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Obras de los museos porteños, de gira por el mundo

26 febrero, 202426 febrero, 2024 infoarte

Fuente: Foro de Baires – Los museos porteños albergan una cantidad muy importante de obras con relevancia internacional, destacada por curadores de instituciones del mundo entero. En ese sentido, en estos momentos hay una presencia inédita, en cuanto a cantidad, de obras del patrimonio local en préstamo para muestras en el exterior, en este caso de los museos de Esculturas Luis Perlotti y de Arte Español Enrique Larreta.

A través del trabajo de la Dirección General de Patrimonio, Museos y Casco Histórico del Ministerio de Cultura porteño, las obras están siendo exhibidas en distintos museos y fundaciones. El Museo Perlotti participa con piezas notables en la estética indigenista que lo caracteriza, obra en su mayoría de Luis Perlotti. En tanto el Larreta comparte en Europa el gran cuadro de Ignacio Zuloaga que retrata a Enrique Larreta en los tiempos de celebridad literaria por su novela La gloria de don Ramiro.

A continuación, las principales obras:

Museo Luis Perlotti en Fundación Juan March, Madrid (España)

El Museo de Esculturas ha enviado para la exposición “Antes de América. Fuentes originarias en la cultura moderna“, que se lleva a cabo desde el 6 de octubre de 2023 hasta el 10 de marzo de 2024, cuatro obras de su patrimonio de arte americanista: Maqueta del proyecto de Monumento a la Independencia en la Quebrada de Humahuaca (2º premio), de Héctor Greslebin y Luis Perlotti, 1925, modelado en yeso con base de madera; dos obras tituladas Juego de café con motivos indígenas, de Luis Perlotti, cerámica policromada con las técnicas de torneado, bizcochado, decorado y vidriado; y Máscara indígena, de Luis Perlotti, c.1930, cerámica policromada, decorada y vidriada. Estas piezas se conservan y difunden desde el único museo de esculturas porteño en Caballito.

“Antes de América. Fuentes originarias en la cultura moderna” es una exposición que propone reconstruir visualmente un proceso histórico que tiene lugar en los dos hemisferios del continente americano, desde Alaska hasta la Patagonia: el de recuperación y reinterpretación en las artes y la cultura de las formas y los significados de las antiguas civilizaciones americanas y culturas indígenas derivadas, desde el siglo XIX hasta nuestros días. La mayoría de las piezas seleccionadas no ha salido nunca de sus países de origen, y a veces ni siquiera de los depósitos de los museos y colecciones que las albergan, o no se exhiben de modo habitual.

Museo Enrique Larreta en Munich y Hamburgo (Alemania) y en Segovia (España)

En la exposición itinerante “El mito de España. Zuloaga 1870 – 1945”, que se lleva a cabo en el Kunsthalle der Hypo-kulturstiftung (Múnich) de septiembre de 2023 a febrero de 2024, en el Bucerius Kunst Forum (Hamburgo) de febrero a julio de 2024, y en el Museo Zuloaga (Segovia) de junio a octubre de 2024, el Museo de Arte Español presenta su célebre pintura Retrato de Enrique Larreta, de Ignacio Zuloaga (París, 1912), óleo sobre tela, que ocupa un lugar central de la casa y la colección en Belgrano.

“La representación que Zuloaga hace de Enrique Larreta es uno de los retratos paisajísticos más famosos del artista, en el que concibe el paisaje como una extensión de la figura que expresa la esencia del retratado y, a menudo, sirve como una proyección de su alma. Pintado en París en 1912, donde Larreta se desempeñaba como ministro plenipotenciario de Argentina, el lienzo lo muestra con el telón de fondo de la ciudad de Ávila, escenario principal de su novela La gloria de don Ramiro de 1908”(Texto del catálogo de la muestra).

“El mito de España. Zuloaga 1870 – 1945”, reúne unas 100 pinturas de colecciones públicas y privadas de todo el mundo, muchas de las cuales no han sido presentadas al público desde la muerte de Zuloaga en 1945. Es la primera vez que el artista, cuyas obras fueron expuestas repetidamente y con éxito en Alemania a principios del siglo XX, pero que es hoy prácticamente desconocido en ese país, será homenajeado fuera de España en una muestra tan completa.

Falsos y recontra falsos: un manual de fraudes del arte

25 febrero, 202425 febrero, 2024 infoarte

Fuente: Clarín – “Todas Ias falsificaciones son como vampiros; deberían clavárseles una estaca en el corazón”. Lo dijo Josep Noble, quien fuera uno de los directivos más importantes del Museo Metropolitano de Nueva York, un museo que en algún momento dio a conocer que más del 40% de sus fondos eran falsificaciones.

Menos dramáticos que Noble, la mayoría de los que están involucrados en el mundo del arte suelen hablar de copia, reproducción y falsificación. Todas mueven cifras abultadas. Se habla de falsificación cuando son copias sin autorización y además, tienen voluntad deliberada de engañar, de pasar por originales y únicas.«Fake or fortune», la serie de la BBC sobre fraudes con el arte.

Si bien las historias que hoy leemos o vemos en películas y series suceden casi siempre en Europa o los Estados Unidos, –entre ellas, Fake or Fortune?, de la BBC, con Philip Mould o Fraude de arte, producida por Alec Baldwin–, en Latinoamérica, territorio utópico de copias de Giocondas, paraíso de compradores, vendedores y falsificadores de arte precolombino, abundan las anécdotas, el grueso, improbables, la mayoría, peligrosas.

Las Mona Lisa falsas en América

Se sabe que la «Mona Lisa», de Leonardo Da Vinci, estrella del Museo Louvre, fue robada de allí por el italiano Vincenzo Peruggia en 1911 y recuperada en 1913.El regreso de la Gioconda al Louvre

En junio de 1932, el periodista estadounidense Karl Decker publicó un artículo en el que reveló que un argentino había sido el cerebro de este robo y que en Estados Unidos había 6 copias falsificadas del cuadro de Da Vinci.

El marqués Eduardo de Valfierno se lo había confesado a Decker en 1914 en Marruecos. Este había conocido en Buenos Aires a Yves Chaudron, un pintor francés que realizaba falsificaciones de arte y que en Paris convencieron a Peruggia de robar la Gioconda del Louvre.

Mientras se buscaba la obra robada y el escándalo recorría el mundo, Chaudron hizo varias copias que luego fueron ofrecidas por Valfierno como si fuera la original a distintos coleccionistas. A medida que las falsificaciones fueron finalizadas, Valfierno viajó con ellas a Estados Unidos, una por vez, para no despertar sospechas. Vendidas todas, abandonaron a Peruggia a su suerte. Nunca quisieron la original.

Hay dos libros escritos por dos argentinos que ficcionan la supuesta vida de Valfierno. Uno, de Martin Caparrós quien obtuvo el Premio Planeta por ese libro, y otro, del ex embajador y columnista político Diego Guelar.

La historia es muy bonita, pero es mentira. Nunca existió el Marqués de Valfierno. Por tanto nunca existieron las Giocondas falsas importadas a América.

La mayor fábrica de artefactos prehispánicos

El interés por el arte precolombino, el más falsificado en Latinoamérica, continúa hasta hoy, entre el expolio y la recuperación de auténticas piezas y el falso maridaje o pastiche, la industria de la falsa procedencia y las copias burdas que se venden en todo el mundo, dando lugar a cientos de historias.

Una de las más interesantes es la del coleccionista mexicano Josué Sáenz, quien compró las 10 páginas sobrevivientes del «libro» que solía conocerse como el Códice Grólier y ahora es conocido como el Códice Maya de México.

Por mucho tiempo, fue considerado falso al afirmar distintos estudiosos que el estilo no era maya y que era “el más feo” en cuanto a trazos y color. Investigaciones posteriores destacaron que eran tiempos de carencias que también influyeron en los materiales y el arte. Hoy es el manuscrito legible más antiguo del continente americano. Los árboles de donde tomaron las cortezas para elaborar los soportes datan entre 1026 y 1157.

A este mismo coleccionista le fue ofrecida en 1966, y a través de una llamada anónima, una máscara antigua con incrustaciones de jade y hueso. Los ojos, la nariz y la boca de la cara estaban bordeados de un material resinoso rojo. Sin embargo, lo que más llamaba la atención eran los dientes, una hilera de dientes…. humanos. La máscara –le dijeron– podía representar al dios maya Itzamná, Señor de los Cielos. Página 7 del Códice Maya de México.

Sáenz la compró durante un viaje de película que incluyó un vuelo aéreo, con una brújula tapada para que él no supiera hacia dónde iban. Ya en su poder la máscara, ante la sospecha de que era falsa, la puso en venta y ésta pasó de mano en mano. Luego se comprobó que era original. Hasta donde sé, forma parte de la Colección Bliss de arte precolombino, en Estados Unidos.

El primer taller de falsificadores latinoamericanos de cerámica prehispánica reconocido como tal fue el de la Familia Alzate, en Colombia. De impecable factura y gran imaginación, llegaron a falsificar objetos que no existían en la etapa prehispánica, por ejemplo: cafeteras.

Se dice que Julián Alzate vendió más de mil precolombinos falsos y engañó a la plana mayor de la arqueología mundial de ese tiempo. La colección Alzate cobró dimensiones míticas y actualmente es conservada por el Museo Universitario de la Universidad de Antioquia.

El Museo del Oro en Lima

En el 2001, un informe dictaminó que el 98% de las piezas expuestas en el Museo de Oro de Lima eran falsas, entre ellas joyas incaicas y tapices prehispánicos. En el 2018, en un trabajo conjunto expertos del Museo de América, en Madrid, y la Policía española y de Estados Unidos llegaron a la conclusión de que el 90% del arte precolombino vasijas policromas mayas, urnas amazónicas, vasijas moche, figuras Nayarit, máscaras teotihuacanas o figurillas olmecas que se vendía en el mercado nacional e internacional y por internet era falso.

Si antes las falsificaciones de obras contemporáneas latinoamericanas se producían la mayoría de las veces en el país de origen del artista, las cosas han cambiado rápidamente.

Los hijos del colombiano Fernando Botero dieron a conocer en 2023, pocos días después de la muerte del artista, un comunicado donde, entre otras cosas, señalaron: «Vamos en contra de los falsificadores asiáticos de la obra de mi padre”.

“Lamentablemente en China, Vietnam, Tailandia y otros países asiáticos, hay organizaciones criminales que falsifican la obra, y por razones geográficas, de idioma, y legales —que las leyes de protección de la propiedad intelectual no son tan estrictas o efectivas allí como en Occidente–, la lucha contra ese flagelo se ha dificultado más en el Oriente”, significó Fernando Botero Zea, quien también dijo que son las esculturas, y no las pinturas, las más falsificadas.Museo Oro de Perú

Las obras de Botero, nacido en Colombia en 1932, han alcanzado récords de venta. Auténtico es el torso en el porteño Parque Thays de Retiro. Su pintura «Los músicos» se subastó en más de 5 millones de dólares en Christie’s, en noviembre del 2023 y su escultura «Hombre a caballo» fue vendida en 2022 por 4.3 millones de dólares también en Christie’s. La misma casa de subasta que retiró de la venta en 1993, un cuadro falso, «Los bailadores».

Hace unos años me encontré con el hijo de Botero en Pietrasanta. Le pregunté si era cierta la historia de que había encontrado en una galería argentina una falsificación de su obra. Le pregunté también sobre los Boteros, falsos y originales, que habían sido incautados en casas de mafiosos y, en general, el gusto de los narcos por su obra. Se rió como quien no puede hacer nada.

Con nombre y sin él

En Falsificadores Ilustres, uno de los pocos libros traducidos al español sobre este tema, el escritor y periodista francés Harry Bellet, licenciado en historia del arte, asevera que la falsificación es “el oficio más antiguo del mundo”. Bellet, además de mostrar casos conocidos, ofrece lo que podría ser un pequeño manual del falsificador.

En el mundo del mercado del arte se repite que para que una falsificación tenga éxito se necesita un artista de renombre, un falsificador sin escrúpulos, un intermediario mentiroso, un galerista con contactos, un crítico o especialista con prestigio y un incauto con dinero, algo que ya tenía claro Dante Alighieri, cuando en su célebre Divina Comedia, considera a los falsificadores como grandes pecadores y los sitúa a las puertas del infierno, en la décima fosa del octavo círculo, Canto trigésimo.

Son pocos los grandes falsificadores de arte cuyos nombres se conocen, aunque cada país tiene los suyos. Sus identidades se manejan, la mayoría de las veces, entre el chisme y el misterio, de donde nacen las historias, algunas desopilantes.

Elmyr de Hory, el más famoso falsificador, tuvo su historia latinoamericana. El pintor y falsificador húngaro se suicidó en Ibiza en 1976, cuando iba a ser extraditado. Antes vivió en México y, según algunas crónicas, visitaba Buenos Aires, buscando inspiración. Falsificó a Picasso, Modigliani, Matisse, Cézanne y Chagall, entre otros, fue protagonista de un libro que escribió Clifford Irving y de un film sobre su vida que hizo el mítico Orson Welles, F de falso.Elmyr de Hory, el falsificador de maestros europeos celebrado por el jet set. Se suicidió en Ibiza en 1976.

De Hory tiene un museo donde se exhiben algunas de sus obras falsificadas. El escritor español Diego Feliu publicó una rigurosa investigación periodística en la que desmiente que este haya sido el genio que se cree que fue. La vida del mayor falsificador de obras arte de la historia puede ser una estafa.El genial cineasta estadounidense Orson Welles quedó fascinado por la personalidad de De Hory; contó su historia en el brillante documental «F de Falso».

El mexicano Brígido Lara, quien se supone falsificó más 40.000 piezas de cerámica precolombina hoy repartida por colecciones y museos del mundo, es uno de los pocos nombres que suelen mencionar los investigadores especializados en arte precolombino.

Falsificadores consabidos e ignotos

La primera esposa de Diego Rivera, la rusa Angelina Beloff, conocida como Quiela, falsificaba a primitivos italianos y flamencos, así como a antiguos pintores catalanes. Lo hacía mientras estaba casada con Diego, según contó otro gran artista, David Alfaro Siqueiros.

Diego Rivera junto a Frida Kalho están entre los más falsificados. La amiga de ambos, la pintora surrealista Remedios Varo, falsificaba a Giorgio de Chirico, quien lo sabía y la avalaba.Frida Khalo, una de las artistas más falsificadas de México.

Más reciente en el tiempo, en México, el artista Gabriel de la Mora hizo en 2011 una exposición titulada “Originalmente falso”. Rescató y compró obras en el mercado negro del arte, según él “con pedrigrí”, atribuidas a Frida Kalho, Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y Leonora Carrington, entre otros, y las sometió a diversas intervenciones hasta convertirlas en una obra original. Buena parte de éstas fueron vendidas.

«Rincones de nuestra historia», una iniciativa que invita a visitar museos emblemáticos

25 febrero, 202425 febrero, 2024 infoarte

Fuente: Télam – Para lo que resta del verano 2024, la Secretaría de Cultura propone el recorrido por 26 museos como por ejemplo el Complejo Histórico de la Manzana de las Luces (Perú 272, CABA), el Museo Mitre (San Martín 336, CABA), Museo Uriburu (Caseros 417, Salta), entre otros.

Con la idea de tomar contacto con espacios emblemáticos que fueron testigo de la historia argentina, la Secretaría de Cultura propone un recorrido por distintos museos de la Ciudad de Buenos Aires y de provincias como Entre Ríos y Salta, para lo que resta del verano 2024, bajo la iniciativa «Rincones de nuestra historia».

El organismo, a cargo de 26 museos en todo el país, invitó a visitar el Museo Mitre, el Complejo Histórico de la Manzana de las Luces, el Museo Roca, el Museo Histórico del Norte, el Museo Casa Yrurtia, el Museo Histórico Sarmiento y el Palacio San José – Museo y Monumento Histórico Nacional «Justo José de Urquiza».

«En algunos de ellos tuvieron lugar hechos que marcaron el devenir histórico argentino y fueron a la vez escenario de la vida de muchas de las personalidades que se destacaron como artífices de nuestra construcción nacional», precisó en un comunicado el organismo a cargo de Leonardo Cifelli.

En el Museo Mitre -San Martín 336, de la ciudad de Buenos Aires (CABA)- se invita a recorrer el Segundo patio, ya que es uno de los pocos patios coloniales todavía intactos, y también se puede visitar el dormitorio donde Bartolomé Mitre vivió sus últimos años de vida.

El complejo histórico cultural Manzana de las Luces -Perú 272, CABA- alberga la Sala de Representantes, que funcionó desde 1822 hasta fines del siglo XIX. Fue la sede de la legislatura de la provincia de Buenos Aires y durante un breve tiempo tuvo funciones equivalentes a las del actual Congreso de la Nación.

Asimismo, se puede acceder al Patio de la Procuraduría, construido en 1730, y que fue la sede administrativa del comercio generado por las misiones jesuíticas. En tanto, en el Patio arqueológico, fueron descubiertas antiguas estructuras subterráneas del siglo XVIII y un sistema cloacal utilizado en el siglo XIX.

El Museo Roca -Vicente López 2200, CABA- funciona en una casa art déco de la década del treinta que perteneció a José Arce y su esposa, Amelia Bazán. Aquí se propone un recorrido por la arquitectura y la vida de sus antiguos habitantes.

Diseñado por el arquitecto Juan Buschiazzo (1846-1917), el Museo Histórico Sarmiento -Cuba 2079, CABA- fue construido entre 1869 y 1872 en un estilo neorrenacentista italiano, también conocido como «italianizante». Allí se puede ver la Campana colocada en 1894, al construirse la torre del reloj del edificio.

El Palacio San José -Museo y Monumento Histórico Nacional Justo José de Urquiza- está ubicado en la ruta provincial 39 km 128, en la zona rural entrerriana de Caseros. Allí los visitantes pueden acceder al escritorio, donde Urquiza ejerció sus funciones de gobernador de la provincia de Entre Ríos, director provisorio de la Confederación Argentina y primer presidente constitucional de la Nación.

Asimismo, se puede visitar la Capilla que fue erigida gracias a la autorización que el prócer entrerriano obtuvo del Vaticano en 1851, para erigir una capilla pública. La Sala de Recepciones es un espacio refinado en el que se realizaron tertulias, muchas veces amenizadas por las hijas de Urquiza, quienes interpretaban diferentes repertorios en piano, arpa y violín. Ese lugar se destaca por el cielorraso con 144 lunas de espejos importadas de Francia.

En el Lago artificial, ubicado en el extremo oeste de la residencia, se celebraban fiestas con fuegos artificiales y se hacían paseos en el «San Cipriano», un barco a vapor de 15 metros de largo.

El Museo Casa de Yrurtia -O’Higgins 2390, CABA- cuenta con un amplio jardín, un espacio en el que el escultor Rogelio Yrurtia trabajó activamente. En la actualidad los espacios verdes y abiertos del museo conviven con esculturas y relieves que ofrecen la oportunidad de descubrir la relación entre su patrimonio y el espacio que lo rodea.

Otro espacio de gran peso en el devenir de la historia argentina es el Museo Histórico del Norte, ubicado en Caseros 549, de la ciudad de Salta, ya que allí se emplazó el Cabildo de Salta y hoy es uno de los edificios de arquitectura colonial mejor conservados del país en el que se destacan rincones como la Sala Capitular y el Patio de Carruajes.

De este museo dependen el Museo Uriburu -Caseros 417, Salta- donde se destacan su patio y su cocina coloniales.

Asimismo, en Salta, la Posta de Yatasto -ubicada en el kilómetro 1446 de la ruta 9, a 6 kilómetros de San José de Metán- se proyecta como un lugar de enorme importancia histórica porque allí convergieron José de San Martín y Manuel Belgrano en un momento crucial para la historia de Argentina.

Continente por continente, los museos y muestras de arte que los fanáticos de los viajes no se pueden perder en 2024

20 febrero, 202420 febrero, 2024 infoarte

Fuente: Cronista – Conocé este listado de lugares del mundo para visitar curado por editores, fotógrafos y viajeros.

Para los aventureros de espíritu libre, amantes de explorar otras formas de arte del mundo, acá va una lista para que encuentren las mejores experiencias culturales.

Museos y muestras de arte, en 2024 hay muchísimos lugares donde desborda la creatividad y que no te podés perder si sos un fanático de los viajes y la cultura.

Según un artículo de National Geographic, editores, fotógrafos y viajeros recomendaron distintos museos y muestras imperdibles.

Las mejores muestras de arte y museos que encontrarás en Norteamérica

Biblioteca Shakespeare de Folger, Washington, D.C.: acá vas a poder encontrarte una extensa colección de elementos pertenecientes a Shakespeare, entre ellos, los borradores de sus primeras obras, así también como sus obras más clásicas y contemporáneas.

Uno de los primeros folios de Shakespeare que podés encontrar en este paseo. (Foto: Archivo).

Este museo también cuenta con exposiciones interactivas y un jardín con todas las plantas que Shakespeare mencionó a lo largo de sus obras.

Museo Nacional de la Segunda Guerra Mundial, Nueva Orleans, Luisiana: acá vas a poder encontrarte con la narrativa pura del Holocausto y los años de posguerra, destacando la experiencia interactiva del anexo secreto de Ana Frank en Ámsterdam y los lugares secretos donde se encontraron obras de arte escondidas por los nazis.
Museo Canadiense de la Canoa, Ontario, Canadá: con una entrada creativa en la que se accede al museo remando en canoa o kayak, el museo tiene la forma de una embarcación a las orillas.

El museo canadiense al que podés entrar remando en kayak o canoa. (Foto: Archivo).

También vas a poder presenciar los llamativos métodos de tallado de remos con artistas Anishinaabe, ¡y hasta tomar una clase con ellos!

Museos y muestras de arte en México, Centro y Sudamérica

Islas Marías, Nayarit, México: este ex penal actualmente es una reserva de la biosfera que brinda alojamiento en viviendas remodeladas de prisioneros y actividades como ciclismo y caminatas naturales, donde la conexión con la naturaleza te llenará de inspiración para tu próxima aventura.
Festival Manzana 1, Santa Cruz de la Sierra, Bolivia: un festival de fotografía único que expone obras de reportaje fotográfico y brinda conciertos para que te conectes con las almas creativas de la zona.

Muestras de arte y museos que encontrarás en 2024 en Europa

Tartu, Estonia: esta ciudad histórica cuenta con diversos conciertos al aire libre de música clásica, muestras de arte y eventos donde se celebra la creatividad autóctona.
Galería de las Colecciones Reales, Madrid, España: esta imponente muestra histórica reúne los tesoros de la monarquía española que va desde las emblemáticas pinturas de Goya y los espectaculares carruajes que datan del siglo XVII.

Istanbul Modern, Estambul, Turquía: destacado por exhibir un vasto catálogo de muestras de arte, vas a poder encontrar desde pinturas abstractas hasta esculturas y obras en video, con vistas extraordinarias del Bósforo, en este museo diseñado por Renzo Piano.

Las imperdibles muestras que podrás visitar en Medio Oriente y África

MAP Marrakech, Marruecos: aplaudiendo las formas de adorno humano a lo largo de los siglos, se exhiben desde caftanes de seda marroquíes hasta los más brillantes e icónicos broches de plata beduinos, rescatados de un devastador terremoto.
The Manor, Johannesburgo, Sudáfrica:bajo la visión de un prestigioso artista visual, acá vas a encontrar mucho sobre la cultura africana en las exposiciones y los eventos temáticos, deliciosamente seleccionados con menús por chefs renombrados y bajo la compañía de buena música de artistas de la zona.

Museos y muestras de arte para visitar en 2024 en Asia:

Museo Chinggis Khaan, Ulán Bator, Mongolia: un paseo por la vasta e histórica cultura mongola, con muestras de los huesos de dinosaurios encontrados allí hasta herramientas que son registros oficiales de cómo fue la vida nómada tradicional del lugar.
Museo de Arte y Fotografía, Bengaluru, India: acercando a los visitantes al arte de la comunidad local, este museo abarca obras de arte que van desde tallados en madera del siglo XIX hasta recuerdos de Bollywood.
Museo de Arte de Guangzhou, Guangzhou, China: con un recorrido que abarca desde épocas históricas hasta la actualidad, este museo de arte da un recorrido por su impecable colección, incluye pintura china, la caligrafía y la fotografía.

Muestras de arte que podés disfrutar en Australia y Nueva Zelanda

En Nueva Zelanda, conocé la galería de arte que reúne hasta 400 años de cultura histórica. (Foto: Archivo).

Galería Sarjeant, Whanganui, Nueva Zelanda: luego de la inauguración de su reapertura, esta galería de arte reúne una colección que data 400 años de arte tanto internacional como neozelandesa.
Galería de Arte de Nueva Gales del Sur, Sídney, Australia: mágico como si te encontraras dentro de una bola de cristal, este museo cuenta con una instalación recreativa que invita a sus visitantes a sumarse a la creación artística.

Prilidiano Pueyrredón, nuestro pionero

18 febrero, 202418 febrero, 2024 infoarte

Fuente: Clarín – El artista más demandado por la burguesía porteña de mediados del siglo XIX y un osado. Su genio creativo no lo privó de nada: desnudos, gauchaje, paisajes locales, brasileños y europeos, retratos en poses y trajes pacatos de aristócratas nacionales e incluso de gente ya fallecida, a requerimiento de los parientes. Todo ello quedó inmortalizado por “nuestro pionero” en materia pictórica, explican las curadoras de Prilidiano Pueyrredón. Un pintor en los orígenes del arte argentino, muestra libre y gratuita del Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA). También fue ingeniero, urbanista, paisajista, productor rural y arquitecto: su trabajo más reconocido es la Quinta de Olivos. Cruzó tres veces el Atlántico, hablaba seis idiomas, era culto, cortés, elegante; aficionado a la naturaleza, la ópera, el arte, los carruajes y la caza. Tal lo refleja un autorretrato del campo junto a su setter, rifle en mano. Con asesoría de estancieros invirtió en 1500 vacas lo obtenido al vender su finca de San Isidro, al familiar Manuel Aguirre en 1856. Herencia para el único hijo del brigadier Juan Martín de Pueyrredón y aliado de San Martín en pos de la independencia.

Es la segunda retrospectiva que protagoniza Pueyrredón (1823-1870) en el museo, desde 1996. La puesta curada por Florencia Galesio, Patricia Corsani y Paola Melgarejo tiene 40 obras acervo del MNBA: clásicos y paisajes poco exhibidos, costas rioplatenses de Olivos, San Fernando; bosques palermitanos. La completa, a préstamo: “La temprana ‘Pescador’, del Museo de Bellas Artes Emilio Pettoruti de La Plata, posiblemente de su tiempo en Cádiz (por 1840). Además, dibujos a lápiz de soldados, héroes en la Guerra de la Triple Alianza como el Dominguito Sarmiento de su principal discípulo Fermín Rezábal Bustillo, del Museo Histórico Nacional (MHN)”, relata Galesio, jefa de Investigación y Curaduría.Más homenajes: «Celebramos Prilidiano», exmuestra del Museo Pueyrredón de San Isidro (2023).

También, materiales (varios vía QR): epígrafes, fotos, facsímiles de publicaciones de antaño y más. Al montaje lo nuclean cinco ejes: Costumbrismo/ tradición; Un pintor profesional; Los retratos y el círculo del artista; Los viajes: América y el Grand Tour europeo y La costa y las afueras de la ciudad. A dos salas, más un sector compartido con panorámicas de Cándido López, el nexo son los guerreros del Paraguay.

Hombre de mundo

“Prilidiano pasó de los 12 a 26 años en el exterior, eso le permitió formarse en contacto con los movimientos culturales locales. Al adquirir Juan Manuel de Rosas poderes extraordinarios, el 7 de marzo de 1835, su familia se exilia a vivir en Río de Janeiro; Francia y España, además de recorrer Italia o Inglaterra, viajes educativos llamados ‘el grand tour’. Presenció la conformación de museos públicos: la National Gallery en Londres, el Museo del Louvre en París y el del Prado en Madrid; entonces, artistas reconocidos como William Turner abrieron sus galerías de arte. En Brasil funcionaba la carioca Academia Imperial de Bellas Artes con puestas anuales”, detalla Melgarejo. Corsani, agrega: “Un mapa QR detalla las ciudades confirmadas donde estuvieron y lo narra una cronología. Señalan sus intereses obras e influencias recibidos de colegas, al ir por museos y urbes europeas”.Sacada de la red, Buenos Aires. Acuarela sobre papel 28,5 cm x 59,3 cm.

Es imposible, según las curadoras, afirmar cuáles fueron los espacios artísticos de su formación pictórica. La certeza: para 1850 llegó a Buenos Aires con amplia formación intelectual y profesional e incorpora temas y modalidades, evidente en sus piezas rurales con cosas típicas de la campiña. “Prilidiano incluye aspectos de cada lado: características de la pintura costumbrista española en sus piezas pequeñas; del academicismo de la escuela francesa en retratos y la modalidad de pintar paisajes al aire libre, innovación de artistas de la Escuela de Barbizon mientras cursaba arquitectura e ingeniería en la École Centrale de París”, detalla Melgarejo.

Coinciden las expertas en que su investigación sobre el maestro experimentado –puesta inaugurada a fines de 2023 por el bicentenario del nacimiento– les permitió bucear en aristas menos conocidas: su pericia, gestión de obra profesional, divulgación, variedad de géneros abordados y el rol de sus aprendices. Enfoca el perfil pictórico y todo en torno a eso, del llamado primer pintor argentino. “A nivel académico –Cátedra de Dibujo (UBA)– lo precede Carlos Morel, retratista y pintor de escenas costumbristas durante 1830/40”, señala Galesio.Parece otra. Retrato de Manuelita Rosas (estudio). Donación José Prudencio de Guerrico, 1896.

“Se lo presenta como un conocedor de la materialidad trabajada y las técnicas: soportes como papel, cobre, lienzo; al óleo y acuarela lo demuestran”, apunta Corsani. Evidentes en sus pinturas bonaerenses con lavanderas trabajando, o las actividades diarias en un patio porteño; así como los grandes óleos donde “Pueyrredón garantiza la semejanza –contrasta Melgarejo–. Junto a sus acuarelas de paisajes hay piezas de 1861, gauchos y al fondo nuestra pampa; sus grandes óleos ‘Un alto en el campo’ y ‘El rodeo’, pensados para el Salón de Londres”.

El primer artista visual argentino del género erótico, gran pena y desgracia: solo quedan dos cuadros pero ninguno aquí; los demás se destruyeron a mano propia o de parientes avergonzados, tal difieren las versiones. “Sabíamos que ‘El baño’ (único desnudo del Bellas Artes) integraría la exhibición del Museo Pueyrredón de San Isidro”, señala Corsani. Instituido en 1944, en su exfinca familiar, lo homenajeó por el 200° aniversario en diciembre. Allí, topless con sonrisa pícara desde la bañera; junto a “La siesta”, sobrevivientes al contrabando nudista y escándalo.Un alto en la pulpería. c. 1860. 24 x 32,6 cm.

Grandes retratos patrios

Son centrales casi una decena de personajes, sus “daguerrotipos hechos pinturas” de contactos ligados a estrechos vínculos paternos. En “Retrato de Santiago Calzadilla” (1859) muestra el interior de su céntrico atelier, próximo a la Plaza de Mayo actual. Ironía o profesionalidad en juego, hizo su cuadro emblema: “Con 28 años recibió el primer encargo importante, ‘Retrato de Manuelita Rosas’ (1851) evidencia un artista con todas las características de profesional”, sostiene Melgarejo. Dueña de fotos y miradas, reina del salón y anfitriona: su imagen de la hija del político Juan Manuel; siempre expuesta –junto a piezas maestras del siglo XIX– desde los años 30, llegada del MHN. A su izquierda un pequeño cuadro, parece otra joven de 34 años en su ensayo para la versión final. Es la misma que asoma un fragmento al frente del billete de ¡20 pesos! (rediseño del año 2000) junto a la faz de su progenitor.

Manuela posó una hora, previa consulta y autorización de su “tatita” para su primer retrato (antes se había resistido) con los detalles definidos por tres miembros de Comisión protocolar. El vestido con miriñaque e insignia federal en peinado, acorde a la moda regional de la divisa punzó –simbolizaba una idea política, invento local e irrepetible en el mundo–, todo en rojo a pedido. “Confirmamos que la pintura viajó de Buenos Aires a Londres cuando la familia de Rosas se exilió tras la derrota en la Batalla de Caseros. Además, conocimos el modelo iconográfico que inspiró al artista para posicionar a la retratada donde la ubica”, cuenta Corsani.Retrato de Santiago Calzadilla, 1859. 122,5 x 102,5

En broma decía ser “un pobre pintor, que pinta por pocos pesos”; de buen carácter, alegre, según sus contemporáneos, su amigo Leonardo Pereyra; Rezábal Bustillo y Nicolás Granada, sus discípulos. El último dijo que al salir a pintar, su maestro canturreaba “retazos de óperas favoritas o alegres girones de canciones andaluzas”. Consensúan las curadoras: “Para difundir su pintura, esa labor pedagógica fue clave: eran alumnos y a la vez ayudantes”.

A mitad del siglo XIX él surge dentro de la escena porteña, cubierta por trabajos de colegas extranjeros. Sin espacios expositivos, museos ni galerías de arte; exhibía en los almacenes Fusoni y su taller, circulaban allí prensa y personalidades. Organizó una Exposición Nacional de Arte y su estatuto específico, trunca por la Batalla de Cepeda (1858). Pensó un Museo y una Academia, ambos de Bellas Artes. Todas inquietudes que con su calidad artística, le dan un lugar relevante y antecedentes a los artistas de la Generación del ‘80.Ciego popular en Cádiz. Acuarela sobre papel. 26,5 x 17,5 cm.

Corsani, concluye: “Pueyrredón perdura y atraviesa generaciones. Es parte de nuestra identidad, fundamental para entender el arte argentino del siglo XIX, siempre interesado por la educación”.

Quedan misterios. ¿Por qué su firma es con triple P ?, ¿si su apellido es francés, va sin tilde? Prilidiano falleció con 47 años, su vista deteriorada por diabetes; soltero y sin descendencia, dejó más de 200 creaciones. Al elegir Francia como escuela, Eduardo Sívori advirtió por 1883 que “Si los demás países artísticos están en decadencia es debido a los gobiernos que no se ocupan nada de arte”: podría ser de 2024 y la diferencia, nula.

Prilidiano Pueyrredón. Un pintor en los orígenes del arte argentino
Lugar: MNBA, Av. del Libertador 1473
Horario: mar a vier 11 a 20, sáb dom 10 a 20
Entrada: libre y gratuita

Otro ataque a una obra de arte: ahora le tocó a la Venus de Botticelli

15 febrero, 202415 febrero, 2024 infoarte

Fuente: Clarín – Ahora le tocó a una de las pinturas más icónicas del arte renacentista Sandro Botticelli: El nacimiento de Venus, de 1485.

Dos integrantes de la agrupación Última Generación atacaron la obra, una de las «celebridades» de la ciudad italiana de Florencia.

Entraron a la Galería Uffizi, antiguo palacio de los Médici, y cubrieron el cristal de protección de la obra maestra de Botticelli con fotografías que reflejan efectos del cambio climático.

La pieza de más de 500 años es una alegoría del renacimiento del alma humana y fue cubierta por imágenes que pretenden alertar sobre la emergencia ambiental.

Sobre el vidrio que protege la tela de más de 5 siglos de antigüedad, los activistas pegaron imágenes de la ciudad de Toscana bajo el agua, por la reciente inundación en Campi Bisenzio, y cubrieron así -en parte- el célebre lienzo del siglo XV.Pegatina. Sobre el vidrio de la «celebridad» de Botticelli. Foto: AP

Esta misma obra ya había sido atacada en el año 2022, por dos activistas que habían pegado sus manos al cristal que protegía la pintura de Botticelli, en los Uffizi.

La obra no sufrió ningún daño en aquella vez ni tampoco ahora, de acuerdo con medios locales.

«Hoy este cuadro, símbolo de amor y belleza, se ha transformado, mostrando la destrucción y el dolor que ya estamos viviendo por la crisis climática. El Gobierno sigue fingiendo que los campos no se quemarán en enero, que el agua no será un problema este verano, que las casas destruidas por las inundaciones son acontecimientos accidentales y no causados por decisiones humanas. Y en lugar de abordar estos problemas reales, dicta leyes absurdas», leyó uno de los activistas, antes de ser detenido, junto con el otro atacante.Símbolo de belleza clásica y de renacer. «El nacimiento de Venus», de Botticelli.

Inmediatamente después de leer el comunicado, en el suelo de la sala de los Uffizi se colocó una pancarta que decía «Fondo de reparación de 20 mil millones para los daños causados por los desastres climáticos».

En enero, el alcalde de Florencia, Dario Nardella, había dicho que «una batalla sacrosanta como la de la emergencia medioambiental no se puede librar atacando, aunque sólo sea simbólicamente, el arte y la cultura».

Tan solo en los últimos días, activistas arrojaron sopa de calabaza sobre el cristal que protege La Gioconda de Leonardo da Vinci, a fines de enero, y lo mismo hicieron sobre La primavera del pintor impresionista Claude Monet en el Museo de Bellas Artes de Lyon.

La seguidilla venía del año 2021, cuando atacaron Los girasoles de Van Gogh en la National Gallery de Londres, mientras que en octubre del 2022 la policía neerlandesa detuvo a tres activistas climáticos del movimiento Just Stop Oil luego de que atacasen el cuadro La joven de la perla (1665), del pintor del Siglo de Oro Johannes Vermeer, en la galería Mauritshuis de La Haya.

Más tarde tiraron harina sobre un automóvil pintado por Andy Warhol, o echaron pintura roja a un cuadro de Claude Monet en Estocolmo, entre otros hechos vandálicos.

Las acciones no ha hecho más que ganar críticas y rechazo: irrumpen en espacios cerrados, atacan patrimonio cultural, en su mayoría obras de cientos de años, a veces tiran comida, en nombre de la defensa del planeta.

¿Es que acaso creen que a los museos no les preocupa el cambio climático? se desprendió de una declaración emitida el año pasado por el Consejo Internacional de Museos (ICOM) frente a esta oleada que se ha intensificado en los dos últimos años.

El Parlamento italiano aprobó en enero una ley que aumenta las penas para los autores de acciones contra monumentos o lugares culturales, en respuesta a una serie de acciones por parte de los defensores del clima.

Con información de agencias

Un circuito de visitas nocturnas al patrimonio

14 febrero, 202414 febrero, 2024 infoarte

Fuente: Página12 – La propuesta de la secretaría de Cultura de Rosario es disfrutar de una experiencia llena de arte, historia y encuentros en museos públicos y privados.

El viernes 16 de febrero, desde las 19 hasta la medianoche, se llevará a cabo la primera edición verano de «Noche de Museos Abiertos». Esta iniciativa propone un circuito de visitas nocturnas a los museos municipales, provinciales y privados, con actividades especiales y la oportunidad de disfrutar de muestras estables, novedades e inauguraciones. Quienes visiten diferentes espacios podrán acceder a un mapa impreso ilustrado por Jazmín Varela para sellar cada uno de los puntos mapeados. Durante el evento, también, se podrá acceder de forma gratuita al servicio Mi bici tu bici.

La Noche de Museos busca convertir la cultura en un encuentro accesible para todos, invitando a ciudadanas y ciudadanos a explorar el patrimonio cultural de la ciudad en un viernes de febrero por la noche. Durante este evento, las obras de arte, las colecciones y las personalidades que componen este gran legado cultural se presentarán bajo una nueva luz, ofreciendo una experiencia única a los visitantes.

Entre las propuestas de los museos para esta noche especial, se programó un Bailongo de Carnaval en el Museo de la Ciudad y una propuesta de carnaval veneciano en el Museo Estevez. La música también estará presente con karaokey concurso de canciones en el Macro y una edición especial del ciclo Shippear en la explanada del Cultural Fontanarrosa con el show Piazzola Electrónico por Nico Sorín. Además, en el Complejo Astronómico se realizará un nuevo encuentro de Atardeceres científicos.

Otro clásico que se suma a «Noche de Museos Abiertos» es la visita guiada nocturna al cementerio El Salvador. En esta ocasión, se realizarán dos visitas, una a las 21 y otras a las 23, con inscripción previa.

Las instituciones participantes son, por parte del municipio: Museo de la Memoria (Córdoba 2019), Museo de Arte Decorativo Firma y Odilo Estevez (San Lorenzo 753), Museo de Bellas Artes Juan B. Castagnino (Pellegrini 2202), Museo Experimental de Ciencias/ Complejo Astronómico (Diario La Capital 1602), Cultural Fontanarrosa (San Martín 1080), Museo de la Ciudad Wladimir Mikielievich (Oroño 2361), macro ( Av. de la Costa Estanislao López 2250), Museo Cementerio El Salvador (Ovidio Lagos 1840).

Por parte de la provincia: Museo Provincial de Ciencias Naturales Dr. Ángel Gallardo (San Lorenzo 1949), Museo Histórico Provincial de Rosario Dr. Julio Marc (Parque de la Independencia), Museo del Deporte Santafesino (Ayacucho 4800), Sede de Gobierno de la provincia de Santa Fe (Santa Fe 1950); Acuario del Río Paraná (Carrasco y Cordiviola).

También dirán presente instituciones privadas tales como: Museo Internacional para la Democracia (Sarmiento 702), Museo Bolsa de Comercio Rosario (Córdoba 1402), Museo del Diario La Capital (Sarmiento 763).

Además de las colecciones y muestras estables o temporales, cada museo o espacio presentará una obra representativa que recupera el poder simbólico, artístico, cultural, social o político de su autor/a. Esta propuesta busca no sólo ofrecer entretenimiento cultural, sino también fomentar la conexión entre los museos, el público y el entorno cultural. A esto se suman varias propuestas gastronómicas con heladerías y food trucks.

El secretario de Cultura y Educación, Federico Valentini, explicó: «Es la primera vez que hacemos Noche de Museos en febrero, como programación de verano, eso tiene que ver con uno de los objetivos que trazamos como gestión que es el de ampliar los públicos y aumentar la circulación en nuestras instituciones. Hay más de quince lugares que van a ser parte de esta jornada, entre museos municipales, provinciales y espacios privados como el Museo de la Democracia, el Museo del Diario la Capital, el de la Bolsa de Comercio, por ejemplo. En cada uno de ellos hay una programación que, más allá de la propuesta estable, propone que el público pueda disfrutar de música, de gastronomía, en definitiva, de hacer un recorrido ciudadano y cultural que para nosotros implica poner las instituciones culturales al servicio de la ciudad como un gran espacio público y cercano».

Coloso reconstruido: cómo es la réplica de la mega estatua del emperador Constantino

7 febrero, 20247 febrero, 2024 infoarte

Fuente: Clarín – Con una rodilla, un bíceps y una imponente cabeza de mármol, entre otros fragmentos milenarios, se reconstruyó en Roma la colosal estatua de Constantino, el primer emperador que se convirtió al cristianismo en el siglo IV.

Desde este martes, la obra se puede ver por primera vez en un jardín de Villa Caffarelli, en lo alto de la colina del Capitolio.

La reproducción de la estatua, de 13 metros de alto, representa a Constantino cubierto con una prenda de bronce, tal y como ocurría en las obras erigidas en la antigua Roma para representar a dioses y emperadores.

El trabajo fue realizado con impresoras 3 D por Factum Foundation for Digital Technology, una entidad sin fines de lucro, radicada en Madrid.

Esta estatua es la más grande de la que se han hallado restos en Roma, precisó Claudio Parisi Presicce, curador encargado de los monumentos de la capital italiana, y fue colocada en el jardín en lo alto de la colina del Capitolio, desde donde se ve el Foro romano.Restos originales. Del Coloso de Constantino, en los Museos Capitolinos de Roma. EFE/ Miguel Salvatierra

«La impresión que se tiene ante esta estatua del emperador es un reflejo de la sensación de sus súbditos frente a una imagen imperial», apuntaron expertos.

Aún así, esta obra no era la más grande de Roma, pues el récord lo tiene el coloso que representaba al emperador Nerón, de 30 metros de altura y erigido cerca del lugar donde actualmente se encuentra el Coliseo.

La reconstrucción, por partes

Durante cientos de años, arqueólogos, historiadores y turistas tuvieron que recurrir a su imaginación para hacerse una idea de cómo era la estatua completa, a partir de fragmentos de mármol aún expuestos en los museos del Capitolio.

Los creadores de la réplica viajaron hace 2 años a los Museos Capitolinos para escanear «a niveles submilimétricos», con una técnica de alta resolución llamada fotogrametría, los restos de la pieza conservados.

La estatua fue reconstruida en resina a partir de una decena de fragmentos de mármol conservados en el Capitolio: 2 manos y 2 pies, 1 rodilla y una pantorrilla, 2 fragmentos de bíceps con venas aparentes, un pedazo de torso, sin olvidar, por supuesto, la enorme cabeza.

«Estudiando cada uno de los fragmentos entendimos que la piedra y el mármol conservan las trazas del montaje de la escultura original», indicó Claudio Parisi Presicce, el superintendente de Bienes Culturales del Ayuntamiento de Roma.

Gracias a los estudios, se supo que algunas partes de Constantino, quien instauró el cristianismo como religión del Imperio y creó la capital de Constantinopla, la actual Estambul, quizá habían formado parte de una estatua más antigua. Unos detalles en el mentón sugieren que la estatua original tenía barba.

El monumento resultante permanecerá en lo alto de la colina del Capitolio al menos hasta 2025, año jubilar en el que se espera que millones de peregrinos católicos lleguen a Roma.

Todavía no se decidió adónde se trasladará la mega obra posteriormente.

Con los cinco sentidos: cuando los museos también son una obra de arte

29 enero, 202429 enero, 2024 infoarte

Fuente: El Planeta Urbano – Estas maravillas de la arquitectura contemporánea no solo preservan y exhiben grandes creaciones y piezas invaluables, sino que representan una joya en sí mismas. Un recorrido por los edificios más deslumbrantes y sus preciados tesoros.

La regla dirá que las personas, cuando están de viaje, agregan en su siempre cargado itinerario diversos y variopintos museos a fin de conocer los objetos y creaciones que destacan dentro. Algunas de reconocimiento mundial, otras piedras angulares de algún momento histórico puntual, también están aquellas cuyo valor radica en las manos (y la cabeza) que les dieron forma definitiva. ¿Pero qué sería de una regla sin la excepción que la confirma?

tendencias-grandes-museos-smiritu-van-02-planeta-urbano-2024 — En Gujarat, India, se halla el deslumbrante museo que conmemora el terremoto de Smriti Van.

Hay museos, los que componen la lista que se desprenderá a continuación, por ejemplo, que son una obra de arte en sí misma. Y visitarlos durante este año es casi una obligación solo por el hecho de contemplar su diseño, descubrir algún detalle único de su fachada o develar la historia que se esconde detrás de estas edificaciones.

Desperdigadas alrededor de todo el mundo, se asemejan más a una maravilla de la arquitectura que a las frías y casi siempre insípidas cuatro paredes cuyo tesoro, como marca la regla, suele radicar en su interior.

MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE NITERÓI, BRASIL

No es la alfombra roja de los Óscar, pero casi. La rampa que oficia de entrada al Museo de Arte Contemporáneo de Niterói, con sus 98 metros de longitud, es tan espectacular como toda la construcción en sí. Obra futurista del arquitecto Oscar Niemeyer y el ingeniero Bruno Contarini, fue fruto del trabajo que culminaron en 1996. Con más de 5.000 toneladas de material empleado para su construcción, su diseño se asemeja al de un objeto volador no identificado, que reposa sobre una fuente de agua, y logra el efecto de estar suspendida en el cielo brasileño.

El propio Niemeyer explicó la inspiración que derivó en el particular diseño de la fachada, que resalta en el marco de la siempre paradisíaca playa de Boa Viagem, muy cerca de Río de Janeiro: “La arquitectura ocurrió espontánea como una flor. La vista hacia el mar era bellísima y había que aprovecharla. Suspendí el edificio y bajo él, el panorama se extendió todavía más rico”.

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MUSEO GUGGENHEIM BILBAO, ESPAÑA

La ciudad vasca (y portuaria) de Bilbao, guarda una estrecha y antigua relación con el mar y el diseño elegido por Frank Gehry no hace más que reafirmarlo (foto de portada). Con paneles de titanio que aluden a las infinitas escamas de los peces, el diseño representa un barco reluciente y majestuoso que descansa en la orilla de la Avenida Abandoibarra, con sus 9.000 metros cuadrados.

Juan Ignacio Vidarte, director general del Museo, remarca la importancia de la obra para Bilbao, similar a sus majestuosas extensiones: “Ha recuperado un espacio estratégico y le aportó un edificio icónico que simboliza su visión de futuro”. Inaugurada en octubre de 1997, esta joya de tres plantas no solo es una pieza destacada del arte moderno y contemporáneo, sino que se convirtió en un ícono de la ciudad y una parada obligatoria para quienes visiten el País Vasco.

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MUSEO Y MONUMENTO CONMEMORATIVO DEL TERREMOTO DE SMRITI VAN, INDIA

Bhuj fue el epicentro del devastador terremoto que hizo temblar Gujarat –estado más occidental de India, y cuyo saldo fue de más de 13.000 muertos y la destrucción de templos, edificios y pueblos enteros. Dentro del incansable trabajo de recuperación de la zona, y como homenaje a las víctimas del desastre en 2022 se inauguró el museo que, hasta la fecha, es el mayor del territorio indio, y en el cual cada detalle está pensado en la regeneración y la sostenibilidad para un futuro mejor.

Tal es así que con sus más de 11.500 metros cuadrados y siete sectores bien diferenciados, esta obra a cargo de los arquitectos de Vastu Shilpa Consultants cuenta con el mayor bosque Miyawaki del mundo (árboles de crecimiento rápido, que captan el doble de CO₂ y son más resistentes a los incendios) y se mantiene con energía generada a través de paneles solares. Además, gracias a su diseño, regala una de las puestas del sol más bonitas del país.

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MUSEO KADOKAWA MASASHINO, JAPÓN

Lo que destaca en el complejo Tokorozawa Sakura Town es una obra maestra de la ingeniería. La mente detrás de esta maravilla es Kengo Kuma, reconocido por su trabajo con la madera, pero que eligió en esta oportunidad el granito. De hecho, son más de 20.000 piezas de este material las que revisten la resistente estructura de acero que soporta tamaño peso.

Inaugurado en el año 2020, este laberinto futurista y cultural nació para maridar armónicamente una biblioteca, un museo de arte y un museo de historia natural. Y es por eso que en el interior conviven espacios en blanco y negro, piezas de arte moderno y contemporáneo y hasta obras que representan la cultura animé. Imperdible la Calle del libro, con estantes que se bifurcan de tal manera que representan una alegoría de la estructura del cerebro humano realmente asombrosa. Hasta fines de mayo estará disponible la primera muestra interactiva e inmersiva inspirada en Salvador Dalí realizada en Japón.

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MUSEO LIYANG, CHINA

El jiaoweiqin es un instrumento musical que forma parte de la cultura china. Tal es su importancia que el Museo Liyang está inspirado en este objeto de antaño, que a su vez, es protagonista de historias y leyendas míticas. Con 12.000 metros cuadrados, la creación del estudio CROX es el nexo perfecto y armónico entre la urbanización y la naturaleza que la circunda, en el sureste del parque Yan Lake.

A través de su diseño, el equipo que trabajó en la construcción de este gigante buscó armonizar la melodía con la naturaleza, y la cotidianidad humana con la arquitectura. En la parte superior, que descansa como una nube de aluminio suspendida sobre una verde y apacible colina artificial, se ubican las salas de exhibición, con una privilegiada vista al lago. Y gracias a los recovecos de la construcción y la magia del viento, es posible escuchar una música a veces tan hermosa como la del jiaoweiqin.

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MUSEO DE ARTE LATINOAMERICANO DE BUENOS AIRES, ARGENTINA

El año 2023 fue inolvidable para el Malba. Más de medio millón de personas lo visitaron registrando un nuevo récord que superó aquel que ostentaba desde su fundación en 2001. Además de las prestigiosas muestras con las destaca en la agenda cultural porteña, esta construcción premiada internacionalmente, representa un ícono de la ciudad y uno de los principales nexos entre sus ciudadanos y el arte.

Su diseño fue concebido para no crear distracciones visuales y permitir el ingreso de la luz natural y generar así el ámbito adecuado para apreciar las obras de arte que se exhiben en el interior. A cargo del estudio cordobés AFT Arquitectos, su construcción surge del concurso lanzado en el marco de la VII Bienal de Arquitectura de Buenos Aires, en 1997. Cuenta con salas de exhibiciones permanentes y temporarias, auditorio, restaurante, áreas de oficinas, y talleres de conservación y de mantenimiento. ¿El imperdible? La obra titulada “Diego y yo”, de la mexicana Frida Kahlo.

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Dos activistas arrojaron sopa contra “La Gioconda” en el Louvre de París

28 enero, 202428 enero, 2024 infoarte

Fuente: Infobae – La obra maestra de Leonardo da Vinci estaba protegida por un cristal. En mayo de 2022 ya le habían lanzado un pastel de crema.

Dos activistas ecologistas arrojaron el domingo sopa sobre “La Gioconda” (siglo XVI), la obra maestra de Leonardo da Vinci expuesta en el Louvre de París, cuyo lienzo original está protegido por una capa de cristal.

Las dos mujeres, que fueron filmadas durante su acción que duró casi dos minutos, arrojaron la sopa de color naranja y rápidamente pasaron por debajo de las barreras que rodean el cuadro.

“¿Qué es lo más importante? ¿El arte o el derecho a una alimentación sana y duradera? Nuestro sistema agrícola está enfermo”, gritó una de las activistas.

(Captura de pantalla)

“La Gioconda”, considerado el lienzo más famoso del mundo y también conocido como la Mona Lisa, fue recientemente objeto de otro acto vandálico cuando en mayo de 2022 le arrojaron una torta de crema, pero el grueso cristal que la protege evitó que sufriera daños.

Los cristales en las obras de arte del Louvre comenzaron a aplicarse en 1907, luego de que una mujer acuchilló un lienzo de Ingres en nombre del anarquismo. Así, desde entonces, las grandes piezas del espacio parisino son protegidos por “vidrios de diamante” de la casa Saint-Gobain, la misma que desarrolló los cristales de la famosa pirámide inaugurada en 1988.

El vidrio sobre “La Gioconda”, cuya cotización estimada ronda los USD 2.5 billones, se instaló en 2005.

Visitantes ante el cuadro La Gioconda, de Leonardo da Vinci, en el Museo del Louvre en París. (EPA/CHRISTOPHE PETIT TESSON)

Desde ese mismo año el cuadro se encuentra alojado en el Salón de los Estados, donde tiene una pared para ella sola, junto otras pinturas venecianas notables como “Las bodas de Caná” de Veronese. Está separada del público por estrictos protocolos de seguridad, por lo que nadie nota el medio millón de craquelures, pequeñas grietas, que surcan la pintura. Llegó allí tras haber pasado por la Sala Rosa y la sobrecargada Sala Carré, donde estuvo ausente durante dos años tras el famoso robo, ocurrido el 21 de agosto de 1911, del italiano Vicenzo Peruggia.

Un robo y varios ataques

Sin dudas, “La Gioconda” debe su fama no tanto a su composición pictórica, porque incluso Leonardo ha realizado retratos superiores como “La dama y el armiño”, sino a la publicidad que alcanzó tras el robo de Peruggia.

Durante los dos años que desapareció, la obra salió un sinfín de veces en los principales medios del mundo, los periódicos ofrecieron recompensas y recibieron miles de cartas con supuestos sospechosos. Incluso, se llegó a arrestar a Pablo Picasso por el robo. Peruggia cayó cuando quiso vender la obra en Florencia y el regreso de la pintura fue todo un acontecimiento. Durante su ausencia, los visitantes inundaron los pasillos del Louvre para ver el hueco que había dejado la pintura.

Funcionarios en torno a «la Gioconda» a su regreso a París, el 4 de enero de 1914 tras el robo de Peruggia (Foto de Paul Thompson/FPG/Archive Photos/Getty Images)

En otros ataques, en 1956, un hombre lanzó ácido al cuadro dañando la parte inferior del mismo y a finales de ese mismo año, un pintor procedente de Bolivia, llamado Ugo Ungaza Villegas, tiró una piedra contra el óleo, lo que también provocó un ligero daño.

En el ‘74, en un viaje al Museo Nacional de Tokio, una mujer le arrojó pintura roja, como protesta por la ausencia de accesos al museo para personas discapacitadas, y en 2009, una mujer rusa, enfurecida por la denegación de su solicitud de ciudadanía francesa, le arrojó una taza de cerámica comprada en la tienda del Louvre.