a startups y una gran sensibilidad por el mundo de las artes, experiencia que las ha hecho validar que esa articulación es esencial para potenciar nuevos modelos de negocio que respeten la esencia de esta potente industria y se proponen hacerlo través de programas de asesoramiento, mentoría, financiamiento y colaboración que permitan a los emprendedores culturales desarrollar sus proyectos, rentabilizarlos y alcanzar un impacto significativo.

El arte y la cultura han sido siempre los pilares de la identidad humana. A través de la música, la literatura, el cine, el teatro y otras formas de expresión artística, las sociedades comunican sus valores, historias y aspiraciones. Estos elementos no solo nos entretienen, sino que también nos conectan, nos inspiran y nos invitan a reflexionar sobre nuestra existencia y nuestro lugar en el mundo.

Ecosistemas creativos: impulsores de innovación más humana

Los ecosistemas que fomentan la creación de emprendimientos en el ámbito del arte y la cultura tienen un impacto profundo en la sociedad. Estos entornos proporcionan un espacio donde artistas, emprendedores, tecnólogos e inversores pueden colaborar y desarrollar proyectos que buscan tanto el éxito económico como el bienestar social y cultural.

Bajo este propósito nace KunturLab, una plataforma de incubación, aceleración y vinculación de proyectos de base cultural y artística que integren la tecnología y las herramientas emprendedoras. La visión de sus fundadoras es clara: articular negocios privados con el arte y la cultura es esencial para construir un futuro más equilibrado y sostenible. Esta integración promueve la innovación y la creatividad, características indispensables en un mundo que necesita soluciones nuevas y audaces para sus desafíos más apremiantes.

Negocios armónicos y valores humanos

Desarrollar un ecosistema que favorezca los emprendimientos artísticos y culturales no sólo tiene beneficios económicos, sino que también contribuye significativamente a la promoción de valores humanos, partiendo de una visión holística. La empatía, la cooperación, el respeto por la diversidad y la búsqueda de un propósito más elevado son valores que se integran naturalmente en los negocios que apoyan las artes y la cultura.

Estos valores se traducen en prácticas empresariales más sostenibles y éticas. Las empresas que apoyan a los artistas y a los proyectos culturales tienden a ser más conscientes de su impacto social y ambiental. Además, al fomentar la creatividad y la innovación, estos negocios están mejor equipados para adaptarse a los cambios del mercado y encontrar soluciones a problemas complejos.

Un futuro armónico y sostenible

Al integrar los valores humanos en el mundo de los negocios, no solo creamos un entorno más ético y equitativo, sino que también fomentamos la innovación y la creatividad necesarias para enfrentar los desafíos del futuro.

En conclusión, la creación de estos ecosistemas no es solo una oportunidad económica, sino también una necesidad social y cultural. Al apoyar y promover los emprendimientos artísticos y culturales, estamos invirtiendo en un futuro donde los negocios y la humanidad puedan prosperar juntos, en armonía con los valores que nos hacen verdaderamente humanos.

Para entrar en contacto con KunturLab, o seguirlas en sus redes, ingresá a este link.

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Carlos Enrique Uriarte: el arte de convertir el litoral en pinceladas

11 agosto, 202411 agosto, 2024 infoarte

Fuente: El Litoral – En agosto de 1970, una galería santafesina acogió diez obras del rosarino. La reseña de Jorge Taverna Irigoyen en El Litoral resaltó la elegancia de sus obras, ventanas a un mundo de paisajes y emociones.

En agosto de 1970, en una galería santafesina, se concretó una muestra a cargo de Carlos Enrique Uriarte, artista rosarino nacido en 1910 y fallecido en 1995. Al principio, utilizó como inspiración calles, puertos y personas. Más tarde se inclinó hacia los paisajes rurales y los ríos y luego por espacios del litoral, tanto en acuarela como en témpera y óleo. El día 9 de agosto, el crítico de El Litoral Jorge Taverna Irigoyen publicó una reseña bajo el título “Acuarelas de Uriarte”. A continuación, se reproducen los párrafos más salientes.

“La acuarela -ya lo hemos destacado en más de una oportunidad- es un género aparentemente sencillo, pero al cual pocos pintores pueden entrar con soltura y la necesaria «diafanidad» expresiva. Sin duda, también, la acuarela se adapta más para reflejar los espacios abiertos que las composiciones de interior: tal vez esto en razón de los más amplios juegos de luces, así como la posibilidad de cielos y aguas, junto a los efectos de horizonte y lejanía”.

“En nuestro país hay excelentes acuarelistas que a partir de la maestría indudable de Jorge Larco, han expresado con personalidad sus obras. No son muchos, pero es honroso destacar que los más valiosos son santafesinos: desde Francisco C. Puccinelli, portador de un justo liderazgo en la materia, hasta Juan Grela, Ricardo Supisiche y Carlos E. Uriarte. Precisamente, este último artista presenta una serie de diez trabajos en la galería Finuart, que merecen ser estimados por el público”.

“Grupos de pescadores con sus canoas, ante playas y cielos inmensos, constituyen la temática de estas obras. Una temática que, por cierto, es sustentáculo de la mayor parte del quehacer del artista antes y después de su consagratorio premio Palanza, que obtuviera en 1965. Al abordarla con las aguas cromáticas de la acuarela, el artista deja que el pincel deslice sobre el papel una sensación de aquietada inmensidad, fundiendo las gamas – espacios con indiscutible dominio de factura. Sus trabajos adquieren así una emotiva sugerencia, controlada por la fijación a pincel más seco, dentro de un toque «comilla» que recuerda formulaciones orientales, el ritmo preciso de unos caballos, un carro, canoas o cajones de pescados. Si bien en estas acuarelas hay algunos cielos con amarillos timbrados, es en las gamas de azules y grises apizarrados donde obtiene una mayor sugerencia y ese sentido de inmensidad adquiere su entero realce”.

“Hace varios años, en la desaparecida galería Libretex, el público santafesino tuvo oportunidad de apreciar un buen conjunto de acuarelas de Uriarte. La muestra que ahora ofrece Finuart lo revela en un plano de madurez realizativa”.

Banksy y su misteriosa saga de “arte animal” asombran y confunden a Londres

11 agosto, 202411 agosto, 2024 infoarte

Fuente: Infobae – Cabras, monos, elefantes, lobos y pelícanos: el célebre artista anónimo plasmó esta semana una serie particular de obras. Expertos y fans especulan sobre el mensaje oculto detrás de cada una de ellas.

Primero vino la cabra montesa, parada en un saliente precario. Luego vinieron dos elefantes juguetones – seguidos por tres monos balanceándose. El jueves, un lobo aullando sobre una antena satelital (una obra ¿robada? una hora después de emplazada), y el viernes, dos pelícanos alimentándose de peces encima de un bar de “fish and chips”. El famoso artista callejero anónimo Banksy está deleitando e intrigando a la ciudad de Londres este verano, con cinco obras de arte con temática animal que aparecieron en sucesión durante esta semana.

El artista de Bristol, que mantiene su identidad envuelta en secreto, se comunica con el público a través de sus murales y plantillas de grafiti distintivos. Su trabajo a menudo lleva mensajes políticos o, a veces, parece diseñado solo para divertirse un poco. Nadie lo sabe porque él no dice nada más.

Esta semana, parece estar explorando una serie con temática animal, y todas las obras se han compartido en su página oficial de Instagram sin ningún título o contexto, lo que ha provocado especulaciones tanto de observadores como de expertos en arte sobre su significado y lo que podría venir después.

Daniel Lloyd-Morgan dibuja la obra de Banksy del viernes 9 de agosto: dos pelícanos comiendo peces sobre Bonners Fish Bar, en Walthamstow (Foto: REUTERS/Toby Melville).REUTERS

“Es muy inusual en el arte de Banksy presentar una serie de obras de esta manera”, dice el profesor Paul Gough, vicecanciller de la Arts University Bournemouth, en comentarios enviados por correo electrónico el jueves. “Creo que esto está conduciendo a algo bastante sustancial”, agregó, prediciendo una “gran revelación” para el fin de semana.

El tema animal comenzó el lunes cuando apareció una cabra montesa pintada aparentemente tambaleándose en un saliente pequeño y precario, con rocas cayendo debajo a la vista de una cámara de seguridad real. La cabra montesa fue pintada cerca de Kew Bridge en Richmond, al sudoeste de Londres, y se compartió el lunes con los casi 13 millones de seguidores de Instagram de Banksy.

“El chivo expiatorio?” escribió un seguidor en línea tratando de interpretar la imagen. Otros especularon que podría tratar sobre una sociedad de vigilancia, la guerra en Oriente Medio o la protección de los derechos de los animales.

La «cabra» de Banksy, en una esquina del barrio de Kew, municipio de Richmond upon Thames, inició la serie el lunes 5 de agosto (Foto: REUTERS/Toby Melville)REUTERS

Tan solo 24 horas después, los fanáticos fueron obsequiados con un par de elefantes en la cuenta de Instagram de Banksy. Los mamíferos parecen colgar fuera de dos ventanas tapiadas en Chelsea, apuntando sus trompas el uno al otro juguetonamente. Un elefante parece tener colmillos. “Caminando y ignorando ‘el elefante en la habitación’…” fue la interpretación de un fan en línea.

El miércoles, el artista compartió una imagen de tres monos que parecen balancearse en un puente ferroviario en la moderna área de Shoreditch, en el este de Londres. El trío de monos se balancea de sus brazos y colas a una altura en la concurrida zona comercial, con algunas especulaciones en línea de que aluden al proverbio “No ver el mal, no oír el mal, no hablar del mal”.

Luego, el jueves, llegó la imagen de un lobo, que parece aullar a la luna, representado en una antena parabólica sobre una tienda en el barrio de Peckham, en el sur de Londres. “¡El zoológico de Londres por Banksy!” escribió un fan sobre la obra. El viernes, dos pelícanos comen peces justamente encima de un restaurante especializado en el plato típico del gusto londinense: fish and chips (pescado y papas fritas). La diputada laborista Stella Creasy de la circunscripción de Walthamstow, celebró en X el nuevo grafiti con el que el barrio había amanecido y agradeció al artista haber aportado “un poco de magia” a sus calles.

La cuarta obra de la saga «animal» de Banksy en Londres fue robada horas después de haber sido emplazada (Foto: Raúl Bobé/EFE).

Gough, el experto en arte que ha negado los rumores online de que él es, de hecho, Banksy, dijo que el enigmático artista callejero utiliza regularmente animales en su arte, incluyendo chimpancés, ratas, perros y focas, entre otros. Lo hace generalmente “para transmitir mensajes urgentes sobre cuestiones medioambientales, amenazas al hábitat y el impacto del cambio climático”, dice. “Pero también son metáforas poderosas para el estado de la política global y el mundo problemático que hemos creado”.

De la serie actual, Gough señala que Banksy “está creando un menagerie de animales, un bestiario de bestias, que seguirá captando la atención y elevando las apuestas – es el marketing de Banksy en su mejor y más impactante forma, construyendo una enorme expectativa”.

Los elefantes de Banksy, la obra del martes 6 de agosto en el barrio londinense de Fulham (Foto: REUTERS/Mina Kim)REUTERS

El artista y conferenciante Benedict Carpenter van Barthold tiene su propia interpretación. “Las nuevas piezas de Banksy sugieren que Londres es un zoológico, donde no está claro si somos los visitantes o los animales,” escribió en un correo electrónico. “Estas nuevas obras tienen un sentimiento más juguetón en comparación con sus trabajos anteriores, y no llevan el mismo tono urgente… Será interesante ver hacia dónde se dirige.”

A pesar de ser un nombre conocido, Banksy ha logrado mantener su anonimato desde que saltó a la fama en los años 90. Las obras del artista callejero se venden por millones y aparecen en todo el mundo, causando un gran revuelo en el mundo del arte y en las redes sociales, incluyendo en Estados Unidos, Ucrania, Gaza y Cisjordania, y con frecuencia en Reino Unido. Una versión de una sus imágenes más populares, una niña alcanzando un globo en forma de corazón, se vendió en una subasta por $1.4 millones en 2018. En la reventa, luego de que el artista la destruyera parcialmente, la obra se vendió por más de $25 millones en 2021.

Para Gough, los últimos murales con temática animal tenían un mensaje edificante: “Dado el actual estado de penuria del mundo, es tan gratificante que aún querramos hablar sobre el poder de lo visual y el papel que los artistas pueden desempeñar en recordarnos nuestros valores humanos.”

Fuente: The Washington Post