Autor: infoarte

Fuente: Buenos Aires – Se exhiben las obras premiadas y seleccionadas del Salón Bienal de Arte Textil junto a una muestra antológica de cuatro destacadas artistas del tapiz

El Museo Sívori inaugura el jueves 25 de abril, a las 18, dos nuevas exhibiciones: “Salón Bienal de Arte Textil (SAT)” que reúne las obras premiadas y seleccionadas de la 28º edición y “El hilo conductor” con curaduría de Eduardo Stupía y obras de Ana Foos, Antoinette Galland, Noelí Pagliero y María Herrada.

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Salón de Arte Textil (SAT). Edición 28º

Esta exhibición reúne más de sesenta piezas textiles, entre seleccionadas y premiadas, de la última edición del Salón Bienal de Arte Textil (SAT), evento que cada dos años organiza el Museo Sívori desde 1972 y gracias al cual cuenta con una de las colecciones más destacadas de arte textil en nuestro país.
La 28º edición continúa desarrollando su carácter renovador junto a perspectivas más ortodoxas. La exhibición en general y cada premio en particular, dan cuenta de ello.

Las obras premiadas pasan a formar parte del acervo del Museo Sívori.

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El hilo conductor

Las piezas textiles de Ana Foos, Antoinette Galland, Noelí Pagliero y María Herrada pueden incluirse dentro de la disciplina escultórica. El grupo es una selección representativa de obras que ingresaron a la colección del museo en la década de los ochenta y fueron realizadas con la técnica tradicional de alto lizo, característica principal que se destaca en el marco de la exhibición en simultáneo de la edición 28 del Salón de Arte Textil (SAT) 2022/23. Todas estas piezas son premios adquisición del Salón de Tapiz, excepto La trapecista (colección particular).

La inauguración contará con la participación especial del Grupo Lalala, conformado por artistas, bailarinas y performers, que trabajan en la creación escénica desde la danza (Emilia Pujadas Desperes, Macarena Orueta, Pamela Jury Dayan, Aime Ibaldi y Florencia Novo; asistencia de dirección: Natalia Santillán).

“…el arte textil se impone con la sustancial potencia de su intemporal singularidad poética”. Eduardo Stupía

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Inauguración: Jueves 25 de abril, 18 h
Av. Infanta Isabel 555, Parque 3 de Febrero (frente al puente del Rosedal)

Entradas
Público General: $500
Extranjeros no residentes: $3.000
Todos los días sin cargo: Menores de 12 años. Personas con discapacidad y
acompañante. Jubilados, docentes y estudiantes con acreditación.
Miércoles gratis

Fuente: Ámbito – La artista argentina, ganadora del Premio Trabucco otorgado por la Academia Nacional de Bellas Artes, acaba de inaugurar en Arthaus la muestra «Pintura inhumana».

La actual muestra de Leila Tschopp (Buenos Aires, 1978), “Pintura Inhumana”, que se exhibe en Arthaus, presenta el rigor formal que la caracteriza, obra sintética enrolada en una ascética geometría de la que no se queda en la mera repetición y combinación de formas .

A lo largo de estos años, Tschopp pasó del bastidor al panel al muro. A raíz de una muestra en el Museo de Arte Contemporáneo (MACBA) en 2016 sorprendió la presencia de barriles inclinados delante de las obras, es decir, tenía que ocupar el espacio con elementos no convencionales para salirse del cliché y dar cabida a un nuevo discurso inquietante.

Más adelante recurrió a lonas dispuestas verticalmente que caían en pliegues, pero la pintura siempre estaba allí , tersa, impecable. Como era lógico , también realizó performances con esas lonas vinílicas, los cables y mesas por donde la presencia de una performer, traía reminiscencias teatrales y coreográficas

En el libro dedicado a parte de su obra por Mariana César, directora de Pasaje 17, leemos en un texto de Hernán Borisonik que “Leila trabaja el espacio como una totalidad… el conjunto cobra coherencia con la dinámica de la mirada, por eso el recorrido coreográfico que dibujan los espectadores se hace compartida frente a (o más bien , dentro de la obra)».

Entre sus numerosos galardones ganó el Premio Trabucco otorgado por la Academia Nacional de Bellas Artes en 2020 por “El Mar de Hielo”, tres acrílicos atrapados tras barrotes de hierro, que le daban a la obra un aire de clausura . No es la primera vez que Tschopp acude a la figura humana a la que aloja entre sus geometrías como en “Disfraz” (2015) esa vez en movimiento. También en “El Salto” (2012) un cuerpo de atleta en actitud corporal extrema se combinaba con sus geometrías ondulantes.

Entrar a su muestra actual es hacerlo a un espacio donde domina su cromatismo característico de los últimos tiempos: amarillo, azules claros, el color del hierro y las figuras humanas, diríamos más bien, formas humanas que, según la curadora y también autora del texto, la directora teatral Mariana Obersztern, “están posesos por un intenso caudal dramático, que ensayan alguna clase de punto ciego: asuntos del orden del desánimo y la finitud, de la desmesura o el espanto”.

Figuras nada agraciadas, pesadas, desplomadas en el suelo, en estado de abandono o pidiendo auxilio en cuadros de grandes dimensiones apoyados contra la pared. Una muestra oscura, por los materiales fríos, un hábitat que nos hace pensar en un “sin salida” de este mundo cruel y hostil. El espacio arquitectónico es denso, opresivo, teatral. Así son las sensaciones que invaden al espectador que se siente atrapado cuando se recorre esta muestra que no da respiro.

(Bartolomé Mitre434. Martes a domingo de 14 a 22. Clausura el 23 de junio.)

Fuente: La Gaceta – Distanciado del Salón de París, 31 artistas expusieron un nuevo movimiento que proponía otra mirada sobre la realidad, “a plein air”. Con los colores primarios marcaron una ruptura con el academicismo. Un impacto internacional.

En la historia del arte ya estaban registrados los grandes monumentos y la estatuaria rendida a reyes y faraones, a mecenas y Papas desde los antiguos griegos hasta el Renacimiento. El neoclasisimo retrató dramas heroicos, tragedias épicas y guerras; el romanticismo, los contrastes de luz y oscuridad exaltaron el tono de época y del paisaje y el realismo incursionó en la búsqueda del cuerpo humano, como si fuera un reflejo, o en las costumbres, situaciones y rituales de la vida común.

Pero, ¿pintar las impresiones, las sensaciones?

Hasta el momento nadie lo había realizado, incluso no se había discutido qué quería decirse con eso; no había debate.

Hace 150 años se presentó en París una exposición que daría origen al impresionismo, con obras rechazadas por la crítica y por el público, pero que se impuso como una vanguardia, tal vez la primera de la modernidad.

Fue el 15 de abril de 1874 cuando 31 artistas provocaron una ruptura de las reglas que regían al arte; pero mucho más, planteaban una mirada distinta sobre la ciudad, sobre la vida cotidiana, en definitiva.

Fueron Claude Monet, Pierre Renoir, Edgar Degas, Camile Pissarro, Alfred Sisley, Paul Cézanne y Berthe Morisot, entre otros.

La comisaria de la exposición en homenaje que se inauguró hace pocos días en París, Sylvie Patry, destaca la capacidad innovadora del grupo de artistas que cambió la historia de la pintura. No les importaron nunca las burlas y desprecios de los pintores clásicos academicistas: “Iban a mostrar escenas de la vida moderna, iban a mostrar paisajes pintados al aire libre, paisajes muy luminosos, muy claros. En definitiva, una nueva manera de pintar, de pintar la sensación, la impresión; de ahí el término impresionismo, que les dieron para burlarse de ellos, en absoluto para felicitarlos por las nuevas direcciones que habían tomado”.

Para Anatoli Lunacharsky, funcionario de educación de la revolución bolchevique en Rusia, Renoir es el más grande de los impresionistas. En sus palabras, “es demasiado grande para caber en el impresionismo, es uno de los más grandes maestros de la pintura humanista, el pintor de la felicidad”.

Monet con “Impresión, salida del sol” y “Los nenúfares”, es considerado el padre de este movimiento que definió, en las artes, el ingreso a la modernidad; y Edouard Manet, un precursor con su famoso “Le Déjeuner sur l’herbe” (1862).

La luz

Lo fundamental fue exhibir en la pintura los efectos de la luz en el entorno, además de las impresiones personales sobre lo que observaban a través de colores primarios (también llamado colores puros, ya que no había mezclas en la paleta).

La libertad académica significó el desapego de las normas del riguroso neoclasisismo imperante en la Academia de Pintura, que también provenía del plein air, pintar los paisajes al aire libre.

Cierto, no fueron los primeros que se valieron del plenairismo, pero con la Escuela de Barbizón, los impresionistas generalizaron esa mirada y abandonaron la luz artificial (este proceso fue favorecido por la comercialización del óleo en envases de tubo en 1870 y el invento de caballetes portátitles).

En La Grenouillère, que era una especie de balneario público con su restaurante ubicado en el río Sena, Monet y Renoir competían por cuán rápido era cada uno para retratar la impresión de la situación.

Allí se puede apreciar la pincelada impresionista, a modo de tache o parche de color, una pincelada amplia y uniformemente cargada, rápida, breve y gruesa aplicada sobre el lienzo.

No todos los impresionistas pintaban como Monet o Renoir. Pissarro prefirió paisajes o escenas rurales. Y Cézanne (la historia lo registró como posimpresionista) insinuaba ya lo que luego se denominará cubismo.

Contexto

El Museo de Orsay comenzó en estos días a celebrar el aniversario del impresionismo con una gran retrospectiva de 157 obras y un espectacular paseo por el París de 1874, que el visitante puede realizar con gafas de realidad virtual.

Hace 150 años, 15 días antes de la apertura del tradicional Salón de París, un grupo de “rebeldes” y de artistas afines deciden abrir su propia exposición en el número 35 del bulevar de las Capuchinas, a poca distancia de la Ópera, en el taller de un fotógrafo, Félix Nadar.

“El impresionismo nació tras la guerra franco-prusiana de 1870, durante la que varios pintores tuvieron que exiliarse y la insurrección de La Comuna en París y su posterior represión. Surgió en un contexto de crisis continua donde todo se ponía en cuestión, algo que llevó a este grupo de pintores a reformular el arte, a explorar nuevos enfoques y sobre todo a desafiar al formalismo académico”, señala Euronews. “Todo esto llevó a reformular el formalismo académico”, consigna.  

En la Argentina

Cuando el impresionismo se difundió se convirtió en un movimiento internacional, y por supuesto, llegó al país. Desde un punto de vista general, tuvo precursores, pero también fue antecedente de las grandes vanguardias modernas.

Al comenzar el siglo XX, Martín Malharro (1865-1911) introduce el impresionismo con una exposición realizada en 1902. Lo siguieron pintores como Faustino Brughetti (1877-1956), Walter de Navazio (1887-1919) y Ramón Silva (1890-1919).

Entre ellos también se encontraba el tucumano Alfredo Gramajo Gutiérrez: “en sus obras de la primera época el protagonista es el paisaje, de características impresionistas, pincelada suelta y empastes de materia, como los realizados en Catamarca y el Chaco”, caracteriza el crítico Ignacio Gutiérrez Zaldívar.