Categoría: Museos

Fuente: Infobae ~ En la celebración del Día Internacional de los Museos, una recorrida por los las colecciones más insólitas que podrías visitar

Este 18 de mayo se celebra el Día Internacional de los Museos, una iniciativa promovida por el Consejo Internacional de Museos en 1977 y que busca generar conciencia en la ciudadanía de la impotancia de estos espacios para la memoria, la protección del patrimonio y el intercambio cultural.

Este año, el lema elegido para conmemorarlo ha sido “El futuro de los museos: recuperar y reimaginar”, lo que nos invita a pensar sobre cómo proyectar en las nuevas generaciones la necesidad de conservar y promover a los museos como uno de los pilares de las sociedades del mañana, pues guardan la memoria de lo que hemos avanzado como humanidad.

En el marco de esta celebración, aquí va una recopilación de algunos de los museos más curiosos del mundo, que tal vez no sean los más grandes o famosos, pero que seguro te dejarán perplejo por sus temáticas, extraños objetos, ubicaciones inverosímiles y experiencias atragantes.

1. Museo subacuático del Arte: La primera parada de esta lista no está precisamente en tierra firme, sino en aguas latinoamericanas. Así es, en las costas de Cancún, en México, puedes vivir una experiencia única sumergiéndote en las aguas para nadar en medio de una serie impresionante de esculturas que ya han sido invadidas por la fauna marina, ofreciendo una imagen de ensueño que quedará grabada para siempre en la memoria de sus visitantes. El MUSA fue creado para atraer el turismo submarino que estaba afectando negativamente la biodiversidad y sostenibilidad del fondo marino de México y llevarlo a un área protegida y segura en donde los corales y arrecifes no sean dañados. Como esta área no tenía un atractivo tan grande como los ecosistemas en peligro, se colocaron allí las esculturas que hoy forman parte del museo submarino más grande del mundo.

2. Museo de lo extraño: Su nombre real es Museo del Descubrimiento Boonshoft y queda en Ohio (Estados Unidos) pero es más conocido por su apodo gracias a la cantidad sorprendente de objetos raros que guarda en su interior. Aquí puedes encontrar un zapato de mujer destrozado por un rayo, los pantalones de un hombre que tenía una cintura de dos metros de circunferencia, fotos instantáneas de supuestos fantasmas, una que otra momia, una bombilla llena con agua de una gran inundación en el estado que data de 1913 o restos de tornados que han pasado por la ciudad.Museo de lo Extraño en Ohio (Estados Unidos)

3. Museo del Arte Malo: El MOBA (por sus siglas en inglés) queda en Boston (Estados Unidos) y tiene como objetivo “celebrar la labor de los artistas cuyo trabajo no sería mostrado ni apreciado en ningún foro más que este”. Su amplia colección se nutre por tres vías: hallazgos de obras en tachos de basura (como Lucy in the Sky with Diamonds, la obra que inició la colección), donaciones de artistas y coleccionistas de arte malo, y compras en mercados de pulgas. Sus particulares colecciones y creciente popularidad han creado un género en sí mismo “el arte malo”. Aquí podrás encontrar lo mejor de lo peor del mundo del arte.Una de las obras exhibidas en el Museo del Arte Malo.

4. Museo de la Basura: Este es uno de esos lugares increíbles e inusuales que se esconden en las bastas calles de Nueva York. El Trash Museum, fue fundado hace más de 30 años por Nelson Molina, un basurero jubilado que comenzó la tarea de recopilar las cosas más insólitas que encontraba en los desechos. Aquí podrás observar unas muy curiosas decoraciones de navidad, antiguos uniformes militares, máquinas de escribir, figuras de bodas y todo tipo de cachivaches que botamos a la basura. Un recorrido que nos pone cara a cara con lo que somos mostrando lo que desechamos.

5. Museo de las Relaciones Rotas: Cambiando de continente nos vamos a Europa, más específicamente en Zagreb (Croacia) donde construyeron un museo dedicado al fracaso amoroso. Los objetos que se exhiben en sus pasillos fueron en el pasado parte de hermosas relaciones, y otras no tanto, que llegaron a su final. Cartas, regalos, anécdotas, fotos, memorabilia, la colección siempre está abierta a nuevas colaboraciones y quienes visitan el lugar pueden dejar en él algún objeto que quieran inmortalizar.Tesoros encontrados en el Museo de la Basura

6. Museo del demonio: Si el anterior era un destino para románticos este lo es para los amantes de lo oscuro. Ubicado en Kaunas (Lituania), en este lugar se pueden ver hasta 1.700 imágenes del diablo, así como una interminable muestra de objetos relacionados con Satanás y los cultos en su nombre. Si eres fácilmente impresionable o tienes un gran temor por las maldiciones demoniacas, este no es el lugar para ti.

7. Museo del Crimen: Siguiendo en Europa, pero más al occidente, vamos a Londres (Inglaterra) y si podemos pasamos por este lugar donde se encuentra una impresionante colección de armas homicidas, objetos de espionaje, un compendio de pruebas forenses y todo un espacio dedicado a Jack el Destripador, uno de los asesinos más famosos del mundo. La desventaja es que este no es un lugar abierto al público y para poder entrar se necesita una autorización de Scotland Yard que usualmente se le otorga solo a profesionales de la criminalistica.Imágenes alusivas a Satanás en el Museo del Diablo.

8. Museo de la Tortura Medieval: Si quedaste con ganas de ver objetos aterrorizantes, entonces uno de los lugares más visitados de Praga es para ti. Situado junto al punte Carlos IV, otro importante atractivo turístico de la ciudad, en este museo están los instrumentos más usados en la Edad Media para infligir castigo físico recopilados en todas partes del mundo, recordándonos que la tortura, fue más comunes de “impartir justicia” y lograr confesiones de crímenes en el mundo antiguo.

9. Museo de la lepra: Este museo en realidad son dos, uno en Bergen (Noruega) y otro en Münster (Alemania), y en ellos se conmemora una de las más grandes enfermedades que golpeó la humanidad y que diezmo la población en diferentes periodos de la historia. Visitar estos lugares, en medio de estos tiempos de pandemia, nos puede servir para recordar lo que hemos vivido antes, y cómo hemos prevalecido.Museo de la Tortura Medieval.

10. Museo del Calcetín: Para cerrar esta lista nos vamos a Tokio (Japón) a un lugar construido para exaltar este imprescindible pero ignorado artículo de ropa, el calcetín. Aquí podrás encontrar más de 20 mil de estas prendas en todos los tamaños, colores y formas, una verdadera oda a la creatividad y el ingenio humano, y claramente, a las medias.

Fuente: La Capital ~ “Para contener el peligro de la subversión, el arte fue encerrado en una especie de corralito de juegos de la sociedad. Mientras aceptemos permanecer encerrados en él y vivir la ilusión de ser libres sin serlo, estamos desmereciendo nuestro potencial como artistas a favor del servilismo. Si la educación se fusionara dentro del arte quizás lograríamos una libertad verdadera”.

Con esas palabras, el teórico y artista visual Luis Camnitzer cerró una conferencia en la que vinculó pedagogía y arte, uno de los principales intereses que tiene su obra.

Desde enero último, una de sus obras está expuesta en el Museo de Arte Contemporáneo MAR. Consiste solo en una frase que aparece escrita en una de las paredes externas del edificio: “El museo es una escuela. El artista aprende a comunicarse. El público aprende a hacer conexiones”.

“El arte permite incorporar lo imposible y el desorden”

Aunque por el momento el Museo se encuentra cerrado, las personas interesadas pueden acercarse hasta la plaza seca del MAR y escanear el código QR que se encuentra en la obra, dentro de la propuesta #MuseoMAR24H.

El código direcciona hacia materiales digitales que exploran en el sentido de esta pieza, del pensamiento y de la biografía del artista, que nació en Alemania, se crió en Uruguay y desde 1964 reside en Estados Unidos.

“De Alemania me fui cuando tenía un año y cuando voy es por alguna exposición o como turista. Al Uruguay, desde que se acabó la dictadura, voy todas la veces que puedo y estoy en proyectos allí, particularmente con el Centro de Fotografía”, contó.

Entrevistado por LA CAPITAL, el artista dijo que “una de las ventajas de ser viejo” es el haber sido inoculado con las dos dosis de la vacuna contra el Covid-19.

En el reportaje relacionó arte, conocimiento, nuevas tecnologías y pandemia. Y se volvió a mostrar crítico del rol que tienen los museos en la actualidad: ser espacios solo para la contemplación y no para permitir que la inventiva logre transformar el espíritu del público.

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-La obra que presenta en Mar del Plata es “El museo es una escuela. El artista aprende a comunicarse. El público aprende a hacer conexiones”. ¿Qué variaciones sufre esta idea en un momento histórico como el actual, con una pandemia que provocó el cierre de escuelas y museos, dependiendo del riesgo sanitario de lugar?

-En realidad no mucho. En momentos en que los museos no pueden mostrar sus posesiones, es justamente la parte educacional la que puede justificar su existencia. Fue un choque cuando el Museo de Arte Moderno de NuevaYork despidió a los educadores para ahorrar dinero. Esa era la oportunidad de afirmar al departamento de educación y darle prominencia. Hoy es cuando los educadores debieran estar rediseñando las instituciones para cumplir con su verdadero propósito. Si la gente no puede dejar sus casas para ir a los museos, los museos van a las casas por medio de las pantallas de las computadoras. Por el momento están usando el medio para mantener una semblanza de normalidad erosionada, esperando que se vuelva a la normalidad total. Sin embargo, ese “ir a las casas” implica una responsabilidad pedagógica aun mayor que la ida al museo para la experiencia presencial y obliga a reconsiderar la relación público-obra para ver en qué medida todavía tiene sentido la contemplación tradicional. Hoy, diría, se debería tratar de independizar al público hacia su propia creatividad en lugar de afirmarlo como consumidor de lo ya creado.

-Usted defiende la idea de que el arte es una forma de pensar, pues bien, ¿qué viene a proponer el arte con su sistema de pensamiento en este momento atípico del planeta? ¿Viene a proponer algo más que un salto hacia la creatividad, hacia la imaginación?

-El conocimiento tal como se maneja en la enseñanza y la vida cotidiana está cada vez más limitado a lo racional, lo explicable y la aplicación práctica. Las universidades están reduciendo cada vez más las materias especulativas en favor de las disciplinas duras, y las artes son catalogadas como industria cultural económicamente productiva, como ejemplifica la política reaccionaria neoliberal de la “economía naranja”. La política del STEM (la sigla inglesa de Ciencia, Tecnología, Ingeniería y Matemáticas) favorece la creatividad como ingenio, y lentamente el enfrentamiento con lo desconocido (racional e irracional) queda disminuido o desaparece. El ingenio es solamente una reorganización de lo conocido para aumentar su instrumentalización y por lo tanto se refiere a un conocimiento parcializado que ignora lo poético. El arte como metadisciplina del conocimiento (que es distinto al arte como producción) permite imaginar sin límites e incorporar lo imposible y el desorden, para luego negociar con la realidad y ver donde y porqué hay que hacer concesiones. Es por lo tanto una forma de conocer que incluye la conciencia política, porque al identificar los obstáculos también se identifican los intereses a los que estos sirven y cómo opera la distribución del poder. Al enfocar puramente en lo aplicable descontextualizamos el conocimiento y permitimos su fragmentación sin poder criticarla. Es así como van desapareciendo cosas, no solamente la imaginación sino también la ética. Hoy tenemos el orgullo en la tecnología que creó la vacuna, y la falta de percepción de la ausencia ética que gobierna su distribución. Perdimos la habilidad de ver las configuraciones completas. Pero es un problema general que nos viene acompañado hace tiempo, probablemente desde que se decidió que el tiempo es oro y por lo tanto comerciabilizable.

-¿Le parece que las nuevas tecnologías constituyen aliadas de esa idea rectora: que el arte necesita dejar de ser propiedad de las elites? ¿o por el contrario, esos son sitios para el mero entretenimiento?

-Creo que depende de cómo los usemos, y obviamente el uso está yendo en ambas direcciones. Desde el punto de vista creativo me interesan los memes porque son un vehículo anónimo y colectivo, con una competitividad muy reducida. Todavía no se han desarrollado para generar significados como lo hace o puede hacer el arte más tradicional, pero no veo por qué no pueden llegar a ese nivel. Por otro tenemos los medios utilizados como afirmación del ego. Francamente no me interesa enterarme que alguien se quemó la boca esta mañana al tomar café demasiado caliente. En cierto modo ese egocentrismo, sin embargo, termina anonimizándose en la banalidad. Sí, pienso que en última instancia los medios sociales pueden ir construyendo una voz colectiva positiva, pero es un proceso que tiene que ser acompañado por un buen sistema de educación holístico que ayude a madurar a la gente en lugar de meramente entrenar para un empleo.

-¿Todas sus ideas sobre la necesidad de que pedagogía y arte vayan de la mano fueron tomadas por escuelas y museos?

-No las tomo como “mis ideas”, en todo caso soy un vocero más de posiciones que se fueron desarrollando hace más de dos siglos y que no logran ser escuchadas por el consenso popular. Quizás por ser artista estoy dándole más énfasis a las experiencias que tengo profesionalmente de lo que hicieron o hacen otros colegas. Es interesante que las pedagogía progresistas siguen encerradas en escuelas privadas elitistas y no pasan a reformar el sistema educativo público general. Y esto no es debido a los maestros, que generalmente son progresistas, sino a la estructura general que impide las aperturas, que no son percibidas como de utilidad práctica y en donde lo práctico se define como utilidad nacional o de servicio a una sociedad clasista.

-¿Cómo ve un artista como usted esta pandemia que parece no dar tregua, sobre todo a los países periféricos?

-Creo que uno de los peligros de la pandemia y el confinamiento es que el arte revierta a la autoterapia y pierda su función de construcción social. Allí es donde el mundo virtual puede ayudar. Pero hay que recordar que el acceso al internet solamente lo tiene la mitad de la población mundial, y dentro de eso la mayoría lo hace por teléfono. El acceso a las computadoras es un signo de privilegio, como también lo es la producción y acceso al arte. Me temo que la pandemia va a continuar la estratificación social y que como artistas productores no podemos hacer mucho, salvo por un lado hacer algún tipo de obra que nos ayude a mantener la salud mental y ser conscientes de que es eso para lo que está sirviendo, y por otro ver cómo podemos compartir seriamente nuestros procesos creativos para empoderar a los demás. La “normalidad”, que ya de por sí era embromada, dejó de existir, o si vuelve lo hará de a ratitos. Estamos entrando en un mundo nuevo para el cual tenemos que adoptar y afirmar pedagogías apropiadas que nos ayuden a manejar y manipular, no solamente “cosas”, sino también los espacios que existen entre las cosas. Es allí donde tenemos que el arte y la educación se integran en una actividad común. Pero me temo que la solución no llegará en nuestra generación y que lo único que podemos hacer es tratar de no poner a psicópatas en los gobiernos y de asegurar que puedan existir otras generaciones. La tendencia del momento parece ser pensar exclusivamente en que hay que hacer mucho dinero rápidamente ya que el mundo se está por acabar.

Fuente: Museo Mumbat ~ En febrero de 2021, fueron recibidas en calidad de donación al patrimonio del Museo, un conjunto de ocho (8) obras de la artista polaca-argentina: Basia Kuperman. Dicha donación, cobra relevancia por su valor histórico y estético, sumándose a las otras obras que ya formaban parte del acervo.

Las mismas evidencian no solo nuevos aspectos técnicos y formales que la autora aborda en sus series, también implican nuevas temáticas a las cuales se abre y que comparten un hilo conductor: la condición humana.

En los años `70 y` 80 la figura pudo ser central en su obra, caracterizada por trazos negros como en el retrato “Felices pensamientos”, o en los pasteles “Maternidad” y “Maternidad 1”, donde la figura femenina y el acto de maternar ocupan el centro de la escena, pero es en obras como “¿Por qué?/Warum”, perteneciente a  una serie testimonial, que la artista pinta sensaciones, climas y se acerca a la condición humana.

A lo largo de su producción artística, los paisajes también adquieren diferentes resoluciones formales, a través de una geometría simple y los planos de color, que en los últimos años se acerca a una obra metafísica a partir del tratamiento de la imagen y el cromatismo, como puede observarse en los oleos del `90.  En estas arquitecturas vacías, la huella humana se hace presente  y de ese modo interpela  acerca de la condición del hombre.

A través del lenguaje del Arte, Basia Kuperman ha logrado expresar verdades universales que aun hoy nos interrogan y señalan caminos. Porque más allá del registro de los objetos cotidianos y mínimos o de la aparente simplicidad de sus temas, su poética trasciende la categoría estética para constituirse en manifiesto ético, ya que nada de los humano le fue ajeno.

Agradecidos de recibir esta donación compartimos, con la comunidad toda, el crecimiento de la colección y reafirmamos el compromiso de valorizar nuestro patrimonio, difundir arte y pensamiento creativo.

Sobre la artista.

Nació en Varsovia, Polonia, en 1927, y falleció en Buenos Aires en 2013. Arribó a la Argentina en 1934 y se nacionalizó en 1967. «Vine a la Argentina desde muy pequeña, con la Segunda Guerra Mundial pisándome los talones. Lo que soy, mi familia, mi carrera, todo, se lo debo a este país que adopté como propio», comentaría la artista en alguna oportunidad.

Estudió en escuelas oficiales y en los talleres de Demetrio Urruchúa, Juan Carlos Castagnino, Antonio Berni y Juan Batlle Planas. Se capacitó en Historia del Arte con Jorge López Anaya y en psicología en la Universidad Nacional de Buenos Aires.

Cabe destacar que la artista pintó murales en edificios públicos y privados de la ciudad de Buenos Aires y ha realizado alrededor de cuarenta muestras individuales en importantes galerías, salones nacionales y provinciales en Argentina y otras veinte exposiciones internacionales en Canadá, Panamá, Guatemala, Mónaco, Francia, Inglaterra, España, Rumania, Polonia y Alemania.

Fuente: InfoNews ~ La Fundación Tres Pinos anunció su nuevo proyecto: el MIG (Museo de la Ilustración Gráfica), que tendrá como sede la esquina de la avenida Almirante. Brown y Pinzón del barrio de La Boca. La propuesta abarcará las áreas del humor gráfico, la historieta, la ilustración y la animación.

El MIG reunirá las obras de los ilustradores consagrados y a las nuevas generaciones en formación, que tendrán la oportunidad de expresarse en el nuevo Museo.

La colección de MIG es de alrededor de 10.000 obras originales de los más prestigiosos artistas desde el siglo XIX hasta nuestros días. Además incluirá una amplia biblioteca de respaldo y unas importantes hemeroteca y videoteca.

El edificio del Museo está reconocido como patrimonio histórico, fue proyectado en 1931 por el arquitecto italiano Francisco Terencio Gianotti.

La arquitectura está siendo remodelada con críticos patrimoniales a fin de darle el valor histórico que tiene para la Ciudad y para devolverlo a su época de esplendor.

La Fundación que ya tiene otro museo en el barrio de La Boca, el Museo de Arte Contemporáneo (MARCO), en marzo y abril, incorporó nuevas obras a su colección de los artistas: Aldo Paparella y Gregorio Vardánega. A su vez, pasaron a integrar la colección obras de los artistas argentinos José Luis Landet, Nina Kunan y el Grupo DOMA. De Landet, quien expone «EL Atajo» (cumplimiento el DNU las Salas están cerradas hasta el 30 de abril) adquirió:»26 fragmentos para bordes y contornos de un paisaje» (de técnica: collage, de 150 x 200 cm).

Landet, nació el 30 de septiembre del año 1977 en Lomas de Zamora, provincia de Buenos Aires y estudio la licenciatura en Artes Plásticas en la ENPEG La Esmeralda en la ciudad de México (2000-2005). Expuesto en Nueva York, Lima, Buenos Aires, Miami, Londres, Torino, Francia, Suiza, Madrid, Sou Paulo y la Ciudad de México.

Su obra se encuentra en: Colección Jumex, México – Lousiana Museum, Dinamarca – MACO, Oaxaca, México – Sayago & Pardon Collection, California USA – The Brillembourg Capriles Collection USA – Spain – Venezuela – JoAnn Gonzalez – Hickey Collection NY USA – Marc Van Den Henden Collection , Belgium – Lacma Museo Los Angeles County Museum of Art – USA. Fundación Calosa, Irapuato Guanajuato – México. Fundación Otazu, España (Primer premio en Untitled art fair Miami USA. Phoe nix art Museum, Arizona USA.

El arte de la memoria

Según la curadora de «El Atajo», Sandra Juárez, Landet apela a la memoria y vale la pena advertir que “recordar¨ proviene del término corazón.

El artista construyó un el llamado «método Landet», un despliegue de acciones de recolección de imágenes, selección, clasificación y archivo, una suerte de reconocimiento histórico a la obra, del historiador del arte alemán, Aby Warburg.

Escribe, hace bocetos y puebla numerosas bitácoras. La metodología se asemeja a la arqueología procesual y dirige su investigación a encontrar vestigios culturales a los que denomina ruinas civilizatorias y es a partir de estos materia les que realiza una apropiación radical y poética de las imágenes, sean estas pinturas o piezas gráficas. Toma firmas, retratos, textos y fotos, recorta, pinta y sumerge en pintura.

«Me interesa investigar sobre algunos vestigios o desechos socioculturales, por ejemplo: recuperar paisajes (óleos sobre tela entre los años 1940 a 1970) con cierta mirada romántica, bucólica, que se dan en representaciones realizadas por pintores amateur o pintores de domingo. Una búsqueda de cierta noción de paraíso. Estas imágenes (pinturas) y otros elementos simbólicos como objetos cotidianos, fotografías, postales, diapositivas, escritos, revistas y libros forman parte de los materiales con los que trabajo, en una deconstrucción material y conceptual. Cuando encuentro estos elementos-materiales, están cargados de memoria, tiempo y uso. Es importante para mí realizar un análisis de cada uno, tomar un registro fotográfico, clasificar y proceder a las diversas acciones que se requieren según lo específico del proyecto. Por lo general estas acciones tienen que ver con: archivar, cortar, quebrar, tapar, falsificar, sumergir, fragmentar, simular, sacar de las sombras y ponerle las propias. Acciones metafóricas-poéticas», comentó José Luis Landet.

El MARCO LA BOCA está ubicado en la calle Almirante Brown 1031 donde alberga, conserva y difunde la Colección de Arte de Fundación Tres Pinos y promover las producciones contemporáneas de artistas del ámbito nacional e internacional y se sumó en septiembre de 2019 a las propuestas del Distrito de las Artes.

También está ubicado en un edificio histórico de valor patrimonial que alberga el museo inicia su puesta en valor y restauración en 2014 gracias al apoyo de Mecenazgo Cultural de la Ciudad de Buenos Aires y Fundación Tres Pinos.

El museo cuenta en sus 700 m2 con dos salas de exposiciones, una sala de videoconferencias, una tienda y librería especializada donde podrán adquirirse todos los libros editados por la Fundación y una cafetería.

PARA AGENDAR

MARCO- Museo de Arte Contemporáneo de La Boca

Av. Almirante Brown 1031, Barrio de La Boca, CABA.

www.museomarco.org

info@fundaciontrespinos.org

La tienda y el Café del Museo de 11 a 19 abiertos

Las salas cumpliendo el decreto Presidencial cerradas hasta el 30