Fuente: Rosario3 ~ Emplazada en la Plaza España de Salta, el rostro del general Güemes mira a los salteños como Belgrano a los rosarinos. La obra, donada por el ministerio de Defensa a propósito del bicentenario de la muerte del prócer, también fue forjada por los obreros del astillero Tandanor. Similitudes y diferencias
Como la escultura de Manuel Belgrano frente al Monumento Nacional a la Bandera, Güemes también tiene la suya, en la salteña plaza España, donada por el Ministerio de Defensa y mandada a hacer a los obreros del astillero Tandanor, en acero naval pero en otro color. La de Belgrano fue descubierta el 27 de febrero del año pasado por los 208 años de la creación de la Bandera.
Mientras que la de Belgrano emula el verde del cobre del Monumento, la escultura de Guemes es roja como el poncho de los gauchos que pelearon con él y que mantuvieron vigilia en sus horas finales, aquel 17 de junio de 1821.
Güemes, a quien la historiografía no le hizo justicia, detuvo a las invasiones realistas que llegaban desde el Alto Perú con una milicia formada por gauchos y nativos de la tierra y fue una figura clave en los planes libertarios del general José de San Martín. Falleció tras recibir un balazo defendiendo a la ciudad de Salta a los 36 años.
La escultura roja con su rostro se encuentra emplazada en plaza España, también conocida como el fogón de los trabajadores.
Fuente: Télam ~ «Del taller al altiplano. Museos y academias artísticas en el Noroeste argentino», publicado por Unsam Edita, se adentra en la historia de esas instituciones artísticas durante la primera mitad del siglo XX para integrar esta geografía a los debates sobre la historiografía del arte argentino.
El imaginario visual del noroeste argentino, impregnado de paisajes telúricos, colores sublimes, tradiciones indígenas y ritos ancestrales, atraviesa el espíritu del inmenso conjunto de instituciones artísticas que en esa región surgieron entre 1910 y 1955, una concentración de museos y escuelas como en ninguna otra región del país -a excepción de Buenos Aires-, tal como aborda el libro «Del taller al altiplano», de Pablo Fasce.
«Museos y academias artísticas en el Noroeste argentino» lleva por subtítulo el volumen publicado por Unsam Edita, que se adentra en la historia de esas instituciones artísticas durante la primera mitad del siglo XX con el objetivo de saldar una deuda pendiente: integrar esta geografía a los debates sobre la historiografía del arte argentino.
Frente a la ausencia de iniciativas estatales, un grupo de artistas como Ramón Gómez Cornet, Laureano Brizuela y Francisco Ramoneda optaron -en las décadas de 1930 y 1940- por transformarse en gestores culturales para dotar de plataformas al arte de sus provincias, entre ellas Tucumán, Salta, Catamarca, Santiago del Estero y La Rioja.
«Luego de los contactos con las vanguardias europeas y cautivados por las manifestaciones estéticas de las culturas precolombinas, muchos artistas emprendieron su camino hacia el norte, en busca de una tradición estética de raíz americana», explica en el volumen el autor, licenciado en Artes, docente de la UBA y la UNSAM.
– Télam: ¿Qué características confluyeron para que esta apertura de museos e institucionalización se haya dado con mayor intensidad en esta región del país y no en otra?
– Pablo Fasce: En el inicio de esta historia se dio la confluencia de dos procesos, que marcan una continuidad y una ruptura con distintos temas y discusiones del ámbito de las artes en Argentina en ese entonces. Por un lado, la creación de museos en las provincias era una consecuencia lógica de una iniciativa que había comenzado en Buenos Aires a finales del siglo XIX: luego de la creación de instituciones como la Academia y el museo Nacional de Bellas Artes en la capital del país, los artistas e intelectuales entendieron que el siguiente paso era extender esas plataformas culturales hacia las provincias y para lograr una profesionalización de su actividad en todo el territorio. Por otra parte, durante las primeras décadas del siglo XX el concepto liberal de nación deja paso a una mirada romántica centrada en la cultura: desde esa perspectiva, los artistas comenzaron a buscar las bases para crear una «escuela argentina» en la representación de los paisajes, los pobladores y las costumbres de las provincias, áreas en las que el noroeste tenía mucho para ofrecer.
– T: ¿Por qué crees que no se integró esta geografía a la historiografía del arte argentino?
– PF: Creo que el borramiento de esta historia responde al modo en el que el mapa global de las artes se reconfiguró luego de la Segunda Guerra Mundial. Con el final del conflicto armado y el ascenso de Estados Unidos como primera potencia política y económica, el «centro» del mundo de las artes se trasladó de París a Nueva York y desde allí se instaló una lectura sobre el desarrollo del arte del siglo XX en la que el concepto de lo «moderno» se refería a un proceso de evolución de los estilos que desemboca en el arte abstracto; desde ese punto de vista concentrado en las formas y en la idea de un «arte puro», todas las obras y movimientos que se salían de esa senda eran atrasadas o anacrónicas. Esa perspectiva fue permeando paulatinamente en todo el mundo y en el caso de Argentina, irrumpió con más fuerza a partir del golpe de Estado que depuso al gobierno de Juan Domingo Perón; esa concepción también impuso una mirada internacionalista que hizo que los artistas fueran perdiendo parte de su interés por el interior del territorio nacional y del continente americano, para concentrar sus esfuerzos en conquistar la escena artística de los países centrales.
– T: ¿En qué medida estas instituciones emplazadas en el noroeste argentino tomaron elementos autóctonos y en qué medida, influencias europeas?
– PF: En sí misma, la idea de fundar museos y academias como pasos necesarios para profesionalizar la actividad artística responde a un modelo que viene desde Europa, dado que el museo y la academia son en buena medida las plataformas sobre las que se construyó la autonomía del arte respecto de otras actividades o procesos sociales, lo cual es un fenómeno propio de la modernidad occidental. No obstante, la gran importancia que tuvo la reflexión sobre la identidad nacional, el paisaje y la tradición cultural en todas estas instituciones le dio una impronta propia al desarrollo de todo este proceso y en algunos casos posibilitó el surgimiento de propuestas sumamente originales: un ejemplo de esto es la propuesta de la escuela de Bellas Artes fundada al interior de la Universidad de Tucumán en 1916, cuyo proyecto educativo giraba exclusivamente alrededor del desarrollo de las artes decorativas y de la creación de un vocabulario ornamental basado en los diseños de la alfarería y los textiles precolombinos, con el objetivo de aportar desde las artes a una naciente industria nacional.
– T: ¿Cómo definirías el espíritu, la impronta, de este conjunto de instituciones artísticas del noroeste?
– PF: Si bien esas instituciones son producto de distintos procesos que se desarrollaron en distintos tiempos y momentos sociales y políticos, creo que todas ellas comparten un aspecto fundamental: desde la perspectiva de los artistas, intelectuales y políticos que las crearon, los museos y academias servirían para ampliar la oferta de actividad artística en sus provincias y de ese modo, garantizar un acceso a la cultura que era concebido como un aspecto fundamental de una sociedad en vías de modernización. Este concepto se hizo aún más importante durante los gobiernos radicales y peronistas, para los que el acceso a la cultura era parte fundamental de una sociedad democrática.
– T: Un capítulo del libro está dedicado al emblemático Monumento a los héroes de la independencia ubicado en Humahuaca, de Ernesto Soto Avendaño, una obra de gran valor cultural y patrimonial pero también turístico. ¿Cómo fue recibida la obra por las clases populares?
– PF: La recepción de las clases populares suele ser un tema problemático para todas las ramas de la historia, dado que solemos trabajar con fuentes escritas que casi siempre son producidas por personas que provienen de las capas medias o altas. En ese sentido, creo que cuando investigamos obras de arte que tomaron como tema a las clases populares, es muy importante tener en cuenta que se trata de representaciones construidas por otras personas y que no necesariamente coincidieron con las miradas y opiniones tenían sobre si esos modelos. En el caso del Monumento a los Héroes de la Independencia, me llamó especialmente la atención como esa idea de que la obra es un «monumento al indio» que hoy se difunde de manera espontánea tiene un origen remoto, que logré rastrear hasta finales de los años sesenta en una carta del hijo de Ernesto Padilla, el diputado tucumano que propuso la ley de creación del monumento. En esa carta, el hijo de Padilla le recrimina a la dirección del diario La Gaceta el haber difundido ese nombre erróneo; no obstante, creo que esa manifestación de malestar también puede ser interpretada como el signo de una apropiación popular sobre la figura del monumento, a partir de la cual podemos detectar la construcción de otro sentido para la obra, gestado desde abajo hacia arriba y que se sumaba a la larga cadena de interpretaciones que se produjeron (y se siguen produciendo) sobre el monumento.
Fuente: La Nación ~ El museo más visitado de España reordena su colección permanente y pone en primer plano las “Resistencias en América Latina”; un recorrido que integra, entre otros, trabajos de Marta Minujín, Oscar Masotta, Sara Facio y Roberto Jacoby, que adquirió o recibió como donación recientemente
Los museos exhiben al público solo una pequeña parte de toda su colección, la punta del iceberg de tesoros variados en temática, técnica, época de producción, estilos, escuelas y un largo etcétera. Existen diversos modos y consignas a la hora de organizar las obras de arte. Este es el caso del Museo Reina Sofía, el más visitado de España con 4,5 millones de personas en 2019,que trabaja desde hace meses en una nueva disposición de su riquísimo acervo de más de 30 mil piezas. Con esta distribución, desde mañana podrá ser visitado por el público Los enemigos de la poesía: Resistencias en América Latina, un recorrido que dedica una sala entera al arte argentino y, en particular, a Mayo de 1968.
El protagonismo de las piezas latinoamericanas es ahora mayor. A lo largo de diez salas, se exhibirán más de 100 obras, la mayoría nunca exhibidas previamente, pertenecientes al período 1964-1987. En la sala “Itinerario del 68”, dedicada a la Argentina, obras de Marta Minujín, Roberto Jacoby, Edgardo Vigo, Horacio Zabala, David Lamelas y Oscar Masotta, entre otros creadores argentinos, serán expuestas permanentemente. Allí se albergan trabajos de “artistas imbuidos por el espíritu de mayo del 68 (… ) cuya práctica empezó, poco a poco, a chocar con la oficialidad”, explica la institución sobre la época que coincide con el régimen de Juan Carlos Onganía.
«El helicóptero», de Oscar Masotta, es una de las piezas que serán exhibidas en la sala argentinaMuseo Reina Sofía
Vinculados tanto al Instituto Di Tella como al Centro de Arte y Comunicación en Argentina (CAyC) de Buenos Aires, promovido por fue Jorge Glusberg, estos artistas tendrán un nuevo lugar en el Reina Sofía. “Son trabajos que sin renunciar a esa carga de experimentación artística caminan también hacia un mayor compromiso social, que va creciendo a lo largo de la década”. Así aparece Contempla y vota (1971), de Edgardo Vigo, El helicóptero (1967), de Oscar Masotta, y Mensaje en el Di Tella, de Roberto Jacoby, una obra presentada en el célebre Instituto, integrada por un cartel-manifiesto y una teletipo que, conectado con la agencia France-Presse, acercaba las noticias sobre el Mayo francés. También se exhibirá el colchón Amor a primera vista (2007), de Marta Minujín, donación del empresario inmobiliario argentino Jorge Pérez al museo español en 2020.
Durante los últimos 8 años, gracias a la Fundación Museo Reina Sofía, creada en 2012, y a sus integrantes, el museo ha recibido donaciones de Jorge Pérez, la Patricia Phelps de Cisneros y de otros coleccionistas como María Amalia León de Jorge, Gustavo Nóbrega, Marga Sánchez, Diana López y Herman Sifontes, Ricardo y Susana Steinbruch o Juan Carlos Verme. Por ejemplo, el matrimonio de Silvia Gold y Hugo Sigman donó 8 fotografías de la serie Humanario, de Sara Facio y Alicia D’Amico; Asesinato de Kennedy (1963-1964), de Alberto Greco [junto con otros miembros de la Fundación] y un conjunto de 7 fotolibros. Entre ellos se encuentra Autocríticas (Santiago, Editora Gramnizo, 1980), de Marcela Serrano.
“Vemos en este nuevo recorrido la importancia del espacio público y, sobre todo, la importancia de entender que incluso el propio término Latinoamérica es un término europeo. Aquí aparece la necesidad de descolonizar, de cambiar nuestra mirada, de replantear el territorio. No hay una sino varias latinoamericas, de ahí que la hayamos divido esta colección por países, zonas y ambientes”, explicó Manuel Borja-Villel, director del Museo.
«Amor a primera vista», de Marta Minujín, se incorporó al museo gracias a una donación realizada en 2020Museo Reina Sofía
Brasil está presente en la sala “De la sequía a las palmeras”, con obras de Hélio Oiticica, los hermanos Augusto y Haroldo de Campos, Analívia Cordeiro y Regina Silveira, entre otros, y con la exhibición de piezas del movimiento del arte postal, como Identidade do artista, de Angelo de Aquino. En la sala “Reticulárea” se exhibe la obra de venezolanos, como Jesús Soto, o que vivieron en Venezuela, como Gertrud Goldschmidt. Perú estará presente con Represión (1985) y Violencia estructural (1988), de Herbert Rodríguez. Fotolibros confeccionados por Paolo Gasparini, Enrique Bostelmann, Fernell Franco y Bárbara Brändli, o videoinstalaciones, como es el caso de Video Trans Americas, del chileno Juan Downey, serán exhibidas por primera vez. El recorrido concluye con una sala dedicada a la represión en Chile, con la obra de Nelly Richard, expuesta en la Bienal de París de 1982, y Muda y desnuda, la libertad contra la opresión (1986), de Roberto Matta. Chile también, y en un periodo previo a Augusto Pinochet, aparece retratado en Masacre de Puerto Montt (1969), de Luis Camnitzer.
Queda a la vista entonces, como decía la argentina Ana Longoni, directora de Actividades Públicas del Reina Sofía en 2019, que el museo busca alejarse de una mirada eurocéntrica y cada año, cada temporada, con cada exhibición, revela que esa meta es posible, derribando muros y fronteras.
Fuente: Grupo La Provincia ~ «Kilómetro 1», una propuesta recién lanzada con el objetivo de presentar intervenciones artísticas en distintos espacios del barrio de San Telmo y un curso virtual que recorrerá la historia del surrealismo en México a partir de artistas como Frida Kahlo, María Izquierdo, Leonora Carrington y Remedios Varo, son algunas de las actividades culturales que tendrán lugar en los próximos días.
El Museo de Arte Moderno se moviliza por el barrio de San Telmo
El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires acaba de lanzar «Kilómetro 1», una nueva propuesta de la institución para vincularse con el barrio de San Telmo a través de una serie de intervenciones artísticas. Su objetivo es visibilizar, señalar, poner en valor y potenciar a los artistas, sus talleres y las propuestas creativas, sociales y culturales que se desarrollan en la comunidad.
En el marco de la iniciativa, se realizarán una serie de acciones donde el museo saldrá al barrio y se conectará, a través de sus programas educativos y artísticos, con espacios de San Telmo como El Mercado, la Feria, los templos, el parque, la plaza y sus públicos específicos: niños, jóvenes, adultos, personas en situación de vulnerabilidad económica y social, educadores, personal de salud y sus respectivos deseos y necesidades.
Para el lanzamiento de KM1, la artista Julieta Tarraubella presentará «Búnker», una performance en la que tres personas atraviesan un paisaje urbano distópico con gafas led que reproducen titulares de noticias extraídas de Internet.
En las próximas semanas, el museo presentará intervenciones de los siguientes artistas y colectivos dentro de «Kilómetro 1»: Aurora Castillo, Nina Kunan, Antonella Agesta, Cartón pintado y Francisco Montes.
Curso virtual sobre surrealismo mexicano
Se dictará un curso virtual sobre el surrealismo en México que dará inicio al ciclo sobre arte y cultura de la Fundación Foro del Sur, a cargo del especialista en arte argentino y latinoamericano Miguel Ángel Muñoz, con fecha de inicio prevista para el 24 de junio.
El ciclo de cursos de la organización sin fines de lucro está dedicado a una variedad de temas sobre arte y cultura, y se dicta en modo virtual por reconocidos especialistas.
En cinco encuentros proponen abordar la obra de los grandes artistas mexicanos cercanos al surrealismo como Frida Kahlo, María Izquierdo y Antonio Ruiz «El Corso» entre otros, así como los surrealistas europeos residentes en México como Leonora Carrington, Remedios Varo, Kati Horna y Wolfgang Paalen.
El primero de los temas será «Surrealismo en México» (1930-1940) que indagará en el significado para el arte de la presencia de León Trotsky en México, los viajes de Antonin Artaud y André Breton a aquel país, y la Exposición Internacional del Surrealismo en México (1940).
En los siguientes días se dará cuenta del surrealismo y el problema de la «pintura surrealista», su desarrollo y búsqueda después del manifiesto de 1924, hasta la diáspora por la guerra de 1939; y el problema del surrealismo en México -¿Surrealismo o pintura fantástica? – con nombres como Abraham Ángel, Manuel Rodríguez Lozano, Agustín Lazo, Rufino Tamayo y el entorno de la revista Contemporáneos.
Los cursos en modo virtual van del 24 de junio hasta el 22 de julio. Se puede consultar la página de www.forosur.com.ar
Fuente: El Objetivo ~ Hasta el 27 de junio, podrán aplicar galerías, espacios de arte con trayectoria y otros con propuestas nóveles y experimentales de todo el país. La participación en la feria no tendrá costo alguno y será en formato virtual y presencial.
La Municipalidad de Córdoba dio comienzo a las aplicaciones para formar parte de la Feria de Arte Córdoba “Paisaje: Producción y Fantasía” (FACba), desde el lunes 7 hasta el 27 de junio. Las mismas tienen como destinatario a todas aquellas galerías, espacios de arte con trayectoria y otros con propuestas nóveles y experimentales, que residan en Argentina.
La Feria 2021, que se desarrollará del 16 al 21 de septiembre, será de carácter gratuito para todas las galerías participantes, las cuales se presentarán bajo un formato mixto. Por un lado, la modalidad virtual se realizará a través de la plataforma feriadearte.cordoba.gob.ar; mientras que por el otro, las acciones presenciales contarán con recorridos en patios históricos de la ciudad de Córdoba, además de los circuitos de galerías que se podrán visitar en su lugar de origen.
A partir de allí, se desprende el título para esta nueva edición de FACba, “Paisaje: Producción y Fantasía”, el cual pretende abordar diferentes ventanas que se abren a diversos paisajes, a partir de los recorridos propuestos que entrecruzan la virtualidad y la presencialidad.
Vale destacar, que la organización de la Feria, es llevada a cabo por la Subsecretaría de Cultura de la Municipalidad de Córdoba, junto a la Agencia Córdoba Cultura, la Fundación Pro Arte Córdoba, y la Asociación de Galerías de Córdoba FARO; con el acompañamiento de Bancor, la Universidad Nacional y Universidad Provincial de Córdoba.
Para formar parte de FACba, cada galería tendrá la opción de participar solamente en una de las siguientes categorías:
• Opción A – “Group show”: hasta 3 artistas y 12 obras en total. Formulario Group show
Acerca de la Feria de Arte Córdoba “Paisaje: Producción y Fantasía”
La presente edición, es un espacio de visibilización, promoción e intercambio de experiencias vinculadas al mundo del arte y la gestión cultural. Contará con un jurado de selección conformado por José Luis Lorenzo, en representación de la Fundación Pro Arte Córdoba; Alejandro Dávila, representando a la Asociación de Galerías de Córdoba FARO; Joaquín Rodríguez, referente del sector del coleccionismo; Alejandra Perié, docente de la Facultad de Arte de la Universidad Nacional de Córdoba; y Andrea Ruiz, docente de la Facultad de Arte y Diseño de la Universidad Provincial de Córdoba.
A su vez, la Feria contará con la curaduría de Mariana Robles y Luz Novillo Corvalán, para la instancia presencial en las intervenciones artísticas de los patios históricos de la ciudad; y la plataforma virtual será la curaduría de Gabriela Barrionuevo.
Fuente: Buenos Aires ~ El Museo Fernández Blanco se suma a este evento global, que se realiza en las redes sociales durante una semana. Son 7 días, 7 ideas y 7 hashtags dedicados a la creatividad, para promover una causa internacional, desde el 7 al 13 de junio.
A partir del lunes 7 de junio y durante los siete días de la semana, el MIFB te invita a conectarte con tu celular a la octava edición de #MuseumWeek, para compartir experiencias culturales, logrando una interacción única en el mundo.
El evento nació en Francia en 2014 y está organizado junto con la UNESCO, cada edición promueve una causa internacional con una temática distinta.
Este año el enfoque está puesto en la crisis mundial sin precedentes que provoca la pandemia del coronavirus, que afectó seriamente al sector creativo, obligando a la industria cultural y a los artistas, a manifestarse mediante los medios digitales.
El impacto de la pandemia ha sido muy grande, y la cultura, a través de las redes e internet, se ha transformado en una fuente de consuelo o refugio.
De esta manera los objetivos concretos son: la entrega de la cultura y el arte a los públicos de todo el mundo; estimular el espíritu de creatividad y creación en todos nosotros, especialmente en los jóvenes y, por último, reforzar la imagen de los artistas como actores que participan en el cambio social.
La propuesta es “7 días, 7 ideas, 7 hashtags dedicados a la creatividad”
¿Cómo participar en la #MuseumWeek?
Prepará una publicación según el hashtag del día y compartilo. Todos los contenidos se podrán ver en las redes sociales de cada uno de los museos de la Ciudad.
Te comentamos sobre cada uno de los temas
Lunes 7 de junio: #ÉraseUnaVezMW Érase una vez, el primer día de la #MuseumWeek 2021 comienza con el tema del «comienzo». El comienzo de un libro, el comienzo de una canción, el comienzo de una historia, el comienzo de una era… ¡Explorá este tema y compartí tus descubrimientos!
Martes 8 de junio: #TrasBambalinasMW ¡Ah, entre bastidores! Sin los bastidores, no hay espectáculo. Todo lo que no podés ver si no tenés acceso privilegiado, ¡es un buen tema para este segundo día de la #MuseumWeek!
Miércoles 9 de junio: #LaMiradaDeLaInfanciaMW Es miércoles, ¡día del niño!
Jueves 10 de junio: #EurekaMW Un homenaje a los inventores y a los inventos de todo tipo en este cuarto día de la #MuseumWeek, con este guiño a los que les gusta exclamar «¡Ya lo tengo!».
Viernes 11 de junio: #TitúlaloMW Un viernes dedicado al juego, la interacción y la creatividad entre los museos y su público en línea.
Sábado 12 de junio: #ElArteEstáEnTodasPartesMW El arte, el diseño, la belleza y la poesía están en todas partes para aquellos que estén dispuestos a buscarlos. ¿Quién no ha encontrado formas familiares en las nubes, en un bosque o en la forma de un charco? Hoy investigamos a nuestro alrededor, filmamos, fotografiamos y compartimos.
Domingo 13 de junio: #PalabrasParaElFuturoMW Dejá una nota, una foto, un video, una declaración para las generaciones futuras o para vos mismo.
Fuente: Buenos Aires ~ MuseosBA se suma a este evento global, que se realiza en las redes sociales durante una semana. Son 7 días, 7 ideas y 7 hashtags dedicados a la creatividad, para promover una causa internacional, desde el 7 al 13 de junio.
A partir del lunes 7 de junio y durante los siete días de la semana, MuseosBA te invita a conectarte con tu celular a la octava edición de #MuseumWeek, para compartir experiencias culturales, logrando una interacción única en el mundo.
El evento nació en Francia en 2014 y está organizado junto con la UNESCO, cada edición promueve una causa internacional con una temática distinta.
Este año el enfoque está puesto en la crisis mundial sin precedentes que provoca la pandemia del coronavirus, que afectó seriamente al sector creativo, obligando a la industria cultural y a los artistas, a manifestarse mediante los medios digitales.
El impacto de la pandemia ha sido muy grande, y la cultura, a través de las redes e internet, se ha transformado en una fuente de consuelo o refugio.
De esta manera los objetivos concretos son: la entrega de la cultura y el arte a los públicos de todo el mundo; estimular el espíritu de creatividad y creación en todos nosotros, especialmente en los jóvenes y, por último, reforzar la imagen de los artistas como actores que participan en el cambio social.
La propuesta es “7 días, 7 ideas, 7 hashtags dedicados a la creatividad”
¿Cómo participar en la #MuseumWeek?
Prepará una publicación según el hashtag del día y compartilo.Todos los contenidos se podrán ver en las redes sociales de cada uno de los museos de la Ciudad.
Te comentamos sobre cada uno de los temas
Lunes 7 de junio: #ÉraseUnaVezMW
Érase una vez, el primer día de la #MuseumWeek 2021 comienza con el tema del «comienzo». El comienzo de un libro, el comienzo de una canción, el comienzo de una historia, el comienzo de una era… ¡Explorá este tema y compartí tus descubrimientos!
Martes 8 de junio: #TrasBambalinasMW
¡Ah, entre bastidores! Sin los bastidores, no hay espectáculo. Todo lo que no podés ver si no tenés acceso privilegiado, ¡es un buen tema para este segundo día de la #MuseumWeek!
Miércoles 9 de junio: #LaMiradaDeLaInfanciaMW
Es miércoles, ¡día del niño!
Jueves 10 de junio: #EurekaMW
Un homenaje a los inventores y a los inventos de todo tipo en este cuarto día de la #MuseumWeek, con este guiño a los que les gusta exclamar «¡Ya lo tengo!».
Viernes 11 de junio: #TitúlaloMW
Un viernes dedicado al juego, la interacción y la creatividad entre los museos y su público en línea.
Sábado 12 de junio: #ElArteEstáEnTodasPartesMW
El arte, el diseño, la belleza y la poesía están en todas partes para aquellos que estén dispuestos a buscarlos. ¿Quién no ha encontrado formas familiares en las nubes, en un bosque o en la forma de un charco? Hoy investigamos a nuestro alrededor, filmamos, fotografiamos y compartimos.
Domingo 13 de junio: #PalabrasParaElFuturoMW
Dejá una nota, una foto, un video, una declaración para las generaciones futuras o para vos mismo.
Fuente: Cronista ~ Firma como Cabaio Spirito. Dejó su sello en el frente del restaurante de Martín Martitegui y también en estaciones del subte de la ciudad de Buenos Aires.
El Centro Cultural Recoleta, la Bombonera, el restaurante Tegui y estaciones de subte de CABA. Esos son algunos de los espacios intervenidos por Cabaio Spirito, el artista urbano argentino que vuelca su creatividad en espacios públicos y privados desde hace 20 años, de Buenos Aires a Barcelona, de San Pablo a Ciudad de México. Y ahora, Nueva York.
El artista argentino, especialista en la técnica del stencil (combina mensajes, imágenes y formas geométricas) fue elegido por The Bushwick Collective para pintar las paredes del barrio The Bushwick, en Brooklyn.
The Bushwick Collective es un colectivo de artistas urbanos, ubicado en uno de los distritos más trendy de Nueva York, donde todos los años se lleva a cabo un evento artístico que combina graffiti, arte callejero, música y lo más vanguardistas de la comunidad artística y cultural.
«Estoy feliz de representar el arte urbano argentino en una ciudad cosmopolita como Nueva York y compartir el espacio junto a otros artistas internacionales. En The Bushwick, busqué representar lo que ciertas ciudades quieren esconder: inmigrantes, desplazados, refugiados. Por eso combiné diferentes rostros que reflejan las comunidades excluidas, con texturas de la ciudad», explicó Cabaio sobre la obra que ya disfrutan los vecinos de la Gran Manzana.
Fuente: Argentina ~ La Unión Nacional de Artistas Visuales convoca a participar de la muestra virtual “Arte por la Patria, festejando el 25 de Mayo” Este 25 de mayo no será como el de otros años, ya que la pandemia abre venas de dolor en todos lados, por eso nos rescatamos desde el arte para no olvidarnos de nuestras raíces y abrirnos al sueño de reconstruirnos como nación, como personas y como artistas.
Con motivo de las actividades en forma conjunta que han iniciado la Coordinación de Recuperación y Conservación del Patrimonio Cultural y la Unión Nacional de Artistas Visuales (UNAV), es importante informar que esta última convoca a participar de la muestra virtual “Arte por la Patria, festejando el 25 de mayo”.
Este 25 de mayo no será como el de otros años, ya que la pandemia abre venas de dolor en todos lados, por eso nos rescatamos desde el arte para no olvidarnos de nuestras raíces y abrirnos al sueño de reconstruirnos como nación, como personas y como artistas.
En tiempos tan difíciles el arte nos rescata, nos comunica y nos une. La UNAV (Unión Nacional de Artistas Visuales) convoca a participar de la muestra virtual “Arte por la Patria, festejando el 25 de Mayo”
Te invitamos a sumarte con tu obra en “Arte por la Patria, festejando el 25 de mayo”. LINK PARA INSCRIBIRTE: https://forms.gle/5ZrFQT56UcqZqw9f7
Fuente: Clarín ~ En un contexto de crisis para la cultura, con museos cerrados y presupuestos a la baja, un premio aparece como una oportunidad para aquellos artistas con obras en proceso: el Premio Artes Visuales Kenneth Kemble abrió su convocatoria hasta el 27 de junio, con un premio de hasta $800.000.
La cuarta edición del certamen, organizado por la Subsecretaría General de Cultura de San Isidro, es con inscripción gratuita, virtual y a nivel nacional, y está destinada al desarrollo de proyectos o conjunto de obras de arte contemporáneo. Los ganadores obtendrán premios en efectivo y tutorías profesionales.
“El concurso escapa a los cánones habituales al ser uno de los pocos del país que funciona como plataforma de becas, no premia obras terminadas o cerradas y acompaña la materialización de los proyectos ganadores a partir de una tutoría profesional que estimula el desarrollo de la producción poética, artística, reflexiva y crítica. Hay que recalcar, además, que tampoco es un Premio Adquisición, ya que el municipio no se queda con la obra resultante del mismo”, explicó Eleonora Jaureguiberry, subsecretaria general de Cultura de San Isidro.
En su cuarta edición, el certamen, que homenajea al destacado artista que vivió en Martínez y renovó el lenguaje artístico de nuestro país en los años ’50, abarca un amplio espectro de disciplinas, como intervenciones, pintura, fotografía, gráfica/grabado, dibujo, video, producciones digitales, nuevas tecnologías y objetos/escultura, performances y muchas otras.
Enfoque federal
Para mayores de 18 años y bajo la coordinación del artista visual, investigador y curador independiente Andrés Labaké, a cargo también de la tutoría profesional, el jurado de selección y premiación estará formado este año por la licenciada en Historia del Arte, investigadora, curadora independiente y directora del Museo Municipal Eduardo Sívori Teresa Riccardi, y los artistas visuales Miguel Harte y Rosalba Mirabella.
“Es clave que el concurso se mantenga y haya actualizado los montos de los premios, ya que los artistas, como muchos de los trabajadores del país, están atravesando una situación crítica. Un premio muy esperado por la comunidad artística que tiene el valor de acompañar teórica, poética y conceptualmente el desarrollo y la producción de proyectos”, dijo Labaké, quién destacó la presencia en el jurado de Mirabella, que nació, trabaja y vive en Tucumán, en una clara intención de la organización de enfocar también el interés en proyectos por fuera del tradicional y más visible circuito artístico del AMBA.
Respecto de los premios en dinero en efectivo, esta edición entregará un total de $800.000. El Gran Premio recibirá $400.000, el Premio Beca Joven (hasta 35 años) $200.000 y el Premio Beca Residente (para vecinos del municipio) $200.000, que serán entregados por etapas conforme al avance de los proyectos. Además se otorgarán de tres a seis Menciones Honoríficas.
Retrato de Kenneth Kemble en la exhibición Arte Destructivo. Galería Lirolay, 1961. Foto Jorge Roiger
La aplicación al concurso, cuyo reglamento se podrá consultar completo en cultura.sanisidro.gob.ar, deberá hacerse en el dirección electrónica premioartesvisuales@sanisidro.gov.ar, donde se adjuntarán datos personales, currículum, un texto conceptual del proyecto, una descripción técnica, material gráfico, cronograma y presupuesto estimativo de producción, entre otros datos necesarios y relevantes para la correcta inscripción.
El anuncio de los premios se concretará entre el 1 y el 3 de agosto, el desarrollo de las propuestas seleccionadas irá del 2 de agosto de 2021 al 28 de febrero de 2022, y el armado, montaje, realización in situ o presentación pública de las obras o proyectos se realizará desde el 15 de febrero de 2022, en fechas y lugares a coordinar con la subsecretaría.
“El Kenneth Kemble responde a una política de fomento y acompañamiento al desarrollo de la producción artística, como también ocurre con los premios municipales Mujica Láinez, en el campo de la literatura, y San Isidro Te Escucha, en el de la música. En los tres –concluyó Jaureguiberry–, asumimos con inmensa alegría el desafío de descubrir nuevos talentos para acompañarlos en su hacer, ofrecerles un ámbito de exhibición de sus obras y apoyarlos en la consolidación de sus carreras”.
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