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Fuente: El Diario Sur – Las obras de un artista de Monte Grande fueron seleccionadas por las autoridades culturales de Qatar para representar a Argentina en Doha durante el mes de noviembre de este año, en el marco de un festival internacional de arte. Se trata de Camilo Jankovits, quien tiene 32 años y en 2023 expuso su trabajo en Carrusel del Louvre de París.

«La expo trata de abrir las puertas al mundo, poder mostrar lo que hago en un nuevo mercado de arte y estar en la escena de lo que será el futuro de las exposiciones en Medio Oriente», explicó en diálogo con El Diario Sur el vecino, que se dedica a la pintura.

Las obras del vecino estarán expuestas en el marco del festival llamado QIAF (Qatar Internacional Art Festival).

Sus obras fueron seleccionadas por la galería «Artes Reales», que se encuentra en San Telmo, la misma con la que viajó a París el año pasado. Esta vez, estarán expuestas en el marco del festival llamado QIAF (Qatar Internacional Art Festival), que tendrá lugar del 25 al 30 de noviembre.

«En principio llevaré obra grande, mediana y chica para todo el público, aproximadamente unas 7 obras de distintas medidas», detalló el artista. Y agregó: «Esta es una oportunidad sumamente única, estoy feliz de poder representar a mi país una vez más en el exterior».

«Voy a tratar de llevar obras que refieran un poco a la cultura catarí. Ellos le dan mucha importancia a los animales, para ellos son sagrados, por ejemplo el halcón», detalló el vecino.

Una de las obras que el artista expondrá en Qatar.

Además, destacó: «Desde la organización de QIAF van a premiar con un trofeo al mejor artista, mejor disciplina y mejor obra de arte. Estoy expectante para ver si logro traer la copa a Argentina».

«Hubo mucha repercusión, pero siempre con los pies sobre la tierra y entendiendo que esto es una muestra más para poder hacer llegar mi arte a todos lados», subrayó Camilo. Y concluyó: «Estoy agradecido con la gente que me apoya y me ayuda para poder cumplir el sueño de vivir del arte y llevar nuestra bandera a lo mas alto».

Actualmente, el vecino se encuentra preparando su muestra para la feria de arte BADA en La Rural, que tendrá lugar los días 29, 30 y 31 de agosto, y el 1° de septiembre. Posteriormente, en el mes de noviembre viajará a Doha.

Camilo Jankovits tiene 32 años y vive en Monte Grande.

Camilo y el arte

“El arte estuvo presente desde muy chico. En mi casa se escuchaba música variada y se colgaban reproducciones de obras de arte de Dalí, Diego Rivera y Frida Kahlo”, contó el artista en diálogo con El Diario Sur. Más adelante, en 2016, decidió comenzar un taller de modelado en arcilla.

Tras un accidente que le produjo una rotura de ligamentos, Camilo se vio obligado a dejar el taller: “Mi profesor me insistió en que dibuje sin parar, y eso hice. Comencé a dibujar mientras estaba en cama, en medio de una recuperación post-quirúrgica”.

Una vez recuperado por completo, el vecino tomó la decisión de pintar e indagar en esa rama del arte. “Hoy en día me autodenomino ‘pintor’”, sostuvo y aclaró que trabaja con acrílico en telas de distintos tamaños.

Camilo cosidera a las rosas como “símbolo de amor y de profundidad”.

Camilo asegura que su trabajo artístico consiste en “una búsqueda constante” y no quiere definirlo porque sostiene que eso es igual a limitarlo. Sin embargo, entre sus obras se destacan las rosas como “símbolo de amor y de profundidad”.

Incluso uno de sus trabajos más conocidos lleva el nombre de «El gitano de la rosa». El vecino contó a El Diario Sur la historia de esta obra: “Hace 20 años, en una tarde de otoño en Temperley, fui a merendar con mi vieja y se nos cruzó en el camino un gitano. Tenía en una mano un vino en cartón, y en la otra una rosa bien roja. Me dijo ‘niño, algún día encontrarás el amor más profundo que el mar’. Siguió su camino y yo recuerdo su frase todos los días de mi vida”.

«Quizás hay sensaciones que no puedo escribirlas porque tampoco hay palabras inventadas para eso. Ahí bueno, surge el arte, la necesidad de poder pintar», explicó Camilo. Y continuó: «Si bien yo empiezo a pintar, no voy con una idea fija. Yo pongo colores, pongo un montón de energía en el bastidor y con el tiempo empiezo a darme cuenta de que empiezan a aparecer figuras».

Otro de los trabajos icónicos del vecino de Monte Grande lleva el nombre “La paloma sin paz”: “Es la una paloma decapitada. Hay guerras, sangre por todos lados. Yo trato de hablar crudamente de la realidad y mis trazos son desprolijos. Hay personas a las que mucho no les gusta, a otras les encanta”. Este cuadro lo vendió a una chica de Corea del Sur.

Quienes quieran conocer más sobre el trabajo de Camilo o contactarse con él, pueden hacerlo ingresando a su Instagram: @camilojkv.

“La paloma sin paz”, una de las obras más icónicas del vecino de Monte Grande.

Fuente: Clarín – A 150 años del nacimiento de Joaquín Torres-García (1874-1949), artista que renovó y globalizó el arte latinoamericano, los homenajes no se hicieron esperar. En su cuna, Uruguay, el acto iniciático tuvo lugar a comienzos de año en el Museo de Arte Contemporáneo Atchugarry (MACA) con El descubrimiento de sí mismo, una muestra que lleva título homónimo de uno de los primeros libros del autor (1917). Las curadores argentinas Aimé Iglesias Lukin y Cecilia Rabossi realizaron una investigación de archivo para reunir las huellas del maestro. Mediante documentos, pinturas, acuarelas, collages, objetos y juguetes de madera revelaron los procesos mentales que derivaron en el sistema pictórico conocido como “universalismo constructivo”, concepción artística y filosófica desarrollada por Torres-García, en la que cifró una importante porción de su legado, a partir de la extraordinaria originalidad de su actitud y de su pintura.

En abril, en el Museo Blanes de Montevideo y bajo la curaduría de María Eugenia Méndez y Cristina Bausero se realizó la exposición Ellas. Mujeres de la Escuela del Sur, que buscó dar visibilidad y destacar la contribución pictórica de 42 mujeres artistas (de las 115 participantes que se estima pasaron por la Escuela del Sur, fundada en 1935), como Raquel Orzuj, María Esther Mendy, Amalia Nieto y María Cantú.La muestra Ellas. Mujeres de la Escuela del Sur, en el Museo Blanes de Montevideo.

Anticipándose algunas semanas a la inauguración de la muestra Clásico. Moderno. Universal en el Museo Torres-García (donde se dio a conocer la nueva edición del libro Universalismo constructivo (1944), el Museo Nacional de Artes Visuales de Montevideo celebró el aniversario con la exposición El universo como reto, que incluye no solo su intensa labor plástica, sino también la faceta docente, ya que comparecen allí la totalidad de las obras que integran la pinacoteca Torres-García en el MNAV, más una selección de piezas de los alumnos de su Taller. La muestra “trasunta profundas inquietudes filosóficas con componentes neoplatónicos y pitagóricos. Dígase reglas y material sensible que introduce lo aleatorio: el cartel, la ciudad, el movimiento. En suma, una concepción universalista del ser humano”, según indican en el texto curatorial sus responsables Enrique Aguerre, María Eugenia Grau y Fernando Loustaunau.

Finalmente, a este recorrido de celebraciones se suma el estreno del largometraje documental Pax in Lucem, del cineasta Emiliano Mazza de Luca (1970) y del director del Museo Torres-García en Uruguay, bisnieto del artista, Alejandro Díaz Lageard (1969). El plot de la cinta es este: el hallazgo de tres grandes fragmentos del mural Pax in Lucem, obra icónica del autor homenajeado, que se creía perdida en el incendio del Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro (1978) junto con 73 piezas que conformaban el núcleo duro de la obra del pintor, reunidas allí para una retrospectiva, detona en un viaje hacia los entretelones de su peripecia vital y familiar, y tiene como telón de fondo la restauración de los fragmentos quemados por el fuego.Desde el jardín hasta las salas, el Museo Nacional de Artes Visuales exhibe su acervo del artista.

Síntesis que perdura

Juan Carlos Onetti (1909-1994), antes de publicar su primera novela, El pozo, antes de encaminarse a ser el escritor que la mayoría de los lectores hispanohablantes hoy reconoce, había manifestado su admiración por la figura de Torres-García: el cuento “Avenida de Mayo-Diagonal-Avenida de Mayo” (1933) muestra apenas una pátina de esa influencia. Onetti interceptó al pintor para entrevistarlo pocos años después de su retorno a Uruguay, en 1934. Producto de esa charla, en 1939 se publicó un imperdible reportaje en las páginas del Semanario Marcha, que parece haber sentado las bases de una amistad: Conversando de pintura con Joaquín Torres-García. Los dardos que le tiraba Onetti a Torres, haciendo gala de su “habitual pesimismo”, dan muestras de una respetuosa y divertida complicidad. Y lejos de esquivarlos, entre anécdotas y posicionamientos críticos en torno al estado de la cuestión en el provinciano medio artístico rioplatense y, en especial, sobre su presencia en Uruguay, el pintor pasó en limpio una idea crucial que nos ayudó mucho a interpretarlo: “Las valores que forman el arte constructivo no son los valores comunes, actuales, que evolucionan con las costumbres y formas de vida de los pueblos. Son los valores eternos, los inseparables del hombre de todos los tiempos. Nada tiene que ver con las cosas inmediatas, las que hacen correr a la gente aquí y en las antípodas […] si somos individuos, somos también y antes que nada hombres en un sentido universal, cósmico. Y que esto es lo mejor, lo más auténtico y profundo que hay en nosotros.”

Acaso esta eficaz síntesis, esta ética creativa, sigue resonando cuando hablamos de Torres-García, ya que logró trascender al artista y a su tiempo. Así, su trabajo sigue captando el interés de nuevos espectadores a través de viejos símbolos consagrados. Pero no alcanza con entender al universalismo constructivo como concepto, sino que hay que tenderlo como puente tangible, convertirlo en una vía que lo conduzca hacia la realidad cotidiana, que es la suya: botellas, peces, bolsos, casas, personas, soles, números, chimeneas, autos, ciudades, todo el tiempo, en todos lados, vemos la obra de Torres-García, en la calle, donde las acciones del individuo son capaces de adquirir estatuto universal.Paisaje de ciudad, 1918. Óleo sobre cartón, 36 x 51 cm.

Aunque la obra y el pensamiento de Torres estén unidos a la conciencia de la crisis de las vanguardias, en un artículo que cumplió ya veinte años (Joaquín Torres García ahora, 2004), el filósofo uruguayo Juan Fló (1930-2021) señalaba a propósito de la recepción extranjera de la obra del pintor que la crítica internacional recurría a simplificaciones que ponían el acento en el indigenismo de su arte con la finalidad de “latinoamericanizarlo trivialmente”. Siguiendo a Flo, esa lectura, “interesada en una fácil clasificación de su obra, que sirva para captar inocentes coleccionistas de arte latinoamericano”, no toma tanto en cuenta la obra escrita del autor, ese “residuo incómodo” que dejó junto a su producción pictórica, tan o no menos importante que esta: “como la obra parecía defenderse sola, la política adoptada ha sido la de ignorar ese inmanejable subproducto.” Puede que hoy esto no sea diferente.

El universo como reto se exhibe en tres espacios dentro del MNAV. En el jardín se aprecia la robusta escultura Monumento Cósmico (1939), realizada en granito rosado, como una declaración pétrea de los principios filosóficos del pintor. Adentro, en la Sala 2, se ofrece una selección de obras de artistas del Taller Torres-García. Entre ellos, Manuel Aguiar, Julio Alpuy, Elsa Andrada, Gonzalo Fonseca y José Gurvich. Y en la Sala 5, con un efecto de ecosistema aparte, se presentan 37 piezas, a las que se suma la excepcional presencia de una obra de Rafael Barradas (1890-1929) “Naturaleza muerta con carta de Torres-García”, 1919, como testimonio de un fructífero intercambio. Composiciones, figuras, paisajes, pinturas constructivas y retratos de Pasteur (1919), de Velázquez (1940), y tres autorretratos (1892, 1921 y 1940), completan un atractivo recorrido al que se puede asistir hasta octubre de este año.

Si bien la muestra “dialoga al tiempo que confronta con el mero orden cronológico” de las piezas, se resiente la falta de otros insumos interactivos en los que el paseante pueda encontrar sostén, en vez de quedar entregado al encuentro solitario con los cuadros. Tal vez sea ese el verdadero reto.