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El Museo del Prado muestra la cara oculta de obras maestras de la pintura

11 noviembre, 202311 noviembre, 2023 infoarte

Fuente: BAE – El Museo del Prado inauguró ‘Reversos’, una muestra que busca un rol activo por parte de sus espectadores, para develar lo que hay detrás de 105 famosas pinturas

Detrás de cada pintura hay una historia, pero cada cuadro también tiene una parte de atrás. En muchas de las obras más famosas, esa cara oculta también tiene su propia historia. Eso es lo que cuenta el Museo del Prado en la exposición ‘Reversos‘, que inauguró este 7 de noviembre en las salas A y B del edificio de los Jerónimos. Allí, buscan ir «más allá de la simple acción de girar los cuadros» y mostrar la cara B de algunas de las obras más famosas.

Comisariada por el artista Miguel Ángel Blanco y patrocinada por la Fundación AXA, la muestra permanecerá abierta al público hasta el 3 de marzo del 2024.

El ámbito temporal de la exposición va desde la Edad Media hasta artistas tan contemporáneos como José María Sicilia, Sophie Calle o el propio Miguel Ángel Blanco. En medio hay todo un mundo de reversos cargados de información que no mantienen orden cronológico.

Todo parece ser insólito y novedoso en una muestra que Miguel Falomir, director del museo, compara con los episodios de Alicia en el País de las Maravillas. Al igual que en la obra de Lewis Carroll, allí el espectador puede atravesar madrigueras y barreras de espejos que desembocan en extraños destinos.

No es la primera vez que se hace un proyecto de este estilo, pero sí es el de mayor envergadura. Blanco consiguió préstamos de unas 30 colecciones públicas y privadas de todo el mundo. Contó asimismo con la pinacoteca anfitriona, el Prado, de cuyos almacenes emergieron piezas anónimas que no se suelen exponer al público.

La lista de obras es extensa y dentro de las joyas del catálogo se encuentran, entre otras, un Autorretrato de Van Gogh prestado por el museo del artista en Ámsterdam y La máscara vacía, de Magritte, procedente del Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen de Düsseldorf.

Obras destacadas

Los hitos de la exposición son muchos. El primero sirve de arranque del recorrido y es una reproducción exacta de la trasera de Las Meninas. La obra forma parte de la serie Verso, del artista brasileño Vik Muniz (São Paulo, 62 años). Las medidas son idénticas (320,5 x 281,5 cm) y lo mismo ocurre con los materiales y tejidos. También reproduce de forma exacta los remaches, manchas y vetas de la madera.

“Nuestra obra más icónica está en la sala XII, Las Meninas, y una quinta parte ocupa el reverso sobre el que trabaja Velázquez”, explica Falomir. “Es un ardid que nos recuerda que la pintura es mucho más que simple imagen. Tienen tres dimensiones. Cuando vemos una pintura y su reverso, contemplamos también la completa estratigrafía de un yacimiento arqueológico”, agrega.

Muy cerca del reverso de Las Meninas deslumbra otra de las joyas de la exposición: Artista en su estudio (1628), de Rembrandt, un óleo sobre tabla (24,8 x 31,7 cm) en el que se ve al artista ensimismado frente al caballete, una escena en la estela de Las Meninas. Los dos artistas coincidieron en el tiempo, pero no llegaron a conocerse, de manera que las aproximaciones en las composiciones son más producto de la casualidad que de las influencias.

Una de las traseras más destacadas procede del bastidor original del Guernica. Propiedad de la Reina Sofía, es la primera vez que se exhiben al público los travesaños de madera que dieron soporte al mural hasta enfermar de tanto viaje. Expuestos como los dioses de una capilla pagana, las maderas de conífera que formaron el armazón original muestran decenas de pequeños agujeros y de golpes producidos por martillos en su superficie, pruebas documentales de una larga historia de viaje y sufrimiento.

Uno de los ámbitos más importantes la exposición es el dedicado a la cara B de las obras. Cuenta el comisario que se trata de cuadros también llamados bifaces.

En ellas, el reverso tiene también entidad artística y complementa la imagen principal en diversas modalidades. Puede tener que ver con el proceso de creación, un juego del pintor o con un capricho del coleccionista que encargó la obra.

Este último parece ser el caso de Monja arrodillada (1731), de Martin van Meytens. En el anverso se ve a la mujer arrodillada frente al espectador. En el reverso se ve a la monja con el hábito levantado hasta el cuello. Cuando se ejecutó este óleo sobre bronce, la corte sueca tenía prohibidos los desnudos. Se jugaba la vida el artista y también el coleccionista, pero se siguieron haciendo y adornando los espacios más interiores y secretos de los palacios.

La gran estafa: falsificadores que lograron “engañar” hasta al Louvre de Abu Dabi

5 noviembre, 20235 noviembre, 2023 infoarte

Fuente: Perfil – Serop Simonian, alemán de origen egipcio, acaba de ser extraditado desde Alemania a Francia, donde quedó detenido, acusado de tráfico, blanqueo de dinero y falsificación de certificados de las piezas arqueológicas vendidas a la sede del Louvre en la capital de los Emiratos Árabes. Simonian también vendió a la Compañía San Pablo de Turín el denominado “papiro de Artemidoro”, fechado en el siglo II a.C., por 2,75 millones de euros: resultó ser falso.

A fines de mayo del año pasado, en esta página, nos ocupamos del llamado a indagatoria judicial en Francia de Jean-Luc Martínez (director del Museo del Louvre entre 2013 y 2021), que en ese momento era embajador del Ministerio de Asuntos Exteriores, ocupado en la cooperación internacional del patrimonio cultural. A partir de esto fue procesado y debió renunciar al cargo.

La investigación se inició a raíz del tráfico de piezas arqueológicas en perjuicio tanto del Louvre Abu Dabi como del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, por un valor que hoy se estima en más de 64 millones de dólares. Otros involucrados fueron Roben Dib, comerciante de arte germano-libanés; el francés Christophe Kunicki, experto en arte; y un comerciante de arte egipcio, Habib Tawadros.

Un año y medio después, la investigación de la Office Central de Lutte Contre le Trafic de Biens Culturels (Oficina Central de Lucha contra el Tráfico de Bienes Culturales) ofrece resultados llamativos: estos personajes tienen vínculos (o pertenecen) a una extensa red de tráfico de antigüedades. Y el sindicado como jefe de la organización, Serop Simonian, ciudadano alemán de origen egipcio, acaba de ser extraditado desde Alemania al territorio francés, donde quedó detenido, acusado de tráfico y blanqueo de dinero. El octogenario utilizó como fachada su negocio como coleccionista ubicado en Hamburgo, Dionysos Antike Münzen und Antiquitäten (Monedas y Antigüedades Dionisio). Se estima que tendría almacenadas más de 25 mil piezas de colección en distintos puntos de Europa y Oriente Medio.

Es que Roben Dib, capturado desde el principio, era el “director” de la galería de Dionysos. Atenta al vínculo, la publicación The Art Newspaper entrevistó a Simonian el año pasado, en ella adujo que las antigüedades procedían de la colección de su familia, marchante en El Cairo. Y que la mayoría de los objetos habían sido exportados en la década de 1970, época en que tal comercio era legal y que las piezas estuvieron depositadas durante décadas en varios museos alemanes. Pero este argumento duró poco. Un nuevo detenido, también especialista en arte radicado en París, Richard Semper, confesó –al igual que Roben Dib– que había falsificado los certificados de procedencia de las piezas arqueológicas vendidas.

No obstante, el pedido de captura francés a Simonian se remonta al 2020, e implicaba a dos de sus hijos. Se estima que el mayor, Abraham Simonian, ganó 3,7 millones de dólares con la venta del sarcófago de la princesa Henouttaouy que el Louvre Abu Dhabi compró en 2014 por 4,5 millones. Otro objeto cuestionado por su origen es un retrato de un hombre del 225 al 50 a. C. La investigación demostró que ambos tienen la misma procedencia que el sarcófago de Nedjemankh vendido a la Met y devuelto a Egipto por Estados Unidos. Con dilaciones legales en tribunales de Hamburgo, los hijos permanecen allí por razones entre humanitarias y familiares, o para no atizar la raíz del escándalo.

Es que la estrategia de depositar objetos arqueológicos en museos alemanes no solo daba institucionalidad a la procedencia de los mismos, sino que aumentaban su valor de mercado. Los implicados son el Museo Roemer & Pelizaeus de Hildesheim; el Museo Egipcio de la Universidad de Bonn; el Instituto Universitario de Trier; y durante un breve período, de 2012 a 2013, el Museo Reiss Engelhorn en Mannheim. La mayor parte de las piezas sospechosas las almacenaba el Roemer & Pelizaeus por un acuerdo de Simonian con el director, ya fallecido, Arne Eggebrecht. Relación que se remonta a los años 1980-90, a raíz de la cual los objetos no adquiridos por el Museo también se exhibieron con objetos del mismo en exposiciones itinerantes en Estados Unidos, España y Taiwán. Ni el Museo ni sus antiguos empleados son objeto de investigaciones policiales.

Mientras tanto, el Louvre busca la designación como demandante en la parte civil del caso contra su exdirector. Y aquí aparece en escena otro procesado en la estafa millonaria: Jean-François Charnier, exdirector científico de la Agencia de Museos de Francia, quien asesoró a los Emiratos Árabes sobre el desarrollo del Louvre Abu Dabi. A través de su gestión, el marchante neoyorquino Hicham Aboutaam, dueño de la galería Phoenix Ancient Art, vendió ocho obras al Louvre Abu Dabi entre 2008 y 2015, “agradeciendo” a Charnier y otras personas de su círculo con pasajes aéreos y estadías, incluyendo unas vacaciones familiares en Maldivas. Charnier, por ahora en libertad, insiste con que nunca dudó de la procedencia de las antigüedades egipcias adquiridas por Abu Dabi y que los pasajes nada tienen que ver con ello.

Sin dudas la sagacidad y capacidad simuladora de Simonian remiten a un personaje entrañable de la película La gran estafa (Ocean Eleven, 2001, remake del film de 1960 de Lewis Milestone, dirigido por Steven Soderbergh): Saul Bloom, interpretado por Carl Reiner, fallecido en 2020. Prueba de ello es una operación que realizó en Italia en 2004 y que, por suerte para él, no continuó su curso legal por vencimiento de plazos.

En ese año, Simonian vendió en 2004 a la Fundación para el Arte de la Compañía San Pablo de Turín el denominado “papiro de Artemidoro”, fechado en el siglo II a.C., por 2,75 millones de euros, objeto que resultó falso. Así lo certificaron los peritos judiciales italianos en 2018. Una estafa que quedará sin castigo: prescribió. Antes de Turín, había ofrecido el papiro al Museo Getty de Los Ángeles, quien sospechó que era una falsificación. Los Ángeles se encuentra a 430 kilómetros de Las Vegas, donde transcurre La gran estafa.

Andrea Giunta y su crónica de viaje del Guernica, de Pablo Picasso, por América Latina

31 octubre, 2023 infoarte

Fuente: Clarín – La historiadora del arte se refirió a cómo los viajes del Guernica por Latinoamérica reconfiguraron el sentido de esta obra fundamental de Pablo Picasso.Fue una proyección simultánea, en Librería La Fábrica, de Madrid, y ArtHaus Central, en el Microcentro porteño.Forma parte del ciclo de entrevistas en video realizado por Revista Ñ en el festejo de sus 20 años.

Mientras el mundo entero homenajea la obra de Pablo Picasso en este 2023, considerado “año Picasso” por conmemorar el medio siglo de la muerte del artista malagueño, la historiadora del arte argentina Andrea Giunta, la latinoamericana que más estudió el Guernica de Picasso, dialogó este lunes desde Buenos Aires con el público que asiste en Madrid al Festival Eñe, la fiesta literaria de cada otoño en la capital española.

“Es una pintura que se estudia, pero no necesariamente que se debata”, dijo Giunta sobre la obra que mejor representa las violencias del siglo XX.

Su charla estuvo precedida por un documental en el que Giunta, curadora y académica, comparte su mirada sobre el Guernica desde el presente.

El video integra el ciclo de Conversaciones del otro lado con el que la Revista Ñ, la publicación cultural de Clarín, celebra sus primeros 20 años en los kioscos de Argentina, sábado tras sábado, y en web del diario.

Dentro del Festival Eñe de Madrid, Revista Ñ proyecta el ciclo de diálogos con mujeres argentinas referentes de las artes y las letras y propone luego una conversación con las protagonistas.

La charla de este lunes con Andrea Giunta, realizada en colaboración con Arthaus Central de Buenos Aires, se suma a las que Revista Ñ ya organizó con Mariana Enriquez y con María Negroni, dos autoras argentinas de culto en España que ya pasaron por el Festival Eñe.Andrea Giunta dialogó, en videoconferencia desde Buenos Aires, con el público de Madrid. Foto: Cézaro De Luca

El programa culmina el martes 31 de octubre, cuando la autora y editora general de Ñ, Matilde Sánchez, dialogará con Ariana Harwicz en la librería de La Fábrica, organizadora del festival literario de Madrid.

En el documental que se proyectó este lunes, Giunta conversa con March Mazzei, editora de Arte de Revista Ñ, en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, donde actualmente hay una sala dedicada a las obras de Picasso que integran la colección del museo.

Allí, delante de «Mujer acostada», una obra de Picasso de 1931, Andrea Giunta cuenta que investigó sobre cómo el Guernica se convirtió en la obra más importante del siglo XX y de qué modo ese lienzo resolvía la relación entre el arte y la política.Andrea Giunta en el Museo Nacional de Bellas Artes. Detrás, «Naturaleza muerta», obra de Dora Maar, quien soportó una turbulenta relación con Picasso.. Foto: Maxi Failla

“Cuando escribía mi tesis de doctorado sobre el arte en América latina en los 60 en el contexto de la revolución cubana y de la guerra de Vietnam, en el debate intenso y eterno entre arte y política, una y otra vez Guernica era la pintura que resolvía esta relación -cuenta Giunta-. Para mí era extraño que, en ese contexto revolucionario, el ejemplo fuera una pintura al óleo sobre tela realizada 30 años antes, en un momento en el que arte estaba inmerso en un en proceso de desmaterialización del objeto artístico.”

La historiadora del arte repasa cómo se pintó el Guernica: “La pintura se hace cuando ya había estallado la Guerra Civil española -aclara-. Si bien no es una pintura que está representando lo que pasó en abril del’37, cuando se bombardea Guernica, no vemos a la aviación alemana, no vemos las imágenes de bombardeo sino que es una pintura que representa los temas típicos de Picasso: una corrida de toros, con mujeres y con escenas dramáticas, pero no literales”.

“Estrictamente, es una obra de propaganda”, la define Giunta. “Fue encargada por el Estado español de la república y a Picasso le fue pagada. Eso le permitió a España recuperarla cuando estaba en el Museo de Arte Moderno de Nueva York”, agrega.

Itinerario de un lienzo

“Desde 1937, en el pabellón de la república española en París, Picasso la descuelga del bastidor, la enrolla y se lleva. Y ahí comienza un viaje político de la pintura que es vigente hasta el presente”, subraya Giunta.

“En un sentido político, era una trayectoria en la que la pintura se exponía con el propósito de juntar dinero para los republicanos, luego para los exiliados. En 1939 Alfred Barr -director del Museo de Arte Moderno de Nueva York– la incorpora a una gran exposición sobre Picasso en el el MoMA”, señala.

El Guernica comienza a echar raíces en América latina cuando Picasso recibe una invitación para exponerlo en la bienal de San Pablo, en 1953.Andrea Giunta es una especialista en los ecos y apropiaciones americanas de la obra de Pablo Picasso. Foto: Maxi Failla

Giunta repasa, a partir de allí, los viajes del «Guernica» por Latinoamérica y cómo despertó interés en varios artistas: en el brasileño Candido Portinari, en el cubano Wilfredo Lam y en el mexicano David Alfaro Siqueiros.

“Es interesante el concepto de movilidad de los artistas que van a Nueva York y cómo toman, no sólo el lenguaje, sino también la dimensión del Guernica y tratan de emular o reproducir el éxito que tuvo esta pintura”, dice Giunta.

La historiadora y curadora rescata los ecos de la obra de Picasso en el argentino Antonio Berni.

“Me interesa pensar las contraposiciones -dice Giunta-. Si Guernica es la representación de la gran violencia universal, qué pasa con un artista como Berni, que introduce en sus series narrativas, como Ramona, que es la vida de una prostituta, citas directas a Picasso como la lámpara que aparece en los grabados de Ramona.”

En el video, Giunta recuerda también que en 1981, la artista colombiana Beatriz González realizó su propia versión del Guernica: un mural de baldosas de 12 metros, inclusive más largo que el original.

Mirada actual

“¿Cómo puede verse desde el presente el Guernica?”, se planteó Giunta desde Buenos Aires ya en la charla con el público de Madrid por videoconferencia.

La historiadora del arte tiene una hipótesis de trabajo: “Investigué las relaciones entre el arte y los proceso de la memoria en América latina en relación con las dictaduras y los memoriales -contó-. Empecé a analizar las arquitecturas de la memoria: la arquitectura del ‘Guernica’ está basada en diagonales, en zig-zag.”

“Por ejemplo, en el Parque de la Memoria de Buenos Aires, la estructura es el zig-zag que es, por otra parte, lo que caracteriza el recuerdo, que no es unidireccional. Así como recordar significa volver a pasar por el corazón, por las emociones”, definió.

Desde Madrid, Matilde Sánchez, editora general de Revista Ñ, le preguntó si la universalidad del Guernica, como representante de todas las matanzas, podría ser espejo de las matanzas de hoy en Ucrania y en Oriente Medio.

“Desconozco si en las manifestaciones que se están haciendo sobre esta dolorosa guerra en Medio Oriente se están llevando las imágenes de Guernica. No las he encontrado todavía”, admitió Giunta.

“En Bagdad, cuando Estados Unidos llevó adelante el bombardeo, ahí sí se levantaron las imágenes del Guernica en las manifestaciones -recordó-. Y no sólo eso. El tapiz que reproduce el Guernica, que pertenece a la familia Rockefeller y que estaba en las Naciones Unidas, cuando se anunció la decisión de Estados Unidos de intervenir militarmente, se tapó.”

Una muestra de los últimos 50 años de arte argentino llegará a Milán

29 octubre, 202329 octubre, 2023 infoarte

Fuente: Mejor Informado – A partir del 21 de noviembre en el museo PAC, la ciudad italiana será testigo de «Argentina. Lo que la noche le cuenta al día», una muestra que recorre lo mejor de nuestros artistas.

Milán se prepara para recibir A partir del 21 de noviembre, el prestigioso museo PAC (Padiglione d’Arte Contemporanea) abrirá sus puertas para dar lugar a un evento trascendental para el mundo del arte. Se trata de la exposición «Argentina. Lo que la noche le cuenta al día».

Esta exposición monumental, curada por Andrés Duprat, director del Museo Nacional de Bellas Artes, y Diego Sileo, director artístico del PAC, promete llevar a los visitantes en un viaje a través de las últimas cinco décadas del arte argentino.

La muestra, que aborda temas de violencia, represión y censura tanto en la vida cotidiana como en las obras de arte, contará con la participación de más de 20 destacados artistas argentinos. Entre ellos se encuentran figuras emblemáticas como León Ferrari, Marta Minujín, Liliana Maresca, Leandro Erlich, Lucio Fontana, Ana Gallardo, Alberto Greco y Graciela Sacco. Estos artistas han dejado una huella imborrable en el panorama artístico argentino, utilizando su creatividad para abordar cuestiones sociales y políticas apremiantes.

Una de las piezas más destacadas que se exhibirán es la controvertida obra de León Ferrari, «La civilización occidental y cristiana» (1965), que representa un avión de la Fuerza Aérea estadounidense con una imagen de Cristo crucificado sobre él. Esta obra ha suscitado intensos debates y reflexiones a lo largo de los años, encapsulando la habilidad de Ferrari para provocar la reflexión profunda a través de su arte.

Una muestra de los últimos 50 años de arte argentino llegará a Milán — La civilización occidental y cristiana de León Ferrari. Crédito: Télam.

La artista Marta Minujín estará representada en la exposición con registros fotográficos y videos de su famoso «Partenón de libros prohibidos», una obra participativa de 1983 que fue recreada en 2017 para una exposición en Alemania. Además, Liliana Maresca será recordada a través de su serie de fotografías «Maresca se entrega todo destino» (1993), publicada en la revista El libertino. Esta serie desafía las nociones tradicionales de la obra de arte al poner el cuerpo en primer plano como un objeto para ser consumido y cuestiona los formatos habituales de circulación artística.

La exposición también incluirá la obra impactante de Graciela Sacco, «Bocanada», una serie de afiches diseñados como interferencias en el espacio público, representando bocas abiertas que expresan emociones como el grito, la bronca y el hambre. Cada pieza de esta serie sirve como un poderoso recordatorio de las complejidades de la experiencia humana y la urgencia de abordar las injusticias sociales.

El nombre de la exposición, «Argentina. Lo que la noche le cuenta al día», está inspirado en la novela homónima de Héctor Bianciotti, que narra la historia de una familia de piamonteses radicados en la pampa argentina y su lucha por superar la pobreza que los alejó de Italia. La exposición busca resaltar obras que exploran la idea de la violencia, ya sea de manera sutil o explícita, ofreciendo a los espectadores una oportunidad única para reflexionar sobre estas cuestiones cruciales.

El museo PAC de Milán, ha sido un pilar en el mundo del arte contemporáneo desde 1954 y será el anfitrión de esta exposición en su totalidad. «Argentina. Lo que la noche le cuenta al día» no solo será una oportunidad única para que visitantes de todo el mundo puedan explorar el arte argentino contemporáneo, sino también una ocasión para reflexionar sobre las complejidades de la violencia y la represión en el contexto del arte.

De esta forma, el arte argentino dejará una marca indeleble en el mundo del arte contemporáneo.

Récord histórico: un cuadro de Miró superó los 20 millones de euros en una subasta

22 octubre, 202322 octubre, 2023 infoarte

Fuente: Infobae – “Mujeres, Luna, Estrellas” creada en 1949 y conservada en una posada del sudeste francés, fue vendida en un remate de Christie’s de París. Así se convirtió en la obra más cara del artista catalán

En un hito sin precedentes, la obra maestra de Joan Miró, titulada Mujeres, luna, estrellas, creada en 1949, fue subastada en París por la asombrosa cifra de 20,7 millones de euros (21,95 millones de dólares), incluyendo honorarios. Este precio establece un récord en Francia para el renombrado pintor español, según anunció la casa de subastas Christie’s.

Simultáneamente, otra obra de arte de considerable importancia también alcanzó cifras extraordinarias. La escultura “Le Rhinocrétaire I” (1964) del reconocido escultor francés François-Xavier Lalanne, fue adquirida por 18,3 millones de euros con honorarios, marcando un récord mundial para este artista. Este logro excepcional tuvo lugar durante una subasta nocturna exclusivamente dedicada a Lalanne, como informó la casa de subastas en un comunicado.Ambas piezas ostentan el título de las obras de arte más caras vendidas en Francia durante el año 2023, de acuerdo con los registros de Christie’s.

Desde su adquisición en la galería Maeght en 1950, el icónico cuadro de Miró (1893-1983) ha permanecido en la Colombe d’Or, una legendaria posada situada cerca de Saint-Paul-de-Vence, en el sudeste de Francia. Esta obra ha sido un tesoro resguardado por décadas en un entorno que ha añadido a su mística y valor.

«Mujeres, luna, estrellas», de Joan Miró, marcó un récord en la obra del artista

El éxito de la subasta no se limitó a estas dos piezas destacadas. En total, las ventas nocturnas de obras vanguardistas europeas, donde el cuadro de Miró figuraba como la pieza central, alcanzaron la asombrosa cifra de 62,1 millones de euros. El evento no solo marcó un hito en términos de precios alcanzados, sino que también subrayó la continua influencia y relevancia del arte vanguardista en el mercado actual. Estos resultados ofrecen un testimonio elocuente de la apreciación y admiración que perduran por obras de arte de tal calibre.

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El cuadro de Miró, con su combinación de colores y formas, encarna la genialidad y la visión artística del maestro español. Su venta por una cifra récord en Francia representa un reconocimiento a la magnitud de su legado y su impacto en el mundo del arte a nivel internacional.

El éxito de la subasta también destaca la importancia de preservar y celebrar obras de arte que han definido y enriquecido la historia del arte moderno y contemporáneo. La Colombe d’Or, que ha sido custodia de esta obra maestra, continuará siendo un lugar donde el arte y la historia convergen de manera única.

Joan Miró es uno de los artístas más emblemáticos de España

Joan Miró fue un destacado pintor, escultor y ceramista catalán nacido el 20 de abril de 1893 en Montroig del Camp, España. Fue uno de los principales exponentes del surrealismo y se le considera uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

Desde joven, Miró demostró un interés innato por el arte, lo que lo llevó a estudiar en la Escuela de Arte de la Llotja en Barcelona y la Academia de Galí. Su estilo artístico evolucionó a lo largo de su carrera, pasando por distintas etapas que incluyeron el cubismo y el fauvismo.

Te puede interesar: Alemania recupera un cuadro de 300 años robado por un soldado estadounidense durante la Segunda Guerra MundialEn la década de 1920, Miró se trasladó a París, donde se unió al movimiento surrealista, liderado por André Breton. Sus obras se caracterizaron por una combinación única de elementos abstractos y figurativos, creando un universo visual imaginativo y lleno de símbolos. Empleó colores vivos y formas orgánicas que desafiaban las convenciones artísticas de la época. Su obra continúa inspirando a generaciones de artistas y amantes del arte, y su contribución al mundo del arte lo consagra como uno de los grandes maestros del siglo XX.

La diversidad artística de Carlos Páez Vilaró resurge en su centenario

22 octubre, 202322 octubre, 2023 infoarte

Fuente: Infobae – El Museo Nacional de Artes Visuales de Montevideo presenta “Fantasías africanas”, una muestra antológica que ofrece una completa visión de quien es considerado el “artista más popular de Uruguay”

La “diversidad” de la producción artística que durante más de medio siglo desarrolló el uruguayo Carlos Páez Vilaró (1923-2009) es puesta en valor en una muestra que aprovecha su centenario para ofrecer una visión “más completa” de su figura.

Sin necesidad de presentación alguna más que la que dan los vivos colores y el trazo de pincel con que se delinean sus soles, animales o figuras carnavalescas, Páez Vilaró es, para el curador Manuel Neves, un “personaje único” en la historia del arte uruguayo.

Es que, según el responsable de la exposición Fantasías africanas, con la cual desde el Museo Nacional de Artes Visuales (MNAV) el país sudamericano homenajea al artista antes del 1 de noviembre, cuando cumpliría 100 años, su figura es de aquellas que dejan una honda huella en la cultura de una nación.

Manuel Neves, curador de la muestra «Fantasías Africanas» de Carlos Páez Vilaró

“Es el artista más popular de Uruguay y su popularidad trasciende el espacio de las artes visuales”, remarca Neves a lo que detalla que para la muestra antológica se reunieron 50 obras que abarcan “todas las décadas” de una producción que comenzó en los años 50 y siguió hasta su muerte.

África, presencia constante

A lo que enfatiza que el artista “experimentó con todo”, desde la pintura al óleo o la cerámica hasta el uso de materiales poco comunes como el “asfalkote”, una emulsión asfáltica, para dar textura a sus obras, Neves destaca que el “hilo conductor” de su producción fue un constante interés por la cultura africana.

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“Hay formas y elementos (en sus obras) que se repiten y están vinculadas con una cierta visualidad de la cultura africana, por ejemplo (la) de los fetiches, las máscaras o ese color tierra que uno puede ver por el tema del barro”, señala.

Sobre ese vínculo, acota que incluso se dejaba ver en sus comienzos, cuando sus obras denotaban que estaba “mirando” a artistas como Pedro Figari (1861-1938), conocido como “el pintor de candombes” por retratar muchas escenas de la comunidad afrouruguaya como las “llamadas de tambores” del carnaval.

La muestra antológica reúne 50 obras de Páez Vilaró que abarcan “todas las décadas” de su producción artística

A partir de allí, dice, “lo primero que hace” es viajar a África, algo que, acota, “pocos artistas han hecho” y a lo que dedicó “muchísimo tiempo” antes de volver al papel o al lienzo con otra mirada.

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“Eso va evolucionando y se va haciendo más personal (…), hay elementos que ya tienen un lenguaje que es propio; hay toda una serie en los años 80 que se llama ‘Fetiches’. El fetiche es un elemento de la religiosidad o el ritual africano del que él hace versiones”, explica.

Por otro lado, a lo que recalca que es “simplista” señalar una influencia del español Pablo Picasso (1881-1973) en su obra, pues “los dos estuvieron influenciados por el arte africano” y eso explica su afinidad, Neves dice que Páez Vilaró sí encontró en las cerámicas del malagueño una inspiración para también explorar esa técnica.

Más que soles

Autor del mural “Raíces de la Paz”, que en 1960 pintó en la sede de la Organización de Estados Americanos (OEA) en Washington D.C. y que con 162 metros de largo fue considerado en ese momento “el más largo del mundo”, Carlos Páez Vilaró, fue, según Neves, “uno de los muralistas más importantes” de Uruguay.

Carlos Páez Vilaró en la ONU, pintando su mural «Raíces de la paz»

A lo que señala que, además de en América, hizo diversos murales en África y Oceanía que, acota, no están en la exposición más que mediante un trozo de uno que fue destruido y de fotografías, el curador subraya que la muestra busca mostrar las facetas menos conocidas del artista que muchos conocen por sus icónicos soles.

Así, si bien reconoce que Páez Vilaró es también muy recordado por su “escultura habitable” Casapueblo, que, inspirada en África y asentada en la localidad de Punta Ballena, a unos 13 kilómetros de la turística Punta del Este, tiene museo-taller y restaurante y abre al público justo “hasta la puesta de sol”, el curador entiende que esa faceta no es todo el artista.

“Esa idea del sol y el culto a lo solar está vinculada también con África y con el Mediterráneo (pero) (…) lo que buscamos con esta exposición es (…) que la gente tenga una visión más completa de su producción artística, que no quede solamente definida por Casapueblo, por las pinturas de los soles o por el carnaval”, redondea.

* Fantasías africanas. Carlos Páez Vilaró – 100 años estará abierta al público en la sala 4 del MNAV (Av. Tomás Giribaldi 2283 y Av. Julio Herrera y Reissig, Parque Rodó, Montevideo, Uruguay), hasta el 18 de febrero de 2024.

La espera valió la pena: abren al público la casa natal de Salvador Dalí

22 octubre, 2023 infoarte

Fuente: Ámbito – Tras 30 años de gestiones, se podrá conocer el interior del hogar del pintor. Conocé los motivos por los cuales a partir de ahora se podrá visitar.

La casa donde nació el pintor surrealista español Salvador Dalí (1904-1989) abrió sus puertas este viernes por primera vez al público tras casi 30 años de gestiones.

Se trata de un edificio modernista de la norteña localidad española de Figueras que este viernes, a casi 120 años del nacimiento de Dalí, abre las puertas a las visitas para recordar la intensa vida del genio del surrealismo que arrancó y terminó en esta ciudad del noreste español, y quien hace no mucho fue objeto de debate entre jóvenes franceses de TikTok que convirtieron en tendencia vídeos suyos cargados de sexismo unos, y en otros expresando admiración por Adolf Hitler y gusto por la necrofilia. Informate más

Tras casi 30 años de gestiones, el ayuntamiento de Figueras adquirió y habilitó este edificio de tres plantas situado en la calle Monturiol, donde Dalí nació el 11 de mayo de 1904 y pasó sus primeros ocho años, informó la agencia francesa de noticias AFP.

Los trabajos incluyeron la recuperación del subsuelo y «una cata en las paredes para saber cuál era el color que tenían», explicó Mariona Seguranyes, funcionaria local de Cultura, sobre esta instalación en la que diferentes organismos invirtieron más de u$s4 millones.

La inauguración ocurre a casi 120 años del nacimiento del pintor.

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Sin objetos originales ni obras del artista, que se exponen en gran parte en el teatro museo que impulsó en Figueras, la casa natal propone una visita inmersiva a sus orígenes que arranca en la planta baja con un holograma de Dalí padre, figura muy influyente y de confrontación con el artista, que recibe a los visitantes mientras trabaja en la notaría situada en ese mismo lugar.

Recreación de la notaría del padre de Salvador Dalí.

En el piso alto recrearon el departamento de la familia Dalí, donde está la habitación en la cual nació el artista; ahí, sobre una mesita de luz a un lado de la cama matrimonial, se ve el retrato del del primer Salvador Dalí Domènech, hermano mayor del pintor, fallecido meses antes de su nacimiento.

«Era una fotografía que él cada vez que entraba en la habitación de sus padres encontraba. Decía ‘cómo voy a competir con una persona que ya no está«, señaló Seguranyes, un hecho que lo «traumatizó».

En cada estancia del edificio se van entrelazando las facetas de la intensa vida de Dalí.

En cada estancia del edificio se van entrelazando las facetas de la intensa vida de Dalí; sea el hijo del notario, el adolescente que pierde a su madre o el estudiante talentosos en Madrid con Federico García Lorca y Luis Buñuel, así como el genio que impresiona a los surrealistas franceses, la pareja de Gala, el excéntrico creador de happenings en la cercana Cadaquès o el personaje comercial.

«Era muy avanzado a su época, por eso se coge de la mano de la ciencia, hoy seguro estaría trabajando con la inteligencia artificial y las nuevas tecnologías. Era un visionario«, concluyó Seguranyes.

La belleza emerge sobre los escombros del terremoto en Turquía

16 octubre, 2023 infoarte

Fuente: Infobae – El artista francés Saype reveló su nueva obra en Antakya: un mural de dos manos entrelazadas cubre mil metros cuadrados de una zona residencial y negocios destruída por el sismo en febrero

El reconocido artista Saype, conocido por sus murales que han dejado huella en distintos rincones del mundo, reveló el viernes su última obra maestra: un mural pintado sobre los escombros de la ciudad de Antakya, en el sur de Turquía, que aún se recupera del devastador terremoto ocurrido en febrero.

El sismo del 6 de febrero, que sacudió tanto a Turquía como a Siria, esta última ya azotada por la guerra, dejó a su paso una cifra alarmante: más de 55000 muertos y miles de personas sin hogar, dependientes de la ayuda internacional para subsistir.

El mural en blanco y negro, una representación de dos manos entrelazadas, se extiende sobre una superficie de mil metros cuadrados de escombros, un espacio que en tiempos pasados albergaba viviendas, una panadería y una sastrería.

El artista callejero autodidacta decidió dedicar un proyecto a los supervivientes del terremoto sobre las ruinas de la antigua ciudad, ahora irreconocible

Guillaume Legros, conocido en el mundo artístico como Saype, comparte sus reflexiones sobre la transformación que sufrió este lugar: “Antes era una calle muy animada”. Su voz lleva el tono de alguien que ha sido testigo del cambio y la devastación.

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“Cuando se produjo el terremoto, me conmovió profundamente. Vine en julio y no podía dar crédito a lo que veía. Fue entonces cuando comprendí la magnitud de la catástrofe”, confesó el artista francés, quien tiene un lazo especial con Turquía debido a que su esposa nació en este país.

Decidió emprender un proyecto dedicado a los sobrevivientes del terremoto, sobre los vestigios de la antigua ciudad que ahora luce irreconocible. “Trabajé directamente sobre los escombros, sobre casas antiguas, sobre fotos de familia. Nunca antes había pintado sobre piedras”, agregó Saype, cuya fama previamente estaba vinculada a sus creaciones en terrenos verdes.

La obra cubre 1.000 m2, donde hasta la noche del 6 de febrero de 2023 se levantaban edificios de cuatro a cinco pisos

A lo largo de los 16 días que demandó la creación de esta obra monumental, Saype tuvo el privilegio de conocer a habitantes locales que habían hecho de tiendas de campaña y contenedores de transporte su hogar por ocho largos meses desde el desastre.

“Conocimos a mucha gente que vivía en los apartamentos sobre cuyos escombros estábamos pintando. Vinieron a recoger objetos”, relata el artista. “Estaban conmocionados, pero nos dieron las gracias por venir”, añadió con gratitud y emoción en su voz. Saype aspira a que su obra no solo sea una expresión artística, sino también una voz que resalte las necesidades apremiantes de los supervivientes de Antakya.

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Actualmente, el artista tiene en mente vender reproducciones de su obra para recaudar fondos destinados a los sobrevivientes y las familias de las víctimas. Esta iniciativa se erige como una muestra palpable de su compromiso no solo con el arte, sino también con el bienestar y la reconstrucción de una comunidad que se encuentra en plena fase de recuperación tras el impacto de un evento tan trágico. Saype, a través de su pincel, se convierte en un puente de esperanza y solidaridad en medio de la adversidad.

El fresco en blanco y negro muestra dos manos entrelazadas, una marca registrada del artista francés

El renombrado artista francés, Saype, ha demostrado consistentemente su compromiso con las causas sociales que afectan al mundo contemporáneo a través de sus obras. En una destacada presentación la semana pasada, presentó su primera creación artística en España, destinada a denunciar la actual crisis hídrica. Se trata de una impresionante pintura ultrarrealista, que representa unas manos delicadamente recogiendo agua de una laguna real. Con esta obra, Saype busca destacar su compromiso global contra la crisis hídrica y respaldar la preservación de este preciado recurso natural, cuya disponibilidad es cada vez más escasa.

El trabajo de Saype se enmarca en el género del ‘land art’, conocido por crear intervenciones artísticas en entornos naturales. La pintura fue realizada en la localidad de Oropesa, en la provincia de Toledo, donde el artista plasmó su visión sobre la importancia del agua y la necesidad imperante de conservarla. Este enfoque artístico no es nuevo, su especialización en “frescos sobre tierra” lo ha llevado a reproducir sus obras en lugares emblemáticos alrededor del mundo. Entre ellos se encuentran los Alpes Franceses, cerca de la oficina de la ONU en Ginebra, Cabo Town en Suráfrica y Venecia, entre otros.

Saype, muestra una pintura landart gigante biodegradable ubicada entre edificios dañados por el terremoto

La obra de Saype trasciende la mera estética, convirtiéndose en una poderosa herramienta de concienciación sobre problemáticas sociales y medioambientales. A través de su arte, insta a la unión por la protección de nuestro entorno y en la búsqueda de soluciones sostenibles para las crisis que enfrenta el planeta.

Con información de: AFP

[Fotos: Handout / LeSabe – AFP]

La ONU seleccionó la obra de un artista rosarino para exhibirla en Ginebra

23 septiembre, 2023 infoarte

Se trata de «Pobreza CEO», de Carlos Clementt que simboliza el grito de protesta contra la teoría económica del derrame. Será exhibida entre el 10 y el 20 de octubre de este año en la sede de Naciones Unidas tras ser elegida entre más de 3.000 obras de todo el mundo.

La obra del artista plástico rosarino, Carlos Clementt, «Pobreza CEO», que simboliza el grito de protesta contra la teoría económica del derrame, será exhibida entre el 10 y el 20 de octubre de este año en la sede de Naciones Unidas (ONU) en Ginebra (Suiza), tras ser elegida por ese organismo, entre más de 3.000 obras de todo el mundo.

La obra fue seleccionada en la categoría Justicia Económica en el marco de la convocatoria #ImagineEquality, que lanzó el Instituto de Investigación de Naciones Unidas para el Desarrollo Social (Unrisd), al cumplir los 60 años de su fundación.

La convocatoria mundial a los artistas se hizo a través de las redes sociales bajo la consigna «#ImagineEquality: Liberar el poder de la imaginación para crear un mundo mejor», y es la primera vez que un artista plástico de la ciudad de Rosario, es elegido por la ONU, para exponer su arte a nivel internacional.

Del jurado participaron integrantes de la ONU y artistas internacionales y el resultado de la competencia fue anunciado por Unrisd el 18 de septiembre pasado.

La obra

La obra de Clementt consiste en un cuadro de un metro por un metro, hecho sobre chapadur, con collage y técnicas mixtas, que será exhibida en Ginebra del 10 al 20 de agosto del este próximo, según dijo el artista rosarino, de 67 años, a la agencia Télam.

«Mi particularidad es que pinto sobre soportes no convencionales, uso material que voy encontrando en la calle, que otros desechan, lo resignifico y luego convierto en obras de arte», explicó el artista.

La convocatoria de la ONU le llegó hace dos meses «y entonces decidí enviar un cuadro que realicé en el año 2021, inspirado en los Panamá Papers, las denuncias de evasión de impuestos y lavado de dinero«.

«Todo eso produjo en mí y en mucha gente una gran indignación y lo terminé plasmando en una obra que denominé «Pobreza CEO», que ahora fue elegida entre más de 3.000 obras de todo el mundo por la ONU», subrayó el artista, al hablar de su obra, una crítica a lo que se conoce como efecto derrame, que propone reducir los impuestos a las empresas y a los sectores más poderosos de la sociedad para estimular la inversión empresarial a corto plazo y beneficiar a la sociedad en general a largo plazo, lo que en la práctica no sucede.

La verdad, no esperaba este reconocimiento internacional y me llena de orgullo que mi obra haya sido elegida entre innumerables pintores y artistas plásticos de Europa, Asia, África y América.Clementt

«La verdad, no esperaba este reconocimiento internacional y me llena de orgullo que mi obra haya sido elegida entre innumerables pintores y artistas plásticos de Europa, Asia, África y América», sostuvo Clementt.

En el centro del cuadro aparece «el rostro distorsionado de una persona gritando» y «ese grito que se puede asociarse al ´Grito de Munch´ -del pintor noruego Edvard Munch- es de indignación, es de protesta por la angustia que provoca esa gran mentira de la ´teoría económica del derrame´», sostuvo.

En ese cuadro, él imagina además «un mundo donde la concentración de la riqueza no esté en manos de unos pocos, que los que menos tienen puedan cubrir sus necesidades y no queden mirando el oro que derraman los poderosos», agregó.

Clementt inició su carrera como artista hace 30 años pintando tablas de surf en Brasil y hoy, entre otras actividades, da clases de arteterapia en instituciones que tratan adicciones a las drogas en Rosario.

«Uso el arte para que estas personas con problemas de adicción, empiecen a abrirse y a expresarse», explicó el artista y señaló que las herramientas que utiliza para pintar los cuadros «tampoco son muy convencionales».

«Uso mucho látex que sobra de las pinturas de las casas, empleo espátulas para decorar tortas y las que utilizan los pintores de brocha gorda, además de escobillas para limpiar vidrios», reveló.

En el marco de esta competencia, Argentina y Camerún son los únicos dos países con cuatro artistas seleccionados por el Unrisd.

En el caso de la Argentina, además de Clementt, fueron elegidos en otras categorías, los trabajos de los argentinos Otto Soria, con su obra «Sube baja»; Priscila Freire, con «Hospital cerrado», y Rubén Barrio, con «El grito de la libélula».

El hallazgo de su vida. Pagó 4 dólares por un cuadro y podría venderlo por 250.000 dólares

21 septiembre, 202321 septiembre, 2023 infoarte

Uno puede salir del local de Savers en New Hampshire con una buena camisa por menos de 5 dólares, y para los interesados en los accesorios hay anillos de 2 dólares. Los cuadros demasiado grandes para estar en los estantes descansan apilados contra las paredes y parecen invitar a darles una ojeada.

Savers es un bazar de caridad y su gerente dice que comprar en el local es como embarcarse en una búsqueda del tesoro, como seguramente fue el caso de la mujer que en 2017 hizo allí el hallazgo de su vida. Mientras empujaba su carrito por los corredores atestados del local en busca de objetos para decorar su casa, la mujer le echó el ojo a un cuadro de marco pesado y cubierto de polvo guardado entre pósteres y láminas impresas. Las dos mujeres representadas en el cuadro parecían enojadas, y la mayor tenía cara de profunda desaprobación.

La compradora se quedó intrigada. ¿Quiénes eran esas mujeres? ¿Por qué tanta tensión entre ellas? Así que agarró el cuadro y lo metió en el chango. Minutos después, salía del local con un auténtico panel pintado al óleo por N.C. Wyeth, uno de los máximos ilustradores norteamericanos del siglo XX, conocido por dar vida a relatos clásicos como Robin Hood, Robinson Crusoe o La isla del tesoro.

El ticket de compra por esa obra largamente desaparecida fue de 4 dólares: el próximo martes se subastará y se esperan recaudar entre 150.000 y 250.000 dólares.

El artista NC Wyeth, autor del cuadro valuado en miles de dólaresCharles Scribner’s Sons Art Reference Department Records, c. 1865-1957

“Nosotros revisamos todas las donaciones que recibimos y las tasamos lo mejor que podemos”, dice Shaun Edson, gerente del local de Savers. “No somos expertos en pintura. Tratamos de evaluar las piezas y ponerles un precio adecuado. En 2017 yo no estaba todavía”, agrega Edson. “Claramente, se nos escapó la tortuga.”

La propietaria de la obra recuerda perfectamente la secuencia de aquellos hechos y pidió preservar su anonimato porque está a punto de convertirse en una mujer mucho más rica, ya que el hallazgo de la obra está concitando enorme atención. Dice que llegó a su casa y colgó el cuadro en la pared de su dormitorio, y que con el tiempo se cansó, la sacó y la guardó junto a fotos escolares y cosas viejas. En mayo de este año, cuando se puso a revisar y se cruzó nuevamente con el cuadro, notó que en el reverso tenía una etiqueta firmada, y decidió postear un par de imágenes en Facebook.

La conservadora de arte Lauren Lewis fue uno de los que la contactaron tras ver la pintura en las redes sociales. Finalmente, la propietaria y su esposo envolvieron la pintura en una frazada, la cargaron en el asiento trasero de la camioneta, y manejaron 90 minutos para encontrarse con Lewis en el estacionamiento de una terminal de micros. Lupa en mano, Lewis se emocionó y les habló de aspectos de la obra que la propietaria nunca había remarcado, como la pincelada.

Así que la pareja abandonó sus planes de parar a almorzar y se volvieron directamente a su casa para colgar el cuadro de nuevo en la pared.

“¿Cómo pasó algo así?”, se preguntó Lewis desde que vio por primera vez la imagen del cuadro de Wyeth en Facebook. “¡Qué azaroso es todo! Por suerte, al final las cosas se dieron maravillosamente bien.”

La ilustración de frontispicio que ahora se subasta formaba parte de un conjunto de cuatro imágenes que Wyeth aportó para una edición de 1939 de la novela Ramona, de Helen Hunt Jackson, que gira en torno a un huérfano del sur de California, cuya vida transcurre después de la guerra entre México y Estados Unidos. La obra, también llamada Ramona, muestra la tensión entre la joven y su madre adoptiva, según consta en el catálogo de la casa de subastas Bonhams Skinner, donde también dice que Wyeth era conocido por sus “colores vivos y un hábil claroscuro.”

Las obras de Wyeth se exhiben en el Museo Brandywine de Chadds Ford, Pensilvania, y el ilustrador formaba parte de una de las familias artísticas más destacadas de Estados Unidos. El Museo de Arte Moderno posee el cuadro El mundo de Christina, de Andrew Wyeth, uno de los cinco hijos de N.C. Wyeth.

Los expertos dicen que Ramona probablemente fue un regalo de la editorial a un editor o a los herederos de la autora. Lo que no está claro cómo llegó la obra al local de Savers de New Hampshire.

La feliz propietaria dice que el hallazgo del cuadro es el tipo de cosas buenas que a personas como ella y su esposo nunca les pasan. Ahora ya están pensando en los gustos que van a poder darse y hasta en un viajecito a Alemania para visitar a uno de sus hijos. Consciente de que pronto se separará del cuadro, la mujer compró una copia de la edición de Ramona, de 1939, en Amazon. Y aunque le gustan los libros, ya tiene decidido arrancarle la página con la ilustración de las dos mujeres de Wyeth, mandarla enmarcar, y colgarla en la pared.