Fuente: Clarín ~ En un contexto de crisis para la cultura, con museos cerrados y presupuestos a la baja, un premio aparece como una oportunidad para aquellos artistas con obras en proceso: el Premio Artes Visuales Kenneth Kemble abrió su convocatoria hasta el 27 de junio, con un premio de hasta $800.000.
La cuarta edición del certamen, organizado por la Subsecretaría General de Cultura de San Isidro, es con inscripción gratuita, virtual y a nivel nacional, y está destinada al desarrollo de proyectos o conjunto de obras de arte contemporáneo. Los ganadores obtendrán premios en efectivo y tutorías profesionales.
“El concurso escapa a los cánones habituales al ser uno de los pocos del país que funciona como plataforma de becas, no premia obras terminadas o cerradas y acompaña la materialización de los proyectos ganadores a partir de una tutoría profesional que estimula el desarrollo de la producción poética, artística, reflexiva y crítica. Hay que recalcar, además, que tampoco es un Premio Adquisición, ya que el municipio no se queda con la obra resultante del mismo”, explicó Eleonora Jaureguiberry, subsecretaria general de Cultura de San Isidro.
En su cuarta edición, el certamen, que homenajea al destacado artista que vivió en Martínez y renovó el lenguaje artístico de nuestro país en los años ’50, abarca un amplio espectro de disciplinas, como intervenciones, pintura, fotografía, gráfica/grabado, dibujo, video, producciones digitales, nuevas tecnologías y objetos/escultura, performances y muchas otras.
Enfoque federal
Para mayores de 18 años y bajo la coordinación del artista visual, investigador y curador independiente Andrés Labaké, a cargo también de la tutoría profesional, el jurado de selección y premiación estará formado este año por la licenciada en Historia del Arte, investigadora, curadora independiente y directora del Museo Municipal Eduardo Sívori Teresa Riccardi, y los artistas visuales Miguel Harte y Rosalba Mirabella.
“Es clave que el concurso se mantenga y haya actualizado los montos de los premios, ya que los artistas, como muchos de los trabajadores del país, están atravesando una situación crítica. Un premio muy esperado por la comunidad artística que tiene el valor de acompañar teórica, poética y conceptualmente el desarrollo y la producción de proyectos”, dijo Labaké, quién destacó la presencia en el jurado de Mirabella, que nació, trabaja y vive en Tucumán, en una clara intención de la organización de enfocar también el interés en proyectos por fuera del tradicional y más visible circuito artístico del AMBA.
Respecto de los premios en dinero en efectivo, esta edición entregará un total de $800.000. El Gran Premio recibirá $400.000, el Premio Beca Joven (hasta 35 años) $200.000 y el Premio Beca Residente (para vecinos del municipio) $200.000, que serán entregados por etapas conforme al avance de los proyectos. Además se otorgarán de tres a seis Menciones Honoríficas.
Retrato de Kenneth Kemble en la exhibición Arte Destructivo. Galería Lirolay, 1961. Foto Jorge Roiger
La aplicación al concurso, cuyo reglamento se podrá consultar completo en cultura.sanisidro.gob.ar, deberá hacerse en el dirección electrónica premioartesvisuales@sanisidro.gov.ar, donde se adjuntarán datos personales, currículum, un texto conceptual del proyecto, una descripción técnica, material gráfico, cronograma y presupuesto estimativo de producción, entre otros datos necesarios y relevantes para la correcta inscripción.
El anuncio de los premios se concretará entre el 1 y el 3 de agosto, el desarrollo de las propuestas seleccionadas irá del 2 de agosto de 2021 al 28 de febrero de 2022, y el armado, montaje, realización in situ o presentación pública de las obras o proyectos se realizará desde el 15 de febrero de 2022, en fechas y lugares a coordinar con la subsecretaría.
“El Kenneth Kemble responde a una política de fomento y acompañamiento al desarrollo de la producción artística, como también ocurre con los premios municipales Mujica Láinez, en el campo de la literatura, y San Isidro Te Escucha, en el de la música. En los tres –concluyó Jaureguiberry–, asumimos con inmensa alegría el desafío de descubrir nuevos talentos para acompañarlos en su hacer, ofrecerles un ámbito de exhibición de sus obras y apoyarlos en la consolidación de sus carreras”.
Fuente: Clarín ~ Cabeza de un oso, uno de los ocho dibujos de Leonardo da Vinci que aún están en manos privadas será subastado el 8 de julio en la casa londinense Christie’s y se espera que se pague por éldiez millones de euros, o 12,17 millones de dólares. https://ab8298ca734b91f662193e0f25913fcd.safeframe.googlesyndication.com/safeframe/1-0-38/html/container.html
Muy lejos de aquel Salvator Mundi, el óleo del mismo autor que llegó a los 450 millones de dólares y cuya autenticidad hoy está en duda.
Esta vez se trata de la cabeza de un oso de 7 centímetros por 7, creada con una técnica que consiste en la utilización de una varilla de plata que se arrastra por la superficie creando el dibujo en una base de color rosa pálido que Da Vinci (1452-1519) aprendió de su maestro, Andrea del Verrocchio.
Con guantes. Cómo tratar «Cabeza de oso», de Da Vinci. Foto Reuters
Hasta ahora el récord en dibujos de Da Vinci es de 11 millones de dólares. Lo tiene Caballo y jinete, que estuvo expuesto en Buenos Aires.
«Después vender otro dibujo de Da Vinci, Caballo y jinete, en 2001, por 11 millones de dólares, que sigue siendo el récord mundial de un dibujo del artista, Christie’s se enorgullece en ofrecer otro trabajo del posiblemente mejor dibujante el mundo. Tengo todas las razones para creer que lograremos un nuevo récord en julio para Cabeza de un oso‘ uno de los últimos dibujos de Leonardo que se espera que salgan al mercado», explicó Stijn Alsteens, de esa casa de subastas y consignó el diario El País de España.
Este dibujo de Da Vinci perteneció a Thomas Lawrence (1769-1830), un pintor británico cuya colección de dibujos de antiguos maestros se consideraba una de las más grandes del mundo y cuando falleció, Cabeza de un oso pasó a su acreedor principal, Samuel Woodburn, quien lo vendió a Christie’s en 1860 por 2,50 libras (hoy, 3,5 dólares).
«Caballo y jinete». El dibujo que se exhibió en Buenos Aires y se vendió en 11 millones de dólares. Foto AFP
Más tarde, la obra pasó a ser propiedad del coleccionista británico Norman Robert Colville y desde su primera exposición pública en 1937, también se expuso en museos de Londres, Milán, Abu Dhabi o Moscú.
Cabeza de un oso estará en exhibición pública en Christie’s en el Rockefeller Center de Nueva York a partir del sábado 8 de mayo y luego llegará al Christie’s de Hong Kong del 20 al 25 de mayo.
Su recorrido seguirá por Londres, donde se podrá ver del 1 al 6 de junio antes de la venta, prevista para el 8 de julio.
El dibujo que pasó por Buenos Aires
El dibujo del record de Leonardo Da Vinci, Caballo y jinete llegó a Buenos Aires en la valija de un pasajero, en abril de 2001. Medía 12 centímetros por 7,8. Leonardo lo hizo como estudio para una obra mayor: La adoración de los magos.
Esa obra había sido uno de los primeros encargos que recibió Da Vinci, cuando no había cumplido 30 años.
Se lo exhibió la Asociación Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes durante dos días Se lo habían ofrecido a la entonces presidenta de la Asociación, Nelly Arrieta de Blaquier, quien creyó que la oferta no era para mostrarlo sino para que lo comprara. «¡Yo no compro dibujos!», contó ella entonces.
Fuente: Buenos Aires Ciudad ~ A través de museos y espacios culturales de la ciudad, el Ministerio de Cultura presenta una amplia oferta de cursos y talleres de arte para indagar en nuevas disciplinas y explorar nuevas facetas.
Además, como parte del acompañamiento al sector, una amplia oferta de capacitaciones profesionales y mentoreos, destinados a estudiantes avanzados y egresados de carreras de artes escénicas y carreras de música, junto a programas especialmente destinados para hacedores culturales, con herramientas para desarrollar proyectos culturales independientes en el entorno digital. La modalidad es online y gratuita.
Conoce las propuestas
Talleres de Arte
Seminario Permanente De Arte Argentino | Museo Moderno Se encuentra abierta la inscripción del Seminario Permanente de Arte Argentino -ciclo de cursos que exploran la colección y las exposiciones del museo- que tendrá lugar por tercer año consecutivo. La edición 2021 se realizará en siete módulos, entre los meses de mayo y diciembre, con modalidad virtual e inscripción previa y gratuita en museomoderno.org. Es un programa público desarrollado por el equipo educativo del Museo de Arte Moderno, dependiente del Ministerio de Cultura de la Ciudad, dirigido a todo público, diseñado a partir de las temáticas y debates presentes en las exposiciones y el patrimonio de la institución. Se desarrolla en forma de seminarios dictados por artistas y pensadores referentes de la escena local. MAYO: Módulo 1. Sobre lo nuevo. Escenas del arte en la Argentina de los años sesenta. Por Silvia Dolinko. Miércoles 12, 19 y 26 de mayo, miércoles 2 de junio. De 18 a 19.30h.
Líneas Musicales | Museo Moderno Taller para explorar la relación entre la música y el dibujo. A partir de objetos cotidianos e inspirados en canciones populares, proponemos generar diversos sonidos que encontrarán múltiples formas en nuestros dibujos. A cargo de Willy Fishman Sábado 15 de mayo de 11:00 a 13:00 Modalidad virtual por plataforma Zoom Actividad gratuita con inscripción previa en museomoderno.org. Orientado al público general.
Paisajes Del Futuro | Museo Moderno Taller para conocer la técnica del collage manual y explorar sus posibilidades creativas y poéticas. A cargo de Ignacio Rivas Sábado 22 de mayo de 11:00 a 13:00 Modalidad virtual por plataforma Zoom Actividad gratuita con inscripción previa en museomoderno.org. Orientado a jóvenes y adult
Ciclo Cursos Red Wifi: Aprendé con Museos BA
El ciclo de cursos con los Museos BA como anfitriones aborda temas como las lecturas de novelas clásicas narrativas, los procesos creativos del arte contemporáneo y la creatividad en la publicidad argentina, entre otros. Cada clase es independiente entre sí y sus contenidos son elaborados y dictados por profesionales de cada museo.
El lunes 10 de mayo a las 17, a través de la plataforma Meet, se realizará el segundo encuentro de En el Blanco: El poder de la imagen en el arte hispanoamericano a cargo de Florencia Fullana del Museo de Arte Hispanomericano Isaac Fernández Blanco. Se trabajará con fuentes de la época y bibliografía específica para dialogar en torno al arte hispanoamericano, que si bien estuvo inspirado en fuentes iconográficas y estilos de origen europeo, hoy es considerado un arte original, con rasgos propios y absolutamente distintivo del continente americano. El curso que consiste en cuatro encuentros todos los lunes a las 17, partirá del análisis formal, técnico, iconográfico y sociohistórico de algunas de las obras que forman parte del patrimonio del Museo.
El martes 11 de mayo a las 17.30, a través de la plataforma Zoom, se llevará a cabo el Encuentro literario: claves para disfrutar de la lectura y entender sus técnicas a cargo del profesor Pablo Gaiano del Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco, donde se abordarán las novelas clásicas con Museos BA: esta clase te trae claves y herramientas de lectura de cuentos y novelas, para comprender su técnica, analizar sus textos y reflexionar en espacios de debate. Los encuentros serán quincenales, los martes a las 17.30 hasta el 29 de junio de 2021.
El viernes 14 de mayo a las 17, a través de la plataforma Meet, se llevará a cabo la charla Apuntes para pensar la mirada a cargo de la profesora Mariana Sapriza Morán del Museo del Cine Pablo C. Ducrós Hicken. El encuentro propone presentar distintas reflexiones que permitan detenerse a pensar en el acto de ver. La propuesta es considerar el mirar como una acción condicionada por nuestro contexto, nuestra sensibilidad y nuestras ganas de buscar nuevas imágenes. Se compartirán trabajos fotográficos, cinematográficos e ideas de distintos pensadores que acompañarán el recorrido.
Por último, el mismo viernes 14 de mayo a las 18, a través de la plataforma Meet, se llevará a cabo el último encuentro de Las locuras de los Mad Men argentos a cargo del profesor Raúl Manrupe, investigador Museo del Cine Pablo C. Ducrós Hicken. Este curso propone un viaje a los secretos de la creatividad publicitaria argentina, cuando había solo cuatro canales de televisión y el público que iba al cine disfrutaba con ver las propagandas en color. Además, durante el encuentro, se compartirán proyecciones de material publicitario histórico rescatado por el Museo del Cine.
Una amplia oferta de talleres y cursos de modalidad online. Cada docente decide la plataforma de conexión. Historias del arte, teatro, dibujo, música, narrativa, fotografía.
Capacitaciones profesionales, Seminarios Y Convocatorias
Música académica argentina La Dirección General de Enseñanza Artística abre la inscripción para participar de la segunda edición del curso «Música académica argentina: transcripciones y ediciones críticas para interpretación y estudio». Esta propuesta se enmarca en el Centro de Capacitación Artística y Profesional (CeCAP), cuyo fin es el de promover y desarrollar propuestas de formación y perfeccionamiento artístico profesional de excelencia, en colaboración con el Instituto de Investigación en Etnomusicología (IIET). Destinado especialmente a estudiantes avanzados o egresados de los conservatorios de la Ciudad, conservatorios y universidades nacionales e internacionales de las carreras de composición o dirección orquestal, como así también a quienes tengan comprobables estudios y/o experiencia en las carreras mencionadas. La modalidad será 100% virtual. Habrá ocho clases semanales vía videoconferencia de aproximadamente 3 horas cada una. Quienes completen el curso recibirán un certificado firmado por los docentes y la dirección del IIET. Los interesados de habla inglesa tendrán la posibilidad de realizar el curso y se les ofrecerá complementariamente clases virtuales especiales, en horario a convenir, donde se los introducirá a la historia de la música argentina y al proceso de transcripción y edición de la misma.
Inicio de cursada: Viernes 4 de junio (horario a definir) Inscripciones hasta el 28/05. Consultas : infodgeart@buenosaires.gob.ar Más información en el siguiente link.
Laboratorio transdisciplinario de creación | Dirección General de Enseñanza Artística Pensado para estudiantes avanzados y egresados de carreras de artes escénicas y carreras de música, esta propuesta del Centro de Capacitación Artística y Profesional (CeCap) – cuyo fin es el de promover y desarrollar propuestas de formación y perfeccionamiento artístico profesional de excelencia-, tiene como objetivo incentivar el cruce de disciplinas y concebir proyectos que pongan en crisis los formatos tradicionales de materialización de obra. Los que estén interesados en participar podrán encontrar la información para realizar la inscripción en este link, a través de la Dirección General de Enseñanza Artística (DGEART). La recepción se postulaciones se extiende hasta el 17/05.
Nuevos módulos de danza y del área editorial | Impulso Digital Impulso Digital, el programa de profesionalización de hacedores culturales, brinda una caja de herramientas para desarrollar proyectos culturales en el entorno digital. Y se suman nuevos módulos de Danza y del área Editorial.
“Festivales literarios en la era digital (y contexto de pandemia)” Por Amalia Sanz, Larisa Chausovsky, María Luján Picabea y Victoria Rodríguez Lacrouts.
“Nuevas formas de comunicación en el mundo del libro. Estrategias para una gestión de prensa inteligente”. Por Sebastián Lidijover.
“Cómo leer (y entender) el mercado del libro en la era digital”. Por Antonio Santa Ana.
“Nuevos canales para la recomendación de libros. Influencers, bookstagrammers y tiktokeros”. Por Maru Drozd
“Gestión y curaduría para cuerpos, espacios y contextos liminales” Por Jimena García Blaya
“Herramientas para gestionar, crear y enseñar desde la Danza en contexto de pandemia” Por Julieta Rodríguez Grumberg
“El arte es cualquiera: prácticas para labrar un mundo”. Por Marina Quesada.
“La virtualidad en ACCIÓN”. Por Melina Seldes.
“Tecnologías multimediales interactivas para las artes escénicas. Software Isadora”. Por Maximiliano Wille.
La inscripción es gratuita y está abierta a hacedores de todo el país. La cursada de los módulos tiene una modalidad asincrónica, y puede realizarse en cualquier momento y lugar, accediendo a la plataforma del programa. ¿Cómo inscribirse? Una vez generado el usuario, se dará acceso a los módulos a través de un correo electrónico. Además, en la plataforma se encontrarán disponibles todos los módulos anteriores de Impulso Digital, el programa transversal sobre proyectos en el entorno digital y aquellos específicos del mundo editorial, audiovisual, editorial, las artes escénicas y visuales, junto con una importante sección sobre pitcheo de proyectos, y derechos autorales.
Más información sobre Impulso Digital en este link. Más información sobre los módulos del área editorial en este link.
Capacitaciones virtuales dirigidas a profesionales del sector audiovisual: “Programa Superior De Gestión Y Negocios Audiovisuales” En el marco del Programa BA Audiovisual de la plataforma Impulso Cultural, las capacitaciones virtuales gratuitas dirigidas a profesionales del sector son brindadas por destacados especialistas y referentes del área, que colaboran con el abordaje de distintas temáticas vinculadas a lo audiovisual. Se requiere inscripción previa. Modalidad: Virtual a través de Plataforma Zoom Pro. Las inscripciones para cursar en junio estarán abiertas del 03 al 23 de mayo. Se desarrollan de manera virtual y sincrónica: se realizarán en un día y horario específico.
Publicidad – Comunicación y creatividad publicitaria.
Nuevos Negocios – Organización estratégica y nuevos negocios focalizados en productos audiovisuales.
Más información sobre las capacitaciones de BA Audiovisual en este link.
Convocatoria al certamen de croquis y bocetos escultóricos por la “Semana de mayo” | Museos BA Museos BA anuncia la convocatoria desde el lunes 10 de mayo al certamen de croquis y bocetos escultóricos en el Museo de Esculturas Luis Perlotti, con la temática de la “Semana de Mayo”, dirigida a personas mayores de 18 años, quienes deberán compartir imágenes de sus creaciones inéditas. Las obras enviadas, una sola obra por artista, deberán respetar las consignas de temática y técnica. Las piezas seleccionadas participarán de manera virtual en una muestra con visualización en la página web del Museo. La recepción de las imágenes será hasta el jueves 20 de mayo, a través del formulario subido en el Sitio web del Museo. Bases y condiciones.
Seminario “En ronda”: apoyo a los artistas del sector infantil Esta iniciativa del Ministerio de Cultura en apoyo a la comunidad artística del sector infantil se llevará a cabo durante mayo y junio de 2021. El seminario “En ronda”, contará con el acompañamiento personalizado de especialistas, de artistas y de conocedores de las preferencias y necesidades de los padres y madres. Durante el ciclo se compartirán herramientas para la efectiva comunicación y búsqueda de canales de comercialización de proyectos culturales para las infancias, recomendaciones sobre el uso de la tecnología como aliada de las propuestas, e intercambio de experiencias culturales y saberes de artistas para los mismos artistas. Los encuentros se realizarán a través de la plataforma Zoom una vez por semana desde el 12/05 hasta el 02/06. En cada uno de ellos se desarrollará un tema diferente y los interesados pueden anotarse a los que deseen. Las capacitaciones serán moderadas por Alejandra Campomar de @buenosairespaeachicos.
El primer encuentro abordará experiencias culturales novedosas para la niñez en contexto pandemia, y tiene como objetivo conocer en voz de los creadores y productores, sus experiencias de trabajo con infancias en un contexto de pandemia (FestiKids – musica, Zoompamento – recreacion y EntreActo – teatro).
Luego, en encuentro de managers para artistas infantiles, se buscará acompañar a artistas infantiles en el proceso de creación, difusión y comercialización de sus productos, a cargo de Germán “Peke” Fernández Nandín y Valeria Donati.
El tercer espacio ofrecerá Estrategias para difundir y comunicar tu proyecto infantil en redes, donde se compartirán herramientas para armar una estrategia de comunicación y difusión exitosa basada en la identidad propia y en la construcción del mensaje a cargo de Karina Gao y Alejandra Campomar.
El cuarto, Encuentro-taller: procesos en la creación y composición de canciones para la niñez, propone un nuevo espacio de aprendizajes para artistas y entre artistas. Esta vez, con un taller junto a Ruth Hillar y Daniela Ranallo de Canticuénticos, el grupo musical santafesino para niños y grandes que ya es un clásico de la infancia.
La inscripción es gratuita y ya se encuentra abierta, los interesados pueden anotarse en el siguiente link.
Fuente: Clarín ~ El premio de artes visuales Kenneth Kemble, organizado por el Municipio de San Isidro, fue reformulado por completo para desarrollarse este año íntegramente en el entorno virtual. Así, tres artistas tendrán la posiblidad de acceder al financiamiento y mentoreo para encarar nuevos proyectos creativos. Todos los artistas, jóvenes, consagrados, sanisidrenses y de otras regiones tienen la posibilidad de participar.
«Cuando este premio surgió, hace 5 años, todos los que existían eran para obras terminadas. En este caso, lo que se busca es brindar apoyo a un artista que quiere experimentar nuevas ideas y necesitan respaldo para tomar riesgos», explicó Eleonora Jaureguiberry, subsecretaria de Cultura de la Municipalidad de San Isidro.
Con este formato, en sus ediciones anteriores, el premio ayudó a fomentar la creatividad, la experimentación y la innovación en las diferentes categorías. En 2020, por la pandemia, el certamen estuvo suspendido y ahora se rearmó en un formato que permite que todo el trabajo se desarrolle en el ámbito de la virtualidad.
La convocatoria está abierta a todos los artistas y colectivos de artistas mayores de 18 años que tengan obras anteriores y que deseen desarrollar una idea artística nueva. Finalmente se elegirán tres proyectos, que recibirán becas de apoyo financiero y el acompañamiento profesional para el desarrollo, que estará a cargo del reconocido artista Andrés Labaké, como mentor de los proyectos, mediante encuentros presenciales o por videollamadas.
Los premios están organizados en tres categorías. El premio principal es de $ 400 mil, e incluye a todos los postulantes. La segunda categoría busca fomentar la producción artística de jóvenes, por eso el límite es de hasta 35 años. Y en tercer lugar, premiarán a un artista residente en San Isidro.
«Todos pueden presentarse, residan o no en San Isidro, y luego se los evaluará de acuerdo a los requisitos para cada categoría. La idea es que sea lo más incluso posible para que todos quienes deseen participar tengan la oportunidad», agregó Jaureguiberry. Según la funcionaria, para muchos artistas que recién están comenzando, el propio proceso de armar su proyecto y presentarlo según las bases del concurso ya representa un enorme aprendizaje. «En años anteriores, todos los seleccionados en este premio lograron abrir muchas puertas y lograr que su obra sea más conocida», remarca.
Las bases están publicadas en la página web del municipio, y dado que los requisitos para presentarse son extensos, aconsejan comenzar el proceso con tiempo.
Una vez seleccionados los premiados, las propuestas serán desarrolladas entre el 2 de agosto de 2021 y el 28 de febrero de 2022, como fecha máxima. Según la situación con respecto a la pandemia de Coronavirus, el plan es que las obras sean exhibidas en el espacio que disponga el Municipio de San Isidro, ya sea en forma presencial o virtual.
El jurado encargado de evaluar las propuestas está integrado por reconocidos artistas, curadores y funcionarios: Teresa Riccardi, directora del Museo Municipal Eduardo Sívori; los artistas Miguel Harte y Rosalba Mirabella, y coordinados por el artista y curador Andrés Labaké.
Pueden presentarse proyectos, obras (o conjunto de obras) con distintas variables materiales, espaciales y conceptuales; piezas bidimensionales, tridimensionales, incluyendo intervenciones o instalaciones en espacio público y/o en interiores, pintura, fotografía, gráfica/grabado, dibujo, video, producciones digitales, nuevas tecnologías, objetos/escultura, acciones, performances, sonido, piezas efímeras sobre las que quede un registro audiovisual, entre otras. Los proyectos se pueden presentar desde esta semana, hasta el 27 de junio.
Fuente: Universdad Nacional de Córdoba ~ El miércoles 26 de mayo, a partir de las 18 h. se realizará la charla “Arte y Cultura en/entre las plataformas» organizada por Cultura de Extensión UNC, el Centro de Producción e Investigación en Artes (Cepia, FA – UNC) y la Maestría en Tecnología, Políticas y Culturas (CEA, FA, FFyH – UNC).
Participan:
Beatriz Busaniche: «Gratis, seudo-gratis y libre: modelos de distribución y condiciones de circulación de bienes culturales en plataformas digitales»
Agustín Berti: «Las plataformas de la cultura: Desafíos de las mediaciones técnicas en el acceso a producciones artísticas»
Modera: Lila Pagola
La actividad es gratuita y se entregan certificados de asistencia.
Las personas interesadas en participar deben completar el formulario de inscripción: click aquí Luego recibirán por correo electrónico el enlace a la sala de google Meet.
La conversación se enmarca en el programa de reflexión sobre “Arte y plataformas digitales” que tiene como objetivo brindar un espacio de capacitación y reflexión sobre las características y el funcionamiento de las plataformas digitales como soporte para la difusión de las obras de arte, además de propiciar un ámbito de debate sobre los impactos, potencialidades, riesgos y limitaciones que plantean las plataformas digitales en relación a las obras artísticas.
Propuesta de actividades
Conferencias virtuales y/o presenciales de carácter general y específico, abordando los tópicos principales en relación al tema.
Destinatarios
Profesionales del arte del ámbito local y regional de todas las disciplinas.
Asociaciones profesionales, gremiales o colectivas de cada disciplina.
Estudiantes, egresadas/os y profesores de arte.
Galeristas, gestores culturales, productores, responsables de espacios institucionales y comerciales, etc.
Interesados en la temática
Comisión organizadora de actividades: Lila Pagola, Rocío Juncos, Agustín Berti, Pedro Sorrentino
Fuente: Buenos Aires ~ Desde el jueves 13 de mayo al ciclo Camino al Centenario, una serie de conversatorios virtuales, con historiadores y especialistas sobre las colecciones del Museo Histórico de Buenos Aires Cornelio de Saavedra en el año de su centenario. Será emitido por el canal de Youtube de Museos BA, los segundos y cuartos jueves de mayo a noviembre.
El centenario del Museo Histórico de Buenos Aires Cornelio de Saavedra propone reflexionar sobre temáticas de la historia de la ciudad y la historia argentina. El ciclo de conversatorios virtuales Camino al centenario presentará a historiadores y especialistas que recorrerán las piezas más destacadas de los más de veintiséis mil objetos de todo tipo y soportes que dan cuenta de la vida cotidiana, social, política y económica de la Ciudad.
El primer museo de la ciudad fue fundado en 1921, su patrimonio se inició con las colecciones de Ricardo Zemborain, que por voluntad testamentaria había legado sus colecciones artísticas e históricas a la entonces Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires. Entre las piezas más importantes se encuentra una de las principales colecciones sobre el gobierno de Juan Manuel de Rosas, platería colonial, óleos, objetos cotidianos, documentos, numismática, mobiliario, arte decorativo desde el período virreinal hasta el XIX.
Entre las propuestas de estas charlas quincenales se encuentran conversatorios sobre: la importancia de la colección Zemborain, la guerra de la Triple Alianza, las vistas de Buenos Aires desde el río, una lectura de las cartas de Manuelita Rosas con perspectiva de género, el patrimonio portuario, la epidemia de fiebre amarilla, la gastronomía en la época colonial y historia del fútbol de la ciudad, entre otros.
El ciclo comenzará el jueves 13 de mayo a las 19 con la charla Rivadavia y el diseño urbano un conversatorio entre Fernando Aliata, arquitecto (UNLP) y doctor en historia (UBA), y Raúl Piccioni, arquitecto y curador del museo. El mismo girará en torno a la personalidad de Rivadavia y su particular interés por el diseño urbano como un soporte importantísimo de su plan de reformas políticas y sociales. En ese sentido se abordará sus intentos de organización urbana, su labor normativa y sus propuestas de zonificación, así como sus ideas para la organización espacial de la campaña.
El jueves 27 de mayo a las 19, se realizará la charla Las cartas de Manuelita desde una perspectiva de género donde participará Lidia González, profesora de Historia (UBA) y coordinadora de Investigaciones del Instituto Histórico de la Ciudad de Buenos Aires, junto a Daniel Paredes, coordinador del área Investigaciones de la Dirección General de Patrimonio, Museos y Casco Histórico. En 1864 la familia Rosas ya hacía 12 años que estaban radicados en Inglaterra. Juan Manuel, en una granja ubicada en Southampton y Manuela, junto a su esposo y a sus dos hijos, en Londres. Desde allí mantiene un intercambio epistolar con su amiga Petronila Vilegas de Cordero. Se analizará el contenido de once de esas cartas, escritas entre 1864 y 1884, allí las amigas comentan sus asuntos domésticos, su pesadumbre por el paso del tiempo y Manuelita admite, como un rasgo de mujer política, que “jamás escribo lo que no debe verse”.
El jueves 10 de junio a las 19, se realizará la charla La transformación urbana de Buenos Aires en 1880-1890 entre Enrique Robira, Doctor en Historia (Universidad del Salvador), y José María González Losada, Master en Ciencias Sociales con Mención en Historia Social (Universidad Nacional de Luján). En 1880 la ciudad de Buenos Aires es declarada capital definitiva de la República. Partiendo de este nuevo hecho jurídico se analizarán los proyectos y problemas urbanos que se planteaban entonces en distintas áreas de la ciudad. Y los nuevos lugares simbólicos que surgen.
El jueves 24 de junio a las 19, se realizará la charla Los museos, el vínculo con la comunidad y la pandemia entre Lidia Colimodio Coordinadora del Centro Cultural Barrial Lola Mora que pertenece al Programa Cultural en Barrios de la Dirección de Promoción Cultural del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires y Marcela Lenarduzzi Coordinadora del área de Extensión Educativa y Cultural del Museo. Abordarán la construcción de un espacio alternativo en la experiencia de visita al museo, a través de la virtualidad que permitió componer un diálogo diferente con la comunidad, sortear los límites que nos fijaba la presencialidad. Se analizarán los encuentros virtuales del taller “La hora del té” perteneciente al Centro Cultural Lola Mora con el Museo.
Fuente: La Capital ~ “Para contener el peligro de la subversión, el arte fue encerrado en una especie de corralito de juegos de la sociedad. Mientras aceptemos permanecer encerrados en él y vivir la ilusión de ser libres sin serlo, estamos desmereciendo nuestro potencial como artistas a favor del servilismo. Si la educación se fusionara dentro del arte quizás lograríamos una libertad verdadera”.
Con esas palabras, el teórico y artista visual Luis Camnitzer cerró una conferencia en la que vinculó pedagogía y arte, uno de los principales intereses que tiene su obra.
Desde enero último, una de sus obras está expuesta en el Museo de Arte Contemporáneo MAR. Consiste solo en una frase que aparece escrita en una de las paredes externas del edificio: “El museo es una escuela. El artista aprende a comunicarse. El público aprende a hacer conexiones”.
“El arte permite incorporar lo imposible y el desorden”
Aunque por el momento el Museo se encuentra cerrado, las personas interesadas pueden acercarse hasta la plaza seca del MAR yescanear el código QR que se encuentra en la obra, dentro de la propuesta #MuseoMAR24H.
El código direcciona hacia materiales digitales que exploran en el sentido de esta pieza, del pensamiento y de la biografía del artista, que nació en Alemania, se crió en Uruguay y desde 1964 reside en Estados Unidos.
“De Alemania me fui cuando tenía un año y cuando voy es por alguna exposición o como turista. Al Uruguay, desde que se acabó la dictadura, voy todas la veces que puedo y estoy en proyectos allí, particularmente con el Centro de Fotografía”, contó.
Entrevistado por LA CAPITAL, el artista dijo que “una de las ventajas de ser viejo” es el haber sido inoculado con las dos dosis de la vacuna contra el Covid-19.
En el reportaje relacionó arte, conocimiento, nuevas tecnologías y pandemia. Y se volvió a mostrar crítico del rol que tienen los museos en la actualidad: ser espacios solo para la contemplación y no para permitir que la inventiva logre transformar el espíritu del público.
-La obra que presenta en Mar del Plata es “El museo es una escuela. El artista aprende a comunicarse. El público aprende a hacer conexiones”. ¿Qué variaciones sufre esta idea en un momento histórico como el actual, con una pandemia que provocó el cierre de escuelas y museos, dependiendo del riesgo sanitario de lugar?
-En realidad no mucho. En momentos en que los museos no pueden mostrar sus posesiones, es justamente la parte educacional la que puede justificar su existencia. Fue un choque cuando el Museo de Arte Moderno de NuevaYork despidió a los educadores para ahorrar dinero. Esa era la oportunidad de afirmar al departamento de educación y darle prominencia. Hoy es cuando los educadores debieran estar rediseñando las instituciones para cumplir con su verdadero propósito. Si la gente no puede dejar sus casas para ir a los museos, los museos van a las casas por medio de las pantallas de las computadoras. Por el momento están usando el medio para mantener una semblanza de normalidad erosionada, esperando que se vuelva a la normalidad total. Sin embargo, ese “ir a las casas” implica una responsabilidad pedagógica aun mayor que la ida al museo para la experiencia presencial y obliga a reconsiderar la relación público-obra para ver en qué medida todavía tiene sentido la contemplación tradicional. Hoy, diría, se debería tratar de independizar al público hacia su propia creatividad en lugar de afirmarlo como consumidor de lo ya creado.
-Usted defiende la idea de que el arte es una forma de pensar, pues bien, ¿qué viene a proponer el arte con su sistema de pensamiento en este momento atípico del planeta? ¿Viene a proponer algo más que un salto hacia la creatividad, hacia la imaginación?
-El conocimiento tal como se maneja en la enseñanza y la vida cotidiana está cada vez más limitado a lo racional, lo explicable y la aplicación práctica. Las universidades están reduciendo cada vez más las materias especulativas en favor de las disciplinas duras, y las artes son catalogadas como industria cultural económicamente productiva, como ejemplifica la política reaccionaria neoliberal de la “economía naranja”. La política del STEM (la sigla inglesa de Ciencia, Tecnología, Ingeniería y Matemáticas) favorece la creatividad como ingenio, y lentamente el enfrentamiento con lo desconocido (racional e irracional) queda disminuido o desaparece. El ingenio es solamente una reorganización de lo conocido para aumentar su instrumentalización y por lo tanto se refiere a un conocimiento parcializado que ignora lo poético. El arte como metadisciplina del conocimiento (que es distinto al arte como producción) permite imaginar sin límites e incorporar lo imposible y el desorden, para luego negociar con la realidad y ver donde y porqué hay que hacer concesiones. Es por lo tanto una forma de conocer que incluye la conciencia política, porque al identificar los obstáculos también se identifican los intereses a los que estos sirven y cómo opera la distribución del poder. Al enfocar puramente en lo aplicable descontextualizamos el conocimiento y permitimos su fragmentación sin poder criticarla. Es así como van desapareciendo cosas, no solamente la imaginación sino también la ética. Hoy tenemos el orgullo en la tecnología que creó la vacuna, y la falta de percepción de la ausencia ética que gobierna su distribución. Perdimos la habilidad de ver las configuraciones completas. Pero es un problema general que nos viene acompañado hace tiempo, probablemente desde que se decidió que el tiempo es oro y por lo tanto comerciabilizable.
-¿Le parece que las nuevas tecnologías constituyen aliadas de esa idea rectora: que el arte necesita dejar de ser propiedad de las elites? ¿o por el contrario, esos son sitios para el mero entretenimiento?
-Creo que depende de cómo los usemos, y obviamente el uso está yendo en ambas direcciones. Desde el punto de vista creativo me interesan los memes porque son un vehículo anónimo y colectivo, con una competitividad muy reducida. Todavía no se han desarrollado para generar significados como lo hace o puede hacer el arte más tradicional, pero no veo por qué no pueden llegar a ese nivel. Por otro tenemos los medios utilizados como afirmación del ego. Francamente no me interesa enterarme que alguien se quemó la boca esta mañana al tomar café demasiado caliente. En cierto modo ese egocentrismo, sin embargo, termina anonimizándose en la banalidad. Sí, pienso que en última instancia los medios sociales pueden ir construyendo una voz colectiva positiva, pero es un proceso que tiene que ser acompañado por un buen sistema de educación holístico que ayude a madurar a la gente en lugar de meramente entrenar para un empleo.
-¿Todas sus ideas sobre la necesidad de que pedagogía y arte vayan de la mano fueron tomadas por escuelas y museos?
-No las tomo como “mis ideas”, en todo caso soy un vocero más de posiciones que se fueron desarrollando hace más de dos siglos y que no logran ser escuchadas por el consenso popular. Quizás por ser artista estoy dándole más énfasis a las experiencias que tengo profesionalmente de lo que hicieron o hacen otros colegas. Es interesante que las pedagogía progresistas siguen encerradas en escuelas privadas elitistas y no pasan a reformar el sistema educativo público general. Y esto no es debido a los maestros, que generalmente son progresistas, sino a la estructura general que impide las aperturas, que no son percibidas como de utilidad práctica y en donde lo práctico se define como utilidad nacional o de servicio a una sociedad clasista.
-¿Cómo ve un artista como usted esta pandemia que parece no dar tregua, sobre todo a los países periféricos?
-Creo que uno de los peligros de la pandemia y el confinamiento es que el arte revierta a la autoterapia y pierda su función de construcción social. Allí es donde el mundo virtual puede ayudar. Pero hay que recordar que el acceso al internet solamente lo tiene la mitad de la población mundial, y dentro de eso la mayoría lo hace por teléfono. El acceso a las computadoras es un signo de privilegio, como también lo es la producción y acceso al arte. Me temo que la pandemia va a continuar la estratificación social y que como artistas productores no podemos hacer mucho, salvo por un lado hacer algún tipo de obra que nos ayude a mantener la salud mental y ser conscientes de que es eso para lo que está sirviendo, y por otro ver cómo podemos compartir seriamente nuestros procesos creativos para empoderar a los demás. La “normalidad”, que ya de por sí era embromada, dejó de existir, o si vuelve lo hará de a ratitos. Estamos entrando en un mundo nuevo para el cual tenemos que adoptar y afirmar pedagogías apropiadas que nos ayuden a manejar y manipular, no solamente “cosas”, sino también los espacios que existen entre las cosas. Es allí donde tenemos que el arte y la educación se integran en una actividad común. Pero me temo que la solución no llegará en nuestra generación y que lo único que podemos hacer es tratar de no poner a psicópatas en los gobiernos y de asegurar que puedan existir otras generaciones. La tendencia del momento parece ser pensar exclusivamente en que hay que hacer mucho dinero rápidamente ya que el mundo se está por acabar.
Fuente: La Mañana ~ El monumento al ex presidente Raúl Alfonsín en Plaza Alsina, tantas veces vandalizado, fue noticia hoy cuando algunos ciudadanos vieron que estaban trabajando en el lugar algunos empleados municipales y salió a circular un audio en el que decía “los empleados municipales lo están pintando con la misma pintura que le pusieron a los bancos de la plaza”.
Corrido el rumor, y ante la sensibilidad de los radicales ante cada ataque que ha sufrido el monumento que realizara Héctor “Cacho” Peret, el concejal del bloque Unión Cívica Radical, José Gabriel Erreca, publicó en sus redes su preocupación por lo que se presumía era un nuevo ataque vandálico al monumento que recuerda al padre de la democracia, uno de los pocos que hay en el país y al que, para su inauguración, asistió Ricardo Alfonsín, hijo de Raúl.
Ya entrada la tarde, tratando de averiguar qué podría haber pasado con el monumento (recordar que a pedido del Comité UCR y de los concejales el municipio instaló cámaras en el lugar), llegó un llamado de Arturo Martín, a cargo de la Dirección de Paisajes y Paseos Públicos del municipio aclaró las cosas.
Dijo Arturo: “Hoy estuvimos hidrolavando el monumento de Alfonsín, lavamos las paredes, el objetivo es tapar todas las inscripciones que tiene para recuperarlo y me encuentro con que el concejal José Gabriel Erreca publicó que habría sido un acto de vandalismo”.
Martín aclaró que “le tapamos con blanco todas las inscripciones que tenía el monumento para que una vez que le demos la primera mano de pintura ya eso queda tapado. Lo vamos a pintar, probamos si las inscripciones que tenía salían con alcohol o con aguarrás, y como no lo conseguimos decidimos pintarlo para restaurarlo todo. El trabajo de hoy fue hidrolavar todo el monumento y lo que lo rodea, el piso, la pared lateral y demás”.
Antes de terminar su alocución Arturo dijo que “me pude comunicar con el concejal Erreca para aclarar el malentendido, le expliqué que el fin con el que estamos trabajando es para restaurar el monumento”.
Aclarada la confusión, seguramente mañana continúen los trabajos en el monumento a San Martín y aledaños, ya que en las plazas céntricas se vienen haciendo trabajos de pintura en bancos y farolas desde hace unos días, también por iniciativa de Arturo Martín.
Fuente: Noticias NQN ~ El museo de Añelo abre sus puertas virtualmente: El Museo del Desierto Patagónico de Añelo generó una plataforma Web para que la sociedad pueda visitarlo virtualmente. El museo 360 permite interactuar con la historia, la geología y la paleontología de la región. La Universidad Nacional del Comahue y la Municipalidad de #Añelo, a fines de 2018, firmaron un convenio para la puesta en marcha de un nuevo museo. Desde entonces se comenzó a trabajar con el grupo de paleontólogos del Museo de Ciencias Naturales de la Unco, en el desarrollo de reglamentos, curaduría de colecciones, exploraciones en áreas aledañas, excavaciones, trabajos de investigación, diseño y remodelación del edificio y fachada, armado de exhibiciones y proyectos educativos, culturales y turísticos. Para llevar adelante la creación del nuevo museo denominado Museo del Desierto Patagónico de Añelo (MDPA), se ha obtenido la colaboración de Pan American Energy, TOTAL e YPF que conforman el consorcio Aguada Pichana Oeste, además del Consejo Federal de Inversiones (CFI). Si bien los tiempos de pandemia han demorado la apertura al público de este museo, el equipo de investigadores de la Universidad del Comahue, generó un proyecto de museo virtual para que toda la sociedad y el mundo pueda visitar digitalmente al MDPA desde una computadora, tablet´s o un simple teléfono. Este museo permite un recorrido por diferentes salas donde uno de los principales atractivos es uno de los dinosaurios carnívoros colectados en la región. Este Museo, que depende de la Secretaría de Cultura y Turismo de Añelo que dirige Luciana Guzmán, pretende finalizar las obras faltantes en el corto plazo y organizar visitas manteniendo los protocolos COVID vigentes. La FUNYDER, Fundación para el Desarrollo de la Universidad Nacional del Comahue, lleva adelante la administración de este novedoso proyecto.
El link para acceder al museo virtual es: www.museosdelapatagonia.com (Recomendaciones de uso, para una mejor experiencia, recomendamos visualizar los Museos Virtuales en una computadora de escritorio o notebook.) Los paleontólogos a cargo de este proyecto, Domenica dos Santos y Juan Porfiri, aseguraron que esta iniciativa es totalmente novedosa en la región y que la gente podrá disfrutar en familia de una visita diferente al alcance de la mano. El moderno recorrido es un adelanto de lo que será el museo físico, incorporando nuevas tecnologías y visibilizando principalm
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