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Malba Puertos, la primera reserva abierta de un museo latinoamericano, combina arte y naturaleza

23 septiembre, 202423 septiembre, 2024 infoarte

Fuente: La Nación – El museo inaugura sede en Escobar; con una inversión de US$12 millones, aloja las esculturas monumentales de Gabriel Chaile y una selección de obras de la colección permanente que necesitaban nuevo espacio de guardado.

“Caminar, la actividad más libre que conozco. Y si a caminar le sumamos la contemplación de obras de arte, la experiencia es imbatible”, dice María Gainza en el inicio de Paseos no obligatorios, el libro de edición limitada que el Malba le encargó a la escritora para acompañar el lanzamiento de su nueva sede en Escobar. Ubicada en el flamante pueblo Puertos, con varios barrios ya habitados y otros en desarrollo, donde en la actualidad viven unas cinco mil personas y la desarrolladora Consultatio proyecta que llegarán a sesenta mil, Malba Puertos es más que un museo en el sentido convencional. Es un proyecto cultural sustentado en tres ejes: naturaleza, arte y urbanismo. Solo la construcción del edificio transparente con paredes vidriadas y tres cuerpos requirió una inversión de siete millones de dólares. Y, tal como dijo Eduardo Costantini en el recorrido para prensa y artistas, sumando el valor de los terrenos, la inversión alcanzó los doce millones de dólares.

Con Malba Puertos, el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires expande sus fronteras y se propone crear comunidad: llevar el arte a un público que no tenía hasta ahora esta clase de ofertas culturales en ese sector de zona norte, a unos cincuenta minutos de auto desde el centro porteño (si el tránsito de Panamericana lo permite, claro).

"Nave", de Marcela Sinclair, en el circuito Troncal de Malba Puertos — «Nave», de Marcela Sinclair, en el circuito Troncal de Malba PuertosPrensa Malba

Ese propósito, uno de los ejes del proyecto, se concretó con un circuito de obras site especific instaladas al aire libre. En realidad, no es un solo circuito, son tres y llevan los nombres de Bahía, Troncal y Reserva. Allí, se lucen 23 obras de artistas argentinos (esculturas e instalaciones), encargadas especialmente para interactuar con los habitantes, las visitas y el entorno donde fueron ubicadas. Así, por ejemplo, Bañistas, de Sebastián Mercado, sorprende a quienes caminan por la ribera de la laguna: son dos figuras de hierro enormes que parecen estar por sumergirse en el agua. Y El salto, de Hernán Marina, es un hombre colosal que está a punto de hacer un clavado perfecto para zambullirse en el lago. Ambas se encuentran en el circuito Bahía, que se sugiere recorrer a pie, entre el reflejo del agua y la gran variedad de vegetación que, en plena primavera, regala flores y perfumes.

"Carrefour", de Jorge Macchi, una especie de veleta que no se mueve con el viento sino que tiene movimiento propio — «Carrefour», de Jorge Macchi, una especie de veleta que no se mueve con el viento sino que tiene movimiento propio tuxo – Prensa Malba

Troncal está en la zona urbana, donde están los dos colegios de Puertos, los restaurantes y una librería. Para ese sector creó Mimi Laquidara un conjunto escultórico polideportivo, que es al mismo tiempo una obra de arte y un espacio de recreación para los vecinos. Sí, la mayoría de las piezas artísticas de los tres circuitos se pueden tocar y pisar; algunos ofrecen bancos y reposeras para sentarse al sol (como Moda playera, de Daniel Basso) y otros, como La paraeólica, de Irina Kirchuk (artista que fue convocada para seleccionar los proyectos de obra para el espacio público y ofició de guía durante la visita), juega con el viento con varias aspas pintadas de colores; está inspirada en las máquinas fabulosas de Da Vinci y Xul Solar.

Mimi Laquidara creó un conjunto escultórico polideportivo, que es al mismo tiempo una obra de arte y un espacio de recreación para los vecinostuxo – Prensa Malba

El tercer circuito, la Reserva, es especial para recorrer a pie, con tiempo, protector solar y repelente. Termo y mate, también, por qué no. Es que puede llevar aproximadamente una hora de caminata ver desde la primera obra (Deja que hable el viento, de Daniel Joglar, una especie de móvil colgante instalado en el último piso de un mirador) hasta la última, Espejo espectro, de Carolina Fusilier. “No es estrictamente un gong, pero su forma y materialidad están ligadas a ese instrumento ancestral”, describe Gainza en el apartado del libro dedicado a esa extraña obra.

"Moda playera", de Daniel Basso, reposeras para sentarse al sol — «Moda playera», de Daniel Basso, reposeras para sentarse al sol tuxo – Prensa Malba

La autora de El nervio óptico escribió un texto breve, que funciona como ensayo, para cada pieza. A partir de este domingo, cuando Malba Puertos abra las puertas al público, con entrada gratuita, se podrán leer los textos desde el sitio web del nuevo museo. La versión impresa, que trae una serie de postales de las obras, estará en venta más adelante en la tienda del museo. También se puede acceder a los textos de Gainza a través del código QR que figura en la placa de cada obra, donde está el nombre de la pieza y de su creador, y un video donde el artista habla sobre su trabajo.

"La araña", de Eugenia Calvo, creada con luminarias urbanas — «La araña», de Eugenia Calvo, creada con luminarias urbanasPrensa Malba

El circuito de arte público termina (o empieza) en el edificio del museo diseñado por el arquitecto español Juan Herreros, que durante la presentación a la prensa definió el sitio como un “no museo”, “un lugar abierto y cerrado, un espacio transparente que refleja la luz y la interacción con la reserva”.

Las cinco piezas monumentales de Gabriel Chaile que representan a los integrantes de la familia del artista tucumano, tienen una sala propia en Malba Puertos (el Pabellón Chaile) y forman parte de la colección permanenteAlejandro Guyot – LA NACION

Es que contar con un nuevo y más grande sitio de guardado de la colección permanente del Malba fue el disparador original de este proyecto, que nació en 2019 y que en un primer momento iba a alojar solo el colosal conjunto de piezas creadas por el artista tucumano Gabriel Chaile, que Costantini compró en la Bienal de Venecia en 2022 y luego fue creciendo hasta convertirse en este megaproyecto cultural. Finalmente, las cinco piezas monumentales de Chaile que representan a los integrantes de la familia del artista tienen una sala propia en Malba Puertos (el Pabellón Chaile) y forman parte de la colección permanente. Ahora y hasta el 2 de marzo de 2025, integran la muestra La vida que explota, que pone en diálogo esas creaciones de Chaile con las obras textiles de la artista wichi Claudia Alarcón y el colectivo de tejedoras Silät, bajo la curaduría de Andrei Fernández.

En la sala del Lago, el dúo Mondongo sorprende con doce obras de gran tamaño construidas con pedazos de troncos, raíces y otros elementos naturales que representan paisajesAlejandro Guyot – LA NACION

En los otros dos cuerpos del edificio está la sala de exposiciones temporales y la reserva técnica abierta al público. “Es el primer museo de Latinoamérica que abre su reserva al público”, dijo Costantini a LA NACION. Todavía en proceso de traslado de buena parte del acervo del Malba, hoy allí se exhibe la muestra Acto reflejo, de Amadeo Azar, que creó una serie de acuarelas que relacionan algunas obras de la Colección Malba con la flora y fauna autóctonas de la zona. Hay a la vista una selección de esculturas y objetos y, todo el detrás de escena del guardado: paneles corredizos, planeras con originales, cuadros colgados en las paredes. Allí se organizarán actividades educativas para distintas edades, como adelantó Eleonora Jaureguiberry, coordinadora general de la nueva sede.

El edificio transparente, con tres cuerpos, de Malba PuertosMalba

En la sala del Lago, el dúo Mondongo (presente en la recorrida) sorprende con doce obras de gran tamaño construidas con pedazos de troncos, raíces y otros elementos naturales que representan paisajes y forman una instalación titulada Argentina (paisajes), 2009-13. Forman un recorrido en diálogo con doce pinturas de Luis Ouvrard (Rosario, 1899-1988) realizadas entre 1966 y 1986. Curada por Alejandra Aguado, Ensayos naturales I es el primer capítulo de esta exposición de Mondongo, que se podrá ver hasta el 8 de diciembre. Luego, llegará el capítulo dos del dúo integrado por Juliana Laffitte y Manuel Mendanha.

Costantini junto al dúo Mondongo y Herreros, el arquitecto responsable del edificio de Malba PuertosAlejandro Guyot – LA NACION

Pero eso no es todo, amigos. Al aire libre, entre árboles recién plantados que prometen sombra, está la Sala del Bosque. Allí, las curadoras Cinthia Kazez y Lucila García de Onrubia presentan Mueble escultura, una investigación de piezas a mitad de camino entre obras de arte y objetos de uso cotidiano como mesas, bancos y otras obras sorprendentes.

“Caminar en contemplación es una actividad que no funciona con escépticos. Es necesario una pizca de credulidad, creer en el poder del arte y la potencia de la naturaleza”, observa Gainza en el libro-guía. Y tiene razón.

Para agendar

Malba Puertos queda en Puertos, nuevo pueblo de Escobar ubicado a la altura del km 45 de la Panamericana. El ingreso a Puertos es libre; solo requiere la presentación del DNI en el puesto de seguridad.

A partir de este domingo, el nuevo museo abrirá de martes a domingos de 12 a 19, con entrada gratuita. Más información en el sitio https://www.malbapuertos.org.ar/, que estará disponible desde el domingo.

Festejo por los 23 años

Este sábado, Malba cumple 23 años y lo festeja durante el fin de semana en su edificio de Avenida Figueroa Alcorta 3415 y, también, en su nueva sede de Escobar, Malba Puertos. El sábado, en Barrio Parque, se realizarán talleres para disfrutar en familia, con estaciones de creación a partir de la exposición Gyula Kosice. Intergaláctico y las obras de la Colección Malba, y una biblioteca musical para leer y compartir cuentos, libros e historietas para niños y niñas. Sabor a durazno –un espectáculo de narración y música– pondrá a los libros en el centro de la escena, para chicos de 0 a 5 años. Como cierre de la jornada, a las 18.30, tendrá lugar una nueva edición con invitados sorpresa de “Música a cielo abierto”, ciclo que desde 2018 convoca a artistas destacados de la escena indie y electrónica regional. Todo con entrada gratuita.

El lunes 23, a las 18.30, cierran las celebraciones de Malba con la conferencia “Leonora Carrington y Remedios Varo. Colaboraciones mágicas”, a cargo de la historiadora mexicana Tere Arcq. En su charla, explorará la colaboración entre Leonora Carrington y Remedios Varo, poniendo un énfasis especial en las obras de ambas pertenecientes a la Colección Malba.

Lanzan convocatoria para artistas gráficos de todo el país

23 septiembre, 202423 septiembre, 2024 infoarte

Fuente: Perfil – Es una iniciativa de Espacio Moebius, que busca destacar a los negocios “de cercanía” desde la mirada de dibujantes e ilustradores. Se seleccionarán 20 piezas.

Con la mirada puesta en rescatar la importancia cultural del “negocio de cercanía”, la galería y editorial Espacio Moebius –referente de las historietas y la ilustración–, lanzó una convocatoria abierta para dibujantes y artistas gráficos de todo el país, para ser parte de Tinta Local.

La nueva publicación, que tendrá formato de periódico, pieza gráfica por excelencia del artista gráfico, que busca rescatar la importancia cultural de este tipo de negocios, especialmente aquellos alejados de los principales centros urbanos.

Lanzan convocatoria para artistas gráficos de todo el país

Respecto a la convocatoria en sí, los artistas deberán presentar ilustraciones en formato de dibujo o de historieta de locales comerciales que consideren pertinentes, destacando a los emprendedores que le dieron color, gusto y sentido a la cultura sea cual fuere su ubicación.

Según explicaron los organizadores, se van a repartir $3.000.000 en premios

El jurado estará integrado por la artista María Luque, los directores de Espacio Moebius, Martín Ramón y Ale Díaz B.; el editor Juan Angel Szama y el gestor cultural Juan Urraco, quienes serán los encargados de seleccionar 20 piezas gráficas que conformarán la primera edición de Tinta Local, que será de de distribución nacional.

La convocatoria cierra el 30 de septiembre y el anuncio de los ganadores se conocerá el 10 de octubre. Se otorgarán diez premios de $200.000 y diez menciones de $100.000.

Quienes deseen participar de la convocatoria deberán completar el formulario que se encuentra en el sitio: @espaciomoebius o ingresando al Link a la convocatoria

“La propuesta tiene un doble objetivo. Destacar simbólicamente el negocio de cercanía, ofreciendo un reconocimiento a quienes construyeron identidad, cultura y pertenencia desde sus propias historias. Y renovar nuestra búsqueda de vincular y promocionar a artistas gráficos de diferentes localidades del país. Elegimos dar un premio repartido que nos permita contar con representantes de todas las regiones”, explica Martín Ramón, uno de los directores de la futura publicación.

“Queremos rescatar la importancia de esos pequeños gigantes que influenciaron la historia de su entorno. Negocios muchas veces atendidos por sus propios dueños, iniciadores de una orgullosa dinastía familiar, legando un oficio, valores, fundando comunidad, habitando no solo una comarca sino también una tradición desde sus escaparates, portones o vidrieras de peluquerías, almacenes y talleres”, agregó, por su parte, Ale Díaz B., también director del proyecto.

El periódico será distribuido en puestos de diarios y revistas de C.A.B.A y de Gran Buenos

Aires, librerías y tiendas especializadas de todo el país. Pero también se podrá conseguir en las ferias nacionales e internacionales de las que participa Espacio Moebius, como Crack Bang Boom de Rosario, FED, Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, Feria del Libro de Comodoro Rivadavia, Montevideo Comics, FIL Guadalajara, Angouleme BD, Graf Cómic de Barcelona, Crack Festival de Roma, London Spanish Book & Zine Fair, Irudika en el País Vasco, entre otros.

Este proyecto fue creado en el marco del programa FUTURA: herramientas para una cultura en movimiento del Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA), que cuenta con el apoyo de Fundación Williams y es coordinado por Juan Urraco.

Tomás Espina en el Museo Marco

23 septiembre, 202423 septiembre, 2024 infoarte

Fuente: Arte Online – Todos los fuegos el fuego.

El Museo de Arte Contemporáneo de La Boca presenta una nueva exposición de Tomás Espina con curaduría de Carla Barbero y Javier Villa que se propone como una historia emocional del fuego en Argentina basada en tres posibles registros: un grupo de cuatro grandes cerámicas realizadas en colaboración con Adriana Martínez, una pintura de paisaje pampeano y una serie de dibujos en carbonilla que rodean a otra sugerente cerámica.

Tomás Espina (Buenos Aires, 1975), ha ido consolidando una peculiar trayectoria en estas dos últimas décadas en base a ciertos rasgos distintivos entre los que se encuentran la experimentación con diversas disciplinas como el dibujo, la pintura, las instalaciones o el libro de artista, la ampliación de esta inquietud gracias al recurso de materiales no convencionales, entre los cuales, la pólvora ha sido el que más lo ha identificado y, por último, la constante interrogación que ha dirigido a imágenes históricas que pueden referirse al arte vernáculo como Sin pan y sin trabajo de Ernesto de la Cárcova, a las fotografías que documentaron el asesinato de Maximiliano Kosteki y Dario Santillán o a un Haití imaginario donde en su momento confluyeron nociones de libertad, barbarie, sometimiento y civilización.
Un país ajeno también puede leerse como “un paisaje no”. En este pase de mano semántico puede que se juegue mucho más que la extrañeza y la negación. Se puede presumir que, en esa tensión de significados, se halle una estrategia de articulación de una mirada descentrada, distante de los modos de construcción de tópicos identitarios y de fantasmas recurrentes, producto, tal vez, del exilio forzoso de la familia de Espina en los setenta y de su niñez y adolescencia nómades que transcurrieron entre México, Mozambique, Chile y la provincia de Córdoba. En este sentido, el epígrafe que encabeza el texto curatorial extraído de la novela El entenado de Juan José Saer, en la medida que irrumpe, trastoca previsibilidades, y, además, se sitúa polémicamente con miradas pretéritas, resulta oportuno y eficaz: “Lo desconocido es una abstracción: lo conocido, un desierto; pero lo conocido a medias, lo vislumbrado, es el lugar perfecto para hacer ondular el deseo y la alucinación.”
El espacio pampeano no remitía a los modelos icónicos tradicionales y resultó procedente entonces concebir nuevas imágenes que dieran cuenta de él. Estas nuevas imágenes no provendrían, en un inicio, de las obras pictóricas sino de la literatura. En el siglo XIX, la mirada romántica de Esteban Echeverría en La cautiva, sería clave para determinar ese espacio inconmensurable; mirada que encontraría continuación en otros autores. En la pintura, la idea de lo inabarcable, halló su decurso en la preponderancia de la horizontalidad de Prilidiano Pueyrredón y en ejemplos paradigmáticos de Juan Manuel Blanes o Angel Della Valle. Con ellos no sólo se daba cuenta de un territorio, sino también de un diseño de nación.

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A esa herencia y a sus réplicas, Tomás Espina le contrapone la obra que da título a la exposición. Un óleo intervenido con pólvora y tierra de grandes dimensiones que se erige como gesto en forma vertical. En él las huellas dejadas por la pólvora son signo, reinscripción histórica y nexo entre lo celestial y lo telúrico. La pintura constriñe un modo de representación que fue dominante y que en paralelo fue un modo de voluntad de dominación. Su anomalía, al disputar la validez de la naturalización de un orden, consiste en habilitar heterogeneidades que anteriormente tenían un lugar subordinado y poder darles curso sin un sentido prefijado: un país otro.

Verticales son también las cuatro grandes vasijas de cerámica que se alzan frente a la pintura en la sala realizadas en colaboración con Adriana Martínez. Cada una de ellas lleva un nombre y una connotación ritual: Libatorio, Destilante, Depositario y Entenado. Ellas surgieron del barro primordial patagónico, del saber reencontrado de técnicas ancestrales, del calor comunitario y del fuego que descompone la leña y que sin embargo consolida las formas, que las hace cuerpo; cuerpos atemporales y próximos a quienes sean receptivos de sus resonancias complejas. El cubo blanco aséptico en el que se sitúa el conjunto de piezas convoca a un tipo de liturgia herética, sin idolatrías, donde contrastan los principios fundamentales del universo con la mundanidad de los artificios terrenales.

Carbonillas
Foto RES

En la sala del piso superior del museo es posible detectar una correspondencia invertida del diseño expositivo. La centralidad aquí la ocupa Forma generativa (2024), otra obra confeccionada en cerámica cuya materialidad básica, asentada en arcilla del Río de la Plata, se ha enriquecido con aserrín y estiércol. Se trata de dos cuerpos humanos imbricados en una suerte de sinfín; una poderosa y dinámica imagen que oscila entre lo explícito sexual y lo pesadillesco. A sus costados se desenvuelven dieciséis dibujos en carbonilla distribuidos en tres grupos pertenecientes a la serie Géneros mentales (2018-2024). El derivado del fuego en manos del artista sublima sobre el papel un mundo íntimo al que sólo es posible asomarse siguiendo sus recurrencias y sus sedimentos reconocibles; toda una onda expansiva producto de la combustión del inconsciente. Aparecen allí geometrías, ojos, citas a Edvard Munch, órganos sexuales, sombreados, grafismos con fuerzas centrípetas y centrífugas que hacen zozobrar la estabilidad de figuras y fondos. Si toda consistencia personal en el mundo debe ser instituida y sostenida por prepotencia de la subjetividad este núcleo hace viable tal proposición.
¿Existe una continuidad entre el estado del paisaje exterior y el estado del paisaje subjetivo? ¿En qué medida ambos pueden resultar familiares, extraños o entrar en conflicto? Desde una práctica artística que invoque una perspectiva histórica es factible imaginar y hacer ondular un campo de coherencia diferente donde las relaciones que ligan al sujeto con el mundo amplíen el estrecho marco de lo establecido, eviten el desvarío de lo ignoto y den espacio y consistencia a lo hasta entonces velado.

Museo Marco: Avda. Almirante Brown 1031, Ciudad de Buenos Aires
Miércoles a domingos de 11 a 19 hs.
La exposición estará vigente hasta el 24 de noviembre

La belleza de la semana: 5 obras inspiradas en la primavera

23 septiembre, 202423 septiembre, 2024 infoarte

Fuente: Infobae – Desde los elaborados detalles de John Everett Millais hasta las abstracciones de Paul Klee, la temporada primaveral ha provocado un renacimiento en diversas escuelas artísticas.

La primavera, con sus vibrantes colores y su renacimiento de la naturaleza, ha sido una fuente inagotable de inspiración para numerosos pintores a lo largo de la historia. Esta estación del año, caracterizada por sus paisajes en flor y su luz suave, ha dado lugar a algunas de las obras más emblemáticas y apreciadas del arte, influenciando desde los antiguos maestros hasta los creadores contemporáneos.

En 1873, el artista francés Claude Monet adquirió un lienzo en el que plasmó una escena primaveral en su jardín de Argenteuil, localidad cerca de París. Esta obra muestra a su esposa Camille Doncieux disfrutando de la lectura bajo un dosel de lilas, capturando la luz del sol filtrada a través de las hojas.

La pintura representa una escena primaveral en el jardín de la casa de Monet en Giverny. La composición muestra un exuberante estallido de flores, especialmente iris y tulipanes, en primer plano. En el fondo, se puede ver el jardín, el césped y una parte del estanque, todo ello capturado con una paleta de colores vibrantes y técnicas de pinceladas rápidas.

Monet es conocido por su enfoque en la luz y el color, y “Primavera” es un excelente ejemplo de esto. Utiliza pinceladas sueltas y colores puros para capturar la esencia de la primavera en lugar de los detalles precisos. La técnica impresionista permite que la luz y el ambiente sean el enfoque principal de la obra, para transmitir la sensación de frescura y vitalidad que caracteriza a la estación.

Esta obra es parte de una serie de pinturas en las que Monet explora diferentes estaciones del año y su impacto en el jardín de su casa. La serie incluye otros trabajos como “Verano” y “Otoño”. “Primavera” refleja el interés de Monet en la captación de las variaciones de la luz y la atmósfera a lo largo del año.

El talento de Monet se refleja en su interés por experimentar con toques de color puro sin mezclar, buscando sugerir efectos lumínicos naturales. Mide 50 por 65,5 cm y representa un claro ejemplo del estilo de Monet durante esa década. En sus obras de ese período, Monet frecuentemente pintaba escenas de su vida familiar en Argenteuil, incluyendo a su hijo Jean y a Camille.

«Spring (Apple Blossoms)» de John Everett Millais

“Spring (Apple Blossoms)” es una obra pintada por John Everett Millais en 1859. Millais fue uno de los fundadores de la Hermandad Prerrafaelita, un movimiento artístico que buscaba volver a los detalles minuciosos y la sinceridad en la representación de la naturaleza y la vida cotidiana, en respuesta a la rigidez académica de la época.

La obra representa a una joven mujer, vestida con una blusa blanca y un chal verde, sentada en un entorno rural en primavera, rodeada de flores de manzano en plena floración. Ella sostiene un ramo de flores de manzano, y el ambiente bucólico y colorido sugiere la llegada de la primavera y el renacimiento asociado con la estación.

Millais emplea un estilo detallado y naturalista, característico de los prerrafaelitas. La precisión en la representación de las flores y la textura de la tela del vestido son ejemplos del minucioso trabajo de observación y técnica que el movimiento promovía. La pintura no solo celebra la belleza de la primavera, sino que también puede ser vista como una metáfora de la juventud y la frescura de la vida. Las flores de manzano, en particular, podrían simbolizar la pureza y la esperanza.

En el contexto del siglo XIX, la obra refleja un interés por la naturaleza y un deseo de escapar de las convenciones rígidas del arte académico. La Hermandad Prerrafaelita, a la que Millais pertenecía, abogaba por un arte más auténtico y fiel a la naturaleza.

“Spring (Apple Blossoms)” fue bien recibida en su tiempo y es una excelente muestra de la habilidad técnica y el enfoque innovador de Millais y los prerrafaelitas en general. La pintura se encuentra en la colección del Tate Gallery en Londres, y sigue siendo una obra destacada que ilustra la maestría de Millais en la captura de la belleza natural y la atmósfera de la primavera.

“Arbustos de primavera”, de Paul Klee

“Arbustos de primavera” es una obra del pintor suizo Paul Klee que data de 1925. Klee es conocido por su estilo único que combina elementos del surrealismo, el expresionismo y el cubismo, y por su capacidad para experimentar con el color y la forma de maneras innovadoras.

La pintura presenta una representación abstracta de arbustos o vegetación en primavera. Klee usa formas geométricas y colores vivos para transmitir la esencia de la temporada. Los arbustos están representados de manera estilizada y simplificada, lo que es típico del enfoque de Klee en la representación abstracta de la naturaleza.

Klee emplea una técnica que mezcla el uso de acuarelas y tintas para crear una atmósfera vibrante y etérea. Su enfoque en la geometrización de la naturaleza y la combinación de colores evocativos ayuda a crear una sensación de frescura y renovación que es asociada con la primavera. La paleta de colores en la pintura incluye tonos de verde, amarillo y azul, que evocan los nuevos brotes y el crecimiento asociado con la primavera. Las formas geométricas y las líneas suaves se entrelazan para representar la vegetación de manera abstracta, evitando una representación literal y enfocándose en la esencia emocional de la estación.

El artista estaba interesado en cómo las formas y los colores podían expresar sentimientos y estados de ánimo más que representar fielmente la realidad. “Arbustos de primavera” es un buen ejemplo de su interés en capturar la esencia emocional de una estación mediante el uso de la abstracción, donde la naturaleza se convierte en un medio para explorar ideas sobre el color, la forma y la percepción.

«La Primavera», de Sandro Botticelli

“La Primavera” es una de las obras más famosas del pintor italiano Sandro Botticelli, creada aproximadamente entre 1477 y 1482. Esta pintura es un ejemplo destacado del Renacimiento italiano y está considerada una de las obras maestras de Botticelli. Representa una alegoría de la primavera en forma de una escena mitológica. En el centro se encuentra Venus, la diosa del amor, en un entorno lleno de flores y vegetación. Ella está rodeada de varias figuras mitológicas, incluyendo las Tres Gracias (o las Tres Gracias), Mercurio y Zefiro, el dios del viento del oeste.

Venus, en el centro de la escena, simboliza la belleza y el amor. Ella está situada en un jardín de flores, y su presencia parece calmar la escena. A la derecha, están “Las Tres Gracias”, que representan la belleza, la castidad y la fertilidad. Están danzando y se destacan por su elegancia y gracia. Por otra parte, Zefiro está a la izquierda en la parte inferior, está persiguiendo a Clorís (una ninfa de flores). Esta escena representa la transformación de Clorís en Flora, la diosa de las flores. Por último, Mercurio, en la parte superior derecha, está tratando de dispersar las nubes con su varita, lo que simboliza el fin del invierno y la llegada de la primavera.

Botticelli utilizó un estilo lineal y detallado, con un enfoque en la belleza y la elegancia de las figuras. La obra está pintada al temple sobre madera, lo que permite detalles minuciosos y una textura suave. Los colores son vibrantes y las formas estilizadas, características típicas del Renacimiento, que reflejan una profunda influencia de la cultura clásica y el neoplatonismo. La escena combina elementos mitológicos y alegóricos para transmitir temas de amor, belleza y crecimiento.

Botticelli pintó “La Primavera” para la familia Medici, una de las familias más influyentes de Florencia durante el Renacimiento. El cuadro es un ejemplo del interés de la época en la mitología clásica y el neoplatonismo, que buscaba unir el pensamiento cristiano con la filosofía clásica. La pintura es ampliamente estudiada y admirada por su belleza y complejidad, y sigue siendo una pieza central del arte del Renacimiento.

«El ramo de primavera» de Pierre-Auguste Renoir

“El ramo de primavera” es una pintura realizada por Pierre-Auguste Renoir en 1875. Renoir, uno de los principales exponentes del impresionismo, es conocido por su habilidad para capturar la luz, el color y la vibrante vida cotidiana en sus obras. Representa un ramo de flores frescas, típicamente de primavera, en un jarrón. Renoir captura la belleza y la fragancia de las flores en una forma que refleja su estilo impresionista. La pintura muestra un enfoque en la representación de la luz y el color a través de las flores y el entorno.

Renoir utiliza pinceladas sueltas y colores vibrantes para capturar la esencia de las flores. Su técnica permite que los colores se mezclen de manera natural, reflejando la luminosidad y la textura de los pétalos. El uso de luz y sombra es característico del estilo impresionista, creando una atmósfera alegre y fresca.

La paleta de colores incluye tonos frescos y alegres, como rosas, blancos y verdes, que evocan la sensación de la primavera. Renoir presta atención a la textura y la forma de las flores, lo que permite que el espectador aprecie tanto la belleza visual como la calidad táctil del ramo. La obra destaca la habilidad de Renoir para representar la naturaleza de una manera que va más allá de la mera reproducción visual, enfocándose en la atmósfera y el sentimiento que la primavera evoca.

Malba Puertos: museo transparente

22 septiembre, 202422 septiembre, 2024 infoarte

Fuente: Clarín – Estos últimos días, unas 200 personas estuvieron trabajando coordinadas como en la coreografía de una compañía de ballet para que este fin de semana se abran las puertas de Malba Puertos, el nuevo espacio de exhibición que el coleccionista y desarrollador Eduardo Costantini construyó en Escobar, para albergar la reserva de su propia colección y también la del gran museo que creó hace 23 años. Y sin embargo, Malba Puertos no es un museo.

El concepto es novedoso, al punto de que los creadores de este megaespacio lanzan un ambicioso plan formativo para el público: aprenderemos a vincularnos con esos 5.500 metros cuadrados en los que se suceden jardines, bosques, salas y espacios públicos porque ya no se trata de encerrarse en un edificio en penumbras y circular entre obras. Aquí, el afuera es protagonista y las piezas pueden estar detrás de un vidrio pero también al aire libre, resignificándose cuando sopla el viento o cuando llueve.Eduardo Costantini, junto al artista Gabriel Chaile, y una de sus cinco nuevas piezas.

Para llegar a Malba Puertos, los porteños tendrán que recorrer los 45 kilómetros que separan la capital de Escobar, pero quienes ya habitan en la zona norte tendrán a la mano (y sin dejarse atrapar por las cadenas del tránsito enloquecido de la urbe) la posibilidad de un lugar que es muchos lugares al mismo tiempo. Construido por la firma Consultatio, socio corporativo del Malba, con una inversión de 10 millones de dólares, el predio donde se ubica el museo y todo su entorno, tiene entrada libre y gratuita. “Hay que ir en zapatillas y llevar mantelito y merienda porque es un espacio para quedarse a pasar el día”, anticipa Eleonora Jaureguiberry, a cargo de la coordinación general de ese nuevo museo.

Hace un par de meses, Costantini explicó: “Malba Puertos nace del deseo de ampliar el impacto cultural y social del Museo en nuevas audiencias. También de la necesidad de albergar nuevas formas de expresión y exhibición, acordes al museo del siglo XXI en el que las disciplinas y formatos son cada vez más híbridos e interdisciplinarios y el visitante, un participante activo. El proyecto con salas de exhibición y una reserva técnica a la vista de los visitantes hace sinergia con la oferta cultural de Puertos, que da cuenta de su identidad a través del arte en su espacio público”.Las baldosas del espacio exterior es una obra abstracta del artista Fabián Burgos. Foto: Malba Puertos

El proyecto del edificio fue diseñado por el estudio español del arquitecto Juan Herreros, con el apoyo local de Torrado Arquitectos, Bulla en el paisajismo y Flora Estudio con quien compartió el desarrollo del mobiliario. La construcción y trazado del espacio demandó casi dos años y el resultado es disruptivo desde lo estilístico hasta lo conceptual. Aquí la arquitectura hace una apuesta por la transparencia, sin límites ni jerarquía, sin un manual prefijado de uso ni circulación establecida.

Además de desafiar las convenciones de las audiencias más habituadas a esta clase de consumo cultural, invita a quienes no suelen visitar museos a apropiarse del espacio siguiendo sus propias intuiciones y los dictados de su curiosidad. Todas las posibilidades están abiertas.

“El gran techo transparente y la construcción que parece no tener límites físicos expresa el deseo de Malba Puertos de constituirse en un lugar de encuentro alejado de la exclusividad de los museos tradicionales. El espacio público generado es también un lugar de arte, un regalo del Malba a la ciudadanía”, puntualizó el arquitecto Herreros al respecto.Varias de las obras en espacio público están en una reserva natural. Foto: Malba Puertos.

Qué es la reserva técnica

Otra singularidad de Malba Puertos es que abrirá las puertas al detrás de escena de una colección como la de Costantini y la del Malba: la reserva técnica, todas las obras que no forman parte de una exposición y que esperan su momento. En este aspecto, tal como sucede con un puñado de instituciones en el mundo entre las que se cuentan el Museo Boymans Van Beuningen, de Holanda, y del Louvre, el Centre Pompidou y la Colección FRAC, en Francia, el público podrá asomarse a ese tesoro: “Un espacio que normalmente es invisible e inaccesible al público en un museo convencional, se convierte en este proyecto en el motor de una institución que es todo lo contrario: transparente y abierta”, explica Herreros.

De esta manera, quienes ingresen al inmenso predio presidido por el museo descubrirán, primero, el Circuito de Arte Público que ofrece 23 obras site specific distribuidos en diferentes espacios públicos del complejo y que fueron creadas por artistas modernos y contemporáneos como Matías Duville, Artur Lescher, Marcela Sinclair, Jorge Macchi, Florencia Almirón, Sebastián Mercado, Fabián Burgos, Gabriel Chaile, Martin Blaszko, Diego Bianchi y Daniel Joglar, entre otros.

Más allá, espera la singular Salas del Bosque, donde los árboles enmarcan un “museo vivo” formado por tres espacios abiertos implantados en una explanada cubierta de alisos interconectados por un sendero que conduce al sector semicubierto del museo. Se utiliza también como laboratorio para la observación y el estudio de plantas exóticas, para talleres con niños, estudiantes y adultos.Malba Puertos.

Ya en el edificio, la Sala de exposiciones interna está dedicada a la producción de proyectos artísticos contemporáneos con vista a los lagos, iluminación natural y con un sistema mecánico de control de luz y paneles según cada proyecto. Ahí al lado están también la recepción y una tienda de diseño.

El espacio tiene además una Sala de exposiciones externa, bajo una gran cubierta casetonada y con cúpulas traslúcidas que parece flotar por sobre los edificios generando un espacio flexible que los interconecta y los contiene. Permite un espacio de usos múltiples para performances, teatro, danza, conciertos y con proyecciones, sin perder la conexión con el entorno natural e integrándolo visualmente con el resto del conjunto arquitectónico.Obra de Claudia Alarcón, en el Pabellón Chaile de Malba Puertos.

Malba Puertos tiene un Pabellón Chaile, construido con muros vidriados que abrazan las enormes cinco esculturas de Gabriel Chaile, y la Reserva técnica, un depósito de obras de arte que puede albergar entre 800 y 900 piezas de diferentes formatos que se puede ver gracias a sus ventanales

Todos los espacios son públicos y de acceso gratuito, ya que para acceder solo hay que identificarse con DNI. De manera que, ya lo dijo la directora Eleonora Jaureguiberry, zapatillas, mantelito y merienda, y protector solar porque en Escobar nace una nueva manera de ir al museo.

Malba Puertos
Alisal, Puertos, Av. de la Bahía 160, B1625XAF Belén de Escobar, Provincia de Buenos Aires
Apertura al público: domingo 22 de septiembre de 12 a 19
Horario: mar a dom de 12 a 19 (lun cerrado).

El Malba inaugura su nueva sede en Escobar con una inversión de más de 10 millones de dólares

22 septiembre, 202422 septiembre, 2024 infoarte

Fuente: Perfil – El 22 de septiembre abrirá al público Malba Puertos, un nuevo espacio de exhibición con entrada libre y gratuita. El Museo se enmarca en un predio que tiene obras de 60 artistas.

El Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA) inaugura el próximo 22 de septiembre una nueva sede “MALBA -Puertos” en la localidad de bonaerense de Escobar, a 50 kilómetros de su sede porteña. Una iniciativa de su dueño, Eduardo Costantini que partió de la necesidad de buscar un lugar para la excesiva reserva técnica (la obra que no está expuesta). De esa pequeña inquietud brotó un proyecto arquitectónico con tres alas en la ciudad de Puertos.

Puertos es un desarrollo urbano de Consultatio quien estuvo a cargo de la gestión y financiamiento total de la obra de la nueva sede del Malba con una inversión de 10 millones de dólares.

Malba Puertos se propone acercar ideas, proyectos federales y voces destacadas de la escena artística actual a nuevas comunidades, a través de un programa de exposiciones y actividades culturales.

El Museo convive con un el Circuito Público de Arte que incluye más de veinte obras site specific que se implantan en toda la ciudad de Puertos, en armonía con el Lago Central de doscientas hectáreas y la Reserva Natural sobre el Río Luján.

El museo, de entrada libre y gratuita, está conformado por espacios interiores y exteriores que ofrecen diferentes formatos y soportes expositivos.Entre ellos se encuentra la reserva técnica, que alberga obras de la Colección Malba y la Colección Eduardo F. Costantini y, por primera vez, está a la vista del público.

La arquitectura de la nueva sede quedó en manos de Juan Herreros que también había estado a cargo de la renovación del Malba en 2017. Herreros contó en una recorrida de prensa de la que participó PERFIL, que buscó dar forma a las palabras de Costantini teniendo en cuenta el diálogo con el lugar. “Teníamos que crear un lugar cerrado/abierto y su transparencia lo demuestra, buscamos hacer algo poroso, disuelto en el paisaje”, explicó el arquitecto.

Como coordinadora general de Malba Puertos se nombró a Eleonora Jaureguiberry, ex Secretaria de Cultura y Ciudad de San Isidro, y parte de su rol será fomentar el lazo social dentro de Puertos y su entorno en Zona Norte de Provincia de Buenos Aires, promoviendo el acercamiento con los vecinos de la ciudad y creando alianzas con organizaciones de la sociedad civil y centros educativos.

Malba Puertos será uno de los primeros museos del mundo –después de las iniciativas del Museo Boymans Van Beuningen, de Holanda, y del Louvre, el Centre Pompidou y la Colección FRAC, en Francia– en abrir al público su reserva técnica, lo que “democratiza el archivo”, en palabras de Costantini.

Al respecto, comenta el arquitecto Herreros: “Un espacio que normalmente es invisible e inaccesible al público en cualquier museo convencional, se convierte en este proyecto en el motor de una institución que es todo lo contrario: transparente y abierta”.

Exposiciones temporarias

“Ensayos naturales” de Mondongo y Luis Ouvrard

Esta exposición estará desde el 22 de septiembre al 2 de marzo de 2025 y fue curada por Alejandra Aguado.
“Ensayos naturales” es una exposición en dos capítulos. En el primero de ellos, doce paneles de la instalación pictórica Argentina (paisajes), 2009-13, del dúo Mondongo (Juliana Laffitte y Manuel Mendanha) que conviven con otras doce pinturas de Luis Ouvrard (Rosario, 1899-1988) realizadas entre 1966 y 1986.

Las obras de Mondongo, inspiradas en el delta entrerriano, con cuadros de gran escala de bosques inquietantes, se contraponen con las obras de pequeña escala de Ouvrard que, sobre una mágica pampa santafesina, llaman la atención sobre los frutos de la tierra.

A partir de diciembre, las mismas pinturas de Mondongo estarán acompañadas por collages de la artista Rosana Schoijett en los que predomina la aparición de la flor: otra expresión de la belleza y riqueza del suelo que a su vez revela nuestra necesidad y deseo de crear pequeños paraísos en la tierra.

“La vida que explota” de Gabriel Chaile, Claudia Alarcón y Silät

Esta exposición estará desde el 22 de septiembre hasta el 2 de marzo de 2025 y fue curada por Andrei Fernández.

“La vida que explota” propone un diálogo entre el conjunto escultórico de cinco seres antropomorfizados que Gabriel Chaile presentó en la Bienal de Venecia en 2022 –expuestos ahora de modo permanente en Malba Puertos– y las obras textiles de la artista wichi Claudia Alarcón y el colectivo de tejedoras Silät.

Las criaturas totémicas de Chaile llevan los nombres de los miembros de su familia y tienen la forma de esculturas monumentales de barro, artefactos que también pueden ser encendidos, dar calor y funcionar como hornos que producen alimentos.

En diálogo con estas esculturas, se presentan aquí piezas de arte textil de la artista salteña Claudia Alarcón y del colectivo de tejedoras Silät, que reúne a mujeres wichis que luchan por la defensa de la memoria colectiva y la creatividad de su cultura. Estas artistas trabajan el hilado de chaguar –una planta herbácea con hojas suculentas y espinosas, distintiva del Gran Chaco de la cultura wichi– con imágenes contemporáneas y complejos ensamblajes geométricos.

“Acto reflejo”

Amadeo Azar fue invitado a crear una exposición con la reserva técnica y decidió armar un recorrido propio. El artista, además, sumó una serie de acuarelas que relacionan una selección de obras de la Colección Malba con la flora y fauna autóctona de la zona.

Azar pone en primer plano obras de artistas como Alejandra Seeber, Jorge Gumier Maier, Magdalena Jitrik y Liliana Maresca, entre otros. Reinventándolas en sus pinturas, transforma el significado original de las obras, conectando arte y naturaleza y generando poderosos desplazamientos de sentido. Se trata de un homenaje a otros artistas y también a una historia en común que los une.

Dice la artista Leticia Obeid, invitada a escribir sobre esta muestra: “Al retratar las obras elegidas, Azar les ha dado el abrigo del tiempo, las ha imaginado sobreviviendo a una catástrofe, ha alargado sus vidas, así como dice la superstición que sucede cuando soñamos la muerte de alguien querido. En este escenario acuático, la pintura y la escultura se mezclan con hojas, tallos, flores y árboles. Si el fin del mundo humano ya ocurrió, ellas parecen haber sobrevivido en todo su esplendor”.

La serie de intervenciones en la reserva de Malba Puertos se creó para que sucesivos artistas invitados trabajen con las nociones de exhibición y de resguardo como disparadores para crear obras inéditas, para refrescar la mirada hacia otras conocidas, pero quizás olvidadas, y para repensar el rol de la arquitectura, el coleccionismo y los espacios de exhibición y de guarda.

21 de Septiembre: hoy se celebra el Día Mundial del Artista Plástico

21 septiembre, 202423 septiembre, 2024 infoarte

Fuente: 25 Digital – El 21 de septiembre se celebra el Día del Artista Plástico, con el objetivo de reivindicar y homenajear el trabajo creativo de los artistas plásticos en todo el mundo.

¿Qué es un artista plástico?

El artista plástico es una persona capaz de desarrollar ciertas habilidades que no sólo se limitan a la pintura, sino que van mucho más allá. Una de las principales características de este profesional de las artes, es su capacidad creativa, que puede estar enfocada a distintas áreas, teniendo en cuenta el medio que lo rodea.

A través de su obra, el artista plástico puede transmitir pensamientos, sentimientos y emociones en el público que es el principal espectador y juez de su obra creativa. Estas personas gozan de habilidades para crear formas y figuras abarcando diferentes disciplinas artísticas valiéndose de variados materiales, técnicas, medios y objetivos.

Artistas plásticos que gozan de prestigio internacional

El mundo de las artes está lleno de miles de personas que dedican su vida a plasmar en sus obras todo su ingenio y creatividad, por esta razón, resulta muy difícil hacer un listado de aquellos artistas plásticos que tienen reconocimiento internacional. Algunos de ellos son:

Gerhard Ritcher: Considerado uno de los artistas visuales de Alemania, su país de origen, que ha realizado importantes obras de carácter abstracto, así como fotografías y originales piezas elaboradas en vidrio, que han sido cotizadas a nivel mundial.
Ellsworth Kelly: Famoso pintor y escultor norteamericano que se caracterizó por plasmar en sus obras el arte abstracto, el surrealismo, el minimalismo y el llamado Op Art. Sus trabajos caracterizados por muchos colores brillantes, donde las líneas y las formas eran las principales protagonistas.
Cindy Sherman: Es una reconocida artista plástica, nacida en Estados Unidos y que se ha dedicado a realizar trabajos fotográficos, siendo su especialidad los autorretratos. Su obra es muy original y esto la ha llevado a ser elegida para realizar grandes producciones en el mundo de la música, la moda y el cine.
Bruce Nauman: Un artista contemporáneo nacido en Norteamérica, quien se ha caracterizado por mostrar una obra completamente distinta y que ha roto barreras. Es hombre polifacético que ha hecho del arte un estilo propio, incorporando a su trabajo música, luz, grabado, arte, actuación y filosofía, que ha llevado sus obras a distintas galerías y museos en todo y que lo han catapultado a la fama internacional.
Richard Sierra: Es un reconocido artista estadounidense que muestra un trabajo complejo con obras monumentales de corte minimalista, elaboradas de acero. Escultor por excelencia, que ha ganado reconocimiento mundial y al que se le han otorgado importantes premios internacionales.

Romina Graziani: La esencia náutica en el Arte

19 septiembre, 202419 septiembre, 2024 infoarte

Fuente: Noticias by @rominagraziani – El pasado 7 de septiembre, Romina Graziani deslumbró en la inauguración de la muestra en Les Couleurs Art Gallery con su serie náutica.

El pasado 7 de septiembre, Les Couleurs Art Gallery fue el escenario de una exitosa inauguración que contó con la participación de la talentosa artista Romina Graziani, junto a otros destacados artistas. La velada fue un verdadero éxito, con una variada representación de artistas e invitados, y la notable presencia del consulado argentino, que brindó su apoyo al arte en el exterior. Este compromiso con los argentinos y el arte merece ser resaltado.

En esta oportunidad, Romina Graziani presentó seis de sus cautivadoras obras de la serie náutica, donde la abstracción se encuentra con la elegancia de figuras reconocibles de barcos de vela. Estas piezas no solo evocan la majestuosidad de la navegación, sino que también invitan a los espectadores a embarcarse en un viaje visual único. A través de un juego magistral de formas, texturas y colores.

Graziani transforma la complejidad del mar y la serenidad de la vela en una experiencia artística trasmitiendo fuerza en sus trazos y paleta de colores La serie náutica de Graziani no solo rinde homenaje a la belleza de la navegación, sino que también nos recuerda la libertad y el misterio del océano, inspirándonos a explorar lo desconocido y a encontrar belleza en cada rincón de nuestro propio viaje.

Romina Graziani ha desarrollado una destacada trayectoria artística, con más de 20 exposiciones en galerías y centros culturales tanto en Argentina como en el extranjero. Su estilo fusiona lo abstracto con lo figurativo, ofreciendo una propuesta lúdica y emocional que invita a la reflexión del espectador. Especializada en dibujo y pintura acrílica, Graziani equilibra la libertad de los trazos y texturas con una estructura subyacente meticulosamente trabajada. Su arte, a menudo inspirado en escenas navales desde una perspectiva abstracta, utiliza colores vibrantes y formas sugerentes que permiten al espectador completar las imágenes con su imaginación.

Su enfoque es energético y emocional, donde el color y la textura son protagonistas, siempre dentro de una estructura bien definida, lo que le otorga a su obra una identidad única y coherente.

Les Couleurs Art Gallery, conocida por su enfoque en artistas emergentes y establecidos de Miami, abrió sus puertas en el centro de la ciudad con el objetivo de ser un espacio dedicado al arte como herramienta de cambio social. La galería ha colaborado durante muchos años en la financiación de programas educativos y creativos para niños desfavorecidos en países como Haití, entre otros, y próximamente abrirá una segunda sede en Downtown Miami.

Contacto:

@rominagraziani

www.rominagraziani.com

Eduardo Stupía. “Me preocupa más la retirada del Estado en salud y educación pública que en el apoyo al arte”

19 septiembre, 202419 septiembre, 2024 infoarte

Fuente: La Nación – El artista expone un centenar de pinturas en el Pabellón de las Bellas Artes de la Universidad Católica Argentina; “Vivimos en un ambiente muy fértil, pero el público no se multiplica como los artistas”, dice

En el Pabellón de las Bellas Artes de la Universidad Católica Argentina, el maestro Eduardo Stupíaexhibe hasta el lunes 22 un centenar de obras en De este lado del horizonte, título con el que desafía una proposición del escritor francés Marcel Proust: “Veo en mi pensamiento con claridad las cosas hasta el horizonte. Pero me empeño en describir solo aquellas que están del otro lado del horizonte”. Para Stupía, debido a la materialidad de la obra (y su pintura pone el acento en este aspecto), el horizonte está del lado de los espectadores. “No quiero matarle el punto a Proust, pero la cita corresponde a esa idea de que lo trascendente está más allá -dice el artista a LA NACION-. Pensé en la idea del horizonte como una línea imaginaria a la que no se llega nunca, pero a la vez en el plano es importantísima porque define el campo visual”.

La muestra estuvo al cuidado de Cecilia Cavanagh, directora del espacio. “Con el acople de un mosaico, en cada fragmento se aprecian pinceladas apaisadas que probablemente correspondan a la inmensidad ilustre de la pampa, y que logran manifestar asimismo su carácter señorial. Y en la estructura de otro mosaico, con gamas de rojo, de negro y de blanco, las pinceladas y los trazos cortos y largos de cada obra son revueltos, expresando acaso una inquietud de este mundo aun no resuelta”, describe en el texto de sala que se puede leer completo en este enlace (igual que el del artista).

Eduardo Stupía expone un centenar de obras en el Pabellón de las Bellas Artes de la UCAACKERMAN

Si bien se pueden apreciar en forma independiente, las pinturas están organizadas en “capítulos”. Polípticos, “mosaicos” o dameros de nueve, doce y más pinturas componen enigmáticas vistas panorámicas, “cómics abstractos” en blanco y negro o con una paleta de colores que se entremezclan e incluso diseños de banderas de territorios irreales. La “gramática stupiana” está conformada de franjas horizontales de color en las que asoma el blanco del papel; bruscas verticales negras, grafismos, insinuaciones figurativas y atmósferas borrascosas.

La muestra agrupa obras de un periodo que va de 2013 al presente. También hay pequeñas acuarelas que, por primera vez, Stupía amplió por diez en su tamaño para imprimir en gran escala. “Eran de un cuaderno de tintas que hice en la pandemia -cuenta-. Hay cosas que aparecen solo con la ampliación”.

El artista eligió una cita de Marcel Proust para indagar en el espacio, la línea y el "más acá" de las obras — El artista eligió una cita de Marcel Proust para indagar en el espacio, la línea y el «más acá» de las obras

“El horizonte es una referencia que está y no está -dice-. Está instalado en la arquitectura general del plano y en los fenómenos que ocurren en ese plano. Aparecen ciertas líneas, aunque no puntos de fuga como en otras obras mías”. Se exhibe, además, de cara al río, una composición híbrida de gran formato (que combina monocopia y grabado) que había sido expuesta en 2017, en Colección Fortabat.

Stupía trabajó con espátula, pinceles, grafito, témpera y acrílico sobre papel. Sobre la presentación de las obras en conjunto, revela que quiso provocar “un fenómeno activo de espacio y atmósfera, de continuidad y contigüidad”. Gracias al amplio espacio del Pabellón, muestra por primera vez sus obras de este modo.

Insinuaciones figurativas en obras abstractas realizadas al estilo de la "acción directa" — Insinuaciones figurativas en obras abstractas realizadas al estilo de la «acción directa»

En un momento en que el costo de los materiales (como el costo de vida) aumentó considerablemente, el artista -que también es escritor y editor del sello Ripio- hizo acopio de papel para seguir trabajando. “Todo lo demás es muy caro: el mantenimiento de los talleres, los montajes -señala-. El contexto me afecta, sobre todo, en cuanto a cómo se percibe la obra en el escenario receptivo; una cosa es la seguridad que tiene uno cuando construye un trabajo y otra la conciencia de la receptividad de ese trabajo en el ambiente en que uno se mueve”.

En su opinión, en el mercado de arte argentino hay mucha más oferta que demanda. “Las generaciones nuevas son muy talentosas y muy profusas; eso ha hecho que los artistas que somos veteranos estemos en un escenario muy competitivo -explica-. Eso no influye en la obra sino en la recepción, en cómo se escucha la voz propia en el medio actual. Vivimos en un ambiente muy fértil, pero el público no se multiplica como los artistas”.

Las obras se exhiben en conjuntosACKERMAN

“Me preocupa más la retirada del Estado en salud y educación pública que en el apoyo al arte -dice-. Ningún Estado es capaz de cobijar, al menos en ciertos países como el nuestro, la productividad del arte. Algunos estamentos que existen podrían ser más sólidos y más sensitivos, pero me preocupa más la ausencia del Estado en otros campos. En la Argentina, el Estado no le encontró al arte una hipótesis de productividad en la gran economía; ni siquiera se piensa en eso”.

La exposición incluye obras de artistas que participaron de uno de los cursos de dibujo que Stupía dio en la Universidad Torcuato Di Tella: Liliana Casanovas, Carolina Di Paola, Dana Fanego, Luciana Guerra, Denise Sánchez y Valeria Tobar. “Una vez concluido el curso conformamos, por iniciativa de ellas, un grupo de práctica y estudio de taller, a partir de lo cual seguí paulatinamente la evolución de sus trabajos y ahora, en carácter de colegas y ya no de alumnas, pensé que podía ofrecerles un sector del espacio para que mostraran sus obras, producidas sin ninguna relación directa con los contenidos de la muestra”, cuenta.

Es uno de los artistas convocados para la próxima edición del Festival de Literatura de Buenos Aires (Filba). El domingo 29, a las 11, en el Cementerio Británico leerá textos de su amigo, el escritor Sergio Chejfec; Analía Couceyro leerá textos de Tamara Kamenszain y Mariano Vespa, de Charlie Feiling. Para asistir, hay que inscribirse en este enlace.

Para agendar

De este lado del horizonte, de Eduardo Stupía, se puede visitar hasta el 22 (sábado y domingo incluidos), de 11 a 19, en el Pabellón de las Bellas Artes de la UCA en Puerto Madero (Av. Alicia Moreau de Justo 1300), con entrada libre y gratuita.

La tienda de arte Diderot.Art cruza las fronteras para llevar la creatividad latinoamericana al mundo

19 septiembre, 202419 septiembre, 2024 infoarte

Fuente: La Nación – Con una exposición de 20 artistas, la plataforma digital argentina desembarcó en Uruguay; desde su creación en 2017, lleva vendidas más de 4000 obras.

La plataforma argentina de venta de arte online Diderot.Art (www.diderot.art) continúa su proceso de internacionalización con su desembarco en Uruguay. Representa a 120 artistas y lleva vendidas más de 4000 obras en siete años. Ahora, desde cualquier lugar del mundo, pueden comprarse obras de artistas de todo el país y de Uruguay. “Nuestra visión es armar una plataforma bien representativa de artistas latinoamericanos y trabajar en introducirlos en Estados Unidos y Europa”, dicen las fundadoras y directoras, Lucrecia Cornejo y Angie Braun.

En 2021, luego de cuatro años de éxito sostenido en la Argentina, la marca se instaló en México y este año desembarca en Uruguay, con Fiona White como representante: “Queremos democratizar el acceso al arte y fomentar su venta a toda la región”. Ahora, cuando cruzaron el charco, la página dejó de ser exclusiva para cada país y se volvió internacional. En el mismo portal se pueden ver artistas de los tres países en los que Diderot puso pie. “Queremos ir sumando al resto y representar artistas de toda la región en el mundo”, señalan.

Algunos de los veinte artistas uruguayos que sumó la plataforma Diderot.Art; cuenta también con treinta mexicanos y ochenta argentinosPaula Zacharias

La página es virtual, pero el ida y vuelta con el mundo de los átomos es constante. Los clientes, que suelen ser recurrentes, pueden acordar visitas a los talleres de los artistas o conversar telefónicamente con las galeristas y curadoras para encontrar la obra indicada, sin costo extra. Las obras llegan al hogar y tienen siete días a prueba: si no funciona, se devuelve. También se pueden comisionar obras a medida del comprador. Y muchas veces, para ver las obras que se ofrecen en Internet (con sus precios, medidas y posibilidades de pago con tarjeta y en cuotas), se hacen exposiciones físicas.

Esta noche, el desembarco en Uruguay fue con una gran muestra en Casa Solís Distrito El Globo, nuevo polo de innovación que viene a transformar la Ciudad Vieja en un centro de negocios. Al lado de lo que fue un antiguo hotel y burdel, y que pronto serán oficinas de coworking, hay montada una sala de doble altura para ver a los más de veinte artistas contemporáneos uruguayos que ya están online, como Juan Burgos, Camila Lacroze, Martín Tisnés, Camila Lacroze y Gustavo Jauje, entre otros. Seguirán en el verano las exposiciones en Punta del Este. “Es una selección de artistas que representan un pantallazo de lo que es el arte contemporáneo en Uruguay, lo que está pasando hoy. Incluye artistas que trabajan volumen, pintura y otros lenguajes, de todas las edades”, dice Pía Susaeta, curadora de la pata uruguaya. El país vecino tiene un mercado pequeño: son algo más de tres millones de habitantes. “El mercado es simbólico”, apunta Susaeta.

“Es un acierto. Diderot tiene un mecanismo de expandir el arte y llevarlo a otros lugares que es muy bueno”, dice el artista Diego Masi, en conversación con su par Santiago ZemmaVictoria Schirinian/ Gentileza Diderot.Art

Las obras tienen cartel con precio y QR para comprarlas con solo un clic. Hay artistas con carrera internacional y currículum extenso, como Diego Masi. “Es un acierto. Diderot tiene un mecanismo de expandir el arte y llevarlo a otros lugares que es muy bueno”, dice. Una artistas de la performance como Ana Campanella, que es arquitecta, presenta piezas en metal. La nacionalidad, también, es fluida. La pintora Verónica Etchenique nació en Brasil y lleva veinte años viviendo en Uruguay. Santiago Zemma vive en Punta Ballena, pero nació en Buenos Aires. “Está bárbaro que vengan. Acá hay un montón de artistas y tienen muy poca visibilidad”, dice Zemma.

Pinturas, grabados, fotografías, esculturas, dibujos y objetos, de todo rango de precios. Desde pinturas de más de 10.000 dólares hasta prints de 30. “Nuestra plataforma otorga a los artistas locales visibilidad y, al mismo tiempo, impulsa la creación de nuevos compradores, promoviendo un círculo virtuoso que complementa y amplía el mercado de compra de arte actual”, dice Braun. “Diderot.Art otorgará a los artistas uruguayos respaldo en su carrera, un sentimiento de comunidad y, al mismo tiempo, se ocupará de convocar y formar nuevos coleccionistas”, agrega White.

Las fundadoras de Diderot, Lucrecia Cornejo y Angie Braun, rodean a la curadora para la Argentina, Stefy Jaugus; detrás, una obra de Sergio PorroVictoria Schirinian/ Gentileza Diderot.Art

Todo empezó en 2017, como iniciativa de estas dos amigas amantes del arte. “Queríamos incorporar al mercado la idea del e-commerce con todos sus beneficios. Acompañar y a darle visibilidad a muchos artistas al mismo tiempo. Y además conectar de una manera más amigable, más cercana para un público general que no necesariamente fuese especialista en arte, sino todo lo contrario”, explica Cornejo. Por eso sumaron al equipo a la curadora Stefy Jaugus, que visita los talleres de los artistas y selecciona la obra que van a subir a Diderot.Art: “Queremos que tenga la credibilidad de que hay un trabajo profesional hecho y así atraer nuevos interesados que se animen a comprar”.

“La dificultad que encuentran los artistas es que los compradores se concentran en las principales ciudades, pero en realidad, los nuestros son países riquísimos en artistas y en posibles consumidores de arte que se están gestando con iniciativas que los den a conocer”, detallan. La pandemia representó un salto de crecimiento. En el staff, hay artistas de Salta, Córdoba y Río Negro, y han despachado piezas a todas las provincias. El mercado uruguayo suma ahora un porcentaje alto de coleccionistas extranjeros.

Para el lanzamiento de Diderot.Art en Uruguay se sumaron al equipo de mujeres la curadora Pía Susaeta y Fiona White como representantes (detrás de ellas, una pintura de Santiago García): "Se puede todo" es su lema — Para el lanzamiento de Diderot.Art en Uruguay se sumaron al equipo de mujeres la curadora Pía Susaeta y Fiona White como representantes (detrás de ellas, una pintura de Santiago García): «Se puede todo» es su lema Victoria Schirinian/ Gentileza Diderot.Art

“Pensamos cómo a través de la tecnología conectar con este público que por ahí siente al mundo del arte muy cerrado y que lo intimida a entrar a una galería”, explica Cornejo. El buscador es amigable y permite refinar búsquedas por precio, lugar donde colgaría la obra, y ahora también por nacionalidad. Hay arte en accesorios, decoración, joyería y libros. También se ofrecen fotomontajes para imaginar la obra en el contexto del comprador. “La gente desconoce el valor de las obras, entonces lo primero que piensa es esto no es para mí, yo no puedo… por eso ponemos los precios. Queremos que sea todo transparente. Lanzamos la tienda de objetos que tiene obra democrática”, cuentan. La obra saldrá del taller del artista con una logística impecable. Mandar a hacer una obra de tres metros de lado, conseguir una pintura de un jaguar de un día para el otro, despachar una escultura a Australia… “Se puede todo”, confirma este grupo de mujeres. Ellas lo logran.